LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA

[Presidemente]

En el puesto número 39


Kim Gordon (Cuarta parte)


Tras el anuncio de la pausa de Sonic Youth, Gordon comenzó una gira con Ikue Mori, baterista nacida en Tokio de la banda DNA de finales de los 70. Gordon había actuado con Mori anteriormente en eventos como el NoFunFest en 2004.

El dúo completó una gira europea a mediados de 2012 y Gordon explicó durante una entrevista correspondiente: "Uno quiere perderse y espera que el público se pierda con uno... Puedes sentir si están escuchando, puedes sentir si hay alguna conexión".

Junto con Bill Nace, Gordon y Mori fueron seleccionados para el evento All Tomorrow's Parties de junio de 2013, organizado por la banda Deerhunter.

Alrededor de 2012, Gordon formó un proyecto de guitarra noise con Bill Nace, llamado Body/Head.

El álbum debut de la banda, “Coming Apart”, fue lanzado el 10 de septiembre de 2013, en el sello Matador Records y la banda completó una gira por Estados Unidos durante el otoño de 2013.

Grabado en Easthampton, Massachusetts, a finales de 2012, “Coming Apart” presenta arreglos de noise rock experimental junto con letras de temática feminista.

Tras su lanzamiento, “Coming Apart” recibió críticas favorables de la crítica musical. La voz de Gordon y la producción minimalista del álbum fueron elogiadas por la crítica, y las técnicas de guitarra de Nace y la estructura libre del álbum generaron comparaciones con lanzamientos anteriores de Sonic Youth.

“Coming Apart” incluye 10 temas, todos con música original compuesta por Kim Gordon y Bill Nace. Gordon escribió la letra de siete de las canciones del álbum y Nace contribuyó con la letra de una canción, "Murderess".

"Ain't" está basada en la canción de Nina Simone de 1969 "Ain't Got No, I Got Life" y cuenta con letras de James Rado y Gerome Ragni interpretadas sobre la propia música de Body/Head.

El penúltimo tema del álbum, "Black", está basado en la versión de Patty Waters de la canción folk estadounidense "Black Is the Colour (Of My True Love's Hair)".

Al describir el sonido de “Coming Apart”, Ben Ratliff, del New York Times, afirmó que “la música se basa en acordes fundamentales , zumbidos , retroalimentación y patrones repetidos de dos guitarras”.

Gordon mencionó el jazz, y en particular a John Coltrane, como influencias en la composición de las canciones, señalando que el tema inicial, “Abstract”, incluye una estructura similar a la música del álbum de Coltrane, “Meditations” (1965).

Ratliff afirmó que gran parte de la música de Body/Head se remonta directamente a los primeros Sonic Youth.

Nace mencionó el cuarto álbum de estudio de Sonic Youth, “Sister” (1987), como una influencia en sus técnicas de guitarra, que se han comparado con las del músico de noise japonés Merzbow.

La composición sonora del álbum se ha descrito como “libre de estructuras de verso/estribillo” y se ha comparado con los lanzamientos anteriores de Sonic Youth.

Después de grabar el álbum (gran parte en vivo, con mínimas sobregrabaciones y sin percusión agregada) en Sonelab en Easthampton, Massachusetts, en diciembre de 2012, el ingeniero del álbum, Justin Pizzoferrato, mezcló la guitarra de Gordon en el canal izquierdo y la guitarra de Nace en el canal derecho de la mezcla estéreo final.

Gran parte de las letras de “Coming Apart” fueron en gran parte improvisadas. Los críticos han hecho conexiones entre los temas líricos del álbum en canciones como "Last Mistress" y el divorcio de Gordon de su ex compañero de banda y esposo Thurston Moore a finales de 2011.





Gordon "sangra catárticamente por todo el disco" con sus letras dejándola "tan emocionalmente desnuda como podría estar".

Spin destacó los temas feministas en “Coming Apart”, explicando que gran parte del álbum "trata sobre los roles de las mujeres: su deber, su identidad. Gordon canta sobre la asesina, la amante, la actriz, la 'buena ama de casa' ... Las canciones están entrelazadas con la desesperación y el deseo, detallando su servicio y proximidad al poder masculino, tanto la posesión como la pérdida de este".

La voz de Gordon, que generó comparaciones con la de Patti Smith, se produjo con cantidades considerables de eco y reverberación "para usarla como otro instrumento en sí misma".

“Coming Apart” se lanzó el 10 de septiembre de 2013 en Estados Unidos y Canadá bajo el sello Matador Records y se lanzó a nivel mundial el 16 de septiembre y estuvo disponible en CD, LP doble y descarga digital.

El título del álbum hace referencia a la película homónima de 1969, dirigida por Milton Moses Ginsberg. Antes del lanzamiento oficial del album, su cuarta canción, “Actress”, ya estaba disponible en streaming.

Body/Head realizó varios conciertos en Estados Unidos para promocionar el lanzamiento de “Coming Apart”, incluyendo fechas en Brooklyn, Nueva York; Los Ángeles y San Diego, California; Chicago, Illinois; y Detroit, Michigan, en septiembre y octubre de 2013.

Durante las presentaciones originales en vivo de Body/Head en 2012, el enfoque de la banda fue principalmente instrumental e incluyó a Gordon y Nace tocando junto con proyecciones de películas a cámara lenta con un fondo.

La gira de 2013 de la banda presentó la voz de Gordon "incorporándose cada vez más en la mezcla", con material de “Coming Apart” interpretado junto con "mucho espacio improvisado incorporado".





Tras su lanzamiento, “Coming Apart” recibió principalmente críticas positivas. En Metacritic, que asigna una calificación normalizada de 100 a las críticas de los críticos convencionales, el álbum recibió una puntuación promedio de 75, basada en 19 reseñas, lo que indica "críticas generalmente favorables".

La crítica de Allmusic, Heather Phares, calificó a “Coming Apart” con cuatro de cinco estrellas, elogió las técnicas experimentales de composición y las habilidades vocales de Kim Gordon, y resumió que "fluidas, femeninas y feministas, estas canciones comprenden algunas de las piezas musicales más honestas de la carrera de Gordon. En Coming Apart , ella se encuentra a sí misma".

Escribiendo para Consequence of Sound, Ryan Bray describió el álbum como "un ejercicio escaso de tensión irritable, creado casi estrictamente a partir de paisajes sonoros furiosos y cargados de retroalimentación". Calificó el álbum con tres estrellas y media de cinco, seleccionando "Abstract" y "Last Mistress" como sus canciones esenciales.

En su reseña de DIY, El Hunt se refirió a “Coming Apart” como "experimentalismo en su máxima expresión" y le dio una calificación de ocho sobre diez. Reflexionando sobre el álbum, Hunt señaló que "Body/Head despoja el sonido de estructuras esqueléticas dispersas, antes de reconstruirlo en paredes sonoras gigantescas y envolventes" y dijo: "Esto no es solo 'rock noise'... Coming Apart es un No-Wave verdaderamente nihilista".

El escritor de FILTER, Alejandro Rubio, describió “Coming Apart” como un disco con un "tono catártico general que se extiende por todo el álbum", comparándolo con la "sensibilidad visceral de Lead Belly a través de un enfoque vanguardista de John Cage" y la "oscura disonancia oriental" de “The Marble Index” (1969) de Nico.

Magnet le dio al álbum una calificación de 90 sobre 100, resumiendo que "vocalmente, Gordon renace, bautizado en fuego".

En la reseña de siete sobre diez de NME, el crítico Huw Nesbitt señaló que “Coming Apart” no demostró "nada remotamente nuevo para [Gordon] como músico o para la música drone en general. Pero está hecho con una agradable malevolencia".

Escribiendo para Pitchfork Media, Marc Masters describió como "Gordon y Nace se adentran profundamente en su estrecho sonido, extrayéndolo para obtener más variedad y emoción de la que debería contener. El efecto es sutil: al principio, la música parece sin rumbo... pero escucha Coming Apart unas cuantas veces y emergen formas distintivas. Eventualmente, la dedicación del dúo a un punto de vista específico se vuelve embriagadora".

Kevin Korber de PopMatters le otorgó al álbum una calificación de ocho sobre diez, elogiando la idea de que "para un proyecto nacido de la improvisación, Coming Apart es una pieza sorprendentemente cohesiva. La familiaridad y experiencia de Gordon y Nace con esta música brillan en cada canción mientras mantienen unido el caos que desatan".

Joe Gross de Rolling Stone dijo que en el álbum, "Gordon muestra su característica y musculosa voz temblorosa, en medio de un montón de retroalimentación atronadora al estilo de Sonic Youth y un deslizamiento de guitarra" y describió los "atascos de guitarra gemela" como "opacas", calificando el álbum con tres de cinco estrellas.

En la reseña de “Coming Apart” de Spin, Jessica Hopper le dio ocho de diez y destacó los temas feministas del álbum, señalando que "Nace encaja perfectamente en este cosmos femenino" y resumiendo que "en ningún otro momento de su carrera Gordon ha sido tan contundente, tan en su propio poder".

En 2016 salió un álbum en vivo de Body/Head titulado “No Waves”.

Lanzado por Matador Records el 11 de noviembre de 2016, fue grabado durante una presentación en el Big Ears Festival de Knoxville, Tennessee.

El álbum incluye versiones improvisadas de material extraído del primer álbum de estudio del dúo, “Coming Apart”, y del sencillo “The Show Is Over” y continúa la tendencia del proyecto de rechazar las estructuras musicales tradicionales y utilizar diversos métodos para distorsionar su sonido.

En el momento en que se grabó el material de “No Waves”, el dúo se presentaba en vivo en el Teatro Bijou para el Big Ears Festival de 2014, para promocionar el lanzamiento de “Coming Apart”.

Desde que se formó el proyecto en 2012, Body/Head solo ha organizado una agenda de gira limitada, lo que hace que el álbum sea una mirada poco común a la destreza en vivo del acto.

El guitarrista Bill Nace explicó en una entrevista para la revista Rolling Stone que la buena calidad de sonido del álbum se debía a "los micrófonos en los amplificadores, no a un blanqueamiento posterior". Añadió que "esta mezcla cruda en particular tenía un carácter particular que se mantenía unido en su conjunto".

Los tres temas de “No Waves” ya habían aparecido en lanzamientos anteriores de Body/Head, aunque con diferentes estructuras: "The Show Is Over" es la cara A de un sencillo distribuido en 2014, y "Abstract Actress" es un popurrí de las dos canciones de “Coming Apart”.

El crítico musical Andy Cush señala que, en lugar de intentar replicar su trabajo de estudio, el dúo "trata las canciones como bocetos para improvisar posteriormente, para darles color a gusto de los músicos".

Tras el lanzamiento de “No Waves”, el dúo realizó una breve gira de cuatro fechas por Estados Unidos.

El segundo álbum de estudio de Body/Head, “The Switch” (2018), fue lanzado el 13 de julio de 2018 bajo el sello Matador Records.

“The Switch” recibió críticas generalmente favorables. En Metacritic, que asigna una calificación promedio ponderada sobre 100 a las reseñas de publicaciones convencionales, este lanzamiento recibió una puntuación promedio de 75, basada en 17 reseñas.

El "Álbum del Año" de Aggregator le otorgó un 71 sobre 100, basado en un consenso crítico de 17 reseñas.





El dúo también lanzó un álbum de estudio colaborativo con Aaron Dilloway, “Body/Dilloway/Head” (2021), a través de Three Lobed Recordings.

También en 2015, Gordon formó el grupo musical experimental Glitterbust con el guitarrista Alex Knost.

Su álbum debut homónimo fue lanzado en Burger Records el 4 de marzo de 2016. La banda tomó su nombre de una canción de Royal Trux de su LP “Twin Infinitives”.

El 12 de septiembre de 2016, Gordon lanzó su primer sencillo en solitario, "Murdered Out", seguido el 20 de agosto de 2019 por un segundo sencillo en solitario, "Sketch Artist".

Una tercera canción, "Air BnB", se lanzó el 11 de septiembre. Todas las canciones aparecen en su primer disco en solitario en Matador Records, “No Home Record”.

“No Home Record” es el primer álbum en solitario de Kim Gordon en sus 38 años de carrera musical.

Según Gordon, decidió empezar a trabajar en el álbum tras conocer al productor Justin Raisen en un alojamiento de Airbnb unos años antes de la grabación.

Raisen le pidió que cantara en un proyecto en el que había estado trabajando, que se convirtió en la base de la canción "Murdered Out". Ambos decidieron seguir trabajando en un álbum en solitario. Se lanzó el 11 de octubre de 2019.

La música del álbum ha sido descrita como un "festín de ritmos desconcertantes" por el escritor de NPR Lars Gotrich, e incluye instrumentos como el oboe y la guitarra.

El documental de Chantal Akerman de 2015, “No Home Movie”, inspiró a Gordon a titular su álbum con el mismo nombre y darle sentido y contexto.

“No Home Record” recibió críticas generalmente positivas. En Metacritic, que asigna una calificación promedio ponderada sobre 100 a las reseñas de publicaciones profesionales, el álbum recibió una puntuación promedio de 80, basada en 26 reseñas.

El álbum recibió puntuaciones perfectas de Laura Snapes de The Guardian, quien dijo que "combina brillantemente texturas de ruido con dinámicas pop", y Joe Creely de The Skinny, quien lo llamó un "magnífico debut en solitario que abarca el género" y "una verdadera alegría de álbum".

Danijela Bočev de The Quietus dijo: "El álbum deslumbra con el emocionante cóctel de estilos por los que ha pasado Gordon, como si cambiara de canal en la radio más genial del mundo".

Philip Sherburne de Pitchfork llamó a su debut en solitario "emocionante" y dijo que estaba "atravesado por el hermoso e implacable ruido que siempre ha definido su arte".

En una reseña para The Observer, Kitty Empire encontró que era "toda una hazaña" que Gordon "conectara el No Wave de los 70 con el final travieso de la producción digital contemporánea" en "paisajes sonoros tridimensionales y castigadores" como "AirBnB".





En su columna "Consumer Guide", Robert Christgau también destacó el logro musical del álbum y recomendó escucharlo en altavoces de calidad: "Las guitarras que se escuchan a lo largo del disco se combinan con la electrónica que domina en una construcción áspera pero también elocuentemente texturizada que complementa la fragilidad y la franqueza de la voz a veces dolorida, a veces susurrante de Gordon".

Algunos críticos fueron más críticos. El Hunt, de NME, calificó el álbum de "inquieto y áspero", y de "escucha inquieta".

En una reseña por lo demás positiva para Rolling Stone, David Browne comentó que las letras "siempre elípticas" de Gordon carecen de la franqueza y la perspicacia personal de sus memorias de 2015, “Girl in a Band”.

“The Collective”, su segundo álbum de estudio en solitario, fue lanzado el 8 de marzo de 2024 por Matador Records. Recibió excelentes críticas y dos nominaciones en la 67ª edición de los Premios Grammy : "Mejor Álbum de Música Alternativa" y "Mejor Interpretación de Música Alternativa" (por “Bye Bye”).

El álbum se inspiró en parte en la novela de Jennifer Egan, "The Candy House" (2022 ). El productor Justin Raisen le envió a Gordon varias pistas instrumentales, sobre las cuales cantó y añadió efectos de distorsión.

Gordon también comentó que quería que el álbum fuera más rítmico que su anterior álbum, "No Home Record" (2019).

“The Collective” recibió una puntuación de 88 sobre 100 en el agregador de reseñas Metacritic, basándose en 18 reseñas de críticos, lo que indica "aclamación universal".

The Wire consideró que "los sintetizadores de bordes duros y los ritmos masivos y crujientes le dan un aire arrogante a los borrascas de guitarra borrosos de Gordon y su sprechstimme con jetlag", mientras que Mojo opinó que "el destello de angustia confuso de 'The Candy House' o el My Bloody Neubauten de 'I Don't Miss My Mind' confirman que todavía está captando señales que nadie más puede".





Uncut declaró que "hay poca guitarra identificable hasta la pista cinco, momento en el que la ansiedad y la amenaza se han apoderado gracias al semblante pesado de 'Bye Bye' y la monstruosa molienda de 'I'm a Man'. 'Shelf Warmer' deja entrar algo de aire, pero también es fabulosamente asqueroso".

Jeremy Allen de Record Collector escribió que en “The Collective”, "la aguja parpadea en rojo con capa tras capa de distorsión digital y algunos de los ritmos más sucios conocidos por el hombre".

Stereogum lo nombró álbum de la semana, y Chris DeVille, del sitio web, escribió que la "gloria" del álbum reside en "la capacidad de la cofundadora de Sonic Youth para integrarse con comodidad en ese ambiente de rap decadente de SoundCloud, a la vez que le infunde la arrogancia del rock experimental que la ha caracterizado durante más de cuatro décadas. La producción, estridente, retumbante y lenta, resulta ajena al catálogo de Gordon, pero ella la hace completamente suya".

Jack Faulds, de The Skinny, observó que el álbum "se inclina aún más hacia los estilos de dub y trap pesados introducidos en No Home Record de 2019" y "logra alcanzar ese punto óptimo, creando un álbum aventurero, encantadoramente inexpresivo y visceral en todo momento".

En una reseña del álbum para Pitchfork, Shaad D'Souza lo describió como "una vorágine de pensamientos mundanos, comentarios divertidos y destellos de pura rabia, convertidos en una niebla densa y desconcertante. Suena como se siente el cerebro de TikTok".

Charlotte Marston de DIY lo encontró "más bien un asunto de cortar y pegar" con "Kim continuando canalizando verdades incómodas a través de sonidos de trip-hop ocultos y ritmos industriales húmedos".

Callum Foulds de The Line of Best Fit declaró que "No hay nadie por ahí que lo haga como Kim Gordon, y su regreso a la música con The Collective demuestra que sigue siendo la persona más genial de la música".

Oliver Crook, de Exclaim!, escribió que “The Collective” "no es fácil de escuchar. Sus ritmos discordantes y angulares —cortesía del productor Justin Raisen— son desafiantes; la electrónica potente, la guitarra desenfadada y la palabra hablada gruñona contrastan con la melodía".

Jordan Bassett, de NME, opinó que Gordon "equilibra su sensibilidad poco comercial con una producción crujiente y a la moda y letras con las que uno se identifica sobre el capitalismo podrido y la masculinidad frágil".

Kory Grow, de Rolling Stone, lo llamó la "interpretación única de Gordon del hip-hop ruidoso", y también afirmó que "las canciones suenan vanguardistas, trap, hip-hop de la vieja escuela, ruidosas o música concreta, dependiendo de dónde se coloque la aguja".

Déjate atrapar por el hipnótico videoclip de “Bye, bye”, una explosión visual que encarna la rebeldía y la urgencia de “The Collective”.

Dirigido por Clara Balzary, hija de Flea de Red Hot Chili Peppers, y protagonizado por Coco Gordon Moore, hija de Kim y Thurston Moore, el video sigue a una joven en una fuga frenética por los suburbios de Los Ángeles, entre moteles lynchianos, cabinas telefónicas y mercados nocturnos.

Con una estética noventera, la narrativa captura la tensión de la post-adolescencia, reflejada en robos impulsivos y miradas furtivas a cámaras de seguridad.

La banda sonora, con su base trap distorsionada y la voz robótica de Gordon recitando una lista de objetos cotidianos, se fusiona con imágenes de caos controlado, creando una sinestesia de ruido, color y movimiento.





Nota de Presidemente: aquí os dejo la reseña del disco que escribió Giordano Antonelli Villavicencio para rockaxis.com.

En un mundo donde la música cambia a una velocidad vertiginosa y las expectativas son tan fugaces como las tendencias en las redes sociales, los artistas veteranos a menudo se enfrentan al desafío de adaptarse o quedar rezagados.

Kim Gordon, en cambio, abordó este reto con gran valentía, aunque sin ánimo de generar una reinvención o despertar mucho entusiasmo en nuevos espectadores.

Y es que "The Collective" –su segundo lanzamiento en solitario después de "No Home Record" (2019)-, es un álbum audaz que no se casa con ninguna dirección, pues deja que las cosas floten y se compliquen.

Contando nuevamente con la colaboración del productor Justin Raisen (Charli XCX, Yves Tumor), Gordon fusiona el noise con elementos del trap y el trip hop para crear paisajes atmosféricos tan densos como melancólicos, donde observa fríamente la era contemporánea y dispara sus dardos contra el consumismo, la falsa alegría que nos dan los aparatos móviles, el sexismo y la superficialidad.

Tal como la realidad se desmorona ante nosotros y no hacemos mucho por evitarlo, estas canciones son abordadas desde una completa indiferencia: emergen de manera saturada y son aplastadas inmediatamente antes de explotar.

Al mismo tiempo, la interpretación que les da Gordon es tan corrosiva como monótona, enfundada de una molestia que ni ella misma parece querer precisar.

Desde un principio, este álbum nos sumerge en un sombrío viaje hacia lo desconocido: 'BYE, BYE', 'The Candy House', 'I Don't Miss My Mind' y 'Trophies' presentan una mezcla de ritmos distorsionados que crean atmósferas angustiantes y ominosas.

Ciertamente, 'Psychedelic Orgasm' es lo más convencional que nos encontraremos por aquí, siendo un corte de doom metal con influencias del dubstep.

Todo lo que nos rodea es incómodo y autodestructivo. Cada pista avanza con rapidez y sin grandes diferencias que adviertan el cambio de una a otra, como si fueran historias de Instagram controladas por un algoritmo enajenado.

'Tree House' y 'Shelf Warmer' poseen una fuerte presencia de elementos industriales, además de tener letras que desafían la relevancia de la humanidad en un abrumador mundo virtual, resaltando la superficialidad y falta de autenticidad de la cultura contemporánea con un tono sarcástico.

La voz de Gordon agrega una capa de complejidad, fluctuando entre diferentes niveles de volumen y sumergiéndonos en los intrincados laberintos psicodélicos de su música. En su tramo final, nos encontramos con 'The Believers', imbuido de un estado de ánimo introspectivo y desencantado. Gordon no canta aquí, sino que recita con una abulia tremenda.

Golpes de una amalgama de drones y programaciones metalizadas llenan el espacio, mientras riffs extraños e inconexos intensifican la experiencia.

Estos elementos se repiten en 'Dream Dollar', donde las guitarras expulsan ira digital a más no poder y los sonidos del trip hop se retuercen sin mucho sentido.

Un extraño trance de piano y ruidos reminiscentes de un router nos sacuden bruscamente, sumergiéndonos en la más profunda oscuridad.

Es cierto que ahora podría haber espacio para la reflexión, pero el disco aplasta tanto y nos expone a tantas emociones que es ridículo conservar algo en lo inmediato.

Nada de lo que escuchamos aquí es parecido a lo que ella hizo antes, y, sin embargo, es muy coherente: siguiendo la misma entereza con la que desafió las expectativas y las convenciones establecidas en el rock en los noventa, ahora destroza los clichés del trap.

Al mismo tiempo, explora nuevos horizontes musicales con la misma relevancia que tenía por entonces. No hay duda que escuchar "The Collective" es desafiante y agotador, pero es uno de los mejores trabajos noise de los últimos años.


Gordon también se sumergió en la producción de arte, habiendo sentido que la música había "desviado" su carrera como artista visual. “Casi siento que estoy recuperando el tiempo perdido. Siento que me lo debo a mí misma. Porque toda mi vida quise ser artista visual. Me dejé llevar por la música”.

Realizó varias exposiciones de arte en 2013, incluyendo "The Show Is Over", en la Galería Gagosian de Londres, y la encuesta "Design Office with Kim Gordon–Since 1980", en White Columns, Nueva York, este último un renacimiento de un proyecto que había comenzado en 1980.

En 2014, presentó Wreath Paintings de nueva creación en la icónica Casa Fitzpatrick-Leland de Rudolf Schindler bajo el nombre de “Design Office”.

“Kim Gordon: Lo-Fi Glamour”, la primera exposición individual de Gordon en un museo norteamericano se inauguró en el Museo Andy Warhol en 2019.

La exposición presenta una banda sonora encargada para la película muda “Kiss de Andy Warhol” (1963-1964) en conversación con pinturas de texto, dibujos de figuras y esculturas eróticas.





En enero de 2014, apareció en el estreno de la tercera temporada de la serie “Girls” como Mindy, una drogadicta en recuperación en un grupo de apoyo de rehabilitación. Luego apareció como ella misma en un episodio de marzo de 2014 de “Portlandia”.

Gordon luego apareció en la película “Imponderable” de Tony Oursler, que se proyectó en el Museo de Arte Moderno en junio de 2016.

En 2017, Gordon tuvo un pequeño papel en la serie de HBO “Animals”, seguido de un papel secundario en la película de comedia dramática de Gus Van Sant “Don't Worry, He Won't Get Far on Foot”.

Gordon publicó sus memorias, “Girl in a Band”, el 24 de febrero de 2015, a través del sello Dey Street Books de HarperCollins.

El título se inspira en la letra de la canción “Sacred Trickster” del último álbum de Sonic Youth, “The Eternal” (2009). La letra dice: “¿Cómo es ser una chica en una banda? / No lo entiendo del todo”.

La letra también aparece en una pieza de la exposición de arte de Gordon de 2013 —una revisión de su obra desde 1980— en la galería White Columns de Nueva York.

“Girl in a Band” describe la vida de Gordon desde su infancia (primero en Rochester, Nueva York , luego en Los Ángeles) pasando por la fundación y trayectoria de Sonic Youth, su matrimonio de casi tres décadas con su compañero de banda Thurston Moore y la disolución final de su matrimonio y de la banda.

Las memorias recibieron críticas muy favorables. En The New York Times, Questlove elogió la "cuidadosa introspección, el detalle y la verdadera esencia" del libro, señalando que incluso cuando aparecen en la narrativa las numerosas celebridades en la vida de Gordon, "nunca resulta forzado ni ostentoso. Es clara al explicar cómo las personas que la rodeaban la inspiraron artísticamente, impulsando sus ideas y dándole la confianza para expresarse".

En NME, Leonie Cooper señaló: "Los chismes sobre la ruptura de su matrimonio y Sonic Youth atraerán a muchos al libro de Gordon. Pero ella los supera maravillosamente, abordando ambos con resignada sencillez y encontrando catarsis a través del arte que aprecia y una actuación con una formación exclusivamente femenina en la incorporación de Nirvana al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2014. Mucho más que una biografía de rock, Girl In A Band es un registro único de los últimos 50 años de cultura alternativa".

La reseña positiva del libro por parte de The Guardian concluyó que "estas memorias son una especie de encender fuego en el trabajo de toda una vida que para Gordon ahora es inseparable del desamor", pero observó que, en el tratamiento que Gordon da a la ruptura de su matrimonio, "Lo que podría simplemente describirse como una historia de dos personas que se enamoraron y luego se desenamoraron con toda la miseria emocional habitual es... representado en términos de la crisis de la mediana edad, un marco narrativo que se lee como innecesariamente punitivo para todos los involucrados".

Nota de Presidemente: Aquí os dejo un artículo escrito por Salvador Escobar para roxkaxis.com titulado: Cinco lecciones que aprendimos leyendo la autobiografía de Kim Gordon - Desde su nexo con Kurt Cobain hasta sus ideas feministas

“La chica del grupo” (Girl in a Band) repasa la vida y obra de la bajista de Sonic Youth. Compartimos algunas de las historias y reflexiones que nos llamaron la atención.

La gira por Sudamérica fue un momento miserable para ella

Kim Gordon dice que nunca se había sentido tan sola en la vida como cuando tuvo que cantar 'Death Valley' en el último concierto de Sonic Youth, el 14 de noviembre de 2011, durante el festival SWU en Sao Paulo, Brasil.

Ya no se dirigían la palabra con Thurston Moore, y la convivencia fue haciéndose cada vez más incómoda con el paso de los días. Incluso, reconoce que estuvo a punto de tomarse el micrófono sobre el escenario para hablar al respecto, pero se contuvo.
No quería parecerse a Courtney Love.

Kurt Cobain era como su hermano menor

Por una encarecida recomendación del fundador de Sub Pop, Bruce Pavitt (“tienes que verlos en vivo, Kurt Cobain es como Jesús, la audiencia lo ama”), Kim Gordon y Thurston Moore asistieron a un concierto de los entonces desconocidos Nirvana.

La bajista quedó impactada por la mezcla de melodías y disonancia del joven grupo.

Cuando conoció a Cobain en backstage, hubo química entre ambos: “me hacía sentir como una hermana mayor, muy maternal, cada vez que nos encontrábamos”. Forjaron una amistad: Kurt le pedía consejos cuando tenía problemas maritales.

No soporta a Courtney Love, Billy Corgan, ni Lana del Rey

Dada su naturaleza sensata, “La chica del grupo” aporta impresiones sobre la gente que se cruzó en el camino de Kim Gordon, y por supuesto, no todas son positivas.

Aunque produjo el debut de Hole, Gordon miraba a Courtney Love con recelo y dice que temió de inmediato cuando ella le confesó que estaba interesada en Kurt Cobain.

Sobre Billy Corgan, tampoco tiene palabras de aprecio: consideraba que se tomaba demasiado en serio a sí mismo (“a nadie le caía bien”).

Otra persona no grata: Lana del Rey, a quien acusa de promover la autodestrucción y no tener idea sobre feminismo.

El feminismo es uno de sus pilares

A través de las páginas, Kim Gordon va contando detalles sobre sus diversas aproximaciones al feminismo, a través de acercamientos a la obra de gente como Elizabeth Debold, Barbara Kruger o Julia Kristeva.

También defiende a las riot grrrls: demuestra solidaridad hacia su postura anti medios, mientras critica a su vez el machismo de la revista Rolling Stone o del sello Geffen.

“La chica del grupo”, de hecho, es un título que alude a la clásica pregunta que le hacían: “¿qué se siente ser la única mujer de la banda?”.

Es muy probable que Sonic Youth jamás regrese

Aunque nunca hay que decir nunca, la forma en que Kim Gordon se refiere a Thurston Moore da a entender que las posibilidades de que Sonic Youth regrese son infinitesimales.

“La chica del grupo” parte y termina hablando sobre su separación, desde el impacto en la hija de ambos hasta la resonancia pública que tuvo (dice que hasta se le acercó gente a la que no conocía, como Chris Cornell, para decirle cuánto lo sentían).

Gordon reconoce que se convirtieron, finalmente, en un cliché: un matrimonio fallido por una crisis de la mediana edad. Y recapitula afirmando que siente compasión por el: “lamento la forma en que perdió su matrimonio, su banda, su hija, su familia, nuestra vida juntos y a sí mismo. Pero es muy distinto que perdonar”.


Gordon posee un registro vocal de contralto.

Una reseña de 2016 de Pitchfork la destacó como "uno de los grandes instrumentos de la historia del post-punk, aunque no siempre se le reconoce la variedad de su técnica".

A pesar de su prolífica carrera musical, Gordon declaró al periodista Evan Smith en una entrevista de 2015 que nunca se consideró una artista, explicando que se había "introducido en el mundo" de las escenas musicales de los años 80 y que se "sentía como una forastera" una vez que formaba parte de él.

El trabajo instrumental de Gordon como guitarrista se ha descrito como "libre" y experimental.

Gordon es un ícono de la cultura popular, personificando una "inefable y magnética frescura" y "una cierta clase de frialdad distante y urbana".

Algunos periodistas la han señalado como una figura pública que "nunca ha revelado mucho" sobre sí misma.

Adam Horovitz, de los Beastie Boys, comentó sobre la personalidad de Gordon: "Dondequiera que Kim termine, es la persona más genial del lugar. Pero la conozco y sé que preferiría estar en casa asando perritos calientes".

Gordon también ha sido citada como "una polímata modesta" dadas sus variadas carreras en arte, música, moda y actuación.

Si bien los medios de comunicación comentaron que Gordon era "impresionantemente impresionante y segura de sí misma" durante su etapa en Sonic Youth, ella comentó en una entrevista retrospectiva que se sentía "bastante insegura sobre mi imagen y dónde encajaba".

Al describir su imagen, dijo: "Sabía que no podía lograr una imagen cool y estilizada, simplemente no era yo... Era una reacción al estilo corporativo. Así que se trataba simplemente de ser ella misma, ya sabes, subir al escenario con una camiseta".

Tras la publicación de sus memorias en 2015, Gordon recibió algunas críticas por comentarios sobre otros músicos, entre ellos Lana Del Rey: "Naturalmente, [ella] es solo una personalidad. Si realmente cree que es hermoso cuando los jóvenes músicos se dejan llevar por las drogas y la depresión, ¿por qué no se suicida?".

Gordon también reflexionó sobre su trabajo con Courtney Love en 1991, escribiendo: "Nadie cuestiona nunca el trastorno detrás de su glamour de tarántula de Los Ángeles (sociopatía, narcisismo) porque es buen rock and roll, ¡buen entretenimiento! Tengo poca tolerancia para el comportamiento manipulador y ególatra, y normalmente tengo que recordarme a mí misma que la persona podría tener una enfermedad mental".

Gordon aclaró sus comentarios sobre Del Rey en una entrevista posterior, declarando: "Al principio, se trataba simplemente de ver algo en el periódico... algo sobre cómo las estrellas de rock deberían simplemente suicidarse con drogas, y Frances Bean [Cobain] realmente había reaccionado a eso y me sentí realmente extrañamente protectora de Frances. Así que básicamente estaba tratando de señalar que era una personalidad y simplemente dije lo que dije... Supongo que podría haber articulado todo el asunto mucho mejor".

El 21 de mayo de 2015, Gordon fue homenajeada en la Gala de Primavera de The Kitchen.

El 5 de mayo de 2018, recibió un Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Arte y Diseño Emily Carr.

Legado

Los críticos y los estudiosos de la música consideran que Gordon y sus contribuciones a Sonic Youth fueron influencias clave en el desarrollo de la música grunge y el riot grrrl, ambos movimientos musicales que comenzaron a principios de la década de 1990.

Entre quienes la han citado como influencia se encuentran la cineasta Sofia Coppola, la música Kathleen Hanna y la cantante irlandesa Róisín Murphy.

Hanna explicó en 2013: “Ella fue una precursora, musicalmente. El solo hecho de saber que una mujer estaba en una banda compartiendo voz principal, tocando el bajo y siendo artista visual al mismo tiempo me hacía sentir menos sola. Como cantante feminista radical, no era muy querida. Estaba en una escena punk underground dominada por tipos hardcore que me gritaban cosas horribles todas las noches, y los periodistas solían decir que mi voz era estridente e inescuchable. Kim me hizo sentir aceptada de una forma que nunca antes me había sentido. La maldita Kim Gordon pensaba que iba por buen camino, al diablo con los que me odiaban. Me hacía más llevadero saber que ella me apoyaba”.

Discografía

Como Solista
No Home Record (2019)
The Collective (2024)

Con Sonic Youth
Albunes de estudio
Confusion Is Sex (1983)
Bad Moon Rising (1985)
EVOL (1986)
Sister (1987)
Daydream Nation (1988)
Goo (1990)
Dirty (1992)
Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994)
Washing Machine (1995)
A Thousand Leaves (1998)
NYC Ghosts & Flowers (2000)
Murray Street (2002)
Sonic Nurse (2004)
Rather Ripped (2006)
The Eternal (2009)

EP
Sonic Youth (1982)
Kill Yr Idols (1983)
Master-Dik (1987)
Whores Moaning (1993)
TV Shit (1994)
Silver Session for Jason Knuth (1998)
In the Fishtank 9 (2002)
Kali Yug Express (2002)
Sensational Fix (2009)

Álbunes recopilatorios
Sonic Death (1984)
Screaming Fields of Sonic Love (1995)
The Destroyed Room: B-sides and Rarities (2006)
Hits Are for Squares (2008)
In/Out/In (2022)

Serie SYR
SYR1: Anagrama (1997)
SYR2: Slaapkamers Met Slagroom (1997)
SYR3: Invito Al Ĉielo (1998)
SYR4: Goodbye 20th Century (1999)
SYR5 (2000)
SYR6: Koncertas Stan Brakhage
Prisiminimui (2005)
SYR7: J'Accuse Ted Hughes (2008)
SYR8: Andre Sider Af Sonic Youth (2008)

Con Free Kitten
Unboxed (1994)
Nice Ass (1995)
Sentimental Education (1997)
Inherit (2008)

Con Body/Head
Body/Head 12" (2013)
Coming Apart (2013)
No Waves (2016)
The Switch (2018)

Con Glitterbust
Glitterbust (2016)



Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, rockaxis.com, Wikipedia y Flickr

[Presidemente]

En el puesto número 38


Pino Palladino


Pino Palladino es un músico de rock y blues británico de ascendencia italiana y, sin duda, uno de los grandes bajistas en la historia de la música.

Aunque posee una gran experiencia en el rock and roll, blues y r&b, su talento le ha permitido trabajar en otros géneros como el jazz, funk y soul.

Cuando John Entwistle falleció repentinamente en 2002, The Who podría haber llamado a casi cualquier bajista del mundo para reemplazarlo. Se decantaron por Pino Palladino.

Para entonces, el músico galés había tocado con todos, desde Jeff Beck y Elton John hasta John Mayer, Don Henley y BB King.

Pero su verdadero dominio era el R&B y gran parte de su mejor trabajo aparece en álbumes como la obra maestra de D'Angelo del 2000, “Voodoo”, y “Mama's Gun” de Erykah Badu del mismo año.

En ambos álbumes, Palladino marcó ritmos suaves y sincopados, muy similares a los que James Jamerson, uno de sus ídolos, hizo en los discos de Motown en los años sesenta.

Su papel en The Who le brindó la mayor plataforma de su carrera, y posteriormente realizó giras con Nine Inch Nails y Simon & Garfunkel.

"Cuando me llamaron para tocar con The Who, estaba trabajando con Erykah Badu y D'Angelo, y tuve que cambiar por completo mi estilo", dijo.

“El mánager me dijo: 'John [Entwistle] ha muerto. ¿Puedes tocar en el Hollywood Bowl dentro de tres días?'. No se rechaza algo así. Solo después pensé en las consecuencias. La instrucción de Pete Townshend fue: ¡Toca lo que quieras, siempre y cuando toques fuerte!·”.





Hijo de madre galesa y padre italiano (de Campobasso), Giuseppe Henry Palladino nació en Cardiff el 17 de octubre de 1957. Fue criado como católico y asistió a una escuela católica.

Comenzó a tocar la guitarra a los 14 años, debido a la influencia de su párroco, y el bajo a los 17, después de que su párroco lo llevara a un concierto de Ralph McTell con el bajista Danny Thompson, una decisión que cambio su vida sin prever el enorme éxito que tendría con este instrumento.

Compró su primer bajo sin trastes un año después, influenciado por la música de Motown y tocando principalmente R&B, funk y reggae con un ritmo de rock and roll. También se sintió atraído por el jazz y tomó lecciones de guitarra clásica.

Durante esa época toca el bajo en numerosas bandas locales de rock, funk y reggae, comenzando a grabar en estudios locales.

Se mudó a Londres a la edad de 23 años para tocar con la banda de Jools Holland, ex tecladista de Squeeze, con quienes salió de gira por Inglaterra y Estados Unidos, además de grabar dos álbumes.

En 1982, Palladino grabó con Gary Numan el álbum “I, Assassin”. Numan recordó que un factor importante durante la grabación del álbum fue el aporte de Pino Palladino:

“Era brillante. Nunca había escuchado una interpretación así... Creaba líneas de bajo impresionantes, canción tras canción. Me apoyé mucho en él durante la creación del álbum. Impulsé su interpretación al primer plano de las canciones y, sin darme cuenta, creé un nuevo estilo. Fue una de las primeras veces que se usó el bajo sin trastes como instrumento principal de la melodía, lo que le dio al álbum un aire atmosférico, ensoñador y Funky”.





Posteriormente, se le pidió que contribuyera al álbum debut de Paul Young. La versión de Young de “Wherever I Lay My Hat (That's My Home)” de Marvin Gaye fue número 1 en la lista de sencillos del Reino Unido durante tres semanas entre julio y agosto de 1983, y el primero de los 14 sencillos de Young en el Top 40 del Reino Unido. Un éxito similar le siguió en Europa continental.





Palladino posteriormente se unió a la banda de Young, The Royal Family, con quien estuvo de gira y grabando durante más de cinco años.

También toca en “Release”, el primer álbum en solitario de David Knopfler después de dejar Dire Straits.

Entre 1988 y 1989, Palladino participó en el álbum de Don Henley, “The End of the Innocence”, en tres temas, incluyendo el sencillo “New York Minute”.

En 1989, participó en la grabación del álbum “Beauty” de Ryuichi Sakamoto y formó parte de la formación que tocó con el músico japonés en el Hammersmith Odeon en 1991.

En 1990, tocó en el primer álbum en solitario de Mike Lindup, “Changes”, con Dominic Miller en la guitarra y Manu Katché en la batería.

En 1991, se unió a The Law con Paul Rodgers, anteriormente de Bad Company, y el baterista Kenney Jones, quien sucedió a Keith Moon en The Who después de que Moon muriera, y grabó el álbum “The Law”.

En la década de 1990, Palladino alternó entre el bajo sin trastes y el bajo con trastes de 4 y 6 cuerdas. Tocó con Melissa Etheridge, Richard Wright, Elton John y Eric Clapton.

En 1999, comenzó a trabajar con Richard Ashcroft de Verve en el álbum debut en solitario de Ashcroft, “Alone With Everybody”.





Sorprendido por el sonido natural y el talento del intérprete, Richard comentó: “Él puede tocar cualquier cosa. Él es una de las únicas personas en el mundo que puede replicar completamente el bajo de esa especie de Beach Boys/Scratch/Walker Brothers. Él puede obtener ese sonido si quieres. Por eso fue muy liberador trabajar con él”.

Después de esto ambos se unieron para salir de gira en el periodo del año 2000.

También a finales de los 90, Palladino y el artista de neo-soul D'Angelo forjaron una conexión gracias a su mutuo amor por la Motown y otros géneros del soul clásico.

Palladino se unió entonces a los Soulquarians, tocando en la mayor parte de su discografía y formando parte de la banda de gira Soultronics, que apoyó la gira “Voodoo” de D'Angelo.





Palladino tocó con Simon y Garfunkel en su gira de reunión “Old Friends” de 2003 a 2004.

John Entwistle, bajista de The Who, falleció en la habitación 658 del Hard Rock Hotel and Casino en Paradise, Nevada, el 27 de junio de 2002, un día antes del primer concierto programado de la gira estadounidense de 2002 de The Who.

Tras su fallecimiento, Pino Palladino quien ya había participado en varios álbumes de estudio en solitario de Townshend, sustituyó a Entwistle en el escenario cuando The Who reanudó su gira estadounidense, pospuesta, el 1 de julio de 2002 en el Hollywood Bowl.

En 2004, The Who lanzó “Old Red Wine” y “Real Good Looking Boy” (con Palladino y Greg Lake, respectivamente, al bajo) en una antología de sencillos, “The Who: Then and Now”, y realizó una gira de 18 fechas por Japón, Australia, el Reino Unido y Estados Unidos, incluyendo una reaparición en la Isla de Wight.

En 2006, se unió al resto de la banda (Pete Townshend a la guitarra, su hermano Simon Townshend a la guitarra y a los coros y John "Rabbit" Bundrick a los teclados. Peter Huntington, de la banda de Rachel Fuller, tocaba la batería, ya que Zak Starkey estaba de gira con Oasis) en su primer álbum en veinticuatro años, “Endless Wire”.

Tocó con The Who en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV en 2010, con Simon Townshend a la guitarra, Zak Starkey a la batería y John "Rabbit" Bundrick a los teclados.





En 2012, Palladino realizó una gira con The Who en el reestreno de “Quadrophenia”. Dejó de girar con ellos en 2016. Sin embargo, Palladino sigue participando ocasionalmente en sesiones de estudio; apareció en su álbum de 2019 titulado “Who”.

Palladino conoció a Steve Jordan a mediados de los 80, mientras ambos trabajaban como músicos de sesión. La colaboración se convirtió en una amistad.

Jordan atribuye el mérito a la aparente capacidad de Palladino para "sentir" los cambios en la música, a través de melodías, líneas de bajo y su capacidad para abarcar casi todos los géneros.

En 2005, John Mayer y Jordan se habían comprometido a un teletón en la NBC, con el bajista Willie Weeks titulado “Tsunami Aid: A Concert of Hope” para recaudar fondos y concienciar al público en beneficio de las víctimas tras el tsunami que azotó el sudeste asiático.

Sin embargo, cuando llegó la fecha, Weeks no pudo asistir al concierto, y Jordan sugirió al bajista de alto perfil Pino Palladino en su lugar.

Cuando los tres se unieron para tocar, notaron una química entre ellos, y formaron el Trío para tocar lo que Mayer llamó, "blues potente, de guitarra eléctrica y directo".

En febrero de 2005, el trío interpretó el sencillo de Mayer "Daughters" en la 47ª edición de los Premios Grammy, por el que Mayer ganó el premio a la Mejor Interpretación Vocal Masculina esa misma noche (aunque el trío actuó, se anunció que solo se llamaba "John Mayer").





El trío lanzó "Come When I Call" exclusivamente en iTunes. Aunque Rolling Stone afirmó que el sencillo, disponible solo para descarga, "grita un proyecto vanidoso", admitió que "Mayer es un mini Stevie Ray Vaughan sorprendentemente convincente" y le otorgó tres de cuatro estrellas.

Otro crítico señaló que "mezclado con la música al estilo de Stevie Ray Vaughan y Eric Clapton, hay algunos temas suaves", en particular de "Heavier Things" de Mayer.

En octubre de 2005, la banda realizó una gira como teloneros de The Rolling Stones en algunas fechas del “A Bigger Bang Tour”.
A medida que los comentarios de la gira comenzaron a llegar, las críticas fueron una mezcla polarizadora.

Al comentar sobre el concierto del Trío del 6 de octubre de 2005, Alan Light, de la revista Rolling Stone, comentó: “No se equivoquen: Mayer, exalumno del Berklee College of Music, es un guitarrista excepcional. Con el apoyo de los ases del estudio Steve Jordan en la batería y Pino Palladino en el bajo... su interpretación de blues fue siempre impresionante”. “Pero”, añadió, “se le antoja demasiado impresionar”.

Palladino, Jordan y Mayer lanzaron el álbum “Try!” el 22 de noviembre de 2005.

Se grabó en House of Blues de Chicago, Illinois, y fue lanzado por Columbia Records. Fue nominado a Mejor Álbum de Rock en la 49ª edición de los Premios Grammy.

La portada del álbum fue obra de la firma de diseño gráfico Ames Bros., de Seattle.

A diferencia de trabajos anteriores de John Mayer, “Try!” se centra en versiones de blues popular en lugar de canciones pop contemporáneas para adultos.

El CD incluye dos versiones: “Wait Until Tomorrow!” de Jimi Hendrix y “I Got a Woman” de Ray Charles; dos canciones del álbum anterior de Mayer, “Heavier Things”, “Daughters” y “Something's Missing”; y también incluye dos canciones del entonces próximo álbum de Mayer, “Continuum”, “Vultures” y “Gravity”.





Además, Mayer, Palladino y Jordan aparecen acreditados como compositores de tres canciones: “Good Love Is on the Way”, “Vultures” y “Try!”.

La respuesta de la crítica al álbum fue mixta, impresionando a la mayoría con la progresión de Mayer y la maestría musical de Palladino y Jordan, aunque también decepcionando.

Christian Hoard, de Rolling Stone, comentó: “Durante la mayor parte de estos sesenta y tres minutos [del álbum], Mayer demuestra que puede dejarte sin aliento, no solo dejarte sin aliento”, otorgándole finalmente tres de cinco estrellas.

Katy Hastey, de Billboard, opinó que “si bien "Try!" rebosa talento, no resulta convincente de forma consistente”.

La revista People elogió el álbum y concluyó: “Espero que Mayer mantenga este nuevo ritmo en su próximo disco en solitario”.

La experiencia de Mayer con el Trío influyó en su estilo de producción en “Continuum”, y él y Jordan produjeron el álbum.

Comentó: “Al artista casi se le acostumbra a creer que se necesitan 60 personas y 12 meses para hacer un disco. Se necesitan cuatro personas. Lo grabas, lo escuchas y te preguntas: '¿Te hace sentir algo? ¿Sí o no?'. Cuando lo consigues, sigues adelante”.

En marzo y abril de 2006, Palladino realizó una gira con Jeff Beck y tocó con JJ Cale y Eric Clapton en su álbum de 2006, “The Road to Escondido”.

El 12 de septiembre de 2006, el día del lanzamiento en solitario de Mayer, “Continuum” (que contiene canciones del álbum Try! del Trío), anunció en su blog que el grupo se reuniría y produciría un álbum de estudio.

Palladino también participó en el cuarto álbum de Mayer, “Battle Studies”, y el séptimo, “The Search for Everything”.

El Trío se reunió para otra actuación el 8 de diciembre de 2007, donde Mayer ofreció un set acústico, otro con el Trío y finalmente otro con su banda. La actuación aparece en el DVD en vivo de Mayer, “Where the Light Is”, publicado el 1 de julio de 2008.

El trío se reunió el 4 de junio de 2009 para interpretar la canción "California Dreamin'” en The Tonight Show con Conan O'Brien.

Se reunieron dos veces más en 2009: el 29 de diciembre en el Copley Symphony Hall de San Diego para la tercera edición anual de la revista benéfica de Mayer, y el 31 de diciembre para una actuación especial de Nochevieja en The Joint, en el Hard Rock Hotel de Las Vegas.

El trío también se reunió para una reunión improvisada durante el Crossroads Guitar Festival de Eric Clapton en Chicago, Illinois, en junio de 2010.





También en 2009, Palladino formó un trío con el tecladista Philippe Saisse y Simon Phillips.

Durante los años transcurridos desde el lanzamiento de “Try!”, Palladino ha estado ocupado con el trabajo de sesión y su membresía como bajista de gira de The Who, con Jordan también contribuyendo con su talento en las sesiones de grabación y en su papel como productor de discos.

En enero de 2011, entró al estudio con D'Angelo para terminar la grabación de “Black Messiah”.

En 2013, participó en el álbum “Hesitation Marks” de Nine Inch Nails y formó parte de la banda de gira. Trent Reznor, líder de la misma agrupación ha dicho que este genio de la música “probablemente sea el mejor bajista del mundo”.

Además, coprodujo el álbum “No Beginning No End” (2013) de José James.

En una entrevista el 23 de enero de 2014, Mayer anunció que el trío "regresaría". El 27 de febrero de 2014, el trío se reunió en un episodio de “Late Night with Seth Meyers” para interpretar "After Midnight" de JJ Cale.

El 10 de enero de 2016, John Mayer publicó una foto en su Instagram con el texto "En el estudio, primer día". La foto muestra a los tres miembros del Trío juntos, casi dos años después de su última actuación pública.

El trío formó el núcleo de la banda de estudio que grabó “The Search for Everything”, aunque se lanzó únicamente bajo su nombre como su séptimo álbum.

Antes de su lanzamiento como álbum, ocho de las canciones se publicaron en dos EP : “The Search for Everything: Wave One” y “The Search for Everything: Wave Two”.

En 2021 Palladino lanzó su primer álbum en solitario “Notes With Attachments”.

Nota de Presidemente: Aquí os dejo la reseña del disco, escrita por Jack Riedy para pitchfork.com

Dos notables músicos acompañantes colaboran en un álbum instrumental inalcanzable inspirado en el funk, la música de África Occidental y la cubana. Las melodías son fugaces y los arreglos, siempre cambiantes.

Aunque suene contradictorio, Pino Palladino es posiblemente el bajista de sesión más famoso.

El galés de 63 años es conocido por su sonido glissando y sus rellenos melódicos, y ha forjado una carrera de cuatro décadas como el bajista de cabecera por excelencia: ofreciendo una interpretación sin trastes inspirada en Stravinsky en la versión de Paul Young de 1983, número 1 en el Reino Unido, de Marvin Gaye, "Wherever I Lay My Head", contribuyendo a hitos del neo-soul como "Mama's Gun" y "Voodoo", uniéndose a The Who tras el fallecimiento del bajista original John Entwhistle en 2002, y mucho más.

“Notes With Attachments” es el primer álbum publicado bajo el nombre de Palladino, co-encabezado con el productor e instrumentista Blake Mills.

Mills, de 34 años, tiene una historia similar como músico de apoyo, produciendo para artistas como Perfume Genius y Alabama Shakes y facilitando la interpretación de Fiona Apple en el álbum de Bob Dylan de 2020, “Rough and Rowdy Ways”.

Después de colaborar por primera vez en el álbum de John Legend de 2016, “Darkness and Light”, la pareja desarrolló canciones del archivo de bocetos musicales de Palladino, grabando con un pequeño grupo de músicos en el famoso estudio Sound City de Los Ángeles en una serie de sesiones que abarcaron dos años y medio.

“Notes With Attachments” es un álbum instrumental elusivo, sutil a pesar del juego de palabras en su título.

Las canciones se basan en cambios de acordes repetitivos inspirados en el funk, la música de África Occidental y la cubana, pero los arreglos en constante cambio implican que ningún instrumento lleva la melodía por mucho tiempo.

Es el sonido de colaboradores consumados que imaginan un mundo donde no existe el intérprete principal.

En “Ekuté”, las líneas de bajo y guitarra de Palladino se complementan en un ritmo sincopado. A medida que los sonidos difusos y distorsionados de la guitarra dan paso a los chirridos del saxofón y el clarinete bajo, los músicos igualan las intensidades para que suenen casi como el mismo instrumento en diferentes extremos de su registro.





La canción comenzó como una improvisación de un solo acorde inspirada en Fela Kuti. "Intentábamos descubrir todos los diferentes lugares a los que un solo ritmo o línea de bajo podía llevarte", declaró Mills.

Muchas canciones aquí parecen como si ya estuvieran en el aire, esperando ser capturadas en su forma final: “Man From Molise” comenzó como una composición de Palladino inspirada por el músico brasileño Hermeto Pascoal y grabada con un ensamble neoyorquino.

Mills la tocó a media velocidad, y a partir de ahí el dúo creó una canción completamente nueva, aunque persiste una sensación de lentitud, exacerbada por el compás desequilibrado de 7/8.

“Soundwalk” fue escrita alrededor de un arreglo de trompeta extraído de una demo completamente mezclada que Palladino y el saxofonista Jacques Schwartz-Bart grabaron mientras estaban atrapados por la nieve en un hotel de Chicago durante la gira “Voodoo” de D'Angelo en el año 2000; su ritmo tambaleante recuerda a otro colaborador de D'Angelo, J Dilla.

La percusión entra y sale mientras los saxofones arrastran la música hacia adelante, como si los músicos intercambiaran miradas, sin saber si seguir tocando, pero continuando de todos modos.

Para quienes esperan un proyecto más convencionalmente groovy de Palladino, los ritmos inquietos del álbum pueden resultar inquietantes.

Comparados con el neo-soul o el blues-rock, las melodías son fugaces, los grooves más intrincados y menos dependientes del contratiempo. Ir en contra de las expectativas es parte del modus operandi de Mills: “Mis músicos favoritos son personas que tienen cierta insatisfacción con el sonido de su propio instrumento”, declaró a Pitchfork en 2018.

Las pocas excepciones son difíciles de pasar por alto: un riff monstruoso tocado al unísono por bajo, saxo y batería a mitad de “Djurkel” se cierne sobre todo el álbum.

Un solo de saxo en la canción principal brilla brevemente con sentimentalismo antes de que la canción vire hacia algo más disonante.

Al igual que el reciente álbum del cornetista Rob Mazurek, “Dimensional Stardust”, “Notes With Attachments” se unió en el estudio a partir de múltiples presentaciones, pero imita eficazmente la química de un conjunto en vivo.

En “Stardust”, las recitaciones de Damon Locks estallan desde un megáfono para ser escuchadas a través del ruido, pero aquí los arreglos cambiantes ni siquiera se molestan en hacer espacio para las voces. (Una voz humana solo disminuiría el despliegue majestuoso de "Just Wrong", o la atmósfera inquietante que Sam Gendel genera con saxofón sampleado en "Off the Cuff" de cierre).

Sin una melodía principal en la que afinar, los arreglos siempre cambiantes del álbum a veces pueden parecer inciertos, como continuar con una búsqueda del tesoro después de olvidar los escondites.

Pero escuchado en su totalidad, la inquietud de “Notes With Attachments” suena más como determinación: una insistencia en encajar tantas ideas como sea posible en el menor tiempo posible.

Nota de Presidemente: Aquí os dejo parte de una entrevista realizada por Ludovico Granvassu con motivo del lanzamiento de su primer álbum en solitario para allaboutjazz.com:

Pino Palladino: El artesano de Gales

La artesanía refinada escasea en la industria musical actual, especialmente en la que llena estadios deportivos o grandes salas de conciertos.

Pino Palladino pertenece al pequeño gremio de artesanos refinados, reservado para músicos que no buscan el protagonismo, sino la belleza a través del arte, porque eso es lo que se supone que deben hacer y cómo deben hacerlo, sin egoísmo, al servicio de Su Majestad, la Música.

Visto desde esta perspectiva, quizá no sorprenda que un músico de su talla haya tardado más de cuatro décadas en publicar su primer álbum en solitario.

Y que, cuando finalmente se decidió, lo haya lanzado como un proyecto a dúo (con el productor, multiinstrumentista y alma gemela musical Blake Mills), como para alejar la atención incluso de "su" álbum, “Notes with Attachment”.

Aunque Palladino no se considera necesariamente un "jazzista", el jazz ha formado parte de su ADN desde siempre.

Su capacidad para estar en el presente, imbuido de la tradición, pero con visión de futuro, abierto a todas las aportaciones y en profunda interacción con cualquiera con quien toca, convierte al cardiffiano en un jazzista excepcional.

Por eso, resulta apropiado que “Notes with Attachment” sea publicado por uno de los sellos de jazz más emblemáticos, Impulse!, que en su versión actual se mantiene al tanto de las novedades.

Con su tipografía negra genérica sobre fondo gris, la imagen de “Notes with Attachment” parece pensada para las cintas de la sesión en lugar de para la portada del álbum.

Esta falta de brillo, casi contradictoria, puede resultar sorprendente al principio. Pero, tras una reflexión más profunda, uno se da cuenta de que la portada cumple exactamente su propósito: dar una idea de lo que contiene.

Comunica que la intención del álbum era documentar la música con la que su autor, el artesano por excelencia, se sentía a gusto.

Hacer música tan "correcta" que valiera la pena dedicarse a esas cintas es la recompensa que buscaba; todo lo que venga después es la guinda del pastel.

Esa portada, al igual que la actitud de Pino Palladino en el escenario, no dice "mírame", sino "escucha la música". Una actitud sobria y con sustancia que puede provenir de la crianza de Palladino en Gales, donde nació, hijo de un hombre de Molise, Gales (Italia).

Inevitablemente, esta singular raza de artesanos conecta, no solo con el público, sino también con colegas que buscan inyectar pureza y verdad en sus propios proyectos.

En el caso de Pino Palladino, estos colegas han incluido a figuras importantes de diversos géneros, desde The Who hasta BB King, desde D'Angelo hasta John Mayer, Herbie Hancock o Nine Inch Nails.

Serena Antinucci y yo hemos hablado con el legendario bajista para saber más sobre su nuevo álbum y su colaboración con Blake Mills, su temprana pasión por el jazz y aquellas sesiones de grabación con D'Angelo con los Soulquarians en Electric Lady Studios, que estaban destinadas a influir en tantos músicos de jazz de la actualidad.

All About Jazz: Eres uno de los músicos más solicitados del mundo, en muchos géneros musicales. ¿Cómo cambia tu enfoque cuando tocas como líder/co-líder en comparación con los álbumes en los que tocas como acompañante o músico de sesión?

Pino Palladino: Creo que abordo todos los proyectos de la misma manera. Tengo una actitud muy simple hacia la música. Simplemente intento que la canción suene lo mejor posible, ya sea mía o de alguien más. Intentar comprender el género en el que toco siempre ha sido fundamental para mi musicalidad, ya que intento encajar y al mismo tiempo aportar mi propio estilo y personalidad, sin perturbar el género hasta el punto de que empiece a perder su identidad.

AAJ: ¿Cómo empezó la colaboración con el multiinstrumentista y productor Blake Mills?

PP: Blake estaba produciendo un álbum para John Legend en 2016 “Darkness and Light”, Columbia Records]. Buscaba una sección rítmica y contactó conmigo y con Chris Dave, el baterista.

En cuanto hablé con él por teléfono, sentí que este proyecto iba a ser muy divertido. Por aquel entonces, vivía en Londres y, para participar en las sesiones de grabación, volé a Los Ángeles, donde, por cierto, estaba considerando mudarme. Conocía el trabajo de Blake, aunque aún no nos conocíamos ni tocábamos juntos.

Desde el primer día en el estudio, disfruté de cómo me impulsaba, proponiendo ideas locas que me divertía explorando. Descubrimos que nos entendimos de maravilla y fue una progresión natural a partir de ahí.

AAJ: Notes with Attachments es un álbum nuevo, pero muchas de las ideas que se reflejan en él llevaban años gestándose, a veces décadas. ¿Qué es lo que las ha unido ahora?

PP: Ese es el resultado de una combinación de factores. Cuando hablé con mi mánager, David Passick, sobre la invitación de Blake para tocar en el álbum de John Legend, ambos coincidimos en que sería divertido trabajar con él. Después de que Blake y yo fuéramos a Nueva York a dar unos conciertos para promocionar el álbum de John Legend, David empezó a hablar con el mánager de Blake y resultó que Blake se preguntaba si alguna vez había hecho un disco en solitario, lo que indicaba que le interesaría trabajar conmigo en un álbum en solitario. Mi mánager me lo comentó.

Lo pensé y llegué a la conclusión de que sería genial trabajar con un gran productor con un profundo conocimiento de las técnicas de grabación y sin miedo a probar cosas nuevas. Cuando estaba en Nueva York para dar unos conciertos con John Legend, reservé un estudio de grabación en un día libre. Hicimos una sesión de grabación con Ben Kane, un discípulo de Russ Elevado, un gran ingeniero con el que había trabajado durante mi colaboración con D'Angelo.

Traje un disco duro con una canción que había trabajado con Chris Dave desde mi casa en Londres e invité a Chris a añadir percusión y a Blake a tocar la guitarra. Esa se convirtió en la primera canción en la que colaboramos. Después experimentamos con más ideas y, de nuevo, todo salió genial.

A lo largo de mi carrera, he tocado en muchísimos discos increíbles con muchísimos artistas diferentes. Como bajista, mi punto fuerte no es el virtuosismo. Me considero más bien un compositor con capacidad para integrar diferentes géneros. Eso es lo que siempre me ha interesado, pero no es fácil plasmarlo en un disco en solitario.

Llevaba mucho tiempo guardando muchas de estas canciones. Hasta "!Notes with Attachments", nunca sentí que tuviera un disco completo con material lo suficientemente diferente a lo que había tocado antes y a lo que se escucha por ahí. Pero luego hablé con Blake sobre la posibilidad de un disco en solitario y coincidimos totalmente en esta visión. Por eso resultó ser una colaboración realmente buena.

AAJ: ¿Cómo surgió la relación con un sello histórico como Impulse!?

PP: Blake Mills tiene un sello a través de Verve [New Deal]. El plan original era que "Notes with Attachments" saliera en su sello. Justo antes de terminar el álbum, el sello me contactó y me preguntó: "¿Qué te parecería que este álbum saliera en New Deal/Impulse!?". Para mí fue un gran honor. Así que no lo dudé.

AAJ: En "Notes with Attachments" tocas con muchos colaboradores de toda la vida, y cada uno de ellos tuvo una participación muy activa en el proceso artístico: Larry Goldings, Sam Gendel, Jacques Schwarz-Bart, Marcus Strickland, por nombrar algunos. Podrías haber invitado a prácticamente cualquier músico del mundo, ya que has tocado con todos los que importan. ¿Cómo elegiste esta formación para el álbum?

PP: Al principio del proyecto, como mencioné, mi principal colaborador fue Chris Dave. Empezamos a trabajar juntos en la banda de D'Angelo [para el álbum de 2014 "Black Messiah"]. Nos conocimos en 2011, o en 2009, durante las sesiones de grabación del álbum "21" de Adele.

Realmente nos llevamos bien desde la primera vez que nos conocimos. A partir de ese momento, siempre que trabajábamos juntos, o dondequiera que él estuviera en Londres, o yo en Los Ángeles, nos juntábamos y simplemente poníamos algunas ideas de estudio. Así es como empezaron bastantes de las canciones, solo cinco minutos de ritmo y secuencias de acordes con Chris y yo. Le toqué ese material a Blake, y luego el objetivo fue encontrar a los músicos adecuados para incorporar, personas que pudieran aportar algo inusual.

Blake sugirió al saxofonista Sam Gendel, que es un artista único. En cuanto le dimos la música a Sam y lo escuché tocar, pensé: "¡Ese es el indicado, ese es el indicado para esto, ¿verdad?". Marcus Strickland acababa de llegar al estudio cuando Blake y yo nos reunimos en Nueva York. Le pedí que trajera su clarinete bajo y que aportara algunas ideas para una de las canciones, y se le ocurrió esa increíble línea de trompeta que grabó en doble pista en "Ekuté". Jacques Schwarz-Bart y yo tenemos una larga historia juntos. Tocamos con D'Angelo en 1999, 2000 y 2001.

¡He pasado mucho tiempo con Jacques! Para el nuevo álbum, le di una maqueta de una de las canciones y escribió un magnífico arreglo al estilo de Ellington. Invité a Larry Goldings porque es un músico brillante. Me encanta su musicalidad. Es muy profundo y sus conocimientos me interesan. Algo que sabía era que, pasara lo que pasara, Larry tendría que formar parte de este proyecto.

AAJ: "Just Wrong" fue el primer sencillo del álbum. Es una canción muy cálida e hipnótica, donde el bajo tiene una gran libertad de movimiento, al igual que los demás instrumentos, y parece que todos flotan en un subconsciente colectivo, un lugar donde, a pesar del título, nada está mal. ¿Cuál es tu relación con el error en la música?

PP: Esa es una muy buena pregunta. A veces, cuando tocas, un error puede, sin querer, abrir una nueva posibilidad para una parte de la canción. Esto puede ocurrir tanto al tocar tu propia música como la de otros. Por eso, me intrigan los errores, porque suelen ocurrir cuando estás en un punto de tu mente en el que no sabes qué estás haciendo, pero, sin embargo, algo bueno sucede en el universo. Está fuera de tu control. Te trasciende.

Si mantienes la mente abierta y puedes escuchar ese "error", puedes apreciarlo por lo que aporta a la música, y puedes hacer que funcione, e incluso encontrar algo más interesante de lo que originalmente pretendías tocar. Esa es una de las razones por las que me llevo tan bien con Blake Mills. Nos gusta arriesgarnos, seguimos explorando para intentar encontrar algo, aunque sea un detalle, que nos inspire. ¡Y esto bien puede provenir de un error!

AAJ: ¿Por qué elegiste "Notas con Archivos Adjuntos" como título para tu álbum?

PP: Fue mi esposa, Maz, quien ideó el título. Blake, mi esposa y yo intercambiábamos nombres por teléfono. Tenía varias ideas. "Hombre de Molise", que se convirtió en el título de una de las canciones principales de este álbum, era una de ellas. A Blake le gustó enseguida y preguntó: "¿Dónde está Molise?". Esa es la región italiana de donde es mi padre. Entonces mi esposa tuvo una revelación repentina y dijo: "¿Qué tal 'Notas con adjuntos'?". Creo que es un título perfecto para este disco, porque tiene varias interpretaciones. Refleja que he llevado esta música conmigo durante mucho tiempo. Pero también puede significar que las notas musicales que tocamos tienen un vínculo sentimental, ya que me recuerdan las diferentes épocas y lugares donde compuse las canciones.

AAJ: Algunas de las canciones del álbum están inspiradas en grandes artistas que admiras (como D'Angelo, J Dilla, Fela Kuti, Roy Hargrove) y, a medida que exploras estas fuentes de inspiración, parece que una gama cada vez mayor de instrumentos se incorpora a las composiciones: guitarras de cuerdas de nailon, berimbau, marimba, percusión, viola... ¿Cómo gestionaste todo este material en constante expansión durante la sesión de grabación?

PP: Blake Mills tiene su propio estudio y una colección ecléctica de micrófonos, teclados y baterías antiguos. Además, en Los Ángeles hay una tienda de música africana llamada Motherland Music a la que fuimos juntos y compramos un montón de cosas. Nuestro proceso creativo es bastante experimental. Cuando llegamos a cierto punto en la canción, probamos cosas inusuales. Si te pones a pensar, solo cuatro de las ocho canciones del disco incluyen batería. Fue una decisión que tomamos deliberadamente. Queríamos intentar que las cosas tuvieran ritmo sin batería y añadir las percusiones después, solo para definirlas un poco. Fue un enfoque bastante inusual para mí. Como bajista, estoy acostumbrado a seguir la batería; el baterista marca el camino... Pero, en esta ocasión, fue divertido empezar con el bajo y luego construir la batería a su alrededor en algunas canciones.

AAJ: Has descrito un proceso creativo fascinante que gira en torno a estar en un estudio. ¿Concebiste este experimento como un proyecto exclusivo de estudio o también has considerado llevarlo a la carretera, una vez que sea posible volver a tocar música en vivo?

PP: Cuando estábamos en el estudio, no trabajamos realmente en el disco pensando en cómo interpretaríamos esa música en vivo. Simplemente estábamos haciendo un proyecto del que ambos queríamos estar orgullosos y que posiblemente pudiera interesar a la gente. Fue más tarde, cuando finalmente me di cuenta de que tenía un disco, que empecé a pensar en tocar esta música en vivo. Así que, si no hubiéramos estado en estos tiempos que estamos viviendo, definitivamente estaría planeando una gira. Me entusiasma mucho hacerlo lo antes posible.

AAJ: "Ekuté" y "Djurkel" están inspirados en tu pasión por la música de África Occidental. ¿Cuáles son las raíces de esta pasión?

PP: En los 80 descubrí la música africana a través de los álbumes publicados por Real World, el sello de Peter Gabriel. También recuerdo un gran álbum de Salif Keita titulado "Soro" [Mango Records], que me emocionó muchísimo porque incluía sonidos que no escuchaba mucho en ese momento.

¡Lo escuché a fondo! Lo tenía en el coche y me encantó todo. Esa fue mi puerta de entrada a la música de esa parte de África: Mali, Burkina Faso... Unos años después, alrededor de 1992 o 1993, trabajé con un artista suizo-alemán llamado Stephan Eicher. Grabamos un montón de cosas juntos y su manager me pidió que hiciera una gira por África. Eran chicos muy intrépidos; fue una gira bastante intensa. Pasé algunos de los momentos más aterradores y algunos de los mejores de mi vida durante esa gira.

Estuve expuesto a mucha música allí, incluso viendo a la gente tocar en la calle y en clubes. En Bamako, también tocamos con artistas como Ali Farka Touré, que vino y trajo a su percusionista, sus bailarines y algunos otros músicos. Luego fui a Senegal y conocí a Doudou Ndiaye Rose, el legendario percusionista. Una de mis mejores experiencias fue en el aeropuerto: un estafador intentaba venderme unos casetes.

Era bastante insistente y no dejaba de insistir. Finalmente cedí y me puso un casete en su viejo Walkman. Era un álbum del cantante maliense Oumou Sangaré. Quedé hipnotizado. Compré tres casetes y los traje a casa. Una vez de vuelta en Londres con mi familia, solo pensaba en toda la experiencia, y la música se me metió por completo en la sangre. Disfruté mucho en África, pero no fue hasta unos meses después de esa aventura, que me di cuenta de cuánto había interiorizado la música a la que había estado expuesto. Ha estado ahí desde entonces.

AAJ: En el álbum también hay un homenaje a Chris Dave y su batería. ¿Cómo nació su amistad y qué papel jugó él en el proyecto?

PP: Chris Dave es uno de esos músicos tan creativos que siempre encuentra algo increíble y fresco. Nunca toca lo mismo. Ha sido muy alentador desde el principio. Cuando empezamos a trabajar juntos, no dejaba de decir: "Tienes que hacer lo tuyo", y de hecho, dimos un concierto en Ronnie Scott's en Londres como "Pino Palladino and friends", con Chris, James Poyser y Tim Stewart como la sección rítmica principal, junto con un montón de artistas invitados increíbles. Fue simplemente fantástico. Chris es un amigo inspirador y un músico desafiante. Es una parte importante de este disco.

AAJ: Hay un tema en particular que nos llamó la atención: "Man from Molise". ¿Cómo surgió de tu inspiración en el gran multiinstrumentista y compositor Hermeto Pascoal ? ¿Y quién es este "man from Molise"?

PP: Siempre me ha interesado mucho la música brasileña. Sus estructuras de acordes, armonías, ritmos... ¡No se parecen a nada más! Incluso en las canciones pop, tienen cambios de acordes increíblemente sofisticados. Eso siempre me atrajo. Compré algunos álbumes de Hermeto Pascoal cuando estuve en Brasil en 1999 o 2000, tocando con D'Angelo. Fui a una tienda de discos en São Paulo y compré unos veinte CD. No sabía qué eran, uno de ellos era Festa Dos Deuses, de Hermeto Pascoal e Grupo. Eso provocó un cambio enorme en mi apreciación de la música de diferentes partes del mundo. Su bajista es un tal Itiberê Zwarg, un compositor y escritor increíble por derecho propio. Escuché bastante de esa música y me encanta.

"Man from Molise" surgió de esa inspiración y de un reto personal: intentar escribir una canción con una buena armonía y una buena estructura en 7/4, 9/4 o 5/4. Me resultó muy natural. Al principio, "Man from Molise" tenía un ritmo bastante rápido. Contaba con grandes músicos en Nueva York: Axel Tosca al piano, Jhair Sala y Jamey Haddad a la percusión, Joe Locke al vibráfono y la marimba, e Itai Kriss a la flauta, para tocar en mi primera versión, que quizá algún día publique.

Cuando le toqué esa versión a Blake, le encantó, pero lo primero que dijo fue: "¿Y si la ralentizamos?". ¡Pero luego la redujo a la mitad de la velocidad original! Imagínate: escribes una canción; tiene ritmo y cierta sensación. Puedes acelerarla o ralentizarla un par de tiempos y sigue funcionando. Pero cuando bajas la velocidad a la mitad, es otra historia. Me costó un tiempo acostumbrarme, pero al final me dejé llevar porque me encanta que Blake siempre sea muy experimental y atrevido. Con el tiempo, descubrimos que podíamos tocarla despacio y aun así mantener la esencia original.

Al principio tenía un título diferente para la canción, pero a medida que seguíamos trabajando en ella y la canción adquiría un aire cada vez más "europeo", mis pensamientos volvían constantemente a mi padre. Mi hijo Rocco, mis hermanos y yo siempre hablamos de Molise, la región italiana donde está el pueblo natal de mi padre. Siempre ha sido una parte importante de mi vida. "Un hombre de Molise" me pareció un título intrigante.

En realidad, trata sobre mi padre, que dejó Campobasso, su pueblo natal, de muy joven para ir a Londres y luego se mudó a Gales, de donde es mi madre. Trabajó en una acería solo para ganar algo de dinero y luego mudarse a Canadá, pero conoció a mi madre en Cardiff y nunca se fue. Es una bonita historia. Bueno, el título surgió mucho después de la canción, pero cuando se trata de arte y música, no hay lógica, las cosas simplemente acaban tomando su lugar como resultado de una serie de eventos. Ahora, cuando pienso en "Un hombre de Molise", ¡me imagino tocando esta música en Campobasso algún día!

AAJ: Participaste en las sesiones de grabación de D'Angelo en Electric Lady Studios con los Soulquarians. Esas sesiones se han vuelto legendarias y su combinación de jazz, R&B o funk influyó en muchos jóvenes músicos de jazz de la época, como acabas de mencionar. ¿Cómo te involucraste en esas sesiones?

PP: Conocí a D'Angelo durante una sesión de grabación con BB King. Me sentí muy honrado de trabajar con BB. No podía creer que estuviera en la misma sala que él. Además, tuvimos invitados increíbles en ese álbum, titulado "Deuces Wild". Cada canción del álbum contaba con un invitado especial diferente, incluyendo a The Rolling Stones, Bonnie Raitt, Eric Clapton, Dr. John, Willie Nelson, Zucchero y, por supuesto, D'Angelo. Entró, cantó y tocó el piano en una canción titulada "Ain't Nobody Home".

Lo conocía como artista y era fan de su trabajo, pero no nos conocíamos. En cuanto empezamos a tocar, se creó una conexión instantánea y él también la reconoció. Esa misma conexión se extendió a todos los demás músicos increíbles presentes como Steve Jordan a la batería, Hugh McCracken a la guitarra, Leon Pendarvis al órgano y John Cleary al piano. Fue una sesión increíble, producida por John Porter. D'Angelo parecía interesado en mi forma de tocar el bajo. Empezamos a hablar y me preguntó si me gustaría ir a Electric Lady Studios y trabajar con él. Lo que más me gustó fue que en ese momento no conocía mi trabajo anterior, como mi trabajo con el bajo sin trastes de los ochenta.

Para mí fue muy refrescante porque se acercó a mí como si fuera un novato, me entendió por lo que tocaba sin dejarse influenciar por la reputación que me precedía. Solo tenía en cuenta lo que estaba tocando ese día para juzgar. Eso hizo posible desarrollar una relación muy honesta entre nosotros. Mirando hacia atrás, de alguna manera esa circunstancia me dio la oportunidad de reinventarme como bajista.

AAJ: ¿Qué recuerdos tienes de aquellos días en Electric Lady Studios?

PP: Fui al estudio y, en cuanto llegó Questlove, empezamos a tocar como trío: D'Angelo, Questlove y yo, con el ingeniero Russ Elevado a los controles. Inmediatamente se hizo evidente que teníamos algo especial. Estábamos tan conectados que nos sentíamos como uno solo, también gracias a la forma de componer de D'Angelo, entrelazando líneas de bajo, guitarra y piano con su letra. Por mi parte, me esforcé al máximo por encajar, por ser un tercio de ese trío tan bien engrasado, todo perfectamente engrasado...

Fueron tiempos muy emocionantes. Sabía que estábamos creando algo especial. No estaba seguro de cómo sería recibido, pero sentía que estábamos haciendo algo único, ya que no podía compararlo con nada más en lo que hubiera trabajado o escuchado. D'Angelo y Questlove obviamente incorporaron elementos del hip-hop, experimentando con artistas como J Dilla, A Tribe Called Quest y De La Soul, quienes sampleaban discos de jazz en sus proyectos y creaban loops con un swing desequilibrado.

Eso se popularizó, y como músicos aprendimos a tocar con ese swing desequilibrado. Eso fue antes de lo que ahora se describe como "darle un golpe al ritmo" o "tocar por detrás". El contrafraseo se ha usado desde hace mucho tiempo en el jazz y el blues. No era nada nuevo. La diferencia en lo que hacíamos era que lo hacíamos como sección rítmica, como una unidad, como un conjunto. El bajo, los teclados y la guitarra se ubicaban bastante atrás. El bombo quizás se ubicaba un poco más atrás, la caja empujaba y el charles seguía el ritmo. No es algo científico.

Es una cuestión de sensaciones, y definitivamente no es algo que funcione en cualquier sesión. Porque tiene que ser un esfuerzo colectivo. Todos tienen que estar al tanto del secreto, ¿sabes?La "salsa secreta..."

AAJ: ¿Cómo surgió ese enfoque? ¿Se desarrolló de forma natural a partir de tus improvisaciones con D'Angelo y Questlove?

PP: D'Angelo me había dicho que le gustaba que el bajo estuviera detrás del ritmo. Así que toqué detrás del ritmo, y luego me dijo: "¿Puedes bajarlo un poco más atrás?". Y empecé a tocar de nuevo como me sugirió, reclinándome a propósito y buscando un hueco que me gustara hasta que en un momento dado simplemente encajó. Me abrió una puerta. Entendí de dónde venía eso y me siento muy afortunado de haber conocido ese concepto gracias a su creador.

AAJ: ¿Cuánto influyó la formación de D'Angelo como pianista de jazz, que se remonta a su adolescencia en Virginia, en ese enfoque?

PP: Diría que su formación es más gospel que jazz, aunque, por supuesto, hay elementos de jazz en la música gospel. En cuanto a ese enfoque del ritmo, creo que es solo de D'Angelo. En el arte, de vez en cuando aparece alguien que altera el "flujo normal". D es uno de esos artistas.

AAJ: Cuando participas en una sesión de grabación, como las de Electric Lady Studios, ¿sientes inmediatamente que hay algo único o necesitas cierta distancia y perspectiva para evaluarlo?

PP: Como mencioné, en el caso de esas sesiones con D'Angelo lo supe al instante. A los pocos minutos de tocar, supe que algo especial estaba sucediendo. Mientras trabajaba en el disco "Continuum" de John Mayer junto con Steve Jordan y John como sección rítmica principal, supe que estábamos haciendo un gran disco. Cuando trabajé en "21" de Adele, también me di cuenta de que teníamos algo especial cuando escuchamos las canciones por primera vez como colectivo en el estudio, junto con Adele y Rick Rubin.

Todos comprendimos que era un disco muy especial en cuanto a la composición y las contribuciones de Adele como vocalista; la atmósfera era especial. A veces tienes una sensación al escuchar una canción, como cuando me pidieron que tocara en "Watermelon Sugar" de Harry Styles. En cuanto consigues algo así, lo sabes... Está tan bien estructurado y armado que te sientes afortunado de poder tocar en él. Solo tengo que no arruinarlo y encontrar cosas geniales para tocar.

AAJ: ¿Has participado o escuchado nuevos proyectos que parezcan retomar lo que D'Angelo dejó y llevarlos más lejos?

PP: La verdad es que no ha sucedido. A veces, cuando estoy haciendo una sesión, puedo sentir que la música se ha inspirado en parte de mi trabajo con D'Angelo. Por ejemplo, cuando trabajé con Jill Scott.

Los productores estaban al tanto de todo ese movimiento, por lo que fue fácil integrar ese estilo en el proyecto. Como mencioné, muchos músicos crecieron escuchando la música de D'Angelo. Se convirtió en parte de su educación musical.

AAJ: Volvamos a tus primeros años. ¿Cómo te enamoraste del bajo? ¿Hubo algún bajista en específico responsable de eso?

PP: Me remonto a cuando estaba en el colegio, cuando tocaba la guitarra española en la iglesia. El cura nos llevó a un concierto en Cardiff, de un cantante llamado Ralph McTell, que tenía muchos seguidores por aquel entonces y escribió una canción llamada "The Streets of London", que era un tema muy popular en aquel entonces, con una letra preciosa.

Él tocaba la guitarra acústica en un pequeño teatro y tenía a un chico tocando el contrabajo. Yo no lo sabía en ese momento, pero este chico era Danny Thompson, el gran contrabajo británico que tocó con muchos músicos, incluyendo a John Martyn.

Sabes, cuando eres joven no identificas bien qué instrumento produce qué sonidos... bueno, Danny probablemente fue el primer bajista que escuché, lo que me hizo darme cuenta de lo genial que era ese sonido grave. Danny Thompson fue una gran influencia para mí, porque su enfoque del contrabajo implicaba mucho deslizamiento y armónicos, y generaba muchísimos timbres diferentes con el instrumento.

Sin embargo, no era un músico de jazz puro. Mi siguiente revelación con el bajo llegó al escuchar discos de Motown. Recuerdo en particular una excursión escolar, cuando tenía 14 o 15 años. Fuimos a una pista de patinaje donde tenían un sistema de sonido enorme con música de Motown a todo volumen. Estaba altísimo, así que pude escuchar y apreciar el sonido del bajo de James Jamerson, el legendario músico de sesión de Motown, sin saber realmente qué era. ¡Pero comprendí aún más cuánto me encantaba ese sonido grave!

En 2024, Palladino apareció en “II Most Wanted”, el tercer sencillo del álbum de Beyoncé, “Cowboy Carter”; además, la canción contó con la participación de Miley Cyrus.

Recientemente, Palladino se reunió otra vez con el productor e instrumentista Blake Mills (Alabama Shakes, Bob Dylan, Fiona Apple, Perfume Genius) en “That Wasn't a Dream”, su segundo álbum instrumental colaborativo que se basa en la profunda química que exploraron por primera vez en “Notes With Attachments” de 2021, expandiéndola hacia un mundo sonoro meditativo y transgresor.

El disco difumina las fronteras entre composición e improvisación, melodía y abstracción. Con la interacción contrapuntística de instrumentos a veces inidentificables, es un proyecto definido por la ambigüedad, la sobriedad y la belleza radical de escuchar atentamente.





Técnica y equipamiento

Palladino es conocido por usar el bajo sin trastes en muchos álbumes. Si bien era típico que un bajo en una canción comercial tuviera un sonido bastante genérico y se mantuviera "tocando las notas graves", Palladino prefería un sonido diferente, combinando el sonido sin trastes con un efecto de octavador y líneas de bajo que frecuentemente añadían acordes, líneas principales y contramelodías en el registro más agudo del instrumento.

Típico de este estilo fue su interpretación en "Wherever I Lay My Hat" de Paul Young. Su equipo en ese momento incluía un bajo Music Man StingRay de 1979 sin trastes y un pedal de octavador Boss (OC-2).

Desde la década de 1990, Palladino se ha inclinado principalmente por el bajo Fender Precision. Usó su Fender Precision Sunburst de 1963 en "Voodoo", con cuerdas LaBella de calibre grueso (afinadas a DGCF), una sordina de espuma y un amplificador Ampeg B-15.

También ha tocado el bajo Fender Jaguar, el bajo Lakland Jazz y el bajo Larry Graham Signature JJ-4B.

El Fender Pino Palladino Signature Precision Bass está inspirado en dos bajos Fender Precision de Pino. El cuerpo presenta una pintura roja fiesta descolorida sobre arena del desierto, inspirada en el Precision Bass de Palladino de 1961, mientras que la forma del mástil y el diapasón de palisandro redondo se basan en su Precision Bass Sunburst de 1963.



Discografía

En solitario
2021 Notes with Attachments (con Blake Mills)
2025 That Wasn't a Dream (con Blake Mills)

Con D'Angelo
2014 Black Messiah
2000 Voodoo

Con John Mayer
2021 Sob Rock
2017 The Search for Everything
2009 Battle Studies
2006 Continuum
2005 Try! (as the John Mayer Trio)

Con Ed Sheeran
2019 No. 6 Collaborations Project

Con The Who
2019 WHO
2017 Live at the Isle of Wight 2004 Festival
2015 Live in Hyde Park
2014 Quadrophenia Live in London
2006 Endless Wire

Con Jeff Beck
2010 Emotion & Commotion
2006 Official Bootleg USA '06
1999 Who Else!

Con The Gaddabouts
2012 Look Out Now!
2011 The Gaddabouts

Con Eric Clapton
2006 The Road to Escondido (with J. J. Cale)
2005 Back Home
2004 Me and Mr. Johnson
2001 Reptile
1998 Pilgrim
1989 Journeyman

Con Paul Young
1993 The Crossing
1990 Other Voices
1986 Between Two Fires
1985 The Secret of Association
1983 No Parlez

Con Elton John
1992 The One
1985 Ice on Fire

Con Don Henley
1989 The End of the Innocence
1984 Building the Perfect Beast

Con David Knopfler
1987 Cut the Wire
1985 Behind the Lines
1983 Release

Con Go West
1987 Dancing on the Couch
1985 Go West

Con otros
2023 Daisy Jones & The Six, Aurora
2023 Billy Valentine and the Universal Truth, Self-titled
2023 Bettye LaVette, LaVette!
2022 Maggie Rogers, Surrender
2022 Yebba, Live at Electric Lady
2022 Marcus Mumford, Self-titled
2022 Robert Glasper, Black Radio III
2022 Harry Styles, Harry’s House
2021 Blake Mills, Notes with Attachments
2021 Yebba, Dawn
2021 Halsey, If I Can’t Have Love I Want Power
2019 Robbie Robertson, Sinematic
2019 Rex Orange County, Pony
2019 Jacob Collier, Djesse Vol. 2
2019 Harry Styles, Fine Line
2019 Emeli Sandé, Real Life
2018 Kimbra, Primal Heart
2018 Josh Groban, Bridges
2018 José James, Lean on Me
2018 Chris Dave, Chris Dave and the Drumhedz
2018 Bahamas, Earthtones
2016 Keith Urban, Ripcord
2016 John Legend, Darkness and Light
2016 Corinne Bailey Rae, The Heart Speaks in Whispers
2015 The Corrs, White Light
2015 Keith Richards, Crosseyed Heart
2013 Nine Inch Nails, Hesitation Marks
2013 José James, No Beginning No End
2012 Mika, The Origin of Love
2011 Robbie Robertson, How to Become Clairvoyant
2011 Rebecca Ferguson, Heaven
2011 Kelly Clarkson, Stronger
2011 Garland Jeffreys, The King of in Between
2011 Adele, 21
2010 Alain Clark, Colorblind
2009 Gerry Rafferty, Life Goes On
2008 Amos Lee, Last Days at the Lodge
2006 Paul Simon, Surprise
2005 Will Young, Keep On
2005 Charlotte Church, Tissues and Issues
2004 Daniel Bedingfield, Second First Impression
2003 Edie Brickell, Volcano
2002 Ronan Keating, Destination
2001 Rod Stewart, Human
2001 Nikka Costa, Everybody Got Their Something
2000 Richard Ashcroft, Alone With Everybody
2000 Gerry Rafferty, Another World
2000 Erykah Badu, Mama's Gun
1999 Tina Turner, Twenty Four Seven
1999 Robbie McIntosh, Emotional Bends
1999 Beverley Craven, Mixed Emotions
1998 Richie Sambora, Undiscovered Soul
1998 Judie Tzuke, Secret Agent
1997 Steve Lukather, Luke
1997 Garland Jeffreys, Wildlife Dictionary
1997 B.B. King, Deuces Wild
1996 Richard Wright, Broken China
1996 Jimmy Nail, Crocodile Shoes II
1996 Duncan Sheik, Duncan Sheik
1995 Peter Cetera, One Clear Voice
1995 Oleta Adams, Moving On
1994 Carly Simon, Letters Never Sent
1994 Bryan Ferry, Mamouna
1993 Michael McDonald, Blink of an Eye
1993 Melissa Etheridge, Yes I Am
1993 David Crosby, Thousand Roads
1992 Peter Cetera, World Falling Down
1991 Julia Fordham, Swept
1990 The Christians, Colour
1990 Oleta Adams, Circle of One
1990 Mike Lindup, Changes
1990 Joan Armatrading, Hearts and Flowers
1990 Claudio Baglioni, Oltre
1989 Tears for Fears, The Seeds of Love
1989 Phil Collins, ...But Seriously
1989 Julia Fordham, Porcelain
1988 Joan Armatrading, The Shouting Stage
1987 Pino Daniele, Bonne Soirée
1986 Chris Eaton, Vision
1986 Chris De Burgh, Into the Light
1985 Pete Townshend, White City: A Novel
1985 Dream Academy The Dream Academy (various tracks)
1984 Jools Holland, Jools Holland Meets Rock 'A' Boogie Billy
1984 David Gilmour, About Face
1983 Nick Heyward, North of a Miracle
1982 Gary Numan, I, Assassin
1981 Jools Holland, Jools Holland and His Millionaires




Fuentes: rollingstone.com, udiscovermusic.com, bajissimo.com, allaboutjazz.com, officialpinopalladino.com, Wikipedia y Flickr