En el puesto número 43
Mike Watt (Tercera Parte)
En 2005, otro proyecto paralelo con Watt vio la luz con el lanzamiento anunciado el 20 de septiembre de “The Way Things Work”, un álbum de música improvisada bajo el nombre de grupo Unknown Instructors con George Hurley, Joe Baiza y Jack Brewer de Saccharine Trust, y el poeta/saxofonista Dan McGuire.
El álbum se creó y grabó en un solo día en 2003 en Karma Studio en San Pedro, California.
Una canción notable, “Punk (is Whatever We Made It to Be)”, presenta letras interpoladas de varias canciones del álbum “Double Nickels on the Dime” de Minutemen.
Un mes después del lanzamiento del álbum, Unknown Instructors grabó un segundo álbum, “The Master's Voice”, con el líder de Pere Ubu, David Thomas, y el artista Raymond Pettibon uniéndose al cuarteto central de Watt, Hurley, McGuire y Baiza.
El álbum fue grabado en Total Access Studio en Redondo Beach, California, el mismo estudio donde Black Flag grabó muchos de sus clásicos lanzamientos de álbumes de mediados de los 80 y donde Watt y The Minutemen habían grabado “Project: Mersh” en 1985.
Según Dan McGuire, el álbum anterior, “The Ways Things Work”, se grabó en un día y por eso sonó más jazzero. Con la sección rítmica más familiar ahora, McGuire quería un álbum más duro esta vez.
Un tercer álbum con la misma formación, “Funland”, fue lanzado en 2009 y cuenta con las voces invitadas de David Thomas y el artista Raymond Pettibon.
El álbum se grabó al mismo tiempo que el álbum anterior, “The Master's Voice”.
El cuarto álbum de Unknown Instructors, “Unwilling to Explain”, vio la luz el 22 de febrero de 2019.
Fue el primer álbum de Unknown Instructors que no fue improvisado y el primero en presentar a Joe Mascis en la guitarra en lugar de Baiza.
La grabación duró bastante tiempo con Watt grabando pistas de bajo en 2011 y Hurley poniendo la batería al año siguiente. El trabajo de guitarra de Mascis se grabó tres años después de eso, seguido por la voz de Dan McGuire.
David Arnson, de Music Connection, lo calificó de "realmente interesante", pero advirtió: "La narración bop con influencias de Tom Waits y Bukowski puede tener diferentes resultados. Lo que realmente destaca es el trabajo fluido y expresivo de guitarra de Mascis".
Michael T. Fournier, de Razorcake, lo elogió diciendo que "se sostiene mejor que cualquier otro disco del grupo que haya escuchado".
Mark Hughson, de Jersey Beat, dijo: "Si te gusta el jazz rock improvisado, te costará encontrar un artista indie con más poder estelar".
Watt profundizaría su interés en la música improvisada al formar un trío, Los Pumpkinheads, con el ex tecladista de los Beastie Boys Money Mark y Caroline Bermudez.
También formó The Missingmen, un trío de punk rock con el guitarrista Tom Watson (Slovenly, The Pair Of Pliers, The Jom And Terry Show, Red Krayola) y el baterista Raul Morales (FYP, Killer Dreamer, The Leeches, Mike Watt and the Secondmen).
El nombre de la banda es una referencia humorística al hecho de que durante una gira europea de 2005 para promocionar el álbum de Watt, “The Secondman's Middle Stand”, ninguno de los Secondmen originales (Pete Mazich y Jerry Trebotic) participó.
Mike Watt conocía a Tom Watson desde la década de 1980, cuando el sello discográfico de Watt, New Alliance Records, publicó los primeros discos de Slovenly; y conoció a Raul Morales al verlo tocar en la banda Vinny Vegas.
The Missingmen comenzaron a tocar en otoño de 2006, teloneando a M. Ward.
Watt había manifestado su intención de grabar un álbum con The Missingmen desde 2007, pero no se concretaron planes hasta 2009, cuando el grupo grabó las pistas de guitarra y batería de “Hyphenated-man” en Nueva York durante un descanso programado en una gira americana de Watt.
Según entrevistas de Watt con Guitar World y Bass Player, el álbum incluiría canciones cortas inspiradas en las pinturas de El Bosco.
Publicado inicialmente en Japón por Parabolica Records en octubre de 2010, el álbum se lanzó en el resto del mundo a través de Clenchedwrench, un sello discográfico independiente fundado por Watt.
El álbum es un álbum conceptual flexible (Watt lo denomina su tercera "ópera punk") compuesto por treinta canciones cortas, todas de dos minutos o menos (la mayoría dura alrededor de un minuto y medio), inspiradas en criaturas de las pinturas de El Bosco; cada uno de los treinta títulos de canciones deriva de un apodo que Watt inventó para cada criatura, "ya que no sé holandés de hace trescientos años".
Según Watt, el álbum "es bastante diferente" de sus anteriores óperas punk, “Contemplating the Engine Room” y “The Secondman's Middle Stand”, "en el sentido de que no tiene una narrativa convencional... es decir, no tiene un principio, un desarrollo ni un final regulares".
Otra inspiración presente en las letras del álbum proviene de "la idea de Dorothy, de El mago de Oz, tropezando con lo que hacen los hombres para 'ser' hombres".
Musicalmente, Watt se inspiró para volver a escribir canciones cortas tras sumergirse de nuevo en el catálogo de su primera banda, The Minutemen, antes y durante el rodaje del documental “We Jam Econo”.
Watt había visto un paralelismo entre el concepto inicial del álbum y The Minutemen en la idea de que “muchos pequeños viajes podían converger en uno grande”.
Inspirado por su música anterior, Watt aún quería tener en cuenta los cambios en su vida, diciendo: “Escribiría letras que trataran sobre mí mismo como un punk rocker de mediana edad, algo que The Minutemen nunca abordaron realmente”.
Watt compuso la música de las treinta canciones con una de las guitarras Fender Telecaster de su difunto amigo y compañero de banda en Minutemen, D. Boon.
“Compuse todo con la Telecaster de D. Boon. No soy un gran guitarrista, pero lo hice a propósito para que el bajo quedara en segundo plano. Hice todo esto para que no sonara demasiado a Minutemen, porque me sentía culpable de plagiar a mi antigua banda, ¿sabes? Ya hay demasiada mierda de eso. No tengo por qué ser uno más haciendo lo mismo. Así que lo que hice fue intentar usar eso como algo apropiado, para crear algo nuevo”.
Durante su época con Minutemen, Mike comentó que compuso muy pocas canciones con la guitarra. “Componía principalmente con el bajo. Y sigo igual”, dijo. “Componer para Missingmen con la guitarra hace que este proyecto sea bastante singular para Tom y para mí. Tom merece todo el respeto por interpretar mi torpe forma de tocar la guitarra. Es increíble, de verdad”.
Las pistas de guitarra y batería se grabaron en tres días de mayo de 2009 durante un descanso programado en la gira que Watt realizó con The Missingmen, en Studio G de Brooklyn, Nueva York, el estudio del exbajista de Pere Ubu, Tony Maimone.
Watson y Morales grabaron sus partes sin haber escuchado previamente la línea de bajo ni la voz. Watt añadió sus voces y partes de bajo trece meses después.
También en octubre de 2006, Watt se unió al resto de The Stooges en el Electrical Audio Studio del ingeniero de grabación Steve Albini en Chicago, Illinois, para grabar “The Weirdness”.
Lanzado el 5 de marzo de 2007, fue el primer álbum de los Stooges con material nuevo desde “Raw Power!” en 1973, y también es el último álbum en el que aparece el guitarrista Ron Asheton, quien falleció a principios de 2009.
Los miembros fundadores Iggy Pop (voz), Ron Asheton (guitarra) y Scott Asheton (batería) aparecen, junto con el nuevo miembro de la banda Mike Watt (bajo), y el músico invitado que regresa Steve Mackay (saxofón), quien apareció en el álbum de The Stooges de 1970, “Fun House”.
Watt dedicó gran parte de ese año a los Stooges, incluyendo la primera gira completa de la banda por Estados Unidos desde su reforma.
El álbum fue grabado por Steve Albini en su estudio Electrical Audio de Chicago, Illinois, durante octubre de 2006, y masterizado en los estudios Abbey Road de Londres, Inglaterra, en diciembre.
Mike Watt publicó un diario diario de las sesiones de grabación en su sitio web, pero fue eliminado sin explicación. Watt se refirió al título del álbum como "Plan Secreto" en las entradas de su diario.
Según el diario en línea de Watt, las canciones grabadas durante las sesiones incluyeron una versión final de “My Idea of Fun” (escuchada por primera vez en el CD en vivo “Telluric Chaos”) y una versión de “I Wanna Be Your Man” de The Beatles (más fiel a la versión de los Rolling Stones).
Un artículo del 20 de noviembre sobre el álbum, derivado principalmente de una entrevista con Pop, también menciona los siguientes títulos de canciones como parte del álbum: “Trollin'”, “ATM”, “You Can't Have Friends”, “The Weirdness” y “Greedy Awful People”. Se anunciaron más títulos en diciembre, tras la masterización del álbum, y la lista final de canciones fue anunciada por Virgin Records el 30 de enero de 2007.
Dos sencillos, “My Idea of Fun” y “Free & Freaky”, se lanzaron en la iTunes Store el 20 de febrero de 2007. El álbum también se publicó como LP de vinilo con cuatro pistas adicionales.
"My Idea of Fun" fue interpretada en el reality show Bam's Unholy Union.
Hasta 2009 había vendido más de 30.000 copias en Estados Unidos.
Según el sitio web de reseñas agregadas Metacritic, el álbum recibió una puntuación de 44, lo que indica una recepción mixta, de 32 puntuaciones de la crítica.
Pitchfork le otorgó una calificación excepcionalmente baja de 1.0/10, escribiendo que "deshonra espantosamente el trabajo original de la banda".
PopMatters escribió: "Como cualquier otro álbum inferior de una banda de culto extinta que se ha reunido inesperadamente, es un peligro para el legado de la banda. Toda evaluación o respaldo de los Stooges ahora debe hacerse con The Weirdness en algún lugar de la ecuación, y la mayoría de los fans sin duda lo mencionarán con disculpas o desprecio. ¿Exactamente por qué se hizo este álbum?".
Drowned in Sound escribió: "Carente de inspiración, sin filo, esto es patético".
BBC Music, por otro lado, escribió: "Rápido, ajustado y listo para la acción, The Weirdness es entretenido, exuberante y divertido".
Mojo llamó al álbum "un disco de rock atrevido y de sonido moderno que también suena más vital que la mayoría de las bandas 40 años más jóvenes que The Stooges".
En 2006, Watt conoció a Sam Dook de The Go! Team en el festival Big Day Out. A Watt le intrigó el uso de samples por parte de The Go! Team.
“Era un poco ingenuo, no estaba familiarizado con esa tecnología, ¿sabes? De hecho, no lo sabía; pensaba que simplemente reproducían todo eso. Para mí, las grabadoras de cinta eran así: uno ponía música y la grabadora la grababa. Pero toda esta idea de las muestras… es una herramienta bastante creativa y, ya sabes, quería explorarla”.
Dook y Watt comenzaron a cartearse por correo electrónico y decidieron formar una banda. Watt visitó a Dook en Brighton mientras The Stooges estaban en Londres y tocaron juntos durante tres días.
Watt le sugirió a Dook que usara fragmentos de esas sesiones como samples para crear nuevas canciones. Cuando Watt regresó a su casa en San Pedro, le envió más pistas de bajo a Dook.
Finalmente, terminaron el álbum por correo electrónico y llamaron al proyecto CUZ, basándose en un fanzine que Richard Hell había publicado décadas antes.
Su álbum debut, titulado “Tamatebako”, fue lanzado en 2014 y cuenta con la participación vocal de Charles Plymell, DJ Scotch Egg y su compañera de Go! Team, Kaori Tsuchida. El título del álbum hace referencia a la misteriosa caja de la leyenda japonesa.
Le siguió una gira en 2015.
Watt también trabajó en otros dos proyectos durante este período: Funanori, una colaboración musical con Kaori Tsuchida, en shamisen y otros instrumentos, y Pelicanman con Petra Haden.
Watt también contribuyó con una versión de "Burning For You" de Blue Öyster Cult, grabada con Haden, Nels Cline, Money Mark Nishita y el baterista de Red Hot Chili Peppers Chad Smith, para el álbum recopilatorio estelar “Guilt de Association”, lanzado en agosto por el sello independiente Engine Room Recordings.
En 2008 se formó el supergrupo de indie rock Big Walnuts Yonder. La banda está compuesta por Mike Watt, el guitarrista Nels Cline (ex Wilco), el baterista Greg Saunier (ex Deerhoof ) y el guitarrista y vocalista Nick Reinhart (ex Tera Melos).
La banda de Watt por esa época, The Missingmen, y la de Reinhart, Tera Melos, coincidieron en Irlanda y entablaron conversación entre bastidores.
Reinhart preguntó por el álbum de Watt, “Contemplating the Engine Room”, y expresó su admiración por el trabajo de Nels Cline, lo que inspiró a Watt a sugerir que los tres iniciaran un proyecto.
Reinhart propuso a Greg Saunier como batería, a lo que Watt accedió rápidamente. Les llevó dos años a los cuatro miembros coordinar sus agendas para comenzar a grabar lo que se convertiría en su primer álbum, “Big Walnuts Yonder”. Aunque el álbum se grabó en 2014, no se publicó hasta 2017; se lanzó el 5 de mayo a través de Sargent House.
Se grabó en tres días durante el verano de 2014 en Brooklyn, Nueva York, en directo con muy pocas sobregrabaciones y fue producido por Tony Maimone.
Meses después se añadieron las voces: Reinhart grabó siete y Watt dos. Watt aportó la mayor parte del material compartiendo versiones preliminares de sus composiciones, o “plataformas de lanzamiento”, como él las llama, interpretadas al bajo.
En estos temas se añadió la guitarra después de las líneas de bajo de Watt, algo que inicialmente intimidó a Reinhart, pero Cline estaba familiarizado con el método de composición, ya que había trabajado así con Watt en “Contemplating the Engine Room”.
Cline y Saunier contribuyeron con un tema cada uno. Raymond Pettibon creó la portada del álbum.
Dustin Krcatovich, de Under the Radar, lo comparó con una "versión moderna del clásico Beefheart" y elogió la habilidad de los músicos para "combinar la precisión del rock progresivo experimental condesenfreno freakcore clásico de SST".
Ljubinko Zivkovic, de The Spill Magazine, le otorgó tres de cinco estrellas y lo describió como "un álbum irregular con algunos momentos estelares".
Justin Cober-Lake, de Dusted, elogió la calidad musical, calificándola de "impredecible, como era de esperar".
Scott A. Gray, de Exclaim!, consideró que algunos temas eran excesivos, pero en definitiva opinó que "la mayor parte de Big Walnuts Yonder es fantástica".
Continuando su exploración de la música improvisada y la escena musical independiente japonesa, Watt, junto con Nels Cline y el productor Kramer, formó Brother's Sister's Daughter con Shimizu "Shimmy" Hirotaka y Yuko Araki, para realizar una gira de dos semanas por el país a finales de 2008 y grabar un álbum posteriormente.
El álbum fue mezclado por Hirotaka, pero aún no tiene sello discográfico ni fecha de lanzamiento. Desde entonces, la banda ha grabado dos álbumes más, pero aún no han sido publicados
Watt y Cline se unieron en Nueva York para formar Floored by Four con la exteclista de Cibo Matto, Yuka Honda, y el baterista de Lounge Lizards, Dougie Bowne. Se inspiraron, entre otros, en Sun Ra, Miles Davis, Captain Beefheart y Sonic Youth.
El grupo debutó en el Central Park Summerstage el 1 de agosto y grabó su primer álbum inmediatamente después.
Su álbum debut homónimo se lanzó en septiembre de 2010 bajo el sello Chimera Records de Sean Lennon.
El álbum está dividido en cuatro canciones, cada una titulada en honor a un miembro de la banda. Las cuatro fueron escritas por Watt.
El Wall Street Journal describió el álbum como “música de vanguardia neoyorquina en su esencia más cruda e improvisada”.
Catherine Lewis, de The Washington Post, atribuyó el liderazgo de Watt a haber salvado el álbum “de ser un trabajo caótico y de última hora” y consideró que el tema “Yuka” era el más destacado del álbum.
John Payne, de Los Angeles Times, calificó su obra como “música eléctrica arriesgada, espontánea y que invita a la reflexión”.
Tal Rosenberg de Pitchfork quedó menos impresionado con el álbum, diciendo que "suena como improvisaciones sin dirección ni propósito".
Honda se reuniría más tarde con Watt y Cline para una segunda gira de Brother's Sister's Daughter y una sesión de grabación en Japón.
A finales de noviembre de 2009, Watt viajó a Italia para realizar una gira y grabar discos por invitación del guitarrista italiano Stefano Pilia.
La banda del proyecto, Il Sogno Del Marinaio (cuyo nombre significa "El sueño del marinero" en italiano), es un trío de música experimental formado por Watt (voz y bajo), Stefano Pilla (guitarra y voz) y Andrea Belfi (batería y voz).
Han publicado dos álbumes de estudio con el sello Clenchedwrench: “La busta gialla” (2013) y “Canto Secondo” (2014) y un tercero, “Terzo” (2024), con Improved Sequence.
El álbum debut de la banda, “La busta gialla”, se grabó en Varano Borghi, un pequeño pueblo del norte de Italia, durante su primera gira por el país en 2009.
El álbum se grabó en tres días. Se lanzó el 29 de enero de 2013 a través de Clenchedwrench. Il Sogno del Marinaio realizó una gira por Europa durante la primavera de 2013 para promocionar “La busta gialla”.
El 1 de diciembre, la banda fue seleccionada para participar en el festival de música All Tomorrow's Parties End of an Era Weekend 2, organizado por Loop.
Al día siguiente del festival, Il Sogno del Marinaio regresó al estudio con el productor Bruno Germano para grabar su segundo álbum de estudio.
“Canto Secondo” se grabó en Vacuum Studio en Bolonia, Italia, entre el 3 y el 10 de diciembre de 2013.
Antes del lanzamiento del álbum, Il Sogno del Marinaio publicó una edición especial limitada en vinilo de 7 pulgadas con las canciones “Mud Puddle” y “We Come to Learn” a través del sello discográfico Org Music para el Record Store Day en abril de 2014.
El sencillo tuvo una tirada limitada de 1200 copias en todo el mundo. “Canto Secondo” se publicó el 26 de agosto de 2014 a través de Clenchedwrench.
El 28 de marzo de 2016, Il Sogno del Marinaio anunció una gira europea para el otoño. La gira, titulada “Canto Secondo Tour 2016”, se llevó a cabo entre el 28 de septiembre y el 29 de octubre de 2016.
Il Sogno del Marinaio ofreció un concierto cada noche en una ciudad europea diferente durante la gira. El 5 de septiembre de 2016, la banda lanzó un videoclip para la canción “Stucazz?!!”.
En 2017, Andrea Belfi dejó la banda para concentrarse en material solista y el baterista Paolo Mongardi se unió al grupo para su "nuovo spirito tour 2017" que comenzó en Ámsterdam, Países Bajos, el 20 de septiembre y terminó el 22 de octubre en Nijmegen, Países Bajos.
En 2010 se forma Hand to Man Band. Su música ha sido descrita como abarcando "jazz psicotrópico, funk desquiciado, elegías estridentes, transmisiones alienígenas y súplicas nocturnas lastimeras".
Nicholas Taplin, propietario de Post-Consumer Records, invitó a Thollem McDonas a Austin, Texas, para grabar con él. McDonas invitó a John Dieterich a unirse, y Dieterich invitó a Tim Barnes.
Luego, McDonas invitó a Mike Watt y el grupo comenzó a improvisar. El plan inicial era dar algunos conciertos después de la grabación, pero los compromisos de Watt con The Stooges le impidieron acompañarlos en la gira.
El álbum, “You Are Always On Our Minds”, no se publicó hasta 2012. El título surgió de una galleta de la fortuna que Watt recibió en una ocasión.
Watt está utilizando su sello Clenchedwrench para publicar otros proyectos discográficos muy esperados, procedentes del material que ha acumulado en los últimos años.
El primero fue el cuarto álbum de Dos (“Dos y Dos”, publicado el 16 de julio de 2011), seguido del proyecto Spielgusher con Richard Meltzer y Shimizu "Shimmy" Hirotaka y Yuko Araki ("Spielgusher", publicado el 17 de enero de 2012), y dos álbumes de Il Sogno del Marinaio).
El regreso de Firehose se anunció oficialmente como parte del cartel del Festival de Coachella de 2012. La banda realizó una breve gira en abril, centrada en las dos fechas de Coachella.
Watt continuó tocando en grupos como Banyan (con Stephen Perkins y Nels Cline) y Hellride, un grupo que interpreta versiones de canciones de los Stooges.
También tocó en Wylde Ratttz con Thurston Moore de Sonic Youth y Ron Asheton de The Stooges, grabando una canción para la película “Velvet Goldmine”.
Watt también grabó una línea de bajo para la banda de folk espacial de Pensilvania The Clubber Lang Gang para su disco “Now Here This”, en el tema "For the Broken People".
A mediados de 2011, Watt comenzó a tocar el bajo para una banda de rock psicodélico/progresivo llamada Anywhere con Cedric Bixler-Zavala de Mars Volta y Christian Eric Beaulieu de Triclops!.
Watt y S. Howe de la banda Schooner formaron un proyecto de música experimental llamado The Island y lanzaron "Listening to the Warning" en 2011 y "Lamia" en 2018.
En 2014, Watt se unió a Mark Shippy (US Maple), Jim Sykes (Invisible Things), Matthew Wascovich (Scarcity Of Tanks) y Norman Westberg (Swans) para formar el proyecto de art rock Hidden Rifles. Su álbum debut, “Across The Neighborhoods”, se lanzó en octubre de 2017.
En 2015, Watt se unió al proyecto Waywords and Meansigns un proyecto colaborativo que musicaliza Finnegans Wake de James Joyce.
Junto con el teclista Matt Mottel y el percusionista Danny Frankel, Watt formó el trío Afternoon Freak y lanzó el álbum “The Blind Strut” en 2018. El álbum se grabó en un solo día, el 14 de enero de 2017, en los estudios BIG EGO.
En 2018, Watt se unió a Bucky Pope, John Herndon, Vince Meghrouni y Pete Mazich para formar el proyecto musical Tone Scientists. Un sencillo de 7 pulgadas que incluía un tema original de Bucky Pope titulado “Nuts” y una versión de “Tiny Pyramids” de Sun Ra fue lanzado en el Record Store Day de 2018 por Org Music.
En 2019, Watt se unió a Todd Congelliere para formar Jumpstarted Plowhards. Su álbum debut, “Round One”, se grabó para su lanzamiento el 4 de octubre de 2019 con Recess Records.
La batería está a cargo de una formación rotativa que incluye a George Hurley, excompañero de Minutemen y fIREHOSE; Patty Schemel, baterista de Hole; Jerry Trebotic, de The Secondmen; y Raul Morales, de The Missingmen. La banda planea grabar cinco LP antes de tocar en vivo.
Inicialmente formado como un grupo puntual para el festival Drill de Wire en Los Ángeles, Watt, Graham Lewis y Matthew Simms de Wire, y Bob Lee de The Black Gang formaron Fitted y decidieron permanecer juntos y grabar.
El álbum debut, “First Fits”, fue lanzado en noviembre de 2019. Se grabó entre 2017 y 2018 con Lewis y Watt alternando la voz principal. El primer sencillo fue "Training Pit Bulls For The Navy".
Los dos primeros sencillos, "Training Pitbulls for the Navy" y "The Legend of Lydmar Lucia", precedieron al lanzamiento del álbum completo.
Kevin Quinn, de Music-News.com, le otorgó cinco estrellas al álbum.
James Bennett, de la revista SLUG, elogió el álbum, aunque le resultó difícil describirlo, diciendo: “Cada canción es una aventura, y cada aventura está llena de más giros y sorpresas de las que se podrían anticipar”.
Chattanooga Pulse lo describió como “una verdadera alegría creativa con temas de rock expansivos y genuinamente conmovedores”.
Watt tocó el bajo con el guitarrista Mike Baggetta y el baterista Jim Keltner en el álbum “Wall of Flowers” de Baggetta, lanzado en marzo de 2019 y se unió a Baggetta para una gira de diez conciertos en marzo, con Stephen Hodges sustituyendo a Keltner.
El trío resultante se bautizó como mssv y grabó un álbum en directo titulado “Live Flowers”. En 2020 le siguió un álbum de estudio titulado “Main Steam Stop Valve”.
En 2021, Watt con el percusionista Mike Pride y el guitarrista Brandon Seabrook formaron Three-Layer Cake y lanzaron un álbum, "Stove Top", en RareNoiseRecords.
Mike Watt fue reclutado por Ted Falconi y Stephen DePace de Flipper para tocar el bajo en una gira europea de verano de 2019 con David Yow (The Jesus Lizard, Scratch Acid), quien sustituyó al retirado Bruce Loose y a la entonces bajista de Flipper, Rachel Theole, que tenía otros compromisos. Los conciertos se anunciaron como Flipper con Yow y Watt.
En 2022, Flipper anunció que volvería a salir de gira, con Watt de regreso al bajo y como vocalista principal. Se anunció una gira europea, pero se canceló debido a la pandemia de COVID-19. La banda rápidamente programó una gira por Estados Unidos para otoño con la misma formación.
Watt ha hecho un sinfín de apariciones como invitado a lo largo de su carrera profesional.
En noviembre de 2006, Watt reveló a Pitchfork Media que había grabado para un álbum de la cantante Kelly Clarkson, un trabajo de estudio que aceptó por invitación de su "viejo amigo", el productor e ingeniero David Kahne. El álbum de Clarkson, “My December”, se publicó en 2007.
Watt y el baterista Stephen Hodges se unieron al violinista Chris Murphy para "Blues for Bukowski" en el álbum “Luminous" de Murphy. Hodges ya había trabajado con Watt en “Contemplating the Engine Room”.
Watt apareció en la pista "Moon Burnt Mountain" en “Anywhere II” de Anywhere.
Watt tocó el bajo en dos pistas del álbum tributo a Black Flag “Gimmie Gimmie Gimmie: Reinterpreting Black Flag” junto a Dez Cadena y Keith Morris.
En 2018, Black Moth Super Rainbow lanzó un sencillo de 7 pulgadas para el Record Store Day con Watt y Flea versionando "Drippy Eye". Watt ya había participado en la canción "Black Yogurt" del EP “Drippers” de Black Moth Super Rainbow en 2008.
Ese mismo año, Watt colaboró en la canción "Ništo Nema da ne Razdeli" de Bernays Propaganda (Macedonia) para el álbum recopilatorio “Songs From Under the Floorboard, Vol. 1”, editado por DJ Dave Cantrell. Este álbum es una recopilación benéfica cuyos beneficios se destinan a Planned Parenthood, una organización estadounidense sin ánimo de lucro que brinda servicios de salud reproductiva y sexual, así como educación sexual en Estados Unidos y a nivel mundial.
Watt también apareció en un sencillo de 7 pulgadas compartido con MB Jones tocando en la canción "Jail for Trees" en abril de 2018.
En octubre de 2018, Watt se unió a Abby Travis, Keith Morris, Flea, Jennifer Finch, Chip Kinman y otros para una presentación en el Roxy Theatre titulada “War Stories: Tales of 70's & 80's Punk Mayhem Told By The Perpetrators Themselves”.
En 2025, Watt se unió a la banda post-punk Break to Broken para una colaboración como bajista en el tema "No Care". El tema formó parte de un EP de 7 pulgadas con 3 canciones titulado "No Care + 2", lanzado por el sello británico Engineer Records el 15 de julio de 2025.
Watt ha dicho que generalmente no cobra por tocar en el álbum de alguien, diciendo: "No todo el pago está en el dinero... Cada vez que tocas, estás invirtiendo en la próxima vez que toques".
También es muy conocida su faceta como escritor:
En 2003, la editorial quebequense L'Oie De Cravan publicó el primer libro de Watt, “Spiels Of A Minuteman”. El libro, impreso en inglés y francés, contiene todas las letras de canciones de Watt de la época de Minutemen, así como el diario de gira que escribió durante la única gira europea de Minutemen con Black Flag, ensayos del ex copropietario de SST, Joe Carducci, Thurston Moore de Sonic Youth y Richard Meltzer, letrista de Blue Öyster Cult y admirador de Watt desde hace mucho tiempo, e ilustraciones de Raymond Pettibon que se habían utilizado en todas las portadas de los álbumes de Minutemen.
Watt publicó su segundo libro en 2012. Titulado “Mike Watt: On and Off Bass”, el libro es una memoria fotográfica que presenta fotos tomadas por Watt junto con extractos de los diarios de gira de Watt con los Stooges mezclados con poemas en verso libre.
En 2016, Watt contribuyó con un capítulo a las memorias de John Doe, “Bajo el gran sol negro: una historia personal del punk de Los Ángeles”.
Watt es desde hace mucho tiempo un admirador de James Joyce, habiendo descubierto el "Ulises" mientras tocaba con Minutemen en una gira europea con Black Flag. Reconoce que la lectura de Joyce le ayudó a procesar la pérdida de D. Boon y la utilizó como inspiración al escribir “Contemplating the Engine Room”.
Watt afirmó que el estilo de flujo de conciencia de Joyce influyó directamente en “Double Nickels on the Dime” con canciones como “June 16th”, fecha del Bloomsday, que se celebra anualmente en Dublín y otros lugares el 16 de junio, como conmemoración y celebración de la vida de Joyce.
Watt asistió a la celebración del Bloomsday de 2004 en Dublín y afirmó que era la primera vez que visitaba una ciudad sin tener que dar un concierto. Watt volvió a asistir al Bloomsday en 2008 durante una gira con The Stooges.
En 2008, Watt fue invitado a contribuir con música a una adaptación de la "Música de Cámara de Joyce" publicada por Fire Records.
En 2017, Watt participó en un proyecto internacional que musicalizó el Finnegans Wake de Joyce, titulado “Waywords and Meansigns”. Se publicó el 4 de mayo de 2017, coincidiendo con el 76 aniversario de la primera publicación del libro.
Cuando no está de gira, Watt presenta un programa de radio por internet, “The Watt from Pedro Show”, una continuación de un programa que Watt había realizado por primera vez en una emisora de FM de baja potencia a finales de la década de 1990.
El programa debutó el 19 de mayo de 2001 y se hizo tan popular entre los fans de Watt que el proveedor de alojamiento web, Sightworks, lo interrumpió temporalmente durante la semana hasta que se encontrara un patrocinador u otra solución. El 10 de enero de 2006, “The Watt from Pedro Show” se lanzó como podcast.
Equipo
El primer bajo de Watt fue un Kay que compró por 100 dólares.
Tocó un Fender Precision Bass que anteriormente perteneció al bajista de Fear, Derf Scratch, en “What Makes A Man Start Fires?”.
Durante la mayor parte de su etapa en fIREHOSE, Watt tocó un bajo Fender Precision de 1956.
Desde 1995 hasta 1999, Watt tocó principalmente un Gibson Thunderbird sin inversión de bobina, al que modificó con un preamplificador Bartolini y clavijas de afinación Grover.
Tras su enfermedad en el año 2000, Watt cambió a bajos de escala corta para sus presentaciones en vivo. Tocó un Gibson EB-3 de 1963 hasta que se lo robaron durante una gira con The Stooges. Después del robo, Watt recibió como obsequio un Gibson EB-3 de 1969 y un Gibson EB-0.
Más recientemente, toca un bajo "Wattplower" de su propia marca, diseñado junto con Reverend Musical Instruments. A principios de 2020, se anunció el lanzamiento de una versión "Mark II" de este bajo.
Discografía
Minutemen
Álbumes de estudio
The Punch Line (1981)
What Makes a Man Start Fires? (1983)
Double Nickels on the Dime (1984)
3-Way Tie (For Last) (1985)
Obras extendidas
Paranoid Time (1980)
Joy (1981)
Bean-Spill (1982)
Buzz or Howl Under the Influence of Heat (1983)
Tour-Spiel (1984)
Project: Mersh (1985)
Minuteflag (1986)
Georgeless (1993)
Minutemen/Saccharine Trust Split (2011)
Recopilatorios
The Politics of Time (1984)
My First Bells (1985)
Ballot Result (1987)
Post-Mersh, Vol. 1 (1987)
Post-Mersh, Vol. 2 (1987)
Post-Mersh, Vol. 3 (1989)
Introducing the Minutemen (1998)
fIREHOSE
Álbumes de estudio
Ragin', Full On (1986, SST)
If'n (1987, SST)
Fromohio (1989, SST)
Flyin' the Flannel (1991, Columbia Records)
Mr. Machinery Operator (1993, Columbia Records)
EPs y singles
Sometimes, Almost Always (EP, 1988, SST)
Time With You (promo single, 1989, SST)
Live Totem Pole (EP, 1992, Columbia)
Big Bottom Pow Wow (promo single, 1993, Columbia)
Red & Black (live, single, 1995, Sony)
Recopilatorios
lowFLOWs: The Columbia Anthology ('91–'93) (2012)
Dos
Dos (New Alliance) 1986
Numero Dos (12-inch EP) (New Alliance) 1989
Uno Con Dos (CD) (New Alliance) 1989
Justamente Tres (CD) (Kill Rock Stars) 1996
dos y dos (CD, LP) (Clenchedwrench) 2011
Crimony
The Crimony EP (New Alliance) 1988
The Stooges
Live In Detroit (DVD) (Creem/MVD) 2004
You Better Run on The Songs Of Junior Kimbrough (Fat Possum) 2005
Telluric Chaos (Skydog) 2005
The Weirdness (Virgin) 2007
Raw Power Live: In the Hands of the Fans (Virgin) 2011
Ready to Die (Fat Possum) 2013
Unknown Instructors
The Way Things Work (Smog Veil Records) 2005
The Master's Voice (Smog Veil Records) 2007
Funland (Smog Veil Records) 2009
Unwilling To Explain (ORG Music) 2019
Floored by Four
Floored by Four (Chimera Records) 2010
Off With Their Heads
Off With Their Heads/Discharge Split 7-inch (Drunken Sailor Records) 2011
Steve Mackay
Untitled EP (as Estel) 2009
Sometimes Like This I Talk 2011
North Beach Jazz 2011
The Hand to Man Band
You Are Always on Our Minds (Post-Consumer) 2012
Anywhere
Anywhere (ATP Recordings) 2012
Mike Watt + the Missingmen
Missing the Minutemen 10-inch 2013
Missing More of the Minutemen 10-inch 2015
Il Sogno del Marinaio
La busta gialla (Clenchedwrench) 2013
Canto Secondo (Clenchedwrench) 2014
Terzo (Improved Sequence) 2024
CUZ
Tamatebako (Bleeding Heart Recordings) 2014
Brother's Sister's Daughter
BSD 2014
Mike Watt and the Secondmen
Shit on Me / Striking Out (Org Music) 2015
Back In The Microwave (Org Music) 2016
L.A. to Pedro EP (Nomad Eel Records) 2020
Big Walnuts Yonder
Big Walnuts Yonder (Sargent House) 2017
Hidden Rifles
Across The Neighborhoods (Total Life Society) 2017
Afternoon Freak
The Blind Strut (Joyful Noise Recordings) 2018
Tone Scientists
Nuts b/w Tiny Pyramids 7-inch (Org Music) 2018
Jumpstarted Plowhards
Round One (Recess Records) 2019
FITTED
First Fits (ORG Music) 2019
mssv
Live Flowers (Striped Light Records) 2019
Main Steam Stop Valve (BIG EGO Records) 2020
Media Kittens / When The Hoarding Has Ended (7-inch) (Improved Sequence) 2020
Round Eye
Culture Shock Treatment (Sudden Death Records) (Producer) 2020
Three-Layer Cake
Stove Top (RareNoiseRecords) 2021
En Solitario
Todos los álbumes en solitario fueron publicados por Columbia, salvo que se indique lo contrario:
Ball-Hog or Tugboat? 1995
Contemplating the Engine Room 1997
The Secondman's Middle Stand 2004
Hyphenated-man (Parabolica Records en Japón)/(clenchedwrench en otros liugares) 2010/2011 (La edición de Clenchwrench utiliza una portada diferente a la de la edición japonesa).
Watt: On Bass limited edition 5" vinyl 2015
"Ring Spiel" Tour '95 2016
Contemplating the Engine Room: Live in Long Beach '98 2017
Apariciones como invitado
Juliana Hatfield
Hey Babe (Mamouth) 1992
Anywhere
Anywhere II (ORG Music) – "Moon Burnt Mountain" 2018
Black Moth Super Rainbow
Drippers EP (Moamoo) – "Black Yogurt" 2008
Sonic Youth
EVOL (SST Records) – "In the Kingdom #19" 1986
King Champion Sounds
To Awake In That Heaven Of Freedom (Excelsior) - "Smallest Tribe in the World" 2016
Scarcity of Tanks
Ringleader Lies (Total Life Society) 2016
Garford Mute (Total Life Society) 2017
Dissing The Reduction (Total Life Society) 2019
Bernays Propaganda
Vtora mladost, treta svetska vojna (2nd Youth, 3rd World War) 2019
Billions Of Comrades
Our Hours 2021
Sun+Dead
Magic Drum 2024
Fuentes: daily.bandcamp.com, wattpedia.fandom.com, vice.com y Wikipedia
LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Moderador: Rufus
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin
Tony Levin es un músico y compositor estadounidense especializado en bajos eléctricos, Chapman Stick y contrabajo.
Músico de sesión prolífico desde la década de 1970, Levin ha participado en más de 500 álbumes. Algunas de sus colaboraciones más destacadas incluyen trabajos con John Lennon, Herbie Mann, Sarah McLachlan, Paula Cole, Stevie Nicks, Pink Floyd, Robbie Robertson, Eumir Deodato, Paul Simon, Lou Reed, David Bowie, Joan Armatrading, Tom Waits, Buddy Rich, The Roches, Todd Rundgren, Seal, Warren Zevon, Bryan Ferry, Laurie Anderson, Kate y Anna McGarrigle, Gibonni, Chuck Mangione y Jean-Pierre Ferland.
Ha realizado giras con artistas como Paul Simon (con quien apareció en la película de 1980 “One-Trick Pony” ), Gary Burton, James Taylor, Judy Collins, Carly Simon, Peter Frampton, Tim Finn, Richie Sambora, Ivano Fossati, Claudio Baglioni y Lawrence Gowan.
Pero es más conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, quien lo llama el "Emperador del Bajo".
Levin ha contribuido más que nadie a popularizar el Chapman Stick, tocando esta guitarra elegante y con un marcado estilo tapping en éxitos de Gabriel como "Shock the Monkey".
El Emperador comenzó su carrera como músico de sesión en los años 70; es el mismo que tocó en el éxito número uno de Paul Simon, "50 Ways to Leave Your Lover".
Se unió a Gabriel en cuanto el artista dejó Genesis, y desde entonces ha sido una pieza clave en su música: es imposible imaginar "Big Time" o "Sledgehammer" sin él.
Cuando Robert Fripp revivió King Crimson tras una pausa de siete años, reclutó a Levin para la formación clásica de los ochenta que grabó “Discipline”. (Posee el récord del bajista con más años en Crimson).
Levin toca con gran sentimiento en dos de las mejores baladas de la última etapa de Bowie: “Slip Away” y “Where Are We Now?”.
Inventó los “Funk Fingers”, una técnica para su enfoque percusivo que consiste en baquetas modificadas que se acoplan a los dedos del bajista para golpear las cuerdas, añadiendo un distintivo sonido percusivo "slap" característico del funk.
En 2011, Levin ocupó el segundo puesto, solo por detrás de John Paul Jones de Led Zeppelin, en la lista de los "20 bajistas más infravalorados" de la revista Paste.
“Me atrevería a decir que la forma en que escuché a Oscar Pettiford tocar el bajo de jazz… es similar a la forma en que, mucho después, intentaría crear partes de bajo para rock y pop”, dijo Levin en 2013, reflexionando sobre los orígenes de su estilo singular. “No es tan fácil describirlo con exactitud, pero, en pocas palabras, se trata de encontrar las notas precisas y tocarlas con la sensibilidad justa”.
También es miembro de Liquid Tension Experiment (1997-1999, 2008-2009, 2020-presente), Bruford Levin Upper Extremities (1998-2000) y HoBoLeMa (2008-2010). Dirige su propia banda, Stick Men, desde 2010.
En julio de 2020, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 42 de su lista de los "50 mejores bajistas de todos los tiempos”.
Anthony Frederick Levin nació el 6 de junio de 1946 en Boston, Massachusetts. Se crio en una familia judía reformista en el suburbio de Brookline.
Empezó a tocar el contrabajo a los 10 años, estudiando principalmente música clásica. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, interpretando solos con la banda de concierto, y también formó un cuarteto de barbería (grupo de cuatro cantantes que interpretan música al estilo barbershop, caracterizado por armonías a cuatro voces sin acompañamiento instrumental, a cappella); sin embargo, su principal interés era la música clásica.
Entre sus primeras actuaciones destaca su participación con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Gran Boston en un concierto en el jardín sur de la Casa Blanca en abril de 1962, para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.
Tras terminar el instituto, asistió a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar bajo la dirección de Igor Stravinsky y en la Filarmónica de Rochester.
En esa misma escuela coincidió con el baterista Steve Gadd, quien le introdujo al jazz y al rock, lo que lo llevó a cambiar su bajo eléctrico vertical Ampeg "Baby Bass" por un Fender Precision Bass. En sus inicios, su primer amplificador de bajo fue un Ampeg Portaflex B-15.
La primera grabación de Levin fue en 1968, cuando él y Gadd participaron en “Diana in the Autumn Wind”, el primer álbum en solitario de Gap Mangione.
En 1970, Levin se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió a una banda llamada Aha, the Attack of the Green Slime Beast, con Don Preston de The Mothers of Invention. Poco después, comenzó a trabajar como músico de sesión.
En 1971, John McLaughlin le pidió a Levin que se uniera a su nuevo proyecto, la Mahavishnu Orchestra: “Mi primera opción para el bajo era Tony Levin. Pero me dijo: "¡Caramba, acabo de aceptar un trabajo con Gary Burton!".
De 1973 a 1975, Levin y Steve Gadd tocaron en la banda del veterano flautista de jazz Herbie Mann. Dos de las primeras composiciones de Levin (“Daffodil” y “Music Is a Game We Play”) aparecieron en el álbum de Mann de 1973, “First Light”.
Su habilidad para leer partituras y su rapidez y eficiencia en el trabajo lo hicieron muy apreciado por numerosos productores, lo que le valió colaboraciones en muchos álbumes, incluido el álbum de jazz de la big band de Buddy Rich, “The Roar of '74”, y “Still Crazy After All These Years” de Paul Simon en 1975.
En 1976, Levin contribuyó a crear las exuberantes texturas del álbum “Resolution” de Andy Pratt, que contó con la participación de numerosos músicos destacados, entre ellos Arif Mardin, Andy Newmark, Hugh McDonald, Luther Vandross y Steve Gadd, colaborador habitual de Levin en la sección rítmica.
Allmusic.com y la revista Rolling Stone lo consideraron uno de los mejores álbumes de cantautores de la década de 1970.
En 1977 Levin fue contratado para el álbum debut en solitario de Peter Gabriel, en el que también participó Robert Fripp.
Desde entonces, Levin ha sido el bajista predilecto de Gabriel. En el primer álbum solista de Gabriel, Levin también tocó la tuba, y dirigió y cantó con un cuarteto de barbería en “Excuse Me”.
Había conocido a Gabriel a través del productor Bob Ezrin, con quien Levin había grabado “Welcome to My Nightmare” de Alice Cooper y “Berlin” de Lou Reed.
Durante la grabación del primer álbum de Peter Gabriel, conoció a Robert Fripp y, en 1980, luego de ser invitado por el mismo Fripp para participar de su álbum “Exposure” en 1979, se convirtió en un miembro de la nueva formación de King Crimson en 1981, que por esos días aún se hacía llamar Discipline.
Levin ha sido el bajista en todos los álbumes de estudio de Gabriel, con algunas excepciones (por ejemplo, el bajo sin trastes de John Giblin en “Peter Gabriel III”, y la colaboración de Larry Klein y Bill Laswell en “So”).
Durante sus años con Gabriel, Levin desarrolló dos aspectos únicos en su forma de tocar: un mayor dominio del Chapman Stick, que más tarde utilizaría ampliamente en King Crimson, y la invención de los "funk fingers", unas baquetas cortas sujetas a los dedos para golpear las cuerdas graves, lo que produce un efecto muy percusivo.
Levin atribuye a Gabriel la idea original y a su técnico, Andy Moore, el mérito de haberlas hecho viables.
En 1978, Levin se mudó a Woodstock, Nueva York, para unirse a la banda L'Image, que incluía a su viejo amigo Steve Gadd, así como a Mike Mainieri y Warren Bernhardt.
La banda se disolvió al cabo de un año, aunque Levin decidió quedarse en la zona: actualmente reside en Kingston, Nueva York.
Este grupo, cuyo destino fue trágico, se reuniría mucho más tarde en la carrera de Levin.
En 1980, Levin participó en las sesiones del álbum “Double Fantasy” de John Lennon y Yoko Ono.
De 1981 a 1984 Levin formó parte de la formación de King Crimson junto con Fripp, el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el batería Bill Bruford.
A finales del otoño de 1980, después de haber pasado varios años dedicados a la búsqueda espiritual y luego regresar gradualmente a la música (tocando la guitarra para David Bowie, Peter Gabriel y Daryl Hall, desarrollando una carrera solista experimental, liderando la banda instrumental de new wave The League of Gentlemen), Fripp decidió formar un nuevo grupo de rock de "primera división".
Tras reclutar a Bruford como batería, Fripp invitó al cantante y guitarrista estadounidense Adrian Belew, quien había tocado previamente con Bowie y Frank Zappa, a unirse a la banda; esta fue la primera vez que Fripp buscaba activamente la colaboración de otro guitarrista, lo que evidenciaba su deseo de crear algo distinto a sus trabajos anteriores.
Después de una gira con Talking Heads, Belew aceptó unirse y convertirse también en el letrista. La sugerencia de Bruford del bajista Jeff Berlin, con quien había tocado en Bruford, fue rechazada ya que Fripp consideraba que su estilo era "demasiado recargado", por lo que se realizaron audiciones en Nueva York: al tercer día, Fripp se marchó tras aproximadamente tres audiciones, para regresar varias horas después con el bajista de sesión Tony Levin (quien obtuvo el puesto tras tocar un solo estribillo de "Red").
Fripp confesó más tarde que, de haber sabido que Levin (con quien había tocado en el grupo de Peter Gabriel) estaba disponible e interesado, lo habría elegido sin hacer audiciones.
Fripp bautizó al nuevo cuarteto como Discipline, y viajaron a Inglaterra para ensayar y componer nuevo material.
Debutaron en directo en el Moles Club de Bath, Somerset, el 30 de abril de 1981, y realizaron una breve gira como teloneros de The Lounge Lizards.
En octubre de 1981, la banda decidió cambiar su nombre a King Crimson.
En 1981, King Crimson grabó “Discipline” en Londres con el productor Rhett Davies, quien previamente había trabajado con Belew en “Remain in Light” de Talking Heads y con Fripp en “Another Green World” y “Before and After Science” de Brian Eno.
El álbum mostró una versión muy diferente de la banda, con nuevas influencias que incluían post-punk, new wave, funk, minimalismo, puntillismo, música del mundo y percusión africana, y un sonido descrito en “The New Rolling Stone Album Guide” como poseedor de una "técnica asombrosa" de "ejercicios rítmicos intrincados y armónicamente exigentes".
El tema que da título al álbum, "Discipline", fue descrito como una canción de rock postminimalista.
Fripp pretendía crear el sonido de un “gamelán rock”, con una cualidad rítmica entrelazada en las guitarras a dúo que le recordaba a los conjuntos de gamelán indonesios.
Fripp se concentró en tocar arpegios complejos con púa, mientras que Belew aportó un arsenal de sonidos de guitarra que “a menudo imitan ruidos de animales”.
Además del bajo, Levin utilizó el Chapman Stick, un instrumento híbrido de guitarra y bajo de diez cuerdas que se toca con ambas manos mediante tapping, y que interpretaba con un estilo “totalmente original”.
Bruford experimentó con baterías acústicas sin platillos y una batería electrónica Simmons SDS-V.
Las canciones de la banda eran más cortas en comparación con los álbumes anteriores de King Crimson, influenciadas por la sensibilidad pop de Belew y su peculiar enfoque a la hora de escribir letras.
Aunque el gusto previo de la banda por la improvisación se había controlado considerablemente, de los ensayos grupales surgió un tema instrumental ("The Sheltering Sky"); la ruidosa y a medio camino entre lo hablado y lo gritado "Indiscipline" fue una pieza parcialmente escrita e improvisada, creada para que Bruford pudiera escapar de las estrictas exigencias rítmicas del resto del álbum.
Publicado en septiembre de 1981, "Discipline" alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el número 45 en Estados Unidos.
La contraportada incluye la frase: “La disciplina nunca es un fin en sí misma, sino un medio para un fin”.
La portada original presenta una variación de un diseño de nudo celta protegido por derechos de autor, obra de George Bain. Al descubrirse que se utilizaba sin la debida licencia, fue sustituida en ediciones posteriores por un diseño de nudos creado por Steve Ball por encargo de Fripp.
El diseño de Ball también se utiliza como logotipo del sello discográfico de Fripp, Discipline Global Mobile.
“Discipline” recibió críticas mixtas, aunque en general positivas.
La reseña de John Piccarella en Rolling Stone elogió el talento y la maestría de King Crimson, en particular el enfoque visionario de Belew y Fripp hacia la guitarra, pero criticó el contenido pretencioso del álbum, expresando su deseo de que esta banda de virtuosos permaneciera unida el tiempo suficiente para transformar todos sus experimentos en innovaciones.
Alan Entwistle, de Record Mirror, se mostró en general entusiasta, escribiendo que la banda explora nuevos territorios y revitaliza los ya conocidos; destacó la segunda cara del álbum, más madura, señalando sus canciones distintivas, bailables a la vez que disciplinadas.
Robert Christgau, de The Village Voice, describió el álbum como musicalmente aceptable: una mezcla entre The Heads y The League of Gentlemen.
En la encuesta Pazz & Jop de fin de año de The Village Voice, “Discipline” fue votado por los críticos como el 35 mejor álbum del año.
La reseña retrospectiva de Greg Prato en AllMusic elogió las "interpretaciones inspiradas" del álbum, aplaudiendo en particular la inesperada y exitosa combinación de los estilos tan distintos de Belew y Fripp: "la unión de estos dos originales funcionó de maravilla".
Trouser Press describió las canciones del álbum como "esculturas musicales que se despliegan, interpretadas con precisión y una imaginación excepcional" y "una síntesis mayormente exitosa de ambición, sencillez y la claridad característica de Kraftwerk".
En 2002, Pitchfork clasificó “Discipline” en el puesto número 56 de su lista de "Los 100 mejores álbumes de la década de 1980"; en la entrada del álbum en la lista, el escritor Dominique Leone lo citó como una influencia en el math rock y lo describió como "tan anguloso y tenso como cualquier grupo post-punk, a la vez que tan preciso y rítmicamente propulsivo como un cuarteto de cuerdas de Bartók".
En junio de 1982, King Crimson lanzó “Beat”, segundo álbum en contar con la formación de Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin y Bill Bruford, y el primer álbum de King Crimson en contar con la misma formación que su predecesor.
"Beat" es el único álbum en el que Fripp no participó en la mezcla original; Davies y Belew se encargaron de la producción.
“Beat” se inspiró en la historia y los escritos de la Generación Beat, impulsado por el vigésimo quinto aniversario de la publicación de la novela “En el camino” del escritor beat Jack Kerouac.
Adrian Belew recuerda haber recibido la inspiración de una nota que decía “Soy ruedas, soy ruedas en movimiento”, que le dio Robert Fripp, quien sugirió que los escritos beat se convirtieran en la base lírica del álbum después de ver a Belew leyendo una obra de Kerouac.
El tema inicial, "Neal and Jack and Me", hace referencia a Kerouac y Neal Cassady. Además de "En el camino", la letra también menciona las novelas de Kerouac "Los subterráneos", "Visiones de Cody" y "Satori en París".
La canción se publicó como cara B de "Heartbeat", el único sencillo del álbum. Musicalmente, "Neal and Jack and Me" retoma donde lo dejó "Discipline ", con Fripp y Belew tocando patrones en 54 y 78.
“Heartbeat” es también el título de un libro escrito por Carolyn, la esposa de Cassady.
“Sartori in Tangier” toma su nombre de "Satori en París" de Kerouac y de la ciudad de Tánger, en Marruecos, donde pasaron tiempo varios escritores de la Generación Beat y Paul Bowles (cuya obra “The Sheltering Sky” inspiró el título de una canción del álbum “Discipline”).
La distintiva introducción instrumental fue interpretada por Tony Levin con el Chapman Stick; en las primeras versiones en directo, la introducción era más larga.
“Neurotica” comparte título con Neurotica, una revista de la era Beat.
La introducción de Frippertronics ('Frippertronics' es un término que se refiere a la técnica analógica de retardo y bucle desarrollada por Robert Fripp, utilizando dos grabadoras de cinta de carrete abierto) de la canción está tomada directamente de “Hååden Two”, del álbum en solitario de Fripp de 1979, “Exposure”.
“The Howler” hace referencia al poema “Howl” (1955) del escritor Beat Allen Ginsberg, que Fripp sugirió a Belew como inspiración para la letra.
El riff de guitarra que se escucha a mitad de la canción se puede comparar con el que Belew tocó en "Genius of Love" de Tom Tom Club en 1981.
La canción se interpretó por primera vez a principios de 1982 como instrumental. Otra pista instrumental, titulada "Absent Lovers", también se interpretó durante este tiempo, pero no se incluyó en el álbum.
La grabación del último tema, "Requiem", generó tensión entre Fripp y Belew. El instrumental se basó en un loop de Frippertronics de la gira en solitario de Fripp de 1979.
Después de que Levin y Bruford grabaran las pistas rítmicas, Belew regresó solo al estudio para grabar sobregrabaciones de guitarra adicionales. Fripp hizo lo mismo más tarde, pero cuando el grupo se reunió de nuevo, Belew le pidió a Fripp que abandonara el estudio.
No se supo de él durante varios días, aunque una carta de Bruford y una llamada telefónica del mánager Paddy Spinks permitieron al grupo "recomponer la situación" y Belew se disculpó posteriormente. Sin embargo, el grupo no se reunió de nuevo hasta el comienzo de su siguiente gira.
Fripp recordó que “en aquel entonces, Bill y Adrian pensaban que Beat era mejor que Discipline. Para mí, esto era un indicio de lo mucho que la banda se había alejado ya de su visión original. El grupo se separó al final de las sesiones... No tuve nada que ver con la mezcla de Beat, ni me sentí capaz de promocionarlo. De alguna manera, asimilamos ese hecho y seguimos adelante”.
Belew consideró las sesiones “la peor experiencia de grabación de su vida y una que jamás repetiría”, y tanto él como Bruford han declarado posteriormente que “Heartbeat” y “Two Hands” no deberían haberse incluido en el álbum.
Publicado el 18 de junio de 1982, “Beat” alcanzó el puesto número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
En una reseña positiva, Trouser Press escribió que "los músicos llevan sus instrumentos a una nueva forma, similar al jazz fusión y al art rock, pero mucho más allá de ambos, e incluso indescriptible".
Una mezcla en sonido envolvente 5.1 del álbum, realizada por Fripp y Steven Wilson, que comenzó en 2009 y finalizó en 2013, se publicó en octubre de 2016 para la serie del 40 aniversario de King Crimson como un paquete independiente de CD/DVD y como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew excepto "Two Hands", de Margaret Belew.
Por esa época, la banda publicó el VHS “The Noise: Live in Frejus”, un documental de un concierto ofrecido en el Arena de Fréjus, Francia, el 27 de agosto de 1982, compartiendo cartel con Roxy Music (cuyo concierto del mismo espectáculo también se publicó en VHS como “The High Road”).
El VHS se reeditó posteriormente en 2004 como parte del DVD “Neal and Jack and Me”.
El siguiente álbum de King Crimson, “Three of a Perfect Pair”, se grabó en 1983 y se publicó en marzo de 1984; es el último álbum de estudio del grupo con el cuarteto formado por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford, que se separó ese mismo año, aunque los cuatro aparecerían en la formación de sexteto que aparece en “Thrak” en 1995.
Según Robert Fripp, el álbum "presenta dos lados distintos de la personalidad de la banda, lo que ha causado al menos tanta confusión para el grupo como para el público y la industria. El lado izquierdo es accesible, el lado derecho excesivo".
La "otra cara" del material adicional de la remasterización en CD de 2001 consiste en dos tomas descartadas instrumentales de las sesiones de 1983, tres mezclas alternativas de "Sleepless" y una grabación a cappella de 1989 (publicada por primera vez en la caja recopilatoria "Frame By Frame" de 1991) en la que Tony Levin interpreta todas las partes del cuarteto de barbería "The King Crimson Barber Shop".
El título del álbum se basa en la idea de los “opuestos perfectos”, o la verdad de una persona, la verdad de otra y una verdad objetiva (la idea de que “toda historia tiene tres versiones".
La obra diseñada por Peter Willis ilustra la dicotomía sagrado-profano; un objeto fálico ascendente representa a una deidad solar masculina a punto de penetrar la figura creciente, una deidad lunar femenina.
Según Fripp, la obra es “una presentación de la reconciliación del cristianismo occidental y oriental... la portada muestra los dos elementos, que representan los principios masculino y femenino. La contraportada incluye un tercer elemento que une y reconcilia los términos opuestos anteriores”.
Lanzado en marzo de 1984, “Three of a Perfect Pair” alcanzó el puesto número 30 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Trouser Press lo describió en una reseña mixta como "un álbum sumamente inconexo de una banda que se enorgullecía de sus contradicciones cuidadosamente equilibradas. La cara B incluye cuatro de las canciones menos logradas de Adrian Belew y un instrumental autorreferencial; la cara B es casi completamente instrumental, casi de forma libre, casi brillante... aparentemente la 'disciplina' frippressive que forjó la aclamada síntesis pop/art de los dos primeros álbumes de la última etapa de Crimson no es una condición permanente".
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew. “The King Crimson Barber Shop”, música y letra de Tony Levin.
El último concierto de la gira de “Three of a Perfect Pair”, en el Spectrum de Montreal, Canadá, el 11 de julio de 1984, se grabó y publicó en 1998 como “Absent Lovers: Live in Montreal”.
Otras grabaciones en directo de la banda de los años 80 se publicaron en 2016 como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”. A pesar de sus diferencias, los músicos mantuvieron una actitud profesional en el escenario.
Tras la gira de 1984, Fripp disolvió King Crimson por segunda vez, exactamente diez años después de disolver el grupo anterior. Bruford y Belew expresaron su frustración al respecto; Belew recordó que se enteró de la separación por un artículo en la revista Musician.
Bill Bruford dijo sobre la disolución de la banda en 1984: “Robert volvió a disolver el grupo, por enésima vez, recreándose largamente, supongo, en nuestra falta de imaginación, habilidad, dirección y mil cosas más que sin duda nos faltaban. Supongo que solo porque recuerdo no haber prestado atención a esa letanía de fracasos. Mejor retirarse mientras se está en la cima, pensé”.
En 1984, Levin publicó “Road Photos”, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus viajes con King Crimson, Gabriel, Simon y otros. Otro libro de fotografías centrado en los viajes de King Crimson en la década de 1980, “The Crimson Chronicles, volumen 1”, se publicó en 2004.
Levin también ha escrito un libro de anécdotas de su carrera e historias de gira titulado “Beyond the Bass Clef”.
En 1987, tocó el bajo y el Chapman Stick en el álbum “A Momentary Lapse of Reason” de Pink Floyd.
En 1988, Bruford le pidió a Levin que fuera un "quinto miembro no oficial" del supergrupo Anderson Bruford Wakeman Howe, vinculado a Yes, que incluía a todos los miembros de la formación clásica de Yes excepto al bajista Chris Squire, aunque Levin solo participó como músico de sesión en el álbum homónimo del grupo.
Debido a una enfermedad, no pudo tocar en algunas de las últimas fechas de la gira, siendo reemplazado por Jeff Berlin. Levin también tocó en el álbum “Union” de Yes en 1991.
En 1991, acompañó a Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi) en la gira de su álbum "Stranger in This Town".
En junio de 1993, Fripp comenzó a reunir una versión más amplia de King Crimson, a la que se unieron Belew y Levin, el guitarrista de Chapman Stick, Trey Gunn y el baterista Jerry Marotta, con quien Fripp había tocado con Peter Gabriel.
Tras los conciertos de despedida de Sylvian/Fripp en el Royal Albert Hall en diciembre de 1993, Fripp decidió pedirle al baterista de la gira, Pat Mastelotto, exmiembro de Mr. Mister, que se uniera en lugar de Marotta.
Bruford terminó siendo el último del grupo de los 80 en regresar a la banda.
Fripp explicó que tuvo una visión de un "Doble Trío" con dos baterías mientras conducía por el valle de Chalke en Wiltshire una tarde de 1992.
Bruford declaró posteriormente que había presionado a Fripp a última hora porque creía que Crimson seguía siendo, en gran medida, "su proyecto", y que Fripp había dado una explicación filosófica para utilizar tanto a Mastelotto como a él mismo más adelante.
Una de las condiciones que Fripp le impuso a Bruford para regresar fue que le cediera todo el control creativo.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin
Tony Levin es un músico y compositor estadounidense especializado en bajos eléctricos, Chapman Stick y contrabajo.
Músico de sesión prolífico desde la década de 1970, Levin ha participado en más de 500 álbumes. Algunas de sus colaboraciones más destacadas incluyen trabajos con John Lennon, Herbie Mann, Sarah McLachlan, Paula Cole, Stevie Nicks, Pink Floyd, Robbie Robertson, Eumir Deodato, Paul Simon, Lou Reed, David Bowie, Joan Armatrading, Tom Waits, Buddy Rich, The Roches, Todd Rundgren, Seal, Warren Zevon, Bryan Ferry, Laurie Anderson, Kate y Anna McGarrigle, Gibonni, Chuck Mangione y Jean-Pierre Ferland.
Ha realizado giras con artistas como Paul Simon (con quien apareció en la película de 1980 “One-Trick Pony” ), Gary Burton, James Taylor, Judy Collins, Carly Simon, Peter Frampton, Tim Finn, Richie Sambora, Ivano Fossati, Claudio Baglioni y Lawrence Gowan.
Pero es más conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, quien lo llama el "Emperador del Bajo".
Levin ha contribuido más que nadie a popularizar el Chapman Stick, tocando esta guitarra elegante y con un marcado estilo tapping en éxitos de Gabriel como "Shock the Monkey".
El Emperador comenzó su carrera como músico de sesión en los años 70; es el mismo que tocó en el éxito número uno de Paul Simon, "50 Ways to Leave Your Lover".
Se unió a Gabriel en cuanto el artista dejó Genesis, y desde entonces ha sido una pieza clave en su música: es imposible imaginar "Big Time" o "Sledgehammer" sin él.
Cuando Robert Fripp revivió King Crimson tras una pausa de siete años, reclutó a Levin para la formación clásica de los ochenta que grabó “Discipline”. (Posee el récord del bajista con más años en Crimson).
Levin toca con gran sentimiento en dos de las mejores baladas de la última etapa de Bowie: “Slip Away” y “Where Are We Now?”.
Inventó los “Funk Fingers”, una técnica para su enfoque percusivo que consiste en baquetas modificadas que se acoplan a los dedos del bajista para golpear las cuerdas, añadiendo un distintivo sonido percusivo "slap" característico del funk.
En 2011, Levin ocupó el segundo puesto, solo por detrás de John Paul Jones de Led Zeppelin, en la lista de los "20 bajistas más infravalorados" de la revista Paste.
“Me atrevería a decir que la forma en que escuché a Oscar Pettiford tocar el bajo de jazz… es similar a la forma en que, mucho después, intentaría crear partes de bajo para rock y pop”, dijo Levin en 2013, reflexionando sobre los orígenes de su estilo singular. “No es tan fácil describirlo con exactitud, pero, en pocas palabras, se trata de encontrar las notas precisas y tocarlas con la sensibilidad justa”.
También es miembro de Liquid Tension Experiment (1997-1999, 2008-2009, 2020-presente), Bruford Levin Upper Extremities (1998-2000) y HoBoLeMa (2008-2010). Dirige su propia banda, Stick Men, desde 2010.
En julio de 2020, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 42 de su lista de los "50 mejores bajistas de todos los tiempos”.
Anthony Frederick Levin nació el 6 de junio de 1946 en Boston, Massachusetts. Se crio en una familia judía reformista en el suburbio de Brookline.
Empezó a tocar el contrabajo a los 10 años, estudiando principalmente música clásica. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, interpretando solos con la banda de concierto, y también formó un cuarteto de barbería (grupo de cuatro cantantes que interpretan música al estilo barbershop, caracterizado por armonías a cuatro voces sin acompañamiento instrumental, a cappella); sin embargo, su principal interés era la música clásica.
Entre sus primeras actuaciones destaca su participación con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Gran Boston en un concierto en el jardín sur de la Casa Blanca en abril de 1962, para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.
Tras terminar el instituto, asistió a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar bajo la dirección de Igor Stravinsky y en la Filarmónica de Rochester.
En esa misma escuela coincidió con el baterista Steve Gadd, quien le introdujo al jazz y al rock, lo que lo llevó a cambiar su bajo eléctrico vertical Ampeg "Baby Bass" por un Fender Precision Bass. En sus inicios, su primer amplificador de bajo fue un Ampeg Portaflex B-15.
La primera grabación de Levin fue en 1968, cuando él y Gadd participaron en “Diana in the Autumn Wind”, el primer álbum en solitario de Gap Mangione.
En 1970, Levin se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió a una banda llamada Aha, the Attack of the Green Slime Beast, con Don Preston de The Mothers of Invention. Poco después, comenzó a trabajar como músico de sesión.
En 1971, John McLaughlin le pidió a Levin que se uniera a su nuevo proyecto, la Mahavishnu Orchestra: “Mi primera opción para el bajo era Tony Levin. Pero me dijo: "¡Caramba, acabo de aceptar un trabajo con Gary Burton!".
De 1973 a 1975, Levin y Steve Gadd tocaron en la banda del veterano flautista de jazz Herbie Mann. Dos de las primeras composiciones de Levin (“Daffodil” y “Music Is a Game We Play”) aparecieron en el álbum de Mann de 1973, “First Light”.
Su habilidad para leer partituras y su rapidez y eficiencia en el trabajo lo hicieron muy apreciado por numerosos productores, lo que le valió colaboraciones en muchos álbumes, incluido el álbum de jazz de la big band de Buddy Rich, “The Roar of '74”, y “Still Crazy After All These Years” de Paul Simon en 1975.
En 1976, Levin contribuyó a crear las exuberantes texturas del álbum “Resolution” de Andy Pratt, que contó con la participación de numerosos músicos destacados, entre ellos Arif Mardin, Andy Newmark, Hugh McDonald, Luther Vandross y Steve Gadd, colaborador habitual de Levin en la sección rítmica.
Allmusic.com y la revista Rolling Stone lo consideraron uno de los mejores álbumes de cantautores de la década de 1970.
En 1977 Levin fue contratado para el álbum debut en solitario de Peter Gabriel, en el que también participó Robert Fripp.
Desde entonces, Levin ha sido el bajista predilecto de Gabriel. En el primer álbum solista de Gabriel, Levin también tocó la tuba, y dirigió y cantó con un cuarteto de barbería en “Excuse Me”.
Había conocido a Gabriel a través del productor Bob Ezrin, con quien Levin había grabado “Welcome to My Nightmare” de Alice Cooper y “Berlin” de Lou Reed.
Durante la grabación del primer álbum de Peter Gabriel, conoció a Robert Fripp y, en 1980, luego de ser invitado por el mismo Fripp para participar de su álbum “Exposure” en 1979, se convirtió en un miembro de la nueva formación de King Crimson en 1981, que por esos días aún se hacía llamar Discipline.
Levin ha sido el bajista en todos los álbumes de estudio de Gabriel, con algunas excepciones (por ejemplo, el bajo sin trastes de John Giblin en “Peter Gabriel III”, y la colaboración de Larry Klein y Bill Laswell en “So”).
Durante sus años con Gabriel, Levin desarrolló dos aspectos únicos en su forma de tocar: un mayor dominio del Chapman Stick, que más tarde utilizaría ampliamente en King Crimson, y la invención de los "funk fingers", unas baquetas cortas sujetas a los dedos para golpear las cuerdas graves, lo que produce un efecto muy percusivo.
Levin atribuye a Gabriel la idea original y a su técnico, Andy Moore, el mérito de haberlas hecho viables.
En 1978, Levin se mudó a Woodstock, Nueva York, para unirse a la banda L'Image, que incluía a su viejo amigo Steve Gadd, así como a Mike Mainieri y Warren Bernhardt.
La banda se disolvió al cabo de un año, aunque Levin decidió quedarse en la zona: actualmente reside en Kingston, Nueva York.
Este grupo, cuyo destino fue trágico, se reuniría mucho más tarde en la carrera de Levin.
En 1980, Levin participó en las sesiones del álbum “Double Fantasy” de John Lennon y Yoko Ono.
De 1981 a 1984 Levin formó parte de la formación de King Crimson junto con Fripp, el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el batería Bill Bruford.
A finales del otoño de 1980, después de haber pasado varios años dedicados a la búsqueda espiritual y luego regresar gradualmente a la música (tocando la guitarra para David Bowie, Peter Gabriel y Daryl Hall, desarrollando una carrera solista experimental, liderando la banda instrumental de new wave The League of Gentlemen), Fripp decidió formar un nuevo grupo de rock de "primera división".
Tras reclutar a Bruford como batería, Fripp invitó al cantante y guitarrista estadounidense Adrian Belew, quien había tocado previamente con Bowie y Frank Zappa, a unirse a la banda; esta fue la primera vez que Fripp buscaba activamente la colaboración de otro guitarrista, lo que evidenciaba su deseo de crear algo distinto a sus trabajos anteriores.
Después de una gira con Talking Heads, Belew aceptó unirse y convertirse también en el letrista. La sugerencia de Bruford del bajista Jeff Berlin, con quien había tocado en Bruford, fue rechazada ya que Fripp consideraba que su estilo era "demasiado recargado", por lo que se realizaron audiciones en Nueva York: al tercer día, Fripp se marchó tras aproximadamente tres audiciones, para regresar varias horas después con el bajista de sesión Tony Levin (quien obtuvo el puesto tras tocar un solo estribillo de "Red").
Fripp confesó más tarde que, de haber sabido que Levin (con quien había tocado en el grupo de Peter Gabriel) estaba disponible e interesado, lo habría elegido sin hacer audiciones.
Fripp bautizó al nuevo cuarteto como Discipline, y viajaron a Inglaterra para ensayar y componer nuevo material.
Debutaron en directo en el Moles Club de Bath, Somerset, el 30 de abril de 1981, y realizaron una breve gira como teloneros de The Lounge Lizards.
En octubre de 1981, la banda decidió cambiar su nombre a King Crimson.
En 1981, King Crimson grabó “Discipline” en Londres con el productor Rhett Davies, quien previamente había trabajado con Belew en “Remain in Light” de Talking Heads y con Fripp en “Another Green World” y “Before and After Science” de Brian Eno.
El álbum mostró una versión muy diferente de la banda, con nuevas influencias que incluían post-punk, new wave, funk, minimalismo, puntillismo, música del mundo y percusión africana, y un sonido descrito en “The New Rolling Stone Album Guide” como poseedor de una "técnica asombrosa" de "ejercicios rítmicos intrincados y armónicamente exigentes".
El tema que da título al álbum, "Discipline", fue descrito como una canción de rock postminimalista.
Fripp pretendía crear el sonido de un “gamelán rock”, con una cualidad rítmica entrelazada en las guitarras a dúo que le recordaba a los conjuntos de gamelán indonesios.
Fripp se concentró en tocar arpegios complejos con púa, mientras que Belew aportó un arsenal de sonidos de guitarra que “a menudo imitan ruidos de animales”.
Además del bajo, Levin utilizó el Chapman Stick, un instrumento híbrido de guitarra y bajo de diez cuerdas que se toca con ambas manos mediante tapping, y que interpretaba con un estilo “totalmente original”.
Bruford experimentó con baterías acústicas sin platillos y una batería electrónica Simmons SDS-V.
Las canciones de la banda eran más cortas en comparación con los álbumes anteriores de King Crimson, influenciadas por la sensibilidad pop de Belew y su peculiar enfoque a la hora de escribir letras.
Aunque el gusto previo de la banda por la improvisación se había controlado considerablemente, de los ensayos grupales surgió un tema instrumental ("The Sheltering Sky"); la ruidosa y a medio camino entre lo hablado y lo gritado "Indiscipline" fue una pieza parcialmente escrita e improvisada, creada para que Bruford pudiera escapar de las estrictas exigencias rítmicas del resto del álbum.
Publicado en septiembre de 1981, "Discipline" alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el número 45 en Estados Unidos.
La contraportada incluye la frase: “La disciplina nunca es un fin en sí misma, sino un medio para un fin”.
La portada original presenta una variación de un diseño de nudo celta protegido por derechos de autor, obra de George Bain. Al descubrirse que se utilizaba sin la debida licencia, fue sustituida en ediciones posteriores por un diseño de nudos creado por Steve Ball por encargo de Fripp.
El diseño de Ball también se utiliza como logotipo del sello discográfico de Fripp, Discipline Global Mobile.
“Discipline” recibió críticas mixtas, aunque en general positivas.
La reseña de John Piccarella en Rolling Stone elogió el talento y la maestría de King Crimson, en particular el enfoque visionario de Belew y Fripp hacia la guitarra, pero criticó el contenido pretencioso del álbum, expresando su deseo de que esta banda de virtuosos permaneciera unida el tiempo suficiente para transformar todos sus experimentos en innovaciones.
Alan Entwistle, de Record Mirror, se mostró en general entusiasta, escribiendo que la banda explora nuevos territorios y revitaliza los ya conocidos; destacó la segunda cara del álbum, más madura, señalando sus canciones distintivas, bailables a la vez que disciplinadas.
Robert Christgau, de The Village Voice, describió el álbum como musicalmente aceptable: una mezcla entre The Heads y The League of Gentlemen.
En la encuesta Pazz & Jop de fin de año de The Village Voice, “Discipline” fue votado por los críticos como el 35 mejor álbum del año.
La reseña retrospectiva de Greg Prato en AllMusic elogió las "interpretaciones inspiradas" del álbum, aplaudiendo en particular la inesperada y exitosa combinación de los estilos tan distintos de Belew y Fripp: "la unión de estos dos originales funcionó de maravilla".
Trouser Press describió las canciones del álbum como "esculturas musicales que se despliegan, interpretadas con precisión y una imaginación excepcional" y "una síntesis mayormente exitosa de ambición, sencillez y la claridad característica de Kraftwerk".
En 2002, Pitchfork clasificó “Discipline” en el puesto número 56 de su lista de "Los 100 mejores álbumes de la década de 1980"; en la entrada del álbum en la lista, el escritor Dominique Leone lo citó como una influencia en el math rock y lo describió como "tan anguloso y tenso como cualquier grupo post-punk, a la vez que tan preciso y rítmicamente propulsivo como un cuarteto de cuerdas de Bartók".
En junio de 1982, King Crimson lanzó “Beat”, segundo álbum en contar con la formación de Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin y Bill Bruford, y el primer álbum de King Crimson en contar con la misma formación que su predecesor.
"Beat" es el único álbum en el que Fripp no participó en la mezcla original; Davies y Belew se encargaron de la producción.
“Beat” se inspiró en la historia y los escritos de la Generación Beat, impulsado por el vigésimo quinto aniversario de la publicación de la novela “En el camino” del escritor beat Jack Kerouac.
Adrian Belew recuerda haber recibido la inspiración de una nota que decía “Soy ruedas, soy ruedas en movimiento”, que le dio Robert Fripp, quien sugirió que los escritos beat se convirtieran en la base lírica del álbum después de ver a Belew leyendo una obra de Kerouac.
El tema inicial, "Neal and Jack and Me", hace referencia a Kerouac y Neal Cassady. Además de "En el camino", la letra también menciona las novelas de Kerouac "Los subterráneos", "Visiones de Cody" y "Satori en París".
La canción se publicó como cara B de "Heartbeat", el único sencillo del álbum. Musicalmente, "Neal and Jack and Me" retoma donde lo dejó "Discipline ", con Fripp y Belew tocando patrones en 54 y 78.
“Heartbeat” es también el título de un libro escrito por Carolyn, la esposa de Cassady.
“Sartori in Tangier” toma su nombre de "Satori en París" de Kerouac y de la ciudad de Tánger, en Marruecos, donde pasaron tiempo varios escritores de la Generación Beat y Paul Bowles (cuya obra “The Sheltering Sky” inspiró el título de una canción del álbum “Discipline”).
La distintiva introducción instrumental fue interpretada por Tony Levin con el Chapman Stick; en las primeras versiones en directo, la introducción era más larga.
“Neurotica” comparte título con Neurotica, una revista de la era Beat.
La introducción de Frippertronics ('Frippertronics' es un término que se refiere a la técnica analógica de retardo y bucle desarrollada por Robert Fripp, utilizando dos grabadoras de cinta de carrete abierto) de la canción está tomada directamente de “Hååden Two”, del álbum en solitario de Fripp de 1979, “Exposure”.
“The Howler” hace referencia al poema “Howl” (1955) del escritor Beat Allen Ginsberg, que Fripp sugirió a Belew como inspiración para la letra.
El riff de guitarra que se escucha a mitad de la canción se puede comparar con el que Belew tocó en "Genius of Love" de Tom Tom Club en 1981.
La canción se interpretó por primera vez a principios de 1982 como instrumental. Otra pista instrumental, titulada "Absent Lovers", también se interpretó durante este tiempo, pero no se incluyó en el álbum.
La grabación del último tema, "Requiem", generó tensión entre Fripp y Belew. El instrumental se basó en un loop de Frippertronics de la gira en solitario de Fripp de 1979.
Después de que Levin y Bruford grabaran las pistas rítmicas, Belew regresó solo al estudio para grabar sobregrabaciones de guitarra adicionales. Fripp hizo lo mismo más tarde, pero cuando el grupo se reunió de nuevo, Belew le pidió a Fripp que abandonara el estudio.
No se supo de él durante varios días, aunque una carta de Bruford y una llamada telefónica del mánager Paddy Spinks permitieron al grupo "recomponer la situación" y Belew se disculpó posteriormente. Sin embargo, el grupo no se reunió de nuevo hasta el comienzo de su siguiente gira.
Fripp recordó que “en aquel entonces, Bill y Adrian pensaban que Beat era mejor que Discipline. Para mí, esto era un indicio de lo mucho que la banda se había alejado ya de su visión original. El grupo se separó al final de las sesiones... No tuve nada que ver con la mezcla de Beat, ni me sentí capaz de promocionarlo. De alguna manera, asimilamos ese hecho y seguimos adelante”.
Belew consideró las sesiones “la peor experiencia de grabación de su vida y una que jamás repetiría”, y tanto él como Bruford han declarado posteriormente que “Heartbeat” y “Two Hands” no deberían haberse incluido en el álbum.
Publicado el 18 de junio de 1982, “Beat” alcanzó el puesto número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
En una reseña positiva, Trouser Press escribió que "los músicos llevan sus instrumentos a una nueva forma, similar al jazz fusión y al art rock, pero mucho más allá de ambos, e incluso indescriptible".
Una mezcla en sonido envolvente 5.1 del álbum, realizada por Fripp y Steven Wilson, que comenzó en 2009 y finalizó en 2013, se publicó en octubre de 2016 para la serie del 40 aniversario de King Crimson como un paquete independiente de CD/DVD y como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew excepto "Two Hands", de Margaret Belew.
Por esa época, la banda publicó el VHS “The Noise: Live in Frejus”, un documental de un concierto ofrecido en el Arena de Fréjus, Francia, el 27 de agosto de 1982, compartiendo cartel con Roxy Music (cuyo concierto del mismo espectáculo también se publicó en VHS como “The High Road”).
El VHS se reeditó posteriormente en 2004 como parte del DVD “Neal and Jack and Me”.
El siguiente álbum de King Crimson, “Three of a Perfect Pair”, se grabó en 1983 y se publicó en marzo de 1984; es el último álbum de estudio del grupo con el cuarteto formado por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford, que se separó ese mismo año, aunque los cuatro aparecerían en la formación de sexteto que aparece en “Thrak” en 1995.
Según Robert Fripp, el álbum "presenta dos lados distintos de la personalidad de la banda, lo que ha causado al menos tanta confusión para el grupo como para el público y la industria. El lado izquierdo es accesible, el lado derecho excesivo".
La "otra cara" del material adicional de la remasterización en CD de 2001 consiste en dos tomas descartadas instrumentales de las sesiones de 1983, tres mezclas alternativas de "Sleepless" y una grabación a cappella de 1989 (publicada por primera vez en la caja recopilatoria "Frame By Frame" de 1991) en la que Tony Levin interpreta todas las partes del cuarteto de barbería "The King Crimson Barber Shop".
El título del álbum se basa en la idea de los “opuestos perfectos”, o la verdad de una persona, la verdad de otra y una verdad objetiva (la idea de que “toda historia tiene tres versiones".
La obra diseñada por Peter Willis ilustra la dicotomía sagrado-profano; un objeto fálico ascendente representa a una deidad solar masculina a punto de penetrar la figura creciente, una deidad lunar femenina.
Según Fripp, la obra es “una presentación de la reconciliación del cristianismo occidental y oriental... la portada muestra los dos elementos, que representan los principios masculino y femenino. La contraportada incluye un tercer elemento que une y reconcilia los términos opuestos anteriores”.
Lanzado en marzo de 1984, “Three of a Perfect Pair” alcanzó el puesto número 30 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Trouser Press lo describió en una reseña mixta como "un álbum sumamente inconexo de una banda que se enorgullecía de sus contradicciones cuidadosamente equilibradas. La cara B incluye cuatro de las canciones menos logradas de Adrian Belew y un instrumental autorreferencial; la cara B es casi completamente instrumental, casi de forma libre, casi brillante... aparentemente la 'disciplina' frippressive que forjó la aclamada síntesis pop/art de los dos primeros álbumes de la última etapa de Crimson no es una condición permanente".
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew. “The King Crimson Barber Shop”, música y letra de Tony Levin.
El último concierto de la gira de “Three of a Perfect Pair”, en el Spectrum de Montreal, Canadá, el 11 de julio de 1984, se grabó y publicó en 1998 como “Absent Lovers: Live in Montreal”.
Otras grabaciones en directo de la banda de los años 80 se publicaron en 2016 como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”. A pesar de sus diferencias, los músicos mantuvieron una actitud profesional en el escenario.
Tras la gira de 1984, Fripp disolvió King Crimson por segunda vez, exactamente diez años después de disolver el grupo anterior. Bruford y Belew expresaron su frustración al respecto; Belew recordó que se enteró de la separación por un artículo en la revista Musician.
Bill Bruford dijo sobre la disolución de la banda en 1984: “Robert volvió a disolver el grupo, por enésima vez, recreándose largamente, supongo, en nuestra falta de imaginación, habilidad, dirección y mil cosas más que sin duda nos faltaban. Supongo que solo porque recuerdo no haber prestado atención a esa letanía de fracasos. Mejor retirarse mientras se está en la cima, pensé”.
En 1984, Levin publicó “Road Photos”, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus viajes con King Crimson, Gabriel, Simon y otros. Otro libro de fotografías centrado en los viajes de King Crimson en la década de 1980, “The Crimson Chronicles, volumen 1”, se publicó en 2004.
Levin también ha escrito un libro de anécdotas de su carrera e historias de gira titulado “Beyond the Bass Clef”.
En 1987, tocó el bajo y el Chapman Stick en el álbum “A Momentary Lapse of Reason” de Pink Floyd.
En 1988, Bruford le pidió a Levin que fuera un "quinto miembro no oficial" del supergrupo Anderson Bruford Wakeman Howe, vinculado a Yes, que incluía a todos los miembros de la formación clásica de Yes excepto al bajista Chris Squire, aunque Levin solo participó como músico de sesión en el álbum homónimo del grupo.
Debido a una enfermedad, no pudo tocar en algunas de las últimas fechas de la gira, siendo reemplazado por Jeff Berlin. Levin también tocó en el álbum “Union” de Yes en 1991.
En 1991, acompañó a Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi) en la gira de su álbum "Stranger in This Town".
En junio de 1993, Fripp comenzó a reunir una versión más amplia de King Crimson, a la que se unieron Belew y Levin, el guitarrista de Chapman Stick, Trey Gunn y el baterista Jerry Marotta, con quien Fripp había tocado con Peter Gabriel.
Tras los conciertos de despedida de Sylvian/Fripp en el Royal Albert Hall en diciembre de 1993, Fripp decidió pedirle al baterista de la gira, Pat Mastelotto, exmiembro de Mr. Mister, que se uniera en lugar de Marotta.
Bruford terminó siendo el último del grupo de los 80 en regresar a la banda.
Fripp explicó que tuvo una visión de un "Doble Trío" con dos baterías mientras conducía por el valle de Chalke en Wiltshire una tarde de 1992.
Bruford declaró posteriormente que había presionado a Fripp a última hora porque creía que Crimson seguía siendo, en gran medida, "su proyecto", y que Fripp había dado una explicación filosófica para utilizar tanto a Mastelotto como a él mismo más adelante.
Una de las condiciones que Fripp le impuso a Bruford para regresar fue que le cediera todo el control creativo.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin (Segunda Parte)
Tras los ensayos en Woodstock, Nueva York, el grupo lanzó el EP “Vrooom” en octubre de 1994. Este reveló el nuevo sonido de King Crimson, que presentaba las guitarras entrelazadas de los años 80 mezcladas con la atmósfera más densa y pesada de los años 70.
Muchas de las canciones fueron escritas o finalizadas por Belew, y mostraban elementos más marcados del pop de los años 60 que antes; en particular, una clara influencia de los Beatles.
Bruford describiría a esta formación como un sonido similar al de "unos Shadows disonantes y dopados".
Al igual que con formaciones anteriores, se utilizó nueva tecnología, incluyendo MIDI (que Fripp usó para reemplazar Frippertronics con Soundscapes) y la guitarra Warr con la que Gunn reemplazó su Chapman Stick en 1995.
King Crimson realizó una gira a partir del 28 de septiembre de 1994 en Buenos Aires, Argentina; partes de estos conciertos se publicaron en el doble CD en vivo "B'Boom: Live in Argentina" en 1995.
En octubre y diciembre de 1994, King Crimson grabó su undécimo álbum de estudio, “Thrak”, en los estudios Real World de Peter Gabriel, en Box, Wiltshire, Inglaterra, con el productor David Bottrill. Es el último álbum de estudio del grupo en el que participan Bruford o Levin.
Bottrill había producido previamente el álbum de 1993 de Fripp y David Sylvian, “The First Day”, en el que Trey Gunn participó como músico de sesión; tanto Gunn como Mastelotto tocaron posteriormente en la banda de gira de Fripp y Sylvian.
Con la banda compuesta por dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías, el tema inicial comienza con los seis músicos en el centro de la mezcla de audio; a medida que avanza el álbum, se dividen en dos tríos, uno en cada canal estéreo.
Bill Bruford suponía que esta formación sería una continuación de su trabajo de los años ochenta, pero en cambio descubrió que la banda había adoptado un sonido más pesado que recordaba a "Red" (1974).
La banda compuso los temas en el estudio casero de Belew en Nashville, Tennessee, y en la casa de Fripp en Wiltshire.
Fripp compuso principalmente las partes instrumentales, mientras que Belew se centró en las letras y las melodías.
“Sex Sleep Eat Drink Dream” y “One Time” se desarrollaron durante los ensayos de estudio para el miniálbum “Vrooom” de 1994 en Woodstock, Nueva York, durante la primavera de 1994.
Tomas descartadas instrumentales e improvisaciones de estas sesiones se publicarían posteriormente como “The Vrooom Sessions” en 1999.
“Fashionable” fue otro tema instrumental de “The Vrooom Sessions" que se volvió a grabar en Real World durante las sesiones. Presenta una línea de guitarra que recuerda a “Fashion” de David Bowie, en la que tocó Fripp.
A pesar de haber sido reelaborada con varias adiciones y mejoras por los miembros de la banda, la pieza finalmente se descartó del álbum.
En “People”, Tony Levin grabó la pista de bajo golpeando las cuerdas con pequeñas baquetas conocidas como “funk fingers”, que se sujetaba a los dedos; había utilizado esta técnica por primera vez mientras trabajaba con Peter Gabriel en la canción “Big Time” (con la ayuda de Jerry Marotta).
“Vrooom Vrooom” incorpora una sección intermedia compuesta originalmente por Fripp en 1974 para el tema instrumental que da título al álbum “Red”.
La banda también había experimentado con este material en 1983, mientras trabajaban en “Three of a Perfect Pair”; prueba de ello es el tema “Working on Sleepless” del recopilatorio de 2016 “Rehearsals & Blows”.
Publicado originalmente el 3 de abril de 1995, “Thrak” alcanzó el puesto 58 en la lista de álbumes del Reino Unido, siendo su último lanzamiento en entrar en dicha lista.
El álbum fue reeditado en CD en 2002 en una edición remasterizada. Una mezcla de sonido envolvente 5.1 significativamente diferente, realizada por Jakko Jakszyk, se publicó en formato CD/DVD-A en octubre de 2015 para la "Serie del 40.º Aniversario", junto con una nueva mezcla estéreo de Fripp y Jakszyk.
Estas dos mezclas también se incluyeron en la caja recopilatoria “THRAK BOX” de 2015, junto con grabaciones de estudio y en directo inéditas de la época.
Trouser Press describió a “Thrak2" como "un monstruo absoluto, una aventura cerebral de sexteto impresionante por su potencia de rock controlada con precisión".
En una reseña retrospectiva del álbum, Daniel Gioffre de AllMusic afirmó que King Crimson era “la única banda de rock progresivo de los 60 que seguía creando música progresiva, nueva y vital en los 90” y expresó su gran admiración por las diversas maneras en que explotaron el formato de doble trío en el álbum.
Si bien señaló que el álbum hacía referencia con frecuencia a trabajos anteriores de King Crimson, consideró que esto era un sutil reconocimiento a la consolidada base de fans de King Crimson, más que una preocupación por su propio pasado.
El álbum fue descrito por la revista Q como poseedor de "estructuras de rock con aroma a jazz, caracterizadas por una interacción de guitarras ruidosa, angular y exquisita" y una "sección rítmica atlética e innovadora", a la vez que se mantenía en sintonía con el sonido del rock alternativo de mediados de la década de 1990.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Trey Gunn, Tony Levin, Bill Bruford y Pat Mastelotto; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew, excepto "Coda: Marine 475", escrita por Robert Fripp.
Levin tocó el bajo en "Watcher of the Skies" del álbum “Genesis Revisited” de Steve Hackett (1996).
También participó en dos subgrupos experimentales de King Crimson: ProjeKct One (1997) y ProjeKct Four (1998).
ProjeKct One surgió de una sugerencia de Bruford a Robert Fripp para que hicieran juntos algunos espectáculos de improvisación. Fripp propuso incorporar a Gunn, mientras que Bruford sugirió a Tony Levin; así, cuatro de los seis miembros de King Crimson participaban en el proyecto.
Estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo eléctrico, Chapman Stick y sintetizador de bajo y Bill Bruford a la batería acústica y percusión.
Luego, Fripp desarrolló la idea de los "fraKctals": múltiples subconjuntos diferentes de la banda trabajando por separado como una forma de desarrollar nuevo material para King Crimson, ya que la banda se encontraba en una especie de punto muerto en la composición.
ProjeKct One ofreció cuatro conciertos consecutivos en el Jazz Cafe del 1 al 4 de diciembre de 1997. Los cuatro conciertos están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
Estas actuaciones marcaron el fin de la participación de Bruford con King Crimson en cualquier forma.
ProjeKct Four estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo y Chapman Stick y Pat Mastelotto a la percusión electrónica, simples y beatbox.
ProjeKct Four realizó una gira de siete conciertos por Estados Unidos del 23 de octubre al 2 de noviembre de 1998. Estos conciertos consistieron en material improvisado, así como en una ampliación del material desarrollado por ProjeKcts anteriores.
Los siete programas están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
A finales de la década de 1990, estuvo muy activo con sus propios grupos: Bruford Levin Upper Extremities, Bozzio Levin Stevens y Liquid Tension Experiment.
En 1997, se unió a Mike Portnoy y John Petrucci, miembros de Dream Theater, así como al futuro teclista de Dream Theater, Jordan Rudess, para un proyecto llamado Liquid Tension Experiment.
El grupo lanzó dos álbumes, “Liquid Tension Experiment” y “Liquid Tension Experiment 2”, en 1998 y 1999 respectivamente, además de realizar breves giras en 1998 y 2008.
También se publicaron dos CD con material bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment": el primero, compuesto por improvisaciones de estudio de sesiones sin Petrucci, lanzado con motivo del décimo aniversario de la banda; y una grabación en vivo de un concierto en Chicago en 2008 donde el equipo de Rudess falló y los otros tres lo compensaron con una improvisación de casi una hora (“When the Keyboard Breaks”).
Durante la pandemia mundial de COVID-19, el grupo se reunió y grabó “Liquid Tension Experiment 3”.
El primer álbum de la banda, “Liquid Tension Experiment”, fue lanzado en 1998 por la banda a través de Magna Carta Records. El álbum fue compuesto y grabado en tan solo una semana de sesiones de estudio.
"Chris and Kevin's Excellent Adventure" hace referencia a las sesiones de fotos del álbum, donde el fotógrafo confundió a Portnoy y Levin con “Chris” y “Kevin”.
“Three Minute Warning”, una canción dividida en cinco pistas, alude a un incidente en el estudio donde Levin se frustró con la insistencia de la banda en componer canciones en lugar de improvisar. La contraportada del álbum incluye una nota humorística en las pistas 9 a 13:
Advertencia: "Three Minute Warning" no es apto para personas con sensibilidad musical débil, impacientes o que critican la autocomplacencia extrema. Si pertenece a alguna de estas categorías, pulse el botón de parada de su reproductor de CD después de la pista n°8.
“Liquid Tension Experiment 2”, el segundo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 15 de junio de 1999 a través de Magna Carta Records.
El álbum alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard Top Internet Albums y el número 40 en la lista Heatseekers de Billboard. La banda tardaría otros 22 años en lanzar su tercer álbum.
Cada canción se describe detalladamente en las notas del disco. Tony Levin utilizó casi exclusivamente un Chapman Stick para grabar las partes de bajo. Las únicas partes de bajo eléctrico del álbum aparecen brevemente en “Another Dimension” y en la introducción de “Biaxident”.
Esta última canción toma su nombre de Biaxin, un medicamento que el guitarrista John Petrucci tomaba durante las sesiones de grabación para combatir fuertes dolores de cabeza, jugando así con la expresión “by accident” (por accidente).
En medio de las sesiones de grabación, que tuvieron lugar entre octubre y noviembre de 1998, Petrucci tuvo que abandonar el estudio al enterarse de que su esposa, embarazada, había entrado en fase de parto.
Esto obligó a los otros tres miembros de la banda a continuar la grabación por su cuenta. De ahí proviene el nombre de “When the Water Breaks”, ya que era la canción en la que la banda estaba trabajando cuando Petrucci recibió la noticia.
La canción incluye un efecto de sonido de bebé (un “paisaje sonoro infantil”, como lo describe el teclista Jordan Rudess) en el minuto 12:48 para marcar la sección específica que la banda estaba componiendo cuando Petrucci se marchó.
En ausencia de Petrucci, Levin, Rudess y el baterista Mike Portnoy grabaron decenas de improvisaciones completas, muchas de las cuales se publicarían posteriormente en el álbum de 2007 “Spontaneous Combustion” bajo el nombre de Liquid Trio Experiment.
De hecho, “914” es la única canción del álbum en la que no participó Petrucci. Portnoy hizo alusión a estas improvisaciones en las notas del álbum, afirmando que “si te gusta esto, hay mucho más de donde vino …”.
Cuando Petrucci regresó al estudio en noviembre, compuso y grabó las partes de guitarra para dos de estas improvisaciones: “Chewbacca” y “Liquid Dreams”. Para “Chewbacca” en particular, se tomó el tiempo de aprender varias de las melodías improvisadas de Rudess y las dobló en la guitarra, lo que, en palabras de Portnoy, “daba la ilusión de una composición escrita”.
“Hourglass” es un dueto entre Petrucci y Rudess al estilo de “State of Grace”, del primer álbum de la banda. Según Petrucci, fue escrita y grabada “de madrugada con cuerdas viejas”.
“Acid Rain”, el tema que abre el álbum, fue la última canción compuesta y grabada por toda la banda. Para esta canción, Petrucci utilizó una guitarra de siete cuerdas.
Una versión en directo, mucho más corta, apareció posteriormente en el álbum de Dream Theater de 2001, “Live Scenes from New York”, con la parte de bajo interpretada por John Myung con un bajo de seis cuerdas.
Poco después del lanzamiento de “Liquid Tension Experiment 2”, Rudess se unió a Dream Theater como miembro de tiempo completo.
El álbum “Spontaneous Combustion” es el resultado de las improvisaciones en estudio del grupo durante el paréntesis de John Petrucci.
El trío restante, Mike Portnoy, Tony Levin y Jordan Rudess, continuó componiendo música durante este periodo, bajo el nombre de Liquid Trio Experiment. Fue lanzado el 23 de octubre de 2007.
Algunas canciones de “Liquid Tension Experiment 2” surgieron de estas sesiones de improvisación, incluyendo "914", "Chewbacca" y "Liquid Dreams".
La canción "Chris & Kevin's Bogus Journey" no hace referencia a los excompañeros de Portnoy y Petrucci en Dream Theater, Chris Collins y Kevin Moore, sino al tema del primer álbum de Liquid Tension Experiment titulado "Chris & Kevin's Excellent Adventure", que a su vez alude a la costumbre del fotógrafo de la banda de llamar a Mike Portnoy y Tony Levin "Chris y Kevin", incluso después de haber sido corregido varias veces.
También hace referencia a la película de 1991, “Bill & Ted's Bogus Journey”, secuela de “Bill & Ted's Excellent Adventure”. La canción "Jazz Odyssey" alude a la película “This Is Spinal Tap”, en la que Spinal Tap experimenta con una canción improvisada del mismo nombre.
Aunque las sesiones de improvisación tuvieron lugar en 1998, no se publicaron hasta 2007, ya que las cintas máster se extraviaron antes de ser entregadas a Magna Carta. Las grabaciones del álbum (y los únicos registros existentes de estas sesiones) se obtuvieron del DAT estéreo de dos pistas de Portnoy.
“When the Keyboard Breaks” es un álbum en vivo grabado durante un concierto de Liquid Tension Experiment en el Park West de Chicago, Illinois.
Al comienzo de la pista "Universal Mind", el teclado Roland Fantom-G8 de Jordan Rudess sufrió un fallo en el que la placa de circuito impreso situada debajo de las teclas se deslizó ligeramente hacia un lado, lo que provocó que cada tecla tocara la nota correcta, pero también simultáneamente una nota medio tono más alta que la tecla.
“Estaba tocando, todo iba bien, pero de repente empecé a oír semitonos. Era como si yo estuviera tocando en Do, pero otra persona tocara en Do sostenido. Miré a John Petrucci, pensando: ¿Qué demonios estás haciendo?. Pero entonces lo vi detenerse un segundo, miré mis manos y pensé: ¿Qué es esto?. Me di cuenta de que cada vez que tocaba un Do, el teclado también tocaba un Do sostenido; cada vez que tocaba un Sol, tocaba un Sol sostenido, y así sucesivamente. Sonaba todo de la forma más disonante posible”.
Mientras el resto de la banda lo sustituía tocando brevemente "Entrance of the Gladiators", Rudess abandonó el escenario para buscar una solución, ya que no contaba con su técnico habitual ni con un teclado de repuesto.
Para compensar, los otros tres músicos decidieron improvisar hasta que Rudess regresara. Rudess tuvo que permanecer al teléfono con Roland en Japón durante al menos 20 minutos intentando averiguar qué ocurría.
Los otros tres continuaron improvisando, con el baterista Mike Portnoy dando actualizaciones de vez en cuando (el punto decisivo para los cortes de la pista).
Finalmente, Rudess tomó la guitarra de John Petrucci y comenzó a improvisar; luego Petrucci tomó el bajo, ya que Tony Levin estaba tocando el Chapman Stick.
Cuando terminó esa improvisación, Portnoy terminó tomando el bajo de Levin y Charlie Benante terminó tocando la batería. El teclado no se reparó esa noche.
La producción del álbum no fue oficial, ya que se basó en una grabación estéreo en directo realizada fuera del escenario. Por lo tanto, no hubo forma de mezclarlo correctamente, así que todo suena tal como lo escuchó el público.
El nombre del álbum alude a la canción "When the Water Breaks" de “Liquid Tension Experiment 2”.
“Liquid Tension Experiment 3” es el tercer álbum de estudio de la banda. Lanzado el 16 de abril de 2021, es su primer trabajo de estudio desde “Liquid Tension Experiment 2” de 1999.
La edición estándar del álbum contiene ocho temas, incluyendo dos duetos, una improvisación y una versión con arreglos meticulosos; el disco extra incluye casi una hora de improvisaciones.
Se lanzó en formatos digital, CD, LP y Blu-ray, incluyendo una edición limitada con libro de arte de 2 CD + Blu-ray y una caja de lujo limitada en color rosa intenso.
El 22 de enero de 2021 se lanzó un video para la canción "The Passage of Time", su primera composición en 22 años. A este le siguió un video para "Beating the Odds" el 26 de febrero de 2021, y luego un video para "Hypersonic" el 24 de marzo de 2021.
El 14 de diciembre de 2020, los miembros de la banda, Tony Levin (bajo), John Petrucci (guitarras), Jordan Rudess (teclados) y Mike Portnoy (batería), publicaron una serie de fotos en redes sociales (fotos de ellos mismos con mascarillas quirúrgicas que formaban la frase "LTE 3") insinuando un tercer álbum de Liquid Tension Experiment; al día siguiente, publicaron una foto de los cuatro juntos con las mismas mascarillas.
El 17 de diciembre de 2020, se anunció oficialmente que “Liquid Tension Experiment 3” sería lanzado por Inside Out Music en el segundo trimestre de 2021. La fecha, anunciada posteriormente para el 26 de marzo, se retrasó al 16 de abril de 2021 debido a errores de impresión del fabricante.
El álbum se grabó en secreto en agosto de 2020 en el estudio DTHQ de Dream Theater. Portnoy ya había grabado la batería para el álbum solista de Petrucci, "Terminal Velocity”, en ese mismo estudio, su primer lanzamiento juntos desde “Black Clouds & Silver Linings” (con Dream Theater) en 2009; la banda volvería a usar el estudio para las sesiones de Liquid Tension Experiment.
Portnoy y Rudess también habían tocado juntos durante un crucero al borde del abismo unos años antes. El baterista comentó que la "locura de 2020", refiriéndose a la pandemia, les permitió reunirse.
Según Portnoy, todos los miembros más dos profesionales del estudio se pusieron en cuarentena y se sometieron a pruebas de COVID-19 antes de las sesiones del álbum.
Al igual que en “Liquid Tension Experiment 2”, cada canción es descrita en detalle por la banda en las notas del disco.
El tema “Chris & Kevin's Amazing Odyssey” es la continuación de “Chris and Kevin's Excellent Adventure” (de “Liquid Tension Experiment”) y “Chris & Kevin's Bogus Journey” (de “Spontaneous Combustion”).
Como ya hemos dicho antes, Chris y Kevin es como un fotógrafo llamó erróneamente a Mike y Tony durante las sesiones de fotos del primer álbum, y desde entonces se ha convertido en una broma interna recurrente que se usa para titular los duetos entre el baterista y el bajista. Se trata de un dueto de batería y bajo en el que Levin toca el contrabajo eléctrico.
“Rhapsody in Blue”, compuesta por George Gershwin, fue arreglada e interpretada por la banda durante su gira de 2008; la banda grabaría una versión de estudio del arreglo para el álbum.
La sección central del arreglo de la banda de 2008 inspiró la sección central de “The Count of Tuscany” del álbum “Black Clouds & Silver Linings”; además, la introducción estándar de clarinete fue interpretada por Levin con el Chapman Stick.
Toda la música está compuesta y arreglada por Liquid Tension Experiment (Tony Levin, John Petrucci, Mike Portnoy y Jordan Rudess); excepto "Rhapsody in Blue", compuesta por George Gershwin, con arreglos de Liquid Tension Experiment.
En 1998, Levin y Bruford formaron Bruford Levin Upper Extremities con el trompetista Chris Botti y el guitarrista David Torn; publicaron un álbum de estudio en 1998 y un álbum doble en vivo en 2000.
Torn, Levin y Bruford habían colaborado con el trompetista Mark Isham en el álbum de Torn, “Cloud About Mercury”.
Reconociendo la química entre ellos, los músicos mantuvieron el contacto y formaron BLUE (Bruford Levin Upper Extremities) a finales de los 90 bajo el liderazgo conjunto de Bruford y Levin.
Chris Botti asumió el puesto de trompetista, ya que Isham se encontraba de gira con su propia banda en ese momento.
La banda fusionó una inusual combinación de elementos, incluyendo jazz, blues, rock y música ambiental, para crear un sonido único.
“Bruford Levin Upper Extremities” es el álbum homónimo de la banda. Es su único disco de estudio, publicado por el sello independiente de Tony Levin, Papa Bear Records.
En una reseña para The Washington Post, Mike Joyce describió el álbum como "un mosaico musical inusualmente grande y colorido", afirmando que "alude, intencionalmente o no, a muchos músicos y bandas de pop, rock y jazz".
Concluyó: "a pesar de todas las referencias obvias del álbum, los músicos son demasiado obstinadamente voluntariosos como para caer en un ritmo constante durante mucho tiempo".
S. Victor Aaron de Something Else! elogió el tema titulado "Cracking the Midnight Glass", calificándolo como "una mezcla de estilos contrastantes que es como la cereza del pastel para aquellos a quienes les gustan estas colisiones de géneros. Yo sé que a mí sí".
En un artículo para Exposé Online, Jeff Melton calificó el álbum como "una obra notable liderada posiblemente por una de las mejores secciones rítmicas de la música moderna" y comentó: "Aunque no es tan oscuro como ninguna grabación de Crimson, BLUE es un anillo brillante en el desafiante agarre donde el rock se encuentra con el jazz".
“BLUE Nights”, su álbum en vivo, fue grabado durante dos minigiras por Norteamérica en 1998 y publicado en 2000 por el sello Papa Bear Records de Tony Levin.
En él interpretan piezas instrumentales que fusionan jazz, rock y música experimental. Algunas de las piezas fueron improvisadas durante el concierto.
En una reseña para AllMusic, Gary Hill afirmó que el álbum "muestra la mezcla única de modos jazzísticos de la banda con texturas al estilo de Crimson y, ocasionalmente, simplemente rareza", y señaló: "el conjunto de este grupo, a pesar de las habilidades individuales de cada miembro, es mucho más que la suma de las partes".
Martin Hutchinson, de The Bolton News, escribió: "A lo largo del concierto en directo hay algunas improvisaciones bastante ingeniosas que deleitarán a los aficionados al jazz más acérrimos. Es un recuerdo magnífico de una serie de conciertos únicos".
En su reseña para MWE3, Robert Silverstein describió el álbum como "un festín de música instrumental progresiva grabada con maestría que muestra lo bien que estos ingeniosos músicos se desenvuelven juntos en vivo", y comentó: "en lo que respecta al jazz fusión ambiental improvisado, no hay nada mejor que BLUE Nights".
Levin también continuó grabando álbumes con su propia banda, compuesta por el baterista, saxofonista y vocalista Jerry Marotta, el guitarrista Jesse Gress, el programador y teclista Larry Fast y el hermano de Levin, el teclista Pete Levin.
Además, tocaba regularmente (y ocasionalmente grababa) con el California Guitar Trio cuando sus agendas se lo permitían.
A finales de 2003, Trey Gunn dejó King Crimson y Levin se reincorporó como bajista, aunque la banda solo realizó unos pocos ensayos en ese momento.
En 2006, Levin lanzó “Resonator”, el primer álbum en el que participó como letrista y vocalista principal.
El álbum es significativamente diferente de los trabajos en solitario anteriores de Levin, principalmente debido a la introducción de voces principales en la mayoría de las canciones, así como a un sonido general más orientado al rock.
La canción “Utopia” apareció originalmente como pieza instrumental en el álbum anterior de Levin, “Waters of Eden”. La nueva versión incorpora voz y un solo de guitarra a cargo de Steve Lukather, guitarrista de Toto.
“Throw the God a Bone” cuenta con la participación especial de Adrian Belew, cantante y guitarrista de King Crimson. Esta fue la primera (y única hasta noviembre de 2009) grabación de estudio en la que participaron Levin y Belew desde las sesiones de "THRAK" en 1995.
En 2007 se publicó “Stick Man”, un álbum con piezas grabadas con el Chapman Stick.
En 2007 se anunció una nueva formación de King Crimson: Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y un nuevo segundo batería, Gavin Harrison de Porcupine Tree.
En agosto de 2008, tras un periodo de ensayos, los cinco completaron la gira del 40 º aniversario de la banda. Los repertorios no incluyeron material nuevo, sino que se basaron en el repertorio existente de mediados de los 70, la época de “Discipline”, el Double Trio y el Double Duo.
Se planearon conciertos adicionales para 2009, pero se cancelaron debido a problemas de agenda con Belew.
King Crimson inició otro hiato tras la gira del 40 º aniversario. Belew siguió presionando para que la banda volviera a la actividad y lo comentó con Fripp varias veces entre 2009 y 2010.
Entre las sugerencias de Belew figuraba una reunión temporal de la formación de los años 80 para una gira del trigésimo aniversario: una idea que tanto Fripp como Bruford rechazaron.
Este último comentó: “Sería muy improbable que intentara recrear lo mismo; me temo que es una misión destinada al fracaso”.
En diciembre de 2010, Fripp escribió que King Crimson se había disuelto desde octubre de 2008, citando varias razones para esta decisión.
Levin posee el récord del bajista con la trayectoria más larga en King Crimson.
En 2009, Levin se reunió con su banda de 1978, L'Image, integrada por Mike Mainieri, Warren Bernhardt, David Spinozza y Steve Gadd. El grupo se presentó en el Iridium Jazz Club de Nueva York, realizó una gira por Japón y lanzó el álbum “L’Image 2.0”.
En 2010, Levin salió de gira con HoBoLeMa, un grupo formado por Allan Holdsworth en la guitarra, Terry Bozzio en la batería, Levin en el bajo y Pat Mastelotto en la batería. Todos sus conciertos fueron completamente improvisados, sin partituras.
Tras el éxito del álbum “Stick Man”, Levin se unió a Michael Bernier y Pat Mastelotto para formar el grupo Stick Men. La banda lanzó su primer álbum, “Soup”, en 2010.
Estilísticamente, el sonido de Stick Men es bastante singular. Presumiendo de que sus músicos principales "tocan instrumentos únicos", su música ha evolucionado hasta situarse entre el art rock, el rock progresivo y, en ocasiones, el metal progresivo.
En sus conciertos, la improvisación y la música libre están fuertemente influenciadas, y los músicos suelen demostrar su virtuosismo con sus respectivos instrumentos en largas sesiones de improvisación.
Cabe destacar que la banda rinde homenaje a su vínculo y trayectoria con King Crimson interpretando canciones tanto de la banda como de Robert Fripp, vocalista y guitarrista de King Crimson.
Stick Men también ha compuesto una versión abreviada de "El pájaro de fuego" de Stravinsky, una pieza fundamental de sus conciertos.
La mayoría de sus composiciones son instrumentales, con muy pocas canciones vocales, principalmente de Levin, pero ocasionalmente también de Reuter y Mastelotto.
Bernier dejó el grupo poco después del lanzamiento de “Soup” y fue reemplazado por el guitarrista Markus Reuter.
La nueva formación lanzó el CD “Absalom” en 2011 y un álbum de improvisaciones, “Open”, en junio de 2012. Un álbum de estudio titulado “Deep” se publicó en febrero de 2013. Existe una edición especial que incluye un DVD.
El álbum presenta temas de rock pesado, en su mayoría instrumentales, con excepciones como “Horatio”, que cuenta con la participación vocal de Pat Mastelotto. El álbum también incluye el poema sinfónico “Whale Watch”, de 11 minutos de duración, basado en las experiencias de Tony Levin realizando excursiones de avistamiento de ballenas desde Boston.
En enero de 2014, la banda lanzó su primer álbum en vivo titulado “Power Play”.
En octubre de 2014, Stick Men lanzó su primer álbum recopilatorio. Un álbum doble: el primer disco incluía grabaciones de estudio, mientras que el segundo era una recopilación de improvisaciones en directo grabadas durante su gira. El álbum también incluye remezclas y nuevas versiones de varias canciones de Stick Men.
Posteriormente, se grabaron dos álbumes en directo en colaboración con miembros de King Crimson en Tokio, Japón.
El primero, “Midori”, con David Cross al violín y los teclados, se grabó en 2015. El segundo, “Roppongi”, con Mel Collins al saxo, se grabó en 2017. Finalmente, una gira por Latinoamérica en 2018, con David Cross al violín, se convirtió en la caja recopilatoria “Panamerica”, publicada en 2019.
Siguiendo con esta línea de colaboraciones con leyendas del rock progresivo, su único concierto en Japón en 2020, con el teclista Gary Husband, se convirtió en el álbum “Owari”, grabado en Osaka el 28 de febrero.
Su cuarto álbum de estudio con Markus Reuter, “Prog Noir”, fue grabado y lanzado en 2016. Este álbum incluía varias canciones con voz. Tony Levin cantó el tema que da título al álbum, Markus Reuter cantó “Plutonium”, y ambos compartieron la voz en el sencillo promocional, “The Tempest”.
Después de una pausa de seis años en las grabaciones, en abril de 2022 se lanzó un EP, “Tentacles”. A este le siguió el álbum en vivo “Umeda” (2023), recopilado de su gira “Tentacles”, además de los EP “Swimming in Tea” (2024) y “Brutal” (2025).
En septiembre de 2013, Fripp anunció el regreso de King Crimson con una formación muy diferente a la anterior: siete músicos, cuatro ingleses y tres estadounidenses, con tres baterías.
Citó varias razones para su regreso, desde lo práctico hasta lo caprichoso: “Me estaba volviendo demasiado feliz. Era hora de un cambio radical”.
La nueva formación se nutrió tanto de la anterior (con Fripp, Levin, Harrison y Mastelotto) como del proyecto Scarcity of Miracles (Jakszyk y Collins), con Bill Rieflin, exbaterista de REM / Ministry y antiguo miembro de Guitar Craft, como séptimo integrante.
Adrian Belew no fue invitado a participar, poniendo fin así a sus 32 años en King Crimson: Jakszyk ocupó su lugar como cantante y segundo guitarrista. Esta versión del grupo adoptó el apodo de "la Bestia de Siete Cabezas".
Esta formación de King Crimson, radicalmente renovada, no tenía planes de grabar en estudio, centrándose en cambio en interpretar versiones “reconfiguradas” de material antiguo en conciertos en directo.
Más tarde, al recordar esta etapa de King Crimson, Tony Levin comentó: “Robert Fripp nos indicó que tratáramos el material clásico de King Crimson como si lo hubiéramos compuesto nosotros. Y así lo hicimos con gran parte del material anterior a los años 80. En realidad, no tocamos muchas versiones del material de los 80, salvo algunas canciones”. Ç
En 2014, Levin habló sobre su enfoque para interpretar el repertorio antiguo de la década de 1970, así como las formidables partes compuestas por Trey Gunn, como "Level Five" y "The ConstruKction of Light".
"Cuanto más las toco, más siento que esas piezas son la mejor música de bajo que se ha escrito para guitarra touch. Eso significa dos cosas: primero, me alegra mucho poder aprenderlas y tocarlas, y segundo, en definitiva, me alegro de no haber estado en esa banda. Durante mucho tiempo, por supuesto, sentí que me hubiera gustado estar ahí… Me sentía honrado de que me llamaran "el quinto hombre". Ahora, con una perspectiva histórica de estas partes, cuanto más las toco, más me alegro de no haber estado allí, porque Trey pudo ser el bajista principal de King Crimson, algo que nunca habría podido hacer del todo si solo hubiéramos tocado las partes de bajo. Y lo que creó es algo que jamás habría sucedido de esa manera si yo hubiera estado presente. La historia puede ser curiosa en ese sentido".
En general, este enfoque se mantuvo constante durante el resto de la trayectoria de la banda.
A principios de 2014, y por primera vez desde 1974, su repertorio incluyó canciones de los álbumes comprendidos entre “In the Court of the Crimson King” y “Larks' Tongues in Aspic” , además de recuperar temas de “Red” .
No se incluyeron canciones de la época de Adrian Belew, aunque sí se interpretaron algunos temas instrumentales de ese período (incluidos temas de “THRAK” y “The Power to Believe”). También se incorporaron al repertorio algunos temas de “A Scarcity of Miracles” (la canción que da título al álbum y “The Light of Day”).
Tras ensayar en Inglaterra, King Crimson realizó una gira por Norteamérica del 9 de septiembre al 6 de octubre.
Las grabaciones de las fechas de Los Ángeles se publicaron como "Live at the Orpheum", esto incluía nueva música instrumental de King Crimson en forma de "Banshee Legs Bell Hassle" y "Walk On: Monk Morph Chamber Music".
En la segunda mitad de 2015, se realizaron giras por Europa, Canadá y Japón. En los conciertos se estrenaron canciones nuevas, principalmente escritas por Fripp y Jakszyk, además de ofrecerse solos de batería.
A finales de febrero de 2016 se publicó una grabación en directo de la etapa canadiense de la gira, titulada “Live In Toronto”, que incluía las nuevas canciones “Radical Action (To Unseat the Hold of Monkey Mind)” y “Meltdown”. Se planeó una gira europea para 2016.
Tras la decisión de Rieflin de tomarse un descanso de la música, el batería Jeremy Stacey, de Noel Gallagher's High Flying Birds, fue contratado para sustituirlo a partir de septiembre.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin (Segunda Parte)
Tras los ensayos en Woodstock, Nueva York, el grupo lanzó el EP “Vrooom” en octubre de 1994. Este reveló el nuevo sonido de King Crimson, que presentaba las guitarras entrelazadas de los años 80 mezcladas con la atmósfera más densa y pesada de los años 70.
Muchas de las canciones fueron escritas o finalizadas por Belew, y mostraban elementos más marcados del pop de los años 60 que antes; en particular, una clara influencia de los Beatles.
Bruford describiría a esta formación como un sonido similar al de "unos Shadows disonantes y dopados".
Al igual que con formaciones anteriores, se utilizó nueva tecnología, incluyendo MIDI (que Fripp usó para reemplazar Frippertronics con Soundscapes) y la guitarra Warr con la que Gunn reemplazó su Chapman Stick en 1995.
King Crimson realizó una gira a partir del 28 de septiembre de 1994 en Buenos Aires, Argentina; partes de estos conciertos se publicaron en el doble CD en vivo "B'Boom: Live in Argentina" en 1995.
En octubre y diciembre de 1994, King Crimson grabó su undécimo álbum de estudio, “Thrak”, en los estudios Real World de Peter Gabriel, en Box, Wiltshire, Inglaterra, con el productor David Bottrill. Es el último álbum de estudio del grupo en el que participan Bruford o Levin.
Bottrill había producido previamente el álbum de 1993 de Fripp y David Sylvian, “The First Day”, en el que Trey Gunn participó como músico de sesión; tanto Gunn como Mastelotto tocaron posteriormente en la banda de gira de Fripp y Sylvian.
Con la banda compuesta por dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías, el tema inicial comienza con los seis músicos en el centro de la mezcla de audio; a medida que avanza el álbum, se dividen en dos tríos, uno en cada canal estéreo.
Bill Bruford suponía que esta formación sería una continuación de su trabajo de los años ochenta, pero en cambio descubrió que la banda había adoptado un sonido más pesado que recordaba a "Red" (1974).
La banda compuso los temas en el estudio casero de Belew en Nashville, Tennessee, y en la casa de Fripp en Wiltshire.
Fripp compuso principalmente las partes instrumentales, mientras que Belew se centró en las letras y las melodías.
“Sex Sleep Eat Drink Dream” y “One Time” se desarrollaron durante los ensayos de estudio para el miniálbum “Vrooom” de 1994 en Woodstock, Nueva York, durante la primavera de 1994.
Tomas descartadas instrumentales e improvisaciones de estas sesiones se publicarían posteriormente como “The Vrooom Sessions” en 1999.
“Fashionable” fue otro tema instrumental de “The Vrooom Sessions" que se volvió a grabar en Real World durante las sesiones. Presenta una línea de guitarra que recuerda a “Fashion” de David Bowie, en la que tocó Fripp.
A pesar de haber sido reelaborada con varias adiciones y mejoras por los miembros de la banda, la pieza finalmente se descartó del álbum.
En “People”, Tony Levin grabó la pista de bajo golpeando las cuerdas con pequeñas baquetas conocidas como “funk fingers”, que se sujetaba a los dedos; había utilizado esta técnica por primera vez mientras trabajaba con Peter Gabriel en la canción “Big Time” (con la ayuda de Jerry Marotta).
“Vrooom Vrooom” incorpora una sección intermedia compuesta originalmente por Fripp en 1974 para el tema instrumental que da título al álbum “Red”.
La banda también había experimentado con este material en 1983, mientras trabajaban en “Three of a Perfect Pair”; prueba de ello es el tema “Working on Sleepless” del recopilatorio de 2016 “Rehearsals & Blows”.
Publicado originalmente el 3 de abril de 1995, “Thrak” alcanzó el puesto 58 en la lista de álbumes del Reino Unido, siendo su último lanzamiento en entrar en dicha lista.
El álbum fue reeditado en CD en 2002 en una edición remasterizada. Una mezcla de sonido envolvente 5.1 significativamente diferente, realizada por Jakko Jakszyk, se publicó en formato CD/DVD-A en octubre de 2015 para la "Serie del 40.º Aniversario", junto con una nueva mezcla estéreo de Fripp y Jakszyk.
Estas dos mezclas también se incluyeron en la caja recopilatoria “THRAK BOX” de 2015, junto con grabaciones de estudio y en directo inéditas de la época.
Trouser Press describió a “Thrak2" como "un monstruo absoluto, una aventura cerebral de sexteto impresionante por su potencia de rock controlada con precisión".
En una reseña retrospectiva del álbum, Daniel Gioffre de AllMusic afirmó que King Crimson era “la única banda de rock progresivo de los 60 que seguía creando música progresiva, nueva y vital en los 90” y expresó su gran admiración por las diversas maneras en que explotaron el formato de doble trío en el álbum.
Si bien señaló que el álbum hacía referencia con frecuencia a trabajos anteriores de King Crimson, consideró que esto era un sutil reconocimiento a la consolidada base de fans de King Crimson, más que una preocupación por su propio pasado.
El álbum fue descrito por la revista Q como poseedor de "estructuras de rock con aroma a jazz, caracterizadas por una interacción de guitarras ruidosa, angular y exquisita" y una "sección rítmica atlética e innovadora", a la vez que se mantenía en sintonía con el sonido del rock alternativo de mediados de la década de 1990.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Trey Gunn, Tony Levin, Bill Bruford y Pat Mastelotto; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew, excepto "Coda: Marine 475", escrita por Robert Fripp.
Levin tocó el bajo en "Watcher of the Skies" del álbum “Genesis Revisited” de Steve Hackett (1996).
También participó en dos subgrupos experimentales de King Crimson: ProjeKct One (1997) y ProjeKct Four (1998).
ProjeKct One surgió de una sugerencia de Bruford a Robert Fripp para que hicieran juntos algunos espectáculos de improvisación. Fripp propuso incorporar a Gunn, mientras que Bruford sugirió a Tony Levin; así, cuatro de los seis miembros de King Crimson participaban en el proyecto.
Estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo eléctrico, Chapman Stick y sintetizador de bajo y Bill Bruford a la batería acústica y percusión.
Luego, Fripp desarrolló la idea de los "fraKctals": múltiples subconjuntos diferentes de la banda trabajando por separado como una forma de desarrollar nuevo material para King Crimson, ya que la banda se encontraba en una especie de punto muerto en la composición.
ProjeKct One ofreció cuatro conciertos consecutivos en el Jazz Cafe del 1 al 4 de diciembre de 1997. Los cuatro conciertos están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
Estas actuaciones marcaron el fin de la participación de Bruford con King Crimson en cualquier forma.
ProjeKct Four estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo y Chapman Stick y Pat Mastelotto a la percusión electrónica, simples y beatbox.
ProjeKct Four realizó una gira de siete conciertos por Estados Unidos del 23 de octubre al 2 de noviembre de 1998. Estos conciertos consistieron en material improvisado, así como en una ampliación del material desarrollado por ProjeKcts anteriores.
Los siete programas están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
A finales de la década de 1990, estuvo muy activo con sus propios grupos: Bruford Levin Upper Extremities, Bozzio Levin Stevens y Liquid Tension Experiment.
En 1997, se unió a Mike Portnoy y John Petrucci, miembros de Dream Theater, así como al futuro teclista de Dream Theater, Jordan Rudess, para un proyecto llamado Liquid Tension Experiment.
El grupo lanzó dos álbumes, “Liquid Tension Experiment” y “Liquid Tension Experiment 2”, en 1998 y 1999 respectivamente, además de realizar breves giras en 1998 y 2008.
También se publicaron dos CD con material bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment": el primero, compuesto por improvisaciones de estudio de sesiones sin Petrucci, lanzado con motivo del décimo aniversario de la banda; y una grabación en vivo de un concierto en Chicago en 2008 donde el equipo de Rudess falló y los otros tres lo compensaron con una improvisación de casi una hora (“When the Keyboard Breaks”).
Durante la pandemia mundial de COVID-19, el grupo se reunió y grabó “Liquid Tension Experiment 3”.
El primer álbum de la banda, “Liquid Tension Experiment”, fue lanzado en 1998 por la banda a través de Magna Carta Records. El álbum fue compuesto y grabado en tan solo una semana de sesiones de estudio.
"Chris and Kevin's Excellent Adventure" hace referencia a las sesiones de fotos del álbum, donde el fotógrafo confundió a Portnoy y Levin con “Chris” y “Kevin”.
“Three Minute Warning”, una canción dividida en cinco pistas, alude a un incidente en el estudio donde Levin se frustró con la insistencia de la banda en componer canciones en lugar de improvisar. La contraportada del álbum incluye una nota humorística en las pistas 9 a 13:
Advertencia: "Three Minute Warning" no es apto para personas con sensibilidad musical débil, impacientes o que critican la autocomplacencia extrema. Si pertenece a alguna de estas categorías, pulse el botón de parada de su reproductor de CD después de la pista n°8.
“Liquid Tension Experiment 2”, el segundo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 15 de junio de 1999 a través de Magna Carta Records.
El álbum alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard Top Internet Albums y el número 40 en la lista Heatseekers de Billboard. La banda tardaría otros 22 años en lanzar su tercer álbum.
Cada canción se describe detalladamente en las notas del disco. Tony Levin utilizó casi exclusivamente un Chapman Stick para grabar las partes de bajo. Las únicas partes de bajo eléctrico del álbum aparecen brevemente en “Another Dimension” y en la introducción de “Biaxident”.
Esta última canción toma su nombre de Biaxin, un medicamento que el guitarrista John Petrucci tomaba durante las sesiones de grabación para combatir fuertes dolores de cabeza, jugando así con la expresión “by accident” (por accidente).
En medio de las sesiones de grabación, que tuvieron lugar entre octubre y noviembre de 1998, Petrucci tuvo que abandonar el estudio al enterarse de que su esposa, embarazada, había entrado en fase de parto.
Esto obligó a los otros tres miembros de la banda a continuar la grabación por su cuenta. De ahí proviene el nombre de “When the Water Breaks”, ya que era la canción en la que la banda estaba trabajando cuando Petrucci recibió la noticia.
La canción incluye un efecto de sonido de bebé (un “paisaje sonoro infantil”, como lo describe el teclista Jordan Rudess) en el minuto 12:48 para marcar la sección específica que la banda estaba componiendo cuando Petrucci se marchó.
En ausencia de Petrucci, Levin, Rudess y el baterista Mike Portnoy grabaron decenas de improvisaciones completas, muchas de las cuales se publicarían posteriormente en el álbum de 2007 “Spontaneous Combustion” bajo el nombre de Liquid Trio Experiment.
De hecho, “914” es la única canción del álbum en la que no participó Petrucci. Portnoy hizo alusión a estas improvisaciones en las notas del álbum, afirmando que “si te gusta esto, hay mucho más de donde vino …”.
Cuando Petrucci regresó al estudio en noviembre, compuso y grabó las partes de guitarra para dos de estas improvisaciones: “Chewbacca” y “Liquid Dreams”. Para “Chewbacca” en particular, se tomó el tiempo de aprender varias de las melodías improvisadas de Rudess y las dobló en la guitarra, lo que, en palabras de Portnoy, “daba la ilusión de una composición escrita”.
“Hourglass” es un dueto entre Petrucci y Rudess al estilo de “State of Grace”, del primer álbum de la banda. Según Petrucci, fue escrita y grabada “de madrugada con cuerdas viejas”.
“Acid Rain”, el tema que abre el álbum, fue la última canción compuesta y grabada por toda la banda. Para esta canción, Petrucci utilizó una guitarra de siete cuerdas.
Una versión en directo, mucho más corta, apareció posteriormente en el álbum de Dream Theater de 2001, “Live Scenes from New York”, con la parte de bajo interpretada por John Myung con un bajo de seis cuerdas.
Poco después del lanzamiento de “Liquid Tension Experiment 2”, Rudess se unió a Dream Theater como miembro de tiempo completo.
El álbum “Spontaneous Combustion” es el resultado de las improvisaciones en estudio del grupo durante el paréntesis de John Petrucci.
El trío restante, Mike Portnoy, Tony Levin y Jordan Rudess, continuó componiendo música durante este periodo, bajo el nombre de Liquid Trio Experiment. Fue lanzado el 23 de octubre de 2007.
Algunas canciones de “Liquid Tension Experiment 2” surgieron de estas sesiones de improvisación, incluyendo "914", "Chewbacca" y "Liquid Dreams".
La canción "Chris & Kevin's Bogus Journey" no hace referencia a los excompañeros de Portnoy y Petrucci en Dream Theater, Chris Collins y Kevin Moore, sino al tema del primer álbum de Liquid Tension Experiment titulado "Chris & Kevin's Excellent Adventure", que a su vez alude a la costumbre del fotógrafo de la banda de llamar a Mike Portnoy y Tony Levin "Chris y Kevin", incluso después de haber sido corregido varias veces.
También hace referencia a la película de 1991, “Bill & Ted's Bogus Journey”, secuela de “Bill & Ted's Excellent Adventure”. La canción "Jazz Odyssey" alude a la película “This Is Spinal Tap”, en la que Spinal Tap experimenta con una canción improvisada del mismo nombre.
Aunque las sesiones de improvisación tuvieron lugar en 1998, no se publicaron hasta 2007, ya que las cintas máster se extraviaron antes de ser entregadas a Magna Carta. Las grabaciones del álbum (y los únicos registros existentes de estas sesiones) se obtuvieron del DAT estéreo de dos pistas de Portnoy.
“When the Keyboard Breaks” es un álbum en vivo grabado durante un concierto de Liquid Tension Experiment en el Park West de Chicago, Illinois.
Al comienzo de la pista "Universal Mind", el teclado Roland Fantom-G8 de Jordan Rudess sufrió un fallo en el que la placa de circuito impreso situada debajo de las teclas se deslizó ligeramente hacia un lado, lo que provocó que cada tecla tocara la nota correcta, pero también simultáneamente una nota medio tono más alta que la tecla.
“Estaba tocando, todo iba bien, pero de repente empecé a oír semitonos. Era como si yo estuviera tocando en Do, pero otra persona tocara en Do sostenido. Miré a John Petrucci, pensando: ¿Qué demonios estás haciendo?. Pero entonces lo vi detenerse un segundo, miré mis manos y pensé: ¿Qué es esto?. Me di cuenta de que cada vez que tocaba un Do, el teclado también tocaba un Do sostenido; cada vez que tocaba un Sol, tocaba un Sol sostenido, y así sucesivamente. Sonaba todo de la forma más disonante posible”.
Mientras el resto de la banda lo sustituía tocando brevemente "Entrance of the Gladiators", Rudess abandonó el escenario para buscar una solución, ya que no contaba con su técnico habitual ni con un teclado de repuesto.
Para compensar, los otros tres músicos decidieron improvisar hasta que Rudess regresara. Rudess tuvo que permanecer al teléfono con Roland en Japón durante al menos 20 minutos intentando averiguar qué ocurría.
Los otros tres continuaron improvisando, con el baterista Mike Portnoy dando actualizaciones de vez en cuando (el punto decisivo para los cortes de la pista).
Finalmente, Rudess tomó la guitarra de John Petrucci y comenzó a improvisar; luego Petrucci tomó el bajo, ya que Tony Levin estaba tocando el Chapman Stick.
Cuando terminó esa improvisación, Portnoy terminó tomando el bajo de Levin y Charlie Benante terminó tocando la batería. El teclado no se reparó esa noche.
La producción del álbum no fue oficial, ya que se basó en una grabación estéreo en directo realizada fuera del escenario. Por lo tanto, no hubo forma de mezclarlo correctamente, así que todo suena tal como lo escuchó el público.
El nombre del álbum alude a la canción "When the Water Breaks" de “Liquid Tension Experiment 2”.
“Liquid Tension Experiment 3” es el tercer álbum de estudio de la banda. Lanzado el 16 de abril de 2021, es su primer trabajo de estudio desde “Liquid Tension Experiment 2” de 1999.
La edición estándar del álbum contiene ocho temas, incluyendo dos duetos, una improvisación y una versión con arreglos meticulosos; el disco extra incluye casi una hora de improvisaciones.
Se lanzó en formatos digital, CD, LP y Blu-ray, incluyendo una edición limitada con libro de arte de 2 CD + Blu-ray y una caja de lujo limitada en color rosa intenso.
El 22 de enero de 2021 se lanzó un video para la canción "The Passage of Time", su primera composición en 22 años. A este le siguió un video para "Beating the Odds" el 26 de febrero de 2021, y luego un video para "Hypersonic" el 24 de marzo de 2021.
El 14 de diciembre de 2020, los miembros de la banda, Tony Levin (bajo), John Petrucci (guitarras), Jordan Rudess (teclados) y Mike Portnoy (batería), publicaron una serie de fotos en redes sociales (fotos de ellos mismos con mascarillas quirúrgicas que formaban la frase "LTE 3") insinuando un tercer álbum de Liquid Tension Experiment; al día siguiente, publicaron una foto de los cuatro juntos con las mismas mascarillas.
El 17 de diciembre de 2020, se anunció oficialmente que “Liquid Tension Experiment 3” sería lanzado por Inside Out Music en el segundo trimestre de 2021. La fecha, anunciada posteriormente para el 26 de marzo, se retrasó al 16 de abril de 2021 debido a errores de impresión del fabricante.
El álbum se grabó en secreto en agosto de 2020 en el estudio DTHQ de Dream Theater. Portnoy ya había grabado la batería para el álbum solista de Petrucci, "Terminal Velocity”, en ese mismo estudio, su primer lanzamiento juntos desde “Black Clouds & Silver Linings” (con Dream Theater) en 2009; la banda volvería a usar el estudio para las sesiones de Liquid Tension Experiment.
Portnoy y Rudess también habían tocado juntos durante un crucero al borde del abismo unos años antes. El baterista comentó que la "locura de 2020", refiriéndose a la pandemia, les permitió reunirse.
Según Portnoy, todos los miembros más dos profesionales del estudio se pusieron en cuarentena y se sometieron a pruebas de COVID-19 antes de las sesiones del álbum.
Al igual que en “Liquid Tension Experiment 2”, cada canción es descrita en detalle por la banda en las notas del disco.
El tema “Chris & Kevin's Amazing Odyssey” es la continuación de “Chris and Kevin's Excellent Adventure” (de “Liquid Tension Experiment”) y “Chris & Kevin's Bogus Journey” (de “Spontaneous Combustion”).
Como ya hemos dicho antes, Chris y Kevin es como un fotógrafo llamó erróneamente a Mike y Tony durante las sesiones de fotos del primer álbum, y desde entonces se ha convertido en una broma interna recurrente que se usa para titular los duetos entre el baterista y el bajista. Se trata de un dueto de batería y bajo en el que Levin toca el contrabajo eléctrico.
“Rhapsody in Blue”, compuesta por George Gershwin, fue arreglada e interpretada por la banda durante su gira de 2008; la banda grabaría una versión de estudio del arreglo para el álbum.
La sección central del arreglo de la banda de 2008 inspiró la sección central de “The Count of Tuscany” del álbum “Black Clouds & Silver Linings”; además, la introducción estándar de clarinete fue interpretada por Levin con el Chapman Stick.
Toda la música está compuesta y arreglada por Liquid Tension Experiment (Tony Levin, John Petrucci, Mike Portnoy y Jordan Rudess); excepto "Rhapsody in Blue", compuesta por George Gershwin, con arreglos de Liquid Tension Experiment.
En 1998, Levin y Bruford formaron Bruford Levin Upper Extremities con el trompetista Chris Botti y el guitarrista David Torn; publicaron un álbum de estudio en 1998 y un álbum doble en vivo en 2000.
Torn, Levin y Bruford habían colaborado con el trompetista Mark Isham en el álbum de Torn, “Cloud About Mercury”.
Reconociendo la química entre ellos, los músicos mantuvieron el contacto y formaron BLUE (Bruford Levin Upper Extremities) a finales de los 90 bajo el liderazgo conjunto de Bruford y Levin.
Chris Botti asumió el puesto de trompetista, ya que Isham se encontraba de gira con su propia banda en ese momento.
La banda fusionó una inusual combinación de elementos, incluyendo jazz, blues, rock y música ambiental, para crear un sonido único.
“Bruford Levin Upper Extremities” es el álbum homónimo de la banda. Es su único disco de estudio, publicado por el sello independiente de Tony Levin, Papa Bear Records.
En una reseña para The Washington Post, Mike Joyce describió el álbum como "un mosaico musical inusualmente grande y colorido", afirmando que "alude, intencionalmente o no, a muchos músicos y bandas de pop, rock y jazz".
Concluyó: "a pesar de todas las referencias obvias del álbum, los músicos son demasiado obstinadamente voluntariosos como para caer en un ritmo constante durante mucho tiempo".
S. Victor Aaron de Something Else! elogió el tema titulado "Cracking the Midnight Glass", calificándolo como "una mezcla de estilos contrastantes que es como la cereza del pastel para aquellos a quienes les gustan estas colisiones de géneros. Yo sé que a mí sí".
En un artículo para Exposé Online, Jeff Melton calificó el álbum como "una obra notable liderada posiblemente por una de las mejores secciones rítmicas de la música moderna" y comentó: "Aunque no es tan oscuro como ninguna grabación de Crimson, BLUE es un anillo brillante en el desafiante agarre donde el rock se encuentra con el jazz".
“BLUE Nights”, su álbum en vivo, fue grabado durante dos minigiras por Norteamérica en 1998 y publicado en 2000 por el sello Papa Bear Records de Tony Levin.
En él interpretan piezas instrumentales que fusionan jazz, rock y música experimental. Algunas de las piezas fueron improvisadas durante el concierto.
En una reseña para AllMusic, Gary Hill afirmó que el álbum "muestra la mezcla única de modos jazzísticos de la banda con texturas al estilo de Crimson y, ocasionalmente, simplemente rareza", y señaló: "el conjunto de este grupo, a pesar de las habilidades individuales de cada miembro, es mucho más que la suma de las partes".
Martin Hutchinson, de The Bolton News, escribió: "A lo largo del concierto en directo hay algunas improvisaciones bastante ingeniosas que deleitarán a los aficionados al jazz más acérrimos. Es un recuerdo magnífico de una serie de conciertos únicos".
En su reseña para MWE3, Robert Silverstein describió el álbum como "un festín de música instrumental progresiva grabada con maestría que muestra lo bien que estos ingeniosos músicos se desenvuelven juntos en vivo", y comentó: "en lo que respecta al jazz fusión ambiental improvisado, no hay nada mejor que BLUE Nights".
Levin también continuó grabando álbumes con su propia banda, compuesta por el baterista, saxofonista y vocalista Jerry Marotta, el guitarrista Jesse Gress, el programador y teclista Larry Fast y el hermano de Levin, el teclista Pete Levin.
Además, tocaba regularmente (y ocasionalmente grababa) con el California Guitar Trio cuando sus agendas se lo permitían.
A finales de 2003, Trey Gunn dejó King Crimson y Levin se reincorporó como bajista, aunque la banda solo realizó unos pocos ensayos en ese momento.
En 2006, Levin lanzó “Resonator”, el primer álbum en el que participó como letrista y vocalista principal.
El álbum es significativamente diferente de los trabajos en solitario anteriores de Levin, principalmente debido a la introducción de voces principales en la mayoría de las canciones, así como a un sonido general más orientado al rock.
La canción “Utopia” apareció originalmente como pieza instrumental en el álbum anterior de Levin, “Waters of Eden”. La nueva versión incorpora voz y un solo de guitarra a cargo de Steve Lukather, guitarrista de Toto.
“Throw the God a Bone” cuenta con la participación especial de Adrian Belew, cantante y guitarrista de King Crimson. Esta fue la primera (y única hasta noviembre de 2009) grabación de estudio en la que participaron Levin y Belew desde las sesiones de "THRAK" en 1995.
En 2007 se publicó “Stick Man”, un álbum con piezas grabadas con el Chapman Stick.
En 2007 se anunció una nueva formación de King Crimson: Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y un nuevo segundo batería, Gavin Harrison de Porcupine Tree.
En agosto de 2008, tras un periodo de ensayos, los cinco completaron la gira del 40 º aniversario de la banda. Los repertorios no incluyeron material nuevo, sino que se basaron en el repertorio existente de mediados de los 70, la época de “Discipline”, el Double Trio y el Double Duo.
Se planearon conciertos adicionales para 2009, pero se cancelaron debido a problemas de agenda con Belew.
King Crimson inició otro hiato tras la gira del 40 º aniversario. Belew siguió presionando para que la banda volviera a la actividad y lo comentó con Fripp varias veces entre 2009 y 2010.
Entre las sugerencias de Belew figuraba una reunión temporal de la formación de los años 80 para una gira del trigésimo aniversario: una idea que tanto Fripp como Bruford rechazaron.
Este último comentó: “Sería muy improbable que intentara recrear lo mismo; me temo que es una misión destinada al fracaso”.
En diciembre de 2010, Fripp escribió que King Crimson se había disuelto desde octubre de 2008, citando varias razones para esta decisión.
Levin posee el récord del bajista con la trayectoria más larga en King Crimson.
En 2009, Levin se reunió con su banda de 1978, L'Image, integrada por Mike Mainieri, Warren Bernhardt, David Spinozza y Steve Gadd. El grupo se presentó en el Iridium Jazz Club de Nueva York, realizó una gira por Japón y lanzó el álbum “L’Image 2.0”.
En 2010, Levin salió de gira con HoBoLeMa, un grupo formado por Allan Holdsworth en la guitarra, Terry Bozzio en la batería, Levin en el bajo y Pat Mastelotto en la batería. Todos sus conciertos fueron completamente improvisados, sin partituras.
Tras el éxito del álbum “Stick Man”, Levin se unió a Michael Bernier y Pat Mastelotto para formar el grupo Stick Men. La banda lanzó su primer álbum, “Soup”, en 2010.
Estilísticamente, el sonido de Stick Men es bastante singular. Presumiendo de que sus músicos principales "tocan instrumentos únicos", su música ha evolucionado hasta situarse entre el art rock, el rock progresivo y, en ocasiones, el metal progresivo.
En sus conciertos, la improvisación y la música libre están fuertemente influenciadas, y los músicos suelen demostrar su virtuosismo con sus respectivos instrumentos en largas sesiones de improvisación.
Cabe destacar que la banda rinde homenaje a su vínculo y trayectoria con King Crimson interpretando canciones tanto de la banda como de Robert Fripp, vocalista y guitarrista de King Crimson.
Stick Men también ha compuesto una versión abreviada de "El pájaro de fuego" de Stravinsky, una pieza fundamental de sus conciertos.
La mayoría de sus composiciones son instrumentales, con muy pocas canciones vocales, principalmente de Levin, pero ocasionalmente también de Reuter y Mastelotto.
Bernier dejó el grupo poco después del lanzamiento de “Soup” y fue reemplazado por el guitarrista Markus Reuter.
La nueva formación lanzó el CD “Absalom” en 2011 y un álbum de improvisaciones, “Open”, en junio de 2012. Un álbum de estudio titulado “Deep” se publicó en febrero de 2013. Existe una edición especial que incluye un DVD.
El álbum presenta temas de rock pesado, en su mayoría instrumentales, con excepciones como “Horatio”, que cuenta con la participación vocal de Pat Mastelotto. El álbum también incluye el poema sinfónico “Whale Watch”, de 11 minutos de duración, basado en las experiencias de Tony Levin realizando excursiones de avistamiento de ballenas desde Boston.
En enero de 2014, la banda lanzó su primer álbum en vivo titulado “Power Play”.
En octubre de 2014, Stick Men lanzó su primer álbum recopilatorio. Un álbum doble: el primer disco incluía grabaciones de estudio, mientras que el segundo era una recopilación de improvisaciones en directo grabadas durante su gira. El álbum también incluye remezclas y nuevas versiones de varias canciones de Stick Men.
Posteriormente, se grabaron dos álbumes en directo en colaboración con miembros de King Crimson en Tokio, Japón.
El primero, “Midori”, con David Cross al violín y los teclados, se grabó en 2015. El segundo, “Roppongi”, con Mel Collins al saxo, se grabó en 2017. Finalmente, una gira por Latinoamérica en 2018, con David Cross al violín, se convirtió en la caja recopilatoria “Panamerica”, publicada en 2019.
Siguiendo con esta línea de colaboraciones con leyendas del rock progresivo, su único concierto en Japón en 2020, con el teclista Gary Husband, se convirtió en el álbum “Owari”, grabado en Osaka el 28 de febrero.
Su cuarto álbum de estudio con Markus Reuter, “Prog Noir”, fue grabado y lanzado en 2016. Este álbum incluía varias canciones con voz. Tony Levin cantó el tema que da título al álbum, Markus Reuter cantó “Plutonium”, y ambos compartieron la voz en el sencillo promocional, “The Tempest”.
Después de una pausa de seis años en las grabaciones, en abril de 2022 se lanzó un EP, “Tentacles”. A este le siguió el álbum en vivo “Umeda” (2023), recopilado de su gira “Tentacles”, además de los EP “Swimming in Tea” (2024) y “Brutal” (2025).
En septiembre de 2013, Fripp anunció el regreso de King Crimson con una formación muy diferente a la anterior: siete músicos, cuatro ingleses y tres estadounidenses, con tres baterías.
Citó varias razones para su regreso, desde lo práctico hasta lo caprichoso: “Me estaba volviendo demasiado feliz. Era hora de un cambio radical”.
La nueva formación se nutrió tanto de la anterior (con Fripp, Levin, Harrison y Mastelotto) como del proyecto Scarcity of Miracles (Jakszyk y Collins), con Bill Rieflin, exbaterista de REM / Ministry y antiguo miembro de Guitar Craft, como séptimo integrante.
Adrian Belew no fue invitado a participar, poniendo fin así a sus 32 años en King Crimson: Jakszyk ocupó su lugar como cantante y segundo guitarrista. Esta versión del grupo adoptó el apodo de "la Bestia de Siete Cabezas".
Esta formación de King Crimson, radicalmente renovada, no tenía planes de grabar en estudio, centrándose en cambio en interpretar versiones “reconfiguradas” de material antiguo en conciertos en directo.
Más tarde, al recordar esta etapa de King Crimson, Tony Levin comentó: “Robert Fripp nos indicó que tratáramos el material clásico de King Crimson como si lo hubiéramos compuesto nosotros. Y así lo hicimos con gran parte del material anterior a los años 80. En realidad, no tocamos muchas versiones del material de los 80, salvo algunas canciones”. Ç
En 2014, Levin habló sobre su enfoque para interpretar el repertorio antiguo de la década de 1970, así como las formidables partes compuestas por Trey Gunn, como "Level Five" y "The ConstruKction of Light".
"Cuanto más las toco, más siento que esas piezas son la mejor música de bajo que se ha escrito para guitarra touch. Eso significa dos cosas: primero, me alegra mucho poder aprenderlas y tocarlas, y segundo, en definitiva, me alegro de no haber estado en esa banda. Durante mucho tiempo, por supuesto, sentí que me hubiera gustado estar ahí… Me sentía honrado de que me llamaran "el quinto hombre". Ahora, con una perspectiva histórica de estas partes, cuanto más las toco, más me alegro de no haber estado allí, porque Trey pudo ser el bajista principal de King Crimson, algo que nunca habría podido hacer del todo si solo hubiéramos tocado las partes de bajo. Y lo que creó es algo que jamás habría sucedido de esa manera si yo hubiera estado presente. La historia puede ser curiosa en ese sentido".
En general, este enfoque se mantuvo constante durante el resto de la trayectoria de la banda.
A principios de 2014, y por primera vez desde 1974, su repertorio incluyó canciones de los álbumes comprendidos entre “In the Court of the Crimson King” y “Larks' Tongues in Aspic” , además de recuperar temas de “Red” .
No se incluyeron canciones de la época de Adrian Belew, aunque sí se interpretaron algunos temas instrumentales de ese período (incluidos temas de “THRAK” y “The Power to Believe”). También se incorporaron al repertorio algunos temas de “A Scarcity of Miracles” (la canción que da título al álbum y “The Light of Day”).
Tras ensayar en Inglaterra, King Crimson realizó una gira por Norteamérica del 9 de septiembre al 6 de octubre.
Las grabaciones de las fechas de Los Ángeles se publicaron como "Live at the Orpheum", esto incluía nueva música instrumental de King Crimson en forma de "Banshee Legs Bell Hassle" y "Walk On: Monk Morph Chamber Music".
En la segunda mitad de 2015, se realizaron giras por Europa, Canadá y Japón. En los conciertos se estrenaron canciones nuevas, principalmente escritas por Fripp y Jakszyk, además de ofrecerse solos de batería.
A finales de febrero de 2016 se publicó una grabación en directo de la etapa canadiense de la gira, titulada “Live In Toronto”, que incluía las nuevas canciones “Radical Action (To Unseat the Hold of Monkey Mind)” y “Meltdown”. Se planeó una gira europea para 2016.
Tras la decisión de Rieflin de tomarse un descanso de la música, el batería Jeremy Stacey, de Noel Gallagher's High Flying Birds, fue contratado para sustituirlo a partir de septiembre.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin (Tercera parte)
En septiembre de 2016 se publicó un nuevo álbum en directo, “Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind”, con grabaciones de los conciertos de 2015 en Japón, Canadá y Francia, previos a la marcha de Rieflin y la llegada de Stacey.
Este set de cuatro discos documentaba la evolución del repertorio en directo de la banda e incluía una interpretación de cada canción que tocaron durante la gira, además de imágenes del concierto grabadas principalmente en Takamatsu el 19 de diciembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2016, Greg Lake, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer. Otro exmiembro de King Crimson, John Wetton, falleció de cáncer de colon el 31 de enero de 2017.
El 3 de enero de 2017, Bill Rieflin regresó a King Crimson.
Dado que la banda deseaba mantener a Jeremy Stacey, King Crimson se convirtió en un octeto con cuatro baterías, a lo que Fripp inicialmente se refirió como la "Formación Doble Cuarteto".
Posteriormente, Rieflin cambió su rol en el grupo y se convirtió en el primer teclista a tiempo completo de King Crimson, y Fripp rebautizó la formación como "Tres sobre Cinco" (o "Cinco sobre Tres").
El 2 de junio de 2017, King Crimson lanzó un nuevo EP en vivo titulado “Heroes”, que incluía una versión de la canción homónima de David Bowie.
El EP fue concebido como un homenaje a Bowie, para quien Fripp había aportado su característico trabajo de guitarra en los álbumes “Heroes” (1977) y “Scary Monsters (and Super Creeps)” (1980).
El video de la versión de King Crimson de “Heroes” ganó el premio a "Video del Año" en los Progressive Music Awards de 2017.
Poco después, King Crimson inició la primera etapa de una gira por Norteamérica, del 11 de junio al 19 de julio.
El 3 de septiembre, Robert Fripp declaró que sus diferencias con Adrian Belew se habían resuelto y que "por el momento no hay planes para que salga con la formación actual", pero que "las puertas al futuro están abiertas". Belew lo confirmó y añadió: “Significa que podría volver a la banda en algún momento del futuro”.
El 14 de octubre de 2017, King Crimson lanzó un nuevo álbum en vivo, "Live in Chicago", grabado durante su gira en junio de ese mismo año.
Al igual que sus dos predecesores, incluía música nueva ante la ausencia de un nuevo álbum de estudio (en este caso, "Bellscape & Orchestral Werning", "The Errors" e "Interlude").
También documentó el regreso a los conciertos de temas del álbum “Lizard” (1970), largamente olvidado (como "Cirkus", que la banda había comenzado a incluir en sus repertorios en 2016, y la segunda parte de la suite que da título al álbum), así como nuevos arreglos de algunas canciones de la época de Belew.
El 13 de octubre de 2017, se anunció que Bill Rieflin no podría unirse a la formación Three Over Five para la gira de otoño de 2017 en Estados Unidos. Fue reemplazado temporalmente por el guitarrista Chris Gibson, de Crafty Guitar, afincado en Seattle.
Durante 2018, King Crimson realizó la extensa gira “Uncertain Times”, de 33 fechas, por el Reino Unido y Europa entre el 13 de junio y el 16 de noviembre.
Aunque la banda mantuvo su política de no publicar nuevos álbumes de estudio, en abril de 2018 se lanzó un nuevo álbum en vivo, “Live in Vienna”, que presenta el concierto completo en Viena del 1 de diciembre de 2016.
El álbum estaba previsto inicialmente para su lanzamiento mundial en 2017, pero se pospuso debido a la publicación de "Live in Chicago!; sin embargo, solo se lanzó en Japón en septiembre de 2017, con un disco extra que incluía grabaciones de la gira de la banda en ese país en diciembre de 2015.
El lanzamiento mundial añadió una interpretación de "Fracture", además de tres piezas extraídas de los paisajes sonoros introductorios compuestos cada noche por Fripp, con improvisaciones de Collins y Levin: estas piezas fueron arregladas y realizadas por David Singleton, reflejando un trabajo similar que había realizado para “Thrakattak” veinte años antes.
El 20 de octubre de 2018 se lanzó otro álbum/vídeo en vivo, “Meltdown: Live in Mexico City”, grabado durante las fechas de julio de 2017.
En enero de 2019 salió a la venta “The Bucket List”, álbum de Levin junto a Jerry Marotta y Phil Keaggy, un disco fruto de sus creatividades aunadas y una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “The Bucket List” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy tenemos el gusto de presentar al colectivo triádico de Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta, un colectivo de lujo que ya tiene publicado desde el 11 de enero pasado un disco fruto de sus creatividades aunadas: “The Bucket List” es el título del disco en cuestión, una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
El material recogido allí fue grabado en los tres estudios personales de los músicos involucrados: Jersville Studio (Woodstock, Nueva York), Dreamland Recording Studio (Woodstock, Nueva York) y Kegworth Studio (Nashville, Tennessee).
Keaggy se hizo cargo de las guitarras, Levin, de los bajos, el contrabajo y el Chapman Stick, mientras que Marotta hizo lo propio con la batería y las percusiones.
Entre los tres, suman más de 200 años de edad, y es que hablamos de tres enormes expertos y veteranos que, un buen día de hace más de 10 años, tuvieron la idea de reunirse.
Todo comenzó en el año 2008 cuando estos tres maestros se encontraron en Woodstock y decidieron hacer una sesión musical de manera totalmente espontánea, lo cual al poco rato llevó a un recital en vivo con material improvisado.
A lo largo de los años, cuando se daban las ocasiones de reencontrarse, los tres revisaban y refinaban el material que registraron en su momento, una y otra vez... hasta que se centraron en la idea de registrar todo lo desarrollado en un disco concreto, una cuestión pendiente e importante que había que completar antes de que uno de ellos estirara la pata, como dijimos que señala el título del disco.
Pasemos ahora a los detalles de este disco.
Durando poco más de 3 ¼ minutos, “Sometimes 11” exhibe un buen punto de partida empleando un groove coqueto y sobrio con una fuerte raíz fusionesca que se alimenta de cadencias Crimsonianas modernas (a mitad de camino entre el KC de los 80s y el paradigma del proyecto Upper Extremities que Levin tuvo alguna vez con Bruford).
La vitalidad aquí es patente, pero debe quedar claro que el dinamismo musical está contenido en una expresividad serena.
Lo sereno se acentúa notoriamente en el bello tema que ocupa el segundo lugar del repertorio: “Fearless” explora y elabora una muy lograda combinación de talante contemplativo y densidad emocional, la cual se muestra con relativa densidad en los hermosos fraseos que Keaggy extrae de su guitarra.
“Midland Crisis” vira hacia un terreno muy diferente al exhibir un colorido swing jazz-progresivo en el que la batería alterna pasajes plagados de colorida soltura con otros donde impera la autoconstricción.
La inclusión de un ritmo programado junto al real que ejecuta Marotta sirve para llenar espacios dentro del swing y mantener incólume al gancho esencial de la pieza. La verdad que estos dos temas #2 y #3 se erigen en un continuum de esplendor crucial para el disco.
“Sometimes We Up” es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¼ minutos de duración. Sobre los cimientos de un recurrente groove jazz-fusionesco, el trío se enfila hacia el asentamiento de una musicalidad etérea y envolvente que sabe incorporar matices a lo largo del camino a fin de que el sencillo motif constante no pierda su encanto.
Hay una sensación de confluencia entre una ligera brisa otoñal y un fulgor delicado de una mañana primaveral mientras las bases armónicas y los solos van emergiendo con un pulso delicado.
“Stella Luna” se enfila por el área latina del multívoco discurso del jazz-fusion, y ello es un buen pretexto para que el trío organice un jam donde las cadencias de la batería y la labor de la guitarra definan una consonancia ágil para el bloque instrumental íntegro.
La pieza que sigue a continuación, “Steely Funk”, reincide en esta estrategia y la remodela dentro de un alegre clima jazz-rockero donde el dueto sonoro armado por Levin y Marotta se hace sentir con un particular destaque mientras Keaggy se explaya en varias pistas de guitarra.
La dupla de “Where’s Phil?” y “Phil’s On” sirve para que el trío siga explorando más recursos de colorido musical.
En una primera instancia tenemos un groove semitribal que sirve como vehículo de ritual lucimiento para una sólida amalgama de percusiones y una arquitectónica elegancia del contrabajo. Luego, el asunto vira hacia un despliegue de cadencias funky-rockeras que se deja arropar por una aureola de distinción progresiva.
Los guitarreos se explayan en un dócil ambiente de tensión contenida mientras la ingeniería rítmica de Levin y Marotta se focalizan en un envolvente compás de inspiración africana.
Es algo así como si un jam perdido de las sesiones de un disco de Peter Gabriel de inicios de los 90s hubiese pasado a manos de Pat Metheny en su época de fines de los 90.
“Caravan” encarna otro momento particularmente hermoso dentro del repertorio de “The Bucket List” con su atmósfera tremendamente lírica que comienza con una placidez candorosa y termina con una maniobra de estilizada energía.
Aquí se da una nueva exploración del terreno del jazz-fusion con un enfoque cercano a lo latino, pero con un filo más pronunciado y un señorío más fastuoso que en el caso de “Stella Luna”.
Así, es la melancolía la fuerza emocional que guía a la inspiración performativa de los músicos: el asunto suena a una especie de encuentro entre los paradigmas de Pat Metheny y Mark Wingfield, capturando la habitual lucidez lírica del primero y la faceta más reflexiva del segundo.
Cuando llega el turno de “Carved In Stone”, el trío se dispone a volver a su dimensión más extrovertida, estableciendo un canon de rock clásico sureño: a la hora de instalar el motif central, la guitarra de Keaggy tiene que asumir uno de los roles más estelares dentro del disco.
Los últimos 4 ½ minutos del repertorio están ocupados por la dupla de “Good Stuff” y “Blue Hawaii”, un tema que dura poco menos de 2 ½ minutos y otro que dura casi 2 minutos.
“Good Stuff” se encamina por un aura grácil desde la que se crea una vía intermedia entre Primus y Upper Extremities con una oportuna dosis jazzera; por su parte, “Blue Hawaii” se sitúa en una ambientación contemplativa que coquetea abiertamente con lo etéreo, proyectando nuevamente un clima ensoñador que ya habíamos apreciado en algunos de los temas anteriores.
“The Bucket List” es un disco preciosista y variado, con una buena cantidad de ideas musicales a través de las cuales los maestros Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta pueden hacer congeniar sus personalidades artísticas dentro de un enfoque sonoro que permanentemente dibuja y colorea siluetas auditivas.
La vitalista versatilidad de la dupla rítmica es el factor protagonista en varios pasajes del disco pero, sin duda, los múltiples recursos exhibidos por las guitarras no quedan en un segundo plano sino que activan unos fundamentos musicales contundentes.
No nos queda nada más que decir salvo dar las gracias a estos grandes por este trabajo tan estupendo, un disco que se hizo esperar bastante.
El 6 de abril de 2019, se anunció en rueda de prensa que Rieflin se tomaría un nuevo descanso de King Crimson para atender asuntos familiares.
Su puesto en los teclados para la gira del 50 aniversario de 2019 lo ocupó Theo Travis, más conocido como saxofonista, miembro de Soft Machine y colaborador ocasional de Robert Fripp.
Aunque Travis se unió a la banda para los ensayos, Fripp declaró el 2 de mayo que habían decidido que ya no era posible que otros músicos sustituyeran a Rieflin y que, por este motivo, seguirían adelante como una "bestia de siete cabezas" sin Travis.
Las partes de Rieflin se repartieron entre los demás miembros de la banda: Fripp, Stacey, Jakszyk y Collins añadieron teclados a sus equipos en el escenario, y Levin volvió a usar el sintetizador que empleó durante las giras de los 80.
Poco después, el 11 de junio, la discografía completa de King Crimson estuvo disponible para su reproducción en línea en todas las principales plataformas de streaming, como parte de la celebración del 50 aniversario de la banda.
El 24 de marzo de 2020, Bill Rieflin falleció a causa de un cáncer. Ese mismo año, Keith Tippett, colaborador de King Crimson, falleció el 14 de junio tras varios años de enfermedad, y el exbajista y cantante Gordon Haskell falleció el 15 de octubre a causa de un cáncer de pulmón.
King Crimson realizó una gira por Norteamérica y Japón en 2021. Las grabaciones de las fechas de la etapa estadounidense de la gira se publicaron como el álbum en vivo “Music Is Our Friend: Live in Washington and Albany”, que incluye música de toda la trayectoria de la banda, además de dos nuevas cadencias de Tony Levin.
Tras las fechas de la gira de 2021, King Crimson cesó su actividad, aunque sin anunciar expresamente su separación. Las razones aducidas fueron de índole práctica, relacionadas con la avanzada edad de varios de los miembros y el aumento del coste de los servicios durante la pandemia, sin que la banda tuviera intención de realizar más giras.
El 9 de febrero de 2022, Ian McDonald, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer.
En marzo de 2022, el documental “In the Court of the Crimson King” se estrenó en el Festival de Cine SXSW de 2022.
Dirigido por Toby Amies y filmado entre 2019 y 2021, el documental retrató la actividad en vivo y tras bambalinas de la banda en ese momento, además de ofrecer una perspectiva histórica y testimonios de exmiembros de Crimson como Ian McDonald, Michael Giles, Bill Bruford, Adrian Belew y Trey Gunn (así como extensas entrevistas con el fallecido Bill Rieflin).
Amies describió el proceso de creación de la película de la siguiente manera: “Lo que comenzó como un documental tradicional sobre la legendaria banda King Crimson al cumplir cincuenta años, se transformó en una exploración del tiempo, la muerte, la familia y el poder trascendente de la música para cambiar vidas; pero con un toque de humor”.
En 2022, no se planeaba ninguna actividad futura de King Crimson, salvo asuntos de archivo y curaduría en curso.
Levin declaró en una entrevista a finales de 2022: “La impresión que me dio Robert [Fripp] fue que se había acabado. Quizá King Crimson se ponga en contacto con él en el futuro y resucite con una formación desconocida”.
En una sesión de preguntas y respuestas posterior a la proyección de “In the Court of the Crimson King”, Fripp se refirió a la formación de siete miembros de King Crimson de 2021 como “la encarnación final” de la banda.
Al preguntársele si alguna vez podría haber una formación que no lo incluyera, respondió negativamente, afirmando: “Veo el conjunto. Veo la música. Veo a los músicos. Veo al público y veo la industria musical, y hay que involucrarse con todo eso para tener una visión global. Esa es la respuesta rápida”.
La disolución en 2021 de la formación de King Crimson conocida como "La Bestia de las Siete Cabezas" y la posterior declaración de Fripp sobre la disolución de la banda, dejaron sin grabar en estudio una cantidad considerable de música de King Crimson, tanto escrita como interpretada en directo, aunque parte de ese material ya había aparecido en grabaciones en vivo de la época.
Entre las nuevas canciones originales interpretadas en concierto por la banda se incluían "Meltdown", "Radical Action", "Radical Action II", "The Errors" y otras.
Versiones de dos canciones de Fripp/Jakszyk originalmente concebidas para King Crimson ("Uncertain Times" y "Separation") también aparecieron en el álbum en solitario de Jakszyk de 2020, “Secrets and Lies”, con la participación de Fripp, Harrison, Levin y Collins.
Tras la reciente disolución de la banda, Jakko Jakszyk insinuó, sugirió y finalmente afirmó que este material se publicará oficialmente como un álbum de estudio, el primero de la banda en más de veinte años desde el lanzamiento de “The Power to Believe”.
En agosto de 2021, Jakszyk se refirió a la existencia de “unos cuarenta o cincuenta minutos de material nuevo (de King Crimson), varias canciones que he coescrito con Robert y algunas piezas instrumentales que él ha compuesto".
Durante el confinamiento, Gavin sugirió: "¿Por qué no grabamos esto para tener al menos grabaciones de estudio de este material?. Eso no significa que vayamos a grabar un nuevo álbum ni que vaya a publicarse, pero hemos comenzado este proceso”.
En una entrevista con Louder Sound en noviembre de 2024, Jakszyk fue preguntado sobre el futuro de la banda y mencionó la posibilidad de que se publicaran nuevas grabaciones de estudio, declarando: “La verdad es que tendrían que preguntárselo a Robert. Todo está en sus manos. Se ha retirado muchísimas veces, pero tiene 78 años”.
"Últimamente, una de las cosas que hemos estado haciendo es grabar versiones de estudio del material nuevo [que antes solo tocábamos en directo]. Hemos usado las grabaciones en directo como plantilla, y yo he grabado guitarras, sobregrabaciones y coros. Si eso saldrá como un álbum de King Crimson o si se quedará guardado, no lo sé”.
Ocho meses después, en una entrevista con la revista Goldmine en julio de 2025, Jakszyk declaró: “En este preciso momento, estamos grabando un álbum de estudio de King Crimson” y confirmó que contaría con la formación más reciente de la banda.
Advirtió: “Cuándo saldrá, en qué formato o cómo, eso escapa a mi control. Pero sí, lo hemos estado haciendo poco a poco, y hace un par de meses, la gerencia dijo: "¿Podemos?". Así que sí. He estado grabando con la idea de que salga en algún formato en algún momento. Pero ¿quién sabe cuándo?... También hay planes futuros para grabar videos en vivo de nuestros conciertos en varios lugares. Es un proyecto en desarrollo. Si eso significa que alguna vez volveremos a tocar en vivo, no lo sé, especialmente después del reciente infarto de Robert”.
Confirmó que el nuevo álbum incluiría las versiones de estudio de canciones nuevas interpretadas por la banda entre 2014 y 2021, y que “algunas otras piezas surgirán al juntarlas. Creo que sí”. Esta noticia sugiere que, a pesar del anuncio de Fripp en 2021, King Crimson podría seguir activo (aunque como un proyecto de estudio).
En una publicación en la página web de DGM y en Facebook el 11 de julio de 2025, David Singleton, si bien insinuó la posibilidad de "un álbum con un sonido nunca antes escuchado, un sonido impulsado por los tres bateristas", aclaró y a la vez advirtió sobre las especulaciones al respecto.
Comentó: "Es cierto que los tres bateristas han grabado versiones de estudio de sus partes, por separado, para lograr una separación perfecta. Así que, efectivamente, existe la semilla de una nueva grabación. Si será un álbum, si verá la luz o si será algo más, es una incógnita. Como sucede con cualquier proceso creativo. Así que sí, se han realizado grabaciones. Estamos construyendo un nuevo estudio y, cuando esté terminado, tengo muchas ganas de ver qué puede o no existir. Sin embargo, entusiasmarse con la posibilidad de un nuevo álbum, como ha ocurrido en algunos círculos, es algo prematuro. Es como empezar la casa por el tejado".
Aún no se ha anunciado la fecha de lanzamiento ni el nombre de este proyecto, y el propio Fripp no ha comentado los rumores, salvo para referirse a las declaraciones de Singleton.
En 2024, Levin y Adrian Belew, exmiembro de King Crimson, anunciaron la creación del supergrupo Beat, integrado por el guitarrista Steve Vai y el baterista Danny Carey.
Con la aprobación de Robert Fripp, este grupo interpreta material de la etapa de King Crimson de principios de los 80.
Levin es un bajista imprescindible para Peter Gabriel desde los años 1970 y son totalmente inseparables.
Tony estuvo en todos los discos de estudios de Gabriel, incluidos algunos directos y creaciones especiales como “OVO” o la banda sonora de “Birdy”.
En una entrevista para tn.com.ar Levin comentó “Con Peter es todo diversión: la música, las grabaciones, el rendimiento en vivo e incluso simplemente el hecho de salir con los chicos, ¡porque estamos juntos hace 40 años ya! Si tuviera que elegir, diría que los shows son la mejor parte, incorporando las grandes ideas de Peter, que nos permite a todos expresarnos en la música con gran libertad".
En septiembre de 2024, Levin lanzó el álbum solista “Bringing It Down to the Bass”, con la participación de muchos de sus excompañeros y colaboradores.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “Bringing It Down to the Bass” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy echamos un breve vistazo al pasado reciente y nos topamos con el más reciente disco solista del maestro Tony Levin, “Bringing It Down to the Bass”, publicado a mediados de setiembre del pasado año 2024.
Se trata de su primer trabajo de estudio como solista desde “Stick Man” (2007), aquel disco que originó el ensamble Stick Men.
El sello Flatiron Recordings se encargó de publicar este importante ítem tanto en CD como en vinilo doble de color marrón translúcido con manchas de tinte humo oscuro.
Hay una importante miríada de colegas del maestro Levin que colaboran a lo largo del repertorio de “Bringing It Down To The Bass”. Ellos son Manu Katché (batería), Dominic Miller (guitarra), Pete Levin (teclados), Chris Pasin (trompeta), Alex Foster (saxo alto), Jay Collins (saxo barítono), Jerry Marotta (batería y percusión), Steve Hunter (guitarra), Larry Fast (teclados), Jeremy Stacey (batería), Markus Reuter (Touch Guitar), Vinnie Colaiuta (batería), Earl Slick (guitarra), Mike Portnoy (batería), Gary Husband (teclados), Joe Caro (guitarra), Steve Gadd (batería), Josh Shpak (trompeta), Chris Pasin (trompeta), Don Mikkelsen (trombón), L. Shankar (violín), Colin Gatwood (oboe y corno inglés), Pat Mastelotto (batería), Robert Fripp (soundscapes de guitarra), David Torn (guitarra) y Linnea Olsson (cello).
Mientras tanto, el buen Tony se multiplica en varios bajos eléctricos con y sin trastes, el contrabajo y el cello eléctricos, y cómo no, el Chapman Stick, además de algo de canto y, en la última canción, piano.
También son varios los estudios donde tuvieron lugar los registros del material aquí incluido: Jersville Studio, Bert Jansch Studio (Somerset), Dreamland Recording Studios, NRS Recording Studio y Planet Studios (Montreal). El ulterior proceso de masterización tuvo lugar en el estudio Waygate Mastering.
Salvo un puñado de temas contenidos en “Bringing It Down To The Bass” que fueron compuestos por Levin a solas, todos los demás fueron coescritos junto a sus compañeros de turno.
La pieza homónima ocupa los primeros 5 ½ minutos del repertorio con fluida extroversión. En efecto, “Bringing It Down To The Bass” se revuelve en su propia jovialidad contenida sobre un medio tiempo mientras la saltarina vitalidad de las líneas de bajo y los ricos cromatismos de los saxofones alimentan y capitalizan el motif central.
Ya más adelante, el groove se agiliza más explícitamente, siendo así que la coda le da un simpático giro al asunto mientras llega el fade-out.
He aquí una cruza perfecta entre los Weather Report de fines de los 70 y el Chick Corea eléctrico de los 80 con añadidos matices de aquel proyecto conjunto con Bill Bruford Upper Extremities.
Un inicio de álbum bastante llamativo, cómo negarlo.
“Me And My Axe” sigue a continuación para cambiar de senda expresiva y ponerse a explorar un talante más reflexivo, explayándose en un lirismo sereno y bastante transparente.
El comedido peso rockero que aporta la guitarra al bloque sonoro da más contundencia a la magia evocadora de la composición.
“Road Dogs” supone un viraje hacia una espiritualidad festiva que coquetea abiertamente con el hard rock clásico mientras preserva algunas estilizaciones sónicas propias del discurso jazz-progresivo.
La batería alterna fluidamente entre pasajes machacones y otros más patentemente sincopados mientras los teclados aportan una sobria majestuosidad al desarrollo temático.
Las parcas palabras graves que emergen en los últimos minutos añaden humor al ambiente general.
Efectiva combinación de gancho y clase en esta pieza así como en la siguiente, “Uncle Funkster”, la cual incrementa las dosis de vivacidad y fulgor donde parecen estar bien asentados Levin y sus compañeros de turno.
La ingeniería sónica de esta pieza es más contundente a pesar de no tener una instrumentación tan nutrida: sólo batería y Stick.
La estructura musical de “Boston Rocks” es bipolar: su prólogo se apoya en un lirismo reposado, siendo así que al poco rato se produce una reiteración de la musculatura celebratoria que ya definió al tema precedente, esta vez se hace con una instrumentación más llena y con algunas vocalizaciones entusiastas.
El cariz progresivo se refuerza cuando se da una alternancia entre un swing contenido (incluyendo un soliloquio y un breve canto) y el regreso a la electrizante vivacidad del cuerpo anterior.
“Espressoville” recapitula el camino musical de la pieza homónima en cuanto a su groove central, pero también se distingue por tener una sofisticación especial en algunos arreglos que encauzan a los vértices expresivos de la musicalidad creada para la ocasión.
A través de la conexión entre los arreglos de metales y los ocasionales solos de guitarra se revela una arquitectura tremendamente sólida mientras la dupla rítmica sustenta el evento sónico con prestancia y precisión.
“Give The Cello Some”, tal como lo indica el propio título, usa el pretexto del prólogo para lucir el cello eléctrico en un efímero arreglo barroco antes de que el ensamble rockero entre a tallar con un travieso empuje.
Mientras tanto, los parlamentos de Levin mencionan lo productivo que podría resultar tocar el cello de vez en cuando. Pero no por ahora, que Marotta y Tony Levin están codirigiendo el jam central.
Todavía puede el cello lucir unas pequeñas líneas antes del golpe final. ¿No será ésta la versión humorística de "Esperando a Godot" para cello?
Como sea, se trató de algo ingeniosamente ameno y ahora es el turno de “Side B / Turn It Over”. Todo se centra en un gentil ejercicio coral al estilo de cuarteto de barbería (barbershop quartet) que en algún momento es suavemente interrumpido por una flotante figura de bajo.
“Beyond the Bass Clef” recoge este recurso de serenidad y lo eleva a un plano cósmico arropado por tenues vibraciones flotantes donde las capas de teclado, las líneas de violín y las maderas aportan sus propios retazos a este envolvente cuadro impresionista.
Una composición exquisitamente hermosa que exuda un cristalino refinamiento por todos sus poros; la intensidad efímeramente elevada para los segundos finales refleja una tensión liberadora.
“Bungie Bass” nos lleva, una vez más, por el camino de la extroversión estilizada, y lo hace con la estrategia del avant-jazz-prog de matices Crimsonianos, sin ocultar sus nexos al paradigma de los Stick Men. El swing de Mastelotto es inconfundible y los matices inquietantes de Torn también.
“Fire Cross the Sky” es una crepuscular y relajada balada dedicada a John Lennon, a quien conoció cuando fue convocado para las sesiones de ese emblemático álbum “Double Fantasy”.
Ya las primeras líneas son poéticamente evocadoras: “I am sitting in a Westside café that’s seen it all. / I look up and see his picture is like a shrine / Clustered on the dark brick wall. / His glasses so cloudy, / The eyes are so clear, / Maybe that’s what you need / To believe that peace could be near”.
Su espiritualidad minimalista sustenta cabalmente el talante reflexivo de esta bonita canción.
“Floating In Dark Waters” mantiene las cosas dentro del paisaje intimista, esta vez a un nivel de ambiente progresivo con ornamentos telúricos brindados por la juiciosa labor de las percusiones.
“On The Drums” es un gracioso malabar multi-vocal que menciona a varios bateristas con cordial jovialidad, algo muy diferente a la continua solemnidad que ha marcado a las tres piezas anteriores bajo diversas modalidades.
La coda del álbum se titula precisamente “Coda”: básicamente, se trata de un estándar de jazz con un manejo de cámara. Su inmensamente reposada disposición tiene mucho de conmovedora.
Toda esta fue la oferta de “Bringing It Down To The Bass”, enésima muestra del genio de Tony Levin para crear música, ejecutar sus instrumentos de especialización y conectarse con los colegas adecuados para cada idea particular que surge de su mente compositora.
Sería tedioso e inanemente repetitivo hacer un elogio de una leyenda viviente tan consistente e infatigable como es el buen Tony, pero no está de más recomendar a “Bringing It Down To The Bass” en cualquier buena fonoteca de rock ecléctico y jazz-rock.
Nota de Presidemente: Tony Levin lleva compartiendo en su página web, tonylevin.com, sus experiencias de gira desde 1996.
Esta nueva versión del sitio ya cuenta con muchísimos diarios de viaje, pero se puede encontrar el material antiguo en la sección de Archivos.
Tienen más de 400 páginas de tours archivadas en el sitio (con aproximadamente 6.800 fotos) y han tenido casi 5 millones de visitas.
Discografía
Con Chuck Mangione Quartet
1972 - Alive!
Con Herbie Mann
1974 - First Light as The Family of Mann
1976 - Surprises
1976 - Gagaku & Beyond
1977 - Brazil: Once Again
Con Peter Gabriel
1977 - Peter Gabriel (Car)
1978 - Peter Gabriel (Scratch)
1980 - Peter Gabriel (Melt)
1982 - Peter Gabriel (Security)
1983 - Plays Live
1985 - Birdy
1986 - So
1992 - Us
1994 - Secret World Live
2000 - OVO
2002 - Up Back to Front: Live in London
2003 - Growing Up Live
2005 - Still Growing Up: Live & Unwrapped
2014 - Back to Front: Live in London
2023 - i/o
Con King Crimson
1981 - Discipline
1982 - Beat
1982 - The Noise: Frejus (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1984 - Three of a Perfect Pair
1984 - Three of a Perfect Pair: Live in Japan (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1994 - Vrooom
1995 - THRAK
1995 - B'Boom: Live in Argentina
1996 - Thrakattak
1996 - The Collectable King Crimson Volume Five (Live in Japan 1995 – The Official Edition)
1998 - Absent Lovers: Live in Montreal
1999 - Live in Mexico City
1999 - The ProjeKcts
1999 - The Deception of the Thrush: A Beginners' Guide to ProjeKcts
2001 - Vrooom Vrooom
2012 - Live in Argentina, 1994 (DVD-A)
2014 - The Elements of King Crimson
2015 - Live at the Orpheum
2015 - Live EP 2014 (Vinyl Cyclops Picture Disc)
2016 - Live In Toronto
2016 - Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind
2017 - Heroes – Live In Europe (2016)
2017 - Live In Chicago (2017 – Chicago Theater)
2018 - Live in Vienna (2016 – Museumsquartier)
2018 - Meltdown: Live in Mexico City (2017 – Teatro Metropólitan)
2024 - Sheltering Skies (Live in Fréjus, August 27th 1982)
Con Anderson Bruford Wakeman Howe
1989 - Anderson Bruford Wakeman Howe
2012 - Live at the NEC
Con Yes
1991 – Union
Con Gorn y Marotta
1997 - From the Caves of the Iron Mountain
Con Bozzio Levin Stevens
1997 - Black Light Syndrome
2000 - Situation Dangerous
Con ProjeKct One
1998 - Live at the Jazz Café
Con ProjeKct Four
1999 - West Coast Live
Con Liquid Tension Experiment
1998 - Liquid Tension Experiment
1999 - Liquid Tension Experiment 2
2009 - Liquid Tension Experiment Live 2008 – Limited Edition Boxset
2009 - Liquid Tension Experiment Live in NYC
2009 - Liquid Tension Experiment Live in LA
2021 - Liquid Tension Experiment 3
Con Liquid Trio Experiment
2007 - Spontaneous Combustion
Con Liquid Trio Experiment 2
2009 - When the Keyboard Breaks: Live in Chicago
Con Bruford Levin Upper Extremities
1998 - Bruford Levin Upper Extremities
2000 - B.L.U.E. Nights
Con Steven Wilson
2008 - Insurgentes (Kscope) on tracks 5 and 6
2011 - Grace for Drowning (Kscope)
Con Stick Men
2009 - Stick Men [A special edition]
2010 – Soup
2011 - Absalom(EP)
2011 - Live In Montevideo 2011
2011 - Live In Buenos Aires 2011
2012 - Open
2013 – Deep
2014 - Power Play
2014 - Unleashed: Live Improvs 2013
2014 - Supercollider: An Anthology 2010–2014
2015 - Midori: Live In Tokyo (Featuring David Cross)
2016 - Prog Noir
2017 - Roppongi – Live In Tokyo 2017 (Featuring Mel Collins)
2017 – KONNEKTED
Con Jakszyk, Fripp and Collins (with Levin and Harrison)
2011 - A King Crimson ProjeKct A Scarcity of Miracles
Con David Torn y Alan White
2011 - Levin Torn White
Con Marco Minnemann y Jordan Rudess
2013 - Levin Minnemann Rudess
Con Anthony Curtis
2015 - Book of the Key
Con Keaggy y Marotta
2019 - The Bucket List
En solitario
1995 - World Diary
2000 - Waters of Eden
2002 - Pieces of the Sun
2002 - Double Espresso
2006 - Resonator
2007 - Stick Man
2019 - The Bucket List
2024 - Bringing It Down to the Bass
Como músico de sesión (lista parcial)
Jaune (1970) – Jean-Pierre Ferland
Carly Simon (1971) – Carly Simon
Don McLean (1972) – Don McLean
Berlin (1973) – Lou Reed
Over the Rainbow (1973) – Livingston Taylor
The Roar of '74 (1973) – Buddy Rich
Playin' Favorites (1973) – Don McLean
Simba (Groove Merchant, 1974) – O'Donel Levy
Still Crazy After All These Years (1975) – Paul Simon
Welcome To My Nightmare (1975) – Alice Cooper
Judith (1975) – Judy Collins
Second Childhood (1976) – Phoebe Snow
Goes to Hell (1976) – Alice Cooper
Main Squeeze (1976) – Chuck Mangione
Lace and Whiskey (1977) – Alice Cooper
Never Letting Go (1977) – Phoebe Snow
Singin'... (1977) – Melissa Manchester
Ringo the 4th (1977) – Ringo Starr
Watermark (1977) – Art Garfunkel
Nested (1978) – Laura Nyro
Boys in the Trees (1978) – Carly Simon
The Roches (1979) – The Roches
Spy (1979) – Carly Simon
Double Fantasy (1980) – John Lennon, Yoko Ono
Me Myself I (1980) – Joan Armatrading
Come Upstairs (1980) – Carly Simon
Walk Under Ladders (1981) – Joan Armatrading
Scissors Cut (1981) – Art Garfunkel
Season of Glass (1981) – Yoko Ono
It's Alright (I See Rainbows) (1982) – Yoko Ono
Keep On Doing (1982) – The Roches
Times of Our Lives (1982) – Judy Collins
Scenario (1983) - Al Di Meola also with Phil Collins, Jan Hammer and Bill Bruford
The Key (1983) – Joan Armatrading
Hello Big Man (1983) – Carly Simon
Shine (1984) – Frida
Milk and Honey (1984) – John Lennon, Yoko Ono
Boys and Girls (1985) – Bryan Ferry
Starpeace (1985) – Yoko Ono
Strange Animal (1985) – Lawrence Gowan
That's Why I'm Here (1985) – James Taylor
Downtown (1985) – Marshall Crenshaw
Rain Dogs (1985) – Tom Waits
Cloud About Mercury (ECM, 1986) – David Torn
The Big Picture (1986) – Michael W. Smith
Premonition (1986) – Peter Frampton
Park Hotel (1986) – Alice
A Momentary Lapse of Reason (1987) – Pink Floyd
Robbie Robertson (1987) – Robbie Robertson
Great Dirty World (1987) – Lawrence Gowan
Coming Around Again (1987) – Carly Simon
Cher (1987) – Cher
Sentimental Hygiene (1987) – Warren Zevon
Safety in Numbers (1987) – David Van Tieghem
Julia Fordham (1988) – Julia Fordham
Tommy Page (1988) – Tommy Page
Hide Your Heart (1988) – Bonnie Tyler
Amnesia (1988) – Richard Thompson
The Other Side of the Mirror (1989) – Stevie Nicks
Maria McKee (1989) – Maria McKee
Tim Finn (1989) – Tim Finn
Lost Brotherhood (1990) – Lawrence Gowan
World Gone Strange (1991) – Andy Summers
Stranger in This Town (1991) – Richie Sambora
Discipline (1991) – Desmond Child
New Moon Shine (1991) – James Taylor
Matters of the Heart (1992) – Tracy Chapman
Arkansas Traveler (1992) – Michelle Shocked
Flyer (1994) – Nanci Griffith
Swamp Ophelia (1994) – Indigo Girls
What's Inside (1995) – Joan Armatrading
This Fire (1996) – Paula Cole
Gravity (1996) – Jesse Cook
The Cappuccino Songs (1998) – Tanita Tikaram
By 7:30 (1999) – Vonda Shepard
Amen (1999) – Paula Cole
Snowfall on the Sahara (1999) – Natalie Cole
Aura (2001) – Asia
My Ride's Here (2002) – Warren Zevon
Heathen (2002) – David Bowie
Afterglow (2003) – Sarah McLachlan
Courage (2007) – Paula Cole
Ithaca (2010) – Paula Cole
The Next Day (2013) – David Bowie
The Desired Effect (2015) – Brandon Flowers
Troika (2022) - D'Virgilio, Morse, & Jennings
Fuentes: rollingstone.com, rock-progresivo.com, tonylevin.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin (Tercera parte)
En septiembre de 2016 se publicó un nuevo álbum en directo, “Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind”, con grabaciones de los conciertos de 2015 en Japón, Canadá y Francia, previos a la marcha de Rieflin y la llegada de Stacey.
Este set de cuatro discos documentaba la evolución del repertorio en directo de la banda e incluía una interpretación de cada canción que tocaron durante la gira, además de imágenes del concierto grabadas principalmente en Takamatsu el 19 de diciembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2016, Greg Lake, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer. Otro exmiembro de King Crimson, John Wetton, falleció de cáncer de colon el 31 de enero de 2017.
El 3 de enero de 2017, Bill Rieflin regresó a King Crimson.
Dado que la banda deseaba mantener a Jeremy Stacey, King Crimson se convirtió en un octeto con cuatro baterías, a lo que Fripp inicialmente se refirió como la "Formación Doble Cuarteto".
Posteriormente, Rieflin cambió su rol en el grupo y se convirtió en el primer teclista a tiempo completo de King Crimson, y Fripp rebautizó la formación como "Tres sobre Cinco" (o "Cinco sobre Tres").
El 2 de junio de 2017, King Crimson lanzó un nuevo EP en vivo titulado “Heroes”, que incluía una versión de la canción homónima de David Bowie.
El EP fue concebido como un homenaje a Bowie, para quien Fripp había aportado su característico trabajo de guitarra en los álbumes “Heroes” (1977) y “Scary Monsters (and Super Creeps)” (1980).
El video de la versión de King Crimson de “Heroes” ganó el premio a "Video del Año" en los Progressive Music Awards de 2017.
Poco después, King Crimson inició la primera etapa de una gira por Norteamérica, del 11 de junio al 19 de julio.
El 3 de septiembre, Robert Fripp declaró que sus diferencias con Adrian Belew se habían resuelto y que "por el momento no hay planes para que salga con la formación actual", pero que "las puertas al futuro están abiertas". Belew lo confirmó y añadió: “Significa que podría volver a la banda en algún momento del futuro”.
El 14 de octubre de 2017, King Crimson lanzó un nuevo álbum en vivo, "Live in Chicago", grabado durante su gira en junio de ese mismo año.
Al igual que sus dos predecesores, incluía música nueva ante la ausencia de un nuevo álbum de estudio (en este caso, "Bellscape & Orchestral Werning", "The Errors" e "Interlude").
También documentó el regreso a los conciertos de temas del álbum “Lizard” (1970), largamente olvidado (como "Cirkus", que la banda había comenzado a incluir en sus repertorios en 2016, y la segunda parte de la suite que da título al álbum), así como nuevos arreglos de algunas canciones de la época de Belew.
El 13 de octubre de 2017, se anunció que Bill Rieflin no podría unirse a la formación Three Over Five para la gira de otoño de 2017 en Estados Unidos. Fue reemplazado temporalmente por el guitarrista Chris Gibson, de Crafty Guitar, afincado en Seattle.
Durante 2018, King Crimson realizó la extensa gira “Uncertain Times”, de 33 fechas, por el Reino Unido y Europa entre el 13 de junio y el 16 de noviembre.
Aunque la banda mantuvo su política de no publicar nuevos álbumes de estudio, en abril de 2018 se lanzó un nuevo álbum en vivo, “Live in Vienna”, que presenta el concierto completo en Viena del 1 de diciembre de 2016.
El álbum estaba previsto inicialmente para su lanzamiento mundial en 2017, pero se pospuso debido a la publicación de "Live in Chicago!; sin embargo, solo se lanzó en Japón en septiembre de 2017, con un disco extra que incluía grabaciones de la gira de la banda en ese país en diciembre de 2015.
El lanzamiento mundial añadió una interpretación de "Fracture", además de tres piezas extraídas de los paisajes sonoros introductorios compuestos cada noche por Fripp, con improvisaciones de Collins y Levin: estas piezas fueron arregladas y realizadas por David Singleton, reflejando un trabajo similar que había realizado para “Thrakattak” veinte años antes.
El 20 de octubre de 2018 se lanzó otro álbum/vídeo en vivo, “Meltdown: Live in Mexico City”, grabado durante las fechas de julio de 2017.
En enero de 2019 salió a la venta “The Bucket List”, álbum de Levin junto a Jerry Marotta y Phil Keaggy, un disco fruto de sus creatividades aunadas y una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “The Bucket List” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy tenemos el gusto de presentar al colectivo triádico de Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta, un colectivo de lujo que ya tiene publicado desde el 11 de enero pasado un disco fruto de sus creatividades aunadas: “The Bucket List” es el título del disco en cuestión, una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
El material recogido allí fue grabado en los tres estudios personales de los músicos involucrados: Jersville Studio (Woodstock, Nueva York), Dreamland Recording Studio (Woodstock, Nueva York) y Kegworth Studio (Nashville, Tennessee).
Keaggy se hizo cargo de las guitarras, Levin, de los bajos, el contrabajo y el Chapman Stick, mientras que Marotta hizo lo propio con la batería y las percusiones.
Entre los tres, suman más de 200 años de edad, y es que hablamos de tres enormes expertos y veteranos que, un buen día de hace más de 10 años, tuvieron la idea de reunirse.
Todo comenzó en el año 2008 cuando estos tres maestros se encontraron en Woodstock y decidieron hacer una sesión musical de manera totalmente espontánea, lo cual al poco rato llevó a un recital en vivo con material improvisado.
A lo largo de los años, cuando se daban las ocasiones de reencontrarse, los tres revisaban y refinaban el material que registraron en su momento, una y otra vez... hasta que se centraron en la idea de registrar todo lo desarrollado en un disco concreto, una cuestión pendiente e importante que había que completar antes de que uno de ellos estirara la pata, como dijimos que señala el título del disco.
Pasemos ahora a los detalles de este disco.
Durando poco más de 3 ¼ minutos, “Sometimes 11” exhibe un buen punto de partida empleando un groove coqueto y sobrio con una fuerte raíz fusionesca que se alimenta de cadencias Crimsonianas modernas (a mitad de camino entre el KC de los 80s y el paradigma del proyecto Upper Extremities que Levin tuvo alguna vez con Bruford).
La vitalidad aquí es patente, pero debe quedar claro que el dinamismo musical está contenido en una expresividad serena.
Lo sereno se acentúa notoriamente en el bello tema que ocupa el segundo lugar del repertorio: “Fearless” explora y elabora una muy lograda combinación de talante contemplativo y densidad emocional, la cual se muestra con relativa densidad en los hermosos fraseos que Keaggy extrae de su guitarra.
“Midland Crisis” vira hacia un terreno muy diferente al exhibir un colorido swing jazz-progresivo en el que la batería alterna pasajes plagados de colorida soltura con otros donde impera la autoconstricción.
La inclusión de un ritmo programado junto al real que ejecuta Marotta sirve para llenar espacios dentro del swing y mantener incólume al gancho esencial de la pieza. La verdad que estos dos temas #2 y #3 se erigen en un continuum de esplendor crucial para el disco.
“Sometimes We Up” es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¼ minutos de duración. Sobre los cimientos de un recurrente groove jazz-fusionesco, el trío se enfila hacia el asentamiento de una musicalidad etérea y envolvente que sabe incorporar matices a lo largo del camino a fin de que el sencillo motif constante no pierda su encanto.
Hay una sensación de confluencia entre una ligera brisa otoñal y un fulgor delicado de una mañana primaveral mientras las bases armónicas y los solos van emergiendo con un pulso delicado.
“Stella Luna” se enfila por el área latina del multívoco discurso del jazz-fusion, y ello es un buen pretexto para que el trío organice un jam donde las cadencias de la batería y la labor de la guitarra definan una consonancia ágil para el bloque instrumental íntegro.
La pieza que sigue a continuación, “Steely Funk”, reincide en esta estrategia y la remodela dentro de un alegre clima jazz-rockero donde el dueto sonoro armado por Levin y Marotta se hace sentir con un particular destaque mientras Keaggy se explaya en varias pistas de guitarra.
La dupla de “Where’s Phil?” y “Phil’s On” sirve para que el trío siga explorando más recursos de colorido musical.
En una primera instancia tenemos un groove semitribal que sirve como vehículo de ritual lucimiento para una sólida amalgama de percusiones y una arquitectónica elegancia del contrabajo. Luego, el asunto vira hacia un despliegue de cadencias funky-rockeras que se deja arropar por una aureola de distinción progresiva.
Los guitarreos se explayan en un dócil ambiente de tensión contenida mientras la ingeniería rítmica de Levin y Marotta se focalizan en un envolvente compás de inspiración africana.
Es algo así como si un jam perdido de las sesiones de un disco de Peter Gabriel de inicios de los 90s hubiese pasado a manos de Pat Metheny en su época de fines de los 90.
“Caravan” encarna otro momento particularmente hermoso dentro del repertorio de “The Bucket List” con su atmósfera tremendamente lírica que comienza con una placidez candorosa y termina con una maniobra de estilizada energía.
Aquí se da una nueva exploración del terreno del jazz-fusion con un enfoque cercano a lo latino, pero con un filo más pronunciado y un señorío más fastuoso que en el caso de “Stella Luna”.
Así, es la melancolía la fuerza emocional que guía a la inspiración performativa de los músicos: el asunto suena a una especie de encuentro entre los paradigmas de Pat Metheny y Mark Wingfield, capturando la habitual lucidez lírica del primero y la faceta más reflexiva del segundo.
Cuando llega el turno de “Carved In Stone”, el trío se dispone a volver a su dimensión más extrovertida, estableciendo un canon de rock clásico sureño: a la hora de instalar el motif central, la guitarra de Keaggy tiene que asumir uno de los roles más estelares dentro del disco.
Los últimos 4 ½ minutos del repertorio están ocupados por la dupla de “Good Stuff” y “Blue Hawaii”, un tema que dura poco menos de 2 ½ minutos y otro que dura casi 2 minutos.
“Good Stuff” se encamina por un aura grácil desde la que se crea una vía intermedia entre Primus y Upper Extremities con una oportuna dosis jazzera; por su parte, “Blue Hawaii” se sitúa en una ambientación contemplativa que coquetea abiertamente con lo etéreo, proyectando nuevamente un clima ensoñador que ya habíamos apreciado en algunos de los temas anteriores.
“The Bucket List” es un disco preciosista y variado, con una buena cantidad de ideas musicales a través de las cuales los maestros Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta pueden hacer congeniar sus personalidades artísticas dentro de un enfoque sonoro que permanentemente dibuja y colorea siluetas auditivas.
La vitalista versatilidad de la dupla rítmica es el factor protagonista en varios pasajes del disco pero, sin duda, los múltiples recursos exhibidos por las guitarras no quedan en un segundo plano sino que activan unos fundamentos musicales contundentes.
No nos queda nada más que decir salvo dar las gracias a estos grandes por este trabajo tan estupendo, un disco que se hizo esperar bastante.
El 6 de abril de 2019, se anunció en rueda de prensa que Rieflin se tomaría un nuevo descanso de King Crimson para atender asuntos familiares.
Su puesto en los teclados para la gira del 50 aniversario de 2019 lo ocupó Theo Travis, más conocido como saxofonista, miembro de Soft Machine y colaborador ocasional de Robert Fripp.
Aunque Travis se unió a la banda para los ensayos, Fripp declaró el 2 de mayo que habían decidido que ya no era posible que otros músicos sustituyeran a Rieflin y que, por este motivo, seguirían adelante como una "bestia de siete cabezas" sin Travis.
Las partes de Rieflin se repartieron entre los demás miembros de la banda: Fripp, Stacey, Jakszyk y Collins añadieron teclados a sus equipos en el escenario, y Levin volvió a usar el sintetizador que empleó durante las giras de los 80.
Poco después, el 11 de junio, la discografía completa de King Crimson estuvo disponible para su reproducción en línea en todas las principales plataformas de streaming, como parte de la celebración del 50 aniversario de la banda.
El 24 de marzo de 2020, Bill Rieflin falleció a causa de un cáncer. Ese mismo año, Keith Tippett, colaborador de King Crimson, falleció el 14 de junio tras varios años de enfermedad, y el exbajista y cantante Gordon Haskell falleció el 15 de octubre a causa de un cáncer de pulmón.
King Crimson realizó una gira por Norteamérica y Japón en 2021. Las grabaciones de las fechas de la etapa estadounidense de la gira se publicaron como el álbum en vivo “Music Is Our Friend: Live in Washington and Albany”, que incluye música de toda la trayectoria de la banda, además de dos nuevas cadencias de Tony Levin.
Tras las fechas de la gira de 2021, King Crimson cesó su actividad, aunque sin anunciar expresamente su separación. Las razones aducidas fueron de índole práctica, relacionadas con la avanzada edad de varios de los miembros y el aumento del coste de los servicios durante la pandemia, sin que la banda tuviera intención de realizar más giras.
El 9 de febrero de 2022, Ian McDonald, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer.
En marzo de 2022, el documental “In the Court of the Crimson King” se estrenó en el Festival de Cine SXSW de 2022.
Dirigido por Toby Amies y filmado entre 2019 y 2021, el documental retrató la actividad en vivo y tras bambalinas de la banda en ese momento, además de ofrecer una perspectiva histórica y testimonios de exmiembros de Crimson como Ian McDonald, Michael Giles, Bill Bruford, Adrian Belew y Trey Gunn (así como extensas entrevistas con el fallecido Bill Rieflin).
Amies describió el proceso de creación de la película de la siguiente manera: “Lo que comenzó como un documental tradicional sobre la legendaria banda King Crimson al cumplir cincuenta años, se transformó en una exploración del tiempo, la muerte, la familia y el poder trascendente de la música para cambiar vidas; pero con un toque de humor”.
En 2022, no se planeaba ninguna actividad futura de King Crimson, salvo asuntos de archivo y curaduría en curso.
Levin declaró en una entrevista a finales de 2022: “La impresión que me dio Robert [Fripp] fue que se había acabado. Quizá King Crimson se ponga en contacto con él en el futuro y resucite con una formación desconocida”.
En una sesión de preguntas y respuestas posterior a la proyección de “In the Court of the Crimson King”, Fripp se refirió a la formación de siete miembros de King Crimson de 2021 como “la encarnación final” de la banda.
Al preguntársele si alguna vez podría haber una formación que no lo incluyera, respondió negativamente, afirmando: “Veo el conjunto. Veo la música. Veo a los músicos. Veo al público y veo la industria musical, y hay que involucrarse con todo eso para tener una visión global. Esa es la respuesta rápida”.
La disolución en 2021 de la formación de King Crimson conocida como "La Bestia de las Siete Cabezas" y la posterior declaración de Fripp sobre la disolución de la banda, dejaron sin grabar en estudio una cantidad considerable de música de King Crimson, tanto escrita como interpretada en directo, aunque parte de ese material ya había aparecido en grabaciones en vivo de la época.
Entre las nuevas canciones originales interpretadas en concierto por la banda se incluían "Meltdown", "Radical Action", "Radical Action II", "The Errors" y otras.
Versiones de dos canciones de Fripp/Jakszyk originalmente concebidas para King Crimson ("Uncertain Times" y "Separation") también aparecieron en el álbum en solitario de Jakszyk de 2020, “Secrets and Lies”, con la participación de Fripp, Harrison, Levin y Collins.
Tras la reciente disolución de la banda, Jakko Jakszyk insinuó, sugirió y finalmente afirmó que este material se publicará oficialmente como un álbum de estudio, el primero de la banda en más de veinte años desde el lanzamiento de “The Power to Believe”.
En agosto de 2021, Jakszyk se refirió a la existencia de “unos cuarenta o cincuenta minutos de material nuevo (de King Crimson), varias canciones que he coescrito con Robert y algunas piezas instrumentales que él ha compuesto".
Durante el confinamiento, Gavin sugirió: "¿Por qué no grabamos esto para tener al menos grabaciones de estudio de este material?. Eso no significa que vayamos a grabar un nuevo álbum ni que vaya a publicarse, pero hemos comenzado este proceso”.
En una entrevista con Louder Sound en noviembre de 2024, Jakszyk fue preguntado sobre el futuro de la banda y mencionó la posibilidad de que se publicaran nuevas grabaciones de estudio, declarando: “La verdad es que tendrían que preguntárselo a Robert. Todo está en sus manos. Se ha retirado muchísimas veces, pero tiene 78 años”.
"Últimamente, una de las cosas que hemos estado haciendo es grabar versiones de estudio del material nuevo [que antes solo tocábamos en directo]. Hemos usado las grabaciones en directo como plantilla, y yo he grabado guitarras, sobregrabaciones y coros. Si eso saldrá como un álbum de King Crimson o si se quedará guardado, no lo sé”.
Ocho meses después, en una entrevista con la revista Goldmine en julio de 2025, Jakszyk declaró: “En este preciso momento, estamos grabando un álbum de estudio de King Crimson” y confirmó que contaría con la formación más reciente de la banda.
Advirtió: “Cuándo saldrá, en qué formato o cómo, eso escapa a mi control. Pero sí, lo hemos estado haciendo poco a poco, y hace un par de meses, la gerencia dijo: "¿Podemos?". Así que sí. He estado grabando con la idea de que salga en algún formato en algún momento. Pero ¿quién sabe cuándo?... También hay planes futuros para grabar videos en vivo de nuestros conciertos en varios lugares. Es un proyecto en desarrollo. Si eso significa que alguna vez volveremos a tocar en vivo, no lo sé, especialmente después del reciente infarto de Robert”.
Confirmó que el nuevo álbum incluiría las versiones de estudio de canciones nuevas interpretadas por la banda entre 2014 y 2021, y que “algunas otras piezas surgirán al juntarlas. Creo que sí”. Esta noticia sugiere que, a pesar del anuncio de Fripp en 2021, King Crimson podría seguir activo (aunque como un proyecto de estudio).
En una publicación en la página web de DGM y en Facebook el 11 de julio de 2025, David Singleton, si bien insinuó la posibilidad de "un álbum con un sonido nunca antes escuchado, un sonido impulsado por los tres bateristas", aclaró y a la vez advirtió sobre las especulaciones al respecto.
Comentó: "Es cierto que los tres bateristas han grabado versiones de estudio de sus partes, por separado, para lograr una separación perfecta. Así que, efectivamente, existe la semilla de una nueva grabación. Si será un álbum, si verá la luz o si será algo más, es una incógnita. Como sucede con cualquier proceso creativo. Así que sí, se han realizado grabaciones. Estamos construyendo un nuevo estudio y, cuando esté terminado, tengo muchas ganas de ver qué puede o no existir. Sin embargo, entusiasmarse con la posibilidad de un nuevo álbum, como ha ocurrido en algunos círculos, es algo prematuro. Es como empezar la casa por el tejado".
Aún no se ha anunciado la fecha de lanzamiento ni el nombre de este proyecto, y el propio Fripp no ha comentado los rumores, salvo para referirse a las declaraciones de Singleton.
En 2024, Levin y Adrian Belew, exmiembro de King Crimson, anunciaron la creación del supergrupo Beat, integrado por el guitarrista Steve Vai y el baterista Danny Carey.
Con la aprobación de Robert Fripp, este grupo interpreta material de la etapa de King Crimson de principios de los 80.
Levin es un bajista imprescindible para Peter Gabriel desde los años 1970 y son totalmente inseparables.
Tony estuvo en todos los discos de estudios de Gabriel, incluidos algunos directos y creaciones especiales como “OVO” o la banda sonora de “Birdy”.
En una entrevista para tn.com.ar Levin comentó “Con Peter es todo diversión: la música, las grabaciones, el rendimiento en vivo e incluso simplemente el hecho de salir con los chicos, ¡porque estamos juntos hace 40 años ya! Si tuviera que elegir, diría que los shows son la mejor parte, incorporando las grandes ideas de Peter, que nos permite a todos expresarnos en la música con gran libertad".
En septiembre de 2024, Levin lanzó el álbum solista “Bringing It Down to the Bass”, con la participación de muchos de sus excompañeros y colaboradores.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “Bringing It Down to the Bass” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy echamos un breve vistazo al pasado reciente y nos topamos con el más reciente disco solista del maestro Tony Levin, “Bringing It Down to the Bass”, publicado a mediados de setiembre del pasado año 2024.
Se trata de su primer trabajo de estudio como solista desde “Stick Man” (2007), aquel disco que originó el ensamble Stick Men.
El sello Flatiron Recordings se encargó de publicar este importante ítem tanto en CD como en vinilo doble de color marrón translúcido con manchas de tinte humo oscuro.
Hay una importante miríada de colegas del maestro Levin que colaboran a lo largo del repertorio de “Bringing It Down To The Bass”. Ellos son Manu Katché (batería), Dominic Miller (guitarra), Pete Levin (teclados), Chris Pasin (trompeta), Alex Foster (saxo alto), Jay Collins (saxo barítono), Jerry Marotta (batería y percusión), Steve Hunter (guitarra), Larry Fast (teclados), Jeremy Stacey (batería), Markus Reuter (Touch Guitar), Vinnie Colaiuta (batería), Earl Slick (guitarra), Mike Portnoy (batería), Gary Husband (teclados), Joe Caro (guitarra), Steve Gadd (batería), Josh Shpak (trompeta), Chris Pasin (trompeta), Don Mikkelsen (trombón), L. Shankar (violín), Colin Gatwood (oboe y corno inglés), Pat Mastelotto (batería), Robert Fripp (soundscapes de guitarra), David Torn (guitarra) y Linnea Olsson (cello).
Mientras tanto, el buen Tony se multiplica en varios bajos eléctricos con y sin trastes, el contrabajo y el cello eléctricos, y cómo no, el Chapman Stick, además de algo de canto y, en la última canción, piano.
También son varios los estudios donde tuvieron lugar los registros del material aquí incluido: Jersville Studio, Bert Jansch Studio (Somerset), Dreamland Recording Studios, NRS Recording Studio y Planet Studios (Montreal). El ulterior proceso de masterización tuvo lugar en el estudio Waygate Mastering.
Salvo un puñado de temas contenidos en “Bringing It Down To The Bass” que fueron compuestos por Levin a solas, todos los demás fueron coescritos junto a sus compañeros de turno.
La pieza homónima ocupa los primeros 5 ½ minutos del repertorio con fluida extroversión. En efecto, “Bringing It Down To The Bass” se revuelve en su propia jovialidad contenida sobre un medio tiempo mientras la saltarina vitalidad de las líneas de bajo y los ricos cromatismos de los saxofones alimentan y capitalizan el motif central.
Ya más adelante, el groove se agiliza más explícitamente, siendo así que la coda le da un simpático giro al asunto mientras llega el fade-out.
He aquí una cruza perfecta entre los Weather Report de fines de los 70 y el Chick Corea eléctrico de los 80 con añadidos matices de aquel proyecto conjunto con Bill Bruford Upper Extremities.
Un inicio de álbum bastante llamativo, cómo negarlo.
“Me And My Axe” sigue a continuación para cambiar de senda expresiva y ponerse a explorar un talante más reflexivo, explayándose en un lirismo sereno y bastante transparente.
El comedido peso rockero que aporta la guitarra al bloque sonoro da más contundencia a la magia evocadora de la composición.
“Road Dogs” supone un viraje hacia una espiritualidad festiva que coquetea abiertamente con el hard rock clásico mientras preserva algunas estilizaciones sónicas propias del discurso jazz-progresivo.
La batería alterna fluidamente entre pasajes machacones y otros más patentemente sincopados mientras los teclados aportan una sobria majestuosidad al desarrollo temático.
Las parcas palabras graves que emergen en los últimos minutos añaden humor al ambiente general.
Efectiva combinación de gancho y clase en esta pieza así como en la siguiente, “Uncle Funkster”, la cual incrementa las dosis de vivacidad y fulgor donde parecen estar bien asentados Levin y sus compañeros de turno.
La ingeniería sónica de esta pieza es más contundente a pesar de no tener una instrumentación tan nutrida: sólo batería y Stick.
La estructura musical de “Boston Rocks” es bipolar: su prólogo se apoya en un lirismo reposado, siendo así que al poco rato se produce una reiteración de la musculatura celebratoria que ya definió al tema precedente, esta vez se hace con una instrumentación más llena y con algunas vocalizaciones entusiastas.
El cariz progresivo se refuerza cuando se da una alternancia entre un swing contenido (incluyendo un soliloquio y un breve canto) y el regreso a la electrizante vivacidad del cuerpo anterior.
“Espressoville” recapitula el camino musical de la pieza homónima en cuanto a su groove central, pero también se distingue por tener una sofisticación especial en algunos arreglos que encauzan a los vértices expresivos de la musicalidad creada para la ocasión.
A través de la conexión entre los arreglos de metales y los ocasionales solos de guitarra se revela una arquitectura tremendamente sólida mientras la dupla rítmica sustenta el evento sónico con prestancia y precisión.
“Give The Cello Some”, tal como lo indica el propio título, usa el pretexto del prólogo para lucir el cello eléctrico en un efímero arreglo barroco antes de que el ensamble rockero entre a tallar con un travieso empuje.
Mientras tanto, los parlamentos de Levin mencionan lo productivo que podría resultar tocar el cello de vez en cuando. Pero no por ahora, que Marotta y Tony Levin están codirigiendo el jam central.
Todavía puede el cello lucir unas pequeñas líneas antes del golpe final. ¿No será ésta la versión humorística de "Esperando a Godot" para cello?
Como sea, se trató de algo ingeniosamente ameno y ahora es el turno de “Side B / Turn It Over”. Todo se centra en un gentil ejercicio coral al estilo de cuarteto de barbería (barbershop quartet) que en algún momento es suavemente interrumpido por una flotante figura de bajo.
“Beyond the Bass Clef” recoge este recurso de serenidad y lo eleva a un plano cósmico arropado por tenues vibraciones flotantes donde las capas de teclado, las líneas de violín y las maderas aportan sus propios retazos a este envolvente cuadro impresionista.
Una composición exquisitamente hermosa que exuda un cristalino refinamiento por todos sus poros; la intensidad efímeramente elevada para los segundos finales refleja una tensión liberadora.
“Bungie Bass” nos lleva, una vez más, por el camino de la extroversión estilizada, y lo hace con la estrategia del avant-jazz-prog de matices Crimsonianos, sin ocultar sus nexos al paradigma de los Stick Men. El swing de Mastelotto es inconfundible y los matices inquietantes de Torn también.
“Fire Cross the Sky” es una crepuscular y relajada balada dedicada a John Lennon, a quien conoció cuando fue convocado para las sesiones de ese emblemático álbum “Double Fantasy”.
Ya las primeras líneas son poéticamente evocadoras: “I am sitting in a Westside café that’s seen it all. / I look up and see his picture is like a shrine / Clustered on the dark brick wall. / His glasses so cloudy, / The eyes are so clear, / Maybe that’s what you need / To believe that peace could be near”.
Su espiritualidad minimalista sustenta cabalmente el talante reflexivo de esta bonita canción.
“Floating In Dark Waters” mantiene las cosas dentro del paisaje intimista, esta vez a un nivel de ambiente progresivo con ornamentos telúricos brindados por la juiciosa labor de las percusiones.
“On The Drums” es un gracioso malabar multi-vocal que menciona a varios bateristas con cordial jovialidad, algo muy diferente a la continua solemnidad que ha marcado a las tres piezas anteriores bajo diversas modalidades.
La coda del álbum se titula precisamente “Coda”: básicamente, se trata de un estándar de jazz con un manejo de cámara. Su inmensamente reposada disposición tiene mucho de conmovedora.
Toda esta fue la oferta de “Bringing It Down To The Bass”, enésima muestra del genio de Tony Levin para crear música, ejecutar sus instrumentos de especialización y conectarse con los colegas adecuados para cada idea particular que surge de su mente compositora.
Sería tedioso e inanemente repetitivo hacer un elogio de una leyenda viviente tan consistente e infatigable como es el buen Tony, pero no está de más recomendar a “Bringing It Down To The Bass” en cualquier buena fonoteca de rock ecléctico y jazz-rock.
Nota de Presidemente: Tony Levin lleva compartiendo en su página web, tonylevin.com, sus experiencias de gira desde 1996.
Esta nueva versión del sitio ya cuenta con muchísimos diarios de viaje, pero se puede encontrar el material antiguo en la sección de Archivos.
Tienen más de 400 páginas de tours archivadas en el sitio (con aproximadamente 6.800 fotos) y han tenido casi 5 millones de visitas.
Discografía
Con Chuck Mangione Quartet
1972 - Alive!
Con Herbie Mann
1974 - First Light as The Family of Mann
1976 - Surprises
1976 - Gagaku & Beyond
1977 - Brazil: Once Again
Con Peter Gabriel
1977 - Peter Gabriel (Car)
1978 - Peter Gabriel (Scratch)
1980 - Peter Gabriel (Melt)
1982 - Peter Gabriel (Security)
1983 - Plays Live
1985 - Birdy
1986 - So
1992 - Us
1994 - Secret World Live
2000 - OVO
2002 - Up Back to Front: Live in London
2003 - Growing Up Live
2005 - Still Growing Up: Live & Unwrapped
2014 - Back to Front: Live in London
2023 - i/o
Con King Crimson
1981 - Discipline
1982 - Beat
1982 - The Noise: Frejus (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1984 - Three of a Perfect Pair
1984 - Three of a Perfect Pair: Live in Japan (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1994 - Vrooom
1995 - THRAK
1995 - B'Boom: Live in Argentina
1996 - Thrakattak
1996 - The Collectable King Crimson Volume Five (Live in Japan 1995 – The Official Edition)
1998 - Absent Lovers: Live in Montreal
1999 - Live in Mexico City
1999 - The ProjeKcts
1999 - The Deception of the Thrush: A Beginners' Guide to ProjeKcts
2001 - Vrooom Vrooom
2012 - Live in Argentina, 1994 (DVD-A)
2014 - The Elements of King Crimson
2015 - Live at the Orpheum
2015 - Live EP 2014 (Vinyl Cyclops Picture Disc)
2016 - Live In Toronto
2016 - Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind
2017 - Heroes – Live In Europe (2016)
2017 - Live In Chicago (2017 – Chicago Theater)
2018 - Live in Vienna (2016 – Museumsquartier)
2018 - Meltdown: Live in Mexico City (2017 – Teatro Metropólitan)
2024 - Sheltering Skies (Live in Fréjus, August 27th 1982)
Con Anderson Bruford Wakeman Howe
1989 - Anderson Bruford Wakeman Howe
2012 - Live at the NEC
Con Yes
1991 – Union
Con Gorn y Marotta
1997 - From the Caves of the Iron Mountain
Con Bozzio Levin Stevens
1997 - Black Light Syndrome
2000 - Situation Dangerous
Con ProjeKct One
1998 - Live at the Jazz Café
Con ProjeKct Four
1999 - West Coast Live
Con Liquid Tension Experiment
1998 - Liquid Tension Experiment
1999 - Liquid Tension Experiment 2
2009 - Liquid Tension Experiment Live 2008 – Limited Edition Boxset
2009 - Liquid Tension Experiment Live in NYC
2009 - Liquid Tension Experiment Live in LA
2021 - Liquid Tension Experiment 3
Con Liquid Trio Experiment
2007 - Spontaneous Combustion
Con Liquid Trio Experiment 2
2009 - When the Keyboard Breaks: Live in Chicago
Con Bruford Levin Upper Extremities
1998 - Bruford Levin Upper Extremities
2000 - B.L.U.E. Nights
Con Steven Wilson
2008 - Insurgentes (Kscope) on tracks 5 and 6
2011 - Grace for Drowning (Kscope)
Con Stick Men
2009 - Stick Men [A special edition]
2010 – Soup
2011 - Absalom(EP)
2011 - Live In Montevideo 2011
2011 - Live In Buenos Aires 2011
2012 - Open
2013 – Deep
2014 - Power Play
2014 - Unleashed: Live Improvs 2013
2014 - Supercollider: An Anthology 2010–2014
2015 - Midori: Live In Tokyo (Featuring David Cross)
2016 - Prog Noir
2017 - Roppongi – Live In Tokyo 2017 (Featuring Mel Collins)
2017 – KONNEKTED
Con Jakszyk, Fripp and Collins (with Levin and Harrison)
2011 - A King Crimson ProjeKct A Scarcity of Miracles
Con David Torn y Alan White
2011 - Levin Torn White
Con Marco Minnemann y Jordan Rudess
2013 - Levin Minnemann Rudess
Con Anthony Curtis
2015 - Book of the Key
Con Keaggy y Marotta
2019 - The Bucket List
En solitario
1995 - World Diary
2000 - Waters of Eden
2002 - Pieces of the Sun
2002 - Double Espresso
2006 - Resonator
2007 - Stick Man
2019 - The Bucket List
2024 - Bringing It Down to the Bass
Como músico de sesión (lista parcial)
Jaune (1970) – Jean-Pierre Ferland
Carly Simon (1971) – Carly Simon
Don McLean (1972) – Don McLean
Berlin (1973) – Lou Reed
Over the Rainbow (1973) – Livingston Taylor
The Roar of '74 (1973) – Buddy Rich
Playin' Favorites (1973) – Don McLean
Simba (Groove Merchant, 1974) – O'Donel Levy
Still Crazy After All These Years (1975) – Paul Simon
Welcome To My Nightmare (1975) – Alice Cooper
Judith (1975) – Judy Collins
Second Childhood (1976) – Phoebe Snow
Goes to Hell (1976) – Alice Cooper
Main Squeeze (1976) – Chuck Mangione
Lace and Whiskey (1977) – Alice Cooper
Never Letting Go (1977) – Phoebe Snow
Singin'... (1977) – Melissa Manchester
Ringo the 4th (1977) – Ringo Starr
Watermark (1977) – Art Garfunkel
Nested (1978) – Laura Nyro
Boys in the Trees (1978) – Carly Simon
The Roches (1979) – The Roches
Spy (1979) – Carly Simon
Double Fantasy (1980) – John Lennon, Yoko Ono
Me Myself I (1980) – Joan Armatrading
Come Upstairs (1980) – Carly Simon
Walk Under Ladders (1981) – Joan Armatrading
Scissors Cut (1981) – Art Garfunkel
Season of Glass (1981) – Yoko Ono
It's Alright (I See Rainbows) (1982) – Yoko Ono
Keep On Doing (1982) – The Roches
Times of Our Lives (1982) – Judy Collins
Scenario (1983) - Al Di Meola also with Phil Collins, Jan Hammer and Bill Bruford
The Key (1983) – Joan Armatrading
Hello Big Man (1983) – Carly Simon
Shine (1984) – Frida
Milk and Honey (1984) – John Lennon, Yoko Ono
Boys and Girls (1985) – Bryan Ferry
Starpeace (1985) – Yoko Ono
Strange Animal (1985) – Lawrence Gowan
That's Why I'm Here (1985) – James Taylor
Downtown (1985) – Marshall Crenshaw
Rain Dogs (1985) – Tom Waits
Cloud About Mercury (ECM, 1986) – David Torn
The Big Picture (1986) – Michael W. Smith
Premonition (1986) – Peter Frampton
Park Hotel (1986) – Alice
A Momentary Lapse of Reason (1987) – Pink Floyd
Robbie Robertson (1987) – Robbie Robertson
Great Dirty World (1987) – Lawrence Gowan
Coming Around Again (1987) – Carly Simon
Cher (1987) – Cher
Sentimental Hygiene (1987) – Warren Zevon
Safety in Numbers (1987) – David Van Tieghem
Julia Fordham (1988) – Julia Fordham
Tommy Page (1988) – Tommy Page
Hide Your Heart (1988) – Bonnie Tyler
Amnesia (1988) – Richard Thompson
The Other Side of the Mirror (1989) – Stevie Nicks
Maria McKee (1989) – Maria McKee
Tim Finn (1989) – Tim Finn
Lost Brotherhood (1990) – Lawrence Gowan
World Gone Strange (1991) – Andy Summers
Stranger in This Town (1991) – Richie Sambora
Discipline (1991) – Desmond Child
New Moon Shine (1991) – James Taylor
Matters of the Heart (1992) – Tracy Chapman
Arkansas Traveler (1992) – Michelle Shocked
Flyer (1994) – Nanci Griffith
Swamp Ophelia (1994) – Indigo Girls
What's Inside (1995) – Joan Armatrading
This Fire (1996) – Paula Cole
Gravity (1996) – Jesse Cook
The Cappuccino Songs (1998) – Tanita Tikaram
By 7:30 (1999) – Vonda Shepard
Amen (1999) – Paula Cole
Snowfall on the Sahara (1999) – Natalie Cole
Aura (2001) – Asia
My Ride's Here (2002) – Warren Zevon
Heathen (2002) – David Bowie
Afterglow (2003) – Sarah McLachlan
Courage (2007) – Paula Cole
Ithaca (2010) – Paula Cole
The Next Day (2013) – David Bowie
The Desired Effect (2015) – Brandon Flowers
Troika (2022) - D'Virgilio, Morse, & Jennings
Fuentes: rollingstone.com, rock-progresivo.com, tonylevin.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 41
George Porter Jr.
George Porter Jr. es un músico estadounidense, conocido por ser el bajista y cantante de The Meters.
Junto con Art Neville, Porter formó el grupo a mediados de la década de 1960 y llegó a ser reconocido como uno de los precursores del funk.
Nada personifica mejor el groove que la interacción rítmica entre George Porter Jr. y el baterista Zigaboo Modeliste en The Meters, una relación que requería una precisión extrema para evocar el ambiente festivo y relajado de su Nueva Orleans natal.
Esos huecos, las notas largas y los huecos profundos, proporcionaron el soporte para que Leo Nocentelli o Art Neville tocaran o cantaran encima, creando algunos de los ritmos más memorables de la historia del R&B.
Gracias a su larga trayectoria en uno de los grupos más funk de la música popular, Porter mantuvo la base rítmica en clásicos como “Cissy Strut”, “Funky Miracle”, “Just Kissed My Baby” y “Hand Clapping Song”, aportando riffs redondos y fluidos que se pavoneaban como un desfile de la Second Line y hacían vibrar los altavoces con su contundencia.
Hay que escuchar cómo teje su propio camino sincopado en los espacios más reducidos de “Pungee”, del casi perfecto segundo álbum de la banda, “Look-A Py Py”.
El trabajo de Porter con The Meters se convirtió en un pilar fundamental del hip-hop, con numerosos artistas, incluyendo a Tribe Called Quest, Cypress Hill, NWA y Public Enemy, sampleando las canciones del grupo.
Porter también es el líder de su propio y singular proyecto a largo plazo, Runnin' Pardners, muy respetado no solo como una banda emblemática de Nueva Orleans, sino también por sus giras, que siguen recibiendo elogios en la escena de las bandas de jam y los festivales.
Ha reunido a músicos experimentados y talentosos para que se unan a él en este proyecto. George Porter Jr. planea mantener una sonrisa en su rostro. "Siento que estoy trabajando por algo que será recordado".
También tiene otros proyectos, como The Trio with Johnny Vidacovich, New Orleans Social Club, Deep Fried y Porter Batiste Stoltz.
Además, aparece en numerosas grabaciones populares de otros artistas como Soul Rebels Brass Band, Dr. John, Paul McCartney, Robbie Robertson, Willy DeVille, Robert Palmer, Patti LaBelle, Jimmy Buffett, David Byrne, Johnny Adams, Harry Connick Jr., Earl King, Warren Haynes, Tori Amos, Snooks Eaglin y Dead & Company entre muchos otros, gracias a ser uno de los músicos de estudio predilectos del productor Allen Toussaint.
George Porter Jr. está considerado por los medios especializados como uno de los bajistas más importantes en la historia del funk, un estilo en el que ha colaborado en trazar las líneas fundamentales.
Porter atribuyó su estilo único a una formación musical diversa. "Verás, como había estudiado guitarra clásica, conocía la fórmula del bajo, aunque las canciones que tocaba en clase eran de country", comentó recientemente. "Pero al mismo tiempo aprendía a tocar líneas de bajo y acordes. Así que, cuando llegó el momento, fue algo natural que surgió de la guitarra".
Con un poderoso sentido del groove, Porter posee asimismo una gran facilidad melódica, además de ser un competente vocalista.
Porter ha demostrado ser capaz de fusionar rock, funk y R&B, y se ha ganado el reconocimiento como uno de los bajistas de élite de la industria. Sigue siendo no solo un artista muy solicitado, sino también un músico de estudio y productor consumado.
George Porter Jr. nacio el 26 de diciembre de 1947 en New Orleans, Luisiana, EE. UU.
Los padres de Porter eran ávidos amantes de la música. Su padre escuchaba con frecuencia a Duke Ellington y su madre cantaba en el coro de la iglesia local.
Creció en Nueva Orleans junto a su futuro compañero de banda en The Meters, Joe "Zigaboo" Modeliste, y se hicieron amigos cuando George tenía 10 años.
De adolescentes, tocaron juntos en sesiones de improvisación, con Porter tocando una guitarra acústica.
Porter se inspiró en otro nativo de Nueva Orleans, Benjamin "Poppi" Francis, quien también le dio algunas clases de bajo.
Cuando Porter era aún adolescente, tocó con Earl King. Después de uno de los conciertos, Art Neville se le acercó y le dijo que estaba intentando formar una banda y le preguntó si quería unirse. Porter aceptó, dando origen a The Meters.
Inicialmente, la banda se conocía como Neville Sound y estaba formada por siete hombres, entre ellos Cyril y Aaron Neville como vocalistas y Gary Brown al saxofón.
Sin embargo, poco después, la banda se redujo a cuatro miembros principales: el tecladista y vocalista Art Neville, el guitarrista Leo Nocentelli, el bajista George Porter Jr. y el baterista Joseph "Zigaboo" Modeliste.
Los cuatro tocaban seis noches a la semana en un bar de la calle Bourbon llamado Ivanhoe cuando Allen Toussaint se puso en contacto con ellos y les preguntó si querían firmar un contrato discográfico.
Tras el acuerdo, el sello quería que la banda cambiara su nombre por uno que reflejara mejor su sonido. Se decidieron por The Meters.
Posteriormente se les unió el percusionista y vocalista Cyril Neville. The Meters se convirtieron en la banda de Allen Toussaint y su sello discográfico, Sansu Enterprises.
Conocidos como uno de los progenitores del funk junto a Sly & The Family Stone y Parliament Funkadelic, The Meters se forjaron un lugar en la historia con poli ritmos sincopados y grooves heredados de las profundas raíces musicales africanas de Nueva Orleans.
“The Meters”, su álbum homónimo, fue lanzado en mayo de 1969, y fue el primero de ocho álbumes de la banda.
Sus primeras obras se desarrollaron a través de la improvisación. Los miembros de la banda habían pasado la mayor parte de la década de 1960 tocando juntos en clubes nocturnos de Nueva Orleans. Tenían un estilo musical fluido que incluía elementos de R&B, rock y jazz.
El primer tema, "Cissy Strut", fue el tema de apertura de la banda durante su residencia en el club nocturno Ivanhoe a finales de los 60. La melodía original fue introducida por Leo Nocentelli.
La canción se grabó en los estudios Cosimo. Se lanzó inicialmente como sencillo y vendió 200.000 copias en dos semanas. Su éxito comercial impulsó su posterior carrera discográfica.
Lanzada como sencillo del álbum, alcanzó el puesto número 4 en la lista de R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100.
La canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2011, que reconoce “grabaciones de importancia cualitativa o histórica perdurable con al menos 25 años de antigüedad”.
El AV Club la calificó como un “clásico” profundamente arraigado en la tradición musical de Nueva Orleans.
En 2021, la revista Rolling Stone colocó a “Cissy Strut” en el puesto 158 de su lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos”, una de las pocas canciones instrumentales que figuran en la lista.
La variedad de instrumentos en la portada del álbum simboliza la diversidad de composiciones y ritmos.
La contraportada muestra a los miembros de la banda en los inicios de su carrera. Muchas de las primeras pistas instrumentales de la banda recibieron nombre solo después de su grabación.
La octava pista del álbum lleva el nombre de la válvula de vacío 6V6, comúnmente utilizada en amplificadores de guitarra.
Una reseña de AllMusic destacó la simplicidad y los matices de la música y la calificó de "impresionante".
Tamara Davidson, de Revive Music, tuvo una reseña positiva y escribió: "El álbum está lleno de ritmos contagiosos, líneas de bajo potentes y ritmos de batería revolucionarios".
Según Brian Knight, de The Vermont Review, el álbum "marcó el ritmo tanto de The Meters como de todo el sonido funk de Nueva Orleans".
Jeff Chang describió a la banda en relación con el contexto cultural de los años 60, sus influencias y su influencia en la música. Escribió: “Modeliste describió una vez las canciones como 'fragmentos de sonido', como 'entradas de diferentes ritmos y diferentes ideas sobre el ritmo'. De hecho, podrían llenar una enciclopedia de bandas de improvisación, con cientos de pequeñas ideas que podrían extenderse como bandas elásticas de veinte minutos”.
“Look-Ka Py Py” es el título de su segundo álbum de estudio; un álbum instrumental que ocupó el puesto 218 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone en 2003, el 220 en la lista revisada de 2012 y el 415 en la lista revisada de 2020.
Cub Koda, de AllMusic, comentó sobre el álbum y la banda: “El segundo álbum de The Meters continúa el sonido que los convirtió en leyendas de Nueva Orleans”.
Ted Drozdowski, de Rolling Stone, describió el sonido del álbum como “claro, pausado y seguro”. Caracterizó el sonido de la guitarra como “breve y preciso”, el del órgano como “libre de ritmo”, el del bajo como “grooves gruesos y en zigzag” y el de la batería como “seco y directo”.
Al clasificar el álbum para su lista de los mejores de todos los tiempos, la revista destacó los riffs de bajo y la batería sin ritmo.
La canción principal del álbum, "Look-Ka Py Py", alcanzó el puesto número 11 en la lista de sencillos de R&B de EE. UU. y el álbum alcanzó el puesto número 23 en la lista de álbumes de R&B de EE. UU.
En su libro de 2008, Tom Moon escribió: "La característica clave es la moderación. Nadie se esfuerza demasiado en los discos de Meters. El ritmo se construye sobre un eje flexible-conciso, con algunos elementos (generalmente la batería enérgica de Zigaboo Modeliste) empujando hacia adelante y otras fuerzas (las líneas de guitarra cuidadosamente articuladas de Leo Nocentelli o los golpes sobrantes del órgano B3 de Art Neville ) tirando hacia atrás".
“Struttin” es el tercer álbum de estudio y el primero de la banda con actuaciones vocales.
El álbum se grabó en el estudio de Cosimo Matassa y fue lanzado en 1970 por Josie Records. Es el primer álbum de la banda que incluye la voz completa de Art Neville en tres temas: "Wichita Lineman", "Darling, Darling, Darling" y "Ride Your Pony".
Stephen Erlewine observó una continuidad en el sonido de la banda en comparación con álbumes anteriores y lo describió como "funk orgánico y terroso". Observó una divergencia estilística en los temas "Joog", "Hand Clapping Song" y las pistas vocales. Calificó la música como agradable, pero notó una falta de coherencia en la colección de canciones.
Robert Christgau tenía una opinión favorable y escribió sobre el estilo de la banda: "El swing de los New Orleans MG , pero no con la suavidad de una big band; su cadencia caribeña es pura segunda línea, tan elíptica como la marcha de un santo".
El primer sencillo fue la canción "Chicken Strut". Alcanzó el puesto número 11 en la lista estadounidense de sencillos de R&B y el álbum el número 32 en la de álbumes de R&B .
“Cabbage Alley” es su cuarto álbum de estudio, y fue producido por Allen Toussaint y Marshall Sehorn y lanzado en mayo de 1972 por Reprise Records. Fue el primer álbum de la banda para el sello, tras la desaparición de Josie Records un año antes.
El fichaje proporcionó al grupo un mayor presupuesto de grabación y reincorporó al organista y teclista Art Neville a la formación, tras una breve ausencia de la banda tiempo antes.
En 1971, el sello discográfico de los Meters, Josie Records, quebró, dejando al grupo con importantes regalías pendientes de pago.
Según Porter Jr., Sehorn, quien era el mánager del grupo, negoció un acuerdo para que los Meters firmaran con un sello más grande, Reprise Records, una subsidiaria de Warner Bros. Records. El acuerdo requería el regreso de Neville al grupo.
Porter Jr. reflexionó más tarde: “Para la banda, fue una buena decisión [que Neville volviera]. Nos estamos preparando para ir a un sello mejor, conseguir un mejor presupuesto para grabaciones y demás”.
El cambio de Josie a Reprise no comprometió la relación de los Meters con Sansu, ya que mantuvieron a Toussaint como productor y a Sehon como mánager.
A diferencia de sus álbumes anteriores, la banda lo grabó en sus propias sesiones, "en lugar de al final de las de alguien más", como lo describe Cliff White de Blues & Soul.
Según el escritor de Let It Rock, Pete Wingfield, Toussaint se acercó a Cabbage Alley como un proyecto complementario a su propio álbum “Life, Love and Faith” (1972), y señaló además que el músico esperaba que el lanzamiento de ambos discos a través de los sellos Warner reviviera el interés en la música soul en Nueva Orleans y atrajera a una audiencia blanca a los músicos de la ciudad, así como "devolver a poner un sonido NO identificable en las listas de éxitos".
Sin embargo, en una entrevista de NME de 1974 con Roger St. Pierre, Neville dijo que si bien a Toussaint y Sehorn se les atribuye la producción de sus álbumes, el trabajo de producción fue realizado por los propios Meters, y agregó: "Toussaint y Sehorn ni siquiera vienen al estudio mientras estamos grabando, pero sí se involucran en la mezcla final, etc.".
The Meters utilizaron el álbum para explorar diversos estilos musicales, como el reggae, el rock y el boogaloo, conservando el característico estilo funk sincopado, basado en la segunda línea.
La música es más suave y con más ritmo que en los discos anteriores del grupo, y también aumenta el uso de cánticos y voces, especialmente de Neville, lo que marca un cambio radical respecto a los inicios instrumentales del grupo.
Tras su lanzamiento, “Cabbage Alley” recibió una gran aclamación de la crítica musical, algunos de los cuales lo consideraron el mejor álbum del grupo hasta la fecha.
A pesar de las críticas y de su sonido más fluido, fue una decepción comercial, atribuida en parte a la mala publicidad de Reprise.
El álbum ha sido reeditado varias veces, incluyendo por Sundazed Music en el año 2000.
Aunque tiene sus raíces en el funk orientado al baile con síncopa de segunda línea, “Cabbage Alley” también ve al grupo explorar una gama más amplia de estilos musicales que en álbumes anteriores.
Bob Palmer escribió que el álbum presenta varias pistas prominentemente de estilo reggae, además de "generosas porciones de la segunda línea más de moda y su hijo bastardo, el boogaloo ", mientras que el escritor musical John Laycock dijo que si bien los Meters son conocidos por el rhythm and blues, la música del disco se parece más al reggae de Desmond Dekker que a "los incondicionales de Nueva Orleans como Fats Domino o Dr. John".
El álbum también es más elegante, más atrevido y más funky que las grabaciones anteriores del grupo, y continúa alejándolos de sus comienzos totalmente instrumentales al aumentar el uso de la voz de Neville, con un total mayor de pistas con voces que instrumentales.
La banda también experimentó con varios efectos de estudio populares en ese momento, como phasing, echo y delay.
El cambio de dirección es inmediatamente evidente con el riff de guitarra distorsionado que inicia la canción de apertura "You've Got to Change (You've Got to Reform)", una pista de baile con una larga sección de improvisación.
"Stay Away" es una incursión en el rock progresivo, y se extiende por una experimentación electrónica inusual, y retardo de cinta.
Una versión de una canción de Neil Young, "Birds" es un ejercicio de soul suave, mientras que "The Flower Song" y "Smilin'" son instrumentales que se han comparado con la música de Booker T. & the MGs.
"Soul Island" se inspiró en el viaje de la banda a Trinidad, donde actuaron con Mighty Sparrow, y fue considerada por Palmer como la canción más reggae del grupo hasta ese momento, citando los "unísonos de bajo y guitarra trozo a trozo y el solo de órgano básico" para evocar melódica y texturalmente "la música de las islas".
Idris Walter de Sounds la consideró una canción de "reggae de Nueva Orleans" con similitudes con el éxito de Unit 4 + 2 "Concrete and Clay" (1965).
"Do the Dirt" tiene una estética e instrumentación similar a "Soul Island" pero se desliza hacia un "ritmo norteamericano" durante los puentes.
Escrita por Nocentelli, "Lonesome and Unwanted", orientada al rock, es cantada por Neville y construida alrededor de un gancho asistido por cánticos.
La canción principal del álbum, "Cabbage Alley", se inspiró en parte en "Hey Now Baby" de Professor Longhair, que se grabó alrededor de 1950 pero no se lanzó hasta principios de 1972.
La canción se caracteriza por el piano rodante de Neville y, según Joe McEwen de The Real Paper, "una pista rítmica tartamudeante dos años adelantada a su tiempo".
El escritor de Louder Than War, Craig Chaligne, escribió que la canción mostraba la creciente confianza del grupo en los arreglos vocales.
Neville sintió que los oyentes de fuera de Nueva Orleans no "entenderían" la canción, señalando que "tiene la herencia de Dixieland, el sentimiento de la segunda línea, incluso más que cualquier otra cosa que hayamos escrito. Si naciste aquí, simplemente lo tendrás, eso es todo".
El disco recibió su nombre de una pequeña calle de Nueva Orleans que había sido demolida recientemente para dar paso a un estadio de fútbol.
Descrito por Timothy Crouse como "la versión de Bourbon Street para negros pobres", el sitio era un centro para la música funk de segunda línea de la ciudad.
Según Lionel Batiste Sr. de Treme Brass Band: "Cabbage Alley estaba cerca de Perdido Street. Tenían muchos músicos allí, era casi como un distrito [de luz roja], mujeres rápidas. Cerca del campo de batalla".
Diseñada por John Echevarrieta, la portada del álbum se basa en una variación de la pintura de René Magritte de 1952 , "La sala de escucha", que a su vez fue reproducida en la portada de "Beck-Ola" (1969) del Jeff Beck Group.
Según los autores Angie Errigo y Steve Leaning, "Ambas imágenes son surrealistas en la proximidad incongruente y claustrofóbica de dos realidades igualmente convincentes, pero texturalmente antitéticas".
El álbum recibió una amplia aclamación de los críticos musicales, y muchos lo describieron como el mejor álbum de la banda hasta el momento.
Escribiendo favorablemente en Rolling Stone, Bob Palmer elogió la batería de Modeliste por impartir "más variedad rítmica a cada compás que cualquier grupo de soul estadounidense ha empleado hasta ahora", y al resto del grupo por "a menudo [duplicar] la percusión auxiliar, lo que resulta en una complejidad percusiva que es a la vez una dirección nueva y natural".
Agregó que incluso las canciones más débiles del álbum contienen algo de "la vitalidad rítmica y la conciencia de raíces emergente que parece el nuevo desarrollo más importante en la música popular negra de los años setenta".
El escritor de Windsor Star, John Laycock, describió el álbum como "bastante agradable e interesante a la manera de un erudito discográfico" y destacó su similitud con el reggae.
Juan Rodríguez, de The Montreal Star, lo calificó como "un buen disco para bailar, si lo pones a todo volumen y, como dice James Brown , te concentras". Escribieron que el sonido es denso y funky, y que se puede perdonar al grupo por "exagerar a veces", a la vez que elogiaron la combinación de la banda y la producción de Toussaint, lo que resultó en un disco único.
A pesar de las buenas críticas del álbum, un sonido más fluido, y el traslado a una importante discográfica, “Cabbage Alley” y sus dos sencillos fueron decepciones comerciales.
El álbum alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard Top Soul LPs, pero a diferencia de los dos primeros discos del grupo, no llegó a las listas Billboard Top LPs y Tape.
Arthur Neville declaró en una entrevista para Blues & Soul que creía que el álbum debería haber tenido una mayor difusión, "porque todos coinciden en que el material es el más potente que hemos hecho jamás".
Aunque el grupo atribuyó las bajas ventas a la falta de promoción, St. Pierre creía que también se debían a que el álbum "estaba un tanto desprovisto de contenido melódico memorable, basándose simplemente en riffs básicos", creyendo que se trataba de un cambio de estilo que "sucedió demasiado rápido para sus fans".
White creía que las bajas ventas sugerían que "el resto de Estados Unidos (y naturalmente Europa) había perdido hacía tiempo su apetito por la música de Nueva Orleans", señalando que incluso los músicos de la ciudad se habían volcado a explorar sonidos más amplios, mientras que James Lien de CMJ New Music Monthly creía que el público en general "no hizo clic" con “Cabbage Alley” o el álbum posterior de los Meters, “Fire on the Bayou” (1975), porque "estaban salpicados de tantas referencias oscuras a la cultura local de Nueva Orleans que la gente que no sabía nada del Mardi Gras o de los frijoles rojos con arroz simplemente no podía entenderlo".
Chaligne escribió que el fracaso se atribuyó en parte a la "incapacidad de Reprise para comercializar una banda que tenía pocas similitudes con el resto de su elenco".
A pesar de la decepción, “Cabbage Alley” llevó a los Meters a trabajar en el popular "Right Place, Wrong Time" (1973) de Dr. John y a realizar una gira europea a mediados de 1973 con Dr. John y Professor Longhair.
“Cabbage Alley” fue reeditado en el Reino Unido en 1975 por Warner. El álbum y sus sucesores “Rejuvenation” (1974) y “Fire on the Bayou” (1975) fueron reeditados en 2000 por Sundazed Music, un sello especializado en reediciones de grabaciones clásicas de las décadas de 1960 y 1970, con notas de John Swenson.
El disco fue reeditado posteriormente por Reprise en 2001, Hi Horse Records en 2009, Music on Vinyl en 2013 y WEA Japan en 2014.
Algunas reediciones incluyen ambas partes de "Chug Chug Chug-a-Lug (Push and Shove)" como pistas adicionales.
Al reseñar la reedición de 1975, Peter Harvey de Record Mirror escribió que el álbum mostraba el sonido inicial del grupo, que era más terrenal y "más cercano a la calle" de lo que se habían vuelto, y destacó "Lonesome and Unwanted People" y otras cuatro pistas, concluyendo que el álbum es "fresco, suena espontáneo y está hecho naturalmente para bailar".
En The Real People, Joe McEwen llamó a “Cabbage Alley” un "álbum en gran parte (y desafortunadamente) ignorado", mientras que Billboard se refirió a él como un gran debut para Reprise que "vio a la banda diversificarse con más cantos y la vocalización conmovedora de Neville".
Dave Thompson señaló que si bien el grupo "[reenvolvió] su sonido característico en algunos de los juguetes favoritos del estudio moderno", la canción principal aseguró que el grupo no "se alejara demasiado de la base".
Josh Terry de Vinyl Me, Please comentó que, si bien las voces eran más prominentes, “los ritmos seguían ahí, anclados en el sabor caribeño de un viaje a Trinidad y Tobago”.
Menos impresionado, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió que “Cabbage Alley” era menos crudo que los trabajos anteriores de la banda, considerándolos "sacrificar la sensibilidad por la textura", y se quejó de que el grupo no tuviera canciones memorables que adaptar a su nuevo estilo.
Matizó esto diciendo que, si bien los Meters se habían "suavizado un poco más de lo necesario", seguía siendo placentero escuchar tocar a un "grupo notablemente simpático y flexible".
En "Christgau's Record Guide" (1981), el crítico Robert Christgau cuestionó si la variación estilística del álbum, o su ambigüedad, insinuaba una crisis de identidad para la banda.
En "The Encyclopedia of Popular Music" (1997), el escritor Colin Larkin señala que “Cabbage Alley” inició una serie de "álbumes aclamados por la crítica" para los Meters que "reforzaron sus ritmos distintivos y vigorosos".
Terry Perkins de St. Louis Post-Dispatch escribió que “Cabbage Alley” y sus dos siguientes álbumes "marcan claramente el punto culminante de la banda como unidad", y destacó además "Gettin' Funkier All the Time", mientras que Steve MacQueen de Tallahassee Democrat los recomendó junto con "Cissy Strut" (1969) por definir el "estilo funk despojado, entrecortado y sincopado de principios de los 70" del grupo.
En una entrevista de 2015, Adam Horovitz de los Beastie Boys llamó a “Cabbage Alley” el hallazgo "más loco" en su colección de discos.
Tras el cambio de sello discográfico, los Meters tuvieron dificultades para volver a las listas de éxitos, pero colaboraron con Dr. John, Paul McCartney, King Biscuit Boy, Labelle, Robert Palmer y otros.
“Rejuvenation” es su quinto álbum de estudio y fue lanzado en 1974.
En 2003, el álbum ocupó el puesto número 138 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone y el número 139 en una lista revisada de 2012.
Fue producido por Allen Toussaint y grabado en sus flamantes estudios Sea-Saint de Nueva Orleans. Algunas canciones del álbum incluyen arreglos de Toussaint para la sección de vientos.
La portada muestra una fotografía de una mujer sentada en un sofá junto a varios álbumes de discos esparcidos por su sala de estar, como “Life, Love and Faith” de Allen Toussaint de 1972 , así como el LP anterior de los Meters, “Cabbage Alley”.
Stephen Erlewine, de AllMusic, lo calificó como "un álbum de funk de primera clase" y destacó las influencias rockeras del álbum y su funk contundente.
Robert Christgau tuvo una opinión positiva y destacó los temas "It Ain't No Use" y "Just Kissed My Baby" como destacados.
Jon Pareles, de Rolling Stone, lo calificó como "un punto culminante del funk de los 70". Destacó la escasa distribución de la música y las influencias estilísticas de Mardi Gras, gospel, R&B y country.
Daryl Easlea, de BBC Music, calificó la música como una "fusión de funk y swamp rock " y afirmó que el álbum es "la personificación del funk con groove, gancho y directo". Destacó "Africa" y "It Ain't No Use" como destacados.
La influencia del álbum es detectable en el trabajo de varios artistas que han interpretado sus canciones.
Los Red Hot Chili Peppers hicieron una versión modificada de la canción "Africa" en su álbum “Freaky Styley”. A lo largo de su versión, la palabra "Africa" se cambia a "Hollywood" y "Mother Land" se cambia a "Brother Land".
La tercera canción, "Just Kissed My Baby", se usa en “Grand Theft Auto IV” en la estación de radio funk IF99 (International Funk).
La canción está sampleada en "Timebomb" de Public Enemy del álbum “Yo! Bum Rush the Show”.
Chris Duarte hizo una versión de "Just Kissed My Baby" en “Texas Sugar/Strat Magik”. También ha versionado "People Say" en vivo.
La Dirty Dozen Brass Band de Nueva Orleans versionó "África" en su álbum “Medicated Magic”.
Los Grateful Dead interpretaron "Hey Pocky A-Way" con frecuencia en sus conciertos a finales de los 80.
Widespread Panic versionó "It Ain't No Use" con frecuencia y ha tocado y sigue tocando "Just Kissed My Baby" en numerosas ocasiones.
George Porter, Jr. ha colaborado con Widespread Panic en varias ocasiones, la más reciente en sus conciertos anuales "Panic en la Playa Siete".
El concierto del 28/01/2018 en Riviera Maya, México, contó con George en bajo y voz interpretando "It Ain't No Use".
En 1975, Paul McCartney invitó a los Meters a tocar en la fiesta de lanzamiento de su álbum “Venus and Mars” a bordo del Queen Mary en Long Beach, California.
Mick Jagger, de los Rolling Stones, estuvo presente en el evento y quedó muy impresionado con los Meters y su sonido.
Los Rolling Stones invitaron a la banda a abrir sus conciertos en su “Tour of the Americas '75” y “Tour of Europe '76”.
Porter ha dicho que el mejor momento de su carrera musical fue cuando él y los demás Meters abrieron un concierto de los Stones en París en 1976.
El público comenzó a abuchearlos cuando Keith Richards y Mick Jagger salieron a apoyar a los Meters y les dijeron que se callaran y escucharan la música. Dijo que ese momento mantuvo a los Meters con vida por el momento.
Ese mismo año, los Meters grabaron uno de sus álbumes más exitosos, “Fire on the Bayou”.
Este fue el primer álbum de la banda con Cyril Neville como miembro. En aquel entonces, las actuaciones principales de la banda recibían buenas críticas.
Según una reseña en The Real Paper, “podían superar a prácticamente cualquier otra banda del país en cuanto salían del escenario”.
El álbum se lanzó en julio de 1975, en el momento en que la banda abría conciertos para los Rolling Stones en su gira estadounidense.
El álbum vendió 88.000 copias y no cumplió con las expectativas del sello discográfico. Según Rupert Surcouf, el road manager de la banda en aquel momento, el sello se dio cuenta de que “los Meters no encajaban en ningún molde convencional” y tuvo dificultades para promocionar su música.
Stephen Erlewine, de AllMusic, tuvo una opinión positiva y escribió: “Parece que nunca se hace una concesión al funk convencional” y calificó la música de “efervescente”.
Ed Ward, de Rolling Stone, tuvo una opinión negativa y calificó la música de “sin rumbo” en comparación con los primeros trabajos de la banda.
Robert Christgau tuvo una opinión mixta y le otorgó al álbum una calificación de B.
“Trick Bag” es su séptimo álbum de estudio; el nombre proviene de su versión del sencillo homónimo de Earl King.
En la primavera de 1976, la banda estuvo de gira como teloneros de los Rolling Stones en su Tour of Europe '76. Según "Up from the Cradle of Jazz" de Jason Berry, varios temas de este álbum son grabaciones preliminares y se seleccionaron para su lanzamiento en ausencia de los miembros de la banda.
Stephen Erlewine tuvo una opinión negativa y criticó el intento del álbum de sonar convencional. Señaló tres canciones como excepciones: "Mister Moon", "Doodle Loop" y "Honky Tonk Women".
Joe McEwen, de Rolling Stone, criticó la selección de canciones y el intento de complacer al mercado comercial. Dijo que dos canciones encajan con el estilo de la banda: "Doodle Loop" y "Chug-a-Lug", y tuvo una opinión positiva de la canción principal, "Trick Bag".
Robert Christgau también criticó la selección de canciones y tuvo una opinión positiva de la canción principal.
De 1976 a 1977, tocaron en The Wild Tchoupitoulas con George y Amos Landry y The Neville Brothers.
“New Directions” es el octavo y último álbum de estudio de la banda. Fue lanzado en 1977, producido por David Rubinson en California, y es el único álbum de la banda grabado fuera de Nueva Orleans. El álbum cuenta con la sección de vientos Tower of Power, con sede en Oakland.
John Swenson de Rolling Stone dijo que el álbum "intenta consolidar el estilo del grupo" y notó una confianza excesiva en los arreglos en lugar del instinto musical de la banda.
Stephen Erlewine de AllMusic calificó la música como cruda y un paso en la dirección correcta en comparación con el álbum anterior de la banda, “Trick Bag”.
Robert Christgau lo llamó "un muy buen disco de funk comercial".
Art y Cyril Neville dejaron la banda a principios de 1977, pero The Meters siguieron apareciendo en Saturday Night Live el 19 de marzo de 1977, durante la segunda temporada del programa.
Tras la salida de los Neville, David Batiste Sr. se unió a los teclados y Willie West se convirtió en el cantante principal de la banda.
Porter dejó el grupo más tarde ese mismo año y, para 1980, The Meters se disolvieron oficialmente.
Tras la separación, Neville continuó su carrera como parte de The Neville Brothers. Modeliste realizó giras con Keith Richards y Ron Wood, mientras que Nocentelli y Porter se convirtieron en músicos de sesión muy solicitados y formaron nuevas bandas.
Tras la separación, Porter Jr. formó una banda llamada Joyride.
Porter tocó con Joyride y con muchos otros músicos de Nueva Orleans en la década de 1980.
En 1989, Art Neville, George Porter Jr. y Leo Nocentelli se reunieron como The Meters, incorporando al baterista Russell Batiste Jr. en reemplazo de Zigaboo Modeliste.
Nocentelli dejó el grupo en 1994 y fue reemplazado por el guitarrista Brian Stoltz, exintegrante de The Neville Brothers.
La banda pasó a llamarse The Funky Meters. Ya en 1989 se les conocía como "los Funky Meters". Se anunciaban como tales cuando tocaban en un pequeño local llamado Benny's Bar, en las calles Valence y Camp de Nueva Orleans.
En 1990, Porter formó una banda llamada The Runnin' Pardners; una banda que todavía toca hoy.
También en la década de 1990, Porter se convirtió en un bajista muy codiciado en el estudio tocando con artistas como David Byrne y Tori Amos.
The Funky Meters continuaron tocando en la década del 2000. Stoltz fue reemplazado por el hijo de Art Neville, Ian Neville, de 2007 a 2011, mientras que Stoltz continuó su carrera en solitario aunque regresó a la banda definitivamente en 2011.
En 2000, una gran oferta animó a los cuatro Meters originales a reunirse para una actuación de una noche en el Teatro Warfield de San Francisco; para entonces, Modeliste quería que la reunión fuera permanente, pero los demás miembros y sus equipos de gestión se opusieron.
No fue hasta que Quint Davis, productor y director del Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans, los convenció de "dejar de lado sus diferencias y concretar los detalles" y actuar en el Festival en 2006.
Este fue el primer Festival de Jazz desde el huracán Katrina, por lo que el hecho de que los Meters se reunieran para ello significó mucho para la ciudad.
Porter aparece en escenas de su actuación en el documental de 2005 “Make It Funky!”, dirigido, escrito y coproducido por Michael Murphy.
Subtitulado en la versión original como "Todo empezó en Nueva Orleans", el filme presenta la historia de la música de Nueva Orleans y su influencia en el rhythm and blues, el rock and roll, el funk y el jazz.
El estreno en cines estaba previsto para septiembre de 2005, pero la distribuidora Sony Pictures Releasing lo retiró para que no pareciera que estaban aprovechando comercialmente la devastación causada por el huracán Katrina.
Con un concierto del 27 de abril de 2004 en el Teatro Saenger de Nueva Orleans como telón de fondo, la película también incluye imágenes de archivo de actuaciones, fotografías y entrevistas con numerosos músicos y otras personas involucradas en los inicios y el auge de la música neoorleanesa.
La película está narrada por Art Neville, y entre los entrevistados se encuentran también los pioneros musicales locales Allen Toussaint, Lloyd Price, Irma Thomas y Aaron Neville; los músicos contemporáneos neoorleanses Kermit Ruffins y Trombone Shorty; así como los músicos de rock Bonnie Raitt y Keith Richards, quienes describen la influencia de la música neoorleansiana en sus carreras.
El texto inicial de la pantalla afirma: “La historia de cómo se creó esta música refleja una lucha por la igualdad social y racial entre los estadounidenses negros y blancos. También es una historia de cómo la música puede unir, elevar y, en el caso de Nueva Orleans, crear un sonido que influyó en el mundo”.
En la película, toca con Snooks Eaglin y su banda en "Come On (Let the Good Times Roll)", y aparece en clips con otros músicos, incluido Art Neville.
En junio de 2011, The Original Meters, junto con Allen Toussaint y Dr. John, actuaron en el Festival de Música y Artes Bonnaroo en Manchester, Tennessee.
Los seis músicos interpretaron canciones del álbum de Dr. John, “Desitively Bonnaroo”, grabado originalmente con The Meters, ante un lleno total.
The Original Meters también tocaron en la Voodoo Experience de 2011 en Nueva Orleans.
El 5 de mayo de 2012, The Meters regresaron a Nueva Orleans para una actuación en el Howlin' Wolf, con entradas agotadas.
A finales de 2012, Zigaboo Modeliste, Leo Nocentelli y George Porter Jr. tocaron en conciertos con el tecladista de Phish, Page McConnell, bajo el nombre de The Meter Men.
The Meter Men habían realizado 16 shows juntos hasta la primavera de 2015, con su tercera aparición anual como acto nocturno durante el Jazz and Heritage Festival de Nueva Orleans.
En 2014, durante la segunda aparición de The Meter Men como acto nocturno durante el Jazzfest, la banda actuó en The Republic el 26 de abril de 2014, después de que McConnell encabezara el NOLA Jazzfest en el recinto ferial de Nueva Orleans con Phish ese mismo día. The Meter Men también habían tocado la noche anterior en The Republic.
A partir de la primavera de 2015, The Meter Men se presentaron en Massachusetts, Nueva York, Florida, Pensilvania, Luisiana, Colorado y Vermont. También actuaron en Washington, D. C.
A partir de 2017, The Funky Meters realizaron giras constantes, interpretando canciones de The Meters, mientras que The Meters actuaban esporádicamente.
La formación de Neville, Porter, Nocentelli y Modeliste solía presentarse como The Original Meters para evitar confusiones con The Funky Meters.
Cuando no toca con The Original Meters, el guitarrista Leo Nocentelli lidera su propio grupo, The Meters Experience, que también interpreta la música de The Meters.
La última actuación de los Meters originales (con los cuatro miembros fundadores) fue en el Festival Arroyo Seco en Pasadena, California, el 25 de junio de 2017.
Art Neville anunció su retiro de la música el 18 de diciembre de 2018. Neville murió el 22 de julio de 2019.
Desde el huracán Katrina, Porter ha realizado trabajo activista con otros músicos de Nueva Orleans, informando a la gente sobre los peligros de la erosión de los humedales que amenazan el futuro de la ciudad.
Porter sigue girando regularmente con Runnin' Pardners, Joyride y The Funky Meters. Toca esporádicamente con los cuatro miembros originales de The Meters, ahora conocidos como The Original Meters, y también colabora frecuentemente con otros músicos, muchos de ellos de Nueva Orleans.
El 24 de febrero de 2018, Porter acompañó a Dead & Company durante su concierto en Nueva Orleans en el Smoothie King Center, tocando el bajo en varias canciones, incluyendo "Smokestack Lightning" y "Bertha", y como vocalista principal en "Sugaree".
Toca esporádicamente con Steve Kimock en varios proyectos, incluido Voodoo Dead.
Algo de su carrera en solitario
"Runnin' Partner", publicado por Rounder Records en 1990, fue su debut en solitario, y en él se muestra no solo como un instrumentista de primer nivel, sino también como un vocalista y compositor de primer nivel.
Destacando "Runnin' Partner", se encuentran dos contribuciones del guitarrista estrella Earl King: "Rough Spots" y "Don't You Make Me Ig'nunt". King también colabora en estos dos temas, a los que Porter les da un toque de ritmo rápido y funk.
El resto del álbum fue escrito por Porter, y el material varía desde la diversión ligera de "Happy Song", pasando por la alegre canción principal al estilo de George Benson, hasta el funk pesado de "Concentrate on Work" (en la que la banda pasa de un ritmo tipo Ohio Players a un órgano de blues espeso de Ron Levy).
La potente voz de Porter maneja la variada gama de canciones con facilidad, aunque las letras son generalmente bastante simplistas y excesivamente repetitivas.
La sección de vientos, con su firmeza, brilla en todo momento, con una fuerza y energía que igualan a las del propio Porter. Aunque "Runnin' Partner" termina flojamente con los cortes pop/jazz "More BTU's" y "DTP" y la melosa "I Wish", en general es un álbum potente.
Desde entonces ha sacado varios discos tanto en solitario como acompañado por sus Runnin' Pardners.
Para consolidar adecuadamente la banda, George Porter Jr. & Runnin' Pardners grabaron su álbum debut, “Things Ain't What They Used To Be — Live From New Orleans”, en 1994, pero sería más de media década después que la banda se reuniría en el estudio para grabar y lanzar su segundo trabajo, “Funk 'N' Go Nuts”.
Desde el cambio de milenio, Porter & Runnin' Pardners han grabado y lanzado ocho álbumes, en una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio colectivamente, siendo el más reciente “Porter's Pocket” (Color Red Records) de 2024.
La encarnación actual de la banda consiste en Porter manejando gloriosamente el bajo, Michael Lemmler en los teclados, Terrence Houston en el set de trap y Chris Adkins en la guitarra principal.
“Porter's Pocket” consta de ocho canciones completas que abarcan una gran variedad de estilos, desde el funk hasta el soul y el jazz.
Se destaca como una de las propuestas más atractivas del sello durante el último año.
El liderazgo de Porter nunca deja de sorprender cada vez que plasma su mente y sus habilidades revolucionarias en música, y este es un ejemplo constante de ello.
“Tito's Dumpling Machine” posee todas las cualidades que los aficionados al vinilo con groove raro siempre han buscado en Porter.
Abundantes ritmos de batería, un sincopado de Nueva Orleans y un solo de órgano Hammond funky saciarán con creces el antojo de los Meters de la vieja escuela. Porter Jr. permite que su banda Runnin' Pardners impulse la canción mientras George hace lo que mejor sabe hacer: mantener el ritmo.
La canción comienza con un ritmo de batería sacado directamente de “Uptown New Orleans 1970”, lo que parecería una elección extraña para el sencillo principal de un disco, pero como dice Porter, "mi actitud siempre ha sido que el baterista define hacia dónde va la canción y por eso disfruto mucho dejando que un baterista configure la melodía".
Además de liderar su propia banda y colaborar con superestrellas como Robert Palmer, Patti Labelle, Tori Amos y miembros de Grateful Dead, entre otros, la carrera de Porter también podría rastrearse por un linaje de grandes bateristas con los que ha tocado, incluidos Zigaboo Modeliste de los Meters, Russell Batiste Jr. y, más recientemente, Terrence Houston.
Innovador de la música funky, Porter atribuye el mérito a su ciudad natal: "Antes de que existiera el 'funk', como lo llaman, los músicos de Nueva Orleans siempre supieron usar el ritmo como nadie más. Soy solo un estudiante de Earl King y George French y de esa escuela de música, y en algún momento, la gente de allá decidió que era 'funk'".
Porter Jr & Runnin' Pardners continúan con su residencia semanal en Nueva Orleans, en el reconocido Maple Leaf Bar, además de una gira incesante por todo el país en salas y festivales de vanguardia.
El 21 y 22 de diciembre, la banda fue seleccionada para abrir una gira de dos noches como teloneros de The Black Crowes en el Teatro Capital de Portchester, Nueva York.
Discografía
En solitario
Runnin' Partner (1990)
It's Life (2007)
It’s Time To Funk” EP (2015)
Con Runnin' Pardners
Things Ain't What They Used to Be (1994)
Count On You (1994)
Funk This (1997)
Funk 'n' Go Nuts (2000)
Can’t Beat The Funk (2011)
Crying For Hope (2022)
Porter's Pocket (2025)
Con The Meters
Álbumes de estudio
The Meters (1969)
Look-Ka Py Py (1969)
Struttin' (1970)
Cabbage Alley (1972)
Rejuvenation (1974)
Fire on the Bayou (1975)
Trick Bag (1976)
New Directions (1977)
Álbumes compìlatorios
Cissy Strut (1974)
The Best of the Meters (1975)
The Best of the Meters 71–75 (1976)
Second Line Strut (1980)
Here Come the Metermen (1986)
Struttin' (1987)
Good Old Funky Music (1990)
Funky Miracle (1991)
The Original Funkmasters (1992)
Meters Jam (1992)
Fundamentally Funky (1994)
Crescent City Groove Merchants (1994)
Funkify Your Life: The Meters Anthology (1995)
Best of the Meters (1996)
The Very Best of the Meters (1997)
Kickback (2001)
The Essentials (2002)
Zony Mash (2003)
Here Comes the Meter Man (The Complete Josie Recordings 1968–1970) (2011)
Original Album Series (2014)
A Message from the Meters: The Complete Josie, Reprise & Warner Bros. Singles 1968–1977 (2016)
Gettin' Funkier All the Time: The Complete Josie/Reprise & Warner Recordings 1968–1977 (2020)
Álbumes en directo
Uptown Rulers: The Meters live on the Queen Mary (1975)
Live at the Moonwalker (1993)
Second Helping (Live at the Moonwalker) (1994)
Fiyo at the Fillmore, Volume 1 (2001)
Colaboraciones
In the Right Place - Dr. John (Atco Records, 1973)
Sneakin' Sally Through the Alley - Robert Palmer (Island Records, 1974)
Nightbirds - Labelle (Epic Records, 1974)
Desitively Bonnaroo - Dr. John (Atco Records, 1974)
Keep On Lovin' You - Z. Z. Hill (Hill Records, 1975)
Phoenix - Labelle (Epic Records, 1975)
Patti LaBelle - Patti LaBelle (Epic Records, 1977)
New Orleans Heat - Albert King (Tomato Records, 1978)
Victory Mixture - Willy DeVille (Sky Ranch Records, 1990)
Storyville - Robbie Robertson (Geffen, 1991)
Uh-Oh - David Byrne (Warner Bros. Records, 1992)
Soul of the Blues - Solomon Burke (Black Top Records, 1993)
There's Room for Us All - Terrance Simien (Black Top Records, 1993)
Under the Pink - Tori Amos (Atlantic Records, 1994)
Boys for Pele - Tori Amos (Atlantic Records, 1996)
From the Choirgirl Hotel - Tori Amos (Atlantic Records, 1998)
Maestro - Taj Mahal (Heads Up, 2008)
Bible Belt - Diane Birch (S-Curve Records, 2009)
Let It Burn - Ruthie Foster (Blue Corn, 2011)
Good Road to Follow - John Oates (Elektra Records, 2014)
Miami Moon - Devon Allman (Create Records, 2024)
Fuentes: rollingstone.com, georgeporterjr.com, trageser.com, goldminemag.com, bassmagazine.com, Wikipedia y Flickr.com
George Porter Jr.
George Porter Jr. es un músico estadounidense, conocido por ser el bajista y cantante de The Meters.
Junto con Art Neville, Porter formó el grupo a mediados de la década de 1960 y llegó a ser reconocido como uno de los precursores del funk.
Nada personifica mejor el groove que la interacción rítmica entre George Porter Jr. y el baterista Zigaboo Modeliste en The Meters, una relación que requería una precisión extrema para evocar el ambiente festivo y relajado de su Nueva Orleans natal.
Esos huecos, las notas largas y los huecos profundos, proporcionaron el soporte para que Leo Nocentelli o Art Neville tocaran o cantaran encima, creando algunos de los ritmos más memorables de la historia del R&B.
Gracias a su larga trayectoria en uno de los grupos más funk de la música popular, Porter mantuvo la base rítmica en clásicos como “Cissy Strut”, “Funky Miracle”, “Just Kissed My Baby” y “Hand Clapping Song”, aportando riffs redondos y fluidos que se pavoneaban como un desfile de la Second Line y hacían vibrar los altavoces con su contundencia.
Hay que escuchar cómo teje su propio camino sincopado en los espacios más reducidos de “Pungee”, del casi perfecto segundo álbum de la banda, “Look-A Py Py”.
El trabajo de Porter con The Meters se convirtió en un pilar fundamental del hip-hop, con numerosos artistas, incluyendo a Tribe Called Quest, Cypress Hill, NWA y Public Enemy, sampleando las canciones del grupo.
Porter también es el líder de su propio y singular proyecto a largo plazo, Runnin' Pardners, muy respetado no solo como una banda emblemática de Nueva Orleans, sino también por sus giras, que siguen recibiendo elogios en la escena de las bandas de jam y los festivales.
Ha reunido a músicos experimentados y talentosos para que se unan a él en este proyecto. George Porter Jr. planea mantener una sonrisa en su rostro. "Siento que estoy trabajando por algo que será recordado".
También tiene otros proyectos, como The Trio with Johnny Vidacovich, New Orleans Social Club, Deep Fried y Porter Batiste Stoltz.
Además, aparece en numerosas grabaciones populares de otros artistas como Soul Rebels Brass Band, Dr. John, Paul McCartney, Robbie Robertson, Willy DeVille, Robert Palmer, Patti LaBelle, Jimmy Buffett, David Byrne, Johnny Adams, Harry Connick Jr., Earl King, Warren Haynes, Tori Amos, Snooks Eaglin y Dead & Company entre muchos otros, gracias a ser uno de los músicos de estudio predilectos del productor Allen Toussaint.
George Porter Jr. está considerado por los medios especializados como uno de los bajistas más importantes en la historia del funk, un estilo en el que ha colaborado en trazar las líneas fundamentales.
Porter atribuyó su estilo único a una formación musical diversa. "Verás, como había estudiado guitarra clásica, conocía la fórmula del bajo, aunque las canciones que tocaba en clase eran de country", comentó recientemente. "Pero al mismo tiempo aprendía a tocar líneas de bajo y acordes. Así que, cuando llegó el momento, fue algo natural que surgió de la guitarra".
Con un poderoso sentido del groove, Porter posee asimismo una gran facilidad melódica, además de ser un competente vocalista.
Porter ha demostrado ser capaz de fusionar rock, funk y R&B, y se ha ganado el reconocimiento como uno de los bajistas de élite de la industria. Sigue siendo no solo un artista muy solicitado, sino también un músico de estudio y productor consumado.
George Porter Jr. nacio el 26 de diciembre de 1947 en New Orleans, Luisiana, EE. UU.
Los padres de Porter eran ávidos amantes de la música. Su padre escuchaba con frecuencia a Duke Ellington y su madre cantaba en el coro de la iglesia local.
Creció en Nueva Orleans junto a su futuro compañero de banda en The Meters, Joe "Zigaboo" Modeliste, y se hicieron amigos cuando George tenía 10 años.
De adolescentes, tocaron juntos en sesiones de improvisación, con Porter tocando una guitarra acústica.
Porter se inspiró en otro nativo de Nueva Orleans, Benjamin "Poppi" Francis, quien también le dio algunas clases de bajo.
Cuando Porter era aún adolescente, tocó con Earl King. Después de uno de los conciertos, Art Neville se le acercó y le dijo que estaba intentando formar una banda y le preguntó si quería unirse. Porter aceptó, dando origen a The Meters.
Inicialmente, la banda se conocía como Neville Sound y estaba formada por siete hombres, entre ellos Cyril y Aaron Neville como vocalistas y Gary Brown al saxofón.
Sin embargo, poco después, la banda se redujo a cuatro miembros principales: el tecladista y vocalista Art Neville, el guitarrista Leo Nocentelli, el bajista George Porter Jr. y el baterista Joseph "Zigaboo" Modeliste.
Los cuatro tocaban seis noches a la semana en un bar de la calle Bourbon llamado Ivanhoe cuando Allen Toussaint se puso en contacto con ellos y les preguntó si querían firmar un contrato discográfico.
Tras el acuerdo, el sello quería que la banda cambiara su nombre por uno que reflejara mejor su sonido. Se decidieron por The Meters.
Posteriormente se les unió el percusionista y vocalista Cyril Neville. The Meters se convirtieron en la banda de Allen Toussaint y su sello discográfico, Sansu Enterprises.
Conocidos como uno de los progenitores del funk junto a Sly & The Family Stone y Parliament Funkadelic, The Meters se forjaron un lugar en la historia con poli ritmos sincopados y grooves heredados de las profundas raíces musicales africanas de Nueva Orleans.
“The Meters”, su álbum homónimo, fue lanzado en mayo de 1969, y fue el primero de ocho álbumes de la banda.
Sus primeras obras se desarrollaron a través de la improvisación. Los miembros de la banda habían pasado la mayor parte de la década de 1960 tocando juntos en clubes nocturnos de Nueva Orleans. Tenían un estilo musical fluido que incluía elementos de R&B, rock y jazz.
El primer tema, "Cissy Strut", fue el tema de apertura de la banda durante su residencia en el club nocturno Ivanhoe a finales de los 60. La melodía original fue introducida por Leo Nocentelli.
La canción se grabó en los estudios Cosimo. Se lanzó inicialmente como sencillo y vendió 200.000 copias en dos semanas. Su éxito comercial impulsó su posterior carrera discográfica.
Lanzada como sencillo del álbum, alcanzó el puesto número 4 en la lista de R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100.
La canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2011, que reconoce “grabaciones de importancia cualitativa o histórica perdurable con al menos 25 años de antigüedad”.
El AV Club la calificó como un “clásico” profundamente arraigado en la tradición musical de Nueva Orleans.
En 2021, la revista Rolling Stone colocó a “Cissy Strut” en el puesto 158 de su lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos”, una de las pocas canciones instrumentales que figuran en la lista.
La variedad de instrumentos en la portada del álbum simboliza la diversidad de composiciones y ritmos.
La contraportada muestra a los miembros de la banda en los inicios de su carrera. Muchas de las primeras pistas instrumentales de la banda recibieron nombre solo después de su grabación.
La octava pista del álbum lleva el nombre de la válvula de vacío 6V6, comúnmente utilizada en amplificadores de guitarra.
Una reseña de AllMusic destacó la simplicidad y los matices de la música y la calificó de "impresionante".
Tamara Davidson, de Revive Music, tuvo una reseña positiva y escribió: "El álbum está lleno de ritmos contagiosos, líneas de bajo potentes y ritmos de batería revolucionarios".
Según Brian Knight, de The Vermont Review, el álbum "marcó el ritmo tanto de The Meters como de todo el sonido funk de Nueva Orleans".
Jeff Chang describió a la banda en relación con el contexto cultural de los años 60, sus influencias y su influencia en la música. Escribió: “Modeliste describió una vez las canciones como 'fragmentos de sonido', como 'entradas de diferentes ritmos y diferentes ideas sobre el ritmo'. De hecho, podrían llenar una enciclopedia de bandas de improvisación, con cientos de pequeñas ideas que podrían extenderse como bandas elásticas de veinte minutos”.
“Look-Ka Py Py” es el título de su segundo álbum de estudio; un álbum instrumental que ocupó el puesto 218 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone en 2003, el 220 en la lista revisada de 2012 y el 415 en la lista revisada de 2020.
Cub Koda, de AllMusic, comentó sobre el álbum y la banda: “El segundo álbum de The Meters continúa el sonido que los convirtió en leyendas de Nueva Orleans”.
Ted Drozdowski, de Rolling Stone, describió el sonido del álbum como “claro, pausado y seguro”. Caracterizó el sonido de la guitarra como “breve y preciso”, el del órgano como “libre de ritmo”, el del bajo como “grooves gruesos y en zigzag” y el de la batería como “seco y directo”.
Al clasificar el álbum para su lista de los mejores de todos los tiempos, la revista destacó los riffs de bajo y la batería sin ritmo.
La canción principal del álbum, "Look-Ka Py Py", alcanzó el puesto número 11 en la lista de sencillos de R&B de EE. UU. y el álbum alcanzó el puesto número 23 en la lista de álbumes de R&B de EE. UU.
En su libro de 2008, Tom Moon escribió: "La característica clave es la moderación. Nadie se esfuerza demasiado en los discos de Meters. El ritmo se construye sobre un eje flexible-conciso, con algunos elementos (generalmente la batería enérgica de Zigaboo Modeliste) empujando hacia adelante y otras fuerzas (las líneas de guitarra cuidadosamente articuladas de Leo Nocentelli o los golpes sobrantes del órgano B3 de Art Neville ) tirando hacia atrás".
“Struttin” es el tercer álbum de estudio y el primero de la banda con actuaciones vocales.
El álbum se grabó en el estudio de Cosimo Matassa y fue lanzado en 1970 por Josie Records. Es el primer álbum de la banda que incluye la voz completa de Art Neville en tres temas: "Wichita Lineman", "Darling, Darling, Darling" y "Ride Your Pony".
Stephen Erlewine observó una continuidad en el sonido de la banda en comparación con álbumes anteriores y lo describió como "funk orgánico y terroso". Observó una divergencia estilística en los temas "Joog", "Hand Clapping Song" y las pistas vocales. Calificó la música como agradable, pero notó una falta de coherencia en la colección de canciones.
Robert Christgau tenía una opinión favorable y escribió sobre el estilo de la banda: "El swing de los New Orleans MG , pero no con la suavidad de una big band; su cadencia caribeña es pura segunda línea, tan elíptica como la marcha de un santo".
El primer sencillo fue la canción "Chicken Strut". Alcanzó el puesto número 11 en la lista estadounidense de sencillos de R&B y el álbum el número 32 en la de álbumes de R&B .
“Cabbage Alley” es su cuarto álbum de estudio, y fue producido por Allen Toussaint y Marshall Sehorn y lanzado en mayo de 1972 por Reprise Records. Fue el primer álbum de la banda para el sello, tras la desaparición de Josie Records un año antes.
El fichaje proporcionó al grupo un mayor presupuesto de grabación y reincorporó al organista y teclista Art Neville a la formación, tras una breve ausencia de la banda tiempo antes.
En 1971, el sello discográfico de los Meters, Josie Records, quebró, dejando al grupo con importantes regalías pendientes de pago.
Según Porter Jr., Sehorn, quien era el mánager del grupo, negoció un acuerdo para que los Meters firmaran con un sello más grande, Reprise Records, una subsidiaria de Warner Bros. Records. El acuerdo requería el regreso de Neville al grupo.
Porter Jr. reflexionó más tarde: “Para la banda, fue una buena decisión [que Neville volviera]. Nos estamos preparando para ir a un sello mejor, conseguir un mejor presupuesto para grabaciones y demás”.
El cambio de Josie a Reprise no comprometió la relación de los Meters con Sansu, ya que mantuvieron a Toussaint como productor y a Sehon como mánager.
A diferencia de sus álbumes anteriores, la banda lo grabó en sus propias sesiones, "en lugar de al final de las de alguien más", como lo describe Cliff White de Blues & Soul.
Según el escritor de Let It Rock, Pete Wingfield, Toussaint se acercó a Cabbage Alley como un proyecto complementario a su propio álbum “Life, Love and Faith” (1972), y señaló además que el músico esperaba que el lanzamiento de ambos discos a través de los sellos Warner reviviera el interés en la música soul en Nueva Orleans y atrajera a una audiencia blanca a los músicos de la ciudad, así como "devolver a poner un sonido NO identificable en las listas de éxitos".
Sin embargo, en una entrevista de NME de 1974 con Roger St. Pierre, Neville dijo que si bien a Toussaint y Sehorn se les atribuye la producción de sus álbumes, el trabajo de producción fue realizado por los propios Meters, y agregó: "Toussaint y Sehorn ni siquiera vienen al estudio mientras estamos grabando, pero sí se involucran en la mezcla final, etc.".
The Meters utilizaron el álbum para explorar diversos estilos musicales, como el reggae, el rock y el boogaloo, conservando el característico estilo funk sincopado, basado en la segunda línea.
La música es más suave y con más ritmo que en los discos anteriores del grupo, y también aumenta el uso de cánticos y voces, especialmente de Neville, lo que marca un cambio radical respecto a los inicios instrumentales del grupo.
Tras su lanzamiento, “Cabbage Alley” recibió una gran aclamación de la crítica musical, algunos de los cuales lo consideraron el mejor álbum del grupo hasta la fecha.
A pesar de las críticas y de su sonido más fluido, fue una decepción comercial, atribuida en parte a la mala publicidad de Reprise.
El álbum ha sido reeditado varias veces, incluyendo por Sundazed Music en el año 2000.
Aunque tiene sus raíces en el funk orientado al baile con síncopa de segunda línea, “Cabbage Alley” también ve al grupo explorar una gama más amplia de estilos musicales que en álbumes anteriores.
Bob Palmer escribió que el álbum presenta varias pistas prominentemente de estilo reggae, además de "generosas porciones de la segunda línea más de moda y su hijo bastardo, el boogaloo ", mientras que el escritor musical John Laycock dijo que si bien los Meters son conocidos por el rhythm and blues, la música del disco se parece más al reggae de Desmond Dekker que a "los incondicionales de Nueva Orleans como Fats Domino o Dr. John".
El álbum también es más elegante, más atrevido y más funky que las grabaciones anteriores del grupo, y continúa alejándolos de sus comienzos totalmente instrumentales al aumentar el uso de la voz de Neville, con un total mayor de pistas con voces que instrumentales.
La banda también experimentó con varios efectos de estudio populares en ese momento, como phasing, echo y delay.
El cambio de dirección es inmediatamente evidente con el riff de guitarra distorsionado que inicia la canción de apertura "You've Got to Change (You've Got to Reform)", una pista de baile con una larga sección de improvisación.
"Stay Away" es una incursión en el rock progresivo, y se extiende por una experimentación electrónica inusual, y retardo de cinta.
Una versión de una canción de Neil Young, "Birds" es un ejercicio de soul suave, mientras que "The Flower Song" y "Smilin'" son instrumentales que se han comparado con la música de Booker T. & the MGs.
"Soul Island" se inspiró en el viaje de la banda a Trinidad, donde actuaron con Mighty Sparrow, y fue considerada por Palmer como la canción más reggae del grupo hasta ese momento, citando los "unísonos de bajo y guitarra trozo a trozo y el solo de órgano básico" para evocar melódica y texturalmente "la música de las islas".
Idris Walter de Sounds la consideró una canción de "reggae de Nueva Orleans" con similitudes con el éxito de Unit 4 + 2 "Concrete and Clay" (1965).
"Do the Dirt" tiene una estética e instrumentación similar a "Soul Island" pero se desliza hacia un "ritmo norteamericano" durante los puentes.
Escrita por Nocentelli, "Lonesome and Unwanted", orientada al rock, es cantada por Neville y construida alrededor de un gancho asistido por cánticos.
La canción principal del álbum, "Cabbage Alley", se inspiró en parte en "Hey Now Baby" de Professor Longhair, que se grabó alrededor de 1950 pero no se lanzó hasta principios de 1972.
La canción se caracteriza por el piano rodante de Neville y, según Joe McEwen de The Real Paper, "una pista rítmica tartamudeante dos años adelantada a su tiempo".
El escritor de Louder Than War, Craig Chaligne, escribió que la canción mostraba la creciente confianza del grupo en los arreglos vocales.
Neville sintió que los oyentes de fuera de Nueva Orleans no "entenderían" la canción, señalando que "tiene la herencia de Dixieland, el sentimiento de la segunda línea, incluso más que cualquier otra cosa que hayamos escrito. Si naciste aquí, simplemente lo tendrás, eso es todo".
El disco recibió su nombre de una pequeña calle de Nueva Orleans que había sido demolida recientemente para dar paso a un estadio de fútbol.
Descrito por Timothy Crouse como "la versión de Bourbon Street para negros pobres", el sitio era un centro para la música funk de segunda línea de la ciudad.
Según Lionel Batiste Sr. de Treme Brass Band: "Cabbage Alley estaba cerca de Perdido Street. Tenían muchos músicos allí, era casi como un distrito [de luz roja], mujeres rápidas. Cerca del campo de batalla".
Diseñada por John Echevarrieta, la portada del álbum se basa en una variación de la pintura de René Magritte de 1952 , "La sala de escucha", que a su vez fue reproducida en la portada de "Beck-Ola" (1969) del Jeff Beck Group.
Según los autores Angie Errigo y Steve Leaning, "Ambas imágenes son surrealistas en la proximidad incongruente y claustrofóbica de dos realidades igualmente convincentes, pero texturalmente antitéticas".
El álbum recibió una amplia aclamación de los críticos musicales, y muchos lo describieron como el mejor álbum de la banda hasta el momento.
Escribiendo favorablemente en Rolling Stone, Bob Palmer elogió la batería de Modeliste por impartir "más variedad rítmica a cada compás que cualquier grupo de soul estadounidense ha empleado hasta ahora", y al resto del grupo por "a menudo [duplicar] la percusión auxiliar, lo que resulta en una complejidad percusiva que es a la vez una dirección nueva y natural".
Agregó que incluso las canciones más débiles del álbum contienen algo de "la vitalidad rítmica y la conciencia de raíces emergente que parece el nuevo desarrollo más importante en la música popular negra de los años setenta".
El escritor de Windsor Star, John Laycock, describió el álbum como "bastante agradable e interesante a la manera de un erudito discográfico" y destacó su similitud con el reggae.
Juan Rodríguez, de The Montreal Star, lo calificó como "un buen disco para bailar, si lo pones a todo volumen y, como dice James Brown , te concentras". Escribieron que el sonido es denso y funky, y que se puede perdonar al grupo por "exagerar a veces", a la vez que elogiaron la combinación de la banda y la producción de Toussaint, lo que resultó en un disco único.
A pesar de las buenas críticas del álbum, un sonido más fluido, y el traslado a una importante discográfica, “Cabbage Alley” y sus dos sencillos fueron decepciones comerciales.
El álbum alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard Top Soul LPs, pero a diferencia de los dos primeros discos del grupo, no llegó a las listas Billboard Top LPs y Tape.
Arthur Neville declaró en una entrevista para Blues & Soul que creía que el álbum debería haber tenido una mayor difusión, "porque todos coinciden en que el material es el más potente que hemos hecho jamás".
Aunque el grupo atribuyó las bajas ventas a la falta de promoción, St. Pierre creía que también se debían a que el álbum "estaba un tanto desprovisto de contenido melódico memorable, basándose simplemente en riffs básicos", creyendo que se trataba de un cambio de estilo que "sucedió demasiado rápido para sus fans".
White creía que las bajas ventas sugerían que "el resto de Estados Unidos (y naturalmente Europa) había perdido hacía tiempo su apetito por la música de Nueva Orleans", señalando que incluso los músicos de la ciudad se habían volcado a explorar sonidos más amplios, mientras que James Lien de CMJ New Music Monthly creía que el público en general "no hizo clic" con “Cabbage Alley” o el álbum posterior de los Meters, “Fire on the Bayou” (1975), porque "estaban salpicados de tantas referencias oscuras a la cultura local de Nueva Orleans que la gente que no sabía nada del Mardi Gras o de los frijoles rojos con arroz simplemente no podía entenderlo".
Chaligne escribió que el fracaso se atribuyó en parte a la "incapacidad de Reprise para comercializar una banda que tenía pocas similitudes con el resto de su elenco".
A pesar de la decepción, “Cabbage Alley” llevó a los Meters a trabajar en el popular "Right Place, Wrong Time" (1973) de Dr. John y a realizar una gira europea a mediados de 1973 con Dr. John y Professor Longhair.
“Cabbage Alley” fue reeditado en el Reino Unido en 1975 por Warner. El álbum y sus sucesores “Rejuvenation” (1974) y “Fire on the Bayou” (1975) fueron reeditados en 2000 por Sundazed Music, un sello especializado en reediciones de grabaciones clásicas de las décadas de 1960 y 1970, con notas de John Swenson.
El disco fue reeditado posteriormente por Reprise en 2001, Hi Horse Records en 2009, Music on Vinyl en 2013 y WEA Japan en 2014.
Algunas reediciones incluyen ambas partes de "Chug Chug Chug-a-Lug (Push and Shove)" como pistas adicionales.
Al reseñar la reedición de 1975, Peter Harvey de Record Mirror escribió que el álbum mostraba el sonido inicial del grupo, que era más terrenal y "más cercano a la calle" de lo que se habían vuelto, y destacó "Lonesome and Unwanted People" y otras cuatro pistas, concluyendo que el álbum es "fresco, suena espontáneo y está hecho naturalmente para bailar".
En The Real People, Joe McEwen llamó a “Cabbage Alley” un "álbum en gran parte (y desafortunadamente) ignorado", mientras que Billboard se refirió a él como un gran debut para Reprise que "vio a la banda diversificarse con más cantos y la vocalización conmovedora de Neville".
Dave Thompson señaló que si bien el grupo "[reenvolvió] su sonido característico en algunos de los juguetes favoritos del estudio moderno", la canción principal aseguró que el grupo no "se alejara demasiado de la base".
Josh Terry de Vinyl Me, Please comentó que, si bien las voces eran más prominentes, “los ritmos seguían ahí, anclados en el sabor caribeño de un viaje a Trinidad y Tobago”.
Menos impresionado, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió que “Cabbage Alley” era menos crudo que los trabajos anteriores de la banda, considerándolos "sacrificar la sensibilidad por la textura", y se quejó de que el grupo no tuviera canciones memorables que adaptar a su nuevo estilo.
Matizó esto diciendo que, si bien los Meters se habían "suavizado un poco más de lo necesario", seguía siendo placentero escuchar tocar a un "grupo notablemente simpático y flexible".
En "Christgau's Record Guide" (1981), el crítico Robert Christgau cuestionó si la variación estilística del álbum, o su ambigüedad, insinuaba una crisis de identidad para la banda.
En "The Encyclopedia of Popular Music" (1997), el escritor Colin Larkin señala que “Cabbage Alley” inició una serie de "álbumes aclamados por la crítica" para los Meters que "reforzaron sus ritmos distintivos y vigorosos".
Terry Perkins de St. Louis Post-Dispatch escribió que “Cabbage Alley” y sus dos siguientes álbumes "marcan claramente el punto culminante de la banda como unidad", y destacó además "Gettin' Funkier All the Time", mientras que Steve MacQueen de Tallahassee Democrat los recomendó junto con "Cissy Strut" (1969) por definir el "estilo funk despojado, entrecortado y sincopado de principios de los 70" del grupo.
En una entrevista de 2015, Adam Horovitz de los Beastie Boys llamó a “Cabbage Alley” el hallazgo "más loco" en su colección de discos.
Tras el cambio de sello discográfico, los Meters tuvieron dificultades para volver a las listas de éxitos, pero colaboraron con Dr. John, Paul McCartney, King Biscuit Boy, Labelle, Robert Palmer y otros.
“Rejuvenation” es su quinto álbum de estudio y fue lanzado en 1974.
En 2003, el álbum ocupó el puesto número 138 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone y el número 139 en una lista revisada de 2012.
Fue producido por Allen Toussaint y grabado en sus flamantes estudios Sea-Saint de Nueva Orleans. Algunas canciones del álbum incluyen arreglos de Toussaint para la sección de vientos.
La portada muestra una fotografía de una mujer sentada en un sofá junto a varios álbumes de discos esparcidos por su sala de estar, como “Life, Love and Faith” de Allen Toussaint de 1972 , así como el LP anterior de los Meters, “Cabbage Alley”.
Stephen Erlewine, de AllMusic, lo calificó como "un álbum de funk de primera clase" y destacó las influencias rockeras del álbum y su funk contundente.
Robert Christgau tuvo una opinión positiva y destacó los temas "It Ain't No Use" y "Just Kissed My Baby" como destacados.
Jon Pareles, de Rolling Stone, lo calificó como "un punto culminante del funk de los 70". Destacó la escasa distribución de la música y las influencias estilísticas de Mardi Gras, gospel, R&B y country.
Daryl Easlea, de BBC Music, calificó la música como una "fusión de funk y swamp rock " y afirmó que el álbum es "la personificación del funk con groove, gancho y directo". Destacó "Africa" y "It Ain't No Use" como destacados.
La influencia del álbum es detectable en el trabajo de varios artistas que han interpretado sus canciones.
Los Red Hot Chili Peppers hicieron una versión modificada de la canción "Africa" en su álbum “Freaky Styley”. A lo largo de su versión, la palabra "Africa" se cambia a "Hollywood" y "Mother Land" se cambia a "Brother Land".
La tercera canción, "Just Kissed My Baby", se usa en “Grand Theft Auto IV” en la estación de radio funk IF99 (International Funk).
La canción está sampleada en "Timebomb" de Public Enemy del álbum “Yo! Bum Rush the Show”.
Chris Duarte hizo una versión de "Just Kissed My Baby" en “Texas Sugar/Strat Magik”. También ha versionado "People Say" en vivo.
La Dirty Dozen Brass Band de Nueva Orleans versionó "África" en su álbum “Medicated Magic”.
Los Grateful Dead interpretaron "Hey Pocky A-Way" con frecuencia en sus conciertos a finales de los 80.
Widespread Panic versionó "It Ain't No Use" con frecuencia y ha tocado y sigue tocando "Just Kissed My Baby" en numerosas ocasiones.
George Porter, Jr. ha colaborado con Widespread Panic en varias ocasiones, la más reciente en sus conciertos anuales "Panic en la Playa Siete".
El concierto del 28/01/2018 en Riviera Maya, México, contó con George en bajo y voz interpretando "It Ain't No Use".
En 1975, Paul McCartney invitó a los Meters a tocar en la fiesta de lanzamiento de su álbum “Venus and Mars” a bordo del Queen Mary en Long Beach, California.
Mick Jagger, de los Rolling Stones, estuvo presente en el evento y quedó muy impresionado con los Meters y su sonido.
Los Rolling Stones invitaron a la banda a abrir sus conciertos en su “Tour of the Americas '75” y “Tour of Europe '76”.
Porter ha dicho que el mejor momento de su carrera musical fue cuando él y los demás Meters abrieron un concierto de los Stones en París en 1976.
El público comenzó a abuchearlos cuando Keith Richards y Mick Jagger salieron a apoyar a los Meters y les dijeron que se callaran y escucharan la música. Dijo que ese momento mantuvo a los Meters con vida por el momento.
Ese mismo año, los Meters grabaron uno de sus álbumes más exitosos, “Fire on the Bayou”.
Este fue el primer álbum de la banda con Cyril Neville como miembro. En aquel entonces, las actuaciones principales de la banda recibían buenas críticas.
Según una reseña en The Real Paper, “podían superar a prácticamente cualquier otra banda del país en cuanto salían del escenario”.
El álbum se lanzó en julio de 1975, en el momento en que la banda abría conciertos para los Rolling Stones en su gira estadounidense.
El álbum vendió 88.000 copias y no cumplió con las expectativas del sello discográfico. Según Rupert Surcouf, el road manager de la banda en aquel momento, el sello se dio cuenta de que “los Meters no encajaban en ningún molde convencional” y tuvo dificultades para promocionar su música.
Stephen Erlewine, de AllMusic, tuvo una opinión positiva y escribió: “Parece que nunca se hace una concesión al funk convencional” y calificó la música de “efervescente”.
Ed Ward, de Rolling Stone, tuvo una opinión negativa y calificó la música de “sin rumbo” en comparación con los primeros trabajos de la banda.
Robert Christgau tuvo una opinión mixta y le otorgó al álbum una calificación de B.
“Trick Bag” es su séptimo álbum de estudio; el nombre proviene de su versión del sencillo homónimo de Earl King.
En la primavera de 1976, la banda estuvo de gira como teloneros de los Rolling Stones en su Tour of Europe '76. Según "Up from the Cradle of Jazz" de Jason Berry, varios temas de este álbum son grabaciones preliminares y se seleccionaron para su lanzamiento en ausencia de los miembros de la banda.
Stephen Erlewine tuvo una opinión negativa y criticó el intento del álbum de sonar convencional. Señaló tres canciones como excepciones: "Mister Moon", "Doodle Loop" y "Honky Tonk Women".
Joe McEwen, de Rolling Stone, criticó la selección de canciones y el intento de complacer al mercado comercial. Dijo que dos canciones encajan con el estilo de la banda: "Doodle Loop" y "Chug-a-Lug", y tuvo una opinión positiva de la canción principal, "Trick Bag".
Robert Christgau también criticó la selección de canciones y tuvo una opinión positiva de la canción principal.
De 1976 a 1977, tocaron en The Wild Tchoupitoulas con George y Amos Landry y The Neville Brothers.
“New Directions” es el octavo y último álbum de estudio de la banda. Fue lanzado en 1977, producido por David Rubinson en California, y es el único álbum de la banda grabado fuera de Nueva Orleans. El álbum cuenta con la sección de vientos Tower of Power, con sede en Oakland.
John Swenson de Rolling Stone dijo que el álbum "intenta consolidar el estilo del grupo" y notó una confianza excesiva en los arreglos en lugar del instinto musical de la banda.
Stephen Erlewine de AllMusic calificó la música como cruda y un paso en la dirección correcta en comparación con el álbum anterior de la banda, “Trick Bag”.
Robert Christgau lo llamó "un muy buen disco de funk comercial".
Art y Cyril Neville dejaron la banda a principios de 1977, pero The Meters siguieron apareciendo en Saturday Night Live el 19 de marzo de 1977, durante la segunda temporada del programa.
Tras la salida de los Neville, David Batiste Sr. se unió a los teclados y Willie West se convirtió en el cantante principal de la banda.
Porter dejó el grupo más tarde ese mismo año y, para 1980, The Meters se disolvieron oficialmente.
Tras la separación, Neville continuó su carrera como parte de The Neville Brothers. Modeliste realizó giras con Keith Richards y Ron Wood, mientras que Nocentelli y Porter se convirtieron en músicos de sesión muy solicitados y formaron nuevas bandas.
Tras la separación, Porter Jr. formó una banda llamada Joyride.
Porter tocó con Joyride y con muchos otros músicos de Nueva Orleans en la década de 1980.
En 1989, Art Neville, George Porter Jr. y Leo Nocentelli se reunieron como The Meters, incorporando al baterista Russell Batiste Jr. en reemplazo de Zigaboo Modeliste.
Nocentelli dejó el grupo en 1994 y fue reemplazado por el guitarrista Brian Stoltz, exintegrante de The Neville Brothers.
La banda pasó a llamarse The Funky Meters. Ya en 1989 se les conocía como "los Funky Meters". Se anunciaban como tales cuando tocaban en un pequeño local llamado Benny's Bar, en las calles Valence y Camp de Nueva Orleans.
En 1990, Porter formó una banda llamada The Runnin' Pardners; una banda que todavía toca hoy.
También en la década de 1990, Porter se convirtió en un bajista muy codiciado en el estudio tocando con artistas como David Byrne y Tori Amos.
The Funky Meters continuaron tocando en la década del 2000. Stoltz fue reemplazado por el hijo de Art Neville, Ian Neville, de 2007 a 2011, mientras que Stoltz continuó su carrera en solitario aunque regresó a la banda definitivamente en 2011.
En 2000, una gran oferta animó a los cuatro Meters originales a reunirse para una actuación de una noche en el Teatro Warfield de San Francisco; para entonces, Modeliste quería que la reunión fuera permanente, pero los demás miembros y sus equipos de gestión se opusieron.
No fue hasta que Quint Davis, productor y director del Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans, los convenció de "dejar de lado sus diferencias y concretar los detalles" y actuar en el Festival en 2006.
Este fue el primer Festival de Jazz desde el huracán Katrina, por lo que el hecho de que los Meters se reunieran para ello significó mucho para la ciudad.
Porter aparece en escenas de su actuación en el documental de 2005 “Make It Funky!”, dirigido, escrito y coproducido por Michael Murphy.
Subtitulado en la versión original como "Todo empezó en Nueva Orleans", el filme presenta la historia de la música de Nueva Orleans y su influencia en el rhythm and blues, el rock and roll, el funk y el jazz.
El estreno en cines estaba previsto para septiembre de 2005, pero la distribuidora Sony Pictures Releasing lo retiró para que no pareciera que estaban aprovechando comercialmente la devastación causada por el huracán Katrina.
Con un concierto del 27 de abril de 2004 en el Teatro Saenger de Nueva Orleans como telón de fondo, la película también incluye imágenes de archivo de actuaciones, fotografías y entrevistas con numerosos músicos y otras personas involucradas en los inicios y el auge de la música neoorleanesa.
La película está narrada por Art Neville, y entre los entrevistados se encuentran también los pioneros musicales locales Allen Toussaint, Lloyd Price, Irma Thomas y Aaron Neville; los músicos contemporáneos neoorleanses Kermit Ruffins y Trombone Shorty; así como los músicos de rock Bonnie Raitt y Keith Richards, quienes describen la influencia de la música neoorleansiana en sus carreras.
El texto inicial de la pantalla afirma: “La historia de cómo se creó esta música refleja una lucha por la igualdad social y racial entre los estadounidenses negros y blancos. También es una historia de cómo la música puede unir, elevar y, en el caso de Nueva Orleans, crear un sonido que influyó en el mundo”.
En la película, toca con Snooks Eaglin y su banda en "Come On (Let the Good Times Roll)", y aparece en clips con otros músicos, incluido Art Neville.
En junio de 2011, The Original Meters, junto con Allen Toussaint y Dr. John, actuaron en el Festival de Música y Artes Bonnaroo en Manchester, Tennessee.
Los seis músicos interpretaron canciones del álbum de Dr. John, “Desitively Bonnaroo”, grabado originalmente con The Meters, ante un lleno total.
The Original Meters también tocaron en la Voodoo Experience de 2011 en Nueva Orleans.
El 5 de mayo de 2012, The Meters regresaron a Nueva Orleans para una actuación en el Howlin' Wolf, con entradas agotadas.
A finales de 2012, Zigaboo Modeliste, Leo Nocentelli y George Porter Jr. tocaron en conciertos con el tecladista de Phish, Page McConnell, bajo el nombre de The Meter Men.
The Meter Men habían realizado 16 shows juntos hasta la primavera de 2015, con su tercera aparición anual como acto nocturno durante el Jazz and Heritage Festival de Nueva Orleans.
En 2014, durante la segunda aparición de The Meter Men como acto nocturno durante el Jazzfest, la banda actuó en The Republic el 26 de abril de 2014, después de que McConnell encabezara el NOLA Jazzfest en el recinto ferial de Nueva Orleans con Phish ese mismo día. The Meter Men también habían tocado la noche anterior en The Republic.
A partir de la primavera de 2015, The Meter Men se presentaron en Massachusetts, Nueva York, Florida, Pensilvania, Luisiana, Colorado y Vermont. También actuaron en Washington, D. C.
A partir de 2017, The Funky Meters realizaron giras constantes, interpretando canciones de The Meters, mientras que The Meters actuaban esporádicamente.
La formación de Neville, Porter, Nocentelli y Modeliste solía presentarse como The Original Meters para evitar confusiones con The Funky Meters.
Cuando no toca con The Original Meters, el guitarrista Leo Nocentelli lidera su propio grupo, The Meters Experience, que también interpreta la música de The Meters.
La última actuación de los Meters originales (con los cuatro miembros fundadores) fue en el Festival Arroyo Seco en Pasadena, California, el 25 de junio de 2017.
Art Neville anunció su retiro de la música el 18 de diciembre de 2018. Neville murió el 22 de julio de 2019.
Desde el huracán Katrina, Porter ha realizado trabajo activista con otros músicos de Nueva Orleans, informando a la gente sobre los peligros de la erosión de los humedales que amenazan el futuro de la ciudad.
Porter sigue girando regularmente con Runnin' Pardners, Joyride y The Funky Meters. Toca esporádicamente con los cuatro miembros originales de The Meters, ahora conocidos como The Original Meters, y también colabora frecuentemente con otros músicos, muchos de ellos de Nueva Orleans.
El 24 de febrero de 2018, Porter acompañó a Dead & Company durante su concierto en Nueva Orleans en el Smoothie King Center, tocando el bajo en varias canciones, incluyendo "Smokestack Lightning" y "Bertha", y como vocalista principal en "Sugaree".
Toca esporádicamente con Steve Kimock en varios proyectos, incluido Voodoo Dead.
Algo de su carrera en solitario
"Runnin' Partner", publicado por Rounder Records en 1990, fue su debut en solitario, y en él se muestra no solo como un instrumentista de primer nivel, sino también como un vocalista y compositor de primer nivel.
Destacando "Runnin' Partner", se encuentran dos contribuciones del guitarrista estrella Earl King: "Rough Spots" y "Don't You Make Me Ig'nunt". King también colabora en estos dos temas, a los que Porter les da un toque de ritmo rápido y funk.
El resto del álbum fue escrito por Porter, y el material varía desde la diversión ligera de "Happy Song", pasando por la alegre canción principal al estilo de George Benson, hasta el funk pesado de "Concentrate on Work" (en la que la banda pasa de un ritmo tipo Ohio Players a un órgano de blues espeso de Ron Levy).
La potente voz de Porter maneja la variada gama de canciones con facilidad, aunque las letras son generalmente bastante simplistas y excesivamente repetitivas.
La sección de vientos, con su firmeza, brilla en todo momento, con una fuerza y energía que igualan a las del propio Porter. Aunque "Runnin' Partner" termina flojamente con los cortes pop/jazz "More BTU's" y "DTP" y la melosa "I Wish", en general es un álbum potente.
Desde entonces ha sacado varios discos tanto en solitario como acompañado por sus Runnin' Pardners.
Para consolidar adecuadamente la banda, George Porter Jr. & Runnin' Pardners grabaron su álbum debut, “Things Ain't What They Used To Be — Live From New Orleans”, en 1994, pero sería más de media década después que la banda se reuniría en el estudio para grabar y lanzar su segundo trabajo, “Funk 'N' Go Nuts”.
Desde el cambio de milenio, Porter & Runnin' Pardners han grabado y lanzado ocho álbumes, en una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio colectivamente, siendo el más reciente “Porter's Pocket” (Color Red Records) de 2024.
La encarnación actual de la banda consiste en Porter manejando gloriosamente el bajo, Michael Lemmler en los teclados, Terrence Houston en el set de trap y Chris Adkins en la guitarra principal.
“Porter's Pocket” consta de ocho canciones completas que abarcan una gran variedad de estilos, desde el funk hasta el soul y el jazz.
Se destaca como una de las propuestas más atractivas del sello durante el último año.
El liderazgo de Porter nunca deja de sorprender cada vez que plasma su mente y sus habilidades revolucionarias en música, y este es un ejemplo constante de ello.
“Tito's Dumpling Machine” posee todas las cualidades que los aficionados al vinilo con groove raro siempre han buscado en Porter.
Abundantes ritmos de batería, un sincopado de Nueva Orleans y un solo de órgano Hammond funky saciarán con creces el antojo de los Meters de la vieja escuela. Porter Jr. permite que su banda Runnin' Pardners impulse la canción mientras George hace lo que mejor sabe hacer: mantener el ritmo.
La canción comienza con un ritmo de batería sacado directamente de “Uptown New Orleans 1970”, lo que parecería una elección extraña para el sencillo principal de un disco, pero como dice Porter, "mi actitud siempre ha sido que el baterista define hacia dónde va la canción y por eso disfruto mucho dejando que un baterista configure la melodía".
Además de liderar su propia banda y colaborar con superestrellas como Robert Palmer, Patti Labelle, Tori Amos y miembros de Grateful Dead, entre otros, la carrera de Porter también podría rastrearse por un linaje de grandes bateristas con los que ha tocado, incluidos Zigaboo Modeliste de los Meters, Russell Batiste Jr. y, más recientemente, Terrence Houston.
Innovador de la música funky, Porter atribuye el mérito a su ciudad natal: "Antes de que existiera el 'funk', como lo llaman, los músicos de Nueva Orleans siempre supieron usar el ritmo como nadie más. Soy solo un estudiante de Earl King y George French y de esa escuela de música, y en algún momento, la gente de allá decidió que era 'funk'".
Porter Jr & Runnin' Pardners continúan con su residencia semanal en Nueva Orleans, en el reconocido Maple Leaf Bar, además de una gira incesante por todo el país en salas y festivales de vanguardia.
El 21 y 22 de diciembre, la banda fue seleccionada para abrir una gira de dos noches como teloneros de The Black Crowes en el Teatro Capital de Portchester, Nueva York.
Discografía
En solitario
Runnin' Partner (1990)
It's Life (2007)
It’s Time To Funk” EP (2015)
Con Runnin' Pardners
Things Ain't What They Used to Be (1994)
Count On You (1994)
Funk This (1997)
Funk 'n' Go Nuts (2000)
Can’t Beat The Funk (2011)
Crying For Hope (2022)
Porter's Pocket (2025)
Con The Meters
Álbumes de estudio
The Meters (1969)
Look-Ka Py Py (1969)
Struttin' (1970)
Cabbage Alley (1972)
Rejuvenation (1974)
Fire on the Bayou (1975)
Trick Bag (1976)
New Directions (1977)
Álbumes compìlatorios
Cissy Strut (1974)
The Best of the Meters (1975)
The Best of the Meters 71–75 (1976)
Second Line Strut (1980)
Here Come the Metermen (1986)
Struttin' (1987)
Good Old Funky Music (1990)
Funky Miracle (1991)
The Original Funkmasters (1992)
Meters Jam (1992)
Fundamentally Funky (1994)
Crescent City Groove Merchants (1994)
Funkify Your Life: The Meters Anthology (1995)
Best of the Meters (1996)
The Very Best of the Meters (1997)
Kickback (2001)
The Essentials (2002)
Zony Mash (2003)
Here Comes the Meter Man (The Complete Josie Recordings 1968–1970) (2011)
Original Album Series (2014)
A Message from the Meters: The Complete Josie, Reprise & Warner Bros. Singles 1968–1977 (2016)
Gettin' Funkier All the Time: The Complete Josie/Reprise & Warner Recordings 1968–1977 (2020)
Álbumes en directo
Uptown Rulers: The Meters live on the Queen Mary (1975)
Live at the Moonwalker (1993)
Second Helping (Live at the Moonwalker) (1994)
Fiyo at the Fillmore, Volume 1 (2001)
Colaboraciones
In the Right Place - Dr. John (Atco Records, 1973)
Sneakin' Sally Through the Alley - Robert Palmer (Island Records, 1974)
Nightbirds - Labelle (Epic Records, 1974)
Desitively Bonnaroo - Dr. John (Atco Records, 1974)
Keep On Lovin' You - Z. Z. Hill (Hill Records, 1975)
Phoenix - Labelle (Epic Records, 1975)
Patti LaBelle - Patti LaBelle (Epic Records, 1977)
New Orleans Heat - Albert King (Tomato Records, 1978)
Victory Mixture - Willy DeVille (Sky Ranch Records, 1990)
Storyville - Robbie Robertson (Geffen, 1991)
Uh-Oh - David Byrne (Warner Bros. Records, 1992)
Soul of the Blues - Solomon Burke (Black Top Records, 1993)
There's Room for Us All - Terrance Simien (Black Top Records, 1993)
Under the Pink - Tori Amos (Atlantic Records, 1994)
Boys for Pele - Tori Amos (Atlantic Records, 1996)
From the Choirgirl Hotel - Tori Amos (Atlantic Records, 1998)
Maestro - Taj Mahal (Heads Up, 2008)
Bible Belt - Diane Birch (S-Curve Records, 2009)
Let It Burn - Ruthie Foster (Blue Corn, 2011)
Good Road to Follow - John Oates (Elektra Records, 2014)
Miami Moon - Devon Allman (Create Records, 2024)
Fuentes: rollingstone.com, georgeporterjr.com, trageser.com, goldminemag.com, bassmagazine.com, Wikipedia y Flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 40
Bill Black
Bill Black fue un músico y director de banda estadounidense, reconocido como uno de los pioneros del rock and roll y conocido por ser el bajista original de Elvis Presley y posteriormente líder del grupo instrumental Bill Black's Combo.
Bill Black, el primer bajista de Elvis Presley y parte de The Blue Moon Boys, el famoso trío del cantante con el guitarrista Scotty Moore, nunca fue conocido como uno de los instrumentistas más llamativos de su época, pero su innovadora técnica de slap-bass fue una piedra angular del revolucionario rock & roll de Presley.
"Bill era uno de los peores bajistas del mundo", dijo una vez el dueño de Sun Records, Sam Phillips, "¡Pero, tío, cómo le pegaba a esa cosa!"
El sonido impulsivo de Black en el contrabajo dotó a los primeros temas de Presley, como "Heartbreak Hotel" y "That's All Right", del emocionante impulso de una sección rítmica completa, a pesar de la ausencia total de batería.
Paul McCartney estaba tan obsesionado con la forma de tocar de Black en "Heartbreak Hotel", en particular, que su esposa Linda McCartney rastreó el contrabajo original de Black de la sesión y se lo dio como regalo en los años setenta.
Moore recordó el papel de Black en la grabación de Presley del éxito country "Blue Moon of Kentucky", que se convirtió en la primera cara B de Presley. "Bill se levantó de un salto, cogió su bajo y empezó a tocarlo, cantando «Blue Moon of Kentucky» con una voz aguda de falsete", dijo Moore.
"Era Bill haciendo lo que mejor sabía hacer. La canción se grabó como una balada, pero Bill la cantó a un ritmo rápido, con sus líneas de bajo retumbando a un ritmo frenético. A Elvis le encantó".
William Patton Black Jr. nació el 17 de septiembre de 1926, cerca de Memphis, Tennessee. Falleció el 21 de octubre de 1965, en Memphis, Tennessee.
Creció en una familia de clase trabajadora en Ellendale, un suburbio de Memphis. Su padre conducía un tranvía para Memphis Street Railway Company.
Era el mayor de nueve hermanos. Su padre tocaba canciones populares con banjo y violín para entretener a la familia.
Black aprendió a tocar música a los 14 años con un instrumento que él mismo había fabricado: una caja de puros con una tabla clavada y cuerdas.
En 1942, Bill dejó la escuela y empezó a trabajar en una empresa local de transporte ferroviario. Para entonces, la familia Black se había mudado al número 469 de la calle Alabama, en el distrito de Lauderdale de Memphis, frente a Vernon, Gladys Presley y su hijo Elvis.
A los dieciséis años, Black interpretaba música honky-tonk con guitarra acústica en bares locales.
Bill fue reclutado en 1945, regresó (ya casado) a Memphis en 1947 y finalmente encontró trabajo en la fábrica de neumáticos Firestone. Por la noche tocaba en bandas hillbilly.
Tocó con varias bandas de country y western swing en la zona de Memphis durante la década de 1940 y principios de la de 1950, perfeccionando su estilo interpretativo con humor, energía y un fuerte sentido del ritmo.
Comenzó a tocar el contrabajo, modelando su técnica de "slap bass", a partir de uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers and Rose.
El “slap bass” es una técnica que consiste en producir sonidos de percusión en un instrumento de cuerda que se utiliza principalmente en el contrabajo o el bajo.
El slapping en el bajo implica usar el borde del nudillo, donde es particularmente óseo, para golpear rápidamente la cuerda contra el diapasón. En los bajos, esto se hace comúnmente con el pulgar, mientras que, en el contrabajo, se puede usar el borde de la mano o el dedo índice.
Black también desarrolló una personalidad de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretenía al público.
Black actuaba como un montañés exagerado con dientes negros, sombrero de paja y overol. Según su hijo, Black dijo que su objetivo siempre fue brindar a su público "algunos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que los hiciera reír un rato".
En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron temas country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers.
Este grupo grabó un sencillo para Sun Records en marzo de 1954, que tuvo tan pocas ventas que Sam Phillips no los invitó a una segunda sesión.
Sin embargo, cuando Phillips se dispuso a lanzar la carrera de Elvis Presley, solicitó la ayuda de Scotty y Bill.
La historia de esa sesión del 5 de julio de 1954 se ha contado a menudo.
Todo empezó el 18 de julio de 1953, cuando Elvis Presley grabó un sencillo en Sun Records como regalo de cumpleaños para su madre , "My Happiness" de The Ink Spots, con "That's When Your Heartaches Begin" en el reverso.
El dueño del estudio, Sam Phillips, no estaba allí, por lo que la grabación de Presley fue gestionada por su secretaria, Marion Keisker, quien conservó una copia demo de la grabación.
A instancias de Phillips, Keisker llamó a Presley para una cita en el estudio casi un año después; regresó el 26 de junio de 1954.
En julio de 1954, Sam Phillips, le pidió a Black y Moore que tocaran como coristas para el aún desconocido Elvis Presley. Black tocó el contrabajo con Moore en la guitarra principal, mientras que Presley tocaba la guitarra rítmica y cantaba la voz principal. Ninguno de los dos músicos estaba demasiado impresionado con Presley, pero acordaron que una sesión de estudio sería útil para explorar su potencial.
El 5 de julio de 1954, el trío se dirigió a los estudios Sun para una prueba de grabación.
Según Moore, la primera canción que grabaron fue "I Love You Because", pero después de algunas canciones country que no les impresionaron, decidieron tomarse un descanso.
Durante el descanso, Presley empezó a hacer el tonto con "That's All Right (Mama)" de Arthur Crudup, una canción de blues.
Cuando los otros dos músicos se unieron, Phillips grabó la canción. El sonido animado era original. Black comentó: "¡Maldita sea! Si la ponen en la radio, nos echarán de la ciudad".
Al día siguiente, el grupo grabó cuatro canciones más, incluyendo "Blue Moon of Kentucky", del músico de bluegrass Bill Monroe, que este había escrito y grabado como un vals lento.
Fuentes atribuyen a Black la creación de la canción, con Presley y Moore uniéndose. Moore dijo: "Bill fue quien ideó "Blue Moon of Kentucky"... Estábamos haciendo una pequeña pausa y él empezó a tocar el bajo y a cantar "Blue Moon of Kentucky", burlándose de Bill Monroe, con la voz aguda en falsete. Elvis se unió a él, empezó a tocar y a cantar con él...”
Terminaron con una versión rápida de la canción en compás de 4/4. Tras una toma inicial, se puede escuchar a Phillips en la cinta diciendo: "Bien, tío. Vaya, eso es diferente; ahora es una canción pop, casi".
Phillips llevó varios acetatos de la sesión al DJ Dewey Phillips (sin parentesco) del programa "Red, Hot and Blue" de la estación de radio WHBQ de Memphis.
El sencillo se lanzó el 19 de julio de 1954 y fue un éxito local en Arkansas, Misisipi y Nueva Orleans.
Del 18 de agosto al 8 de diciembre, "Blue Moon of Kentucky" se mantuvo constantemente en los primeros puestos de las listas, y luego ambas partes comenzaron a aparecer en las listas del sur.
Black y Moore se convirtieron en el grupo de acompañamiento de Presley y recibían el 25% de sus ganancias.
Sus grabaciones en Sun se publicaron con los créditos como Elvis Presley, Scotty y Bill. Posteriormente, el grupo se anunció como Elvis Presley and the Blue Moon Boys.
Scotty Moore se convirtió en el mánager de la banda y realizaron giras por varias ciudades del sur. Los tres miembros seguían trabajando en sus empleos habituales cuando no estaban de gira.
Tanto Moore como Black se centraron más en el grupo después de que Presley actuara en el concierto habitual de los Starlight Wranglers en el club Bon Air, donde la recepción del público fue desfavorable y generó animosidad entre ellos y los demás miembros del grupo por tener que abandonar el escenario.
Los Blue Moon Boys se presentaban regularmente en el club Eagle's Nest de Memphis, Tennessee.
Sam Phillips consiguió una actuación para la banda en el Grand Ole Opry, que no tuvo buena acogida. Tras el fracaso, Phillips contactó con la principal competencia del Opry, el Louisiana Hayride.
Hicieron su primera aparición el 16 de octubre de 1954. Presley cantó “That's All Right”, seguida de la otra cara del disco, “Blue Moon of Kentucky”.
La actuación fue bien recibida y firmaron un contrato de un año para ser miembros oficiales de Hayride, mientras que Presley también firmó un nuevo contrato de representación con Bob Neal.
El 8 de agosto de 1955, DJ Fontana se unió a la banda como baterista de forma regular después de haber tocado ocasionalmente con ellos, la primera vez en Shreveport y posteriormente en gira.
Bill interpretaría el papel de comediante de stand-up, un personaje asociado con los bajistas hillbilly.
Pero cuando Presley firmó un contrato de 40.000 dólares con RCA Victor en noviembre de 1955, Black y Moore quedaron excluidos del acuerdo de regalías.
Quedaron relegados a ser meros músicos de apoyo, por una tarifa de 200 dólares semanales, sin incluir las cuotas de sesión (tocaban en prácticamente todas las grabaciones de Elvis anteriores al Ejército).
Después de disputas con el representante de Hank Snow, Tom Parker, quien reservó la mayoría de las apariciones de Presley, Bob Neal entregó el contrato al coronel Parker, quien se convirtió oficialmente en el representante de Presley el 15 de diciembre de 1955.
La primera grabación con RCA fue “Heartbreak Hotel” el 10 de enero de 1956, que un éxito mundial, alcanzando el número 1 en cuatro países y el top 10 en muchos otros.
Fue escrita por Mae Boren Axton y Tommy Durden, y también se le atribuye la autoría a Presley. Un artículo periodístico sobre el suicidio de un hombre solitario que saltó de la ventana de un hotel inspiró la canción.
Axton le presentó la canción a Presley en noviembre de 1955 en una convención de música country en Nashville.
Presley la grabó el 10 de enero de 1956, en una sesión con su banda.
Además de los Blue Moon Boys, su banda de acompañamiento habitual compuesta por Moore, el bajista Bill Black y el baterista DJ Fontana, Presley estuvo acompañado por dos músicos establecidos de RCA Victor: Chet Atkins (quien también ayudó a Sholes a producir la sesión) en la guitarra y Floyd Cramer en el piano.
"Heartbreak Hotel" comprende una progresión de blues de ocho compases, con una fuerte reverberación a lo largo de la canción, para imitar el carácter de las grabaciones de Presley para The Sun.
La siguiente grabación para RCA fue "I Want You, I Need You, I Love You". Los Blue Moon Boys siguieron apareciendo en las grabaciones de Presley, así como en películas como “Loving You”.
Black se convirtió en uno de los primeros bajistas en usar el Fender Precision Bass en música popular, en "Jailhouse Rock", a fines de la década de 1950.
Black, Moore y el baterista DJ Fontana realizaron extensas giras durante los inicios de la carrera de Presley. Black mantuvo su imagen de payaso en el escenario y desarrolló rutinas de comedia con Presley.
La personalidad de Black en el escenario contrastaba marcadamente con la presencia introvertida de Moore. El equilibrio encajaba perfectamente con las actuaciones del grupo.
Según Louis, el hijo de Black, Moore dijo: “Elvis solía quedarse ahí parado sin moverse, y Bill saltaba con el bajo. ¡Tu papá bajaba por allí y hacía reír a todos y los relajaba!”.
Fontana llamó a Black el pilar de la banda en sus inicios. “Era un comediante que podía animar al público. Eso era necesario para nosotros porque tocábamos para muchos públicos de música country que no estaban acostumbrados a que la gente saltara en el escenario”.
A principios de 1958, Scotty y Bill fueron despedidos por el coronel Tom Parker cuando pidieron más dinero. Pero la separación se habría producido de todos modos cuando Presley se incorporó al Ejército.
Aunque Scotty finalmente encontraría el camino de regreso a Elvis, Bill nunca volvió a tocar con Presley durante su vida.
La primera aparición en directo de la banda desde el regreso de Presley del ejército fue en 1960, durante el especial “Welcome Home Elvis” de The Frank Sinatra Show, sin Bill Black, que había dejado a The Blue Moon Boys en 1958.
Black y Moore regresaron a Memphis para dar algunos conciertos con Ed Bruce y Thomas Wayne, pero el trabajo parecía escasear. Bill aceptó un trabajo reparando aires acondicionados en Able Appliances.
En 1959, aún estaba allí cuando fue a ver a su viejo amigo Ray Harris para hablar sobre la posibilidad de grabar para Hi, un sello emergente de Memphis del cual Harris era uno de los cofundadores.
Juntos, Black y Harris reclutaron personal para Bill Black's Combo, un grupo instrumental. La formación original era: Bill Black (bajo), Reggie Young (guitarra), Joe Louis Hall (piano), Martin Willis (saxo) y Jerry Arnold (batería).
Estos son los músicos que tocaron en el primer sencillo del grupo, "Smokie, Parts 1 & 2". Part 2 resultó ser el tema estrella, alcanzando el puesto número 17 en pop en enero de 1960 y el número 1 en R&B. Este éxito salvó a Hi, que se encontraba en una situación financiera difícil, de la quiebra.
Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.
Hall y Willis dejaron el grupo tras el primer sencillo y fueron reemplazados por Carl McVoy (piano, órgano) y Ace Cannon (saxo). Reggie Young fue reclutado en 1960 y Hank Hankins lo sucedió temporalmente.
El segundo sencillo, "White Silver Sands" (un éxito Top 10 para Don Rondo en 1957), fue el mayor éxito del grupo en su historia, alcanzando el número 9 en las listas de pop de Billboard y de nuevo el número 1 en R&B durante cuatro semanas. Para 1963, vendió un millón de copias.
Entre 1959 y 1962, ocho de sus canciones estuvieron en el Top 40. Algunos de sus éxitos fueron "Smokie Part 1" y "Part 2" (1960), que ocuparon el puesto número 17. "White Silver Sands" llegó al puesto número 9. "Josephine" quedó en el puesto número 18, "Don't Be Cruel" en el número 11, "Blue Tango" en el número 16 y "Hearts of Stone" en el número 20.
Publicaron varios álbumes. “The Saxy Jazz” se mantuvo en el Top 100 durante un año entero.
The Combo apareció en la película “Teenage Millionaire” de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron un popurrí de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron votados como el grupo instrumental número uno de Billboard de 1961.
Fueron elegidos el grupo instrumental número 1 de Billboard en 1961. Se dice que a las strippers les encantaba su música. Se convirtió en la música de striptease predilecta tanto en los mejores como en los más desfavorecidos locales.
Una recomendación nada mala, ya que las strippers de aquella época sabían lo que era la música y entendían el significado de ambas formas de ritmo.
Otra característica del Combo era la forma en que Reggie Young golpeaba la guitarra con un lápiz.
En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado Lyn-Lou Studios (un apodo abreviado de "Linda-Lou" para su hija Nancy) y un sello discográfico llamado Louis en honor a su hijo en la calle Chelsea de Memphis, Tennessee, con Larry Rogers de Studio 19 como ingeniero y productor.
Johnny Black, hermano de Bill y también contrabajista, quien conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que a Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio y haberle contado que Bill estaba totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas.
Bob Tucker y Larry Rogers adquirieron los Estudios Lyn-Lou tras la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó numerosos álbumes de Bill Black Combo (con títulos como "The Best Honky Tonk Band in America" y "The band who opened for the Beatles") y produjo éxitos country número uno para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros.
La banda de la casa para estas sesiones fue la Shylo Band, con el guitarrista y compositor Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, el famoso ingeniero de sonido de Sun Studio.
A principios de 1963, Black envió entre dos y cinco versiones diferentes del Combo a distintas regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de las carreteras para poder concentrarse en su negocio, su familia y su salud.
Black dedicó la mayor parte de sus energías al estudio hasta que enfermó a principios de 1965.
El Bill Black's Combo hizo historia musical en 1964 al ser teloneros de los Beatles (a petición de estos) en su histórica gira de 13 ciudades por Estados Unidos, tras su aparición en The Ed Sullivan Show. El propio Black no se encontraba lo suficientemente bien como para realizar la gira.
Empezó a sufrir fuertes dolores de cabeza y pérdida de memoria. Tras dos cirugías y largas hospitalizaciones, Black falleció a causa de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a los 39 años.
Su fallecimiento se produjo durante su tercera operación, con la que los médicos esperaban erradicar el tumor de forma permanente.
El cuerpo de Black fue enterrado junto al de su padre, William Patton Black Sr., en el cementerio de Forest Hill de Memphis, Tennessee.
Elvis Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero él creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En cambio, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: “Si necesitan algo, háganmelo saber y será suyo”.
La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Bill Black's Combo. La banda se pasó a la música country al unirse a Columbia Records y ganó el premio Billboard al "Grupo Instrumental Country del Año" en 1976.
Legado
El combo de Bill Black grabó más de 20 álbumes, realizó giras por Estados Unidos y Europa y ganó premios como el mejor grupo instrumental de Estados Unidos en 1966 y 1967. Bob Tucker trabajó para la Universidad de Memphis como profesor de negocios musicales mientras lideraba el combo.
El contrabajo principal de Black pertenece actualmente a Paul McCartney, quien lo recibió como regalo de cumpleaños de su esposa Linda a finales de los 70.
El contrabajo se puede ver en el videoclip de la canción de McCartney "Baby's Request".
En el documental "In the World Tonight", se puede ver a McCartney tocándolo y cantando su versión de "Heartbreak Hotel".
En 1995, lo tocó en "Real Love", en aquel momento el último disco "nuevo" de los Beatles (uno de los tres en los que McCartney, George Harrison y Ringo Starr sobregrabaron un arreglo completo en una grabación casera de John Lennon de finales de los 70).
El actor Elliott Street interpretó a Black en la película para televisión “Elvis”, protagonizada por Kurt Russell.
El actor Blake Gibbons interpretó a Black en la serie de televisión de corta duración de 1990 “Elvis”, protagonizada por Michael St. Gerard.
En 2005, Clay Steakley interpretó a Black en la miniserie de CBS de 2005, “Elvis”, protagonizada por Jonathan Rhys Meyers.
En 2007, Black fue incluido en el Salón de la Fama y Museo de los Músicos.
El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
En 2020, la revista Rolling Stone clasificó a Black como el 40º mejor bajista de todos los tiempos.
En 2022, Adam Dunn interpretó a Black en la película “Elvis”, protagonizada por Austin Butler.
Discografía
Con Elvis Presley
Estuvo en todas las grabaciones desde 1954 a 1958
Con Bill Black's Combo
1960 - The Saxy Jazz
1960 - Solid and Raunchy
1962 - Let's Twist Her
1964 - Big Black Combo Goes Big Band
1964 - Plays Tunes By Chuck Berry
1967 - Bill Black's Greatest Hits
1969 - Solid and Raunchy 3rd
1970 - Raindrops Keep Fallin on My Head
1975 - World's Greatest Honky-Tonk Band
Singles
1959 - Smokie, Part 1 y xdr52
1960 - White Silver Sands
1960 - Josephine
1960 - Twist Her
1960 - Don't Be Cruel
1961 - Hearts of Stone
1961 - Ole Buttermilk Sky
1961 - Honky Train
1962 - Movin
1962 - Twist Her
1962 - Twistin' 'White Silver Sands'
1962 - So What The Untouchable Sound of Bill Black's Combo
1962 - Joey's Song
1963 - Do It – Rat Now
1964 -Comin' On
1964 - Bill Black's Combo – Plays The Blues
1964 - Tequila Solid and Raunchy
1964 - Bill Black's Combo – Plays Tunes By Chuck Berry
1965 - So What
1965 - The Untouchable Sound of Bill Black's Combo
1965 - Come on Home
1965 - More Solid and Raunchy
1965 - Spootin'
1965 - Mister Beat
1966 - Hey Good Lookin
Fuentes: rollingstone.com, theelvisfiles.com, tims.blackcat.nl, rockhist.blogspot.com, Wikipedia y Flickr
Bill Black
Bill Black fue un músico y director de banda estadounidense, reconocido como uno de los pioneros del rock and roll y conocido por ser el bajista original de Elvis Presley y posteriormente líder del grupo instrumental Bill Black's Combo.
Bill Black, el primer bajista de Elvis Presley y parte de The Blue Moon Boys, el famoso trío del cantante con el guitarrista Scotty Moore, nunca fue conocido como uno de los instrumentistas más llamativos de su época, pero su innovadora técnica de slap-bass fue una piedra angular del revolucionario rock & roll de Presley.
"Bill era uno de los peores bajistas del mundo", dijo una vez el dueño de Sun Records, Sam Phillips, "¡Pero, tío, cómo le pegaba a esa cosa!"
El sonido impulsivo de Black en el contrabajo dotó a los primeros temas de Presley, como "Heartbreak Hotel" y "That's All Right", del emocionante impulso de una sección rítmica completa, a pesar de la ausencia total de batería.
Paul McCartney estaba tan obsesionado con la forma de tocar de Black en "Heartbreak Hotel", en particular, que su esposa Linda McCartney rastreó el contrabajo original de Black de la sesión y se lo dio como regalo en los años setenta.
Moore recordó el papel de Black en la grabación de Presley del éxito country "Blue Moon of Kentucky", que se convirtió en la primera cara B de Presley. "Bill se levantó de un salto, cogió su bajo y empezó a tocarlo, cantando «Blue Moon of Kentucky» con una voz aguda de falsete", dijo Moore.
"Era Bill haciendo lo que mejor sabía hacer. La canción se grabó como una balada, pero Bill la cantó a un ritmo rápido, con sus líneas de bajo retumbando a un ritmo frenético. A Elvis le encantó".
William Patton Black Jr. nació el 17 de septiembre de 1926, cerca de Memphis, Tennessee. Falleció el 21 de octubre de 1965, en Memphis, Tennessee.
Creció en una familia de clase trabajadora en Ellendale, un suburbio de Memphis. Su padre conducía un tranvía para Memphis Street Railway Company.
Era el mayor de nueve hermanos. Su padre tocaba canciones populares con banjo y violín para entretener a la familia.
Black aprendió a tocar música a los 14 años con un instrumento que él mismo había fabricado: una caja de puros con una tabla clavada y cuerdas.
En 1942, Bill dejó la escuela y empezó a trabajar en una empresa local de transporte ferroviario. Para entonces, la familia Black se había mudado al número 469 de la calle Alabama, en el distrito de Lauderdale de Memphis, frente a Vernon, Gladys Presley y su hijo Elvis.
A los dieciséis años, Black interpretaba música honky-tonk con guitarra acústica en bares locales.
Bill fue reclutado en 1945, regresó (ya casado) a Memphis en 1947 y finalmente encontró trabajo en la fábrica de neumáticos Firestone. Por la noche tocaba en bandas hillbilly.
Tocó con varias bandas de country y western swing en la zona de Memphis durante la década de 1940 y principios de la de 1950, perfeccionando su estilo interpretativo con humor, energía y un fuerte sentido del ritmo.
Comenzó a tocar el contrabajo, modelando su técnica de "slap bass", a partir de uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers and Rose.
El “slap bass” es una técnica que consiste en producir sonidos de percusión en un instrumento de cuerda que se utiliza principalmente en el contrabajo o el bajo.
El slapping en el bajo implica usar el borde del nudillo, donde es particularmente óseo, para golpear rápidamente la cuerda contra el diapasón. En los bajos, esto se hace comúnmente con el pulgar, mientras que, en el contrabajo, se puede usar el borde de la mano o el dedo índice.
Black también desarrolló una personalidad de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretenía al público.
Black actuaba como un montañés exagerado con dientes negros, sombrero de paja y overol. Según su hijo, Black dijo que su objetivo siempre fue brindar a su público "algunos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que los hiciera reír un rato".
En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron temas country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers.
Este grupo grabó un sencillo para Sun Records en marzo de 1954, que tuvo tan pocas ventas que Sam Phillips no los invitó a una segunda sesión.
Sin embargo, cuando Phillips se dispuso a lanzar la carrera de Elvis Presley, solicitó la ayuda de Scotty y Bill.
La historia de esa sesión del 5 de julio de 1954 se ha contado a menudo.
Todo empezó el 18 de julio de 1953, cuando Elvis Presley grabó un sencillo en Sun Records como regalo de cumpleaños para su madre , "My Happiness" de The Ink Spots, con "That's When Your Heartaches Begin" en el reverso.
El dueño del estudio, Sam Phillips, no estaba allí, por lo que la grabación de Presley fue gestionada por su secretaria, Marion Keisker, quien conservó una copia demo de la grabación.
A instancias de Phillips, Keisker llamó a Presley para una cita en el estudio casi un año después; regresó el 26 de junio de 1954.
En julio de 1954, Sam Phillips, le pidió a Black y Moore que tocaran como coristas para el aún desconocido Elvis Presley. Black tocó el contrabajo con Moore en la guitarra principal, mientras que Presley tocaba la guitarra rítmica y cantaba la voz principal. Ninguno de los dos músicos estaba demasiado impresionado con Presley, pero acordaron que una sesión de estudio sería útil para explorar su potencial.
El 5 de julio de 1954, el trío se dirigió a los estudios Sun para una prueba de grabación.
Según Moore, la primera canción que grabaron fue "I Love You Because", pero después de algunas canciones country que no les impresionaron, decidieron tomarse un descanso.
Durante el descanso, Presley empezó a hacer el tonto con "That's All Right (Mama)" de Arthur Crudup, una canción de blues.
Cuando los otros dos músicos se unieron, Phillips grabó la canción. El sonido animado era original. Black comentó: "¡Maldita sea! Si la ponen en la radio, nos echarán de la ciudad".
Al día siguiente, el grupo grabó cuatro canciones más, incluyendo "Blue Moon of Kentucky", del músico de bluegrass Bill Monroe, que este había escrito y grabado como un vals lento.
Fuentes atribuyen a Black la creación de la canción, con Presley y Moore uniéndose. Moore dijo: "Bill fue quien ideó "Blue Moon of Kentucky"... Estábamos haciendo una pequeña pausa y él empezó a tocar el bajo y a cantar "Blue Moon of Kentucky", burlándose de Bill Monroe, con la voz aguda en falsete. Elvis se unió a él, empezó a tocar y a cantar con él...”
Terminaron con una versión rápida de la canción en compás de 4/4. Tras una toma inicial, se puede escuchar a Phillips en la cinta diciendo: "Bien, tío. Vaya, eso es diferente; ahora es una canción pop, casi".
Phillips llevó varios acetatos de la sesión al DJ Dewey Phillips (sin parentesco) del programa "Red, Hot and Blue" de la estación de radio WHBQ de Memphis.
El sencillo se lanzó el 19 de julio de 1954 y fue un éxito local en Arkansas, Misisipi y Nueva Orleans.
Del 18 de agosto al 8 de diciembre, "Blue Moon of Kentucky" se mantuvo constantemente en los primeros puestos de las listas, y luego ambas partes comenzaron a aparecer en las listas del sur.
Black y Moore se convirtieron en el grupo de acompañamiento de Presley y recibían el 25% de sus ganancias.
Sus grabaciones en Sun se publicaron con los créditos como Elvis Presley, Scotty y Bill. Posteriormente, el grupo se anunció como Elvis Presley and the Blue Moon Boys.
Scotty Moore se convirtió en el mánager de la banda y realizaron giras por varias ciudades del sur. Los tres miembros seguían trabajando en sus empleos habituales cuando no estaban de gira.
Tanto Moore como Black se centraron más en el grupo después de que Presley actuara en el concierto habitual de los Starlight Wranglers en el club Bon Air, donde la recepción del público fue desfavorable y generó animosidad entre ellos y los demás miembros del grupo por tener que abandonar el escenario.
Los Blue Moon Boys se presentaban regularmente en el club Eagle's Nest de Memphis, Tennessee.
Sam Phillips consiguió una actuación para la banda en el Grand Ole Opry, que no tuvo buena acogida. Tras el fracaso, Phillips contactó con la principal competencia del Opry, el Louisiana Hayride.
Hicieron su primera aparición el 16 de octubre de 1954. Presley cantó “That's All Right”, seguida de la otra cara del disco, “Blue Moon of Kentucky”.
La actuación fue bien recibida y firmaron un contrato de un año para ser miembros oficiales de Hayride, mientras que Presley también firmó un nuevo contrato de representación con Bob Neal.
El 8 de agosto de 1955, DJ Fontana se unió a la banda como baterista de forma regular después de haber tocado ocasionalmente con ellos, la primera vez en Shreveport y posteriormente en gira.
Bill interpretaría el papel de comediante de stand-up, un personaje asociado con los bajistas hillbilly.
Pero cuando Presley firmó un contrato de 40.000 dólares con RCA Victor en noviembre de 1955, Black y Moore quedaron excluidos del acuerdo de regalías.
Quedaron relegados a ser meros músicos de apoyo, por una tarifa de 200 dólares semanales, sin incluir las cuotas de sesión (tocaban en prácticamente todas las grabaciones de Elvis anteriores al Ejército).
Después de disputas con el representante de Hank Snow, Tom Parker, quien reservó la mayoría de las apariciones de Presley, Bob Neal entregó el contrato al coronel Parker, quien se convirtió oficialmente en el representante de Presley el 15 de diciembre de 1955.
La primera grabación con RCA fue “Heartbreak Hotel” el 10 de enero de 1956, que un éxito mundial, alcanzando el número 1 en cuatro países y el top 10 en muchos otros.
Fue escrita por Mae Boren Axton y Tommy Durden, y también se le atribuye la autoría a Presley. Un artículo periodístico sobre el suicidio de un hombre solitario que saltó de la ventana de un hotel inspiró la canción.
Axton le presentó la canción a Presley en noviembre de 1955 en una convención de música country en Nashville.
Presley la grabó el 10 de enero de 1956, en una sesión con su banda.
Además de los Blue Moon Boys, su banda de acompañamiento habitual compuesta por Moore, el bajista Bill Black y el baterista DJ Fontana, Presley estuvo acompañado por dos músicos establecidos de RCA Victor: Chet Atkins (quien también ayudó a Sholes a producir la sesión) en la guitarra y Floyd Cramer en el piano.
"Heartbreak Hotel" comprende una progresión de blues de ocho compases, con una fuerte reverberación a lo largo de la canción, para imitar el carácter de las grabaciones de Presley para The Sun.
La siguiente grabación para RCA fue "I Want You, I Need You, I Love You". Los Blue Moon Boys siguieron apareciendo en las grabaciones de Presley, así como en películas como “Loving You”.
Black se convirtió en uno de los primeros bajistas en usar el Fender Precision Bass en música popular, en "Jailhouse Rock", a fines de la década de 1950.
Black, Moore y el baterista DJ Fontana realizaron extensas giras durante los inicios de la carrera de Presley. Black mantuvo su imagen de payaso en el escenario y desarrolló rutinas de comedia con Presley.
La personalidad de Black en el escenario contrastaba marcadamente con la presencia introvertida de Moore. El equilibrio encajaba perfectamente con las actuaciones del grupo.
Según Louis, el hijo de Black, Moore dijo: “Elvis solía quedarse ahí parado sin moverse, y Bill saltaba con el bajo. ¡Tu papá bajaba por allí y hacía reír a todos y los relajaba!”.
Fontana llamó a Black el pilar de la banda en sus inicios. “Era un comediante que podía animar al público. Eso era necesario para nosotros porque tocábamos para muchos públicos de música country que no estaban acostumbrados a que la gente saltara en el escenario”.
A principios de 1958, Scotty y Bill fueron despedidos por el coronel Tom Parker cuando pidieron más dinero. Pero la separación se habría producido de todos modos cuando Presley se incorporó al Ejército.
Aunque Scotty finalmente encontraría el camino de regreso a Elvis, Bill nunca volvió a tocar con Presley durante su vida.
La primera aparición en directo de la banda desde el regreso de Presley del ejército fue en 1960, durante el especial “Welcome Home Elvis” de The Frank Sinatra Show, sin Bill Black, que había dejado a The Blue Moon Boys en 1958.
Black y Moore regresaron a Memphis para dar algunos conciertos con Ed Bruce y Thomas Wayne, pero el trabajo parecía escasear. Bill aceptó un trabajo reparando aires acondicionados en Able Appliances.
En 1959, aún estaba allí cuando fue a ver a su viejo amigo Ray Harris para hablar sobre la posibilidad de grabar para Hi, un sello emergente de Memphis del cual Harris era uno de los cofundadores.
Juntos, Black y Harris reclutaron personal para Bill Black's Combo, un grupo instrumental. La formación original era: Bill Black (bajo), Reggie Young (guitarra), Joe Louis Hall (piano), Martin Willis (saxo) y Jerry Arnold (batería).
Estos son los músicos que tocaron en el primer sencillo del grupo, "Smokie, Parts 1 & 2". Part 2 resultó ser el tema estrella, alcanzando el puesto número 17 en pop en enero de 1960 y el número 1 en R&B. Este éxito salvó a Hi, que se encontraba en una situación financiera difícil, de la quiebra.
Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.
Hall y Willis dejaron el grupo tras el primer sencillo y fueron reemplazados por Carl McVoy (piano, órgano) y Ace Cannon (saxo). Reggie Young fue reclutado en 1960 y Hank Hankins lo sucedió temporalmente.
El segundo sencillo, "White Silver Sands" (un éxito Top 10 para Don Rondo en 1957), fue el mayor éxito del grupo en su historia, alcanzando el número 9 en las listas de pop de Billboard y de nuevo el número 1 en R&B durante cuatro semanas. Para 1963, vendió un millón de copias.
Entre 1959 y 1962, ocho de sus canciones estuvieron en el Top 40. Algunos de sus éxitos fueron "Smokie Part 1" y "Part 2" (1960), que ocuparon el puesto número 17. "White Silver Sands" llegó al puesto número 9. "Josephine" quedó en el puesto número 18, "Don't Be Cruel" en el número 11, "Blue Tango" en el número 16 y "Hearts of Stone" en el número 20.
Publicaron varios álbumes. “The Saxy Jazz” se mantuvo en el Top 100 durante un año entero.
The Combo apareció en la película “Teenage Millionaire” de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron un popurrí de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron votados como el grupo instrumental número uno de Billboard de 1961.
Fueron elegidos el grupo instrumental número 1 de Billboard en 1961. Se dice que a las strippers les encantaba su música. Se convirtió en la música de striptease predilecta tanto en los mejores como en los más desfavorecidos locales.
Una recomendación nada mala, ya que las strippers de aquella época sabían lo que era la música y entendían el significado de ambas formas de ritmo.
Otra característica del Combo era la forma en que Reggie Young golpeaba la guitarra con un lápiz.
En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado Lyn-Lou Studios (un apodo abreviado de "Linda-Lou" para su hija Nancy) y un sello discográfico llamado Louis en honor a su hijo en la calle Chelsea de Memphis, Tennessee, con Larry Rogers de Studio 19 como ingeniero y productor.
Johnny Black, hermano de Bill y también contrabajista, quien conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que a Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio y haberle contado que Bill estaba totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas.
Bob Tucker y Larry Rogers adquirieron los Estudios Lyn-Lou tras la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó numerosos álbumes de Bill Black Combo (con títulos como "The Best Honky Tonk Band in America" y "The band who opened for the Beatles") y produjo éxitos country número uno para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros.
La banda de la casa para estas sesiones fue la Shylo Band, con el guitarrista y compositor Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, el famoso ingeniero de sonido de Sun Studio.
A principios de 1963, Black envió entre dos y cinco versiones diferentes del Combo a distintas regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de las carreteras para poder concentrarse en su negocio, su familia y su salud.
Black dedicó la mayor parte de sus energías al estudio hasta que enfermó a principios de 1965.
El Bill Black's Combo hizo historia musical en 1964 al ser teloneros de los Beatles (a petición de estos) en su histórica gira de 13 ciudades por Estados Unidos, tras su aparición en The Ed Sullivan Show. El propio Black no se encontraba lo suficientemente bien como para realizar la gira.
Empezó a sufrir fuertes dolores de cabeza y pérdida de memoria. Tras dos cirugías y largas hospitalizaciones, Black falleció a causa de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a los 39 años.
Su fallecimiento se produjo durante su tercera operación, con la que los médicos esperaban erradicar el tumor de forma permanente.
El cuerpo de Black fue enterrado junto al de su padre, William Patton Black Sr., en el cementerio de Forest Hill de Memphis, Tennessee.
Elvis Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero él creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En cambio, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: “Si necesitan algo, háganmelo saber y será suyo”.
La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Bill Black's Combo. La banda se pasó a la música country al unirse a Columbia Records y ganó el premio Billboard al "Grupo Instrumental Country del Año" en 1976.
Legado
El combo de Bill Black grabó más de 20 álbumes, realizó giras por Estados Unidos y Europa y ganó premios como el mejor grupo instrumental de Estados Unidos en 1966 y 1967. Bob Tucker trabajó para la Universidad de Memphis como profesor de negocios musicales mientras lideraba el combo.
El contrabajo principal de Black pertenece actualmente a Paul McCartney, quien lo recibió como regalo de cumpleaños de su esposa Linda a finales de los 70.
El contrabajo se puede ver en el videoclip de la canción de McCartney "Baby's Request".
En el documental "In the World Tonight", se puede ver a McCartney tocándolo y cantando su versión de "Heartbreak Hotel".
En 1995, lo tocó en "Real Love", en aquel momento el último disco "nuevo" de los Beatles (uno de los tres en los que McCartney, George Harrison y Ringo Starr sobregrabaron un arreglo completo en una grabación casera de John Lennon de finales de los 70).
El actor Elliott Street interpretó a Black en la película para televisión “Elvis”, protagonizada por Kurt Russell.
El actor Blake Gibbons interpretó a Black en la serie de televisión de corta duración de 1990 “Elvis”, protagonizada por Michael St. Gerard.
En 2005, Clay Steakley interpretó a Black en la miniserie de CBS de 2005, “Elvis”, protagonizada por Jonathan Rhys Meyers.
En 2007, Black fue incluido en el Salón de la Fama y Museo de los Músicos.
El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
En 2020, la revista Rolling Stone clasificó a Black como el 40º mejor bajista de todos los tiempos.
En 2022, Adam Dunn interpretó a Black en la película “Elvis”, protagonizada por Austin Butler.
Discografía
Con Elvis Presley
Estuvo en todas las grabaciones desde 1954 a 1958
Con Bill Black's Combo
1960 - The Saxy Jazz
1960 - Solid and Raunchy
1962 - Let's Twist Her
1964 - Big Black Combo Goes Big Band
1964 - Plays Tunes By Chuck Berry
1967 - Bill Black's Greatest Hits
1969 - Solid and Raunchy 3rd
1970 - Raindrops Keep Fallin on My Head
1975 - World's Greatest Honky-Tonk Band
Singles
1959 - Smokie, Part 1 y xdr52
1960 - White Silver Sands
1960 - Josephine
1960 - Twist Her
1960 - Don't Be Cruel
1961 - Hearts of Stone
1961 - Ole Buttermilk Sky
1961 - Honky Train
1962 - Movin
1962 - Twist Her
1962 - Twistin' 'White Silver Sands'
1962 - So What The Untouchable Sound of Bill Black's Combo
1962 - Joey's Song
1963 - Do It – Rat Now
1964 -Comin' On
1964 - Bill Black's Combo – Plays The Blues
1964 - Tequila Solid and Raunchy
1964 - Bill Black's Combo – Plays Tunes By Chuck Berry
1965 - So What
1965 - The Untouchable Sound of Bill Black's Combo
1965 - Come on Home
1965 - More Solid and Raunchy
1965 - Spootin'
1965 - Mister Beat
1966 - Hey Good Lookin
Fuentes: rollingstone.com, theelvisfiles.com, tims.blackcat.nl, rockhist.blogspot.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 39
Kim Gordon
Kim Gordon es una figura legendaria de la música alternativa, conocida por su rol como bajista, guitarrista, vocalista y miembro fundador del grupo de rock alternativo Sonic Youth, la influyente banda de noise rock que co-fundó en 1981 junto a Thurston Moore en Nueva York.
Durante su apogeo como pioneros del indie y el rock alternativo, nada en Sonic Youth era estándar, desde sus vídeos artísticos hasta sus capas preferidas de guitarras de afinación rara, e incluso las partes de bajo de Kim Gordon.
Gordon nunca había tocado el instrumento cuando cofundó la banda a principios de los ochenta y, según admite ella misma, sus habilidades nunca alcanzaron el nivel de virtuosismo.
Pero su estilo primitivo no podría haber sido más adecuado para una banda que valoraba lo poco convencional por encima de todo, hasta las guitarras rotas y reconstruidas que tocaban.
"Mi forma de tocar el bajo siempre funcionó muy bien porque era minimalista", dice. "Había algunas canciones en las que Thurston [Moore] tenía una melodía para la canción, así que quería que tocara las notas fundamentales. Sentía que mi trabajo no era convertirme en una buena bajista".
El sonido característico de Gordon, un ritmo gutural que suena como un tren subterráneo que se aproxima, se escucha en toda la discografía de la banda, desde los primeros y oscuros rumores como "Brave Men Run (In My Family)" hasta las pistas de su comercial destacado de los noventa, "Dirty" ("Youth Against Fascism", "Sugar Kane") y, más tarde, a declaraciones más lánguidas como "Jams Run Free".
Gordon también fue miembro fundador del proyecto musical Free Kitten, que formó con Julia Cafritz en 1993.
Sonic Youth lanzó su decimoquinto y último álbum de estudio, "The Eternal" (2009), en Matador Records antes de disolverse en 2011 después de que Gordon y Moore se separaran.
Después de la disolución de Sonic Youth y su divorcio de Moore, Gordon formó el dúo experimental Body/Head con Bill Nace, que lanzó su álbum debut, “Coming Apart”, en 2013.
Posteriormente formó Glitterbust con Alex Knost, lanzando un álbum debut homónimo en 2016.
Gordon lanzó su primer álbum en solitario, “No Home Record”, en 2019. Su segundo esfuerzo en solitario, "The Collective", le siguió en 2024. Lanzado con gran éxito de crítica, le ha valido a Gordon sus dos primeras nominaciones al Grammy.
Además de su trabajo como música, Gordon ha incursionado en la producción discográfica, la moda y la actuación, y ha trabajado consistentemente como artista visual a lo largo de su carrera musical.
Debutó como productora en el álbum debut de Hole, “Pretty on the Inside” (1991), y fundó la línea de ropa X-Girl, con sede en Los Ángeles, en 1993.
A mediados de la década de 2000, Gordon comenzó a actuar, con apariciones menores en películas como “Last Days” (2005) y “I'm Not There” (2007) y como estrella invitada en varias series de televisión.
En 2015, publicó sus memorias, “Girl in a Band”, con el sello Dey Street Books de Harper Collins.
Kim Gordon es una mujer que, al igual que otros referentes femeninos de la música, supo encontrar su lugar en un mundo masculinizado (y, en ocasiones, sexista).
Así lo denunció en su libro de memorias: “Las cantantes que se obstinan en llevar las cosas al límite no suelen durar demasiado tiempo. Son ráfagas, relámpagos: Janis Joplin, Billie Holliday…”.
Aunque se contradijo ella misma, si atendemos a su caso: fue un relámpago que duró casi 30 años, y los motivos del fin fueron otros.
Kim Althea Gordon nació el 28 de abril de 1953, en Rochester, Nueva York, y es la segunda hija de Althea y Calvin Wayne Gordon.
En el momento de su nacimiento, el padre de Gordon, nativo de Kansas, era profesor en el departamento de sociología de la Universidad de Rochester.
Su madre, descendiente de pioneros estadounidenses de la Costa Oeste, aprendió a coser durante su crianza en la Gran Depresión y trabajó como costurera durante la infancia de Gordon. Gordon la describió como "reservada y generalmente ansiosa" y "una artista insatisfecha".
Gordon tiene un hermano mayor, Keller, a quien describió como "brillante, manipulador, sádico, arrogante, casi insoportablemente articulado" y "la persona que más que nadie en el mundo moldeó quién era y quién resultó ser".
A la edad de cinco años, Gordon y su familia se mudaron a Los Ángeles, California, cuando a su padre le ofrecieron una cátedra en el departamento de sociología de la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA), donde más tarde se convirtió en el Decano de la Facultad.
De niña, Gordon asistió a la Escuela Primaria Universitaria, una escuela primaria progresista afiliada a la UCLA, que ella describió como "aprender haciendo. Así que siempre estábamos haciendo lanzas africanas y bajando al río y haciendo chozas de barro, o desollando una piel de vaca y secándola y tirándola por el acantilado en Dana Point".
En sus memorias, Gordon relata pasar los veranos con su familia en Klamath, California, cerca de la frontera con Oregón. La familia también vivió en el Hong Kong británico durante un año durante su infancia.
Después de graduarse de la escuela secundaria, asistió a Santa Monica College durante dos años antes de transferirse a la Universidad de York en Toronto, Ontario, Canadá.
Gordon pronto sintió nostalgia y decidió abandonar York al final del año escolar y regresar a Los Ángeles. "Estaba cada vez menos feliz a medida que se acercaba el sombrío invierno de Toronto", recordó. "Sin el beneficio del sol de California, mi cabello se oscureció cada vez más y no tenía idea de cómo vestirme para el frío".
Decidió inscribirse en el Otis College of Art and Design, lo que, según ella, "cambió mi vida".
Gordon vivió en Culver City y Venice, Los Ángeles, y trabajó en un restaurante indio para pagar su matrícula.
También trabajó brevemente para el comerciante de arte Larry Gagosian como trabajo secundario. Se graduó como licenciada en Bellas Artes en 1977.
Mientras estudiaba en Otis, el hermano mayor de Gordon, Keller, sufrió un episodio psicótico el día de su graduación de la Universidad de California, Berkeley, donde había obtenido una maestría en literatura clásica.
Posteriormente, le diagnosticaron esquizofrenia paranoide y vivió un tiempo en centros de reinserción social antes de quedar bajo la tutela del estado de California. La canción "Schizophrenia", que apareció en el cuarto álbum de estudio de Sonic Youth, “Sister” (1987), se inspiró en parte en su hermano.
Después de graduarse del Otis Art Institute, Gordon se mudó a la ciudad de Nueva York en 1980, con la esperanza de seguir una carrera en el arte.
Allí, aceptó trabajos relacionados con el arte para obtener ingresos, como trabajar como escritora para Artforum.
En 1981, comisarió una exposición en la White Columns Gallery que contó con contribuciones de Mike Kelley y Tony Oursler, entre otros.
Alrededor de 1981, Gordon se interesó en las bandas "no-wave", recordando: "Cuando llegué a Nueva York, iba a ver bandas en el centro tocando música no-wave. Era expresionista y también nihilista. El punk rock era irónico, decía: 'Sí, estamos destruyendo el rock'. La música no-wave es más como, 'NO, realmente estamos destruyendo el rock'. Fue muy disonante. Simplemente pensé: "¡Guau, esto es realmente libre! ¡Podría hacerlo!".
En 1981, Gordon se unió a la banda de corta duración CKM, con Christine Hahn y Stanton Miranda, y conoció a Thurston Moore, que marcó la vida de Kim, como ella misma relata en su libro: “Estábamos hablando de esto y aquello cuando clavó la mirada en la guitarra Drifter que estaba reclinada contra la pared. De alguna manera, aquello determinó nuestro destino”.
Moore y Gordon formaron una banda, apareciendo bajo nombres como Male Bonding, Red Milk, y los Arcadians antes de decidirse por Sonic Youth a mediados de 1981.
El nombre surgió de la combinación del apodo de Fred "Sonic" Smith de MC5 con el artista de reggae Big Youth.
Gordon recordó más tarde que "tan pronto como a Thurston se le ocurrió el nombre Sonic Youth, surgió un cierto sonido que era más de lo que queríamos hacer".
La banda tocó en el Noise Fest en junio de 1981 en la galería White Columns de Nueva York, donde Lee Ranaldo tocaba como miembro del conjunto de guitarras eléctricas de Glenn Branca.
Su actuación impresionó a Moore, quien los describió como “la banda de guitarras más feroz que he visto en mi vida”, e invitó a Ranaldo a unirse a Sonic Youth.
El nuevo trío tocó tres canciones en el festival más tarde esa semana sin baterista. Cada miembro de la banda se turnó para tocar la batería, hasta que conocieron al baterista Richard Edson.
Glenn Branca fichó a Sonic Youth como primer artista de su sello discográfico Neutral Records y en diciembre de 1981, el grupo grabó cinco canciones en el Radio City Music Hall de Nueva York.
El material se publicó como el EP “Sonic Youth”, que, aunque fue ignorado en gran medida, fue enviado a algunos miembros clave de la prensa musical estadounidense, quienes le dieron críticas generalmente favorables.
Es la única grabación que presenta la formación inicial de Sonic Youth con Richard Edson a la batería. “Sonic Youth” se diferencia estilísticamente de los trabajos posteriores de la banda por su mayor incorporación de guitarras limpias, afinación estándar, producción nítida y un estilo post-punk.
A diferencia de los siguientes lanzamientos de Sonic Youth, “Sonic Youth” usa predominantemente la afinación estándar E para sus guitarras.
James Jackson Toth de Stereogum afirmó que el álbum "suena como el primo oscuro y post-punk de la atrevida banda new wave de Thurston, The Coachmen".
En cuanto a la batería, las canciones presentan los estilos más "céntricos" de roto-tom de Richard Edson, acercándose a los ritmos cuasi- funk / hip-hop de bandas de 99 Records como ESG y Liquid Liquid.
El bajo, aunque a menudo toca riffs en tonos menores, está casi basado en el funk, que era una característica común de la música post-punk y no wave.
Los tonos limpios de la guitarra contienen poco del ruido característico por el que Sonic Youth eventualmente se haría conocido. Una de las pocas partes de Sonic Youth que se mantuvo en sus futuros lanzamientos fue el uso de la guitarra preparada, como en "The Burning Spear", donde Thurston Moore colocó una baqueta debajo de las cuerdas de su guitarra en el traste 12.
Aunque el disco original tiene una duración de unos 25 minutos, “Sonic Youth” es considerado por la banda como su primer álbum de estudio. Kim Gordon se ha referido a él en su autobiografía como un EP.
“Sonic Youth” ha recibido una recepción mixta por parte de los críticos.
En reseñas retrospectivas, Brandon Stosuy de Pitchfork le dio al EP una calificación de 8.2 sobre 10, calificándolo de "obviamente más primitivo que el trabajo posterior del cuarteto [...] las grabaciones ofrecen un ritmo fantasmal, hipnótico y cerrado" y que "este es SY en su faceta más gélida; es un set erudito y azotado por el viento, que envuelve la distorsión dentro de ritmos bailables, semicongelados, de Liquid Liquid".
Andy Kellman de AllMusic escribió: "Incómodo y bastante formativo, el disco suena como una fusión de no wave y una banda temprana de Factory ".
Trouser Press escribió sobre el álbum: "Este disco no es divertido".
“Sonic Youth” se lanzó inicialmente en vinilo de 12 pulgadas en marzo de 1982 en Neutral, el sello discográfico del entonces mentor Branca. En Europa, se lanzó en el sello alemán Zensor en 1984.
En 1987, SST reeditó el álbum en su formato original de vinilo, así como en casete con las cinco pistas reproducidas en la primera cara. La otra cara del casete incluía las mismas cinco pistas, pero reproducidas al revés, de la última a la primera.
La impresión tanto en la tarjeta J como en el casete coincidía: la cara 1 tenía el nombre de la banda y los títulos de las canciones impresos al derecho, mientras que la cara 2 los tenía impresos en imagen invertida.
Ese mismo año, el EP se lanzó por primera vez en CD por SST en Estados Unidos y por Blast First en el Reino Unido.
“Sonic Youth” fue reeditado por Geffen Records en 2006 en CD y como LP doble, con varias pistas adicionales que ampliaron su duración a 63:04. Se añadieron siete canciones de una actuación en directo grabada el 18 de septiembre de 1981.
La mayoría de las pistas reproducidas se basaban en piezas compuestas por la banda para el festival Noisefest celebrado a principios de 1981, mientras que otras son anteriores a la propia banda, como la canción de Gordon "Cosmopolitan Girl".
Varias de estas piezas son bastante diferentes de sus homólogas de estudio, en particular la ruidosa versión inicial de "She Is Not Alone".
Entre las pistas se encuentra la instrumental "Destroyer", anteriormente codiciada por los coleccionistas de bootlegs.
También se añadió una grabación de estudio de una canción que también apareció en una versión en directo, "Where the Red Fern Grows". La canción, una versión inicial de "I Dreamed I Dream", se grabó en octubre de 1981 en un estudio de Chelsea durante la primera sesión de grabación de la banda.
La sesión no salió bien debido, al menos en parte, a un ingeniero que no entendía la música de la banda. La versión de estudio era instrumental, mientras que en la toma en vivo, Lee cantó dos líneas hacia el final.
El libreto de 2006 contiene nuevas fotos y extensas notas de Branca, Edson y Byron Coley, así como algunas notas sobre el álbum de Thurston Moore. En la reedición en CD, la tarjeta de la bandeja es de doble cara: la cara que mira hacia afuera contiene la lista de canciones con un código de barras y un aviso antipiratería de la RIAA , y la cara opuesta tiene la misma lista de canciones sin código de barras ni advertencia de la RIAA. A pesar de la reedición en CD de Geffen, todavía se pueden encontrar los logotipos de Neutral Records en numerosos lugares del paquete.
Richard Edson abandonó el grupo para dedicarse a la actuación y fue reemplazado por Bob Bert.
Durante sus inicios en la escena musical neoyorquina, Sonic Youth forjó una amistad con la banda neoyorquina de noise rock Swans.
Las bandas compartían un local de ensayo, y Sonic Youth emprendió su primera gira en noviembre de 1982 como teloneros de Swans.
Durante una segunda gira con Swans al mes siguiente, la tensión aumentó y Moore criticó constantemente la batería de Bert, que consideraba que no estaba "en el bolsillo".
Bert fue despedido después y reemplazado por Jim Sclavunos, quien tocó la batería en el primer álbum de estudio de la banda, “Confusion Is Sex” de 1983, que presentaba un sonido más fuerte y disonante que su EP debut.
El álbum fue grabado por Wharton Tiers en su estudio de Chelsea (que había instalado en el sótano de un edificio donde trabajaba como superintendente). Se grabó principalmente durante el breve periodo de Jim Sclavunos como baterista de la banda, y aparece en la batería durante la mayor parte del álbum.
Al finalizar las sesiones, Sclavunos decidió retirarse y Bob Bert fue invitado a volver. Bert apareció en "Making the Nature Scene" y en la versión en vivo de "I Wanna Be Your Dog" de los Stooges.
Cuando Sonic Youth lanzó “Confusion in Sex”, su álbum debut en 1983, el mundo del rock underground se puso de pie y se dio cuenta. La banda tenía un nuevo sonido, casualmente llamado sin onda, y un potente sistema de transmisión.
Eran feroces y sin miedo. Pero quizás lo más importante es que eran inteligentes. La banda no solo podía interpretar un monstruo de rock ruidoso como “Freezer Burn”, sino que podían combinarlo con el mismo tipo de energía que encendió los fuegos de Iggy Pop cuando lo casaron con “I Wanna Be Your Dog” de The Stooges. Puro dinamismo.
En una reseña de Trouser Press de 1984, John Leland afirmó que, en este álbum, “reina la confusión, y felizmente así. Este álbum proyecta fragmentos de resonantes, tambaleantes y estridentes fragmentos de seis cuerdas, gran parte de ellos producidos con baquetas y afinaciones extrañas. Participen de la disonancia de Branca , la anarquía de Flipper y la desesperación de PIL , estos artistas del Lower East Side capturan la violencia y la esperanza de su barrio. Si estos sonidos impactan como una endodoncia auditiva, es justo lo que recetó el médico”.
La imagen de portada es un boceto de Kim Gordon del guitarrista Thurston Moore. Esta imagen se usó en carteles de conciertos al principio de la carrera de la banda.
Aunque se considera un ejemplo importante de no wave, el álbum ha recibido una recepción polarizada en las décadas transcurridas desde su lanzamiento.
Blender lo describió como “un golpe contra la bodria del pop y prácticamente un manifiesto contra el placer”.
En un artículo para el Chicago Tribune, Greg Kot afirmó que “los intentos iniciales de Sonic Youth por plasmar su revolución de la guitarra noise fracasaron en el álbum 'Confusion is Sex'”.
Por el contrario, Spin afirmó que el álbum "se erige como el gran documento del Sonic Youth inicial", mientras que Chuck Eddy de Entertainment Weekly se refirió al álbum como "el álbum más divertido, más duro y más subestimado de la banda hasta ahora".
Sonic Youth organizó una gira por Europa para el verano de 1983. Sin embargo, Sclavunos abandonó la banda después de solo unos meses. El grupo le pidió a Bert que volviera, y él aceptó con la condición de que no lo despidieran de nuevo después de la conclusión de la gira. Bert continuó tocando en el EP “Kill Yr Idols” de la banda más tarde en 1983.
El EP fue lanzado en octubre de 1983, originalmente solo en Alemania, por el sello discográfico Zensor.
Jason Birchmeier de AllMusic comentó: “Estas canciones se parecen a las de Confusion Is Sex, excepto que están un poco más desarrolladas, especialmente la canción principal y 'Brother James'. Kill Yr Idols resulta en un fascinante recorrido por los primeros destellos de genialidad de Sonic Youth”.
Sonic Youth tuvo una buena acogida en Europa, pero la prensa neoyorquina ignoró en gran medida la escena local de noise rock.
Con el tiempo, a medida que la prensa empezó a prestar atención al género, Sonic Youth fue agrupado con bandas como Big Black, Butthole Surfers y Pussy Galore bajo la etiqueta de "pigfucker" (follador de cerdos) por el editor del Village Voice, Robert Christgau.
Otro crítico de The Village Voice destrozó un concierto de mala calidad en septiembre en Nueva York.
Gordon escribió una carta desdeñosa al periódico, criticándolo por no apoyar a la escena musical local, a lo que Christgau respondió que el periódico no estaba obligado a apoyarlos.
Moore respondió cambiando el nombre de la canción "Kill Yr Idols" a "I Killed Christgau with My Big Fucking Dick" (Maté a Christgau con mi gran polla), antes de que ambos finalmente resolvieran sus diferencias amistosamente.
Tras cerrar una segunda gira europea a finales de 1983, el desastroso debut de Sonic Youth en Londres se vio afectado por el mal funcionamiento del equipo de la banda y por la frustración de Moore, que lo destruyó en el escenario.
Al regresar a Nueva York, eran tan populares que podían concertar conciertos locales con regularidad.
Al año siguiente, Moore y Gordon se casaron, y Sonic Youth grabó “Bad Moon Rising”, un álbum autodenominado "americana" que sirvió como reacción al estado de la nación en ese momento.
“Bad Moon Rising”, el segundo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 29 de marzo de 1985 por Blast First y Homestead Records. El álbum gira en torno al lado oscuro de Estados Unidos, con referencias a la obsesión, la locura, Charles Manson, el heavy metal, el satanismo y los encuentros de los primeros colonos europeos con los nativos americanos.
Lanzado con excelentes críticas de la prensa musical underground, “Bad Moon Rising” fue el primer álbum de la banda en combinar material experimental con piezas de transición y transiciones.
El álbum fue precedido por el sencillo “Death Valley '69”, que no entró en las listas de éxitos ni en Estados Unidos ni en el Reino Unido (la canción se regrabó para el álbum y se volvió a publicar como sencillo en junio de 1985).
El álbum lleva el nombre de la canción “Bad Moon Rising” de Creedence Clearwater Revival de 1969 y su estilo se ha descrito como noise rock, no wave y rock experimental.
El álbum comienza con “Intro”, un breve instrumental con varias guitarras, descrito por Michael Azerrad como “una línea slide melancólica y maulladora que se complementa con una delicada pila de arpegios cristalinos”.
“Intro” da paso a la siguiente canción, “Brave Men Run (In My Family)”. La canción comienza con un único riff que se repite durante un minuto, antes de que Gordon murmure: “Brave man run in my family/Brave men run away from me”.
El riff se desvanece en la tercera canción del álbum, “Society Is a Hole”, “un himno de un solo acorde a la anomia de la gran ciudad”.
El uso de piezas de transición de Sonic Youth en el álbum se inspiró en sus shows en vivo, en los que Moore o Ranaldo afinaban guitarras durante hasta cinco minutos mientras el otro tocaba riffs de guitarra transitorios lentos o collages de sonido pregrabados.
"I Love Her All the Time" presenta una extensa preparación de guitarra de Ranaldo y el uso de un solo acorde, con una sección de ruido en el medio; como muchas de las canciones del álbum, se centra en la textura y el ritmo más que en la melodía.
La segunda cara de “Bad Moon Rising”, que incluye la experimental "Ghost Bitch" (con Ranaldo en la guitarra acústica y referencia al primer encuentro de los nativos americanos con los colonos europeos), "I'm Insane" y "Justice is Might", amplía el concepto de paisaje sonoro; las canciones presentan riffs de guitarra repetitivos que se entrelazan de una canción a otra, mientras Moore y Gordon murmuran letras crípticas.
"Death Valley '69", el tema de cierre del álbum fue fruto de una colaboración entre Moore y la cantante y poeta neoyorquina Lydia Lunch, inspirada en los asesinatos de la familia Charles Manson.
Al describir el estilo del álbum, Pitchfork lo describió como "más que una colección de canciones es un alboroto extenso e incesante, con un sonido y una temática impecables".
La portada del álbum es una fotografía del artista James Welling de un espantapájaros con una calabaza en llamas como cabeza.
Robert Palmer del New York Times elogió a “Bad Moon Rising” como uno de los diez mejores álbumes del año, clasificándolo en el puesto número 4 mientras elogiaba a Sonic Youth por "hacer la música basada en guitarra más sorprendentemente original desde Jimi Hendrix , usando solo guitarras baratas, amplificadores comunes y todas las afinaciones y combinaciones armónicas no probadas que su imaginación hiperactiva puede idear".
AllMusic destacó la naturaleza oscura del álbum, escribiendo: "Un álbum muy diferente a cualquier otro en el colorido canon de Sonic Youth, Bad Moon Rising captura a la banda neoyorquina en 1985 durante su fase más sombría, una que es bastante amenazante pero fascinante al mismo tiempo".
Trouser Press escribió que "[exuda] toda la horrible belleza de una nube de hongo en el horizonte".
Pitchfork describió la estética del álbum como "convincente".
Byron Coley de Spin escribió: "Un retrato auditivo de la banda que es menos obstinadamente violento que sus precursores inmediatos. El ker-unch de las guitarras como excavadoras en batalla es ciertamente el sonido alrededor del cual se enrosca el disco".
“Bad Moon Rising” ocupó el puesto número 42 en la lista de Alternative Press de los mejores álbumes de 1985-1995, superando a “Daydream Nation”.
Debido a una pelea con Branca por los pagos de regalías disputados de sus lanzamientos Neutral, Sonic Youth firmó con Homestead Records en los EE. UU. y Blast First en el Reino Unido (que el fundador Paul Smith creó simplemente para poder distribuir los discos de la banda en Europa).
Mientras que la prensa de Nueva York ignoró “Bad Moon Rising” en su lanzamiento en 1985, ahora viendo a la banda como demasiado artística y pretenciosa, Sonic Youth ganó elogios de la crítica en el Reino Unido, donde el nuevo álbum vendió 5000 copias.
Afirmando que estaba aburrido de tocar “Bad Moon Rising” en vivo durante más de un año, Bert dejó el grupo y fue reemplazado por Steve Shelley, exintegrante del grupo punk Crucifucks. Sonic Youth quedó tan impresionado con la batería de Shelley tras verlo tocar en vivo que lo contrataron sin audición.
Bert y Shelley aparecieron en el video musical de "Death Valley '69", ya que Bert había tocado la batería en la canción, pero Shelley era el baterista del grupo cuando se grabó el video.
Sonic Youth apreciaba SST Records desde hacía tiempo; Ranaldo comentó: “Fue la primera discográfica en la que estuvimos y por la que realmente hubiéramos dado cualquier cosa”.
Sonic Youth firmó con el sello a principios de 1986 y comenzó a grabar “EVOL” con Martin Bisi. La banda ganó reconocimiento nacional al firmar con SST, convirtiéndose en la primera banda del underground neoyorquino en alcanzar tal notoriedad.
Lanzado en mayo de 1986, “EVOL” fue el primer álbum de Sonic Youth con SST Records y también el primero en contar con la participación del entonces nuevo baterista Steve Shelley, quien acababa de reemplazar a Bob Bert.
En este álbum es donde el grupo realmente definió su sonido arquetípico. El furioso trabajo de pedal de la banda y los riffs difusos proporcionaban ahora un grado de meditación y amenaza.
“Bésame en la sombra de una duda”, canta Gordon en “Shadow of a Doubt”, la canción que gira en torno a esta súplica. Es una frase adecuada considerando la dualidad de la canción y el estilo innovador de la banda.
En reseñas retrospectivas, los críticos citan a “EVOL” como la transición de Sonic Youth desde sus raíces no wave hacia una mayor sensibilidad pop, mientras que Kim Gordon se ha referido a él como el "disco gótico" de la banda.
Pitchfork ha elogiado el álbum, afirmando que “EVOL fue donde se sembraron las semillas de la grandeza", y lo colocó en el puesto 31 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980, junto con los dos siguientes álbumes de Sonic Youth, “Sister” y “Daydream Nation”, que ocuparon el puesto 14 y el primer lugar, respectivamente.
La portada del álbum presenta una imagen de la modelo/actriz Lung Leg, una imagen fija tomada de la película de Richard Kern, “Submit to Me”.
Leg había aparecido previamente en el video musical "Death Valley '69" (dirigido por Kern y Judith Barry).
La contraportada muestra una imagen en blanco y negro de la banda en un marco con forma de corazón.
Las 10 canciones del álbum están listadas en un orden diferente al de la lista de canciones real.
Los nombres de los miembros también aparecen en la contraportada, aunque no se les asigna ningún instrumento. Dice "guitarras, voz, batería", con "bajo" oculto debajo de la fotografía de la banda.
El inserto presenta las letras de las canciones y la cara A muestra a Thurston Moore, con ojos dibujados en sus manos, sosteniéndolas frente a su rostro. Esta fotografía se usó más tarde para la portada del sencillo "Starpower".
A la izquierda de esta fotografía se encuentra una viñeta del cómic de Marvel “Los Nuevos Mutantes” (en la segunda página del número 14, publicado en abril de 1984).
El reverso contiene imágenes de las películas de terror “Viernes 13 Parte 2” y “Los Niños del Maíz”, con una foto fija de la película de 1962 "Casa de Mujeres" con las estrellas Constance Ford (sacando la lengua) y Barbara Nichols en la esquina superior derecha.
Esta imagen solo aparece en el prensado inicial de vinilo de SST y en las reediciones de vinilo posteriores a 2010. Se omitió en todos los demás lanzamientos.
"EVOL" ha sido bien recibido por la crítica. Robert Christgau, con quien la banda había tenido encuentros en años anteriores, le dio al álbum una calificación de B+.
Se ubicó en el puesto número 4 entre los "Álbumes del Año" de NME.
La revista Slant, que colocó a “EVOL” en el puesto número 82 de su lista de "Mejores Álbumes" de la década de 1980, lo describió como "uno de los álbumes más extraños [de Sonic Youth]" y "un álbum difícil que, sin embargo, es una de las mejores invocaciones actuales del caos sin ondas".
Pitchfork describió el álbum como "el verdadero punto de partida de la evolución musical de Sonic Youth: poco a poco, Thurston Moore y Lee Ranaldo comenzaron a dar forma a lo informe, melodía a lo desafinado y, con la ayuda de la batería de Steve Shelley, impusieron melodía y composición a su disonancia característica".
Pitchfork continuó diciendo que “EVOL [fue] donde se sembraron las semillas de la grandeza", y lo colocó en el puesto 31 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980.
Trouser Press lo etiquetó como "una obra casi maestra", y Stephen Thomas Erlewine de AllMusic le dio una reseña de 4,5 estrellas, escribiendo que el álbum es "una mezcla asombrosamente fluida de instrumentación de vanguardia y subversiones del rock & roll".
El cantante y guitarrista de Teenage Fanclub, Norman Blake, ha declarado que “EVOL” y el álbum “Daydream Nation” de Sonic Youth de 1988 fueron "las principales influencias" en el primer álbum de la banda, “A Catholic Education”.
El líder de Pavement, Stephen Malkmus, elogió a “EVOL”, afirmando que "Expressway to Yr. Skull" es "una de mis canciones favoritas" y que "ofrece todo lo que la música de guitarra alternativa puede ofrecer en estos tiempos".
Malkmus también declaró: "Después de descubrir EVOL, comencé a reafinar mi guitarra como Thurston Moore y Lee Ranaldo. No quería seguir tocando con afinaciones predefinidas. De repente, eso me pareció muy aburrido. Y así siguió hasta hoy".
Posteriormente, la prensa musical convencional comenzó a prestar atención a la banda. Robert Palmer, de The New York Times, declaró que Sonic Youth estaba “haciendo la música de guitarra más sorprendentemente original desde Jimi Hendrix”, e incluso People reseñó “EVOL”, describiendo el álbum como el “equivalente auditivo de un vertedero de residuos tóxicos”. Posteriormente, Neil Young lo calificó como “un clásico”.
“Sister”, el cuarto álbum de estudio de la banda fue lanzado en SST Records el 1 de junio de 1987. El álbum continuó el alejamiento de la banda del movimiento no wave hacia estructuras de canciones de rock alternativo, manteniendo al mismo tiempo un enfoque experimental.
Al igual que los álbumes anteriores de Sonic Youth, “Sister” no tuvo éxito comercial en su lanzamiento. Sin embargo, desde entonces ha recibido elogios de la crítica, y varias publicaciones lo han catalogado como uno de los mejores álbumes de la década de 1980.
“Sister” se grabó en cinta de 16 pistas entre marzo y abril de 1987 con el ingeniero de sonido Bill Titus en el estudio Sear Sound de Walter Sear en Hell's Kitchen, Manhattan, completamente con equipo analógico.
“Sister” es un álbum conceptual flexible (al igual que su sucesor, “Daydream Nation”), inspirado en parte en la vida y obra del escritor estadounidense de ciencia ficción Philip K. Dick.
Entre los títulos provisionales del álbum se encontraban “Kitty Magic”, “Humpy Pumpy” y “Sol-Fuc”, pero finalmente se llamó “Sister” en referencia a la gemela fraterna de Dick, quien falleció poco después de su nacimiento y cuyo recuerdo lo atormentó toda la vida.
Según Adam Downer de Sputnikmusic, “Sister” se desvió del sonido frenético de la música anterior de Sonic Youth en favor de un estilo refinado de noise pop que caracterizaría el trabajo posterior de la banda.
El álbum incluye canciones de noise rock agresivo como "White Kross" y "Catholic Block", aunque también incluía estructuras de rock alternativo más tradicionales.
La banda usó guitarras acústicas en algunas canciones del álbum con fines "melódicos", incluyendo "(I Got A) Catholic Block" y "Beauty Lies in the Eye", que usó tres o cuatro guitarras.
"Hot Wire My Heart" es una versión de una canción de Crime. "Kotton Krown" (o "Cotton Crown") fue el primer dueto de la banda entre Gordon y Moore, aunque Moore solía cantarlo solo durante las presentaciones en vivo.
La canción de cierre, "White Kross", fue la más antigua del álbum y apareció en un NME 7". En la gira europea de la banda de 1987, ampliaron la canción con una coda improvisada que más tarde se llamaría "Broken Eye".
La obra de arte de la portada original contenía una fotografía de Sandra Bennett, de 12 años, tomada por Richard Avedon el 23 de agosto de 1980 y utilizada como portada de su libro “In the American West”, publicado en 1985.
La foto fue censurada para lanzamientos posteriores después de una amenaza de una demanda por derechos de autor. Al principio, la imagen simplemente estaba cubierta con una pegatina negra, pero en prensados posteriores la foto fue eliminada por completo, mostrando solo un área negra.
En una reseña contemporánea para The Village Voice, el crítico musical Robert Christgau, quien previamente había tenido una disputa con la banda, calificó a “Sister” como un álbum que finalmente estaba a la altura de su estética.
Christgau dijo que, si bien Sonic Youth había aprendido a moderar su inclinación por la "locura", su sonido de guitarra seguía siendo "casi único en su capacidad de evocar el rock and roll sin implicarlos en una historia que pocas bandas jóvenes pueden soportar hoy en día".
En una reseña negativa, la revista Spin afirmó que la banda no logró combinar con éxito sus "disparates" anteriores con una "tonalidad rockera auténtica", ya que el enfoque musical más moderado carecía de riffs e ideas fuertes.
El álbum fue votado como el duodécimo mejor álbum del año en la encuesta anual de críticos "Pazz & Jop" de The Village Voice de 1987. Christgau, el creador de la encuesta, lo ubicó en quinto lugar en su propia lista.
El álbum ocupó el puesto número 4 entre los "Álbumes del año" de 1987 en la encuesta anual de críticos de NME.
En una revisión retrospectiva, el editor de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, llamó a Sister "una obra maestra" y "uno de los discos de rock artístico singulares de la década de 1980, superado solo por el siguiente álbum de Sonic Youth, “Daydream Nation".
Slant Magazine lo llamó "el último gran álbum de punk de la era de Reagan y el primer gran álbum pop que emergió del underground estadounidense", al tiempo que lo catalogó como el 72º mejor álbum de la década de 1980.
Pitchfork clasificó a “Sister” como el 14º mejor álbum de la década de 1980.
NME lo clasificó en el puesto 80 de su lista de los mejores álbumes de todos los tiempos y en el puesto 37 de su lista de los 50 mejores álbumes de la década de 1980.
En julio de 1995, la revista Alternative Press votó a “Sister” como el tercer mejor álbum de la década que abarca 1985-1995.
Josh Jackson de la revista Paste colocó el álbum en el puesto n° 39 de su lista de "Los 50 mejores álbumes de post-punk", diciendo: "Si bien Daydream Nation del año siguiente puede ser su obra maestra de indie-rock, Sister , más extraño y musculoso , ejemplifica todo lo bueno de la música post-punk".
A pesar de su éxito crítico, la banda se sintió insatisfecha con SST debido a preocupaciones sobre los pagos y otras prácticas administrativas.
El LP doble de 1988, “Daydream Nation”, fue un éxito crítico que le valió a Sonic Youth una aclamación sustancial.
Fue lanzado el 18 de octubre de 1988. La banda lo grabó el álbum entre julio y agosto de 1988 en Greene St. Recording en la ciudad de Nueva York, y fue lanzado por Enigma Records como un álbum doble y distribuido por Capitol Records y en parte propiedad de EMI.
El método estándar de composición de Sonic Youth implicaba que Thurston Moore aportara ideas melódicas y cambios de acordes que la banda pasaría varios meses transformando en canciones completas.
En lugar de reducir las canciones como lo hizo el grupo con sus discos anteriores, el proceso de composición para “Daydream Nation” resultó en largas improvisaciones, algunas de más de media hora.
Varios amigos de la banda, incluido Henry Rollins, habían elogiado las improvisaciones en vivo de la banda y le habían dicho al grupo que sus discos nunca las capturaban.
Con Moore escribiendo a toda máquina, el álbum finalmente tuvo que ampliarse a un álbum doble.
El ingeniero del estudio, Nick Sansano, estaba acostumbrado a trabajar con artistas de hip hop. Sansano no conocía mucho a Sonic Youth, pero sabía que la banda tenía un sonido agresivo, así que les mostró su trabajo en “Black Steel in the Hour of Chaos” de Public Enemy y “It Takes Two” de Rob Base y DJ EZ Rock. El grupo se entusiasmó con el sonido de los discos.
Sonic Youth reservó tres semanas de grabación en el Estudio A de Greene Street, a partir de mediados de julio de 1988.
La banda pagó 1000 dólares por día de estudio, lo máximo que habían pagado por grabar un álbum hasta ese momento.
Debido a la gran preparación que la banda dedicó a la composición musical, el proceso de grabación fue eficiente. La sesión se aceleró hacia el final, cuando Paul Smith, director del sello británico de la banda, Blast First, fijó la masterización para el 18 de agosto.
Debido a la presión del tiempo, Kim Gordon no estaba satisfecha con algunas de sus tomas vocales. La banda dedicó una noche entera a crear la mezcla final de "Trilogy", compuesta por tres canciones, para poder masterizarla a la mañana siguiente.
El disco finalmente costó 30.000 $, lo que llevó a Moore a referirse al álbum como "nuestro primer disco no económico".
“Daydream Nation” generalmente se considera un álbum, y el disco destaca por su afinación de guitarra poco ortodoxa y la estructura de las canciones, con muchas canciones que concluyen con largas secciones instrumentales.
El álbum es especialmente notable por ser una influencia significativa para los trabajos y géneros posteriores del rock alternativo e indie, incluyendo a la conocida banda de grunge Nirvana.
Las letras incluyen temas como el agotamiento, la industria musical y la epidemia del crack de finales de la década de 1980.
"The Sprawl" se inspiró en las obras del escritor de ciencia ficción William Gibson, quien usó el término para referirse a una futura megaciudad que se extendería desde Boston hasta Atlanta (específicamente de la Trilogía "Sprawl").
La letra de la primera estrofa se extrajo de la novela "The Stars at Noon" de Denis Johnson.
"Cross the Breeze" presenta algunas de las voces más intensas de Gordon, con letras como "Vamos a caminar sobre el agua/Ahora crees que soy la hija de Satán/Quiero saber, ¿debería quedarme o irme?/Examiné tu odio/Me hizo sentir muy actual".
"Eric's Trip" tiene letras relacionadas con el monólogo de Eric Emerson, inspirado en LSD, en la película “Chelsea Girls” de Andy Warhol.
"Hey Joni" se titula como un homenaje al clásico del rock "Hey Joe" y a la cantautora canadiense Joni Mitchel.
La canta Ranaldo y tiene letras surrealistas como "Suenan disparos desde el centro de un campo vacío/Joni está en la hierba alta/Es una hermosa rocola mental, la explosión de un velero/Un chasquido de latigazo eléctrico".
Esta canción también alude a las obras de “Neuromancer” de William Gibson con el verso "En esta ciudad destrozada, ¿aún puedes conectarte/Y saber qué hacer?".
Estos aparecen de forma similar en las otras dos canciones de Ranaldo en el álbum, la poco interpretada "Rain King" —un homenaje a Pere Ubu y quizás a “Henderson the Rain King” de Saul Bellow— y la ya mencionada "Eric's Trip".
"Providence" consistía en un solo de piano de Moore grabado en la casa de su madre usando un walkman, el sonido de un amplificador Peavey Roadmaster sobrecalentándose y un par de mensajes telefónicos dejados por Mike Watt, llamando a Moore desde un teléfono público de Providence, Rhode Island, doblados uno sobre otro.
El título de "The Wonder" proviene de la frase del escritor de novela negra James Ellroy sobre el inefable misterio que se esconde en el corazón de Los Ángeles; en palabras de Moore, "the wonder" es lo que "en las buenas y en las malas, inspira [a Ellroy] a seguir adelante, a levantarse de la cama cada día".
El tema de cierre, "Eliminator Jr.", se inspiró en el "asesino de los pijos", Robert Chambers. Se tituló así porque la banda sintió que sonaba como una mezcla entre Dinosaur Jr. y ZZ Top de la era “Eliminator”.
El título de “Daydream Nation” proviene de una letra de la canción "Hyperstation".
Sonic Youth también había considerado el título “Tonight's the Day”, de una letra de "Candle", que hacía referencia al álbum de 1975 de Neil Young “Tonight's the Night”.
La portada del album presenta la pintura de Gerhard Richter de 1983 “Kerze” ("Vela"). La contraportada es una pintura similar de Richter de 1982.
Los cuatro lados de la versión en vinilo y la bandeja interior del disco compacto contienen cuatro símbolos, cada uno de los cuales representa a uno de los miembros de la banda, en un homenaje a, y parodia de, los cuatro símbolos del cuarto álbum de Led Zeppelin.
Los símbolos son infinito (∞) para Ranaldo (en referencia a su álbum de 1987 “From Here to Infinity”), femenino (♀) para Gordon, omega mayúscula (Ω) para Moore (en referencia a Leo, su signo del zodíaco) y un dibujo de un bebé demoníaco-angélico sosteniendo baquetas para Shelley.
El disco no entró en las listas de Estados Unidos, pero alcanzó el puesto número 99 en la lista de álbumes británica.
La canción "Teen Age Riot" fue popular en la radio alternativa y alcanzó el puesto número 20 en la recién creada lista Modern Rock Tracks de Billboard.
Sonic Youth también promocionó el álbum con una gira por Norteamérica de octubre a diciembre de 1988, concentrándose casi exclusivamente en el material del álbum.
En 1989, realizaron la gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, la URSS y Europa, terminando el año con su primera aparición en televisión —en el programa sindicado Night Music— interpretando “Silver Rocket”.
En 2007, tocaron el álbum en vivo como parte de la serie de conciertos Don't Look Back, y luego lo acompañaron de gira por Europa y Australia hasta 2008.
“Daydream Nation” recibió una aclamación abrumadora de la crítica contemporánea.
Billboard lo calificó como "la culminación suprema" de la "técnica de punta a punta" de Sonic Youth.
Robert Christgau, quien le otorgó una calificación de "A" en The Village Voice, creía que, si bien la banda adoptaba un "carrerismo despreocupado y una madurez de cuatro por cuatro", su música implacablemente discordante era "un triunfo filosófico".
Robert Palmer, de Rolling Stone, le dio tres estrellas y media de cinco y dijo que demostraba "la amplia paleta armónica, las habilidades de composición perfeccionadas y el impulso estimulante" del "cuarteto influyente", a la vez que presentaba "la banda de guitarra estadounidense definitiva de los ochenta en la cima de su poder y presciencia".
La prensa musical británica también acogió con agrado a “Daydream Nation”: la revista Q dijo que el disco hizo un "ruido fascinante"; la NME lo llamó el "álbum más radical y político del año" y le otorgó una puntuación máxima de diez; y Record Mirror le dio una calificación de cinco sobre cinco, entusiasmado de que Sonic Youth era "la mejor banda del universo".
A finales de 1988, “Daydream Nation” apareció en varias listas de los mejores álbumes del año, ocupando el puesto número 2 según Rolling Stone, el número 1 según CMJ, y el número 9 según NME.
También fue votado como el segundo mejor disco del año en la encuesta anual “Pazz & Jop” de The Village Voice, lo que hizo que la banda se diera cuenta de que el álbum había tenido un impacto. Christgau, el creador y supervisor de la encuesta, lo nombró el cuarto mejor álbum de 1988 en su propia lista.
“Daydream Nation” ha seguido cosechando elogios y reconocimientos. Según Matthew Stearns, autor del libro “33⅓” dedicado al álbum, este ha sido "rotundamente canonizado como un hito revolucionario en las crónicas de la expresión del avant-rock".
Stearns escribió que “Daydream Nation” constituía la "Santísima Trinidad" de los primeros álbumes dobles de indie rock, junto con “Zen Arcade” de Hüsker Dü y “Double Nickels on the Dime” de Minutemen, y consideró que los tres trabajos "juntos marcan un período de expansión creativa sin precedentes en cuanto a las posibilidades de la música rock estadounidense underground (o no)".
En una reseña retrospectiva para AllMusic, Stephen Thomas Erlewine lo calificó como "una obra maestra del rock artístico post-punk" que demostró hasta qué punto "el ruido y el arte vanguardista autoconsciente se pueden incorporar al rock, y los resultados son nada menos que impresionantes".
Jon Matsumoto, de Los Angeles Times, lo calificó como la obra maestra de la banda y dijo que habían desarrollado habilidades de composición de primer nivel para complementar su inclinación por la instrumentación disonante.
Greg Kot, escribiendo en el Chicago Tribune, lo calificó como uno de los álbumes más reconocibles de la década de 1980 con su combinación de "imposciones de guitarra hipnóticas y algunas de las mejores melodías directas de la banda".
En su reseña de la edición de lujo de 2007, Christgau atribuyó a “Daydream Nation” el mérito de convertir el rock alternativo en una "fuerza vital" y comentó que, junto con el "vital" disco extra, el álbum seguía siendo una escucha honesta y emocionante debido a sus afinaciones musicales y canciones himno sobre la post-ironía y la "confusión como sexo".
En Spin, Will Hermes dijo que era quizás "la mayor declaración de art-punk de la historia", mientras que John Mulvey de Uncut lo calificó como una "obra maestra del avant-rock" aún radical.
En 2002, Pitchfork clasificó a “Daydream Nation” en el puesto número 1 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980 (el álbum descendió al puesto número 7 en la lista de 2018).
También se ubicó en el puesto número 13 de la lista de los 100 mejores álbumes de la revista Spin de 1985 a 2010, en el puesto número 30 de la lista de "Mejores álbumes de la década de 1980" de la revista Slant y en el puesto número 45 de la lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980 de la revista Rolling Stone.
La Spin Alternative Record Guide (1995) lo nombró el noveno mejor álbum alternativo y ocupó el puesto número 11 en la lista de los 101 discos de guitarra esenciales de Guitarist del año 2000.
En 2003, el álbum se ubicó en el puesto número 328 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, y nuevamente en 2012, ocupando el puesto número 171 en la edición de 2020.
“Daydream Nation” fue una de las 50 grabaciones elegidas por la Biblioteca del Congreso para ser añadidas al Registro Nacional de Grabaciones en 2006.
PopMatters lo incluyó en su lista de los "12 álbumes esenciales de rock alternativo de los 80", diciendo que era "un ambicioso álbum doble que vio las diversas influencias de Sonic Youth fusionarse en un todo impactante y abrasador".
El álbum también fue incluido en el libro “1001 Albums You Must Hear Before You Die”.
Menos favorablemente, Chuck Eddy describe “Daydream Nation” como "dos discos de buen Hawkwind, con un ritmo al estilo “I Ching” lo suficientemente elegante como para hacer que tu vaca salte por la luna, pero la mayor parte es papel tapiz acuático de todos modos". David Bowie lo llamó "un álbum extraordinario".
Amy Phillips de Pitchfork escribió en 2018: “Treinta años después de su lanzamiento, la obra maestra de dos álbumes de Sonic Youth sigue siendo el documento que define el indie rock estadounidense. Nunca antes ni después esta banda —ni ninguna otra— sintetizaría la urgencia del punk, la abrasión del noise y la belleza del pop en un todo tan monumental. El ADN de todo lo que vino antes, y de todo lo que vino después, está codificado en este álbum”.
En 2020, Adrien Begrand de PopMatters escribió: “Desde la hermosa pintura de Gerhard Richter en la portada del álbum hasta la música alternativamente melódica y atonal que contiene, esta fue una declaración de “música como arte supremo” al nivel de The Velvet Underground y Nico 21 años antes. Nevermind de Nirvana rompería la presa del rock alternativo tres años después, pero en cuanto a influencia, Daydream Nation fue igual de sísmico, por no mencionar que, a largo plazo, fue el álbum superior”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Kim Gordon
Kim Gordon es una figura legendaria de la música alternativa, conocida por su rol como bajista, guitarrista, vocalista y miembro fundador del grupo de rock alternativo Sonic Youth, la influyente banda de noise rock que co-fundó en 1981 junto a Thurston Moore en Nueva York.
Durante su apogeo como pioneros del indie y el rock alternativo, nada en Sonic Youth era estándar, desde sus vídeos artísticos hasta sus capas preferidas de guitarras de afinación rara, e incluso las partes de bajo de Kim Gordon.
Gordon nunca había tocado el instrumento cuando cofundó la banda a principios de los ochenta y, según admite ella misma, sus habilidades nunca alcanzaron el nivel de virtuosismo.
Pero su estilo primitivo no podría haber sido más adecuado para una banda que valoraba lo poco convencional por encima de todo, hasta las guitarras rotas y reconstruidas que tocaban.
"Mi forma de tocar el bajo siempre funcionó muy bien porque era minimalista", dice. "Había algunas canciones en las que Thurston [Moore] tenía una melodía para la canción, así que quería que tocara las notas fundamentales. Sentía que mi trabajo no era convertirme en una buena bajista".
El sonido característico de Gordon, un ritmo gutural que suena como un tren subterráneo que se aproxima, se escucha en toda la discografía de la banda, desde los primeros y oscuros rumores como "Brave Men Run (In My Family)" hasta las pistas de su comercial destacado de los noventa, "Dirty" ("Youth Against Fascism", "Sugar Kane") y, más tarde, a declaraciones más lánguidas como "Jams Run Free".
Gordon también fue miembro fundador del proyecto musical Free Kitten, que formó con Julia Cafritz en 1993.
Sonic Youth lanzó su decimoquinto y último álbum de estudio, "The Eternal" (2009), en Matador Records antes de disolverse en 2011 después de que Gordon y Moore se separaran.
Después de la disolución de Sonic Youth y su divorcio de Moore, Gordon formó el dúo experimental Body/Head con Bill Nace, que lanzó su álbum debut, “Coming Apart”, en 2013.
Posteriormente formó Glitterbust con Alex Knost, lanzando un álbum debut homónimo en 2016.
Gordon lanzó su primer álbum en solitario, “No Home Record”, en 2019. Su segundo esfuerzo en solitario, "The Collective", le siguió en 2024. Lanzado con gran éxito de crítica, le ha valido a Gordon sus dos primeras nominaciones al Grammy.
Además de su trabajo como música, Gordon ha incursionado en la producción discográfica, la moda y la actuación, y ha trabajado consistentemente como artista visual a lo largo de su carrera musical.
Debutó como productora en el álbum debut de Hole, “Pretty on the Inside” (1991), y fundó la línea de ropa X-Girl, con sede en Los Ángeles, en 1993.
A mediados de la década de 2000, Gordon comenzó a actuar, con apariciones menores en películas como “Last Days” (2005) y “I'm Not There” (2007) y como estrella invitada en varias series de televisión.
En 2015, publicó sus memorias, “Girl in a Band”, con el sello Dey Street Books de Harper Collins.
Kim Gordon es una mujer que, al igual que otros referentes femeninos de la música, supo encontrar su lugar en un mundo masculinizado (y, en ocasiones, sexista).
Así lo denunció en su libro de memorias: “Las cantantes que se obstinan en llevar las cosas al límite no suelen durar demasiado tiempo. Son ráfagas, relámpagos: Janis Joplin, Billie Holliday…”.
Aunque se contradijo ella misma, si atendemos a su caso: fue un relámpago que duró casi 30 años, y los motivos del fin fueron otros.
Kim Althea Gordon nació el 28 de abril de 1953, en Rochester, Nueva York, y es la segunda hija de Althea y Calvin Wayne Gordon.
En el momento de su nacimiento, el padre de Gordon, nativo de Kansas, era profesor en el departamento de sociología de la Universidad de Rochester.
Su madre, descendiente de pioneros estadounidenses de la Costa Oeste, aprendió a coser durante su crianza en la Gran Depresión y trabajó como costurera durante la infancia de Gordon. Gordon la describió como "reservada y generalmente ansiosa" y "una artista insatisfecha".
Gordon tiene un hermano mayor, Keller, a quien describió como "brillante, manipulador, sádico, arrogante, casi insoportablemente articulado" y "la persona que más que nadie en el mundo moldeó quién era y quién resultó ser".
A la edad de cinco años, Gordon y su familia se mudaron a Los Ángeles, California, cuando a su padre le ofrecieron una cátedra en el departamento de sociología de la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA), donde más tarde se convirtió en el Decano de la Facultad.
De niña, Gordon asistió a la Escuela Primaria Universitaria, una escuela primaria progresista afiliada a la UCLA, que ella describió como "aprender haciendo. Así que siempre estábamos haciendo lanzas africanas y bajando al río y haciendo chozas de barro, o desollando una piel de vaca y secándola y tirándola por el acantilado en Dana Point".
En sus memorias, Gordon relata pasar los veranos con su familia en Klamath, California, cerca de la frontera con Oregón. La familia también vivió en el Hong Kong británico durante un año durante su infancia.
Después de graduarse de la escuela secundaria, asistió a Santa Monica College durante dos años antes de transferirse a la Universidad de York en Toronto, Ontario, Canadá.
Gordon pronto sintió nostalgia y decidió abandonar York al final del año escolar y regresar a Los Ángeles. "Estaba cada vez menos feliz a medida que se acercaba el sombrío invierno de Toronto", recordó. "Sin el beneficio del sol de California, mi cabello se oscureció cada vez más y no tenía idea de cómo vestirme para el frío".
Decidió inscribirse en el Otis College of Art and Design, lo que, según ella, "cambió mi vida".
Gordon vivió en Culver City y Venice, Los Ángeles, y trabajó en un restaurante indio para pagar su matrícula.
También trabajó brevemente para el comerciante de arte Larry Gagosian como trabajo secundario. Se graduó como licenciada en Bellas Artes en 1977.
Mientras estudiaba en Otis, el hermano mayor de Gordon, Keller, sufrió un episodio psicótico el día de su graduación de la Universidad de California, Berkeley, donde había obtenido una maestría en literatura clásica.
Posteriormente, le diagnosticaron esquizofrenia paranoide y vivió un tiempo en centros de reinserción social antes de quedar bajo la tutela del estado de California. La canción "Schizophrenia", que apareció en el cuarto álbum de estudio de Sonic Youth, “Sister” (1987), se inspiró en parte en su hermano.
Después de graduarse del Otis Art Institute, Gordon se mudó a la ciudad de Nueva York en 1980, con la esperanza de seguir una carrera en el arte.
Allí, aceptó trabajos relacionados con el arte para obtener ingresos, como trabajar como escritora para Artforum.
En 1981, comisarió una exposición en la White Columns Gallery que contó con contribuciones de Mike Kelley y Tony Oursler, entre otros.
Alrededor de 1981, Gordon se interesó en las bandas "no-wave", recordando: "Cuando llegué a Nueva York, iba a ver bandas en el centro tocando música no-wave. Era expresionista y también nihilista. El punk rock era irónico, decía: 'Sí, estamos destruyendo el rock'. La música no-wave es más como, 'NO, realmente estamos destruyendo el rock'. Fue muy disonante. Simplemente pensé: "¡Guau, esto es realmente libre! ¡Podría hacerlo!".
En 1981, Gordon se unió a la banda de corta duración CKM, con Christine Hahn y Stanton Miranda, y conoció a Thurston Moore, que marcó la vida de Kim, como ella misma relata en su libro: “Estábamos hablando de esto y aquello cuando clavó la mirada en la guitarra Drifter que estaba reclinada contra la pared. De alguna manera, aquello determinó nuestro destino”.
Moore y Gordon formaron una banda, apareciendo bajo nombres como Male Bonding, Red Milk, y los Arcadians antes de decidirse por Sonic Youth a mediados de 1981.
El nombre surgió de la combinación del apodo de Fred "Sonic" Smith de MC5 con el artista de reggae Big Youth.
Gordon recordó más tarde que "tan pronto como a Thurston se le ocurrió el nombre Sonic Youth, surgió un cierto sonido que era más de lo que queríamos hacer".
La banda tocó en el Noise Fest en junio de 1981 en la galería White Columns de Nueva York, donde Lee Ranaldo tocaba como miembro del conjunto de guitarras eléctricas de Glenn Branca.
Su actuación impresionó a Moore, quien los describió como “la banda de guitarras más feroz que he visto en mi vida”, e invitó a Ranaldo a unirse a Sonic Youth.
El nuevo trío tocó tres canciones en el festival más tarde esa semana sin baterista. Cada miembro de la banda se turnó para tocar la batería, hasta que conocieron al baterista Richard Edson.
Glenn Branca fichó a Sonic Youth como primer artista de su sello discográfico Neutral Records y en diciembre de 1981, el grupo grabó cinco canciones en el Radio City Music Hall de Nueva York.
El material se publicó como el EP “Sonic Youth”, que, aunque fue ignorado en gran medida, fue enviado a algunos miembros clave de la prensa musical estadounidense, quienes le dieron críticas generalmente favorables.
Es la única grabación que presenta la formación inicial de Sonic Youth con Richard Edson a la batería. “Sonic Youth” se diferencia estilísticamente de los trabajos posteriores de la banda por su mayor incorporación de guitarras limpias, afinación estándar, producción nítida y un estilo post-punk.
A diferencia de los siguientes lanzamientos de Sonic Youth, “Sonic Youth” usa predominantemente la afinación estándar E para sus guitarras.
James Jackson Toth de Stereogum afirmó que el álbum "suena como el primo oscuro y post-punk de la atrevida banda new wave de Thurston, The Coachmen".
En cuanto a la batería, las canciones presentan los estilos más "céntricos" de roto-tom de Richard Edson, acercándose a los ritmos cuasi- funk / hip-hop de bandas de 99 Records como ESG y Liquid Liquid.
El bajo, aunque a menudo toca riffs en tonos menores, está casi basado en el funk, que era una característica común de la música post-punk y no wave.
Los tonos limpios de la guitarra contienen poco del ruido característico por el que Sonic Youth eventualmente se haría conocido. Una de las pocas partes de Sonic Youth que se mantuvo en sus futuros lanzamientos fue el uso de la guitarra preparada, como en "The Burning Spear", donde Thurston Moore colocó una baqueta debajo de las cuerdas de su guitarra en el traste 12.
Aunque el disco original tiene una duración de unos 25 minutos, “Sonic Youth” es considerado por la banda como su primer álbum de estudio. Kim Gordon se ha referido a él en su autobiografía como un EP.
“Sonic Youth” ha recibido una recepción mixta por parte de los críticos.
En reseñas retrospectivas, Brandon Stosuy de Pitchfork le dio al EP una calificación de 8.2 sobre 10, calificándolo de "obviamente más primitivo que el trabajo posterior del cuarteto [...] las grabaciones ofrecen un ritmo fantasmal, hipnótico y cerrado" y que "este es SY en su faceta más gélida; es un set erudito y azotado por el viento, que envuelve la distorsión dentro de ritmos bailables, semicongelados, de Liquid Liquid".
Andy Kellman de AllMusic escribió: "Incómodo y bastante formativo, el disco suena como una fusión de no wave y una banda temprana de Factory ".
Trouser Press escribió sobre el álbum: "Este disco no es divertido".
“Sonic Youth” se lanzó inicialmente en vinilo de 12 pulgadas en marzo de 1982 en Neutral, el sello discográfico del entonces mentor Branca. En Europa, se lanzó en el sello alemán Zensor en 1984.
En 1987, SST reeditó el álbum en su formato original de vinilo, así como en casete con las cinco pistas reproducidas en la primera cara. La otra cara del casete incluía las mismas cinco pistas, pero reproducidas al revés, de la última a la primera.
La impresión tanto en la tarjeta J como en el casete coincidía: la cara 1 tenía el nombre de la banda y los títulos de las canciones impresos al derecho, mientras que la cara 2 los tenía impresos en imagen invertida.
Ese mismo año, el EP se lanzó por primera vez en CD por SST en Estados Unidos y por Blast First en el Reino Unido.
“Sonic Youth” fue reeditado por Geffen Records en 2006 en CD y como LP doble, con varias pistas adicionales que ampliaron su duración a 63:04. Se añadieron siete canciones de una actuación en directo grabada el 18 de septiembre de 1981.
La mayoría de las pistas reproducidas se basaban en piezas compuestas por la banda para el festival Noisefest celebrado a principios de 1981, mientras que otras son anteriores a la propia banda, como la canción de Gordon "Cosmopolitan Girl".
Varias de estas piezas son bastante diferentes de sus homólogas de estudio, en particular la ruidosa versión inicial de "She Is Not Alone".
Entre las pistas se encuentra la instrumental "Destroyer", anteriormente codiciada por los coleccionistas de bootlegs.
También se añadió una grabación de estudio de una canción que también apareció en una versión en directo, "Where the Red Fern Grows". La canción, una versión inicial de "I Dreamed I Dream", se grabó en octubre de 1981 en un estudio de Chelsea durante la primera sesión de grabación de la banda.
La sesión no salió bien debido, al menos en parte, a un ingeniero que no entendía la música de la banda. La versión de estudio era instrumental, mientras que en la toma en vivo, Lee cantó dos líneas hacia el final.
El libreto de 2006 contiene nuevas fotos y extensas notas de Branca, Edson y Byron Coley, así como algunas notas sobre el álbum de Thurston Moore. En la reedición en CD, la tarjeta de la bandeja es de doble cara: la cara que mira hacia afuera contiene la lista de canciones con un código de barras y un aviso antipiratería de la RIAA , y la cara opuesta tiene la misma lista de canciones sin código de barras ni advertencia de la RIAA. A pesar de la reedición en CD de Geffen, todavía se pueden encontrar los logotipos de Neutral Records en numerosos lugares del paquete.
Richard Edson abandonó el grupo para dedicarse a la actuación y fue reemplazado por Bob Bert.
Durante sus inicios en la escena musical neoyorquina, Sonic Youth forjó una amistad con la banda neoyorquina de noise rock Swans.
Las bandas compartían un local de ensayo, y Sonic Youth emprendió su primera gira en noviembre de 1982 como teloneros de Swans.
Durante una segunda gira con Swans al mes siguiente, la tensión aumentó y Moore criticó constantemente la batería de Bert, que consideraba que no estaba "en el bolsillo".
Bert fue despedido después y reemplazado por Jim Sclavunos, quien tocó la batería en el primer álbum de estudio de la banda, “Confusion Is Sex” de 1983, que presentaba un sonido más fuerte y disonante que su EP debut.
El álbum fue grabado por Wharton Tiers en su estudio de Chelsea (que había instalado en el sótano de un edificio donde trabajaba como superintendente). Se grabó principalmente durante el breve periodo de Jim Sclavunos como baterista de la banda, y aparece en la batería durante la mayor parte del álbum.
Al finalizar las sesiones, Sclavunos decidió retirarse y Bob Bert fue invitado a volver. Bert apareció en "Making the Nature Scene" y en la versión en vivo de "I Wanna Be Your Dog" de los Stooges.
Cuando Sonic Youth lanzó “Confusion in Sex”, su álbum debut en 1983, el mundo del rock underground se puso de pie y se dio cuenta. La banda tenía un nuevo sonido, casualmente llamado sin onda, y un potente sistema de transmisión.
Eran feroces y sin miedo. Pero quizás lo más importante es que eran inteligentes. La banda no solo podía interpretar un monstruo de rock ruidoso como “Freezer Burn”, sino que podían combinarlo con el mismo tipo de energía que encendió los fuegos de Iggy Pop cuando lo casaron con “I Wanna Be Your Dog” de The Stooges. Puro dinamismo.
En una reseña de Trouser Press de 1984, John Leland afirmó que, en este álbum, “reina la confusión, y felizmente así. Este álbum proyecta fragmentos de resonantes, tambaleantes y estridentes fragmentos de seis cuerdas, gran parte de ellos producidos con baquetas y afinaciones extrañas. Participen de la disonancia de Branca , la anarquía de Flipper y la desesperación de PIL , estos artistas del Lower East Side capturan la violencia y la esperanza de su barrio. Si estos sonidos impactan como una endodoncia auditiva, es justo lo que recetó el médico”.
La imagen de portada es un boceto de Kim Gordon del guitarrista Thurston Moore. Esta imagen se usó en carteles de conciertos al principio de la carrera de la banda.
Aunque se considera un ejemplo importante de no wave, el álbum ha recibido una recepción polarizada en las décadas transcurridas desde su lanzamiento.
Blender lo describió como “un golpe contra la bodria del pop y prácticamente un manifiesto contra el placer”.
En un artículo para el Chicago Tribune, Greg Kot afirmó que “los intentos iniciales de Sonic Youth por plasmar su revolución de la guitarra noise fracasaron en el álbum 'Confusion is Sex'”.
Por el contrario, Spin afirmó que el álbum "se erige como el gran documento del Sonic Youth inicial", mientras que Chuck Eddy de Entertainment Weekly se refirió al álbum como "el álbum más divertido, más duro y más subestimado de la banda hasta ahora".
Sonic Youth organizó una gira por Europa para el verano de 1983. Sin embargo, Sclavunos abandonó la banda después de solo unos meses. El grupo le pidió a Bert que volviera, y él aceptó con la condición de que no lo despidieran de nuevo después de la conclusión de la gira. Bert continuó tocando en el EP “Kill Yr Idols” de la banda más tarde en 1983.
El EP fue lanzado en octubre de 1983, originalmente solo en Alemania, por el sello discográfico Zensor.
Jason Birchmeier de AllMusic comentó: “Estas canciones se parecen a las de Confusion Is Sex, excepto que están un poco más desarrolladas, especialmente la canción principal y 'Brother James'. Kill Yr Idols resulta en un fascinante recorrido por los primeros destellos de genialidad de Sonic Youth”.
Sonic Youth tuvo una buena acogida en Europa, pero la prensa neoyorquina ignoró en gran medida la escena local de noise rock.
Con el tiempo, a medida que la prensa empezó a prestar atención al género, Sonic Youth fue agrupado con bandas como Big Black, Butthole Surfers y Pussy Galore bajo la etiqueta de "pigfucker" (follador de cerdos) por el editor del Village Voice, Robert Christgau.
Otro crítico de The Village Voice destrozó un concierto de mala calidad en septiembre en Nueva York.
Gordon escribió una carta desdeñosa al periódico, criticándolo por no apoyar a la escena musical local, a lo que Christgau respondió que el periódico no estaba obligado a apoyarlos.
Moore respondió cambiando el nombre de la canción "Kill Yr Idols" a "I Killed Christgau with My Big Fucking Dick" (Maté a Christgau con mi gran polla), antes de que ambos finalmente resolvieran sus diferencias amistosamente.
Tras cerrar una segunda gira europea a finales de 1983, el desastroso debut de Sonic Youth en Londres se vio afectado por el mal funcionamiento del equipo de la banda y por la frustración de Moore, que lo destruyó en el escenario.
Al regresar a Nueva York, eran tan populares que podían concertar conciertos locales con regularidad.
Al año siguiente, Moore y Gordon se casaron, y Sonic Youth grabó “Bad Moon Rising”, un álbum autodenominado "americana" que sirvió como reacción al estado de la nación en ese momento.
“Bad Moon Rising”, el segundo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 29 de marzo de 1985 por Blast First y Homestead Records. El álbum gira en torno al lado oscuro de Estados Unidos, con referencias a la obsesión, la locura, Charles Manson, el heavy metal, el satanismo y los encuentros de los primeros colonos europeos con los nativos americanos.
Lanzado con excelentes críticas de la prensa musical underground, “Bad Moon Rising” fue el primer álbum de la banda en combinar material experimental con piezas de transición y transiciones.
El álbum fue precedido por el sencillo “Death Valley '69”, que no entró en las listas de éxitos ni en Estados Unidos ni en el Reino Unido (la canción se regrabó para el álbum y se volvió a publicar como sencillo en junio de 1985).
El álbum lleva el nombre de la canción “Bad Moon Rising” de Creedence Clearwater Revival de 1969 y su estilo se ha descrito como noise rock, no wave y rock experimental.
El álbum comienza con “Intro”, un breve instrumental con varias guitarras, descrito por Michael Azerrad como “una línea slide melancólica y maulladora que se complementa con una delicada pila de arpegios cristalinos”.
“Intro” da paso a la siguiente canción, “Brave Men Run (In My Family)”. La canción comienza con un único riff que se repite durante un minuto, antes de que Gordon murmure: “Brave man run in my family/Brave men run away from me”.
El riff se desvanece en la tercera canción del álbum, “Society Is a Hole”, “un himno de un solo acorde a la anomia de la gran ciudad”.
El uso de piezas de transición de Sonic Youth en el álbum se inspiró en sus shows en vivo, en los que Moore o Ranaldo afinaban guitarras durante hasta cinco minutos mientras el otro tocaba riffs de guitarra transitorios lentos o collages de sonido pregrabados.
"I Love Her All the Time" presenta una extensa preparación de guitarra de Ranaldo y el uso de un solo acorde, con una sección de ruido en el medio; como muchas de las canciones del álbum, se centra en la textura y el ritmo más que en la melodía.
La segunda cara de “Bad Moon Rising”, que incluye la experimental "Ghost Bitch" (con Ranaldo en la guitarra acústica y referencia al primer encuentro de los nativos americanos con los colonos europeos), "I'm Insane" y "Justice is Might", amplía el concepto de paisaje sonoro; las canciones presentan riffs de guitarra repetitivos que se entrelazan de una canción a otra, mientras Moore y Gordon murmuran letras crípticas.
"Death Valley '69", el tema de cierre del álbum fue fruto de una colaboración entre Moore y la cantante y poeta neoyorquina Lydia Lunch, inspirada en los asesinatos de la familia Charles Manson.
Al describir el estilo del álbum, Pitchfork lo describió como "más que una colección de canciones es un alboroto extenso e incesante, con un sonido y una temática impecables".
La portada del álbum es una fotografía del artista James Welling de un espantapájaros con una calabaza en llamas como cabeza.
Robert Palmer del New York Times elogió a “Bad Moon Rising” como uno de los diez mejores álbumes del año, clasificándolo en el puesto número 4 mientras elogiaba a Sonic Youth por "hacer la música basada en guitarra más sorprendentemente original desde Jimi Hendrix , usando solo guitarras baratas, amplificadores comunes y todas las afinaciones y combinaciones armónicas no probadas que su imaginación hiperactiva puede idear".
AllMusic destacó la naturaleza oscura del álbum, escribiendo: "Un álbum muy diferente a cualquier otro en el colorido canon de Sonic Youth, Bad Moon Rising captura a la banda neoyorquina en 1985 durante su fase más sombría, una que es bastante amenazante pero fascinante al mismo tiempo".
Trouser Press escribió que "[exuda] toda la horrible belleza de una nube de hongo en el horizonte".
Pitchfork describió la estética del álbum como "convincente".
Byron Coley de Spin escribió: "Un retrato auditivo de la banda que es menos obstinadamente violento que sus precursores inmediatos. El ker-unch de las guitarras como excavadoras en batalla es ciertamente el sonido alrededor del cual se enrosca el disco".
“Bad Moon Rising” ocupó el puesto número 42 en la lista de Alternative Press de los mejores álbumes de 1985-1995, superando a “Daydream Nation”.
Debido a una pelea con Branca por los pagos de regalías disputados de sus lanzamientos Neutral, Sonic Youth firmó con Homestead Records en los EE. UU. y Blast First en el Reino Unido (que el fundador Paul Smith creó simplemente para poder distribuir los discos de la banda en Europa).
Mientras que la prensa de Nueva York ignoró “Bad Moon Rising” en su lanzamiento en 1985, ahora viendo a la banda como demasiado artística y pretenciosa, Sonic Youth ganó elogios de la crítica en el Reino Unido, donde el nuevo álbum vendió 5000 copias.
Afirmando que estaba aburrido de tocar “Bad Moon Rising” en vivo durante más de un año, Bert dejó el grupo y fue reemplazado por Steve Shelley, exintegrante del grupo punk Crucifucks. Sonic Youth quedó tan impresionado con la batería de Shelley tras verlo tocar en vivo que lo contrataron sin audición.
Bert y Shelley aparecieron en el video musical de "Death Valley '69", ya que Bert había tocado la batería en la canción, pero Shelley era el baterista del grupo cuando se grabó el video.
Sonic Youth apreciaba SST Records desde hacía tiempo; Ranaldo comentó: “Fue la primera discográfica en la que estuvimos y por la que realmente hubiéramos dado cualquier cosa”.
Sonic Youth firmó con el sello a principios de 1986 y comenzó a grabar “EVOL” con Martin Bisi. La banda ganó reconocimiento nacional al firmar con SST, convirtiéndose en la primera banda del underground neoyorquino en alcanzar tal notoriedad.
Lanzado en mayo de 1986, “EVOL” fue el primer álbum de Sonic Youth con SST Records y también el primero en contar con la participación del entonces nuevo baterista Steve Shelley, quien acababa de reemplazar a Bob Bert.
En este álbum es donde el grupo realmente definió su sonido arquetípico. El furioso trabajo de pedal de la banda y los riffs difusos proporcionaban ahora un grado de meditación y amenaza.
“Bésame en la sombra de una duda”, canta Gordon en “Shadow of a Doubt”, la canción que gira en torno a esta súplica. Es una frase adecuada considerando la dualidad de la canción y el estilo innovador de la banda.
En reseñas retrospectivas, los críticos citan a “EVOL” como la transición de Sonic Youth desde sus raíces no wave hacia una mayor sensibilidad pop, mientras que Kim Gordon se ha referido a él como el "disco gótico" de la banda.
Pitchfork ha elogiado el álbum, afirmando que “EVOL fue donde se sembraron las semillas de la grandeza", y lo colocó en el puesto 31 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980, junto con los dos siguientes álbumes de Sonic Youth, “Sister” y “Daydream Nation”, que ocuparon el puesto 14 y el primer lugar, respectivamente.
La portada del álbum presenta una imagen de la modelo/actriz Lung Leg, una imagen fija tomada de la película de Richard Kern, “Submit to Me”.
Leg había aparecido previamente en el video musical "Death Valley '69" (dirigido por Kern y Judith Barry).
La contraportada muestra una imagen en blanco y negro de la banda en un marco con forma de corazón.
Las 10 canciones del álbum están listadas en un orden diferente al de la lista de canciones real.
Los nombres de los miembros también aparecen en la contraportada, aunque no se les asigna ningún instrumento. Dice "guitarras, voz, batería", con "bajo" oculto debajo de la fotografía de la banda.
El inserto presenta las letras de las canciones y la cara A muestra a Thurston Moore, con ojos dibujados en sus manos, sosteniéndolas frente a su rostro. Esta fotografía se usó más tarde para la portada del sencillo "Starpower".
A la izquierda de esta fotografía se encuentra una viñeta del cómic de Marvel “Los Nuevos Mutantes” (en la segunda página del número 14, publicado en abril de 1984).
El reverso contiene imágenes de las películas de terror “Viernes 13 Parte 2” y “Los Niños del Maíz”, con una foto fija de la película de 1962 "Casa de Mujeres" con las estrellas Constance Ford (sacando la lengua) y Barbara Nichols en la esquina superior derecha.
Esta imagen solo aparece en el prensado inicial de vinilo de SST y en las reediciones de vinilo posteriores a 2010. Se omitió en todos los demás lanzamientos.
"EVOL" ha sido bien recibido por la crítica. Robert Christgau, con quien la banda había tenido encuentros en años anteriores, le dio al álbum una calificación de B+.
Se ubicó en el puesto número 4 entre los "Álbumes del Año" de NME.
La revista Slant, que colocó a “EVOL” en el puesto número 82 de su lista de "Mejores Álbumes" de la década de 1980, lo describió como "uno de los álbumes más extraños [de Sonic Youth]" y "un álbum difícil que, sin embargo, es una de las mejores invocaciones actuales del caos sin ondas".
Pitchfork describió el álbum como "el verdadero punto de partida de la evolución musical de Sonic Youth: poco a poco, Thurston Moore y Lee Ranaldo comenzaron a dar forma a lo informe, melodía a lo desafinado y, con la ayuda de la batería de Steve Shelley, impusieron melodía y composición a su disonancia característica".
Pitchfork continuó diciendo que “EVOL [fue] donde se sembraron las semillas de la grandeza", y lo colocó en el puesto 31 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980.
Trouser Press lo etiquetó como "una obra casi maestra", y Stephen Thomas Erlewine de AllMusic le dio una reseña de 4,5 estrellas, escribiendo que el álbum es "una mezcla asombrosamente fluida de instrumentación de vanguardia y subversiones del rock & roll".
El cantante y guitarrista de Teenage Fanclub, Norman Blake, ha declarado que “EVOL” y el álbum “Daydream Nation” de Sonic Youth de 1988 fueron "las principales influencias" en el primer álbum de la banda, “A Catholic Education”.
El líder de Pavement, Stephen Malkmus, elogió a “EVOL”, afirmando que "Expressway to Yr. Skull" es "una de mis canciones favoritas" y que "ofrece todo lo que la música de guitarra alternativa puede ofrecer en estos tiempos".
Malkmus también declaró: "Después de descubrir EVOL, comencé a reafinar mi guitarra como Thurston Moore y Lee Ranaldo. No quería seguir tocando con afinaciones predefinidas. De repente, eso me pareció muy aburrido. Y así siguió hasta hoy".
Posteriormente, la prensa musical convencional comenzó a prestar atención a la banda. Robert Palmer, de The New York Times, declaró que Sonic Youth estaba “haciendo la música de guitarra más sorprendentemente original desde Jimi Hendrix”, e incluso People reseñó “EVOL”, describiendo el álbum como el “equivalente auditivo de un vertedero de residuos tóxicos”. Posteriormente, Neil Young lo calificó como “un clásico”.
“Sister”, el cuarto álbum de estudio de la banda fue lanzado en SST Records el 1 de junio de 1987. El álbum continuó el alejamiento de la banda del movimiento no wave hacia estructuras de canciones de rock alternativo, manteniendo al mismo tiempo un enfoque experimental.
Al igual que los álbumes anteriores de Sonic Youth, “Sister” no tuvo éxito comercial en su lanzamiento. Sin embargo, desde entonces ha recibido elogios de la crítica, y varias publicaciones lo han catalogado como uno de los mejores álbumes de la década de 1980.
“Sister” se grabó en cinta de 16 pistas entre marzo y abril de 1987 con el ingeniero de sonido Bill Titus en el estudio Sear Sound de Walter Sear en Hell's Kitchen, Manhattan, completamente con equipo analógico.
“Sister” es un álbum conceptual flexible (al igual que su sucesor, “Daydream Nation”), inspirado en parte en la vida y obra del escritor estadounidense de ciencia ficción Philip K. Dick.
Entre los títulos provisionales del álbum se encontraban “Kitty Magic”, “Humpy Pumpy” y “Sol-Fuc”, pero finalmente se llamó “Sister” en referencia a la gemela fraterna de Dick, quien falleció poco después de su nacimiento y cuyo recuerdo lo atormentó toda la vida.
Según Adam Downer de Sputnikmusic, “Sister” se desvió del sonido frenético de la música anterior de Sonic Youth en favor de un estilo refinado de noise pop que caracterizaría el trabajo posterior de la banda.
El álbum incluye canciones de noise rock agresivo como "White Kross" y "Catholic Block", aunque también incluía estructuras de rock alternativo más tradicionales.
La banda usó guitarras acústicas en algunas canciones del álbum con fines "melódicos", incluyendo "(I Got A) Catholic Block" y "Beauty Lies in the Eye", que usó tres o cuatro guitarras.
"Hot Wire My Heart" es una versión de una canción de Crime. "Kotton Krown" (o "Cotton Crown") fue el primer dueto de la banda entre Gordon y Moore, aunque Moore solía cantarlo solo durante las presentaciones en vivo.
La canción de cierre, "White Kross", fue la más antigua del álbum y apareció en un NME 7". En la gira europea de la banda de 1987, ampliaron la canción con una coda improvisada que más tarde se llamaría "Broken Eye".
La obra de arte de la portada original contenía una fotografía de Sandra Bennett, de 12 años, tomada por Richard Avedon el 23 de agosto de 1980 y utilizada como portada de su libro “In the American West”, publicado en 1985.
La foto fue censurada para lanzamientos posteriores después de una amenaza de una demanda por derechos de autor. Al principio, la imagen simplemente estaba cubierta con una pegatina negra, pero en prensados posteriores la foto fue eliminada por completo, mostrando solo un área negra.
En una reseña contemporánea para The Village Voice, el crítico musical Robert Christgau, quien previamente había tenido una disputa con la banda, calificó a “Sister” como un álbum que finalmente estaba a la altura de su estética.
Christgau dijo que, si bien Sonic Youth había aprendido a moderar su inclinación por la "locura", su sonido de guitarra seguía siendo "casi único en su capacidad de evocar el rock and roll sin implicarlos en una historia que pocas bandas jóvenes pueden soportar hoy en día".
En una reseña negativa, la revista Spin afirmó que la banda no logró combinar con éxito sus "disparates" anteriores con una "tonalidad rockera auténtica", ya que el enfoque musical más moderado carecía de riffs e ideas fuertes.
El álbum fue votado como el duodécimo mejor álbum del año en la encuesta anual de críticos "Pazz & Jop" de The Village Voice de 1987. Christgau, el creador de la encuesta, lo ubicó en quinto lugar en su propia lista.
El álbum ocupó el puesto número 4 entre los "Álbumes del año" de 1987 en la encuesta anual de críticos de NME.
En una revisión retrospectiva, el editor de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, llamó a Sister "una obra maestra" y "uno de los discos de rock artístico singulares de la década de 1980, superado solo por el siguiente álbum de Sonic Youth, “Daydream Nation".
Slant Magazine lo llamó "el último gran álbum de punk de la era de Reagan y el primer gran álbum pop que emergió del underground estadounidense", al tiempo que lo catalogó como el 72º mejor álbum de la década de 1980.
Pitchfork clasificó a “Sister” como el 14º mejor álbum de la década de 1980.
NME lo clasificó en el puesto 80 de su lista de los mejores álbumes de todos los tiempos y en el puesto 37 de su lista de los 50 mejores álbumes de la década de 1980.
En julio de 1995, la revista Alternative Press votó a “Sister” como el tercer mejor álbum de la década que abarca 1985-1995.
Josh Jackson de la revista Paste colocó el álbum en el puesto n° 39 de su lista de "Los 50 mejores álbumes de post-punk", diciendo: "Si bien Daydream Nation del año siguiente puede ser su obra maestra de indie-rock, Sister , más extraño y musculoso , ejemplifica todo lo bueno de la música post-punk".
A pesar de su éxito crítico, la banda se sintió insatisfecha con SST debido a preocupaciones sobre los pagos y otras prácticas administrativas.
El LP doble de 1988, “Daydream Nation”, fue un éxito crítico que le valió a Sonic Youth una aclamación sustancial.
Fue lanzado el 18 de octubre de 1988. La banda lo grabó el álbum entre julio y agosto de 1988 en Greene St. Recording en la ciudad de Nueva York, y fue lanzado por Enigma Records como un álbum doble y distribuido por Capitol Records y en parte propiedad de EMI.
El método estándar de composición de Sonic Youth implicaba que Thurston Moore aportara ideas melódicas y cambios de acordes que la banda pasaría varios meses transformando en canciones completas.
En lugar de reducir las canciones como lo hizo el grupo con sus discos anteriores, el proceso de composición para “Daydream Nation” resultó en largas improvisaciones, algunas de más de media hora.
Varios amigos de la banda, incluido Henry Rollins, habían elogiado las improvisaciones en vivo de la banda y le habían dicho al grupo que sus discos nunca las capturaban.
Con Moore escribiendo a toda máquina, el álbum finalmente tuvo que ampliarse a un álbum doble.
El ingeniero del estudio, Nick Sansano, estaba acostumbrado a trabajar con artistas de hip hop. Sansano no conocía mucho a Sonic Youth, pero sabía que la banda tenía un sonido agresivo, así que les mostró su trabajo en “Black Steel in the Hour of Chaos” de Public Enemy y “It Takes Two” de Rob Base y DJ EZ Rock. El grupo se entusiasmó con el sonido de los discos.
Sonic Youth reservó tres semanas de grabación en el Estudio A de Greene Street, a partir de mediados de julio de 1988.
La banda pagó 1000 dólares por día de estudio, lo máximo que habían pagado por grabar un álbum hasta ese momento.
Debido a la gran preparación que la banda dedicó a la composición musical, el proceso de grabación fue eficiente. La sesión se aceleró hacia el final, cuando Paul Smith, director del sello británico de la banda, Blast First, fijó la masterización para el 18 de agosto.
Debido a la presión del tiempo, Kim Gordon no estaba satisfecha con algunas de sus tomas vocales. La banda dedicó una noche entera a crear la mezcla final de "Trilogy", compuesta por tres canciones, para poder masterizarla a la mañana siguiente.
El disco finalmente costó 30.000 $, lo que llevó a Moore a referirse al álbum como "nuestro primer disco no económico".
“Daydream Nation” generalmente se considera un álbum, y el disco destaca por su afinación de guitarra poco ortodoxa y la estructura de las canciones, con muchas canciones que concluyen con largas secciones instrumentales.
El álbum es especialmente notable por ser una influencia significativa para los trabajos y géneros posteriores del rock alternativo e indie, incluyendo a la conocida banda de grunge Nirvana.
Las letras incluyen temas como el agotamiento, la industria musical y la epidemia del crack de finales de la década de 1980.
"The Sprawl" se inspiró en las obras del escritor de ciencia ficción William Gibson, quien usó el término para referirse a una futura megaciudad que se extendería desde Boston hasta Atlanta (específicamente de la Trilogía "Sprawl").
La letra de la primera estrofa se extrajo de la novela "The Stars at Noon" de Denis Johnson.
"Cross the Breeze" presenta algunas de las voces más intensas de Gordon, con letras como "Vamos a caminar sobre el agua/Ahora crees que soy la hija de Satán/Quiero saber, ¿debería quedarme o irme?/Examiné tu odio/Me hizo sentir muy actual".
"Eric's Trip" tiene letras relacionadas con el monólogo de Eric Emerson, inspirado en LSD, en la película “Chelsea Girls” de Andy Warhol.
"Hey Joni" se titula como un homenaje al clásico del rock "Hey Joe" y a la cantautora canadiense Joni Mitchel.
La canta Ranaldo y tiene letras surrealistas como "Suenan disparos desde el centro de un campo vacío/Joni está en la hierba alta/Es una hermosa rocola mental, la explosión de un velero/Un chasquido de latigazo eléctrico".
Esta canción también alude a las obras de “Neuromancer” de William Gibson con el verso "En esta ciudad destrozada, ¿aún puedes conectarte/Y saber qué hacer?".
Estos aparecen de forma similar en las otras dos canciones de Ranaldo en el álbum, la poco interpretada "Rain King" —un homenaje a Pere Ubu y quizás a “Henderson the Rain King” de Saul Bellow— y la ya mencionada "Eric's Trip".
"Providence" consistía en un solo de piano de Moore grabado en la casa de su madre usando un walkman, el sonido de un amplificador Peavey Roadmaster sobrecalentándose y un par de mensajes telefónicos dejados por Mike Watt, llamando a Moore desde un teléfono público de Providence, Rhode Island, doblados uno sobre otro.
El título de "The Wonder" proviene de la frase del escritor de novela negra James Ellroy sobre el inefable misterio que se esconde en el corazón de Los Ángeles; en palabras de Moore, "the wonder" es lo que "en las buenas y en las malas, inspira [a Ellroy] a seguir adelante, a levantarse de la cama cada día".
El tema de cierre, "Eliminator Jr.", se inspiró en el "asesino de los pijos", Robert Chambers. Se tituló así porque la banda sintió que sonaba como una mezcla entre Dinosaur Jr. y ZZ Top de la era “Eliminator”.
El título de “Daydream Nation” proviene de una letra de la canción "Hyperstation".
Sonic Youth también había considerado el título “Tonight's the Day”, de una letra de "Candle", que hacía referencia al álbum de 1975 de Neil Young “Tonight's the Night”.
La portada del album presenta la pintura de Gerhard Richter de 1983 “Kerze” ("Vela"). La contraportada es una pintura similar de Richter de 1982.
Los cuatro lados de la versión en vinilo y la bandeja interior del disco compacto contienen cuatro símbolos, cada uno de los cuales representa a uno de los miembros de la banda, en un homenaje a, y parodia de, los cuatro símbolos del cuarto álbum de Led Zeppelin.
Los símbolos son infinito (∞) para Ranaldo (en referencia a su álbum de 1987 “From Here to Infinity”), femenino (♀) para Gordon, omega mayúscula (Ω) para Moore (en referencia a Leo, su signo del zodíaco) y un dibujo de un bebé demoníaco-angélico sosteniendo baquetas para Shelley.
El disco no entró en las listas de Estados Unidos, pero alcanzó el puesto número 99 en la lista de álbumes británica.
La canción "Teen Age Riot" fue popular en la radio alternativa y alcanzó el puesto número 20 en la recién creada lista Modern Rock Tracks de Billboard.
Sonic Youth también promocionó el álbum con una gira por Norteamérica de octubre a diciembre de 1988, concentrándose casi exclusivamente en el material del álbum.
En 1989, realizaron la gira por Nueva Zelanda, Australia, Japón, la URSS y Europa, terminando el año con su primera aparición en televisión —en el programa sindicado Night Music— interpretando “Silver Rocket”.
En 2007, tocaron el álbum en vivo como parte de la serie de conciertos Don't Look Back, y luego lo acompañaron de gira por Europa y Australia hasta 2008.
“Daydream Nation” recibió una aclamación abrumadora de la crítica contemporánea.
Billboard lo calificó como "la culminación suprema" de la "técnica de punta a punta" de Sonic Youth.
Robert Christgau, quien le otorgó una calificación de "A" en The Village Voice, creía que, si bien la banda adoptaba un "carrerismo despreocupado y una madurez de cuatro por cuatro", su música implacablemente discordante era "un triunfo filosófico".
Robert Palmer, de Rolling Stone, le dio tres estrellas y media de cinco y dijo que demostraba "la amplia paleta armónica, las habilidades de composición perfeccionadas y el impulso estimulante" del "cuarteto influyente", a la vez que presentaba "la banda de guitarra estadounidense definitiva de los ochenta en la cima de su poder y presciencia".
La prensa musical británica también acogió con agrado a “Daydream Nation”: la revista Q dijo que el disco hizo un "ruido fascinante"; la NME lo llamó el "álbum más radical y político del año" y le otorgó una puntuación máxima de diez; y Record Mirror le dio una calificación de cinco sobre cinco, entusiasmado de que Sonic Youth era "la mejor banda del universo".
A finales de 1988, “Daydream Nation” apareció en varias listas de los mejores álbumes del año, ocupando el puesto número 2 según Rolling Stone, el número 1 según CMJ, y el número 9 según NME.
También fue votado como el segundo mejor disco del año en la encuesta anual “Pazz & Jop” de The Village Voice, lo que hizo que la banda se diera cuenta de que el álbum había tenido un impacto. Christgau, el creador y supervisor de la encuesta, lo nombró el cuarto mejor álbum de 1988 en su propia lista.
“Daydream Nation” ha seguido cosechando elogios y reconocimientos. Según Matthew Stearns, autor del libro “33⅓” dedicado al álbum, este ha sido "rotundamente canonizado como un hito revolucionario en las crónicas de la expresión del avant-rock".
Stearns escribió que “Daydream Nation” constituía la "Santísima Trinidad" de los primeros álbumes dobles de indie rock, junto con “Zen Arcade” de Hüsker Dü y “Double Nickels on the Dime” de Minutemen, y consideró que los tres trabajos "juntos marcan un período de expansión creativa sin precedentes en cuanto a las posibilidades de la música rock estadounidense underground (o no)".
En una reseña retrospectiva para AllMusic, Stephen Thomas Erlewine lo calificó como "una obra maestra del rock artístico post-punk" que demostró hasta qué punto "el ruido y el arte vanguardista autoconsciente se pueden incorporar al rock, y los resultados son nada menos que impresionantes".
Jon Matsumoto, de Los Angeles Times, lo calificó como la obra maestra de la banda y dijo que habían desarrollado habilidades de composición de primer nivel para complementar su inclinación por la instrumentación disonante.
Greg Kot, escribiendo en el Chicago Tribune, lo calificó como uno de los álbumes más reconocibles de la década de 1980 con su combinación de "imposciones de guitarra hipnóticas y algunas de las mejores melodías directas de la banda".
En su reseña de la edición de lujo de 2007, Christgau atribuyó a “Daydream Nation” el mérito de convertir el rock alternativo en una "fuerza vital" y comentó que, junto con el "vital" disco extra, el álbum seguía siendo una escucha honesta y emocionante debido a sus afinaciones musicales y canciones himno sobre la post-ironía y la "confusión como sexo".
En Spin, Will Hermes dijo que era quizás "la mayor declaración de art-punk de la historia", mientras que John Mulvey de Uncut lo calificó como una "obra maestra del avant-rock" aún radical.
En 2002, Pitchfork clasificó a “Daydream Nation” en el puesto número 1 de su lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980 (el álbum descendió al puesto número 7 en la lista de 2018).
También se ubicó en el puesto número 13 de la lista de los 100 mejores álbumes de la revista Spin de 1985 a 2010, en el puesto número 30 de la lista de "Mejores álbumes de la década de 1980" de la revista Slant y en el puesto número 45 de la lista de los 100 mejores álbumes de la década de 1980 de la revista Rolling Stone.
La Spin Alternative Record Guide (1995) lo nombró el noveno mejor álbum alternativo y ocupó el puesto número 11 en la lista de los 101 discos de guitarra esenciales de Guitarist del año 2000.
En 2003, el álbum se ubicó en el puesto número 328 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, y nuevamente en 2012, ocupando el puesto número 171 en la edición de 2020.
“Daydream Nation” fue una de las 50 grabaciones elegidas por la Biblioteca del Congreso para ser añadidas al Registro Nacional de Grabaciones en 2006.
PopMatters lo incluyó en su lista de los "12 álbumes esenciales de rock alternativo de los 80", diciendo que era "un ambicioso álbum doble que vio las diversas influencias de Sonic Youth fusionarse en un todo impactante y abrasador".
El álbum también fue incluido en el libro “1001 Albums You Must Hear Before You Die”.
Menos favorablemente, Chuck Eddy describe “Daydream Nation” como "dos discos de buen Hawkwind, con un ritmo al estilo “I Ching” lo suficientemente elegante como para hacer que tu vaca salte por la luna, pero la mayor parte es papel tapiz acuático de todos modos". David Bowie lo llamó "un álbum extraordinario".
Amy Phillips de Pitchfork escribió en 2018: “Treinta años después de su lanzamiento, la obra maestra de dos álbumes de Sonic Youth sigue siendo el documento que define el indie rock estadounidense. Nunca antes ni después esta banda —ni ninguna otra— sintetizaría la urgencia del punk, la abrasión del noise y la belleza del pop en un todo tan monumental. El ADN de todo lo que vino antes, y de todo lo que vino después, está codificado en este álbum”.
En 2020, Adrien Begrand de PopMatters escribió: “Desde la hermosa pintura de Gerhard Richter en la portada del álbum hasta la música alternativamente melódica y atonal que contiene, esta fue una declaración de “música como arte supremo” al nivel de The Velvet Underground y Nico 21 años antes. Nevermind de Nirvana rompería la presa del rock alternativo tres años después, pero en cuanto a influencia, Daydream Nation fue igual de sísmico, por no mencionar que, a largo plazo, fue el álbum superior”.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 39
Kim Gordon (Segunda parte)
En 1989, casi un año después del lanzamiento de “Daydream Nation”, Sonic Youth anunció que había firmado un contrato de grabación con Geffen Records, el primer acuerdo importante del grupo con un sello discográfico.
Sonic Youth decidió romper relaciones con su antiguo sello, Enigma Records, como resultado del descontento de la banda con la indecisa comercialización y distribución de “Daydream Nation” por parte de Enigma, así como de “Teen Age Riot”, el sencillo que acompaña al álbum.
Otro factor que contribuyó a la salida del grupo del sello fue la gestión por parte de Enigma de “The Whitey Album”, un álbum experimental de manipulación de sonido e influencias del hip-hop lanzado bajo el nombre de Ciccone Youth.
Enigma no solo rechazó la propuesta de la banda de lanzar simultáneamente el álbum con “Daydream Nation”, sino que la rama de publicidad del sello también intentó retirar su portada (una foto ampliada del rostro de Madonna ), a pesar de que Madonna supuestamente le dio permiso a Sonic Youth para usarla.
A mediados de 1989, la relación de Sonic Youth con el director de su sello discográfico británico y estadounidense, Paul Smith, a quien el asesor legal de la banda, Richard Grebal, describió como "un asesor de confianza, pero nunca un representante", se estaba volviendo cada vez más tensa.
Las tensiones entre Smith y el grupo comenzaron en 1986 cuando Smith organizó el lanzamiento de grabaciones en vivo de la banda en el álbum “Walls Have Ears” sin su participación.
Consciente de su trabajo e imagen, Sonic Youth se irritó con la decisión, especialmente cuando el álbum se distribuyó antes que “EVOL”. La situación se agravó aún más cuando Smith adoptó una postura negociadora audaz con las principales discográficas durante la gira “Daydream Nation” y se tomó largos intervalos para comunicar información a la banda.
Su postura, que podría haber ahuyentado a los ejecutivos discográficos, representó la gota que colmó el vaso para la banda. El 2 de junio de 1989, Sonic Youth fue al apartamento de Smith, aparentemente para hablar sobre otro video musical para “Daydream Nation”, para anunciar el fin de su colaboración.
Tras considerar ofertas de A&M Records, Atlantic Records y Mute Records, Sonic Youth firmó un contrato de cinco álbumes por 300.000 dólares con una cláusula que garantizaba el control total de la banda sobre su producción creativa.
Sin embargo, el grupo estaba algo insatisfecho con que el álbum no fuera publicado por Geffen, sino por un sello subsidiario nuevo y poco consolidado, DGC Records.
En noviembre de 1989, Sonic Youth, acompañado por los productores Don Fleming y J Mascis, grabó demos de ocho canciones en Waterworks, un estudio dirigido por Jim Waters en el distrito de empaque de carne de la ciudad de Nueva York.
Lee Ranaldo recordó que Kim Gordon y Thurston Moore estaban ansiosos por invitar a Fleming y Mascis "tanto como familia extendida como personas para tener una opinión"; tanto Ranaldo como Steve Shelley se sintieron incómodos con su presencia "porque nunca antes habíamos hecho discos donde hubiera otras personas involucradas".
El título provisional original para el álbum era “Blowjob?”, principalmente para probar el humor de su nuevo sello, pero finalmente la banda se convenció de cambiar el nombre a “Goo”, un título inspirado en una de las canciones del álbum, "My Friend Goo".
Debido a que los resultados de estas sesiones fueron posteriormente pirateados en gran medida, Moore los lanzó oficialmente en el álbum “Goo Demos” en 1991.
Por recomendación del ingeniero Nick Sansano, con un presupuesto considerable finalmente a su disposición, Sonic Youth se incorporó a Sorcerer Sound a principios de 1990.
Sansano sabía bien, por su trabajo en “Daydream Nation”, que la banda, en particular Ranaldo, disfrutaba sobregrabando sonidos y efectos de guitarra.
En Sorcerer Sound, el estudio estaba equipado con dos consolas de 24 pistas, lo que permitía al grupo grabar tantas piezas instrumentales como quisieran.
Sonic Youth aprovechó el tiempo del estudio para experimentar con técnicas abstractas, como colgar micrófonos de la pasarela de Sorcerer Sound y aislar a Shelley en una cabina de batería.
Sin embargo, al principio, la banda se vio empañada por problemas: “Nos llevó una eternidad conseguir las tomas finales”, dijo Ranaldo. “Inevitablemente, algo salía mal y teníamos que empezar de nuevo. Recuerdo que me frustraba bastante”.
Tras completar las pistas básicas, Sonic Youth se trasladó a Greene St. Recording, la sede de Sansano, para finalizar las canciones y comenzar la mezcla de “Goo”, su sexto álbum de estudio.
Se incluyeron capas adicionales de líneas de guitarra; las voces se manipularon con diferentes dispositivos de distorsión, especialmente en “Mary-Christ”. También estuvieron en el estudio Mascis y Fleming como consultores: Mascis para las partes vocales del álbum y Fleming para los sonidos de percusión.
Fleming consideró que la voz de Gordon, con su timbre poco convencional, fue un placer particular de grabar, y destacó su entusiasmo por probar diferentes enfoques durante las sesiones.
Sin embargo, Sansano no estaba seguro de la dirección del álbum: cada miembro de Sonic Youth aportó su filosofía a los arreglos musicales, lo cual contradecía las expectativas del sello discográfico de un álbum apto para la radio.
Durante la grabación de “Goo”, Moore puso el álbum de Nirvana, “Bleach”, al ingeniero de audio de Masterdisk, Howie Weinberg, quien dijo que estaría encantado si el disco sonara como “Bleach”.
A Weinberg le sorprendió la petición de emular una grabación tan primitiva como “Bleach” (grabada con un presupuesto de 600 dólares).
Moore ha declarado que le "encanta ese disco", describiéndolo como "primitivo" y la composición como "completamente melodiosa", pero también "punk".
Aunque Gary Gersh, uno de los representantes de Geffen, niega que Geffen haya presionado a Sonic Youth para producir un álbum comercial, al escuchar las primeras mezclas de las sesiones, tanto Gersh como la banda estaban preocupados por las habilidades de Sansano para terminar “Goo” e insistieron en contratar a un productor veterano (el grupo eligió al músico de jazz convertido en productor Ron Saint Germain) para arreglar las mezclas finales.
Sansano abandonó voluntariamente el proyecto, pero estaba tan abatido por la falta de fe del grupo que se negó a hablar con ellos años después.
Con Germain, la banda le dio relativamente vía libre para ordenar las innumerables sobregrabaciones en las que Sonic Youth había trabajado antes de su entrada en el proyecto. Ya tenía un extenso currículum, incluyendo su trabajo en la comunidad del jazz y el influyente álbum de Bad Brains “I Against I”.
Para cuando “Goo” estuvo terminado, su costo ascendió a 150.000 (dólares estadounidenses), cinco veces más que el de “Daydream Nation”. La cifra era alarmante para una banda preocupada por los costos; según Shelley, a Sonic Youth le habría convenido lanzar las demos originales de “Goo” para reducir los costos finales.
“Goo” amplió los estilos de rock alternativo de “Daydream Nation” con referencias mucho más deliberadas a la cultura pop. Otro desarrollo dentro de la banda en ese momento fue la importancia de Gordon como vocalista principal y compositora.
Gordon contribuyó con dos canciones, "Tunic (Song for Karen)" y "Kool Thing", que desafiaron las expectativas del papel de la mujer en la sociedad estadounidense.
"Tunic (Song for Karen)", una exploración de la autoestima y la imagen corporal, rastrea la lucha de Karen Carpenter con la anorexia nerviosa hasta el comentario de su madre de que parecía tener sobrepeso en el escenario y el rechazo de la industria musical a su propuesta de álbum en solitario de 1980.
El biógrafo de la banda, Stevie Chick, describió las letras de Gordon como "teñidas por una tristeza sofocante casi gótica" y "una melancolía quizás similar a la que subraya la propia música de las Carpenters".
Una segunda composición de Gordon, "Kool Thing", se inspiró en su entrevista de 1989 con LL Cool J. Aunque Gordon era fan de la artista de hip hop desde hacía mucho tiempo y atribuyó a su álbum “Radio” el haberla atraído al rap, la falta de atención de LL Cool J hacia la música punk y sus puntos de vista misóginos hacia las mujeres la desencantaron.
En su libro antológico “Here She Comes Now: Women in Music Who Have Changed Our Lives”, Elissa Schnappel escribió que Gordon "transformó la experiencia en una crítica social aguda e ingeniosa sobre género, raza y poder con la que se podía bailar".
La respuesta irónica de Gordon a la reunión, "Kool Thing", se burlaba de sus propias creencias políticas de izquierda, así como de su fascinación por el Partido Pantera Negra.
Aunque LL Cool J no aparece mencionado en la canción, se mencionan sus obras “I Can't Live Without My Radio”, “Going Back to Cali” y “Walking with a Panther”.
Chuck D, de Public Enemy, quien se encontraba en Greene Street grabando “Fear of a Black Planet”, contribuyó a la sección central de llamada y respuesta.
El enfoque de la producción, influenciado por la música concreta, reflejó la inclinación de Sonic Youth a grabar collages de sonido que presentan ritmos variados y sobregrabaciones.
"Mildred Pierce" y "Scooter + Jinx" se elaboraron a partir de métodos que implicaban que los miembros de la banda reconfiguraran y recontextualizaran diferentes tipos de sonido en el estudio.
Derivada del demo de ocho minutos "Blowjob", la angustiante "Mildred Pierce" se inspiró en la película negra de 1945 del mismo nombre.
Alec Foerge observó la canción como "la reacción de la banda contra lo que se había convertido en un proceso frustrantemente exagerado", que presenta nada más que un vampiro de tres acordes y Moore gritando repetidamente "Mildred Pierce"; aun así, como describió Foerge, es un ejemplo de la progresión de Sonic Youth desde la naturaleza primitiva de “Confusion Is Sex” y “Kill Yr Idols”.
En un momento de la grabación, el amplificador de Moore se sobrecalentó y explotó, emitiendo un sonido agudo y chirriante. La banda, fascinada con el resultado, adaptó el sonido para todo "Scooter + Jinx".
“Goo” fue lanzado por DGC Records el 26 de junio de 1990. El diseño de la portada del álbum fue creado por Raymond Pettibon, quien fue responsable de las primeras portadas de Black Flag.
En lugar de su boceto original de Joan Crawford, Sonic Youth eligió otro diseño de Pettibon: una ilustración de dos mods británicos con gafas de sol, basada en una fotografía de Maureen Hindley y David Smith, dos testigos en el juicio por los asesinatos de Moors, una serie de asesinatos de niños cometidos por Ian Brady y Myra Hindley en Manchester y sus alrededores, Inglaterra, entre julio de 1963 y octubre de 1965.
Aunque Geffen presionó por un mercado general, el sello también estaba preocupado por alienar a la base de fans original de Sonic Youth. Esto impulsó al ejecutivo de Geffen, Mark Kates, a intentar tácticas promocionales de base.
Para promocionar “Goo”, Kates organizó que la banda visitara estaciones de radio universitarias y periodistas musicales semanas antes del lanzamiento del álbum.
La controversia en torno al contenido del álbum y la difusión del sencillo "Kool Thing" ayudaron a “Goo” a superar las expectativas del sello discográfico del grupo.
Para diciembre de 1990, “Goo” había vendido más de 200.000 copias y alcanzó el puesto nº 96 en la lista Billboard 200, el álbum de la banda con mejor clasificación hasta la fecha.
Aunque a Geffen le costó adaptar Sonic Youth a la radio pop, "Kool Thing" entró en la rotación regular de Buzz Bin y se convirtió en su canción más popular en la radio alternativa, alcanzando el nº 7 en la lista Billboard Modern Rock Tracks.
El álbum contribuyó al éxito comercial de la música alternativa a principios de la década de 1990, a pesar de su limitada difusión radial.
“Goo” recibió excelentes críticas de la crítica contemporánea.
En un artículo de agosto de 1990, David Fricke de la revista Rolling Stone consideró el disco como el trabajo más accesible de Sonic Youth hasta la fecha. Creía que “Goo” era un "ensayo brillante y extenso sobre primitivismo refinado que reconcilia hábilmente las convenciones estructurales del rock con las pasiones gemelas de la banda por la elasticidad tonal violenta y el holocausto garage-punk".
Jonathan Gold, de Los Angeles Times, aclamó a Sonic Youth como los "Rolling Stones de la música noise" y consideró que las guitarras distorsionadas, los ritmos bailables y los estribillos pegadizos de la banda eran ideales para la radio.
El escritor de Select, Russell Brown, opinó que el álbum "rebosa de... una sensación de lo inesperado" y lo elogió como "un arte de primera".
En NME, Steve Lamacq concluyó que si bien "puede que no sea el álbum más moderno, teniendo en cuenta el gusto del público por el grunge estadounidense en este momento, pero sigue siendo una alternativa desafiante".
Desde su lanzamiento, “Goo” ha sido considerado uno de los discos de rock alternativo más grandes e importantes de todos los tiempos, además de una obra de gran relevancia cultural.
Alec Foerge lo calificó de "radical, incluso desafiante para los estándares de las grandes discográficas de 1990”, mientras que David Browne afirmó que el éxito del álbum fue "una indicación de que se estaba formando una audiencia para esta música, aunque lentamente".
Daisy Jones, de Dazed, consideró el álbum muy relevante para la juventud estadounidense: "Surgió en 1990, el año en el que el grunge se había extendido como una picazón entre una generación cada vez más desilusionada con el metal simulado y la teatralidad de estadio de artistas como Guns N' Roses y Alice Cooper".
Escribiendo para Tidal, Jakob Matzen dijo que debido a que “Goo” fue el álbum más accesible de Sonic Youth, es una "pieza crucial del rompecabezas para entender cómo y por qué otros artistas alternativos (como Nirvana ) pudieron llevar el underground a la corriente principal y desafiar la hegemonía dominante de la industria musical".
En 2014, el periodista musical Andrew Earles escribió que "Lo que hace de Goo un ganador innegable es el mayor enfoque de Sonic Youth en la composición de canciones", y agregó que el álbum contiene algunos de los mejores materiales de la carrera de la banda.
En 2020, Paste nombró a “Goo” como el tercer mejor álbum de 1990. El redactor Jonah Flicker escribió: “Goo de Sonic Youth llegó en el momento justo: los 90 habían llegado y el rock alternativo y el grunge estaban en su apogeo. [...] Goo también marcó el inicio de una larga relación con Geffen Records, llevando el rock verdaderamente experimental al mainstream”.
En 1992, la banda lanzó “Dirty” con el sello DGC.
Para “Dirty”, Sonic Youth trabajó con el productor Butch Vig y el mezclador Andy Wallace, quienes habían trabajado en los mismos roles en “Nevermind” de Nirvana, aunque esta no fue la razón por la que la banda los eligió.
Sobre el sonido del álbum, Pitchfork opinaría más tarde que "no estaban atendiendo completamente a los nuevos oídos que el éxito de Nirvana les estaba enviando", pero "al menos lo estaban tomando en cuenta en un nivel semiconsciente".
Durante su primera reunión con el grupo, Vig le dijo a la banda que quería ajustar los arreglos de las canciones y centrarse en la elaboración de los sonidos de guitarra. Vig rápidamente consiguió el trabajo de productor para el disco.
Durante una visita al apartamento de los miembros de Sonic Youth, Thurston Moore y Kim Gordon, Moore le dijo a Vig que quería que el álbum sonara como un sencillo de Mecht Mensch que Vig había producido.
La banda envió una serie de casetes a Vig a finales de 1991 con sus nuevas composiciones. Vig estaba satisfecho con el material, pero también tenía dudas sobre cómo manejarlo, ya que las cintas consistían en largos instrumentales con estructuras de canciones poco claras.
El segundo lote de casetes que recibió Vig demostró que la banda había realizado algunas autoediciones en sus composiciones.
Vig se mudó a Nueva York durante tres meses a principios de 1992 y la banda comenzó a grabar el álbum en Magic Shop en marzo.
Ian MacKaye de Fugazi colaboró como guitarrista invitado en "Youth Against Fascism". La última canción del álbum, "Crème Brûlée", fue grabada por el guitarrista Lee Ranaldo mientras Gordon tocaba la guitarra y cantaba, el baterista Steve Shelley tocaba la batería y Moore intentaba encender su amplificador.
Tras finalizar la grabación, el álbum tuvo que ser recortado de dieciocho temas ya terminados. Moore, Gordon y el representante de A&R de la banda, Gary Gersh, acordaron que la canción "Genetic" de Ranaldo se eliminaría.
Ranaldo no reaccionó bien a la decisión; sumado a los problemas personales que afrontaba en ese momento, esto lo llevó a considerar abandonar el grupo.
"Genetic" y "Hendrix Necro" de Gordon se incluyeron en el sencillo "100%". Otra canción grabada durante las sesiones, "Stalker", se añadió a la edición en vinilo del álbum.
Su influencia como creadores de tendencias continuó con el descubrimiento del aclamado director de videos de skateboarding Spike Jonze, a quien reclutaron para el video de "100%", en el que también participó el skater convertido en actor Jason Lee.
Esa canción y "JC" hablan del asesinato de Joe Cole, un amigo que trabajó como roadie con Black Flag, y cómo afectó a la banda.
La siguiente canción, "Swimsuit Issue", trata sobre un empleado de Geffen en ese momento que fue remitido a terapia por acoso sexual, de ahí la letra "No me toques el pecho, solo estoy trabajando en mi escritorio". La última sección de la canción presenta a Gordon nombrando a todas las modelos en la edición de trajes de baño de Sports Illustrated Issue de marzo de 1992.
La letra de "Drunken Butterfly" se tomó completamente de títulos de canciones y letras de canciones de Heart, y la canción originalmente se tituló "Barracuda" por una canción de Heart. El título final fue tomado de la canción de Heart "Dog & Butterfly", que suena un poco como "mariposa borracha".
Se dice que "Sugar Kane" trata sobre Marilyn Monroe, y lleva el nombre de su personaje en “Con faldas y a lo loco”.
"Chapel Hill", una de las primeras canciones escritas para el álbum, trata sobre el asesinato del propietario de Internationalist Books, Bob Sheldon, en Carrboro, Carolina del Norte.
La portada del álbum, una fotografía tomada por Mike Kelley, amigo de toda la vida de Gordon, mostraba un peluche naranja con la palabra "Sonic Youth" escrita en los laterales.
La temática continuaba a lo largo del libreto del CD con imágenes de un oso de peluche, un conejo y otros animales de peluche. Los créditos también estaban incluidos en el libreto.
La contraportada presentaba imágenes de miembros individuales de la banda junto con la lista de canciones. La versión en vinilo era diferente, ya que la contraportada mostraba los peluches y las fotos de la banda en los insertos.
Algunas versiones del CD tienen una "foto sucia" de Bob Flanagan y Sheree Rose profanando peluches desnudos.
Antes del lanzamiento del álbum, Sonic Youth realizó una breve gira por el noreste en la que se estrenó la mayor parte de “Dirty”. Se lanzó el 21 de julio de 1992 en vinilo LP doble, CD y casete.
La versión LP del álbum incluía una canción adicional titulada "Stalker". El álbum alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes del Reino Unido (su álbum con la posición más alta en las listas en el Reino Unido) y el número 83 en los EE. UU.
Tras el éxito del álbum “Nevermind” de Nirvana de 1991, DGC impulsó fuertemente “Dirty”. En el mismo mes en que se lanzó el álbum, "100%" se lanzó como sencillo, pero no fue el éxito cruzado que el sello esperaba.
El ejecutivo de Geffen, Mark Kates, admitió que "no era una gran canción de radio"; sin embargo, la canción fue popular en la radio alternativa y universitaria, alcanzando el número 4 en Billboard Alternative Songs y el número 28 en la lista de sencillos del Reino Unido.
En septiembre, la banda apareció en el programa Late Night with David Letterman, interpretando “100%”.
A instancias de Kates, “Youth Against Fascism” se lanzó en diciembre como el segundo sencillo del álbum. El sencillo no tuvo buenas ventas ni difusión (aunque llegó al puesto nº 52 en las listas del Reino Unido), y Kates se refirió a la decisión como “uno de los mayores errores profesionales de mi vida”.
A finales de 1992, la banda comenzó su gira "Pretty Fucking Dirty", comenzando en Norteamérica. Todas las canciones de “Dirty” se interpretaron al menos una vez, excepto "Crème Brûlée".
“Dirty” tuvo una buena acogida por parte de la crítica. Entertainment Weekly elogió el álbum, calificándolo como "posiblemente la mejor hora (59 minutos, en realidad) de esta banda neoyorquina de noise & roll. También es una prueba muy necesaria de que el concepto anticuado de una banda de rock con guitarra aún puede dar lugar a música vital e innegablemente conmovedora", y concluyó la reseña con: "A estas alturas, cualquier otro álbum de rock & roll que visite nuestro planeta este año tendrá dificultades para superar a Dirty".
Rolling Stone opinó que “Dirty” "se sitúa fácilmente junto a Daydream Nation y Sister" como "las obras grabadas más unificadas e inolvidables de la banda".
Trouser Press consideró que “Dirty” era una gran mejora respecto a “Goo”, que, en su opinión, había "fracasado estrepitosamente".
AllMusic lo llamaría más tarde "un álbum de rock excelente, y en esos términos se sitúa entre los mejores trabajos de Sonic Youth".
"Dirty" fue considerado el mejor álbum de 1992 por Entertainment Weekly. El álbum también fue incluido en el libro "1001 Álbumes que Debes Escuchar Antes de Morir".
En 1993, la banda contribuyó con el tema "Burning Spear" al álbum benéfico contra el SIDA "No Alternative", producido por Red Hot Organization.
En 1994, la banda lanzó “Experimental Jet Set, Trash and No Star”, su lanzamiento con mejor posicionamiento en las listas de éxitos en Estados Unidos hasta la fecha, en el puesto nº 34 del Billboard 200.
La hija de Moore y Gordon, Coco Hayley Moore, nació más tarde ese año, y muchas de las canciones del álbum nunca se tocaron en vivo porque nunca hubo una gira completa para promocionar el álbum debido al embarazo de Gordon.
Después de “Dirty”, Sonic Youth decidió alejarse de los actos de rock alternativo de grandes sellos discográficos, con los que el cantante y guitarrista Thurston Moore pensó que los medios asociaban a la banda.
Las giras con bandas de rock independiente como Pavement, Sebadoh y Royal Trux inspiraron a Sonic Youth a escribir un álbum más tranquilo y sutil.
Al igual que su predecesor, “Experimental Jet Set” fue producido por la banda y el veterano del rock alternativo Butch Vig. Según la banda, “La idea esta vez era grabar en vivo la mayor cantidad posible, y no pulir ni sobregrabar como suele hacerse en el big rock”.
De igual forma, el guitarrista Lee Ranaldo explicó que la banda buscaba un enfoque más lo-fi: “Ninguna de la música de Experimental Jet Set fue elaborada, incluso algunas se hicieron en habitaciones privadas. [...Queríamos] escribir las canciones y grabarlas de forma simple y básica”.
Además, la banda le ordenó a Vig que se abstuviera de aplicar un eliminador de ruidos a varias pistas.
El álbum fue diseñado por John Siket y grabado en el estudio Sear Sound de Nueva York, el mismo estudio donde se grabó el álbum “Sister” de la banda de 1987.
La banda afirmó que el álbum fue grabado sobre las cintas maestras de “Sister” para ahorrar costos, y es posible escuchar algunas partes de “Sister” durante las secciones tranquilas de la grabación final. El álbum fue grabado en una grabadora de cinta analógica de dos pulgadas y 16 pistas a través de un equipo anticuado.
A diferencia de “Dirty”, que presenta una explosión de ruido fuerte y "densa", “Experimental Jet Set” se consideró más cálido y relajado.
Kim Gordon describió el sonido del álbum como "art-core" y Bradley Bambarger de Billboard señaló que el álbum hace referencia al trabajo anterior de la banda en el sello discográfico independiente SST Records, afirmando que presenta "un trabajo escaso y vigorizantemente dicotómico de 'ruido silencioso' que, con sus tonalidades caprichosas y ritmos lacónicos, habla al futuro mientras piensa en el pasado".
De hecho, la canción "Screaming Skull" trata sobre la nostalgia de la banda por sus días en SST Records, que se menciona con frecuencia a lo largo de la canción. También hace referencia a las bandas compañeras Hüsker Dü y The Lemonheads.
La canción se inspiró en una conversación que Moore tuvo con el director de cine Dave Markey sobre SST Superstore, una tienda ubicada en Sunset Strip que suministra discos de SST y productos relacionados con el skate.
Cuando Sonic Youth se logró meter en el mainstream del rock, sus esfuerzos artísticos fueron naturalmente un poco embotados, o quizás más exactamente, remodelados.
Todavía estaban decididos a poner sus ideas más radicales en su música, pero ahora tenían que hacerlo de forma un poco más encubierta. La mayoría de las letras de Experimental Jet Set tratan temas políticos y personales.
Una de esas canciones es “Bull in the Heather”, que bien puede ser una de las canciones más populares de este período y probablemente contó con la banda sonora de suficientes crisis suburbanas de adolescentes para toda una generación.
Pero más allá de eso, y con un coro pegadizo, la canción realmente se basa en los homenajes triunfantes del noise-rock de Gordon.
Gordon explicó que la canción trata sobre "usar la pasividad como una forma de rebelión, como, no voy a participar en tu cultura dominada por los hombres, así que solo voy a ser pasivo".
De manera similar, la canción "Androgynous Mind" aborda los roles de género tradicionales, mientras que "Self-Obsessed and Sexxee" es una observación sobre una riot grrrl (movimiento punk feminista underground que comenzó a principios de la década de 1990 en los Estados Unidos), anónima.
Moore explicó que esta última no trata sobre Courtney Love de Hole o Kathleen Hanna de Bikini Kill; trata sobre "sentirse atraído por alguien que obviamente está fuera de control con la autoobsesión en el mundo del rock alternativo de alto perfil".
La canción "Quest for the Cup" trata sobre una persona que desea más de lo que necesita.
La canción de apertura, "Winner's Blues", alude a la presión de la fama y ha sido descrita como una canción de cuna acústica y triste. La canción originalmente iba a ser una toma descartada para el recopilatorio “DGC Rarities Vol. 1”, pero la banda finalmente decidió incluirla en el álbum en el último minuto durante las sesiones de mezcla.
Otra toma descartada, "Compilation Blues", se incluyó en el recopilatorio.
“Experimental Jet Set” también fue el primer álbum de Sonic Youth en incluir una pista oculta en su lanzamiento en CD; poco más de un minuto después del final de la canción de cierre, "Sweet Shine", hay 1:30 de "ruido extra" con el discurso repetitivo de un empleado de gasolinera japonés.
A diferencia de álbumes anteriores de Sonic Youth, Ranaldo no escribió ni cantó ninguna canción porque no le gustaba cómo se trataron y ensamblaron sus composiciones para “Dirty” y su predecesor, “Goo”.
David Browne, autor de “Goodbye 20th Century: A Biography of Sonic Youth”, comentó que "una sensación de ambivalencia e impermanencia se cernía sobre [Experimental Jet Set], incluso en la portada", que "por primera vez desde Sonic Youth en 1982, mostraba sus rostros en lugar de una obra de arte".
Para promocionar el álbum, la canción "Bull in the Heather" fue lanzada como sencillo en abril de 1994. El sencillo incluye una toma descartada, "Razor Blade", que se grabó en las mismas sesiones que "Winner's Blues" y "Compilation Blues", y una versión alternativa de "Doctor's Orders" como caras B.
La canción alcanzó el puesto número 13 en la lista US Modern Rock Tracks y el número 24 en la lista UK Singles Chart. La canción "Self-Obsessed and Sexxee" estaba destinada a ser el segundo sencillo del álbum.
Se lanzó un CD promocional, pero los planes para un lanzamiento regular finalmente se cancelaron. Las copias restantes se vendieron a través de la revista del club de fans de Sonic Death.
Se realizó un video musical con Kathleen Hanna para "Bull in the Heather" bajo la dirección de Tamra Davis.
“Experimental Jet Set, Trash and No Star” fue lanzado el 10 de mayo de 1994 por DGC, que también lanzó los dos álbumes anteriores de la banda. El álbum alcanzó el puesto número 34 en la lista Billboard Top 200 de EE. UU. y el número 10 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Fue la posición más alta de la banda en las listas de Estados Unidos hasta que su álbum de 2009, “The Eternal”, alcanzó el puesto número 18.
El álbum también apareció en las listas de varios otros países, incluidos Australia, Nueva Zelanda, Países Bajos y Suecia.
La banda no apoyó el álbum con una gira debido al avanzado embarazo de Gordon en ese momento. En 2005, el álbum había vendido 246.000 copias en los EE. UU. según Nielsen SoundScan.
"Experimental Jet Set, Trash y No Star" recibió críticas generalmente favorables de la crítica musical. Barbara O'Dair, de Rolling Stone, opinó que el álbum era "discretamente seguro; más ambicioso y extraño que Dirty".
Sin embargo, comentó que la banda "salvó su integridad a costa de la calidad; con un poco más de ingenio, su garra podría transmitirse mejor".
Lorraine Ali, de Los Angeles Times, elogió la dinámica voz y la guitarra de Gordon por dotar al álbum de una atmósfera soñolienta y ensoñadora, concluyendo que Sonic Youth "trasciende los roles restrictivos de banda de rock artístico pretencioso o grupo alternativo aceptable, y en cambio ofrece un álbum penetrante y único".
Billboard también elogió el álbum, afirmando que ofrecía tanto ruido como melodía que "cohabitan extraordinariamente bien".
En una reseña mixta, el crítico de AllMusic Jason Birchmeier criticó a “Experimental Jet Set” por su sonido despojado, diciendo que el álbum solo contiene "letras extrañas y matices de guitarra únicos".
De manera similar, Evelyn McDonnell de Entertainment Weekly señaló que las canciones "nunca emergen del todo de la etapa de boceto" y que a los recién llegados puede resultarles difícil apreciarlas.
En contraste, Alternative Press destacó la estética anticomercial del álbum, afirmando que "No hay nada más genial que esto".
The Advocate criticó el álbum y a la banda por no tomar riesgos, concluyendo: "Sonic Youth está atascado repitiendo la misma experiencia. Y esta vez, las canciones no pegan".
Mike Rubin, escribiendo para Spin, describió “Experimental Jet Set” como un "asunto discreto y suave", pero destacó la interpretación de guitarra y la retroalimentación de audio en algunas canciones.
En una reseña positiva para The Village Voice, Robert Christgau destacó la capacidad de la banda para crear ruidos inesperados, que describió como "marcas de criaturas de carne y hueso pensando y sintiendo cosas que ni tú ni ellos han pensado o sentido antes. Si no pueden poner esas cosas en palabras, para eso están los ruidos inesperados".
A diferencia de los álbumes anteriores de Sonic Youth, “Experimental Jet Set” no se clasificó en el Top 40 de la encuesta de críticos Pazz & Jop de The Village Voice para 1994, pero Christgau lo colocó en el número 3 en su propia "Lista del Decano".
En una reseña retrospectiva para About.com, la experta en rock de los 90 Melissa Bobbitt escribió: "Aunque puede que no sea tan universalmente celebrado como Daydream Nation o Dirty de 1988 , este disco representó el ascenso triunfal de la Nación Alternativa y su naturaleza progresista".
En 2014, Guitar World colocó a “Experimental Jet Set, Trash y No Star” en el puesto número 44 de su lista "Superunknown: 50 Iconic Albums That Defined 1994".
En 1994, la banda lanzó una versión del éxito de 1971 de los Carpenters , “Superstar”, para el álbum tributo “If I Were a Carpenter”.
La banda encabezó el festival Lollapalooza de 1995 con Hole and Pavement. Para entonces, el rock alternativo había ganado una considerable atención del público general, y el festival fue parodiado en el episodio de Los Simpson “Homerpalooza” de 1996, que contó con voces en off de la banda. También interpretaron el tema de los créditos finales de ese episodio.
El álbum “Washing Machine” fue lanzado en 1995 y representó un cambio en el sonido de Sonic Youth, alejándose de sus raíces punk rock y acercándose a arreglos experimentales y más largos basados en jams.
Después de “Experimental Jet Set”, la banda decidió tomarse un descanso de las presentaciones en vivo y se concentró en numerosos proyectos paralelos.
Kim Gordon, tocó con Julia Cafritz de Pussy Galore en Free Kitten, Steve Shelley tocó con Jad Fair de Half Japanese en Mosquito, Lee Ranaldo tocó con el baterista de free jazz William Hooker, y Thurston Moore lanzó su primer álbum en solitario, “Psychic Hearts”.
Moore y Gordon también tuvieron su primera hija, Coco. Según Moore, su hija había aportado una perspectiva diferente a la banda: “Estoy más centrada y sensata. Hay una conciencia sublime de tu lugar espiritual en el mundo. Me siento más a gusto conmigo misma... Los bebés son pequeños budas. Son completamente geniales”.
“Washing Machine” se grabó en los estudios Easley de Memphis, donde bandas de indie rock como Pavement, Guided by Voices y Grifters ya habían grabado álbumes.
Moore comentó que el ambiente de Memphis les ayudó a desconectar de la gente que seguía constantemente a la banda.
También consideró que “Washing Machine” fue concebido y grabado como algunos de los primeros álbumes de la banda, afirmando que “recuerda a discos como Sister, donde componíamos un montón de canciones, íbamos al estudio durante un mes, las grabábamos, luego salíamos de gira y las tocábamos durante un año. Al final del año se transformaban en algo mucho más emocionante”.
La canción "The Diamond Sea" destaca por su duración de 19:35. Moore explicó la duración de algunas canciones del álbum: "Todos tenemos una estética diferente en cuanto a cómo deberían funcionar las canciones. Generalmente busco mucha libertad, mientras que algunos en el grupo están más interesados en acortar las cosas. Si yo fuera el líder, como dicen, cada canción duraría 20 minutos".
La novena canción, no incluida en la lista, oficialmente llamada "Becuz Coda", originalmente formaba parte de la canción "Becuz", pero el sello discográfico consideró necesario cortar la canción de siete minutos y medio para que la introducción del álbum fuera más accesible.
El álbum fue producido por Sonic Youth y John Siket, quienes también fueron los ingenieros de sonido de los dos álbumes anteriores de la banda. La mezcla se realizó en Greene Street Studios en la ciudad de Nueva York en junio de 1995.
A diferencia de “Experimental Jet Set", que fue descrito como difícil y claustrofóbico, "Washing Machine” es considerablemente más abierto y contiene algunas de las canciones más largas de la banda.
Excluyendo los lanzamientos de Sonic Youth Recordings, la canción final, "The Diamond Sea", es la canción más larga en cualquier álbum de Sonic Youth.
La canción fue editada a 5:15 para su lanzamiento como sencillo, que incluía una versión alternativa de 25 minutos como una pista adicional.
“Washing Machine” es el primer álbum de la banda en el que Gordon tocó casi exclusivamente la guitarra en lugar del bajo, lo que resultó en una formación de tres guitarras y batería.
Trouser Press comentó que el álbum contiene referencias musicales a Shangri-Las y los Byrds y describió su estilo como "[virando] entre experimentos de guitarra trance y declaraciones más concisas".
Entertainment Weekly lo describió así: "Estas canciones se desarrollan sobre ritmos equilibrados y guitarras que persisten en lugar de atacar. Puede entrar un toque de distorsión, pero el efecto es mayormente lánguido y maravillosamente hipnótico".
Aunque las letras de Gordon en “Experimental Jet Set” abordaban los roles de género y los estereotipos, sus contribuciones a “Washing Machine” se consideraron más femeninas y orientadas a las chicas.
Tom Moon de Rolling Stone señaló: "La canción principal es una extraña y sincera canción de amor; 'Panty Lies' es una burla de patio de recreo llevada a extremos absurdos; y '[Little] Trouble Girl', la parodia de Spector, es una dramática y sincera historia de mayoría de edad".
Esta última fue descrita por David Browne de Entertainment Weekly como "una canción de cuna sobre el embarazo adolescente" y cuenta con las voces de Gordon y Kim Deal (de Pixies and the Breeders) junto con otros músicos.
Gordon sintió que Deal tenía una voz ideal para la parte melódica y explicó que la canción trataba sobre "querer ser vista por quien realmente eres, ser capaz de expresar esas partes de ti misma que no son 'buena chica' pero que son igual de reales y verdaderas".
“¿Recuerdas, madre? Estábamos cerca”, repite Kim Gordon en “Little Trouble Girl”. “Muy, muy cerca”. Mientras que Gordon toma el verso con una entrega monocromática de palabras habladas, Kim Deal asume el papel de vocalista invitada con un vientre siniestro.
A medida que los dos cantantes intercambian voces, crean un lugar sombrío lleno de terror espeluznante y motivos clandestinos. Escrita como un reflejo subvertido de los grupos de chicas al estilo de Phil Spector de los años sesenta, Gordon se convierte una vez más en la mente maestra artística.
Ranaldo contribuyó con dos canciones, "Saucer-Like" y "Skip Tracer". Esta última fue coescrita con su esposa Leah Singer, inspirada en una actuación del dúo riot grrrl Mecca Normal a la que asistieron. La canción también alude a la relación especial de la banda con una importante discográfica.
La canción "Junkie's Promise", interpretada por Moore, fue descrita como una "viñeta de heroína".
Aunque originalmente se interpretó como un homenaje a Kurt Cobain de Nirvana, Moore explicó que la canción solo trata sobre la relación emocional entre amigos, siendo uno de ellos un drogadicto.
Según él, "Cualquier persona involucrada con la adicción a las drogas mentirá a sus amigos por necesidad egoísta. Es la verdad más cruel de la situación. Kurt puede encajar en este perfil y seguramente lo tenía en mente mientras escribía, pero la canción no es una dedicatoria específica para él".
Otras canciones como "Becuz" y "No Queen Blues" se basaron en "ritmos entumecidos con fragmentos de melodía, potencia y ruido magníficamente elaborado".
"The Diamond Sea" fue descrita como una "balada al estilo de Neil Young que se expande hacia una excursión épica de ruido". Retrospectivamente, Pitchfork la describió como "la canción más Sonic Youth que puedas imaginar".
La portada del álbum consiste en una fotografía Polaroid recortada de dos fans no identificados tomada en un show de Sonic Youth en Amherst, Massachusetts, en abril de 1995, durante una corta gira realizada mientras el álbum aún estaba en producción.
Los fans son representados usando camisetas que se vendieron como mercancía durante esa gira; a principios de 1995, la banda consideró cambiar su nombre a “Washing Machine”.
Visibles en la camiseta de la izquierda están las firmas de Thalia Zedek y Chris Brokaw de la banda de apertura de la gira, Come.
La foto fue tomada por Gordon, quien creyó que podría usarse como portada del álbum. A la banda le gustó la toma, pero el sello discográfico no quería usarla sin el permiso de los fans. Debido a que la banda no tenía forma de contactarlos, sus rostros tuvieron que ser recortados.
“Washing Machine” fue lanzado en formatos de vinilo, CD y casete el 26 de septiembre de 1995 por DGC, poco después de que el grupo concluyera su etapa como cabeza de cartel del festival de música Lollapalooza de 1995.
Durante el festival, la banda mostró algunas pistas del álbum además de tocar varias canciones de “Daydream Nation”, “Dirty” y “Experimental Jet Set”.
En Alemania, el disco también fue lanzado con un disco extra que contenía cuatro canciones en vivo que se grabaron en París el 12 de septiembre de 1995.
Tras su lanzamiento, “Washing Machine” alcanzó el puesto número 58 en la lista Billboard 200 de EE. UU. y el número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
El álbum también apareció en las listas de varios otros países, incluidos Australia, Nueva Zelanda, los Países Bajos y Bélgica.
En 2005, el álbum había vendido 159.000 copias en los EE. UU. según Nielsen SoundScan.
“Washing Machine” recibió críticas generalmente positivas de los críticos musicales. Stephen Thomas Erlewine, de AllMusic, opinó que el álbum era “sin duda el disco más aventurero, desafiante y mejor de la banda desde Daydream Nation ... No solo las canciones son más inmediatas que la mayoría del material de sus discos anteriores, sino que el sonido es cálido y abierto, lo que convierte a Washing Machine en su disco más maduro y acogedor hasta la fecha... Washing Machine abarca todo lo que hizo innovadores a Sonic Youth y demuestra que pueden seguir creciendo, encontrando nuevos caminos dentro de su sonido característico”.
De igual manera, Peter Margasak, de CMJ New Music Monthly, describió el álbum como una “poderosa consolidación de los logros de la banda, pero una síntesis que mira hacia el futuro”. También destacó la canción “The Diamond Sea” como la pieza central del álbum, afirmando que era una de las “incursiones más ambiciosas de Moore en colores, texturas y tensión sónica pura”.
Escribiendo para Rolling Stone, Tom Moon lo llamó "un álbum sardónico, sabiondo, indulgente y totalmente cautivador", declarando que era "anti-gancho" y "rechaza (y a veces se burla) de la sabiduría convencional posterior a Nirvana".
Destacó la interacción de guitarra de Ranaldo y Moore en cada pista, comentando que "han desarrollado un ataque que es asombrosamente intrincado y jazzístico en su extrema flexibilidad".
El destacado crítico musical Robert Christgau también elogió el álbum y comparó algunas canciones favorablemente con Grateful Dead y Fleetwoods.
La escritora de Los Angeles Times Lorraine Ali declaró que el álbum "encuentra a Sonic Youth sin tomar nuevos pasos radicales, sino que se aferra a su fórmula innovadora original y ve cómo el gran mundo del pop llega a ella".
Por el contrario, Browne de Entertainment Weekly sintió que la banda exploró nuevos desafíos y escribió que "Washing Machine" fue su "paso más audaz hasta ahora".
En una reseña mixta, el editor de Spin, Erik Davis, criticó el álbum por su estructura sin rumbo, afirmando que cada uno de los miembros de la banda "vaga en una dirección diferente", pero elogió altamente "The Diamond Sea", llamándolo "un hermoso tapiz enterrado en la carga desigual de Washing Machine".
Añadió que la banda "se deja llevar por un hermoso mar ambiental que brilla con matices. Luego, una tormenta metálica se avecina en el horizonte, antes de que una serie de cuatro notas fascinantes desate un festival de nigromancia Hendrix ... Es fácil hacer que el ruido de la guitarra sea áspero y chirriante, pero Sonic Youth puede hacerlo brillar. Es fácil usar el ruido como un pico orgásmico, pero Sonic Youth puede hacer que se estabilice, restringiendo su distorsión solo para intensificar su monstruosa serenidad".
También dijo que la canción demostró que Sonic Youth "puede mejorar cuanto más se aleja", mientras que la revista NME comentó que probablemente era la mejor canción de la banda.
“Washing Machine” ocupó el puesto número 18 en la encuesta de críticos de Pazz & Jop de The Village Voice de 1995. De manera similar, los editores de NME colocaron el álbum en el puesto número 31 en su lista de álbumes del año.
A partir de 1997 lanzaron una serie de álbumes de improvisación agrupados bajo el título "SYR" con títulos de canciones y notas en varios idiomas. “SYR3: Invito al ĉielo”, lanzado en 1998, presentó a Jim O'Rourke, quien más tarde se convirtió en miembro oficial de la banda.
Varias canciones de la serie "SYR" se agregaron a las presentaciones en vivo de Sonic Youth, y otras inspiraron pistas en su siguiente álbum de estudio, “A Thousand Leaves”, lanzado en 1998.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Kim Gordon (Segunda parte)
En 1989, casi un año después del lanzamiento de “Daydream Nation”, Sonic Youth anunció que había firmado un contrato de grabación con Geffen Records, el primer acuerdo importante del grupo con un sello discográfico.
Sonic Youth decidió romper relaciones con su antiguo sello, Enigma Records, como resultado del descontento de la banda con la indecisa comercialización y distribución de “Daydream Nation” por parte de Enigma, así como de “Teen Age Riot”, el sencillo que acompaña al álbum.
Otro factor que contribuyó a la salida del grupo del sello fue la gestión por parte de Enigma de “The Whitey Album”, un álbum experimental de manipulación de sonido e influencias del hip-hop lanzado bajo el nombre de Ciccone Youth.
Enigma no solo rechazó la propuesta de la banda de lanzar simultáneamente el álbum con “Daydream Nation”, sino que la rama de publicidad del sello también intentó retirar su portada (una foto ampliada del rostro de Madonna ), a pesar de que Madonna supuestamente le dio permiso a Sonic Youth para usarla.
A mediados de 1989, la relación de Sonic Youth con el director de su sello discográfico británico y estadounidense, Paul Smith, a quien el asesor legal de la banda, Richard Grebal, describió como "un asesor de confianza, pero nunca un representante", se estaba volviendo cada vez más tensa.
Las tensiones entre Smith y el grupo comenzaron en 1986 cuando Smith organizó el lanzamiento de grabaciones en vivo de la banda en el álbum “Walls Have Ears” sin su participación.
Consciente de su trabajo e imagen, Sonic Youth se irritó con la decisión, especialmente cuando el álbum se distribuyó antes que “EVOL”. La situación se agravó aún más cuando Smith adoptó una postura negociadora audaz con las principales discográficas durante la gira “Daydream Nation” y se tomó largos intervalos para comunicar información a la banda.
Su postura, que podría haber ahuyentado a los ejecutivos discográficos, representó la gota que colmó el vaso para la banda. El 2 de junio de 1989, Sonic Youth fue al apartamento de Smith, aparentemente para hablar sobre otro video musical para “Daydream Nation”, para anunciar el fin de su colaboración.
Tras considerar ofertas de A&M Records, Atlantic Records y Mute Records, Sonic Youth firmó un contrato de cinco álbumes por 300.000 dólares con una cláusula que garantizaba el control total de la banda sobre su producción creativa.
Sin embargo, el grupo estaba algo insatisfecho con que el álbum no fuera publicado por Geffen, sino por un sello subsidiario nuevo y poco consolidado, DGC Records.
En noviembre de 1989, Sonic Youth, acompañado por los productores Don Fleming y J Mascis, grabó demos de ocho canciones en Waterworks, un estudio dirigido por Jim Waters en el distrito de empaque de carne de la ciudad de Nueva York.
Lee Ranaldo recordó que Kim Gordon y Thurston Moore estaban ansiosos por invitar a Fleming y Mascis "tanto como familia extendida como personas para tener una opinión"; tanto Ranaldo como Steve Shelley se sintieron incómodos con su presencia "porque nunca antes habíamos hecho discos donde hubiera otras personas involucradas".
El título provisional original para el álbum era “Blowjob?”, principalmente para probar el humor de su nuevo sello, pero finalmente la banda se convenció de cambiar el nombre a “Goo”, un título inspirado en una de las canciones del álbum, "My Friend Goo".
Debido a que los resultados de estas sesiones fueron posteriormente pirateados en gran medida, Moore los lanzó oficialmente en el álbum “Goo Demos” en 1991.
Por recomendación del ingeniero Nick Sansano, con un presupuesto considerable finalmente a su disposición, Sonic Youth se incorporó a Sorcerer Sound a principios de 1990.
Sansano sabía bien, por su trabajo en “Daydream Nation”, que la banda, en particular Ranaldo, disfrutaba sobregrabando sonidos y efectos de guitarra.
En Sorcerer Sound, el estudio estaba equipado con dos consolas de 24 pistas, lo que permitía al grupo grabar tantas piezas instrumentales como quisieran.
Sonic Youth aprovechó el tiempo del estudio para experimentar con técnicas abstractas, como colgar micrófonos de la pasarela de Sorcerer Sound y aislar a Shelley en una cabina de batería.
Sin embargo, al principio, la banda se vio empañada por problemas: “Nos llevó una eternidad conseguir las tomas finales”, dijo Ranaldo. “Inevitablemente, algo salía mal y teníamos que empezar de nuevo. Recuerdo que me frustraba bastante”.
Tras completar las pistas básicas, Sonic Youth se trasladó a Greene St. Recording, la sede de Sansano, para finalizar las canciones y comenzar la mezcla de “Goo”, su sexto álbum de estudio.
Se incluyeron capas adicionales de líneas de guitarra; las voces se manipularon con diferentes dispositivos de distorsión, especialmente en “Mary-Christ”. También estuvieron en el estudio Mascis y Fleming como consultores: Mascis para las partes vocales del álbum y Fleming para los sonidos de percusión.
Fleming consideró que la voz de Gordon, con su timbre poco convencional, fue un placer particular de grabar, y destacó su entusiasmo por probar diferentes enfoques durante las sesiones.
Sin embargo, Sansano no estaba seguro de la dirección del álbum: cada miembro de Sonic Youth aportó su filosofía a los arreglos musicales, lo cual contradecía las expectativas del sello discográfico de un álbum apto para la radio.
Durante la grabación de “Goo”, Moore puso el álbum de Nirvana, “Bleach”, al ingeniero de audio de Masterdisk, Howie Weinberg, quien dijo que estaría encantado si el disco sonara como “Bleach”.
A Weinberg le sorprendió la petición de emular una grabación tan primitiva como “Bleach” (grabada con un presupuesto de 600 dólares).
Moore ha declarado que le "encanta ese disco", describiéndolo como "primitivo" y la composición como "completamente melodiosa", pero también "punk".
Aunque Gary Gersh, uno de los representantes de Geffen, niega que Geffen haya presionado a Sonic Youth para producir un álbum comercial, al escuchar las primeras mezclas de las sesiones, tanto Gersh como la banda estaban preocupados por las habilidades de Sansano para terminar “Goo” e insistieron en contratar a un productor veterano (el grupo eligió al músico de jazz convertido en productor Ron Saint Germain) para arreglar las mezclas finales.
Sansano abandonó voluntariamente el proyecto, pero estaba tan abatido por la falta de fe del grupo que se negó a hablar con ellos años después.
Con Germain, la banda le dio relativamente vía libre para ordenar las innumerables sobregrabaciones en las que Sonic Youth había trabajado antes de su entrada en el proyecto. Ya tenía un extenso currículum, incluyendo su trabajo en la comunidad del jazz y el influyente álbum de Bad Brains “I Against I”.
Para cuando “Goo” estuvo terminado, su costo ascendió a 150.000 (dólares estadounidenses), cinco veces más que el de “Daydream Nation”. La cifra era alarmante para una banda preocupada por los costos; según Shelley, a Sonic Youth le habría convenido lanzar las demos originales de “Goo” para reducir los costos finales.
“Goo” amplió los estilos de rock alternativo de “Daydream Nation” con referencias mucho más deliberadas a la cultura pop. Otro desarrollo dentro de la banda en ese momento fue la importancia de Gordon como vocalista principal y compositora.
Gordon contribuyó con dos canciones, "Tunic (Song for Karen)" y "Kool Thing", que desafiaron las expectativas del papel de la mujer en la sociedad estadounidense.
"Tunic (Song for Karen)", una exploración de la autoestima y la imagen corporal, rastrea la lucha de Karen Carpenter con la anorexia nerviosa hasta el comentario de su madre de que parecía tener sobrepeso en el escenario y el rechazo de la industria musical a su propuesta de álbum en solitario de 1980.
El biógrafo de la banda, Stevie Chick, describió las letras de Gordon como "teñidas por una tristeza sofocante casi gótica" y "una melancolía quizás similar a la que subraya la propia música de las Carpenters".
Una segunda composición de Gordon, "Kool Thing", se inspiró en su entrevista de 1989 con LL Cool J. Aunque Gordon era fan de la artista de hip hop desde hacía mucho tiempo y atribuyó a su álbum “Radio” el haberla atraído al rap, la falta de atención de LL Cool J hacia la música punk y sus puntos de vista misóginos hacia las mujeres la desencantaron.
En su libro antológico “Here She Comes Now: Women in Music Who Have Changed Our Lives”, Elissa Schnappel escribió que Gordon "transformó la experiencia en una crítica social aguda e ingeniosa sobre género, raza y poder con la que se podía bailar".
La respuesta irónica de Gordon a la reunión, "Kool Thing", se burlaba de sus propias creencias políticas de izquierda, así como de su fascinación por el Partido Pantera Negra.
Aunque LL Cool J no aparece mencionado en la canción, se mencionan sus obras “I Can't Live Without My Radio”, “Going Back to Cali” y “Walking with a Panther”.
Chuck D, de Public Enemy, quien se encontraba en Greene Street grabando “Fear of a Black Planet”, contribuyó a la sección central de llamada y respuesta.
El enfoque de la producción, influenciado por la música concreta, reflejó la inclinación de Sonic Youth a grabar collages de sonido que presentan ritmos variados y sobregrabaciones.
"Mildred Pierce" y "Scooter + Jinx" se elaboraron a partir de métodos que implicaban que los miembros de la banda reconfiguraran y recontextualizaran diferentes tipos de sonido en el estudio.
Derivada del demo de ocho minutos "Blowjob", la angustiante "Mildred Pierce" se inspiró en la película negra de 1945 del mismo nombre.
Alec Foerge observó la canción como "la reacción de la banda contra lo que se había convertido en un proceso frustrantemente exagerado", que presenta nada más que un vampiro de tres acordes y Moore gritando repetidamente "Mildred Pierce"; aun así, como describió Foerge, es un ejemplo de la progresión de Sonic Youth desde la naturaleza primitiva de “Confusion Is Sex” y “Kill Yr Idols”.
En un momento de la grabación, el amplificador de Moore se sobrecalentó y explotó, emitiendo un sonido agudo y chirriante. La banda, fascinada con el resultado, adaptó el sonido para todo "Scooter + Jinx".
“Goo” fue lanzado por DGC Records el 26 de junio de 1990. El diseño de la portada del álbum fue creado por Raymond Pettibon, quien fue responsable de las primeras portadas de Black Flag.
En lugar de su boceto original de Joan Crawford, Sonic Youth eligió otro diseño de Pettibon: una ilustración de dos mods británicos con gafas de sol, basada en una fotografía de Maureen Hindley y David Smith, dos testigos en el juicio por los asesinatos de Moors, una serie de asesinatos de niños cometidos por Ian Brady y Myra Hindley en Manchester y sus alrededores, Inglaterra, entre julio de 1963 y octubre de 1965.
Aunque Geffen presionó por un mercado general, el sello también estaba preocupado por alienar a la base de fans original de Sonic Youth. Esto impulsó al ejecutivo de Geffen, Mark Kates, a intentar tácticas promocionales de base.
Para promocionar “Goo”, Kates organizó que la banda visitara estaciones de radio universitarias y periodistas musicales semanas antes del lanzamiento del álbum.
La controversia en torno al contenido del álbum y la difusión del sencillo "Kool Thing" ayudaron a “Goo” a superar las expectativas del sello discográfico del grupo.
Para diciembre de 1990, “Goo” había vendido más de 200.000 copias y alcanzó el puesto nº 96 en la lista Billboard 200, el álbum de la banda con mejor clasificación hasta la fecha.
Aunque a Geffen le costó adaptar Sonic Youth a la radio pop, "Kool Thing" entró en la rotación regular de Buzz Bin y se convirtió en su canción más popular en la radio alternativa, alcanzando el nº 7 en la lista Billboard Modern Rock Tracks.
El álbum contribuyó al éxito comercial de la música alternativa a principios de la década de 1990, a pesar de su limitada difusión radial.
“Goo” recibió excelentes críticas de la crítica contemporánea.
En un artículo de agosto de 1990, David Fricke de la revista Rolling Stone consideró el disco como el trabajo más accesible de Sonic Youth hasta la fecha. Creía que “Goo” era un "ensayo brillante y extenso sobre primitivismo refinado que reconcilia hábilmente las convenciones estructurales del rock con las pasiones gemelas de la banda por la elasticidad tonal violenta y el holocausto garage-punk".
Jonathan Gold, de Los Angeles Times, aclamó a Sonic Youth como los "Rolling Stones de la música noise" y consideró que las guitarras distorsionadas, los ritmos bailables y los estribillos pegadizos de la banda eran ideales para la radio.
El escritor de Select, Russell Brown, opinó que el álbum "rebosa de... una sensación de lo inesperado" y lo elogió como "un arte de primera".
En NME, Steve Lamacq concluyó que si bien "puede que no sea el álbum más moderno, teniendo en cuenta el gusto del público por el grunge estadounidense en este momento, pero sigue siendo una alternativa desafiante".
Desde su lanzamiento, “Goo” ha sido considerado uno de los discos de rock alternativo más grandes e importantes de todos los tiempos, además de una obra de gran relevancia cultural.
Alec Foerge lo calificó de "radical, incluso desafiante para los estándares de las grandes discográficas de 1990”, mientras que David Browne afirmó que el éxito del álbum fue "una indicación de que se estaba formando una audiencia para esta música, aunque lentamente".
Daisy Jones, de Dazed, consideró el álbum muy relevante para la juventud estadounidense: "Surgió en 1990, el año en el que el grunge se había extendido como una picazón entre una generación cada vez más desilusionada con el metal simulado y la teatralidad de estadio de artistas como Guns N' Roses y Alice Cooper".
Escribiendo para Tidal, Jakob Matzen dijo que debido a que “Goo” fue el álbum más accesible de Sonic Youth, es una "pieza crucial del rompecabezas para entender cómo y por qué otros artistas alternativos (como Nirvana ) pudieron llevar el underground a la corriente principal y desafiar la hegemonía dominante de la industria musical".
En 2014, el periodista musical Andrew Earles escribió que "Lo que hace de Goo un ganador innegable es el mayor enfoque de Sonic Youth en la composición de canciones", y agregó que el álbum contiene algunos de los mejores materiales de la carrera de la banda.
En 2020, Paste nombró a “Goo” como el tercer mejor álbum de 1990. El redactor Jonah Flicker escribió: “Goo de Sonic Youth llegó en el momento justo: los 90 habían llegado y el rock alternativo y el grunge estaban en su apogeo. [...] Goo también marcó el inicio de una larga relación con Geffen Records, llevando el rock verdaderamente experimental al mainstream”.
En 1992, la banda lanzó “Dirty” con el sello DGC.
Para “Dirty”, Sonic Youth trabajó con el productor Butch Vig y el mezclador Andy Wallace, quienes habían trabajado en los mismos roles en “Nevermind” de Nirvana, aunque esta no fue la razón por la que la banda los eligió.
Sobre el sonido del álbum, Pitchfork opinaría más tarde que "no estaban atendiendo completamente a los nuevos oídos que el éxito de Nirvana les estaba enviando", pero "al menos lo estaban tomando en cuenta en un nivel semiconsciente".
Durante su primera reunión con el grupo, Vig le dijo a la banda que quería ajustar los arreglos de las canciones y centrarse en la elaboración de los sonidos de guitarra. Vig rápidamente consiguió el trabajo de productor para el disco.
Durante una visita al apartamento de los miembros de Sonic Youth, Thurston Moore y Kim Gordon, Moore le dijo a Vig que quería que el álbum sonara como un sencillo de Mecht Mensch que Vig había producido.
La banda envió una serie de casetes a Vig a finales de 1991 con sus nuevas composiciones. Vig estaba satisfecho con el material, pero también tenía dudas sobre cómo manejarlo, ya que las cintas consistían en largos instrumentales con estructuras de canciones poco claras.
El segundo lote de casetes que recibió Vig demostró que la banda había realizado algunas autoediciones en sus composiciones.
Vig se mudó a Nueva York durante tres meses a principios de 1992 y la banda comenzó a grabar el álbum en Magic Shop en marzo.
Ian MacKaye de Fugazi colaboró como guitarrista invitado en "Youth Against Fascism". La última canción del álbum, "Crème Brûlée", fue grabada por el guitarrista Lee Ranaldo mientras Gordon tocaba la guitarra y cantaba, el baterista Steve Shelley tocaba la batería y Moore intentaba encender su amplificador.
Tras finalizar la grabación, el álbum tuvo que ser recortado de dieciocho temas ya terminados. Moore, Gordon y el representante de A&R de la banda, Gary Gersh, acordaron que la canción "Genetic" de Ranaldo se eliminaría.
Ranaldo no reaccionó bien a la decisión; sumado a los problemas personales que afrontaba en ese momento, esto lo llevó a considerar abandonar el grupo.
"Genetic" y "Hendrix Necro" de Gordon se incluyeron en el sencillo "100%". Otra canción grabada durante las sesiones, "Stalker", se añadió a la edición en vinilo del álbum.
Su influencia como creadores de tendencias continuó con el descubrimiento del aclamado director de videos de skateboarding Spike Jonze, a quien reclutaron para el video de "100%", en el que también participó el skater convertido en actor Jason Lee.
Esa canción y "JC" hablan del asesinato de Joe Cole, un amigo que trabajó como roadie con Black Flag, y cómo afectó a la banda.
La siguiente canción, "Swimsuit Issue", trata sobre un empleado de Geffen en ese momento que fue remitido a terapia por acoso sexual, de ahí la letra "No me toques el pecho, solo estoy trabajando en mi escritorio". La última sección de la canción presenta a Gordon nombrando a todas las modelos en la edición de trajes de baño de Sports Illustrated Issue de marzo de 1992.
La letra de "Drunken Butterfly" se tomó completamente de títulos de canciones y letras de canciones de Heart, y la canción originalmente se tituló "Barracuda" por una canción de Heart. El título final fue tomado de la canción de Heart "Dog & Butterfly", que suena un poco como "mariposa borracha".
Se dice que "Sugar Kane" trata sobre Marilyn Monroe, y lleva el nombre de su personaje en “Con faldas y a lo loco”.
"Chapel Hill", una de las primeras canciones escritas para el álbum, trata sobre el asesinato del propietario de Internationalist Books, Bob Sheldon, en Carrboro, Carolina del Norte.
La portada del álbum, una fotografía tomada por Mike Kelley, amigo de toda la vida de Gordon, mostraba un peluche naranja con la palabra "Sonic Youth" escrita en los laterales.
La temática continuaba a lo largo del libreto del CD con imágenes de un oso de peluche, un conejo y otros animales de peluche. Los créditos también estaban incluidos en el libreto.
La contraportada presentaba imágenes de miembros individuales de la banda junto con la lista de canciones. La versión en vinilo era diferente, ya que la contraportada mostraba los peluches y las fotos de la banda en los insertos.
Algunas versiones del CD tienen una "foto sucia" de Bob Flanagan y Sheree Rose profanando peluches desnudos.
Antes del lanzamiento del álbum, Sonic Youth realizó una breve gira por el noreste en la que se estrenó la mayor parte de “Dirty”. Se lanzó el 21 de julio de 1992 en vinilo LP doble, CD y casete.
La versión LP del álbum incluía una canción adicional titulada "Stalker". El álbum alcanzó el puesto número 6 en la lista de álbumes del Reino Unido (su álbum con la posición más alta en las listas en el Reino Unido) y el número 83 en los EE. UU.
Tras el éxito del álbum “Nevermind” de Nirvana de 1991, DGC impulsó fuertemente “Dirty”. En el mismo mes en que se lanzó el álbum, "100%" se lanzó como sencillo, pero no fue el éxito cruzado que el sello esperaba.
El ejecutivo de Geffen, Mark Kates, admitió que "no era una gran canción de radio"; sin embargo, la canción fue popular en la radio alternativa y universitaria, alcanzando el número 4 en Billboard Alternative Songs y el número 28 en la lista de sencillos del Reino Unido.
En septiembre, la banda apareció en el programa Late Night with David Letterman, interpretando “100%”.
A instancias de Kates, “Youth Against Fascism” se lanzó en diciembre como el segundo sencillo del álbum. El sencillo no tuvo buenas ventas ni difusión (aunque llegó al puesto nº 52 en las listas del Reino Unido), y Kates se refirió a la decisión como “uno de los mayores errores profesionales de mi vida”.
A finales de 1992, la banda comenzó su gira "Pretty Fucking Dirty", comenzando en Norteamérica. Todas las canciones de “Dirty” se interpretaron al menos una vez, excepto "Crème Brûlée".
“Dirty” tuvo una buena acogida por parte de la crítica. Entertainment Weekly elogió el álbum, calificándolo como "posiblemente la mejor hora (59 minutos, en realidad) de esta banda neoyorquina de noise & roll. También es una prueba muy necesaria de que el concepto anticuado de una banda de rock con guitarra aún puede dar lugar a música vital e innegablemente conmovedora", y concluyó la reseña con: "A estas alturas, cualquier otro álbum de rock & roll que visite nuestro planeta este año tendrá dificultades para superar a Dirty".
Rolling Stone opinó que “Dirty” "se sitúa fácilmente junto a Daydream Nation y Sister" como "las obras grabadas más unificadas e inolvidables de la banda".
Trouser Press consideró que “Dirty” era una gran mejora respecto a “Goo”, que, en su opinión, había "fracasado estrepitosamente".
AllMusic lo llamaría más tarde "un álbum de rock excelente, y en esos términos se sitúa entre los mejores trabajos de Sonic Youth".
"Dirty" fue considerado el mejor álbum de 1992 por Entertainment Weekly. El álbum también fue incluido en el libro "1001 Álbumes que Debes Escuchar Antes de Morir".
En 1993, la banda contribuyó con el tema "Burning Spear" al álbum benéfico contra el SIDA "No Alternative", producido por Red Hot Organization.
En 1994, la banda lanzó “Experimental Jet Set, Trash and No Star”, su lanzamiento con mejor posicionamiento en las listas de éxitos en Estados Unidos hasta la fecha, en el puesto nº 34 del Billboard 200.
La hija de Moore y Gordon, Coco Hayley Moore, nació más tarde ese año, y muchas de las canciones del álbum nunca se tocaron en vivo porque nunca hubo una gira completa para promocionar el álbum debido al embarazo de Gordon.
Después de “Dirty”, Sonic Youth decidió alejarse de los actos de rock alternativo de grandes sellos discográficos, con los que el cantante y guitarrista Thurston Moore pensó que los medios asociaban a la banda.
Las giras con bandas de rock independiente como Pavement, Sebadoh y Royal Trux inspiraron a Sonic Youth a escribir un álbum más tranquilo y sutil.
Al igual que su predecesor, “Experimental Jet Set” fue producido por la banda y el veterano del rock alternativo Butch Vig. Según la banda, “La idea esta vez era grabar en vivo la mayor cantidad posible, y no pulir ni sobregrabar como suele hacerse en el big rock”.
De igual forma, el guitarrista Lee Ranaldo explicó que la banda buscaba un enfoque más lo-fi: “Ninguna de la música de Experimental Jet Set fue elaborada, incluso algunas se hicieron en habitaciones privadas. [...Queríamos] escribir las canciones y grabarlas de forma simple y básica”.
Además, la banda le ordenó a Vig que se abstuviera de aplicar un eliminador de ruidos a varias pistas.
El álbum fue diseñado por John Siket y grabado en el estudio Sear Sound de Nueva York, el mismo estudio donde se grabó el álbum “Sister” de la banda de 1987.
La banda afirmó que el álbum fue grabado sobre las cintas maestras de “Sister” para ahorrar costos, y es posible escuchar algunas partes de “Sister” durante las secciones tranquilas de la grabación final. El álbum fue grabado en una grabadora de cinta analógica de dos pulgadas y 16 pistas a través de un equipo anticuado.
A diferencia de “Dirty”, que presenta una explosión de ruido fuerte y "densa", “Experimental Jet Set” se consideró más cálido y relajado.
Kim Gordon describió el sonido del álbum como "art-core" y Bradley Bambarger de Billboard señaló que el álbum hace referencia al trabajo anterior de la banda en el sello discográfico independiente SST Records, afirmando que presenta "un trabajo escaso y vigorizantemente dicotómico de 'ruido silencioso' que, con sus tonalidades caprichosas y ritmos lacónicos, habla al futuro mientras piensa en el pasado".
De hecho, la canción "Screaming Skull" trata sobre la nostalgia de la banda por sus días en SST Records, que se menciona con frecuencia a lo largo de la canción. También hace referencia a las bandas compañeras Hüsker Dü y The Lemonheads.
La canción se inspiró en una conversación que Moore tuvo con el director de cine Dave Markey sobre SST Superstore, una tienda ubicada en Sunset Strip que suministra discos de SST y productos relacionados con el skate.
Cuando Sonic Youth se logró meter en el mainstream del rock, sus esfuerzos artísticos fueron naturalmente un poco embotados, o quizás más exactamente, remodelados.
Todavía estaban decididos a poner sus ideas más radicales en su música, pero ahora tenían que hacerlo de forma un poco más encubierta. La mayoría de las letras de Experimental Jet Set tratan temas políticos y personales.
Una de esas canciones es “Bull in the Heather”, que bien puede ser una de las canciones más populares de este período y probablemente contó con la banda sonora de suficientes crisis suburbanas de adolescentes para toda una generación.
Pero más allá de eso, y con un coro pegadizo, la canción realmente se basa en los homenajes triunfantes del noise-rock de Gordon.
Gordon explicó que la canción trata sobre "usar la pasividad como una forma de rebelión, como, no voy a participar en tu cultura dominada por los hombres, así que solo voy a ser pasivo".
De manera similar, la canción "Androgynous Mind" aborda los roles de género tradicionales, mientras que "Self-Obsessed and Sexxee" es una observación sobre una riot grrrl (movimiento punk feminista underground que comenzó a principios de la década de 1990 en los Estados Unidos), anónima.
Moore explicó que esta última no trata sobre Courtney Love de Hole o Kathleen Hanna de Bikini Kill; trata sobre "sentirse atraído por alguien que obviamente está fuera de control con la autoobsesión en el mundo del rock alternativo de alto perfil".
La canción "Quest for the Cup" trata sobre una persona que desea más de lo que necesita.
La canción de apertura, "Winner's Blues", alude a la presión de la fama y ha sido descrita como una canción de cuna acústica y triste. La canción originalmente iba a ser una toma descartada para el recopilatorio “DGC Rarities Vol. 1”, pero la banda finalmente decidió incluirla en el álbum en el último minuto durante las sesiones de mezcla.
Otra toma descartada, "Compilation Blues", se incluyó en el recopilatorio.
“Experimental Jet Set” también fue el primer álbum de Sonic Youth en incluir una pista oculta en su lanzamiento en CD; poco más de un minuto después del final de la canción de cierre, "Sweet Shine", hay 1:30 de "ruido extra" con el discurso repetitivo de un empleado de gasolinera japonés.
A diferencia de álbumes anteriores de Sonic Youth, Ranaldo no escribió ni cantó ninguna canción porque no le gustaba cómo se trataron y ensamblaron sus composiciones para “Dirty” y su predecesor, “Goo”.
David Browne, autor de “Goodbye 20th Century: A Biography of Sonic Youth”, comentó que "una sensación de ambivalencia e impermanencia se cernía sobre [Experimental Jet Set], incluso en la portada", que "por primera vez desde Sonic Youth en 1982, mostraba sus rostros en lugar de una obra de arte".
Para promocionar el álbum, la canción "Bull in the Heather" fue lanzada como sencillo en abril de 1994. El sencillo incluye una toma descartada, "Razor Blade", que se grabó en las mismas sesiones que "Winner's Blues" y "Compilation Blues", y una versión alternativa de "Doctor's Orders" como caras B.
La canción alcanzó el puesto número 13 en la lista US Modern Rock Tracks y el número 24 en la lista UK Singles Chart. La canción "Self-Obsessed and Sexxee" estaba destinada a ser el segundo sencillo del álbum.
Se lanzó un CD promocional, pero los planes para un lanzamiento regular finalmente se cancelaron. Las copias restantes se vendieron a través de la revista del club de fans de Sonic Death.
Se realizó un video musical con Kathleen Hanna para "Bull in the Heather" bajo la dirección de Tamra Davis.
“Experimental Jet Set, Trash and No Star” fue lanzado el 10 de mayo de 1994 por DGC, que también lanzó los dos álbumes anteriores de la banda. El álbum alcanzó el puesto número 34 en la lista Billboard Top 200 de EE. UU. y el número 10 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Fue la posición más alta de la banda en las listas de Estados Unidos hasta que su álbum de 2009, “The Eternal”, alcanzó el puesto número 18.
El álbum también apareció en las listas de varios otros países, incluidos Australia, Nueva Zelanda, Países Bajos y Suecia.
La banda no apoyó el álbum con una gira debido al avanzado embarazo de Gordon en ese momento. En 2005, el álbum había vendido 246.000 copias en los EE. UU. según Nielsen SoundScan.
"Experimental Jet Set, Trash y No Star" recibió críticas generalmente favorables de la crítica musical. Barbara O'Dair, de Rolling Stone, opinó que el álbum era "discretamente seguro; más ambicioso y extraño que Dirty".
Sin embargo, comentó que la banda "salvó su integridad a costa de la calidad; con un poco más de ingenio, su garra podría transmitirse mejor".
Lorraine Ali, de Los Angeles Times, elogió la dinámica voz y la guitarra de Gordon por dotar al álbum de una atmósfera soñolienta y ensoñadora, concluyendo que Sonic Youth "trasciende los roles restrictivos de banda de rock artístico pretencioso o grupo alternativo aceptable, y en cambio ofrece un álbum penetrante y único".
Billboard también elogió el álbum, afirmando que ofrecía tanto ruido como melodía que "cohabitan extraordinariamente bien".
En una reseña mixta, el crítico de AllMusic Jason Birchmeier criticó a “Experimental Jet Set” por su sonido despojado, diciendo que el álbum solo contiene "letras extrañas y matices de guitarra únicos".
De manera similar, Evelyn McDonnell de Entertainment Weekly señaló que las canciones "nunca emergen del todo de la etapa de boceto" y que a los recién llegados puede resultarles difícil apreciarlas.
En contraste, Alternative Press destacó la estética anticomercial del álbum, afirmando que "No hay nada más genial que esto".
The Advocate criticó el álbum y a la banda por no tomar riesgos, concluyendo: "Sonic Youth está atascado repitiendo la misma experiencia. Y esta vez, las canciones no pegan".
Mike Rubin, escribiendo para Spin, describió “Experimental Jet Set” como un "asunto discreto y suave", pero destacó la interpretación de guitarra y la retroalimentación de audio en algunas canciones.
En una reseña positiva para The Village Voice, Robert Christgau destacó la capacidad de la banda para crear ruidos inesperados, que describió como "marcas de criaturas de carne y hueso pensando y sintiendo cosas que ni tú ni ellos han pensado o sentido antes. Si no pueden poner esas cosas en palabras, para eso están los ruidos inesperados".
A diferencia de los álbumes anteriores de Sonic Youth, “Experimental Jet Set” no se clasificó en el Top 40 de la encuesta de críticos Pazz & Jop de The Village Voice para 1994, pero Christgau lo colocó en el número 3 en su propia "Lista del Decano".
En una reseña retrospectiva para About.com, la experta en rock de los 90 Melissa Bobbitt escribió: "Aunque puede que no sea tan universalmente celebrado como Daydream Nation o Dirty de 1988 , este disco representó el ascenso triunfal de la Nación Alternativa y su naturaleza progresista".
En 2014, Guitar World colocó a “Experimental Jet Set, Trash y No Star” en el puesto número 44 de su lista "Superunknown: 50 Iconic Albums That Defined 1994".
En 1994, la banda lanzó una versión del éxito de 1971 de los Carpenters , “Superstar”, para el álbum tributo “If I Were a Carpenter”.
La banda encabezó el festival Lollapalooza de 1995 con Hole and Pavement. Para entonces, el rock alternativo había ganado una considerable atención del público general, y el festival fue parodiado en el episodio de Los Simpson “Homerpalooza” de 1996, que contó con voces en off de la banda. También interpretaron el tema de los créditos finales de ese episodio.
El álbum “Washing Machine” fue lanzado en 1995 y representó un cambio en el sonido de Sonic Youth, alejándose de sus raíces punk rock y acercándose a arreglos experimentales y más largos basados en jams.
Después de “Experimental Jet Set”, la banda decidió tomarse un descanso de las presentaciones en vivo y se concentró en numerosos proyectos paralelos.
Kim Gordon, tocó con Julia Cafritz de Pussy Galore en Free Kitten, Steve Shelley tocó con Jad Fair de Half Japanese en Mosquito, Lee Ranaldo tocó con el baterista de free jazz William Hooker, y Thurston Moore lanzó su primer álbum en solitario, “Psychic Hearts”.
Moore y Gordon también tuvieron su primera hija, Coco. Según Moore, su hija había aportado una perspectiva diferente a la banda: “Estoy más centrada y sensata. Hay una conciencia sublime de tu lugar espiritual en el mundo. Me siento más a gusto conmigo misma... Los bebés son pequeños budas. Son completamente geniales”.
“Washing Machine” se grabó en los estudios Easley de Memphis, donde bandas de indie rock como Pavement, Guided by Voices y Grifters ya habían grabado álbumes.
Moore comentó que el ambiente de Memphis les ayudó a desconectar de la gente que seguía constantemente a la banda.
También consideró que “Washing Machine” fue concebido y grabado como algunos de los primeros álbumes de la banda, afirmando que “recuerda a discos como Sister, donde componíamos un montón de canciones, íbamos al estudio durante un mes, las grabábamos, luego salíamos de gira y las tocábamos durante un año. Al final del año se transformaban en algo mucho más emocionante”.
La canción "The Diamond Sea" destaca por su duración de 19:35. Moore explicó la duración de algunas canciones del álbum: "Todos tenemos una estética diferente en cuanto a cómo deberían funcionar las canciones. Generalmente busco mucha libertad, mientras que algunos en el grupo están más interesados en acortar las cosas. Si yo fuera el líder, como dicen, cada canción duraría 20 minutos".
La novena canción, no incluida en la lista, oficialmente llamada "Becuz Coda", originalmente formaba parte de la canción "Becuz", pero el sello discográfico consideró necesario cortar la canción de siete minutos y medio para que la introducción del álbum fuera más accesible.
El álbum fue producido por Sonic Youth y John Siket, quienes también fueron los ingenieros de sonido de los dos álbumes anteriores de la banda. La mezcla se realizó en Greene Street Studios en la ciudad de Nueva York en junio de 1995.
A diferencia de “Experimental Jet Set", que fue descrito como difícil y claustrofóbico, "Washing Machine” es considerablemente más abierto y contiene algunas de las canciones más largas de la banda.
Excluyendo los lanzamientos de Sonic Youth Recordings, la canción final, "The Diamond Sea", es la canción más larga en cualquier álbum de Sonic Youth.
La canción fue editada a 5:15 para su lanzamiento como sencillo, que incluía una versión alternativa de 25 minutos como una pista adicional.
“Washing Machine” es el primer álbum de la banda en el que Gordon tocó casi exclusivamente la guitarra en lugar del bajo, lo que resultó en una formación de tres guitarras y batería.
Trouser Press comentó que el álbum contiene referencias musicales a Shangri-Las y los Byrds y describió su estilo como "[virando] entre experimentos de guitarra trance y declaraciones más concisas".
Entertainment Weekly lo describió así: "Estas canciones se desarrollan sobre ritmos equilibrados y guitarras que persisten en lugar de atacar. Puede entrar un toque de distorsión, pero el efecto es mayormente lánguido y maravillosamente hipnótico".
Aunque las letras de Gordon en “Experimental Jet Set” abordaban los roles de género y los estereotipos, sus contribuciones a “Washing Machine” se consideraron más femeninas y orientadas a las chicas.
Tom Moon de Rolling Stone señaló: "La canción principal es una extraña y sincera canción de amor; 'Panty Lies' es una burla de patio de recreo llevada a extremos absurdos; y '[Little] Trouble Girl', la parodia de Spector, es una dramática y sincera historia de mayoría de edad".
Esta última fue descrita por David Browne de Entertainment Weekly como "una canción de cuna sobre el embarazo adolescente" y cuenta con las voces de Gordon y Kim Deal (de Pixies and the Breeders) junto con otros músicos.
Gordon sintió que Deal tenía una voz ideal para la parte melódica y explicó que la canción trataba sobre "querer ser vista por quien realmente eres, ser capaz de expresar esas partes de ti misma que no son 'buena chica' pero que son igual de reales y verdaderas".
“¿Recuerdas, madre? Estábamos cerca”, repite Kim Gordon en “Little Trouble Girl”. “Muy, muy cerca”. Mientras que Gordon toma el verso con una entrega monocromática de palabras habladas, Kim Deal asume el papel de vocalista invitada con un vientre siniestro.
A medida que los dos cantantes intercambian voces, crean un lugar sombrío lleno de terror espeluznante y motivos clandestinos. Escrita como un reflejo subvertido de los grupos de chicas al estilo de Phil Spector de los años sesenta, Gordon se convierte una vez más en la mente maestra artística.
Ranaldo contribuyó con dos canciones, "Saucer-Like" y "Skip Tracer". Esta última fue coescrita con su esposa Leah Singer, inspirada en una actuación del dúo riot grrrl Mecca Normal a la que asistieron. La canción también alude a la relación especial de la banda con una importante discográfica.
La canción "Junkie's Promise", interpretada por Moore, fue descrita como una "viñeta de heroína".
Aunque originalmente se interpretó como un homenaje a Kurt Cobain de Nirvana, Moore explicó que la canción solo trata sobre la relación emocional entre amigos, siendo uno de ellos un drogadicto.
Según él, "Cualquier persona involucrada con la adicción a las drogas mentirá a sus amigos por necesidad egoísta. Es la verdad más cruel de la situación. Kurt puede encajar en este perfil y seguramente lo tenía en mente mientras escribía, pero la canción no es una dedicatoria específica para él".
Otras canciones como "Becuz" y "No Queen Blues" se basaron en "ritmos entumecidos con fragmentos de melodía, potencia y ruido magníficamente elaborado".
"The Diamond Sea" fue descrita como una "balada al estilo de Neil Young que se expande hacia una excursión épica de ruido". Retrospectivamente, Pitchfork la describió como "la canción más Sonic Youth que puedas imaginar".
La portada del álbum consiste en una fotografía Polaroid recortada de dos fans no identificados tomada en un show de Sonic Youth en Amherst, Massachusetts, en abril de 1995, durante una corta gira realizada mientras el álbum aún estaba en producción.
Los fans son representados usando camisetas que se vendieron como mercancía durante esa gira; a principios de 1995, la banda consideró cambiar su nombre a “Washing Machine”.
Visibles en la camiseta de la izquierda están las firmas de Thalia Zedek y Chris Brokaw de la banda de apertura de la gira, Come.
La foto fue tomada por Gordon, quien creyó que podría usarse como portada del álbum. A la banda le gustó la toma, pero el sello discográfico no quería usarla sin el permiso de los fans. Debido a que la banda no tenía forma de contactarlos, sus rostros tuvieron que ser recortados.
“Washing Machine” fue lanzado en formatos de vinilo, CD y casete el 26 de septiembre de 1995 por DGC, poco después de que el grupo concluyera su etapa como cabeza de cartel del festival de música Lollapalooza de 1995.
Durante el festival, la banda mostró algunas pistas del álbum además de tocar varias canciones de “Daydream Nation”, “Dirty” y “Experimental Jet Set”.
En Alemania, el disco también fue lanzado con un disco extra que contenía cuatro canciones en vivo que se grabaron en París el 12 de septiembre de 1995.
Tras su lanzamiento, “Washing Machine” alcanzó el puesto número 58 en la lista Billboard 200 de EE. UU. y el número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
El álbum también apareció en las listas de varios otros países, incluidos Australia, Nueva Zelanda, los Países Bajos y Bélgica.
En 2005, el álbum había vendido 159.000 copias en los EE. UU. según Nielsen SoundScan.
“Washing Machine” recibió críticas generalmente positivas de los críticos musicales. Stephen Thomas Erlewine, de AllMusic, opinó que el álbum era “sin duda el disco más aventurero, desafiante y mejor de la banda desde Daydream Nation ... No solo las canciones son más inmediatas que la mayoría del material de sus discos anteriores, sino que el sonido es cálido y abierto, lo que convierte a Washing Machine en su disco más maduro y acogedor hasta la fecha... Washing Machine abarca todo lo que hizo innovadores a Sonic Youth y demuestra que pueden seguir creciendo, encontrando nuevos caminos dentro de su sonido característico”.
De igual manera, Peter Margasak, de CMJ New Music Monthly, describió el álbum como una “poderosa consolidación de los logros de la banda, pero una síntesis que mira hacia el futuro”. También destacó la canción “The Diamond Sea” como la pieza central del álbum, afirmando que era una de las “incursiones más ambiciosas de Moore en colores, texturas y tensión sónica pura”.
Escribiendo para Rolling Stone, Tom Moon lo llamó "un álbum sardónico, sabiondo, indulgente y totalmente cautivador", declarando que era "anti-gancho" y "rechaza (y a veces se burla) de la sabiduría convencional posterior a Nirvana".
Destacó la interacción de guitarra de Ranaldo y Moore en cada pista, comentando que "han desarrollado un ataque que es asombrosamente intrincado y jazzístico en su extrema flexibilidad".
El destacado crítico musical Robert Christgau también elogió el álbum y comparó algunas canciones favorablemente con Grateful Dead y Fleetwoods.
La escritora de Los Angeles Times Lorraine Ali declaró que el álbum "encuentra a Sonic Youth sin tomar nuevos pasos radicales, sino que se aferra a su fórmula innovadora original y ve cómo el gran mundo del pop llega a ella".
Por el contrario, Browne de Entertainment Weekly sintió que la banda exploró nuevos desafíos y escribió que "Washing Machine" fue su "paso más audaz hasta ahora".
En una reseña mixta, el editor de Spin, Erik Davis, criticó el álbum por su estructura sin rumbo, afirmando que cada uno de los miembros de la banda "vaga en una dirección diferente", pero elogió altamente "The Diamond Sea", llamándolo "un hermoso tapiz enterrado en la carga desigual de Washing Machine".
Añadió que la banda "se deja llevar por un hermoso mar ambiental que brilla con matices. Luego, una tormenta metálica se avecina en el horizonte, antes de que una serie de cuatro notas fascinantes desate un festival de nigromancia Hendrix ... Es fácil hacer que el ruido de la guitarra sea áspero y chirriante, pero Sonic Youth puede hacerlo brillar. Es fácil usar el ruido como un pico orgásmico, pero Sonic Youth puede hacer que se estabilice, restringiendo su distorsión solo para intensificar su monstruosa serenidad".
También dijo que la canción demostró que Sonic Youth "puede mejorar cuanto más se aleja", mientras que la revista NME comentó que probablemente era la mejor canción de la banda.
“Washing Machine” ocupó el puesto número 18 en la encuesta de críticos de Pazz & Jop de The Village Voice de 1995. De manera similar, los editores de NME colocaron el álbum en el puesto número 31 en su lista de álbumes del año.
A partir de 1997 lanzaron una serie de álbumes de improvisación agrupados bajo el título "SYR" con títulos de canciones y notas en varios idiomas. “SYR3: Invito al ĉielo”, lanzado en 1998, presentó a Jim O'Rourke, quien más tarde se convirtió en miembro oficial de la banda.
Varias canciones de la serie "SYR" se agregaron a las presentaciones en vivo de Sonic Youth, y otras inspiraron pistas en su siguiente álbum de estudio, “A Thousand Leaves”, lanzado en 1998.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1052
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 39
Kim Gordon (Tercera parte)
Con el dinero que habían ganado en el festival Lollapalooza de 1995, la banda decidió construir un estudio de grabación, llamado Echo Canyon, en Murray Street en el Bajo Manhattan.
El lapso de casi tres años entre “Washing Machine” y su siguiente álbum “A Thousand Leaves” también representó la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de Sonic Youth en ese momento.
El cantante y guitarrista Thurston Moore explicó que la banda necesitaba un descanso, y señaló que habían estado de gira sin parar durante 16 años. Dijo: "Estamos teniendo hijos, nos estamos haciendo mayores, vamos a relajarnos un poco y construir este taller, y seguir ese camino, trabajar esa ruta".
En su nuevo estudio, la banda comenzó a escribir nuevas canciones a partir de improvisaciones extendidas en los ensayos.
Varias jams instrumentales fueron lanzadas como extended plays a través del sello discográfico de la banda, Sonic Youth Recordings, y distribuidas por Smells Like Records, un sello discográfico independiente formado previamente por el baterista Steve Shelley. Estos incluyen “Anagrama”, “Slaapkamers met slagroom” e “Invito al ĉielo”.
Dado que “A Thousand Leaves” fue el primer álbum de Sonic Youth grabado en su propio estudio, la banda tuvo más tiempo y libertad para trabajar en él.
Como resultado, las canciones evolucionaron de forma desigual y se grabaron desde una etapa temprana de desarrollo.
Según el guitarrista Lee Ranaldo, el álbum es "un reflejo de dónde estábamos en ese momento. No nos interesaba hacer nada conciso. Simplemente tocábamos lo que nos apetecía tocar. Realmente no sentíamos que lo que necesitábamos hacer era producir otro disco como Goo".
La canción de 11 minutos "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)" estaba inicialmente pensada para ser lanzada en uno de los EP como una pista instrumental, pero finalmente se incluyó en el álbum con voces.
El álbum fue coproducido por la banda y el productor de Confusion Is Sex, Wharton Tiers, y masterizado por Greg Calbi en Masterdisk en la ciudad de Nueva York.
Musicalmente, “A Thousand Leaves” fue considerado más expansivo y relajado que los álbumes anteriores de Sonic Youth, con menos retroalimentación y más interpretación de guitarra e improvisación.
Según David Browne, el disco exploró sonidos post-rock que eran "más sutiles" y "más peculiares" que la mayoría del rock convencional en ese momento.
El título del álbum se inspiró en “Leaves of Grass” de Walt Whitman. Según Moore, "De la misma manera que él improvisa con imágenes y palabras, nosotros improvisamos con sonidos y notas".
También atribuyó el estilo del álbum al hecho de que la banda estaba envejeciendo, comentando: "También te involucras mucho con tus pensamientos sobre la experiencia de la vida en general. Tener hijos es increíble de esa manera". La canción "Snare, Girl" exploró estos temas.
La canción más larga del álbum, "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)", hace referencia al poeta estadounidense Allen Ginsberg y contiene un interludio instrumental que fue descrito como "un pasaje sutil y prolongado de líneas de guitarra en código Morse y una tarde de ocio con pedales wah-wah: felicidad en cámara lenta".
Al igual que los álbumes anteriores de Sonic Youth, “A Thousand Leaves” también contiene canciones que tratan sobre los roles de género y los estereotipos.
La canción "Female Mechanic Now on Duty", cantada por Kim Gordon, fue una reacción a cómo los periodistas categorizan a las músicas. Se inspiró en el éxito de Meredith Brooks "Bitch". De manera similar, en "The Ineffable Me", Gordon expresó su oposición a tales limitaciones.
La canción "Karen Koltrane", cantada por Ranaldo, trata sobre una amante de sus días universitarios que tuvo "una adultez mucho menos extraordinaria" de lo que él había pensado al principio, mientras que "Hoarfrost", que originalmente se tituló "Woodland Ode", se inspiró cuando Ranaldo y su esposa Leah Singer salieron a caminar por la nieve durante una visita que hicieron a los padres de Singer en Winnipeg, Manitoba, Canadá.
La canción "Sunday" generalmente se considera la canción más accesible del álbum. Se grabó originalmente para la película “SubUrbia” de Richard Linklater de 1997, pero luego se volvió a grabar para “A Thousand Leaves”.
“A Thousand Leaves” fue lanzado en vinilo, CD y casete el 12 de mayo de 1998 por DGC Records.
La portada del álbum presenta una obra de arte de la artista Marnie Weber, que representa a un hámster y a la propia Weber a los 12 años luciendo cuernos de animales. Según Moore, la imagen es una referencia al álbum recopilatorio “Unlimited Edition” de la banda alemana de rock experimental Can.
Originalmente, el álbum se titulaba “Mille Feuille” ( Mil hojas en francés ) y estaba destinado a presentar una imagen de Moore sosteniendo un pastel como portada.
Para promocionar el álbum, se lanzó una versión de radio de "Sunday" como sencillo para rock moderno, universitario y radio pública en abril de 1998.
La banda también apoyó el álbum con una gira por los EE. UU. y Canadá de mayo a junio de 1998.
Tras su lanzamiento, alcanzó el puesto número 85 en el Billboard 200 de EE. UU. y el número 38 en la lista de álbumes del Reino Unido.
El álbum también apareció en las listas de otros países, incluidos Francia, Bélgica, Suecia y Noruega.
El sencillo "Sunday" alcanzó el puesto número 72 en la lista de sencillos del Reino Unido y finalmente se lanzó en vinilo y CD el 14 de julio de 1998, que contiene una versión de Nirvana, "Moist Vagina", como uno de sus lados B.
Se realizó un video musical dirigido por Harmony Korine y protagonizado por Macaulay Culkin para el sencillo.
La banda eligió a Korine debido a su trabajo en las películas “Kids” (1995) y “Gummo” (1997), la primera de las cuales contó con varios actores jóvenes que previamente habían aparecido en el video musical del sencillo de la banda de 1993 "Sugar Kane", incluida la actriz estadounidense Chloë Sevigny.
En julio de 1999, el álbum había vendido 54.000 copias en los Estados Unidos según Nielsen SoundScan. Y en 2005, el álbum había vendido 66.000 copias.
“A Thousand Leaves” fue bien recibido por los críticos, algunos de los cuales lo consideraron uno de los mejores álbumes de Sonic Youth hasta el momento.
Escribiendo para AllMusic, Stephen Thomas Erlewine describió el álbum como "el disco más desafiante y satisfactorio de la banda en años" y elogió sus guitarras tranquilas y giros impredecibles, que mantuvieron las largas canciones cautivadoras.
El editor de Pitchfork, Brent DiCrescenzo, citó "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)" como la pieza central del álbum y destacó la improvisación, la improvisación y la interacción de guitarra entre Moore y Ranaldo.
David Stubbs de Spin criticó el débil canto de Gordon y su forzada interpretación de guitarra en "Contre le sexisme", "Female Mechanic Now on Duty" y "The Ineffable Me", pero sin embargo juzgó los "efectos de diapasón continuamente inventivos" de Moore y Ranaldo, que "hacen brillar adornos dorados que cortan e irritan [el álbum] a cada paso".
Otras reseñas fueron menos entusiastas. Sara Scribner, de Los Angeles Times, comentó que “A Thousand Leaves” era un disco monótono, "experimental y psicodélico", que parecía "una sombra desapasionada y menos reflexiva de lo que fue la banda".
JD Considine, de Entertainment Weekly, expresó críticas similares, calificando el disco como "el tipo de disco que le da mala fama al rock artístico".
Ben Ratliff, de Rolling Stone, consideró que las canciones eran innecesariamente largas y lentas, y comentó que el álbum "realmente suena como una maqueta : once canciones esperando una mejor organización y la eliminación de clichés".
De igual manera, Stephen Thompson, de The AV Club, consideró que el álbum rara vez contenía canciones completamente formadas y que la banda debería empezar a "completar sus ideas antes de grabarlas para la posteridad".
Orlando Weekly criticó la forma "artificial y molesta" de cantar de Gordon, diciendo que muchas canciones son "simplemente largos collages de retroalimentación con voces pegadas y montones de pretensiones de escuela de arte", pero también admitió que el álbum contiene algunas "joyas ocultas" como "Sunday" y "Wildflower Soul".
En una reseña muy positiva para The Village Voice, Robert Christgau llamó a “A Thousand Leaves” un disco maduro y hermoso, comentando: "Es la música de una nación de ensueño lo suficientemente vieja como para atesorar cualquier tiempo que encuentre en sus manos. Donde hace una década [Sonic Youth] se zambulló y caminó pesadamente, ebrios de la idea avanzada de la camioneta en la que estaban atrapados, aquí vagan a voluntad, deslumbrados por el sol, la vegetación, la escarcha y las máquinas que hacen crujidos en la noche".
Aunque el álbum no fue clasificado en el Top 40 de la encuesta de críticos Pazz & Jop de The Village Voice para 1998, Christgau, el creador de la encuesta, lo colocó en el Nº 3 en su propia "Lista del Decano". Más tarde lo nombraría uno de los 10 mejores discos de la década de 1990.
De manera similar, los editores de NME colocaron el álbum en el puesto número 40 de su lista de los 50 mejores de fin de año.
The Wire nombró al álbum como su disco del año en su encuesta de críticos de fin de año.
El 4 de julio de 1999, los instrumentos y el equipo de escenario de Sonic Youth fueron robados durante una gira en el condado de Orange, California. Casi 30 guitarras y bajos fueron robados; algunos fueron recuperados durante los siguientes 13 años.
Como resultado del robo, los miembros de Sonic Youth recurrieron a "viejas guitarras en su estudio, desenterrando instrumentos que no habían usado en años" que, "junto con el equipo adquirido para las fechas restantes de la gira, servirían de base para seis nuevas canciones compuestas durante el mes siguiente", además de "Free City Rhymes" y "Renegade Princess", escritas antes de la gira.
Los miembros de la banda reconocieron posteriormente que "el robo del equipo fue en cierto modo una bendición, aunque también bastante inoportuna y desagradable, ya que realmente los obligó a 'empezar de cero' y a abordar la creación musical con nuevos límites".
Su nuevo álbum de estudio, “NYC Ghosts & Flowers” fue lanzado el 16 de mayo de 2000 por el sello discográfico DGC.
Se lanzó un video musical para el tema "Nevermind (What Was It Anyway)". Según el sitio web oficial de la banda, era un sencillo propuesto que "nunca llegó a las tiendas".
“NYC Ghosts & Flowers” recibió una calificación de aprobación de 66 sobre 100 en el sitio web de agregadores de reseñas Metacritic, lo que significa "críticas generalmente favorables".
En una reseña positiva para el Chicago Tribune, Greg Kot dijo "aunque Sonic Youth coqueteó con la composición de rock alternativo a principios de los 90, estos renegados del noise-rock vuelven a ver felizmente sus guitarras como trozos de madera, alambre y posibilidades infinitas".
Continuó escribiendo: "Ninguna banda de rock hace que el sonido de vanguardia sea tan táctil y sensual".
Salon.com también le dio al álbum una reseña positiva y declaró: "Aunque no hay una sola canción aquí que se mantenga unida de principio a fin, incluso cuando la música solo se hace sentir en un estilo vacilante de rompecabezas... el álbum tiene una tenacidad sombría e inflexible que es difícil de sacudir".
Mojo declaró que "al final, sorprendentemente vale la pena por las pocas pistas geniales y extrañas".
En Spin, Douglas Wolk lo aclamó como el "álbum más artístico y texturalmente espectacular" de Sonic Youth hasta el momento, escribiendo que "crea un vínculo entre el free-jazz del New York Art Quartet y los espasmos psicóticos del Santo Grial del no wave de 1978, No New York ".
En opinión de NME , el álbum "arde con tal sentido de dirección y enfoque" que reveló que el grupo todavía es "una fuerza creativa vital" en la música.
Según Robert Christgau, “NYC Ghosts & Flowers” resultó ser el "fracaso por aclamación" de Sonic Youth entre los críticos; él mismo le había dado una reseña positiva en The Village Voice, pero luego dijo que las "divagaciones" del disco, que "me habían cautivado en su forma ambiental, nunca volvieron a conectarse por completo" en escuchas posteriores.
Select escribió que "las canciones sufren de un enfoque perezoso y la repetición implacable de patrones de acordes poco atractivos".
Billboard creía que el disco "encapsula las cualidades más entrañables o molestas de Sonic Youth, dependiendo de cómo se sienta uno acerca de la banda y la poética de la palabra hablada de Kim Gordon".
La reseña de Brent DiCrescenzo para Pitchfork fue mucho más crítica y le asignó al álbum una puntuación de 0.0 sobre 10, y el crítico lo describió como "un álbum insondable que se escuchará en las canchas de squash y las noches de micrófono abierto del más profundo infierno". Al comentar sobre las raíces vanguardistas del álbum, dijo: “Estas no son ideas nuevas. Son ideas que eran arrogantes e inaudibles al nacer hace treinta años”.
DiCrescenzo posteriormente reevaluó su opinión sobre el álbum y, en 2013, comentó sobre la mayor estima que ahora tenía: “Ahora me encanta el disco. Es diferente a todo lo demás; inquietante y hermoso. [...] No, la lección aquí es: cuidado con las opiniones de un joven recién salido de la universidad”. También describió la escala decimal de Pitchfork como “intencionadamente absurda” y “arbitraria”.
En 2001, Sonic Youth colaboró con la cantante y poeta vanguardista francesa Brigitte Fontaine en su álbum “Kékéland”.
Al año siguiente, Sonic Youth participó en la primera edición del festival de música All Tomorrow's Parties y se encargó de la composición del álbum recopilatorio resultante.
El álbum “Murray Street” se lanzó en 2002 y vio la incorporación de Jim O'Rourke como miembro a tiempo completo en guitarra, bajo y teclados.
La grabación comenzó en agosto de 2001 en el estudio Echo Canyon de la banda en Nueva York, tras su última gira “NYC Ghosts and Flowers/Goodbye to the 20th Century”.
El primer material de las sesiones fue la canción "Plastic Sun", en un CD promocional incluido en un número de la revista Jane. Sin embargo, debido a un error en la afinación, la banda relanzó la canción en su sitio web.
Las sesiones de grabación se detuvieron inesperadamente tras los atentados del 11 de septiembre, y la banda, en su lugar, dirigió un festival benéfico por el World Trade Center el 9 de octubre.
Varios otros eventos benéficos y conciertos los llevaron a su presentación reprogramada para el 17 de marzo de 2002 en el festival All Tomorrow's Parties en Los Ángeles, California.
Para entonces, la grabación y la mezcla del álbum estaban completas y los siete temas (revelados por primera vez en el sitio web de la banda) se interpretaron en el festival.
El nuevo material fue aclamado como un regreso al estilo de instrumentales distorsionados y complejos que convirtió a la banda en una de las favoritas del underground.
El director artístico Frank Olinsky dirigió la concepción de los diseños de las portadas. La joven rubia que aparece a la derecha en la portada del álbum es Coco Gordon-Moore, hija de Thurston Moore y Kim Gordon, recogiendo fresas con su amiga Stella, quien aparece a la izquierda.
No se muestra ningún título en la portada, solo un garabateado "SONIC YOUTH". El libreto de tres páginas y doble cara del CD, cuya portada presenta una imagen a color invertida de la portada del CD, incluye notas, fotografías y créditos del álbum. La contraportada muestra el letrero de Murray Street.
A principios de junio de 2002, ¡”Murray Street” se lanzó en Japón con el tema extra "Street Sauce".
El 10 de junio fue la fecha de lanzamiento en Europa y el 25 de junio en Norteamérica. En Francia, 500 copias incluían un EP extra de vinilo azul de 10" de edición limitada, llamado “Kali Yug Express”, que incluía tres temas exclusivos de sus recientes bandas sonoras: "Derniere Minute Electrifee" en una cara, "Le Paysage Zim Zum" y "Coca Neon Kamera Sutra" en la otra.
En Norteamérica, el disco fue mejorado, incluyendo un protector de pantalla y un enlace a un enlace "secreto" en el sitio web de Sonic Youth que ofrecía fotografías promocionales, videos musicales y las tres canciones del EP “Kali Yug Express”. La edición desplegable en vinilo se publicó bajo el sello Smells Like Records Goofin.
Tras su lanzamiento, “Murray Street” fue un éxito moderado, alcanzando el puesto número 126 en el Billboard 200.
El álbum recibió una puntuación de 82 sobre 100 en Metacritic, basándose en su "aclamación universal".
Entertainment Weekly escribió que, con el álbum, "Sonic Youth encuentra un equilibrio —entre lo informe y lo estructural, la melodía y la cacofonía— que se les había escapado por un tiempo".
Playlouder le otorgó al álbum 4,5 de 5 estrellas y afirmó: "Hay un equilibrio justo entre la melodía, los inesperados acordes de jazz, los chillidos ensordecedores y los encantadores sonidos armónicos que lo hacen inolvidable".
The AV Club le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "no marca un momento histórico para Sonic Youth, pero sus guiños familiares y nuevos ingredientes, desde la batería ocasionalmente casi funky de Steve Shelley hasta las texturas vibrantes de computadora portátil de O'Rourke, marcan otro punto culminante para una banda que logra la autorrealización al reconciliar el ensimismamiento con un suspiro y una sonrisa".
Neumu.net le dio una puntuación de 8 de 10 estrellas y declaró: "Escrito con algunas estructuras de rock básicas y atractivas, el álbum reemplaza la hiperenergía y la angustia del material anterior con texturas lentas y complejas y ritmos delicados, pero aún rockea de forma intermitente".
Nude as the News le dio una puntuación de 8 de 10 y dijo: "Ya sea que se unieron a Daydream Nation o Experimental Jet Set, los verdaderos creyentes disfrutarán de este".
Uncut le dio 4 de 5 estrellas y dijo que el álbum "contiene algo de la mejor música que Sonic Youth ha grabado desde el emblemático Daydream Nation en 1988".
Blender también le dio 4 de 5 estrellas y dijo de Sonic Youth: "Tienen más músculo de guitarra agridulce que nunca".
Q también le dio al álbum 4 estrellas y lo llamó "un ensayo en rock de izquierdas sofisticado y tranquilo, ocasionalmente cargado de discordancia característica pero también lleno de melodías brillantes".
Billboard le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "presenta algunos de los trabajos más centrados y seductores del grupo".
Mojo también le dio al álbum 4 estrellas al etiquetarlo como el "Álbum del mes", y dijo: "Los elementos convencionales de la banda son aún más convencionales, mientras que los que rompen los límites se extienden más lejos que nunca".
Spin también le dio al álbum una puntuación de 8 sobre 10 y dijo: “Esta vez, la banda combina sus tendencias artísticas con su gusto por el psicorock clásico”.
No Ripcord le dio 8 de 10 estrellas y dijo: “Si dudas de la importancia de Sonic Youth, unas cuantas escuchas de Murray Street te harán reconsiderar la idea. Sí, solo hay siete temas bastante largos, pero tendrás que buscar en otro lugar para encontrar indicios de indulgencia”.
Alternative Press le dio al álbum 3,5 de 5 estrellas y afirmó que "presenta menos improvisaciones vanguardistas y más juventud pura".
Sin embargo, The Village Voice le dio una crítica mixta y dijo: "El nuevo álbum no es terrible, solo aburrido".
Kludge lo incluyó en su lista de los mejores álbumes de 2002.
Robert Christgau, quien no quedó muy impresionado en su reseña original en Village Voice, comentó posteriormente que "la fusión de canciones y paisajes sonoros de Murray ... sonaba potente" en retrospectiva.
The Wire nombró a "Murray Street" como su disco del año 2002. Pitchfork colocó a “Murray Street” en el puesto número 108 en su lista de los 200 mejores álbumes de la década del 2000.
Durante el período de grabación del album, la banda participó en la producción del documental “Kill Your Idols”, dirigido y producido por Scott Crary, que abarca la historia del punk rock en la ciudad de Nueva York. La película se estrenó en 2004.
El siguiente álbum de Sonic Youth, “Sonic Nurse”, también fue lanzado en 2004. La banda estaba programada para actuar en la gira Lollapalooza de 2004 junto con artistas como Pixies y Flaming Lips, pero la gira fue cancelada debido a la baja venta de entradas.
La portada de “Sonic Nurse” fue diseñada por el artista Richard Prince, de su serie "Cuadros de Enfermeras". Además, una de las creaciones fotográficas de Prince en esta serie se tituló "Dude Ranch Nurse", que también es el nombre de una canción de este disco.
"Pattern Recognition" se basó en la novela homónima de William Gibson de 2003. Sonic Youth ya había utilizado la obra de Gibson como influencia, sobre todo en algunos temas de “Daydream Nation” (1988).
"Kim Gordon and the Arthur Doyle Hand Cream" se lanzó anteriormente como "Mariah Carey and the Arthur Doyle Hand Cream" en la primera serie “Narnack Buddy 7”, pero el título se cambió debido a las preocupaciones de posibles acciones legales por parte del equipo legal de Carey.
El álbum tiene una puntuación de 77 sobre 100 en Metacritic, basada en "críticas generalmente favorables".
No Ripcord le dio al álbum 10 de 10 estrellas y dijo que "podría ser el mejor álbum de rock de guitarra desde, bueno, Murray Street".
Drowned in Sound le dio 5 de 5 estrellas y dijo que el álbum era "lo más cercano a crear un hito en paralelo con Daydream Nation que han llegado desde el día del nombre de ese disco en particular en 1988, y en sus [ sic ] densas texturas tal vez señala la extinción del idilio antediluviano de No Wave; un viaje de Robert Zimmerman que de alguna manera se mezcló con Joni Mitchell, Black Flag y un bicho raro conceptualista".
En su "Guía del consumidor", Robert Christgau le dio al álbum una A− y dijo: "Este conjunto inusualmente cantado está a la altura de sus buenos últimos, sus disonancias son una lingua franca desplegada de forma menos atmosférica que en su práctica reciente".
Mientras trabajaba para Blender, Christgau le dio al mismo álbum 4 estrellas de 5 y lo llamó "el lanzamiento más cantautor [de Sonic Youth] desde los saludos de los grandes sellos Goo y Dirty, y para la mayoría de los estándares el mejor desde el fundamental Daydream Nation de 1988".
Filter le dio al álbum una puntuación del 90% y lo llamó "una joya preciosa y genuina".
Stylus Magazine le dio un B+ y dijo que el álbum, "si no es prueba de una banda repleta de ideas frescas, al menos suena fresco".
Prefix Magazine le dio una crítica favorable y dijo: "Con Sonic Nurse, es realmente posible ver el insoportablemente indulgente NYC Ghosts and Flowers de 2000 como un obstáculo en una década de creación de discos por lo demás tranquila. Su último, el agridulce Murray Street de 2002, fue un regreso a la forma, y el épico Sonic Nurse solo proporcionará más evidencia para la canonización de Sonic Youth".
El Austin Chronicle le dio una puntuación de 4 estrellas de 5 y dijo: "Cada canción menos una cae completamente desarrollada en el estadio de béisbol de cinco a siete minutos, rebosante de suficiente magia disonante, imágenes vocales inteligentes y matices tonales de rock para enarbolar la bandera freak como ningún rockero envejecido lo ha hecho jamás".
Yahoo! Music UK le dio al álbum 8 estrellas de 10 y dijo: "Lo que emerge es Sonic Youth en completa comodidad consigo mismo y con su música, operando simultáneamente en la cima de sus poderes y con una moderación poderosa y audaz".
Under the Radar también le dio 8 de 10 estrellas y dijo que el álbum "podría capturar algo del gusto reciente del indie rock por las epopeyas emocionales".
Uncut igualmente le dio al álbum 4 de 5 estrellas y declaró: "El sonido de Youth rejuvenecido".
Dusted Magazine le dio una crítica favorable y dijo que "Las canciones, a pesar de durar en su mayoría más de cinco minutos, son todas concisas sin resultar divagantes... El equilibrio entre ruido y melodía es correcto, con cada una emergiendo y desapareciendo en el punto justo".
The AV Club también le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "compila una hora relajada de elaborado punteo y ritmo de cinco músicos veteranos que reservan la violencia musical y la ira poética para cuando se siente más apropiado".
The Village Voice también le dio una reseña favorable y dijo que el álbum "emana la misma satisfacción melancólica y madurez nerviosa, entropía y crecimiento, dentro y fuera, pero con una urgencia e impulsividad que corre el riesgo de alterar el equilibrio".
E! Online le dio una B al álbum y lo llamó "una cura para los males de las ondas".
NME le dio una puntuación de 7 sobre 10 y dijo que el álbum "suena como un álbum brillante de una banda menor".
Q le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que "encuentra a [Sonic Youth] disfrutando de explosiones de ruido y torpeza, pero, quizás más sorprendentemente, encontrando el mismo consuelo en la dulce melodía".
Mojo también le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que no era "un disco de rock clásico. Y no es un disco clásico de Sonic Youth. Es una incursión, en rincones raros y rincones familiares".
Alternative Press también le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que era "mejor que el 90% del rock nuevo, pero con grupos más jóvenes como Lightning Bolt y Liars robándoles protagonismo, estos veteranos bienintencionados resultan viejos y estorban".
Spin, sin embargo, le dio una puntuación de 5 sobre 10 y lo llamó "un disco de Sonic Youth extrañamente enervado, uno que intercambia el vigor de los años dorados de Murray Street por un triste sentido del deber".
El álbum quedó en segundo lugar en la encuesta anual de críticos de The Wire, donde el personal de la revista escribió: "Por supuesto, hay quienes piensan que los prefectos de la Escuela de Rock pueden hacer este tipo de cosas mientras duermen hoy en día, pero no hay discusión con la flexible versatilidad de su triple conjunto de guitarras y el deleite con el que combinan la astucia de las letras, la textura y el impulso hacia adelante".
O'Rourke se fue en 2006 y fue reemplazado por el bajista Mark Ibold para fines de gira, pero Ibold luego se convirtió en miembro de tiempo completo. Anteriormente había sido parte de Pavement y trabajó con Gordon en Free Kitten.
“Rather Ripped” se lanzó en 2006 y se destacó como un regreso al sonido anterior de la banda, debido tanto a la salida de O'Rourke como a la recuperación de algunos de los instrumentos que habían sido robados en 1999.
“Rather Ripped” se considera uno de los álbumes más accesibles de Sonic Youth, con abundantes canciones concisas que abordan temas melancólicos como el adulterio, la frustración sexual y la infidelidad.
“Rather Ripped” es el primer disco de la banda tras la marcha del multiinstrumentista Jim O'Rourke, que se unió al grupo como quinto miembro en 1999.
Según el guitarrista Lee Ranaldo, O'Rourke dejó la banda para dedicarse al trabajo cinematográfico y otros proyectos de grabación. Su marcha afectó al sonido de “Rather Ripped”, y el cantante y guitarrista Thurston Moore afirmó que el nuevo disco "es simplemente un álbum de rock and roll mucho más directo", en contraste con la "calidad más oscura, retorcida y compleja" de las contribuciones de O'Rourke.
Parcialmente inspirado por el enfoque simplificado adoptado por Blondie para su éxito comercial de 1978, “Parallel Lines”, Moore decidió escribir canciones más sencillas "para que todo el mundo las escuchara inmediatamente".
Si bien reconoció que “Parallel Lines” incluye algunas canciones "superbuenas", se sintió decepcionado con el estilo más pop del álbum y la producción de Mike Chapman cuando se lanzó. Sin embargo, reconoció que “Parallel Lines” supuso el gran éxito de Blondie con el público general y se propuso convertir “Rather Ripped” en la versión de Sonic Youth de “Parallel Lines”.
Los títulos provisionales del álbum fueron "Sonic Life" y "Do You Believe in Rapture?". El nombre "Rather Ripped" surgió de una tienda de discos de Berkeley, California, que posteriormente se trasladó a Pittsburgh, Pensilvania.
A diferencia de sus predecesores inmediatos, que se grabaron en el estudio Echo Canyon de la banda en el Bajo Manhattan, “Rather Ripped” se grabó en Sear Sound en la ciudad de Nueva York desde diciembre de 2005 hasta enero de 2006, donde también se grabó su álbum de 1994” Experimental Jet Set, Trash and No Star”.
El álbum se produjo rápidamente y gran parte del material no se reelaboró debido al tiempo limitado de la banda en el estudio.
Durante las sesiones de grabación, el equipo de Moore incluyó dos Fender Jazzmasters y un Fender Princeton.
Ranaldo, por otro lado, tocó una guitarra Gibson Les Paul durante la mitad del álbum y usó su Fender Telecaster Deluxe, "copia de Jazzmaster" hecha por Saul Koll, y una Fender Jazzmaster modificada con humbuckers para las pistas restantes.
Las guitarras se conectaron directamente al mezclador sin amplificador de guitarra en la cadena de señal.
La banda eligió a John Agnello como ingeniero del álbum debido a su trabajo con Don Fleming en álbumes de Screaming Trees a principios de los 90. Fue recomendado por su compañero músico J Mascis de Dinosaur Jr. , quien había trabajado con Agnello durante años.
Se realizó trabajo adicional a principios de 2006 en Echo Canyon y el estudio Bisquiteen de J Mascis en Amherst, Massachusetts. El álbum fue masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound en la ciudad de Nueva York en marzo de 2006.
“Rather Ripped” es generalmente considerado uno de los álbumes más accesibles de la banda, con una abundancia de melodías concisas y pegadizas. Moore lo describió como "un disco de canciones superpopulares" que contiene "canciones rockeras y baladas".
Además, siete de las 12 pistas del álbum tienen una duración de menos de cuatro minutos, una característica poco común en lanzamientos anteriores de Sonic Youth.
El álbum generalmente favorece las texturas de guitarra sobre la retroalimentación o el ruido, que típicamente caracterizaron los trabajos anteriores de la banda.
Dave Heaton de PopMatters comentó que las guitarras en “Rather Ripped” se unen para formar un sonido vibrante y misterioso, afirmando que "a menudo se siente como si Sonic Youth estuviera tomando todos los trucos instrumentales que han aprendido a lo largo de los años y poniéndolos al servicio de la construcción de un paisaje duradero de sonidos de guitarra, uno que resuena con los sonidos del pasado pero que también se siente eternamente juvenil".
Líricamente, “Rather Ripped” trata temas melancólicos como el adulterio, la frustración sexual y la infidelidad. En la canción de apertura, "Reena", cuyo título provisional era "Stonesy", Kim Gordon está involucrada en una relación secundaria con una mujer.
El sencillo principal "Incinerate" se basa en una metáfora convencional del amor como fuego, mientras que "What a Waste" atribuye la lujuria sexual.
"Pink Steam", que es la canción más larga del álbum, presenta una larga parte instrumental que fue descrita como "maravillosamente ventosa y violentamente romántica". Su título fue tomado de un libro del autor de San Francisco Dodie Bellamy.
La canción "Do You Believe in Rapture?" es una reflexión política sobre los cristianos en la oficina, mientras que "Rats", que es la única canción del álbum escrita por Ranaldo, fue descrita como una "narrativa fantasmal satisfactoria".
El álbum termina con la balada semiacústica "Or", que comienza con imágenes de un club de striptease y termina con Moore contando varias preguntas tipo entrevista como "¿Qué viene primero? ¿La música o las palabras?".
“Rather Ripped” se lanzó el 13 de junio de 2006 y completó el contrato de Sonic Youth con el sello principal Geffen Records, que también lanzó los ocho álbumes anteriores de la banda.
La edición del Reino Unido del álbum incluye dos tomas descartadas, "Helen Lundeberg" y "Eyeliner", que se lanzaron previamente como un sencillo de 7" en el sello propio de la banda, Sonic Youth Records.
Para promocionar el álbum, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos, comenzando en el famoso CBGB de Nueva York el 13 de junio de 2006, donde la banda no se había presentado desde 1992, y terminando en el Bank of America Pavilion en Boston el 3 de septiembre de 2006.
Tras su lanzamiento, “Rather Ripped” alcanzó el puesto nº 71 en la lista Billboard 200 de EE. UU. y el n 64 en la lista de álbumes del Reino Unido. El álbum también apareció en las listas de otros países, incluidos Australia, Bélgica, Finlandia, Francia y Noruega.
“Rather Ripped” recibió una gran aclamación de la crítica.
En una reseña para el Toronto Star, Ben Rayner escribió que la banda logró condensar todo su estilo musical expansivo en canciones más ajustadas "sin sacrificar las estructuras mercuriales, la inclinación lírica subversiva y la reverencia por el ruido que identifican a Sonic Youth como Sonic Youth".
El editor de PopMatters, Dave Heaton, creía que el álbum era una forma elegante y grácil de terminar la relación única de Sonic Youth con Geffen, describiéndolo como una "historia cohesiva sobre una banda que busca la mejor manera de tomar los espíritus temerarios y valientes del free jazz, el punk y la música experimental, y generarlos dentro de los confines de la estructura tradicional de la canción de rock".
También elogió las letras de Moore, afirmando que "su poesía de estilo Beat es especialmente evocadora y especialmente concisa, una cualidad que encaja bien con un álbum que musicalmente parece estar haciendo lo mismo, comunicando mucho con poco".
De manera similar, Dave Simpson de The Guardian sintió que la banda se reinventó con canciones más pop, y calificó a "Rather Ripped" como "una situación extraordinaria en el 25° año de Sonic Youth".
En un artículo para Rolling Stone, Rob Sheffield destacó la interpretación de guitarra de Moore por dotar al álbum de "una sensación de urgencia emocional" y consideró "Incinerate" y "Pink Steam" como algunos de los puntos fuertes del álbum.
La interpretación vocal de Gordon fue ampliamente elogiada, y Ben Ratliff, de The New York Times, la comparó favorablemente con la de Nico, cantante y colaboradora de The Velvet Underground.
Robert Christgau también comentó que Gordon suena "increíblemente aniñada" a pesar de tener 53 años en ese momento, y que tanto ella como Moore "evocan visiones de coqueteo, desplazamiento, recriminación y salvación que nunca llegan a ser inequívocamente literales". Le otorgó al álbum una "A" en su reseña de Rhapsody en la guía del consumidor.
Steve Hochman, de Los Angeles Times, atribuyó las melodías pegadizas del álbum a un manejo inteligente y eficaz, comentando que “casi te hace preguntarte qué habría pasado si Television y Peter Frampton hubieran trabajado juntos”.
Tom Sinclair, de Entertainment Weekly, escribió que, si bien la banda “aún puede crear un tema punk ruidoso cuando les apetece”, como en el tema “Sleepin Around”, las melodías más limpias y tranquilas son las que “realmente te desgarran las emociones”.
Jimmy Newlin, de Slant Magazine, mencionó ventajas similares, señalando que “el silencio es el nuevo ruido”, y consideró que el cambio de la banda hacia una intensidad romántica fue “un crecimiento bienvenido a medida que la banda avanza hacia su segunda década de existencia”.
Otras reseñas fueron menos entusiastas. El editor de Spin, Joe Gross, criticó a “Rather Ripped” por su falta de canciones expansivas, afirmando que el álbum "se trata de composiciones de tres o cuatro minutos, nunca lo más destacado de su currículum, incluso cuando [Gordon] le presta su singular voz áspera".
Brandon Stosuy, de Pitchfork, consideró que la segunda mitad del álbum fue más floja que la primera y criticó la letra de la última canción, "Or".
La crítica de AllMusic, Heather Phares, comentó que la forma de tocar de la banda a veces puede superar su composición, pero aun así calificó a “Rather Ripped” como "un álbum sólidamente bueno" que "demuestra que Sonic Youth sigue en un ritmo cómodo pero creativo, no en una rutina".
“Rather Ripped” ocupó el puesto 12 en la encuesta de críticos de Pazz & Jop de 2006 de The Village Voice y el 13 en la encuesta anual de críticos de The Wire.
Los editores de Rolling Stone clasificaron al álbum en tercer lugar en su lista de los 50 mejores álbumes de 2006, mientras que Pitchfork lo ubicó en el puesto 43 en una lista similar.
En diciembre de 2006 lanzaron “The Destroyed Room: B-Sides and Rarities”, que marcó el último lanzamiento de Geffen de la banda.
Este álbum contiene temas que anteriormente solo estaban disponibles en vinilo, recopilatorios de edición limitada, ediciones importadas y caras B de sencillos internacionales. Los temas, que también incluyen material inédito, fueron cuidadosamente seleccionados por la banda.
El álbum se lanzó el 12 de diciembre de 2006. A principios de 2007, el sello de la banda, Goofin' Records, lanzó una edición doble en vinilo con dos temas adicionales. La imagen de portada, así como el nombre del álbum, es "The Destroyed Room", una fotografía de 1978 del artista canadiense Jeff Wall.
Luego firmaron con el sello independiente Matador Records, que lanzó el álbum “The Eternal” en 2009.
Fue su primer álbum de estudio en tres años (desde “Rather Ripped”), lo que lo convierte en el intervalo más largo entre álbumes de estudio de la banda.
“The Eternal” fue el álbum de la banda que alcanzó la posición más alta en los rankings de su carrera en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número 18 en el Billboard 200.
Cuando la banda decidió grabar, parecía natural incluir al bajista de Pavement, Mark Ibold. El proceso implicó ensayar las canciones durante la semana en el sótano de la casa de Moore y Gordon y posteriormente grabarlas durante el fin de semana.
Shelley recordó: “Era como tener un proyecto diferente cada semana, como si estuviéramos grabando un sencillo cada fin de semana. Hay que mantenerse en movimiento, la velocidad de este álbum fue muy disfrutable”.
Sin embargo, la banda había comenzado a componer gran parte del material antes de cambiar de sello discográfico.
Sobre los aspectos pop-rock del álbum, Moore comentó: “Veo una especie de relación entre The Eternal y Dirty en cuanto a la dinámica”. Argumentó que la banda “definitivamente quería hacer canciones en lugar de una obra vanguardista”.
Sobre la elección de Matador, explicó: “Decidimos que es un sello que apoya mucho las canciones”.
Ranaldo comentó cómo se inspiraron en sus grabaciones anteriores en “Daydream Nation”, que “tenían una energía que habíamos olvidado, y parte de esa energía y la experiencia de hacer esas canciones influyeron en el nuevo disco”.
La portada fue pintada por John Fahey y el álbum estuvo dedicado a Ron Asheton de los Stooges.
“The Eternal” fue lanzado el 9 de junio de 2009 por el sello discográfico Matador. El álbum se lanzó digitalmente, en CD y como doble vinilo, tanto en edición estándar como en edición de compra anticipada.
En 2009, el álbum recibió una certificación de plata de la Asociación de Compañías de Música Independientes, lo que denota ventas de más de 30.000 copias en toda Europa.
“The Eternal” tiene una calificación de aprobación de 79 sobre 100 en el agregador de reseñas Metacritic, lo que indica "críticas generalmente favorables".
Una reseña temprana de Clash dijo que "el álbum muestra signos de vida y una vitalidad desgarradora que asegura la posición de sus creadores en la vanguardia de la música rock estadounidense".
En una reseña de "Elección de la crítica" para The New York Times, Ben Ratliff comparó el álbum con dos de sus álbumes de la década de 1990, “Washing Machine” y “A Thousand Leaves”; señaló que el álbum demostró el continuo ascenso de Kim Gordon como cantante, diciendo que ella "canta todo lo mejor" en “The Eternal”, particularmente la última canción del álbum, "Massage the History", una canción que llamó "la maravilla inesperada del disco".
Muchas reseñas fueron positivas: musicOMH le dio al álbum 5 de 5 estrellas y dijo que "actúa como un recordatorio apropiado y atemporal de todo lo que esta poderosa banda ha logrado".
Los Angeles Times le dio 4 de 4 estrellas y dijo: "La música sigue siendo atemporal y extraña, impulsada por el caos y la claridad, pero estas son canciones, no experimentos sonoros por sí mismos".
Chicago Tribune le dio al álbum 3,5 de 4 estrellas y dijo: "De vuelta en un sello independiente después de casi dos décadas con una importante discográfica, el cuarteto post-punk regresa a sus orígenes de los 80 con un álbum que no innova poco, pero que suena emocionante de todos modos. [...] Deja de lado parte de la afición de la banda por la digresión distorsionada y simplemente pasa de una aventura emocionante a la siguiente, sin apenas detenerse a respirar".
El AV Club le dio una B+ y dijo que las canciones "tienen una orientación más convencional al rock que cualquier otra en la carrera de Sonic Youth, pero el álbum realmente no suena como una desviación".
Otras reseñas fueron bastante mediocres: The Austin Chronicle le dio una puntuación de 3,5 estrellas sobre 5 y comentó: “La interacción a tres guitarras, moderada por el bajista Mark Ibold y Steve Shelley a la batería, es segura, aunque un poco indulgente ('Walkin Blue'), pero Sonic Youth domina esas tendencias en su mayor parte, convirtiendo a The Eternal en su álbum más directo hasta la fecha”.
Yahoo! Music UK le dio al álbum 6 de 10 estrellas y dijo que estaba “bien construido, sí, pero casi demasiado bien construido, muchas partes suenan como si hubieran sido sacadas directamente del vasto catálogo de SY y encajadas en su lugar, como un rompecabezas que necesitaba completarse, en lugar de los extensos documentos de ruido y confusión sobre los que se construye el nombre de esta banda”.
Tiny Mix Tapes le dio 3 de 5 estrellas y dijo que el álbum era “accesible, escuchable y todo lo demás: otro álbum consistente de la consistente banda de rock Sonic Youth”.
En 2010, la banda musicalizó y compuso la banda sonora del thriller dramático francés “Simon Werner a Disparu”, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Cannes. La banda sonora se lanzó en 2011 como “SYR9: Simon Werner a Disparu”, una entrada en la serie experimental "SYR".
El 14 de octubre de 2011, Kim Gordon y Thurston Moore anunciaron su separación tras 27 años de matrimonio.
El sello discográfico de Sonic Youth, Matador, explicó que los planes para la banda seguían siendo "inciertos", a pesar de haber insinuado previamente que grabarían nuevo material más adelante ese año.
Sonic Youth ofreció su último concierto el 14 de noviembre de 2011 en el Festival de Música y Artes SWU en Paulínia, São Paulo, Brasil. La semana siguiente, Lee Ranaldo declaró en una entrevista que Sonic Youth "terminaría por un tiempo".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Kim Gordon (Tercera parte)
Con el dinero que habían ganado en el festival Lollapalooza de 1995, la banda decidió construir un estudio de grabación, llamado Echo Canyon, en Murray Street en el Bajo Manhattan.
El lapso de casi tres años entre “Washing Machine” y su siguiente álbum “A Thousand Leaves” también representó la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de Sonic Youth en ese momento.
El cantante y guitarrista Thurston Moore explicó que la banda necesitaba un descanso, y señaló que habían estado de gira sin parar durante 16 años. Dijo: "Estamos teniendo hijos, nos estamos haciendo mayores, vamos a relajarnos un poco y construir este taller, y seguir ese camino, trabajar esa ruta".
En su nuevo estudio, la banda comenzó a escribir nuevas canciones a partir de improvisaciones extendidas en los ensayos.
Varias jams instrumentales fueron lanzadas como extended plays a través del sello discográfico de la banda, Sonic Youth Recordings, y distribuidas por Smells Like Records, un sello discográfico independiente formado previamente por el baterista Steve Shelley. Estos incluyen “Anagrama”, “Slaapkamers met slagroom” e “Invito al ĉielo”.
Dado que “A Thousand Leaves” fue el primer álbum de Sonic Youth grabado en su propio estudio, la banda tuvo más tiempo y libertad para trabajar en él.
Como resultado, las canciones evolucionaron de forma desigual y se grabaron desde una etapa temprana de desarrollo.
Según el guitarrista Lee Ranaldo, el álbum es "un reflejo de dónde estábamos en ese momento. No nos interesaba hacer nada conciso. Simplemente tocábamos lo que nos apetecía tocar. Realmente no sentíamos que lo que necesitábamos hacer era producir otro disco como Goo".
La canción de 11 minutos "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)" estaba inicialmente pensada para ser lanzada en uno de los EP como una pista instrumental, pero finalmente se incluyó en el álbum con voces.
El álbum fue coproducido por la banda y el productor de Confusion Is Sex, Wharton Tiers, y masterizado por Greg Calbi en Masterdisk en la ciudad de Nueva York.
Musicalmente, “A Thousand Leaves” fue considerado más expansivo y relajado que los álbumes anteriores de Sonic Youth, con menos retroalimentación y más interpretación de guitarra e improvisación.
Según David Browne, el disco exploró sonidos post-rock que eran "más sutiles" y "más peculiares" que la mayoría del rock convencional en ese momento.
El título del álbum se inspiró en “Leaves of Grass” de Walt Whitman. Según Moore, "De la misma manera que él improvisa con imágenes y palabras, nosotros improvisamos con sonidos y notas".
También atribuyó el estilo del álbum al hecho de que la banda estaba envejeciendo, comentando: "También te involucras mucho con tus pensamientos sobre la experiencia de la vida en general. Tener hijos es increíble de esa manera". La canción "Snare, Girl" exploró estos temas.
La canción más larga del álbum, "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)", hace referencia al poeta estadounidense Allen Ginsberg y contiene un interludio instrumental que fue descrito como "un pasaje sutil y prolongado de líneas de guitarra en código Morse y una tarde de ocio con pedales wah-wah: felicidad en cámara lenta".
Al igual que los álbumes anteriores de Sonic Youth, “A Thousand Leaves” también contiene canciones que tratan sobre los roles de género y los estereotipos.
La canción "Female Mechanic Now on Duty", cantada por Kim Gordon, fue una reacción a cómo los periodistas categorizan a las músicas. Se inspiró en el éxito de Meredith Brooks "Bitch". De manera similar, en "The Ineffable Me", Gordon expresó su oposición a tales limitaciones.
La canción "Karen Koltrane", cantada por Ranaldo, trata sobre una amante de sus días universitarios que tuvo "una adultez mucho menos extraordinaria" de lo que él había pensado al principio, mientras que "Hoarfrost", que originalmente se tituló "Woodland Ode", se inspiró cuando Ranaldo y su esposa Leah Singer salieron a caminar por la nieve durante una visita que hicieron a los padres de Singer en Winnipeg, Manitoba, Canadá.
La canción "Sunday" generalmente se considera la canción más accesible del álbum. Se grabó originalmente para la película “SubUrbia” de Richard Linklater de 1997, pero luego se volvió a grabar para “A Thousand Leaves”.
“A Thousand Leaves” fue lanzado en vinilo, CD y casete el 12 de mayo de 1998 por DGC Records.
La portada del álbum presenta una obra de arte de la artista Marnie Weber, que representa a un hámster y a la propia Weber a los 12 años luciendo cuernos de animales. Según Moore, la imagen es una referencia al álbum recopilatorio “Unlimited Edition” de la banda alemana de rock experimental Can.
Originalmente, el álbum se titulaba “Mille Feuille” ( Mil hojas en francés ) y estaba destinado a presentar una imagen de Moore sosteniendo un pastel como portada.
Para promocionar el álbum, se lanzó una versión de radio de "Sunday" como sencillo para rock moderno, universitario y radio pública en abril de 1998.
La banda también apoyó el álbum con una gira por los EE. UU. y Canadá de mayo a junio de 1998.
Tras su lanzamiento, alcanzó el puesto número 85 en el Billboard 200 de EE. UU. y el número 38 en la lista de álbumes del Reino Unido.
El álbum también apareció en las listas de otros países, incluidos Francia, Bélgica, Suecia y Noruega.
El sencillo "Sunday" alcanzó el puesto número 72 en la lista de sencillos del Reino Unido y finalmente se lanzó en vinilo y CD el 14 de julio de 1998, que contiene una versión de Nirvana, "Moist Vagina", como uno de sus lados B.
Se realizó un video musical dirigido por Harmony Korine y protagonizado por Macaulay Culkin para el sencillo.
La banda eligió a Korine debido a su trabajo en las películas “Kids” (1995) y “Gummo” (1997), la primera de las cuales contó con varios actores jóvenes que previamente habían aparecido en el video musical del sencillo de la banda de 1993 "Sugar Kane", incluida la actriz estadounidense Chloë Sevigny.
En julio de 1999, el álbum había vendido 54.000 copias en los Estados Unidos según Nielsen SoundScan. Y en 2005, el álbum había vendido 66.000 copias.
“A Thousand Leaves” fue bien recibido por los críticos, algunos de los cuales lo consideraron uno de los mejores álbumes de Sonic Youth hasta el momento.
Escribiendo para AllMusic, Stephen Thomas Erlewine describió el álbum como "el disco más desafiante y satisfactorio de la banda en años" y elogió sus guitarras tranquilas y giros impredecibles, que mantuvieron las largas canciones cautivadoras.
El editor de Pitchfork, Brent DiCrescenzo, citó "Hits of Sunshine (For Allen Ginsberg)" como la pieza central del álbum y destacó la improvisación, la improvisación y la interacción de guitarra entre Moore y Ranaldo.
David Stubbs de Spin criticó el débil canto de Gordon y su forzada interpretación de guitarra en "Contre le sexisme", "Female Mechanic Now on Duty" y "The Ineffable Me", pero sin embargo juzgó los "efectos de diapasón continuamente inventivos" de Moore y Ranaldo, que "hacen brillar adornos dorados que cortan e irritan [el álbum] a cada paso".
Otras reseñas fueron menos entusiastas. Sara Scribner, de Los Angeles Times, comentó que “A Thousand Leaves” era un disco monótono, "experimental y psicodélico", que parecía "una sombra desapasionada y menos reflexiva de lo que fue la banda".
JD Considine, de Entertainment Weekly, expresó críticas similares, calificando el disco como "el tipo de disco que le da mala fama al rock artístico".
Ben Ratliff, de Rolling Stone, consideró que las canciones eran innecesariamente largas y lentas, y comentó que el álbum "realmente suena como una maqueta : once canciones esperando una mejor organización y la eliminación de clichés".
De igual manera, Stephen Thompson, de The AV Club, consideró que el álbum rara vez contenía canciones completamente formadas y que la banda debería empezar a "completar sus ideas antes de grabarlas para la posteridad".
Orlando Weekly criticó la forma "artificial y molesta" de cantar de Gordon, diciendo que muchas canciones son "simplemente largos collages de retroalimentación con voces pegadas y montones de pretensiones de escuela de arte", pero también admitió que el álbum contiene algunas "joyas ocultas" como "Sunday" y "Wildflower Soul".
En una reseña muy positiva para The Village Voice, Robert Christgau llamó a “A Thousand Leaves” un disco maduro y hermoso, comentando: "Es la música de una nación de ensueño lo suficientemente vieja como para atesorar cualquier tiempo que encuentre en sus manos. Donde hace una década [Sonic Youth] se zambulló y caminó pesadamente, ebrios de la idea avanzada de la camioneta en la que estaban atrapados, aquí vagan a voluntad, deslumbrados por el sol, la vegetación, la escarcha y las máquinas que hacen crujidos en la noche".
Aunque el álbum no fue clasificado en el Top 40 de la encuesta de críticos Pazz & Jop de The Village Voice para 1998, Christgau, el creador de la encuesta, lo colocó en el Nº 3 en su propia "Lista del Decano". Más tarde lo nombraría uno de los 10 mejores discos de la década de 1990.
De manera similar, los editores de NME colocaron el álbum en el puesto número 40 de su lista de los 50 mejores de fin de año.
The Wire nombró al álbum como su disco del año en su encuesta de críticos de fin de año.
El 4 de julio de 1999, los instrumentos y el equipo de escenario de Sonic Youth fueron robados durante una gira en el condado de Orange, California. Casi 30 guitarras y bajos fueron robados; algunos fueron recuperados durante los siguientes 13 años.
Como resultado del robo, los miembros de Sonic Youth recurrieron a "viejas guitarras en su estudio, desenterrando instrumentos que no habían usado en años" que, "junto con el equipo adquirido para las fechas restantes de la gira, servirían de base para seis nuevas canciones compuestas durante el mes siguiente", además de "Free City Rhymes" y "Renegade Princess", escritas antes de la gira.
Los miembros de la banda reconocieron posteriormente que "el robo del equipo fue en cierto modo una bendición, aunque también bastante inoportuna y desagradable, ya que realmente los obligó a 'empezar de cero' y a abordar la creación musical con nuevos límites".
Su nuevo álbum de estudio, “NYC Ghosts & Flowers” fue lanzado el 16 de mayo de 2000 por el sello discográfico DGC.
Se lanzó un video musical para el tema "Nevermind (What Was It Anyway)". Según el sitio web oficial de la banda, era un sencillo propuesto que "nunca llegó a las tiendas".
“NYC Ghosts & Flowers” recibió una calificación de aprobación de 66 sobre 100 en el sitio web de agregadores de reseñas Metacritic, lo que significa "críticas generalmente favorables".
En una reseña positiva para el Chicago Tribune, Greg Kot dijo "aunque Sonic Youth coqueteó con la composición de rock alternativo a principios de los 90, estos renegados del noise-rock vuelven a ver felizmente sus guitarras como trozos de madera, alambre y posibilidades infinitas".
Continuó escribiendo: "Ninguna banda de rock hace que el sonido de vanguardia sea tan táctil y sensual".
Salon.com también le dio al álbum una reseña positiva y declaró: "Aunque no hay una sola canción aquí que se mantenga unida de principio a fin, incluso cuando la música solo se hace sentir en un estilo vacilante de rompecabezas... el álbum tiene una tenacidad sombría e inflexible que es difícil de sacudir".
Mojo declaró que "al final, sorprendentemente vale la pena por las pocas pistas geniales y extrañas".
En Spin, Douglas Wolk lo aclamó como el "álbum más artístico y texturalmente espectacular" de Sonic Youth hasta el momento, escribiendo que "crea un vínculo entre el free-jazz del New York Art Quartet y los espasmos psicóticos del Santo Grial del no wave de 1978, No New York ".
En opinión de NME , el álbum "arde con tal sentido de dirección y enfoque" que reveló que el grupo todavía es "una fuerza creativa vital" en la música.
Según Robert Christgau, “NYC Ghosts & Flowers” resultó ser el "fracaso por aclamación" de Sonic Youth entre los críticos; él mismo le había dado una reseña positiva en The Village Voice, pero luego dijo que las "divagaciones" del disco, que "me habían cautivado en su forma ambiental, nunca volvieron a conectarse por completo" en escuchas posteriores.
Select escribió que "las canciones sufren de un enfoque perezoso y la repetición implacable de patrones de acordes poco atractivos".
Billboard creía que el disco "encapsula las cualidades más entrañables o molestas de Sonic Youth, dependiendo de cómo se sienta uno acerca de la banda y la poética de la palabra hablada de Kim Gordon".
La reseña de Brent DiCrescenzo para Pitchfork fue mucho más crítica y le asignó al álbum una puntuación de 0.0 sobre 10, y el crítico lo describió como "un álbum insondable que se escuchará en las canchas de squash y las noches de micrófono abierto del más profundo infierno". Al comentar sobre las raíces vanguardistas del álbum, dijo: “Estas no son ideas nuevas. Son ideas que eran arrogantes e inaudibles al nacer hace treinta años”.
DiCrescenzo posteriormente reevaluó su opinión sobre el álbum y, en 2013, comentó sobre la mayor estima que ahora tenía: “Ahora me encanta el disco. Es diferente a todo lo demás; inquietante y hermoso. [...] No, la lección aquí es: cuidado con las opiniones de un joven recién salido de la universidad”. También describió la escala decimal de Pitchfork como “intencionadamente absurda” y “arbitraria”.
En 2001, Sonic Youth colaboró con la cantante y poeta vanguardista francesa Brigitte Fontaine en su álbum “Kékéland”.
Al año siguiente, Sonic Youth participó en la primera edición del festival de música All Tomorrow's Parties y se encargó de la composición del álbum recopilatorio resultante.
El álbum “Murray Street” se lanzó en 2002 y vio la incorporación de Jim O'Rourke como miembro a tiempo completo en guitarra, bajo y teclados.
La grabación comenzó en agosto de 2001 en el estudio Echo Canyon de la banda en Nueva York, tras su última gira “NYC Ghosts and Flowers/Goodbye to the 20th Century”.
El primer material de las sesiones fue la canción "Plastic Sun", en un CD promocional incluido en un número de la revista Jane. Sin embargo, debido a un error en la afinación, la banda relanzó la canción en su sitio web.
Las sesiones de grabación se detuvieron inesperadamente tras los atentados del 11 de septiembre, y la banda, en su lugar, dirigió un festival benéfico por el World Trade Center el 9 de octubre.
Varios otros eventos benéficos y conciertos los llevaron a su presentación reprogramada para el 17 de marzo de 2002 en el festival All Tomorrow's Parties en Los Ángeles, California.
Para entonces, la grabación y la mezcla del álbum estaban completas y los siete temas (revelados por primera vez en el sitio web de la banda) se interpretaron en el festival.
El nuevo material fue aclamado como un regreso al estilo de instrumentales distorsionados y complejos que convirtió a la banda en una de las favoritas del underground.
El director artístico Frank Olinsky dirigió la concepción de los diseños de las portadas. La joven rubia que aparece a la derecha en la portada del álbum es Coco Gordon-Moore, hija de Thurston Moore y Kim Gordon, recogiendo fresas con su amiga Stella, quien aparece a la izquierda.
No se muestra ningún título en la portada, solo un garabateado "SONIC YOUTH". El libreto de tres páginas y doble cara del CD, cuya portada presenta una imagen a color invertida de la portada del CD, incluye notas, fotografías y créditos del álbum. La contraportada muestra el letrero de Murray Street.
A principios de junio de 2002, ¡”Murray Street” se lanzó en Japón con el tema extra "Street Sauce".
El 10 de junio fue la fecha de lanzamiento en Europa y el 25 de junio en Norteamérica. En Francia, 500 copias incluían un EP extra de vinilo azul de 10" de edición limitada, llamado “Kali Yug Express”, que incluía tres temas exclusivos de sus recientes bandas sonoras: "Derniere Minute Electrifee" en una cara, "Le Paysage Zim Zum" y "Coca Neon Kamera Sutra" en la otra.
En Norteamérica, el disco fue mejorado, incluyendo un protector de pantalla y un enlace a un enlace "secreto" en el sitio web de Sonic Youth que ofrecía fotografías promocionales, videos musicales y las tres canciones del EP “Kali Yug Express”. La edición desplegable en vinilo se publicó bajo el sello Smells Like Records Goofin.
Tras su lanzamiento, “Murray Street” fue un éxito moderado, alcanzando el puesto número 126 en el Billboard 200.
El álbum recibió una puntuación de 82 sobre 100 en Metacritic, basándose en su "aclamación universal".
Entertainment Weekly escribió que, con el álbum, "Sonic Youth encuentra un equilibrio —entre lo informe y lo estructural, la melodía y la cacofonía— que se les había escapado por un tiempo".
Playlouder le otorgó al álbum 4,5 de 5 estrellas y afirmó: "Hay un equilibrio justo entre la melodía, los inesperados acordes de jazz, los chillidos ensordecedores y los encantadores sonidos armónicos que lo hacen inolvidable".
The AV Club le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "no marca un momento histórico para Sonic Youth, pero sus guiños familiares y nuevos ingredientes, desde la batería ocasionalmente casi funky de Steve Shelley hasta las texturas vibrantes de computadora portátil de O'Rourke, marcan otro punto culminante para una banda que logra la autorrealización al reconciliar el ensimismamiento con un suspiro y una sonrisa".
Neumu.net le dio una puntuación de 8 de 10 estrellas y declaró: "Escrito con algunas estructuras de rock básicas y atractivas, el álbum reemplaza la hiperenergía y la angustia del material anterior con texturas lentas y complejas y ritmos delicados, pero aún rockea de forma intermitente".
Nude as the News le dio una puntuación de 8 de 10 y dijo: "Ya sea que se unieron a Daydream Nation o Experimental Jet Set, los verdaderos creyentes disfrutarán de este".
Uncut le dio 4 de 5 estrellas y dijo que el álbum "contiene algo de la mejor música que Sonic Youth ha grabado desde el emblemático Daydream Nation en 1988".
Blender también le dio 4 de 5 estrellas y dijo de Sonic Youth: "Tienen más músculo de guitarra agridulce que nunca".
Q también le dio al álbum 4 estrellas y lo llamó "un ensayo en rock de izquierdas sofisticado y tranquilo, ocasionalmente cargado de discordancia característica pero también lleno de melodías brillantes".
Billboard le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "presenta algunos de los trabajos más centrados y seductores del grupo".
Mojo también le dio al álbum 4 estrellas al etiquetarlo como el "Álbum del mes", y dijo: "Los elementos convencionales de la banda son aún más convencionales, mientras que los que rompen los límites se extienden más lejos que nunca".
Spin también le dio al álbum una puntuación de 8 sobre 10 y dijo: “Esta vez, la banda combina sus tendencias artísticas con su gusto por el psicorock clásico”.
No Ripcord le dio 8 de 10 estrellas y dijo: “Si dudas de la importancia de Sonic Youth, unas cuantas escuchas de Murray Street te harán reconsiderar la idea. Sí, solo hay siete temas bastante largos, pero tendrás que buscar en otro lugar para encontrar indicios de indulgencia”.
Alternative Press le dio al álbum 3,5 de 5 estrellas y afirmó que "presenta menos improvisaciones vanguardistas y más juventud pura".
Sin embargo, The Village Voice le dio una crítica mixta y dijo: "El nuevo álbum no es terrible, solo aburrido".
Kludge lo incluyó en su lista de los mejores álbumes de 2002.
Robert Christgau, quien no quedó muy impresionado en su reseña original en Village Voice, comentó posteriormente que "la fusión de canciones y paisajes sonoros de Murray ... sonaba potente" en retrospectiva.
The Wire nombró a "Murray Street" como su disco del año 2002. Pitchfork colocó a “Murray Street” en el puesto número 108 en su lista de los 200 mejores álbumes de la década del 2000.
Durante el período de grabación del album, la banda participó en la producción del documental “Kill Your Idols”, dirigido y producido por Scott Crary, que abarca la historia del punk rock en la ciudad de Nueva York. La película se estrenó en 2004.
El siguiente álbum de Sonic Youth, “Sonic Nurse”, también fue lanzado en 2004. La banda estaba programada para actuar en la gira Lollapalooza de 2004 junto con artistas como Pixies y Flaming Lips, pero la gira fue cancelada debido a la baja venta de entradas.
La portada de “Sonic Nurse” fue diseñada por el artista Richard Prince, de su serie "Cuadros de Enfermeras". Además, una de las creaciones fotográficas de Prince en esta serie se tituló "Dude Ranch Nurse", que también es el nombre de una canción de este disco.
"Pattern Recognition" se basó en la novela homónima de William Gibson de 2003. Sonic Youth ya había utilizado la obra de Gibson como influencia, sobre todo en algunos temas de “Daydream Nation” (1988).
"Kim Gordon and the Arthur Doyle Hand Cream" se lanzó anteriormente como "Mariah Carey and the Arthur Doyle Hand Cream" en la primera serie “Narnack Buddy 7”, pero el título se cambió debido a las preocupaciones de posibles acciones legales por parte del equipo legal de Carey.
El álbum tiene una puntuación de 77 sobre 100 en Metacritic, basada en "críticas generalmente favorables".
No Ripcord le dio al álbum 10 de 10 estrellas y dijo que "podría ser el mejor álbum de rock de guitarra desde, bueno, Murray Street".
Drowned in Sound le dio 5 de 5 estrellas y dijo que el álbum era "lo más cercano a crear un hito en paralelo con Daydream Nation que han llegado desde el día del nombre de ese disco en particular en 1988, y en sus [ sic ] densas texturas tal vez señala la extinción del idilio antediluviano de No Wave; un viaje de Robert Zimmerman que de alguna manera se mezcló con Joni Mitchell, Black Flag y un bicho raro conceptualista".
En su "Guía del consumidor", Robert Christgau le dio al álbum una A− y dijo: "Este conjunto inusualmente cantado está a la altura de sus buenos últimos, sus disonancias son una lingua franca desplegada de forma menos atmosférica que en su práctica reciente".
Mientras trabajaba para Blender, Christgau le dio al mismo álbum 4 estrellas de 5 y lo llamó "el lanzamiento más cantautor [de Sonic Youth] desde los saludos de los grandes sellos Goo y Dirty, y para la mayoría de los estándares el mejor desde el fundamental Daydream Nation de 1988".
Filter le dio al álbum una puntuación del 90% y lo llamó "una joya preciosa y genuina".
Stylus Magazine le dio un B+ y dijo que el álbum, "si no es prueba de una banda repleta de ideas frescas, al menos suena fresco".
Prefix Magazine le dio una crítica favorable y dijo: "Con Sonic Nurse, es realmente posible ver el insoportablemente indulgente NYC Ghosts and Flowers de 2000 como un obstáculo en una década de creación de discos por lo demás tranquila. Su último, el agridulce Murray Street de 2002, fue un regreso a la forma, y el épico Sonic Nurse solo proporcionará más evidencia para la canonización de Sonic Youth".
El Austin Chronicle le dio una puntuación de 4 estrellas de 5 y dijo: "Cada canción menos una cae completamente desarrollada en el estadio de béisbol de cinco a siete minutos, rebosante de suficiente magia disonante, imágenes vocales inteligentes y matices tonales de rock para enarbolar la bandera freak como ningún rockero envejecido lo ha hecho jamás".
Yahoo! Music UK le dio al álbum 8 estrellas de 10 y dijo: "Lo que emerge es Sonic Youth en completa comodidad consigo mismo y con su música, operando simultáneamente en la cima de sus poderes y con una moderación poderosa y audaz".
Under the Radar también le dio 8 de 10 estrellas y dijo que el álbum "podría capturar algo del gusto reciente del indie rock por las epopeyas emocionales".
Uncut igualmente le dio al álbum 4 de 5 estrellas y declaró: "El sonido de Youth rejuvenecido".
Dusted Magazine le dio una crítica favorable y dijo que "Las canciones, a pesar de durar en su mayoría más de cinco minutos, son todas concisas sin resultar divagantes... El equilibrio entre ruido y melodía es correcto, con cada una emergiendo y desapareciendo en el punto justo".
The AV Club también le dio una crítica favorable y dijo que el álbum "compila una hora relajada de elaborado punteo y ritmo de cinco músicos veteranos que reservan la violencia musical y la ira poética para cuando se siente más apropiado".
The Village Voice también le dio una reseña favorable y dijo que el álbum "emana la misma satisfacción melancólica y madurez nerviosa, entropía y crecimiento, dentro y fuera, pero con una urgencia e impulsividad que corre el riesgo de alterar el equilibrio".
E! Online le dio una B al álbum y lo llamó "una cura para los males de las ondas".
NME le dio una puntuación de 7 sobre 10 y dijo que el álbum "suena como un álbum brillante de una banda menor".
Q le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que "encuentra a [Sonic Youth] disfrutando de explosiones de ruido y torpeza, pero, quizás más sorprendentemente, encontrando el mismo consuelo en la dulce melodía".
Mojo también le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que no era "un disco de rock clásico. Y no es un disco clásico de Sonic Youth. Es una incursión, en rincones raros y rincones familiares".
Alternative Press también le dio al álbum 3 estrellas de 5 y dijo que era "mejor que el 90% del rock nuevo, pero con grupos más jóvenes como Lightning Bolt y Liars robándoles protagonismo, estos veteranos bienintencionados resultan viejos y estorban".
Spin, sin embargo, le dio una puntuación de 5 sobre 10 y lo llamó "un disco de Sonic Youth extrañamente enervado, uno que intercambia el vigor de los años dorados de Murray Street por un triste sentido del deber".
El álbum quedó en segundo lugar en la encuesta anual de críticos de The Wire, donde el personal de la revista escribió: "Por supuesto, hay quienes piensan que los prefectos de la Escuela de Rock pueden hacer este tipo de cosas mientras duermen hoy en día, pero no hay discusión con la flexible versatilidad de su triple conjunto de guitarras y el deleite con el que combinan la astucia de las letras, la textura y el impulso hacia adelante".
O'Rourke se fue en 2006 y fue reemplazado por el bajista Mark Ibold para fines de gira, pero Ibold luego se convirtió en miembro de tiempo completo. Anteriormente había sido parte de Pavement y trabajó con Gordon en Free Kitten.
“Rather Ripped” se lanzó en 2006 y se destacó como un regreso al sonido anterior de la banda, debido tanto a la salida de O'Rourke como a la recuperación de algunos de los instrumentos que habían sido robados en 1999.
“Rather Ripped” se considera uno de los álbumes más accesibles de Sonic Youth, con abundantes canciones concisas que abordan temas melancólicos como el adulterio, la frustración sexual y la infidelidad.
“Rather Ripped” es el primer disco de la banda tras la marcha del multiinstrumentista Jim O'Rourke, que se unió al grupo como quinto miembro en 1999.
Según el guitarrista Lee Ranaldo, O'Rourke dejó la banda para dedicarse al trabajo cinematográfico y otros proyectos de grabación. Su marcha afectó al sonido de “Rather Ripped”, y el cantante y guitarrista Thurston Moore afirmó que el nuevo disco "es simplemente un álbum de rock and roll mucho más directo", en contraste con la "calidad más oscura, retorcida y compleja" de las contribuciones de O'Rourke.
Parcialmente inspirado por el enfoque simplificado adoptado por Blondie para su éxito comercial de 1978, “Parallel Lines”, Moore decidió escribir canciones más sencillas "para que todo el mundo las escuchara inmediatamente".
Si bien reconoció que “Parallel Lines” incluye algunas canciones "superbuenas", se sintió decepcionado con el estilo más pop del álbum y la producción de Mike Chapman cuando se lanzó. Sin embargo, reconoció que “Parallel Lines” supuso el gran éxito de Blondie con el público general y se propuso convertir “Rather Ripped” en la versión de Sonic Youth de “Parallel Lines”.
Los títulos provisionales del álbum fueron "Sonic Life" y "Do You Believe in Rapture?". El nombre "Rather Ripped" surgió de una tienda de discos de Berkeley, California, que posteriormente se trasladó a Pittsburgh, Pensilvania.
A diferencia de sus predecesores inmediatos, que se grabaron en el estudio Echo Canyon de la banda en el Bajo Manhattan, “Rather Ripped” se grabó en Sear Sound en la ciudad de Nueva York desde diciembre de 2005 hasta enero de 2006, donde también se grabó su álbum de 1994” Experimental Jet Set, Trash and No Star”.
El álbum se produjo rápidamente y gran parte del material no se reelaboró debido al tiempo limitado de la banda en el estudio.
Durante las sesiones de grabación, el equipo de Moore incluyó dos Fender Jazzmasters y un Fender Princeton.
Ranaldo, por otro lado, tocó una guitarra Gibson Les Paul durante la mitad del álbum y usó su Fender Telecaster Deluxe, "copia de Jazzmaster" hecha por Saul Koll, y una Fender Jazzmaster modificada con humbuckers para las pistas restantes.
Las guitarras se conectaron directamente al mezclador sin amplificador de guitarra en la cadena de señal.
La banda eligió a John Agnello como ingeniero del álbum debido a su trabajo con Don Fleming en álbumes de Screaming Trees a principios de los 90. Fue recomendado por su compañero músico J Mascis de Dinosaur Jr. , quien había trabajado con Agnello durante años.
Se realizó trabajo adicional a principios de 2006 en Echo Canyon y el estudio Bisquiteen de J Mascis en Amherst, Massachusetts. El álbum fue masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound en la ciudad de Nueva York en marzo de 2006.
“Rather Ripped” es generalmente considerado uno de los álbumes más accesibles de la banda, con una abundancia de melodías concisas y pegadizas. Moore lo describió como "un disco de canciones superpopulares" que contiene "canciones rockeras y baladas".
Además, siete de las 12 pistas del álbum tienen una duración de menos de cuatro minutos, una característica poco común en lanzamientos anteriores de Sonic Youth.
El álbum generalmente favorece las texturas de guitarra sobre la retroalimentación o el ruido, que típicamente caracterizaron los trabajos anteriores de la banda.
Dave Heaton de PopMatters comentó que las guitarras en “Rather Ripped” se unen para formar un sonido vibrante y misterioso, afirmando que "a menudo se siente como si Sonic Youth estuviera tomando todos los trucos instrumentales que han aprendido a lo largo de los años y poniéndolos al servicio de la construcción de un paisaje duradero de sonidos de guitarra, uno que resuena con los sonidos del pasado pero que también se siente eternamente juvenil".
Líricamente, “Rather Ripped” trata temas melancólicos como el adulterio, la frustración sexual y la infidelidad. En la canción de apertura, "Reena", cuyo título provisional era "Stonesy", Kim Gordon está involucrada en una relación secundaria con una mujer.
El sencillo principal "Incinerate" se basa en una metáfora convencional del amor como fuego, mientras que "What a Waste" atribuye la lujuria sexual.
"Pink Steam", que es la canción más larga del álbum, presenta una larga parte instrumental que fue descrita como "maravillosamente ventosa y violentamente romántica". Su título fue tomado de un libro del autor de San Francisco Dodie Bellamy.
La canción "Do You Believe in Rapture?" es una reflexión política sobre los cristianos en la oficina, mientras que "Rats", que es la única canción del álbum escrita por Ranaldo, fue descrita como una "narrativa fantasmal satisfactoria".
El álbum termina con la balada semiacústica "Or", que comienza con imágenes de un club de striptease y termina con Moore contando varias preguntas tipo entrevista como "¿Qué viene primero? ¿La música o las palabras?".
“Rather Ripped” se lanzó el 13 de junio de 2006 y completó el contrato de Sonic Youth con el sello principal Geffen Records, que también lanzó los ocho álbumes anteriores de la banda.
La edición del Reino Unido del álbum incluye dos tomas descartadas, "Helen Lundeberg" y "Eyeliner", que se lanzaron previamente como un sencillo de 7" en el sello propio de la banda, Sonic Youth Records.
Para promocionar el álbum, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos, comenzando en el famoso CBGB de Nueva York el 13 de junio de 2006, donde la banda no se había presentado desde 1992, y terminando en el Bank of America Pavilion en Boston el 3 de septiembre de 2006.
Tras su lanzamiento, “Rather Ripped” alcanzó el puesto nº 71 en la lista Billboard 200 de EE. UU. y el n 64 en la lista de álbumes del Reino Unido. El álbum también apareció en las listas de otros países, incluidos Australia, Bélgica, Finlandia, Francia y Noruega.
“Rather Ripped” recibió una gran aclamación de la crítica.
En una reseña para el Toronto Star, Ben Rayner escribió que la banda logró condensar todo su estilo musical expansivo en canciones más ajustadas "sin sacrificar las estructuras mercuriales, la inclinación lírica subversiva y la reverencia por el ruido que identifican a Sonic Youth como Sonic Youth".
El editor de PopMatters, Dave Heaton, creía que el álbum era una forma elegante y grácil de terminar la relación única de Sonic Youth con Geffen, describiéndolo como una "historia cohesiva sobre una banda que busca la mejor manera de tomar los espíritus temerarios y valientes del free jazz, el punk y la música experimental, y generarlos dentro de los confines de la estructura tradicional de la canción de rock".
También elogió las letras de Moore, afirmando que "su poesía de estilo Beat es especialmente evocadora y especialmente concisa, una cualidad que encaja bien con un álbum que musicalmente parece estar haciendo lo mismo, comunicando mucho con poco".
De manera similar, Dave Simpson de The Guardian sintió que la banda se reinventó con canciones más pop, y calificó a "Rather Ripped" como "una situación extraordinaria en el 25° año de Sonic Youth".
En un artículo para Rolling Stone, Rob Sheffield destacó la interpretación de guitarra de Moore por dotar al álbum de "una sensación de urgencia emocional" y consideró "Incinerate" y "Pink Steam" como algunos de los puntos fuertes del álbum.
La interpretación vocal de Gordon fue ampliamente elogiada, y Ben Ratliff, de The New York Times, la comparó favorablemente con la de Nico, cantante y colaboradora de The Velvet Underground.
Robert Christgau también comentó que Gordon suena "increíblemente aniñada" a pesar de tener 53 años en ese momento, y que tanto ella como Moore "evocan visiones de coqueteo, desplazamiento, recriminación y salvación que nunca llegan a ser inequívocamente literales". Le otorgó al álbum una "A" en su reseña de Rhapsody en la guía del consumidor.
Steve Hochman, de Los Angeles Times, atribuyó las melodías pegadizas del álbum a un manejo inteligente y eficaz, comentando que “casi te hace preguntarte qué habría pasado si Television y Peter Frampton hubieran trabajado juntos”.
Tom Sinclair, de Entertainment Weekly, escribió que, si bien la banda “aún puede crear un tema punk ruidoso cuando les apetece”, como en el tema “Sleepin Around”, las melodías más limpias y tranquilas son las que “realmente te desgarran las emociones”.
Jimmy Newlin, de Slant Magazine, mencionó ventajas similares, señalando que “el silencio es el nuevo ruido”, y consideró que el cambio de la banda hacia una intensidad romántica fue “un crecimiento bienvenido a medida que la banda avanza hacia su segunda década de existencia”.
Otras reseñas fueron menos entusiastas. El editor de Spin, Joe Gross, criticó a “Rather Ripped” por su falta de canciones expansivas, afirmando que el álbum "se trata de composiciones de tres o cuatro minutos, nunca lo más destacado de su currículum, incluso cuando [Gordon] le presta su singular voz áspera".
Brandon Stosuy, de Pitchfork, consideró que la segunda mitad del álbum fue más floja que la primera y criticó la letra de la última canción, "Or".
La crítica de AllMusic, Heather Phares, comentó que la forma de tocar de la banda a veces puede superar su composición, pero aun así calificó a “Rather Ripped” como "un álbum sólidamente bueno" que "demuestra que Sonic Youth sigue en un ritmo cómodo pero creativo, no en una rutina".
“Rather Ripped” ocupó el puesto 12 en la encuesta de críticos de Pazz & Jop de 2006 de The Village Voice y el 13 en la encuesta anual de críticos de The Wire.
Los editores de Rolling Stone clasificaron al álbum en tercer lugar en su lista de los 50 mejores álbumes de 2006, mientras que Pitchfork lo ubicó en el puesto 43 en una lista similar.
En diciembre de 2006 lanzaron “The Destroyed Room: B-Sides and Rarities”, que marcó el último lanzamiento de Geffen de la banda.
Este álbum contiene temas que anteriormente solo estaban disponibles en vinilo, recopilatorios de edición limitada, ediciones importadas y caras B de sencillos internacionales. Los temas, que también incluyen material inédito, fueron cuidadosamente seleccionados por la banda.
El álbum se lanzó el 12 de diciembre de 2006. A principios de 2007, el sello de la banda, Goofin' Records, lanzó una edición doble en vinilo con dos temas adicionales. La imagen de portada, así como el nombre del álbum, es "The Destroyed Room", una fotografía de 1978 del artista canadiense Jeff Wall.
Luego firmaron con el sello independiente Matador Records, que lanzó el álbum “The Eternal” en 2009.
Fue su primer álbum de estudio en tres años (desde “Rather Ripped”), lo que lo convierte en el intervalo más largo entre álbumes de estudio de la banda.
“The Eternal” fue el álbum de la banda que alcanzó la posición más alta en los rankings de su carrera en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número 18 en el Billboard 200.
Cuando la banda decidió grabar, parecía natural incluir al bajista de Pavement, Mark Ibold. El proceso implicó ensayar las canciones durante la semana en el sótano de la casa de Moore y Gordon y posteriormente grabarlas durante el fin de semana.
Shelley recordó: “Era como tener un proyecto diferente cada semana, como si estuviéramos grabando un sencillo cada fin de semana. Hay que mantenerse en movimiento, la velocidad de este álbum fue muy disfrutable”.
Sin embargo, la banda había comenzado a componer gran parte del material antes de cambiar de sello discográfico.
Sobre los aspectos pop-rock del álbum, Moore comentó: “Veo una especie de relación entre The Eternal y Dirty en cuanto a la dinámica”. Argumentó que la banda “definitivamente quería hacer canciones en lugar de una obra vanguardista”.
Sobre la elección de Matador, explicó: “Decidimos que es un sello que apoya mucho las canciones”.
Ranaldo comentó cómo se inspiraron en sus grabaciones anteriores en “Daydream Nation”, que “tenían una energía que habíamos olvidado, y parte de esa energía y la experiencia de hacer esas canciones influyeron en el nuevo disco”.
La portada fue pintada por John Fahey y el álbum estuvo dedicado a Ron Asheton de los Stooges.
“The Eternal” fue lanzado el 9 de junio de 2009 por el sello discográfico Matador. El álbum se lanzó digitalmente, en CD y como doble vinilo, tanto en edición estándar como en edición de compra anticipada.
En 2009, el álbum recibió una certificación de plata de la Asociación de Compañías de Música Independientes, lo que denota ventas de más de 30.000 copias en toda Europa.
“The Eternal” tiene una calificación de aprobación de 79 sobre 100 en el agregador de reseñas Metacritic, lo que indica "críticas generalmente favorables".
Una reseña temprana de Clash dijo que "el álbum muestra signos de vida y una vitalidad desgarradora que asegura la posición de sus creadores en la vanguardia de la música rock estadounidense".
En una reseña de "Elección de la crítica" para The New York Times, Ben Ratliff comparó el álbum con dos de sus álbumes de la década de 1990, “Washing Machine” y “A Thousand Leaves”; señaló que el álbum demostró el continuo ascenso de Kim Gordon como cantante, diciendo que ella "canta todo lo mejor" en “The Eternal”, particularmente la última canción del álbum, "Massage the History", una canción que llamó "la maravilla inesperada del disco".
Muchas reseñas fueron positivas: musicOMH le dio al álbum 5 de 5 estrellas y dijo que "actúa como un recordatorio apropiado y atemporal de todo lo que esta poderosa banda ha logrado".
Los Angeles Times le dio 4 de 4 estrellas y dijo: "La música sigue siendo atemporal y extraña, impulsada por el caos y la claridad, pero estas son canciones, no experimentos sonoros por sí mismos".
Chicago Tribune le dio al álbum 3,5 de 4 estrellas y dijo: "De vuelta en un sello independiente después de casi dos décadas con una importante discográfica, el cuarteto post-punk regresa a sus orígenes de los 80 con un álbum que no innova poco, pero que suena emocionante de todos modos. [...] Deja de lado parte de la afición de la banda por la digresión distorsionada y simplemente pasa de una aventura emocionante a la siguiente, sin apenas detenerse a respirar".
El AV Club le dio una B+ y dijo que las canciones "tienen una orientación más convencional al rock que cualquier otra en la carrera de Sonic Youth, pero el álbum realmente no suena como una desviación".
Otras reseñas fueron bastante mediocres: The Austin Chronicle le dio una puntuación de 3,5 estrellas sobre 5 y comentó: “La interacción a tres guitarras, moderada por el bajista Mark Ibold y Steve Shelley a la batería, es segura, aunque un poco indulgente ('Walkin Blue'), pero Sonic Youth domina esas tendencias en su mayor parte, convirtiendo a The Eternal en su álbum más directo hasta la fecha”.
Yahoo! Music UK le dio al álbum 6 de 10 estrellas y dijo que estaba “bien construido, sí, pero casi demasiado bien construido, muchas partes suenan como si hubieran sido sacadas directamente del vasto catálogo de SY y encajadas en su lugar, como un rompecabezas que necesitaba completarse, en lugar de los extensos documentos de ruido y confusión sobre los que se construye el nombre de esta banda”.
Tiny Mix Tapes le dio 3 de 5 estrellas y dijo que el álbum era “accesible, escuchable y todo lo demás: otro álbum consistente de la consistente banda de rock Sonic Youth”.
En 2010, la banda musicalizó y compuso la banda sonora del thriller dramático francés “Simon Werner a Disparu”, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Cannes. La banda sonora se lanzó en 2011 como “SYR9: Simon Werner a Disparu”, una entrada en la serie experimental "SYR".
El 14 de octubre de 2011, Kim Gordon y Thurston Moore anunciaron su separación tras 27 años de matrimonio.
El sello discográfico de Sonic Youth, Matador, explicó que los planes para la banda seguían siendo "inciertos", a pesar de haber insinuado previamente que grabarían nuevo material más adelante ese año.
Sonic Youth ofreció su último concierto el 14 de noviembre de 2011 en el Festival de Música y Artes SWU en Paulínia, São Paulo, Brasil. La semana siguiente, Lee Ranaldo declaró en una entrevista que Sonic Youth "terminaría por un tiempo".
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, futuro.cl, crazyminds.es, ethic.es, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Nitirito
- Chapter Cantabro
- Mensajes: 622
- Registrado: Dom Oct 29, 2006 4:55 pm
- Ubicación: En mi mundo....
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Como siempre excelente trabajo.. 
Experiencia es el nombre que todos dan a sus propios errores.
Oscar Wilde.
Oscar Wilde.