En el puesto número 24
Geddy Lee (Quinta parte)
“Hold Your Fire”, es el duodécimo álbum de estudio de la banda, lanzado el 8 de septiembre de 1987.
Fue grabado en The Manor Studio en Oxfordshire, Ridge Farm Studio en Surrey, AIR Studios en Montserrat y McClear Place en Toronto.
Fue el último álbum de estudio de Rush lanzado fuera de Canadá por PolyGram / Mercury.
La bajista y vocalista de Til Tuesday, Aimee Mann, contribuyó con voces en "Time Stand Still" y apareció en el video dirigido por Zbigniew Rybczyński.
El álbum no tuvo tanto éxito comercial como la mayoría de los lanzamientos de la banda en la década de 1980, alcanzando el puesto número 13 en las listas de Billboard, el puesto más bajo para un álbum de Rush desde “Hemispheres” de 1978.
Sin embargo, finalmente fue Certificado Oro por la RIAA.
Después de que la gira “Power Windows” de Rush de 1986 terminó, los miembros de la banda se tomaron el verano libre para pasar más tiempo con sus familias.
Pasaron algunos meses y el grupo decidió comenzar a escribir material nuevamente.
Neil Peart comenzó a escribir letras en una cabaña a principios de septiembre.
Mientras tanto, Geddy Lee comenzó a componer en su configuración de teclado controlada en una computadora Macintosh usando un software llamado Digital Performer, que sería útil tanto para las etapas de escritura como de producción, y Alex Lifeson estaba haciendo cintas experimentales en casa.
Peart también usó la Mac para escribir algunas letras para el álbum.
Peart quería hacer algo en la misma línea que “Power Windows”, esta vez trabajando en torno al tema del tiempo.
Sin embargo, después de escribir la letra para la primera canción que escribió, "Time Stand Still", Peart comenzó a crear más material que convertiría el tema en "Instinct", que fue la razón para titular el álbum “Hold Your Fire”.
Una tarde de ese mismo mes, Peart y Lee mostraron juntos en qué habían estado trabajando y también discutieron algunas ideas líricas que no habían podido escribir en papel, las cuales se incluirían en "Mission", "Open Secrets" y "Turn the Page".
El grupo comenzó las sesiones de composición en Elora Sound Studio, Ontario, el 27 de septiembre de 1986.
Lifeson mostró sus cintas experimentales, mientras que Lee trajo improvisaciones de prueba de sonido que había hecho ese año.
Según Peart, las cintas de Lifeson "proporcionarían algunas buenas partes para varias canciones" y las improvisaciones de prueba de sonido de Lee fueron "clasificadas y etiquetadas como posibles versos, puentes, estribillos o fragmentos instrumentales, y por lo tanto sirvieron como una biblioteca de referencia de ideas espontáneas que podían usarse a voluntad".
Lifeson usó una caja de ritmos para escribir las partes de batería, que Lee grabó en una grabadora Lerxst Sound.
A principios de noviembre, se habían escrito ocho canciones, lo que el grupo consideró insuficiente para que el álbum tuviera una buena cantidad de variedad musical.
Peart dijo: "Decidimos ir un poco más allá esta vez. Éramos conscientes de que solo un pequeño porcentaje de personas compra discos hoy en día, la gran mayoría elige casetes o CDs. Por lo tanto, pensamos, ¿por qué preocuparnos por las limitaciones de tiempo del antiguo disco de vinilo? Pensamos que nos gustaría tener 10 canciones y ofrecer unos 50 minutos de música. Así que lo hicimos".
El productor Peter Collins llegó a Elora Sound a principios de diciembre para darle a la banda sugerencias para mejorar las canciones.
Entre muchos pequeños cambios, un par de sugerencias importantes fueron nuevas estrofas para "Mission" y revisiones del estribillo de "Open Secrets".
Con nueve canciones ya escritas, Collins también sugirió que la banda hiciera una décima pista para el álbum, y la canción "Force Ten" se escribiría el último día de preproducción, el 14 de diciembre.
La grabación de “Hold Your Fire” comenzó el 5 de enero de 1987 en The Manor Studio en Inglaterra.
Allí se grabaron la batería, el bajo, los teclados básicos, las guitarras principales y la voz principal.
Los teclados, las guitarras y la voz se grabaron digitalmente, mientras que la batería y el bajo, como prefería Peart, se grabaron con una grabadora de cinta analógica, que luego se convirtió a cinta digital.
El 7 de febrero, la banda fue a Ridge Farm Studio para que Andy Richards grabara teclados dinámicos adicionales y emocionantes "eventos", además de digitalizar todas las pistas de instrumentos grabadas.
Lifeson también pudo escribir sobregrabaciones de guitarra mientras grababa en Ridge Farm.
La banda se dirigió a AIR Montserrat el 1 de marzo para comenzar a producir sobregrabaciones de guitarra, y más tarde a McClear Place Studios en Toronto tres semanas después para terminar las sobregrabaciones, grabar arreglos orquestales de Steve Margoshes para "High Water", "Mission" y "Second Nature", y grabar partes vocales adicionales, como las voces de Aimee Mann para "Time Stand Still" y "Prime Mover", y coro gospel.
La grabación se terminó el 24 de abril, y la mezcla tuvo lugar a partir del 7 de mayo en William Tell Studio en París.
Lee masterizó el álbum con Bob Ludwig en Masterdisk en la ciudad de Nueva York a mediados de julio.
Lee tocó un bajo Wal para “Hold Your Fire”, además de ser vocalista y tecladista.
Los sintetizadores y otros instrumentos y dispositivos electrónicos utilizados, todos programados con la ayuda de Andy Richards y Jim Burgess, fueron varios samplers Akai S900, dos sintetizadores Prophet, un PPG 2.3, un Roland Super Jupiter y un D-550, dos controladores MIDI Yamaha KX-76, dos secuenciadores QX-I y un DX-7, dos MIDI Mappers, pedales MIDI Korg y pedales Moog Taurus.
Peart tocó con una combinación de batería Ludwig-Musser, una batería Pearl Drums, Premier Drums y Tama Drums con herrajes chapados, platillos Avedis Zildjian y un pad Simmons a través de uno de los samplers Akai, que producía sonidos de bloques de templo, un timbal, crótalos, un Tama, un bombo de gong, cencerros, campanillas de viento y marimbas.
La canción "Tai Shan" fue un experimento de composición.
Estuvo influenciada por la música clásica china, y su título era una referencia al Monte Tai en la provincia de Shandong, China, del cual Peart tuvo conocimiento por primera vez durante un viaje en bicicleta por China.
Al final de la canción se utiliza una muestra invertida de la voz de Aimee Mann de otra pista.
En una entrevista de 2009 con Blender, Lee expresó su arrepentimiento por haber incluido "Tai Shan" en el álbum, calificándolo de "error" y diciendo "deberíamos haberlo sabido".
Lifeson calificó la canción de "un poco cursi" en una entrevista de 2012 con Total Guitar.
En 2016, Lifeson consideró "Tai Shan" y "Panacea" las peores canciones que Rush había grabado.
“Hold Your Fire” ha sido categorizado como new wave, pop rock, heavy metal / hard rock, rock progresivo de estadio, y britpop progresivo "delgado y de cuerdas finas".
Las canciones están impulsadas por una guitarra de bajo que es una mezcla de potente y melódica.
Aunque hay momentos de solos distorsionados y extremos, el trabajo de guitarra eléctrica de Lifeson en el álbum es principalmente textural, con la guitarra acústica de cuerdas de acero cumpliendo un papel rítmico, lo que produce un sonido general brillante.
“Hold Your Fire” comenta sobre el estado sociopolítico del mundo moderno, con la angustia existencial de “The Joshua Tree” (1987) de U2.
Publicaciones musicales como Metal Hammer, Kerrang! y Sounds otorgaron a “Hold Your Fire” puntuaciones perfectas.
Stefan Chirazi de Kerrang! afirmó que era uno de los mejores álbumes de 1987, otro LP de Rush con "clase, calidad y consistencia" y un disco raro por contener diez temas perfectos.
Paul Elliot de Sounds elogió a la banda por no perder su "calidez", "corazón" y "humanidad" a pesar del pulido de estudio de doce álbumes.
La evolución de Rush con “Hold Your Fire” fue un tema destacado, con diversas reacciones.
En el lado positivo, algunos críticos percibieron que la banda expandía continuamente su territorio musical y sonoro, manteniendo al mismo tiempo su perfeccionismo y complejidad compositiva.
Algunos apreciaron el álbum por ser más accesible al público general y por tener composiciones más compactas que sus trabajos anteriores.
Menos favorablemente, Guitar for the Practicing Musician y el Omaha World-Herald clasificaron el disco como los tropos más rancios de Rush prominentes en todos sus álbumes, pero combinados con un sonido estéril, predecible, técnicamente sofisticado y cargado de sintetizadores característico del grupo en la década de 1980.
NME, una publicación que históricamente criticó la música de Rush y sus creencias sociopolíticas bromeó: "Atrapado en una distorsión temporal junto con la música, [Peart] todavía está empeñado en idear un LP basado en un concepto".
En el peor de los casos, Nester Aparicio de The Evening Sun calificó el producto general como "débil" y "insustancial", sin nada de la "gloria" de álbumes como “2112” y “Moving Pictures”.
Elliot y Anand Agneshwar del Press & Sun-Bulletin describieron las letras como humanas y personales, con vulnerabilidad e introspección.
Por el contrario, "son demasiado pesadas y distantes para ser aceptadas" por Guitar for the Practicing Musician.
“Hold Your Fire” alcanzó el puesto número 13 en la lista de álbumes Billboard 200, siendo la primera vez que un álbum de estudio de Rush se situaba fuera del Top 10 desde “Hemispheres” de 1978.
Aunque “Hold Your Fire” fue certificado disco de oro en Estados Unidos poco después de su lanzamiento, no logró alcanzar el estatus de platino según la RIAA, convirtiéndose en el primer álbum de estudio de Rush en no hacerlo desde “Caress of Steel” de 1975.
Para Adrien Begrand, “Hold Your Fire” fue el mejor álbum de Rush de la era que comenzó con “Signals”, con un equilibrio mucho más armonioso entre el rock al estilo U2/Big Country y los sonidos electrónicos vanguardistas que “Power Windows”.
Por el contrario, Jordan Blum de Loudwire lo consideró el peor de la era de teclados de la banda, un "trabajo pesado, aburrido e incómodo que inevitablemente se siente anticuado y desacertado".
Las clasificaciones de los álbumes de estudio de Rush de las décadas de 2010 y 2020 generalmente colocaron a “Hold Your Fire” cerca o en el último lugar. Muy pocos los colocaron en el medio.
Sin embargo, las opiniones sobre el álbum, incluso para las clasificaciones que lo colocaron en último lugar, fueron mixtas en lugar de directamente negativas.
Señalaron su destreza técnica y letras autorreflexivas, pero también una falta de "golpe dinámico", energía y "peculiaridad" de sus mejores álbumes.
Discutieron principalmente sobre la producción suave del álbum, que fue considerada la más pulida en la discografía de la banda y que alienó a los fanáticos.
También fueron las pistas más duras fuera de "Time Stand Still", "Force Ten" y "Mission", calificándolas de "insípidas" y "olvidables", "relleno", donde "el control de calidad de la composición disminuye a medida que avanza el disco".
Se publicó una remasterización en 1997.
La bandeja tiene una imagen de tres huellas dactilares, azul claro, rosa y verde lima (de izquierda a derecha), con "The Rush Remasters" impreso en mayúsculas justo a la izquierda, imitando la portada de “Retrospective II”.
Todas las remasterizaciones desde “Moving Pictures” hasta “A Show of Hands” son así.
Incluye todas las ilustraciones que venían con el álbum original, excepto la letra de "Prime Mover".
“Hold Your Fire” fue remasterizado nuevamente en 2011 por Andy VanDette para los sets de cajas "Sector", que reeditaron todos los álbumes de Rush de la era Mercury. Está incluido en el set “Sector 3”.
Para la remasterización de 2011, se utilizaron inadvertidamente cintas maestras que contenían diferentes mezclas de “Hold Your Fire”, con el resultado de que la mezcla es notablemente diferente de lanzamientos anteriores en varios lugares; particularmente durante "Mission", donde se pueden escuchar partes de cuerda que no estaban presentes en el lanzamiento original, y en la introducción de "Tai Shan", donde se han agregado campanillas de viento.
También hay un efecto de paneo estéreo en las voces durante el primer pre-estribillo de "Turn the Page" que está ausente en la mezcla original.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Un tercer álbum y vídeo en directo, “A Show of Hands” (1989), fue lanzado por Anthem y Mercury tras las giras “Power Windows” y “Hold Your Fire”, mostrando las facetas de Rush en la década de 1980.
La mayoría de las interpretaciones de este álbum fueron de la gira “Hold Your Fire” de 1988, grabada en las ciudades estadounidenses de Nueva Orleans, Phoenix y San Diego, y en la ciudad británica de Birmingham.
"Mystic Rhythms" y "Witch Hunt" fueron grabadas en East Rutherford, Nueva Jersey, durante la gira “Power Windows” de 1986.
La pista de apertura "Intro" presenta el tema de "Los Tres Chiflados" sonando de fondo; la banda usó esta música para abrir muchos de sus conciertos durante la década de 1980.
Con la excepción de "Closer to the Heart", la lista de canciones se centra casi por completo en el material de la banda de la década de 1980, y es el único disco en directo de Rush que no incluye interpretaciones de canciones publicadas antes de 1977.
A diferencia de “All the World's a Stage” y “Exit... Stage Left”, este álbum no tiene ninguna canción que haya tenido que omitirse para su lanzamiento en CD individual.
Los dos primeros se publicaron antes de la introducción de los discos compactos y eran álbumes dobles, mientras que este álbum se publicó inicialmente en CD, por lo que las limitaciones de tiempo ya se habían tenido en cuenta.
El vídeo se grabó en el primero de los dos conciertos que tuvieron lugar en Birmingham (Reino Unido) los días 23 y 24 de abril de 1988 en el NEC Arena de la ciudad, una de las fuentes del álbum en directo.
El orden y la selección de las canciones del vídeo difieren de los del álbum en directo.
La edición en laserdisc también incluye la canción "Lock and Key".
“A Show of Hands” recibió una gran acogida por parte de los fans, pero el crítico de Rolling Stone, Michael Azerrad, lo calificó de "fuerza musical" con 1,5 estrellas, afirmando que los fans de Rush veían a su trío favorito como "la santa trinidad".
No obstante, “A Show of Hands" alcanzó el disco de oro en Estados Unidos y el de platino en Canadá.
En ese momento, el grupo decidió cambiar de sello discográfico internacional, pasando de Mercury a Atlantic.
Tras la marcha de Rush en 1989, Mercury lanzó una recopilación de dos volúmenes de su catálogo de Rush, “Chronicles” (1990), que alcanzó el doble platino.
La recopilación fue el primer álbum de la banda en ser lanzado en la década de 1990, aunque fue ensamblado sin la participación de la banda.
Una edición complementaria de videos musicales de Rush de 1981 a 1987, titulada “Chronicles: The Video Collection”, también fue lanzada en VHS y laserdisc el 23 de octubre de 1990.
La edición de video fue relanzada en un solo DVD en 2001, titulado “Rush Chronicles – The DVD Collection”, con dos pistas de video adicionales que son “huevos de Pascua” ocultos.
Rush comenzó a desviarse de su estilo de los años 80 con los álbumes “Presto” (1989) y “Roll the Bones” (1991).
“Presto” es su decimotercer álbum de estudio y fue lanzado el 17 de noviembre de 1989 por Anthem Records; fue el primer álbum de la banda lanzado internacionalmente por Atlantic Records, después de la salida del grupo de Mercury.
Cuando el grupo decidió no renovar sus contratos con el distribuidor internacional Mercury Records; Lifeson dijo que se separaron porque la relación se había estancado para entonces.
Peart escribió más tarde que, con la banda ahora "libre de plazos y obligaciones" por primera vez en 15 años, decidieron aprovechar tomando un descanso de seis meses.
En diciembre de 1988, el grupo se reunió en casa de Peart para discutir el siguiente paso y acordaron comenzar un nuevo álbum de estudio después del descanso.
El trabajo en “Presto” comenzó cuando Rush alquiló un estudio en el campo para escribir y ensayar material nuevo.
Adoptaron su método habitual: Lifeson y Lee trabajaban en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Peart escribió: “Al final del día, podía entrar al estudio, con el tintineo de los cubitos de hielo, y escuchar lo que habían estado haciendo, y si había tenido suerte, mostrarles algo nuevo”.
Rush trabajaba en el estudio durante la semana y regresaba a casa los fines de semana.
“Presto” marca el comienzo del regreso de Rush a un sonido más impulsado por la guitarra, después de lo que muchos conocen como el "período de sintetizadores" de los cuatro lanzamientos anteriores.
Cuando Lifeson y Lee discutieron qué dirección musical tomar, coincidieron en que el núcleo del sonido, la emoción y la energía de la banda provenían de la guitarra, algo a lo que querían regresar para “Presto”. Esto resultó en un álbum mucho más satisfactorio para Lifeson.
Lifeson se había sentido limitado en su forma de tocar la guitarra desde que los sintetizadores comenzaron a jugar un papel más dominante en la composición y la interpretación en “Signals” (1982), lo que continuó durante la década de 1980.
Lee explicó que Rush quería que “Presto” fuera "más un álbum para cantantes, y creo que notarán que los arreglos musicales apoyan la voz. [...] Las letras de Neil me parecen mucho más sentidas. [...] Este álbum fue una verdadera reacción contra la tecnología en cierto sentido. Estaba harto de trabajar con computadoras y sintetizadores. [...] Hicimos un pacto para mantenernos alejados de las cuerdas, los pianos y los órganos, para mantenernos alejados de la tecnología digital. Al final, no pudimos resistirnos a usarlos para dar color".
A diferencia de los álbumes anteriores “Grace Under Pressure” (1984), “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire”, el álbum no contiene un tema lírico general continuo, ni lo que Peart describió como mensajes líricos "pesados", sino que adopta un enfoque más libre donde cada pista hace su propia declaración.
Peart usó la palabra "respuesta" para describir el contenido lírico en su conjunto.
"La idea de que no pasas por la vida solo mirando las cosas. No importa si has estado por todo el mundo, puede que lo hayas visto, pero si no lo has sentido, no has estado allí".
Peart agregó: "Hay muchos hilos y un fuerte motivo de mirar la vida hoy y tratar de actuar dentro de ella".
El título del álbum fue una idea que Rush había considerado usar para “A Show of Hands”, pero cuando Peart comenzó a escribir una canción titulada "Presto", se usó como título del álbum.
Después de haber trabajado en varias canciones, la banda sintió que era el momento adecuado para presentar su material a un coproductor.
Sin embargo, su primera opción, Peter Collins, quien había trabajado en “Power Windows” y “Hold Your Fire”, rechazó a regañadientes la oferta de trabajar en “Presto”, ya que deseaba producir a otras bandas.
Aunque Rush se sentía lo suficientemente seguro como para encargarse ellos mismos de la producción, aún querían a alguien en quien pudieran confiar y que les proporcionara un punto de vista objetivo sobre sus ideas.
Entre los diversos candidatos se encontraba el productor, compositor y tecladista inglés Rupert Hine, cuya experiencia con una variedad de artistas atrajo al grupo.
Peart recordó el momento en que le presentaron sus ideas a Hine: "Estábamos un poco desconcertados [...] ¡al final de algunas de ellas parecía que se estaba riendo! Nos miramos unos a otros, con las cejas arqueadas como diciendo: '¿Cree que nuestras canciones son graciosas?' Pero evidentemente era una risa de placer; se quedó 'hasta el final'".
A sugerencia de Hine, el grupo contrató a Stephen W. Tayler como ingeniero de grabación y mezcla.
Las sesiones con Rush y Hine juntos fueron productivas; inicialmente, se asignaron 10 días para el trabajo de preproducción con una pista por día, pero se completó después de solo un día y medio.
“Presto” se grabó de junio a agosto de 1989.
Como parte de su acuerdo con Hine, la banda aceptó grabar partes del álbum en Londres.
“Presto” se terminó aproximadamente cuatro semanas antes de lo previsto.
Cuando el álbum estuvo terminado, Rush buscó un nuevo contrato discográfico y firmó con Atlantic Records después de que el ejecutivo Doug Morris, quien había querido fichar al grupo durante varios años, hiciera una oferta atractiva.
"Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor" se lanzaron como sencillos; el primero llegó al número 1 en la lista US Album Rock Tracks.
“The Pass” trata sobre un amigo de Peart que lo acompañó en un paseo en bicicleta y una vez hablaron sobre el suicidio juvenil, lo que inspiró la letra de la canción.
Peart la consideró la canción en la que más había trabajado, debido a la delicadeza del tema.
La canción se convirtió en una de las favoritas del grupo; Peart la citó como la razón por la que volverían a grabar el álbum “Presto”, si pudieran.
“Scars” presenta un patrón de batería complejo en el que se utilizan tanto tambores acústicos como electrónicos.
Este patrón se inspiró en un ritmo tribal que Peart escuchó durante un viaje en bicicleta por África (que más tarde narró en su primer libro, “The Masked Rider: Cycling in West Africa”).
Posteriormente, incorporó este patrón a sus solos de batería en directo.
La canción también incluye el uso de un secuenciador en lugar de un bajo, instrumento con el que a menudo se confunde.
Lifeson dijo que la canción principal trata sobre "sentirse más activo en el corazón que en la cabeza, no tener las respuestas a los problemas".
"Superconductor" aborda la superficialidad de la música comercial. Este tema también aparece en otras canciones, como "Grand Designs", del álbum “Power Windows”.
En "Anagram (for Mongo)", cada línea contiene una o más palabras formadas con letras de otra palabra de la misma línea (por ejemplo, "No hay asiento seguro en el festín"), y algunas líneas contienen palabras anagramadas (por ejemplo, "Los milagros tendrán sus reclamantes").
Su título se inspiró en el personaje Mongo de la película de 1974 “Blazing Saddles”.
Lifeson habló sobre la letra: "No significa nada, solo fue algo divertido, pero tiene algunos giros geniales".
"Hand over Fist" era originalmente una pieza instrumental que Rush tenía previsto incluir en “Presto”, pero Peart siguió presentando ideas para la letra a Lifeson y Lee; una en particular encajaba bastante bien con la música y se descartó el plan de una pieza instrumental.
En el libro de la gira del álbum, Peart utilizó el simbolismo que representa el juego de manos "piedra, papel o tijera", que se convirtió en una rima infantil y se utilizó como cántico lírico en "Hand over Fist".
La portada del álbum fue diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush: un diseño en blanco y negro que representa un sombrero de mago levitando sobre una colina con un conejo emergiendo de él. En primer plano, el campo está lleno de conejos.
Rush ideó el concepto y se lo presentó a Syme, quien luego produjo varias ideas que representaban lo que ellos sugerían.
Lifeson recordó el momento en que vieron el diseño elegido: “Todos empezamos a reírnos histéricamente: ¡Esto es genial, es perfecto!".
Rush produjo tres videos musicales para Presto: "Show Don't Tell", "The Pass" y "Superconductor".
“Presto” recibió críticas mixtas.
Gregory Heaney de AllMusic describió el álbum como "operario" y alejado de la creatividad de sus trabajos anteriores.
Sin embargo, afirmó que las canciones no eran terribles, solo que algo no terminaba de encajar, quizás debido al tiempo que había pasado desde que la banda compuso canciones más tradicionales, basadas en la guitarra.
Sin embargo, antes de que se publicara la reseña de Heaney, el sitio había publicado una reseña favorable de 4,5 estrellas (de un máximo de 5) del álbum por Mackenzie Wilson, quien describió el álbum como uno que "conduce inteligentemente a Rush a los 90 sin pesimismo musical".
“Presto” alcanzó el puesto número 7 en Canadá y el número 16 en Estados Unidos.
Rush promocionó el álbum con la gira “Presto Tour” de febrero a junio de 1990.
“Presto” obtuvo la certificación de oro por la Recording Industry Association of America por vender 500.000 copias.
El álbum fue remasterizado en 2004 y 2013, este último como parte del box set de 2013 “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios, tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Roll the Bones” es el decimocuarto álbum de estudio de la banda, lanzado el 3 de septiembre de 1991 por Anthem Records en Canadá y Atlantic Records a nivel internacional.
Producido por la banda y Rupert Hine, el álbum continuó la transición desde los arreglos con predominio de teclados de la década de 1980 hacia un sonido más orientado a la guitarra, una transición que había comenzado con su lanzamiento anterior, “Presto” (1989).
Las sesiones, realizadas principalmente en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, vieron a la banda incorporar influencias de funk y jazz, sobre todo en la inclusión de un segmento de rap interpretado por el bajista Geddy Lee en la canción que da título al álbum.
En cuanto a las letras, el álbum explora temas como el azar, el destino y el peso de las circunstancias, inspirados por el interés del baterista Neil Peart en el papel de la fortuna en la vida humana.
El título es un término coloquial para referirse a lanzar dados, un motivo que se refleja en la portada, ganadora del premio Juno y diseñada por Hugh Syme.
El tema instrumental "Where's My Thing?", nominado al Grammy, marcó el regreso de la banda a las pistas instrumentales desde 1981.
“Roll the Bones” fue un éxito comercial, alcanzando el Nº 3 en el Billboard 200 —la posición más alta de la banda en las listas estadounidenses desde “Signals” (1982)— y obteniendo la certificación de platino de la Recording Industry Association of America.
La recepción de la crítica fue generalmente positiva, con los críticos elogiando la renovada energía musical y el enfoque melódico del grupo, aunque algunos críticos contemporáneos se polarizaron por la sección de rap de la canción principal.
Ha sido remasterizado varias veces, la más reciente en 2015 por Sean McGee en Abbey Road Studios.
El álbum sigue siendo una entrada significativa en la discografía de Rush, uniendo su era synth-rock con el sonido más depurado y pesado de su trabajo de 1990.
En junio de 1990, Rush terminó la gira de su álbum anterior, “Presto” (1989).
Decidieron acortar la gira a propósito, lo que, según Lee, se debió a que el grupo se sentía demasiado cauteloso al presentar el álbum en directo.
Sin embargo, se convirtió en una experiencia agradable y positiva para ellos, y cuando terminó, "estábamos tan llenos de energía que queríamos seguir tocando".
Esta energía renovada en la banda se mantuvo durante las sesiones de composición y grabación de “Roll the Bones”.
Luego se tomaron un descanso, pero decidieron acortarlo para comenzar a trabajar en nuevo material para un disco posterior.
Al igual que con “Presto”, Rush comenzó a trabajar retirándose a Chalet Studios, un estudio remoto en Claremont, Ontario.
Se quedaron durante dos meses y medio; Lee y Lifeson trabajaron en la música mientras Peart escribía las letras.
Los tres se reunían por las noches, cuando Peart escuchaba lo que los otros dos habían compuesto durante el día.
Lee había desarrollado un interés por la observación de aves y se aseguró de que algunos comederos rotos junto a la ventana del estudio fueran reparados y llenados de alimento, que disfrutaba observando mientras escribía. Las notas del álbum incluyen un agradecimiento a las aves.
Las demos se grabaron con una grabadora TASCAM 388 de ocho pistas y una mesa de mezclas integrada conectada a un secuenciador con el software C-Lab Notator.
Lee configuró patrones de batería sencillos en el ordenador para que Lifeson y él trabajaran con ellos.
Tardaron entre nueve y diez semanas en componer y ensayar para el álbum, y ocho semanas en grabarlo.
El álbum muestra el cambio continuo en el sonido del grupo que comenzó en “Presto”, con una reducción en los teclados y un regreso a canciones impulsadas por la guitarra.
Lee dijo que el cambio fue "una reacción contra el estilo de escritura más computarizado" que había dominado su sonido durante la década de 1980, y la banda ahora optó por usar sintetizadores y secuenciadores como un "dispositivo de orquestación", en lugar de un componente clave en la composición de canciones.
Las sesiones de composición para “Presto” habían involucrado solo bajo, guitarra y voces, lo que contribuyó al cambio de estilo, y el grupo continuó con este enfoque para “Roll the Bones”.
Otro aspecto que se trasladó de "Presto" fue la intención de Lee de crear fuertes melodías vocales al principio y basar el resto de la canción en ella.
Lifeson había querido intentar tocar ritmos funk y, después de haberlo intentado en “Presto”, deseaba explorarlo más en “Roll the Bones”.
La mayoría de los arreglos elaborados en la etapa de composición permanecieron sin cambios, lo que permitió al grupo usar las demos como guía para la grabación, que se realizó transfiriendo las demos completas a 24 pistas y volviendo a grabar las partes.
El álbum contiene un tema lírico recurrente sobre el elemento del azar en diferentes aspectos de la vida, que Peart ideó mientras experimentaba con las letras.
La primera letra que escribió para el álbum se usó en "Face Up", específicamente: "Súbele el volumen, o baja esa carta comodín".
Recordó estar sentado en el suelo de su cabaña "con una pila de papeles a mi alrededor" de notas de los dos años anteriores, que consistían principalmente en frases escritas en giras o durante "ese momento onírico antes de dormir".
Comenzó a experimentar con las frases "súbele el volumen" y "baja esa carta", lo que lo llevó a la idea de bajar una carta y una carta comodín, y las aplicó a eventos que una persona puede enfrentar.
“Roll the Bones” se grabó en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Place en Toronto, entre febrero y mayo de 1991. Las voces se grabaron en Inglaterra.
La banda retomó el trabajo con el coproductor Rupert Hine y el ingeniero Stephen Tayler, quienes habían trabajado en “Presto”.
Rush quería seguir trabajando con Hine debido a su talento como compositor, la retroalimentación que les brindaba a sus canciones y su capacidad para permitir que el grupo lograra un sonido más suelto que en álbumes anteriores.
Lee dijo que varios trucos de producción que habían aprendido trabajando con Peter Collins en la década de 1980 se utilizaron en “Presto” y “Roll the Bones”.
Las partes de bajo y batería se grabaron en cuatro días, y las guitarras en ocho. Lee estaba asombrado de cómo Peart había aprendido sus partes para una canción completa antes de grabarla, y que "nueve de cada diez veces solo necesitaba una pasada para clavarla".
La banda originalmente había planeado lanzar el álbum en enero de 1992, pero lo terminaron dos meses antes.
Agradecieron al canal de noticias CNN en las notas del álbum, ya que tenían el canal encendido mientras escribían, y Lee recordó que a veces era difícil dejar de verlo mientras sucedían numerosos eventos.
Lee usó dos bajos Wal diferentes en el álbum. Le gustaba su rango medio y su sonido de graves "ricos", y el hecho de que no tenía que agregar mucha ecualización.
Conoció el instrumento por primera vez cuando la banda estaba grabando en Inglaterra, y sabía que el bajista Percy Jones usó uno en los álbumes de Brand X, de los cuales era un gran fan.
Lee había tocado uno por sugerencia de Peter Collins durante la grabación de “Power Windows” (1985).
El bajo de Lee se mezcló más cerca del rango del bombo de Peart, lo que liberó espacio en la música para las partes de guitarra.
Peart también cambió su sonido, y aunque no tomó la decisión consciente de evitar la electrónica por completo, descubrió que la mayoría de las canciones no se beneficiaban de que tocara una batería electrónica y en su lugar usó principalmente baterías acústicas.
Peart se dio cuenta de que tenía tendencia a hacer que sus partes de batería fueran "demasiado organizadas, demasiado arquitectónicas" en un álbum, así que para “Roll the Bones”, dejó deliberadamente partes de las canciones sin ensayar y las grabó el día de la grabación con la intención de capturar una interpretación más espontánea.
Peart escribió que el grupo encontró cada etapa del proceso de grabación particularmente agradable y satisfactoria, lo que despertó una "nueva convicción, una sensación de renacimiento" dentro del grupo.
Lee describió las sesiones de composición para el álbum como "muy positivas" y "optimistas".
La portada fue diseñada por Hugh Syme, colaborador de Rush desde hace mucho tiempo.
Las notas del álbum contienen la críptica frase "Ahora está oscuro". Peart reveló más tarde que la frase aparece en la película “Blue Velvet” de 1986.
Los créditos incluyen una broma recurrente que comenzó en “Power Windows”, cuando el grupo notó que varios títulos de canciones comenzaban con la letra "M".
Por "diversas razones", continuaron la broma en “Roll the Bones”, con "Presentado por la letra B".
La estrofa inicial de "Dreamline" contiene referencias a la astronomía, que inspiraron a Peart tras recorrer en bicicleta cien millas desde Cincinnati hasta Columbus entre dos conciertos de la gira “Presto”.
Al llegar, vio la popular serie de divulgación científica Nova en PBS , y un programa sobre imágenes satelitales capturó su imaginación.
"Bravado" trata sobre cómo uno no debe rendirse después de fracasar, en contraposición a terminar con la vida por suicidio, tema que Peart había abordado en "The Pass" en “Presto”.
La canción fue particularmente emotiva para Lee, quien la calificó como una de las mejores canciones de la banda, en parte debido a su textura diferente al resto del álbum.
La banda era optimista sobre su forma musical, pero se enfrentó al problema de sobrecargar su arreglo porque todas las partes les sonaban bien.
Al final, aprendieron que simplificar la canción resultó en una pista más fuerte.
"Roll the Bones" recibió su nombre de un relato de ciencia ficción de Fritz Leiber que Peart había leído unos 15 años antes, titulado "Gonna Roll the Bones".
Aunque el relato no influyó en la música ni en su mensaje, a Peart le gustó la frase en particular y la guardó en su cuaderno. La frase también es un término coloquial para referirse a tirar dados.
Cuando la banda estaba grabando "Roll the Bones", Lee dijo que decidieron "divertirse" con ella e incluir una sección de rap.
Peart recordó cierto escepticismo por parte de sus compañeros de banda al principio y probaron diferentes maneras de presentarlo, incluyendo una voz femenina, pero "la transición fue demasiado brusca".
En su lugar, optaron por usar la voz de Lee con efectos de baja frecuencia aplicados.
"Where's My Thing?" fue el primer instrumental de la banda desde "YYZ" de “Moving Pictures” (1981).
Tiene el subtítulo humorístico de "Parte IV, Trilogía 'Gangster of Boats'", en referencia a una broma interna donde Lee y Lifeson amenazaron con llamar a un álbum de Rush “Gangster of Boats” si Peart alguna vez tenía dificultades para encontrar un título, así como la broma de que es la cuarta parte de una trilogía.
Peart escribió que el grupo había querido grabar un instrumental desde hacía tiempo y que el grupo se había "divertido mucho" grabándolo.
Habían querido incluir uno en “Presto”, pero cada vez que Lee y Lifeson tenían una pieza musical, Peart proporcionaba una letra que encajaba bien con ella.
Para este álbum, Peart dejó que los dos escribieran una pista instrumental y evitó deliberadamente darles letras hasta que hubieran escrito una.
En lugar de hacer de la pista una muestra de la habilidad musical del grupo, Lee y Lifeson querían darle una sección de estrofa y estribillo para que sonara como una "canción genuina".
“Heresy” es una canción de rock más directa con un ritmo que Lee describió como un “pulso de latido del corazón” que reflejaba algunas de las ideas líricas de Peart para ella.
Peart se inspiró en los acontecimientos que rodearon la caída del comunismo en Europa del Este a principios de la década de 1990 y la recuperación de las libertades de la gente.
En “Ghost of a Chance”, Lifeson toca una guitarra PRS, y él mismo calificó su solo en la canción como uno de los mejores.
La letra se basa en las concesiones que uno hace en una relación para que funcione.
Peart estaba particularmente orgulloso de la letra, ya que había escrito una canción de amor que evitaba los clichés de las letras más típicas y sentimentales de las canciones de amor.
Lee comentó que, a pesar de lo divertido que fue componer "You Bet Your Life", fue la canción más difícil de grabar, en parte debido a la dificultad de lograr un equilibrio en el estribillo entre la voz y la melodía vocal.
También fue difícil de mezclar, y Lee "nunca estuvo seguro de que lo hubiéramos conseguido del todo".
“Roll the Bones” se lanzó el 3 de septiembre de 1991.
Marcó un regreso al éxito comercial para la banda, alcanzando el Nº 3 en los EE. UU., su álbum más alto en las listas desde “Moving Pictures” (1981).
También alcanzó el Nº 10 en el Reino Unido y el Nº 11 en Canadá.
"Dreamline" alcanzó el Nº 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks de EE. UU.
En 1992, "Where's My Thing? (Part IV, "Gangster of Boats" Trilogy)" se convirtió en la segunda canción de Rush en ser nominada a un premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de rock.
La canción perdió ante "Cliffs of Dover" de Eric Johnson, quien abrió para Rush en la etapa de 1991 de la gira “Roll the Bones”.
Rush realizó una gira con el álbum entre octubre de 1991 y julio de 1992, recorriendo Canadá, Estados Unidos, Europa continental y el Reino Unido.
Dado que la experiencia de grabar el álbum fue productiva y positiva, estaban deseosos de salir de gira y promocionarlo, y la gira fue más larga que la de “Presto”.
Chuck Eddy, de Entertainment Weekly, opinó que el álbum exploraba nuevos territorios, señalando que sus "habituales guiños melódicos al metal de MTV y a las salas de conciertos del siglo XIX" ahora tenían "guiños rítmicos a los videojuegos de Nintendo y a África Occidental".
Eddy también destacó el rap en la canción que da título al álbum, concluyendo: "Por una vez, estos tipos parecen estar actuando de forma ridícula a propósito".
En reseñas retrospectivas, Eduardo Rivadavia de AllMusic calificó a “Roll the Bones” como "posiblemente el álbum más oscuro de Rush" en cuanto a letras, citando "Dreamline" como una de las mejores canciones de la banda de los 90.
Añadió que, "aunque su temática negativa puede resultar asfixiante a veces, temas excelentes como 'Bravado', 'The Big Wheel' y 'Heresy' presentan melodías y arreglos maravillosos".
Ultimate Classic Rock incluyó “Roll the Bones” en su lista de "Los 100 mejores álbumes de rock de los 90".
También lo clasificaron como el noveno (de 19) mejor álbum de Rush, con Dave Swanson escribiendo: "aunque los sintetizadores siguen sonando estridentes y algunos de los experimentos van demasiado lejos (eh, sí, es Geddy Lee quien rapea en la canción que da título al álbum), la composición es estupenda".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 24
Geddy Lee (Sexta parte)
La transición de los sintetizadores a una instrumentación más orientada a la guitarra y orgánica continuó con “Counterparts” (1993)
“Counterparts” es el decimoquinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 18 de octubre de 1993 en el Reino Unido y el 19 de octubre en todo el mundo, a través de Anthem Records.
En junio de 1992, la banda terminó su gira “Roll the Bones Tour” en apoyo de “Roll the Bones” (1991).
Antes de que el grupo comenzara a trabajar en el álbum, establecieron informalmente algunos objetivos que querían lograr con él a partir de conversaciones durante la gira “Roll the Bones Tour”.
Acordaron lograr "un sentido de equilibrio entre espontaneidad y refinamiento [...] y tal vez trabajar en un enfoque más orgánico de las canciones".
El grupo coincidió en que la banda de rock Primus, que abrió para ellos en la gira “Roll the Bones Tour”, y Pearl Jam los influyeron para perfeccionar aún más su sonido.
Al igual que con sus dos álbumes de estudio anteriores, Rush se retiró a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para escribir y ensayar material nuevo durante la semana, regresando a casa los fines de semana para ver a sus familias.
Adoptaron su práctica habitual de que Lee y Lifeson trabajaran en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Permanecieron en Chalet durante aproximadamente dos meses, y ensayaron lo suficiente como para poder concentrarse en obtener un sonido satisfactorio y una interpretación espontánea para sus respectivas partes.
Lee y Lifeson plasmaron sus ideas utilizando una grabadora de cinta de audio digital Alesis de ocho pistas con el software Cubase Audio.
El grupo enfrentó muchos problemas técnicos que retrasaron el proceso de composición hasta el punto de que Peart tuvo poco tiempo para arreglar sus partes, pero como recordó Lee: "Pasó por un período de ensayos masivo; trabaja tremendamente duro y es increíble presenciarlo".
“Counterparts” marca la continuación de la transición de la banda desde los sintetizadores de vuelta a la música orientada a la guitarra que había comenzado en “Presto” (1989).
Lifeson dijo que esta fue la primera vez desde “Moving Pictures” (1981) que hubo una decisión consciente de que la guitarra tomara un papel predominante, lo que resultó en un álbum más satisfactorio para él.
Las sesiones de composición se vieron acompañadas de una creciente tensión entre Lee y Lifeson, asuntos que comenzaron en la gira “Roll the Bones” debido a diferencias musicales.
Lifeson le había pedido constantemente a Lee que no usara ningún teclado para el álbum, pero Lee los llevó al estudio, lo que creó "una atmósfera inmediata".
Lee sostuvo que los teclados se usaron en “Roll the Bones” simplemente para embellecer las canciones y deseaba usarlos de la misma manera para “Counterparts”.
"Pero Alex estaba dando por sentado que yo quería teclados por todas partes. Fue una situación muy volátil".
Lifeson dijo que los dos tuvieron "mayores altibajos emocionales" durante la etapa de composición que en cualquier otro álbum anterior de Rush y culpó en parte a varias "presiones externas" personales que no estaban relacionadas con la vida personal de ninguno de los dos.
A la hora de escribir las letras, Peart no tenía un hilo conductor entre las canciones, como sí lo tenía en “Roll the Bones”, sino que ideó “una selección de temas individuales que no relacionaba realmente en ese momento”.
Entre los temas que consideró se encontraban las diferencias de género, el principio del ánima y el animus propuesto por el psicólogo Carl Jung, y lo bueno y lo malo del heroísmo.
Peart señaló que la dualidad se convirtió en el único tema unificador e inspiró el título del álbum.
Lee recordó la dificultad que tuvo la banda para lograr más potencia en algunas canciones con el productor Rupert Hine en “Roll the Bones” en el estudio, pero que sí pudieron lograr en la gira, "y creo que eso se nos quedó grabado".
Esta combinación de música y estilo de producción se convirtió en un elemento en el que la banda quiso centrarse para “Counterparts” y, al hacerlo, quisieron trabajar con diferentes productores e ingenieros.
Inicialmente, hablaron con muchos productores jóvenes, pero pronto se dieron cuenta de que no tenían mucho que ganar con alguien que había trabajado en menos álbumes de los que el grupo había lanzado a lo largo de su carrera, y buscaron a alguien con experiencia.
Rush eligió al productor inglés Peter Collins, quien había coproducido “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987) con la banda.
Lee dijo que la banda había mantenido una buena relación con Collins y notó que había evolucionado como productor desde la última vez que trabajaron con él, incluyendo su trabajo con más bandas de rock estadounidenses.
"Tan pronto como hablamos supimos que sería genial [...] y él estuvo de acuerdo con la visión de lo que vimos; y sus comentarios, criticando los últimos discos, al menos en lo sonoro, estaban muy en línea con la dirección que queríamos tomar, y pensamos: '¡Bingo! Aquí está, esto es lo que necesitamos”.
Collins tenía en mente a diferentes ingenieros con quienes trabajar, por lo que se llevó a cabo una "laboriosa pero interesante búsqueda" para encontrar a alguien adecuado que implicó escuchar cintas de artistas de todo el mundo.
Al final, eligieron a Kevin "The Caveman" Shirley para la grabación; Lee dijo que fue por su sonido "crudo" y "natural", que requería un uso mínimo de reverberación, lo cual fue difícil para la banda acostumbrarse al principio.
Para la mezcla, la banda empleó al ingeniero australiano Michael Letho.
El álbum se grabó de abril a junio de 1993 en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Pathé en Toronto.
Las demos de 8 pistas se transfirieron a la grabadora de 24 pistas del estudio y se convirtieron en pistas guía para que la banda las siguiera y regrabara sus partes.
Lifeson grabó sus partes en cinta analógica; el resto se grabó digitalmente y como Peart tenía menos tiempo para grabar sus partes, grabó 11 pistas en tres días.
Lifeson dijo que Shirley adoptó una forma "muy directa" de grabar los instrumentos para capturar la menor resistencia posible de los micrófonos a la máquina de cinta.
Aunque se exploraron varios efectos más adelante, Lifeson comentó sobre la simplicidad de la grabación: "Era solo cuestión de enchufar al amplificador y microfonearlo".
Se había resistido a la idea de grabar sus guitarras fuera de la sala de control del estudio durante los últimos 12 años, pero Shirley lo convenció de tocar en la sala de estudio.
Después de unos días, Lifeson disfrutó de la experiencia y quiso continuar grabando de esta manera: "Podías sentir la madera de la guitarra vibrando contra tu cuerpo, y era más susceptible a esa retroalimentación tan genial, y era tu propio pequeño mundo; era una pequeña evasión".
Lee usó su bajo Fender Jazz Bass de 1972 y Lifeson tocó modelos de guitarra Les Paul, Fender Telecaster y PRS. A menudo combinaba la Les Paul y la Telecaster, junto con guitarras acústicas, para crear un solo sonido.
Una vez terminado, el álbum fue masterizado por Bob Ludwig en Gateway Mastering en Portland, Maine.
El título del álbum se decidió después de que la música estuviera terminada.
Rush tuvo dificultades para seleccionar el orden de ejecución en “Counterparts”, en parte debido a que era más fácil separar el álbum con dos caras de un vinilo.
Para ayudar, Lifeson anotó cada pista en una pizarra magnética para que pudieran experimentar con el orden hasta que tuvieran uno con el que estuvieran satisfechos.
Lifeson dibujó una representación gráfica del estado de ánimo de cada pista, lo que les ayudó a seleccionar un orden que, según Lee, ayuda a "desconectarte del disco" ya que gran parte del álbum tenía un toque agresivo.
La banda había planeado lanzar el álbum antes, pero Lifeson dijo que eso habría significado comenzar la gira antes, pero ningún miembro estaba dispuesto a hacerlo.
En "Animate", Lee toca el bajo con un viejo amplificador que estaba en la basura del estudio y que fue reparado por uno de los asistentes técnicos.
Shirley quería que Lee tocara sus partes en "Animate" con él. "Sonaba genial, tenía muchísima energía, y todos los sonidos de explosión desaparecieron en la pista, así que no te das cuenta de que es un amplificador a punto de morir".
A Lee le gustó la cuenta atrás de Peart al principio de la pista porque muestra un "toque humano".
En cuanto a la letra, Peart escribió las palabras sobre una persona, pero las estructuró para que pareciera que se trataba de una relación, "casi una canción de amor".
Sin embargo, pensó que este tipo de letras de amor se habían convertido en un cliché durante la década de 1980, y recurrió a las obras de Jung y Camille Paglia para comprender "cómo se suponía que debía ser el hombre moderno".
Luego tomó el concepto de ánima y animus de Jung para escribir sobre un hombre que domina su lado más suave y femenino con agresión y ambición, rasgos masculinos más típicos.
Peart dijo que toca un "ritmo básico de R&B que tocaba en mis inicios, junto con ese efecto hipnótico" que usaban bandas como Curve y Lush.
"Stick It Out" surgió de un riff de guitarra que Lifeson había creado y que a Lee le había gustado, así que "lo alargaron un poco, le añadieron algunas cosas más y se convirtió en esa canción".
"Cut to the Chase" es una de las pocas canciones del álbum donde el solo de guitarra guía original de Lifeson en la cinta demo se usó en la toma final.
“Nobody's Hero” se inspiró en un amigo gay de Peart que trabajó con él durante su estancia en Londres y lo consideraba un modelo a seguir.
Para Peart, “me impidió ser homófobo” y, cuando se distanciaron geográficamente, se enteró de que su amigo había muerto de sida.
“Así que, ciertamente, su vida no fue en vano, pero su heroísmo se desarrolló en un ámbito muy reducido”.
Collins sugirió añadir una sección de cuerdas y eligió a Michael Kamen para orquestar y dirigir, por lo que Lee ideó algunas ideas orquestales que se incluyeron en el arreglo final.
"Between Sun & Moon" incluye letras coescritas por Peart y Pye Dubois, quienes también habían compartido créditos líricos para "Tom Sawyer" y "Force Ten".
Peart siempre había acogido con agrado la contribución de ideas de Dubois, ya que le gustaba su estilo de escritura.
"En este caso, fue una que nos gustó a todos por algunas de las imágenes de su presentación, así que volví a trabajar en ella, la moldeé en el tipo de estructura con la que nos gusta trabajar y luego le añadí algunas de mis propias imágenes y perspectivas. Y así fue".
La música se desarrolló a partir de una improvisación en la que Lifeson tocó un riff que Lee dijo que tenía un "sonido muy poco propio de Alex Lifeson", comparándolo con el estilo de The Rolling Stones.
Lifeson señaló que el puente musical antes de su solo de guitarra suena "muy a The Who", y mencionó a su guitarrista Pete Townshend y al guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, como influencias.
“Double Agent” fue uno de los últimos temas escritos para el álbum y Lee lo describió como “un ejercicio completo de autocomplacencia”.
Habiendo compuesto canciones con arreglos más complejos, Lee deseaba un cambio de ritmo y un tema donde la banda tuviera “un poco de rave”.
“Leave That Thing Alone” es una pieza instrumental que el grupo decidió hacer porque se divierten escribiéndolas, ya que las ideas les surgen rápidamente.
Lee y Lifeson aclararon que, a pesar de la conexión entre esta y la pieza instrumental “Where's My Thing?” de “Roll the Bones”, donde ambas tienen “Thing” en el título, no hay ningún otro vínculo entre las dos.
Lifeson calificó la melodía de la pista como particularmente fuerte.
"Cold Fire" pasó por varias reescrituras y Lee reconoció la ayuda de Collins para armar la canción, destacando las secciones más fuertes de las versiones anteriores.
Lee y Lifeson luego se familiarizaron con los versos que antes eran difíciles, lo que llevó a Lifeson a agregar sus partes con un sonido similar al de la guitarra de acero, a las que Lee pudo contribuir con armónicos.
Tras superar la dificultad, Lee consideró los versos como uno de los momentos más fuertes del álbum.
Antes de su lanzamiento, el álbum se estrenó durante un programa especial de radio presentado por Steve Warden en CILQ en Toronto el 14 de octubre de 1993.
Debutó en el puesto número 2 de la lista de álbumes de Billboard para la semana que terminó el 6 de noviembre de 1993; por otro álbum que debutaba en la lista, "Vs." de Pearl Jam, no alcanzó el primer puesto.
“Counterparts” obtuvo la certificación de oro en Estados Unidos en diciembre de 1993. El álbum obtuvo la certificación de oro en Canadá en 1994.
La banda apoyó “Counterparts” con una gira de cuatro meses limitada a Estados Unidos y Canadá.
Según se informó, las relaciones entre los miembros eran tensas, y tras la gira se tomaron un largo descanso, durante el cual Geddy Lee planeaba pasar tiempo con su creciente familia, mientras que cada miembro exploraba otros intereses creativos, como un álbum en solitario de Lifeson.
Este álbum fue bien recibido por los fans y la crítica, llegando al puesto número 2 de las listas (el primer álbum de Rush en lograrlo) y obteniendo el disco de oro en tan solo un mes, a pesar de ser rock progresivo durante el apogeo del grunge.
El álbum sí devolvió a la banda a un sonido rock más agresivo.
Retrospectivamente, se considera un álbum típico de Rush, con una composición e interpretación sólidas, pero con una escritura de canciones algo formulista y conservadora.
En Spotify, “Animate” y “Nobody's Hero” destacan por tener entre dos y tres veces más reproducciones que las siguientes canciones más reproducidas.
Progarchives lo considera su mejor álbum de la década de 1990.
“Counterparts” alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos, siendo uno de los dos álbumes de la banda con mejor posición en las listas del país, y el número 6 en Canadá.
El primer sencillo, "Stick It Out", fue número 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks durante cuatro semanas.
En 1994, el tema instrumental "Leave That Thing Alone" fue nominado a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock”.
“Counterparts” fue remasterizado en 2004 y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Test for Echo”, su decimosexto álbum de estudio, fue lanzado el 10 de septiembre de 1996 por Anthem Records y fue el último álbum de Rush coproducido por Peter Collins.
En mayo de 1994, Rush finalizó su gira “Counterparts Tour” por Estados Unidos y Canadá en apoyo del decimoquinto álbum de la banda, “Counterparts” (1993).
El grupo luego tomó un descanso habitual, pero este se extendió durante 18 meses, ya que el bajista y vocalista Geddy Lee quería estar en casa durante el primer año de vida de su hija.
Con su tiempo libre, el guitarrista Alex Lifeson grabó su primer álbum en solitario, “Victor”, y el baterista y letrista Neil Peart lanzó un álbum tributo a Buddy Rich, “Burning for Buddy”, y dedicó tiempo a perfeccionar su técnica, recibiendo instrucción formal del baterista de jazz Freddie Gruber.
En octubre de 1995, la banda decidió comenzar a trabajar en el siguiente álbum de Rush y, como con sus tres álbumes anteriores, se retiraron a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para componer y ensayar.
Habiendo estado juntos por más de 20 años en ese momento, Lifeson se preguntó si “Test for Echo” sería el último álbum de Rush y si harían una gira para promocionarlo.
Cambió de opinión cuando estuvo terminado, ya que el grupo ya estaba en conversaciones sobre el siguiente álbum y dijo: "Todavía tenemos mucho material dentro de nosotros".
Las primeras sesiones fueron difíciles para él, habiendo tenido las "mismas viejas" discusiones con Lee sobre qué dirección tomaría el nuevo álbum de Rush antes de componer.
"Una vez que exorcicé esos fantasmas, la semana siguiente escribimos cinco canciones. Nos sumergimos en ello y fue muy, muy positivo a partir de entonces".
La banda colocó lemas inspiradores en la pared del estudio, incluyendo "Individualmente somos unos imbéciles, juntos somos unos genios" y "Si quieres que algo salga bien, olvídalo".
Lee y Lifeson completaron casi seis canciones antes de presentarle su trabajo a Peart, ya que no querían interrumpir el flujo de su productiva composición.
Habían reservado el estudio durante unas diez semanas, pero las productivas sesiones hicieron que la composición terminara tres semanas antes.
Lifeson dijo que el grupo estuvo de muy buen humor durante toda la producción del álbum y lo atribuyó al descanso que se habían tomado.
La banda adoptó su método habitual: Lee y Lifeson trabajaban en la música, mientras que Peart se encargaba solo de las letras, pero la música se compuso de una manera diferente a la anterior.
Antes, Lee y Lifeson creaban las canciones combinando fragmentos musicales con versos y estribillos a medida que avanzaban, y los tres escuchaban lo que se había grabado e intercambiaban ideas para desarrollarlo aún más.
Esta vez, las letras se combinaban con secciones musicales adecuadas, luego se grababan y Lee y Lifeson trabajaban en otra cosa.
Como escribió Peart: "No querían estancarse en el 'rompecabezas' de armar canciones completas, sino mantener el impulso con un flujo constante de ideas frescas".
Después de elaborar una colección de canciones, el grupo comenzó a refinar sus partes individuales.
En noviembre de 1995, el grupo se enfrentó a una fuerte nevada en Chalet Studios, lo que dio paso a la ventisca norteamericana de 1996 a principios de enero. La nieve continuó durante la grabación del álbum, lo que inspiró la portada del mismo.
Casi todas las canciones fueron escritas, arregladas y grabadas en una cinta demo para diciembre de 1995, y la banda se unió entonces a Peter Collins, a quien eligieron para que retomara su papel como coproductor.
Collins fue su coproductor en “Power Windows” (1985), “Hold Your Fire” (1987) y “Counterparts” , y ofreció lo que Peart describió como "pequeñas pero cruciales mejoras" a lo que ya habían grabado.
El álbum continuó mostrando el cambio en el sonido del grupo, que había comenzado en “Presto” (1989), hacia una música orientada a la guitarra y la reducción de los teclados.
El álbum se grabó de enero a marzo de 1996 en Bearsville Studios en Bearsville, Nueva York.
El estudio fue elegido porque la banda quería capturar "más tamaño" de la batería de Peart y las instalaciones eran más adecuadas para su batería.
Se realizó una grabación adicional en Reaction Studios en Toronto, donde nevó durante 40 días consecutivos.
“Test for Echo” fue la primera vez que Rush trabajó con ingenieros y mezcladores estadounidenses, ya que antes solo habían trabajado con personal inglés o australiano.
Eligieron al ingeniero de grabación Clif Norrell, un fan de la banda desde hace mucho tiempo que una vez interpretó versiones de canciones de Rush en su propio grupo.
El álbum fue mezclado en abril de 1996 por Andy Wallace en McClear Place en Toronto.
El grupo tomó la decisión consciente de no entrar al estudio hasta que Wallace hubiera preparado una mezcla para que pudieran comentarla.
Lifeson dijo: “Escuchábamos versiones completamente diferentes de estas canciones con las que habíamos convivido durante seis o siete meses. [...] Había cosas en las que realmente no habríamos pensado, y ese era precisamente el objetivo de que él estuviera allí”.
Tras su lanzamiento, Lifeson consideró “Test for Echo” como uno de los mejores álbumes de Rush.
“Test for Echo” incluye contribuciones líricas de Pye Dubois, quien también había escrito letras para tres canciones de Rush anteriormente.
Lee dijo que las palabras reflejan la situación actual del grupo en ese momento.
Lifeson toca una guitarra Les Paul Custom y describió la canción como “puro Rush”.
"Driven" fue escrita completamente con el bajo de Lee y presenta tres pistas de bajo separadas.
Lifeson dijo que Peart tocó "un poco retrasado en el ritmo", lo que le dio a la canción un "carácter más pesado" y provocó que Lee y él ajustaran sus partes para que encajaran con su batería.
En “Half the World”, Lifeson toca una mandola de 10 cuerdas que había probado para familiarizarse con el instrumento, pero descubrió que cambiaba por completo la personalidad de la canción.
Se la presentó a Lee, quien expresó dudas iniciales debido a su textura inusual, pero terminó gustándole.
"Time and Motion" surgió de una letra escrita por Peart, tras lo cual Lee y Lifeson trabajaron en la música, la cual se desarrolló rápidamente.
Querían dramatizar la primera frase de la letra incorporando acordes mayores, pero Lee afirmó que una primera versión del tema se había compuesto años antes, pero nunca se utilizó.
Lee describió "Dog Years" como "un poco punk".
"Limbo" es una pieza instrumental que se compuso a partir de diferentes fragmentos de ideas que el grupo había esbozado pero que no se utilizaron.
Lifeson eligió "Resist" como una de sus canciones favoritas, y una de las mejores que Rush había grabado.
La portada muestra un inuksuk, originario de Canadá. Creado por los inuit, un inuksuk es una figura de piedra con forma humana que se utiliza para marcar un depósito de alimentos, un terreno de caza o el lugar donde alguien perdió la vida.
El álbum se estrenó en su totalidad durante un programa especial de radio sindicado de dos horas en WRCX en Chicago, el 5 de septiembre de 1996.
El crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, le dio a “Test for Echo” tres de cinco estrellas, diciendo que Rush Test "rara vez ha tocado mejor en los últimos diez años que en Test for Echo".
Rolling Stone argumentó que "los contornos pulidos de guitarra y sintetizador de for Echo son un alivio bienvenido del ruido insípido de celebridades del rock moderno como Dishwalla".
En un análisis retrospectivo, Geddy Lee afirmó en “Rush: An Oral History, Uncensored” que “Test for Echo” fue un "disco extraño", diciendo: "Test for Echo fue un disco extraño en cierto sentido. Realmente no tiene una dirección definida. Sentí que estábamos un poco agotados creativamente. Fue una época de baja creatividad para nosotros".
El tema principal alcanzó el número 1 en la lista de éxitos de rock convencional.
La canción "Driven" se convirtió en un escaparate para el bajo de Geddy Lee durante las presentaciones en vivo, mientras que "Resist" se reorquestó como una canción acústica en las giras “Vapor Trails” y “R30”.
La banda no interpretó ningún tema del álbum en giras posteriores.
“Test for Echo” fue remasterizado y reeditado dos veces: en 2004 como continuación del set "The Rush Remasters" y en 2013 como parte del box set “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Después de la conclusión de la gira “Test for Echo” en 1997, la banda entró en un receso de cinco años principalmente debido a tragedias personales en la vida de Peart.
La hija de Peart, Selena, murió en un accidente automovilístico en agosto de 1997, y su esposa Jacqueline murió de cáncer en junio de 1998. Peart se tomó un descanso para guardar luto y reflexionar.
Durante ese tiempo, viajó extensamente por Norteamérica en su motocicleta BMW, cubriendo 88.000 km.
En su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”, Peart escribe sobre cómo les dijo a sus compañeros de banda en el funeral de Selena: "consideren que estoy retirado".
Esto dejó el futuro de la banda en la incertidumbre, y Lee y Lifeson prepararon un álbum de archivo, “Different Stages”, para su lanzamiento durante el receso.
Mezclado por el productor Paul Northfield y masterizado por Terry Brown, es un álbum en vivo de tres discos que presenta actuaciones grabadas de las giras “Counterparts”, “Test For Echo” y “A Farewell to Kings” de la banda, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline.
El texto "De repente ... te fuiste ... de todas las vidas en las que dejaste tu huella. En memoria de Jackie y Selena" se incluye en el empaque del álbum.
La letra pertenece a la canción "Afterimage", del álbum “Grace Under Pressure” de Rush, de 1984.
La edición japonesa de “Different Stages” incluye "Force Ten" como tema extra y las letras de todas las canciones del álbum.
Las primeras ediciones contenían réplicas en miniatura de los libretos de las giras “A Farewell to Kings” y “Test for Echo”.
El concierto que aparece en el tercer disco se publicó en 2017 en su versión completa en la edición del 40 aniversario de “A Farewell to Kings”.
Después de un tiempo de duelo y recuperación, y mientras visitaba al fotógrafo de Rush Andrew MacNaughton en Los Ángeles, Peart conoció a su futura esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, y se casaron el 9 de septiembre de 2000.
En 2001, Peart decidió regresar a Rush.
En enero de 2001, Lee, Lifeson y Peart se reunieron para intentar reagrupar a la banda.
Según Peart, "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado para el proyecto".
Con la ayuda del productor Paul Northfield, la banda produjo setenta y cuatro minutos de música para su nuevo álbum “Vapor Trails”.
“Vapor Trails” es su decimoséptimo álbum de estudio. Fue lanzado el 14 de mayo de 2002, por Anthem Records, y fue su primer lanzamiento de estudio desde “Test for Echo” (1996), el intervalo más largo entre dos álbumes de Rush.
Por primera y única vez desde “Caress of Steel” (1975), Rush no usó ningún teclado ni sintetizador en su música; la banda incorporó muchas capas de guitarra, bajo y batería en su lugar.
El trío se reunió en Reaction Studios en Toronto el 9 de enero de 2001, pero no tocaron nada durante tres semanas. Discutieron sobre lo que querían lograr y cómo debía tomar forma el álbum.
Lifeson dijo que era para "hacerse una idea de la mentalidad de cada uno. Necesitábamos ver si todos estaban realmente dispuestos".
Lee y Lifeson dijeron que eligieron el estudio por su "ambiente amigable para los artistas, que era muy cómodo y acogedor".
Entre los temas discutidos estaba la dirección musical del álbum, que se convirtió en una fuente de dificultad ya que, inicialmente, había poco acuerdo sobre cuál debía ser.
Al llegar a un consenso, Lifeson dijo que los tres encontraron puntos en común "en todos los aspectos de la grabación".
La banda comenzó a trabajar, adoptando un horario de tres semanas de trabajo y una de descanso, sin nadie presente aparte de un asistente técnico.
El grupo tenía la esperanza de que aún existiera la química entre ellos para hacer un álbum.
Adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson trabajaban juntos en ideas musicales en la sala de control del estudio, mientras que Peart trabajaba en otro lugar en las letras, esta vez usando un bolígrafo, papel y una computadora.
Peart escribió sobre su actitud hacia las sesiones: "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado".
Peart revisó su cuaderno de notas y frases que había recopilado y exploró formas de conectarlas para formar una idea lírica completa.
Lee y Lifeson desarrollaron ideas principalmente a través de sesiones de improvisación que normalmente comenzaban estableciendo un patrón en una caja de ritmos y tocando al mismo tiempo, grabando cada sesión usando Logic Pro.
Esto era para evitar hacer una cinta demo de una colección de canciones y volver a grabarlas más tarde.
De esta forma, las primeras tomas se convirtieron en la base de las canciones, lo que mantuvo la música fresca utilizando tantas tomas originales como fuera posible.
Después de varias semanas, Peart presentó las ideas que había formado, pero Lee y Lifeson no habían escrito ninguna pieza musical concreta.
Peart recordó que aún no eran "serios" y que todavía querían tocar y explorar ideas, ya que revisar lo que habían grabado era un proceso tedioso y perturbaba su flujo creativo.
Peart había completado seis juegos de letras en ese momento, pero no estaba recibiendo comentarios de sus compañeros de banda como antes, así que hizo una pausa en las letras y se centró en su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”.
Los tres se sintieron insatisfechos con lo que habían creado y pensaron que era demasiado forzado, lo que los llevó a tomarse algunas semanas de descanso.
Lo hicieron y regresaron sintiéndose renovados y más concentrados, y pudieron trabajar en canciones completas, no solo en secciones.
Las canciones que surgieron de estas primeras improvisaciones fueron "Peaceable Kingdom", "Ceiling Unlimited" y "Nocturne", todas las cuales aún contienen algunas partes de las tomas originales, en su forma final.
Según Lifeson, ninguna pista fue regrabada por completo.
“Vapor Trails” es el primer álbum desde “Caress of Steel” (1975) que no incluye teclados.
Lifeson se había preocupado a menudo por la presencia de teclados en álbumes anteriores de Rush, pero esta vez Lee había accedido a no usarlos.
Por lo tanto, Lifeson dedicó más tiempo a diseñar partes de guitarra que fueran "más ricas en tonalidad y calidad armónica", adecuadas para las pistas de fondo.
También evitó los efectos de sonido en su guitarra, para lograr un sonido más crudo.
En ciertos momentos de la grabación de sus partes de batería, Peart se había visto influenciado por el baterista de The Who, Keith Moon, y tocó en su estilo de batería más lírica, en lugar de simplemente mantener el ritmo.
Después de tomar un descanso en junio de 2001, Rush comenzó a grabar sus nuevas canciones a mediados de agosto.
Inicialmente decidieron escribir 13 temas para el álbum y elegir los 10 u 11 mejores para la selección final, pero cuando llegó el momento acordaron incluirlos todos.
Se les unió el productor inglés Paul Northfield, quien había trabajado en varios álbumes anteriores de Rush y ayudó en el arreglo de algunos temas cuando el grupo se sentía estancado. La banda está acreditada como coproductora.
En diciembre de 2001, el grupo dejó los Reaction Studios y comenzó a mezclar el álbum en Metalworks Studios con David Leonard.
La mezcla se completó en marzo de 2002, después de lo cual se envió a Masterdisk en la ciudad de Nueva York para la masterización por Howie Weinberg.
Rush lo eligió porque le había gustado el sonido de los otros álbumes en los que Weinberg había trabajado.
La producción de "Vapor Trails" ha sido criticada tanto por la propia banda como por críticos y fans debido a la calidad de sonido "alta" del álbum.
Tiene niveles de audio excesivamente comprimidos (recortados) durante la masterización, lo que genera distorsión digital adicional durante la producción del CD.
Esta tendencia, conocida como la guerra del volumen, era muy común en la producción moderna de CD en ese momento.
Alex Lifeson declaró: “Era un concurso, y estaba masterizado demasiado alto, y crepita, y escupe, y simplemente lo aplasta todo. Se pierde toda la dinámica, especialmente en cualquier cosa que tuviera una guitarra acústica”.
Past Prime describió el álbum como "tan fuerte que hace vibrar los altavoces. Es un sonido creado a los pies de Tool y Korn. Y aunque 'Vapor Trails' nunca llega a ser nu metal puro, las guitarras son a veces estridentes, el bajo a veces suena como agua de bong y la distorsión es claramente agresiva".
Billboard publicó una reseña favorable.
“Vapor Trails” alcanzó el puesto número 3 en Canadá y el número 6 en Estados Unidos.
"One Little Victory" se lanzó como el primer sencillo del álbum en marzo de 2002 y llegó al número 10 en la lista Billboard Mainstream Rock en Estados Unidos.
El siguiente sencillo fue "Secret Touch".
El álbum obtuvo el disco de oro en Canadá en agosto de 2002.
La gira “Vapor Trails” se extendió desde junio hasta noviembre de 2002, durante la cual la banda tocó ante las mayores multitudes de su carrera en Brasil.
Tras la insatisfacción de la banda con la producción general del álbum, dos temas fueron remezclados para el álbum recopilatorio “Retrospective III: 1989–2008”.
La respuesta positiva a esto resultó en que David Bottrill remezclara todo el álbum “Vapor Trails” y lo lanzara el 30 de septiembre de 2013 como “Vapor Trails Remixed”, tanto como lanzamiento independiente como parte de “The Studio Albums 1989–2007”.
“Vapor Trails Remixed” fue lanzado por Atlantic Records y Rhino Entertainment el 30 de septiembre de 2013 y debutó en el puesto número 35 de la lista Billboard 200.
La banda no estaba satisfecha con la producción sonora general del álbum original.
Influenciados por la reacción positiva a las remezclas de "One Little Victory" y "Earthshine" incluidas en “Retrospective III” por Richard Chycki, Rush y Bottrill remezclaron el álbum completo.
En una entrevista con Modern Guitars, Lifeson comentó que, dado que las remezclas eran tan buenas, se había hablado de hacer una remezcla completa del álbum.
Un álbum y DVD en vivo, “Rush in Rio”, fue lanzado en octubre de 2003, que presenta la última presentación de la gira “Vapor Trails” de la banda el 23 de noviembre de 2002, en el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, Brasil.
Con la excepción de las dos últimas canciones del tercer disco, el álbum fue grabado en el Estadio Maracaná en la noche final de la gira “Vapor Trails Tour”.
Las otras dos canciones fueron tomadas de conciertos anteriores de la misma gira.
"Between Sun & Moon" fue grabado en el Cricket Wireless Pavilion, Phoenix, Arizona, el 27 de septiembre de 2002, y "Vital Signs" fue grabado en el Colisée Pepsi, Quebec, el 19 de octubre de 2002.
El DVD ha sido certificado 7 veces platino por la RIAA en los EE. UU., con más de 700.000 copias vendidas hasta septiembre de 2010.
La canción "O Baterista" fue nominada a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock” en 2005, pero perdió ante "Mrs. O'Leary's Cow" de Brian Wilson.
“Rush in Rio” fue el primer álbum en vivo de la banda que no siguió el patrón de lanzar un álbum en vivo después de cada cuatro álbumes de estudio; cada gira posterior contaría con un álbum en vivo.
También fue el primero en presentar una lista de canciones completa sin cambios en el orden (incluido el solo de batería de Neil Peart), y el primero en presentar una actuación de una sola noche en su totalidad (sin contar las dos pistas adicionales).
En una entrevista sobre el álbum y el DVD, Alex Lifeson y James "Jimbo" Barton señalaron que la mezcla del sonido requirió mucho tiempo debido a las dificultades técnicas para grabar el audio con equipos primitivos.
En este concierto, Rush tocó ante 40.000 personas, su segunda mayor asistencia en la gira “Vapor Trails” (la mayor fue de 60.000 personas en el concierto de la noche anterior en São Paulo).
En una rara excepción a la práctica habitual de la banda de recrear el sonido de sus grabaciones de estudio durante las presentaciones en vivo, la canción "Resist" (del disco 2) fue reinterpretada en una versión acústica minimalista con Lifeson y Geddy Lee, mientras que Peart no participó tras su solo de batería.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Geddy Lee (Sexta parte)
La transición de los sintetizadores a una instrumentación más orientada a la guitarra y orgánica continuó con “Counterparts” (1993)
“Counterparts” es el decimoquinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 18 de octubre de 1993 en el Reino Unido y el 19 de octubre en todo el mundo, a través de Anthem Records.
En junio de 1992, la banda terminó su gira “Roll the Bones Tour” en apoyo de “Roll the Bones” (1991).
Antes de que el grupo comenzara a trabajar en el álbum, establecieron informalmente algunos objetivos que querían lograr con él a partir de conversaciones durante la gira “Roll the Bones Tour”.
Acordaron lograr "un sentido de equilibrio entre espontaneidad y refinamiento [...] y tal vez trabajar en un enfoque más orgánico de las canciones".
El grupo coincidió en que la banda de rock Primus, que abrió para ellos en la gira “Roll the Bones Tour”, y Pearl Jam los influyeron para perfeccionar aún más su sonido.
Al igual que con sus dos álbumes de estudio anteriores, Rush se retiró a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para escribir y ensayar material nuevo durante la semana, regresando a casa los fines de semana para ver a sus familias.
Adoptaron su práctica habitual de que Lee y Lifeson trabajaran en la música mientras Peart trabajaba solo en las letras.
Permanecieron en Chalet durante aproximadamente dos meses, y ensayaron lo suficiente como para poder concentrarse en obtener un sonido satisfactorio y una interpretación espontánea para sus respectivas partes.
Lee y Lifeson plasmaron sus ideas utilizando una grabadora de cinta de audio digital Alesis de ocho pistas con el software Cubase Audio.
El grupo enfrentó muchos problemas técnicos que retrasaron el proceso de composición hasta el punto de que Peart tuvo poco tiempo para arreglar sus partes, pero como recordó Lee: "Pasó por un período de ensayos masivo; trabaja tremendamente duro y es increíble presenciarlo".
“Counterparts” marca la continuación de la transición de la banda desde los sintetizadores de vuelta a la música orientada a la guitarra que había comenzado en “Presto” (1989).
Lifeson dijo que esta fue la primera vez desde “Moving Pictures” (1981) que hubo una decisión consciente de que la guitarra tomara un papel predominante, lo que resultó en un álbum más satisfactorio para él.
Las sesiones de composición se vieron acompañadas de una creciente tensión entre Lee y Lifeson, asuntos que comenzaron en la gira “Roll the Bones” debido a diferencias musicales.
Lifeson le había pedido constantemente a Lee que no usara ningún teclado para el álbum, pero Lee los llevó al estudio, lo que creó "una atmósfera inmediata".
Lee sostuvo que los teclados se usaron en “Roll the Bones” simplemente para embellecer las canciones y deseaba usarlos de la misma manera para “Counterparts”.
"Pero Alex estaba dando por sentado que yo quería teclados por todas partes. Fue una situación muy volátil".
Lifeson dijo que los dos tuvieron "mayores altibajos emocionales" durante la etapa de composición que en cualquier otro álbum anterior de Rush y culpó en parte a varias "presiones externas" personales que no estaban relacionadas con la vida personal de ninguno de los dos.
A la hora de escribir las letras, Peart no tenía un hilo conductor entre las canciones, como sí lo tenía en “Roll the Bones”, sino que ideó “una selección de temas individuales que no relacionaba realmente en ese momento”.
Entre los temas que consideró se encontraban las diferencias de género, el principio del ánima y el animus propuesto por el psicólogo Carl Jung, y lo bueno y lo malo del heroísmo.
Peart señaló que la dualidad se convirtió en el único tema unificador e inspiró el título del álbum.
Lee recordó la dificultad que tuvo la banda para lograr más potencia en algunas canciones con el productor Rupert Hine en “Roll the Bones” en el estudio, pero que sí pudieron lograr en la gira, "y creo que eso se nos quedó grabado".
Esta combinación de música y estilo de producción se convirtió en un elemento en el que la banda quiso centrarse para “Counterparts” y, al hacerlo, quisieron trabajar con diferentes productores e ingenieros.
Inicialmente, hablaron con muchos productores jóvenes, pero pronto se dieron cuenta de que no tenían mucho que ganar con alguien que había trabajado en menos álbumes de los que el grupo había lanzado a lo largo de su carrera, y buscaron a alguien con experiencia.
Rush eligió al productor inglés Peter Collins, quien había coproducido “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987) con la banda.
Lee dijo que la banda había mantenido una buena relación con Collins y notó que había evolucionado como productor desde la última vez que trabajaron con él, incluyendo su trabajo con más bandas de rock estadounidenses.
"Tan pronto como hablamos supimos que sería genial [...] y él estuvo de acuerdo con la visión de lo que vimos; y sus comentarios, criticando los últimos discos, al menos en lo sonoro, estaban muy en línea con la dirección que queríamos tomar, y pensamos: '¡Bingo! Aquí está, esto es lo que necesitamos”.
Collins tenía en mente a diferentes ingenieros con quienes trabajar, por lo que se llevó a cabo una "laboriosa pero interesante búsqueda" para encontrar a alguien adecuado que implicó escuchar cintas de artistas de todo el mundo.
Al final, eligieron a Kevin "The Caveman" Shirley para la grabación; Lee dijo que fue por su sonido "crudo" y "natural", que requería un uso mínimo de reverberación, lo cual fue difícil para la banda acostumbrarse al principio.
Para la mezcla, la banda empleó al ingeniero australiano Michael Letho.
El álbum se grabó de abril a junio de 1993 en Le Studio en Morin-Heights, Quebec, y McClear Pathé en Toronto.
Las demos de 8 pistas se transfirieron a la grabadora de 24 pistas del estudio y se convirtieron en pistas guía para que la banda las siguiera y regrabara sus partes.
Lifeson grabó sus partes en cinta analógica; el resto se grabó digitalmente y como Peart tenía menos tiempo para grabar sus partes, grabó 11 pistas en tres días.
Lifeson dijo que Shirley adoptó una forma "muy directa" de grabar los instrumentos para capturar la menor resistencia posible de los micrófonos a la máquina de cinta.
Aunque se exploraron varios efectos más adelante, Lifeson comentó sobre la simplicidad de la grabación: "Era solo cuestión de enchufar al amplificador y microfonearlo".
Se había resistido a la idea de grabar sus guitarras fuera de la sala de control del estudio durante los últimos 12 años, pero Shirley lo convenció de tocar en la sala de estudio.
Después de unos días, Lifeson disfrutó de la experiencia y quiso continuar grabando de esta manera: "Podías sentir la madera de la guitarra vibrando contra tu cuerpo, y era más susceptible a esa retroalimentación tan genial, y era tu propio pequeño mundo; era una pequeña evasión".
Lee usó su bajo Fender Jazz Bass de 1972 y Lifeson tocó modelos de guitarra Les Paul, Fender Telecaster y PRS. A menudo combinaba la Les Paul y la Telecaster, junto con guitarras acústicas, para crear un solo sonido.
Una vez terminado, el álbum fue masterizado por Bob Ludwig en Gateway Mastering en Portland, Maine.
El título del álbum se decidió después de que la música estuviera terminada.
Rush tuvo dificultades para seleccionar el orden de ejecución en “Counterparts”, en parte debido a que era más fácil separar el álbum con dos caras de un vinilo.
Para ayudar, Lifeson anotó cada pista en una pizarra magnética para que pudieran experimentar con el orden hasta que tuvieran uno con el que estuvieran satisfechos.
Lifeson dibujó una representación gráfica del estado de ánimo de cada pista, lo que les ayudó a seleccionar un orden que, según Lee, ayuda a "desconectarte del disco" ya que gran parte del álbum tenía un toque agresivo.
La banda había planeado lanzar el álbum antes, pero Lifeson dijo que eso habría significado comenzar la gira antes, pero ningún miembro estaba dispuesto a hacerlo.
En "Animate", Lee toca el bajo con un viejo amplificador que estaba en la basura del estudio y que fue reparado por uno de los asistentes técnicos.
Shirley quería que Lee tocara sus partes en "Animate" con él. "Sonaba genial, tenía muchísima energía, y todos los sonidos de explosión desaparecieron en la pista, así que no te das cuenta de que es un amplificador a punto de morir".
A Lee le gustó la cuenta atrás de Peart al principio de la pista porque muestra un "toque humano".
En cuanto a la letra, Peart escribió las palabras sobre una persona, pero las estructuró para que pareciera que se trataba de una relación, "casi una canción de amor".
Sin embargo, pensó que este tipo de letras de amor se habían convertido en un cliché durante la década de 1980, y recurrió a las obras de Jung y Camille Paglia para comprender "cómo se suponía que debía ser el hombre moderno".
Luego tomó el concepto de ánima y animus de Jung para escribir sobre un hombre que domina su lado más suave y femenino con agresión y ambición, rasgos masculinos más típicos.
Peart dijo que toca un "ritmo básico de R&B que tocaba en mis inicios, junto con ese efecto hipnótico" que usaban bandas como Curve y Lush.
"Stick It Out" surgió de un riff de guitarra que Lifeson había creado y que a Lee le había gustado, así que "lo alargaron un poco, le añadieron algunas cosas más y se convirtió en esa canción".
"Cut to the Chase" es una de las pocas canciones del álbum donde el solo de guitarra guía original de Lifeson en la cinta demo se usó en la toma final.
“Nobody's Hero” se inspiró en un amigo gay de Peart que trabajó con él durante su estancia en Londres y lo consideraba un modelo a seguir.
Para Peart, “me impidió ser homófobo” y, cuando se distanciaron geográficamente, se enteró de que su amigo había muerto de sida.
“Así que, ciertamente, su vida no fue en vano, pero su heroísmo se desarrolló en un ámbito muy reducido”.
Collins sugirió añadir una sección de cuerdas y eligió a Michael Kamen para orquestar y dirigir, por lo que Lee ideó algunas ideas orquestales que se incluyeron en el arreglo final.
"Between Sun & Moon" incluye letras coescritas por Peart y Pye Dubois, quienes también habían compartido créditos líricos para "Tom Sawyer" y "Force Ten".
Peart siempre había acogido con agrado la contribución de ideas de Dubois, ya que le gustaba su estilo de escritura.
"En este caso, fue una que nos gustó a todos por algunas de las imágenes de su presentación, así que volví a trabajar en ella, la moldeé en el tipo de estructura con la que nos gusta trabajar y luego le añadí algunas de mis propias imágenes y perspectivas. Y así fue".
La música se desarrolló a partir de una improvisación en la que Lifeson tocó un riff que Lee dijo que tenía un "sonido muy poco propio de Alex Lifeson", comparándolo con el estilo de The Rolling Stones.
Lifeson señaló que el puente musical antes de su solo de guitarra suena "muy a The Who", y mencionó a su guitarrista Pete Townshend y al guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, como influencias.
“Double Agent” fue uno de los últimos temas escritos para el álbum y Lee lo describió como “un ejercicio completo de autocomplacencia”.
Habiendo compuesto canciones con arreglos más complejos, Lee deseaba un cambio de ritmo y un tema donde la banda tuviera “un poco de rave”.
“Leave That Thing Alone” es una pieza instrumental que el grupo decidió hacer porque se divierten escribiéndolas, ya que las ideas les surgen rápidamente.
Lee y Lifeson aclararon que, a pesar de la conexión entre esta y la pieza instrumental “Where's My Thing?” de “Roll the Bones”, donde ambas tienen “Thing” en el título, no hay ningún otro vínculo entre las dos.
Lifeson calificó la melodía de la pista como particularmente fuerte.
"Cold Fire" pasó por varias reescrituras y Lee reconoció la ayuda de Collins para armar la canción, destacando las secciones más fuertes de las versiones anteriores.
Lee y Lifeson luego se familiarizaron con los versos que antes eran difíciles, lo que llevó a Lifeson a agregar sus partes con un sonido similar al de la guitarra de acero, a las que Lee pudo contribuir con armónicos.
Tras superar la dificultad, Lee consideró los versos como uno de los momentos más fuertes del álbum.
Antes de su lanzamiento, el álbum se estrenó durante un programa especial de radio presentado por Steve Warden en CILQ en Toronto el 14 de octubre de 1993.
Debutó en el puesto número 2 de la lista de álbumes de Billboard para la semana que terminó el 6 de noviembre de 1993; por otro álbum que debutaba en la lista, "Vs." de Pearl Jam, no alcanzó el primer puesto.
“Counterparts” obtuvo la certificación de oro en Estados Unidos en diciembre de 1993. El álbum obtuvo la certificación de oro en Canadá en 1994.
La banda apoyó “Counterparts” con una gira de cuatro meses limitada a Estados Unidos y Canadá.
Según se informó, las relaciones entre los miembros eran tensas, y tras la gira se tomaron un largo descanso, durante el cual Geddy Lee planeaba pasar tiempo con su creciente familia, mientras que cada miembro exploraba otros intereses creativos, como un álbum en solitario de Lifeson.
Este álbum fue bien recibido por los fans y la crítica, llegando al puesto número 2 de las listas (el primer álbum de Rush en lograrlo) y obteniendo el disco de oro en tan solo un mes, a pesar de ser rock progresivo durante el apogeo del grunge.
El álbum sí devolvió a la banda a un sonido rock más agresivo.
Retrospectivamente, se considera un álbum típico de Rush, con una composición e interpretación sólidas, pero con una escritura de canciones algo formulista y conservadora.
En Spotify, “Animate” y “Nobody's Hero” destacan por tener entre dos y tres veces más reproducciones que las siguientes canciones más reproducidas.
Progarchives lo considera su mejor álbum de la década de 1990.
“Counterparts” alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos, siendo uno de los dos álbumes de la banda con mejor posición en las listas del país, y el número 6 en Canadá.
El primer sencillo, "Stick It Out", fue número 1 en la lista Billboard Album Rock Tracks durante cuatro semanas.
En 1994, el tema instrumental "Leave That Thing Alone" fue nominado a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock”.
“Counterparts” fue remasterizado en 2004 y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road tras una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
“Test for Echo”, su decimosexto álbum de estudio, fue lanzado el 10 de septiembre de 1996 por Anthem Records y fue el último álbum de Rush coproducido por Peter Collins.
En mayo de 1994, Rush finalizó su gira “Counterparts Tour” por Estados Unidos y Canadá en apoyo del decimoquinto álbum de la banda, “Counterparts” (1993).
El grupo luego tomó un descanso habitual, pero este se extendió durante 18 meses, ya que el bajista y vocalista Geddy Lee quería estar en casa durante el primer año de vida de su hija.
Con su tiempo libre, el guitarrista Alex Lifeson grabó su primer álbum en solitario, “Victor”, y el baterista y letrista Neil Peart lanzó un álbum tributo a Buddy Rich, “Burning for Buddy”, y dedicó tiempo a perfeccionar su técnica, recibiendo instrucción formal del baterista de jazz Freddie Gruber.
En octubre de 1995, la banda decidió comenzar a trabajar en el siguiente álbum de Rush y, como con sus tres álbumes anteriores, se retiraron a Chalet Studios en Claremont, Ontario, para componer y ensayar.
Habiendo estado juntos por más de 20 años en ese momento, Lifeson se preguntó si “Test for Echo” sería el último álbum de Rush y si harían una gira para promocionarlo.
Cambió de opinión cuando estuvo terminado, ya que el grupo ya estaba en conversaciones sobre el siguiente álbum y dijo: "Todavía tenemos mucho material dentro de nosotros".
Las primeras sesiones fueron difíciles para él, habiendo tenido las "mismas viejas" discusiones con Lee sobre qué dirección tomaría el nuevo álbum de Rush antes de componer.
"Una vez que exorcicé esos fantasmas, la semana siguiente escribimos cinco canciones. Nos sumergimos en ello y fue muy, muy positivo a partir de entonces".
La banda colocó lemas inspiradores en la pared del estudio, incluyendo "Individualmente somos unos imbéciles, juntos somos unos genios" y "Si quieres que algo salga bien, olvídalo".
Lee y Lifeson completaron casi seis canciones antes de presentarle su trabajo a Peart, ya que no querían interrumpir el flujo de su productiva composición.
Habían reservado el estudio durante unas diez semanas, pero las productivas sesiones hicieron que la composición terminara tres semanas antes.
Lifeson dijo que el grupo estuvo de muy buen humor durante toda la producción del álbum y lo atribuyó al descanso que se habían tomado.
La banda adoptó su método habitual: Lee y Lifeson trabajaban en la música, mientras que Peart se encargaba solo de las letras, pero la música se compuso de una manera diferente a la anterior.
Antes, Lee y Lifeson creaban las canciones combinando fragmentos musicales con versos y estribillos a medida que avanzaban, y los tres escuchaban lo que se había grabado e intercambiaban ideas para desarrollarlo aún más.
Esta vez, las letras se combinaban con secciones musicales adecuadas, luego se grababan y Lee y Lifeson trabajaban en otra cosa.
Como escribió Peart: "No querían estancarse en el 'rompecabezas' de armar canciones completas, sino mantener el impulso con un flujo constante de ideas frescas".
Después de elaborar una colección de canciones, el grupo comenzó a refinar sus partes individuales.
En noviembre de 1995, el grupo se enfrentó a una fuerte nevada en Chalet Studios, lo que dio paso a la ventisca norteamericana de 1996 a principios de enero. La nieve continuó durante la grabación del álbum, lo que inspiró la portada del mismo.
Casi todas las canciones fueron escritas, arregladas y grabadas en una cinta demo para diciembre de 1995, y la banda se unió entonces a Peter Collins, a quien eligieron para que retomara su papel como coproductor.
Collins fue su coproductor en “Power Windows” (1985), “Hold Your Fire” (1987) y “Counterparts” , y ofreció lo que Peart describió como "pequeñas pero cruciales mejoras" a lo que ya habían grabado.
El álbum continuó mostrando el cambio en el sonido del grupo, que había comenzado en “Presto” (1989), hacia una música orientada a la guitarra y la reducción de los teclados.
El álbum se grabó de enero a marzo de 1996 en Bearsville Studios en Bearsville, Nueva York.
El estudio fue elegido porque la banda quería capturar "más tamaño" de la batería de Peart y las instalaciones eran más adecuadas para su batería.
Se realizó una grabación adicional en Reaction Studios en Toronto, donde nevó durante 40 días consecutivos.
“Test for Echo” fue la primera vez que Rush trabajó con ingenieros y mezcladores estadounidenses, ya que antes solo habían trabajado con personal inglés o australiano.
Eligieron al ingeniero de grabación Clif Norrell, un fan de la banda desde hace mucho tiempo que una vez interpretó versiones de canciones de Rush en su propio grupo.
El álbum fue mezclado en abril de 1996 por Andy Wallace en McClear Place en Toronto.
El grupo tomó la decisión consciente de no entrar al estudio hasta que Wallace hubiera preparado una mezcla para que pudieran comentarla.
Lifeson dijo: “Escuchábamos versiones completamente diferentes de estas canciones con las que habíamos convivido durante seis o siete meses. [...] Había cosas en las que realmente no habríamos pensado, y ese era precisamente el objetivo de que él estuviera allí”.
Tras su lanzamiento, Lifeson consideró “Test for Echo” como uno de los mejores álbumes de Rush.
“Test for Echo” incluye contribuciones líricas de Pye Dubois, quien también había escrito letras para tres canciones de Rush anteriormente.
Lee dijo que las palabras reflejan la situación actual del grupo en ese momento.
Lifeson toca una guitarra Les Paul Custom y describió la canción como “puro Rush”.
"Driven" fue escrita completamente con el bajo de Lee y presenta tres pistas de bajo separadas.
Lifeson dijo que Peart tocó "un poco retrasado en el ritmo", lo que le dio a la canción un "carácter más pesado" y provocó que Lee y él ajustaran sus partes para que encajaran con su batería.
En “Half the World”, Lifeson toca una mandola de 10 cuerdas que había probado para familiarizarse con el instrumento, pero descubrió que cambiaba por completo la personalidad de la canción.
Se la presentó a Lee, quien expresó dudas iniciales debido a su textura inusual, pero terminó gustándole.
"Time and Motion" surgió de una letra escrita por Peart, tras lo cual Lee y Lifeson trabajaron en la música, la cual se desarrolló rápidamente.
Querían dramatizar la primera frase de la letra incorporando acordes mayores, pero Lee afirmó que una primera versión del tema se había compuesto años antes, pero nunca se utilizó.
Lee describió "Dog Years" como "un poco punk".
"Limbo" es una pieza instrumental que se compuso a partir de diferentes fragmentos de ideas que el grupo había esbozado pero que no se utilizaron.
Lifeson eligió "Resist" como una de sus canciones favoritas, y una de las mejores que Rush había grabado.
La portada muestra un inuksuk, originario de Canadá. Creado por los inuit, un inuksuk es una figura de piedra con forma humana que se utiliza para marcar un depósito de alimentos, un terreno de caza o el lugar donde alguien perdió la vida.
El álbum se estrenó en su totalidad durante un programa especial de radio sindicado de dos horas en WRCX en Chicago, el 5 de septiembre de 1996.
El crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, le dio a “Test for Echo” tres de cinco estrellas, diciendo que Rush Test "rara vez ha tocado mejor en los últimos diez años que en Test for Echo".
Rolling Stone argumentó que "los contornos pulidos de guitarra y sintetizador de for Echo son un alivio bienvenido del ruido insípido de celebridades del rock moderno como Dishwalla".
En un análisis retrospectivo, Geddy Lee afirmó en “Rush: An Oral History, Uncensored” que “Test for Echo” fue un "disco extraño", diciendo: "Test for Echo fue un disco extraño en cierto sentido. Realmente no tiene una dirección definida. Sentí que estábamos un poco agotados creativamente. Fue una época de baja creatividad para nosotros".
El tema principal alcanzó el número 1 en la lista de éxitos de rock convencional.
La canción "Driven" se convirtió en un escaparate para el bajo de Geddy Lee durante las presentaciones en vivo, mientras que "Resist" se reorquestó como una canción acústica en las giras “Vapor Trails” y “R30”.
La banda no interpretó ningún tema del álbum en giras posteriores.
“Test for Echo” fue remasterizado y reeditado dos veces: en 2004 como continuación del set "The Rush Remasters" y en 2013 como parte del box set “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2015, fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en Abbey Road Studios luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
Después de la conclusión de la gira “Test for Echo” en 1997, la banda entró en un receso de cinco años principalmente debido a tragedias personales en la vida de Peart.
La hija de Peart, Selena, murió en un accidente automovilístico en agosto de 1997, y su esposa Jacqueline murió de cáncer en junio de 1998. Peart se tomó un descanso para guardar luto y reflexionar.
Durante ese tiempo, viajó extensamente por Norteamérica en su motocicleta BMW, cubriendo 88.000 km.
En su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”, Peart escribe sobre cómo les dijo a sus compañeros de banda en el funeral de Selena: "consideren que estoy retirado".
Esto dejó el futuro de la banda en la incertidumbre, y Lee y Lifeson prepararon un álbum de archivo, “Different Stages”, para su lanzamiento durante el receso.
Mezclado por el productor Paul Northfield y masterizado por Terry Brown, es un álbum en vivo de tres discos que presenta actuaciones grabadas de las giras “Counterparts”, “Test For Echo” y “A Farewell to Kings” de la banda, dedicado a la memoria de Selena y Jacqueline.
El texto "De repente ... te fuiste ... de todas las vidas en las que dejaste tu huella. En memoria de Jackie y Selena" se incluye en el empaque del álbum.
La letra pertenece a la canción "Afterimage", del álbum “Grace Under Pressure” de Rush, de 1984.
La edición japonesa de “Different Stages” incluye "Force Ten" como tema extra y las letras de todas las canciones del álbum.
Las primeras ediciones contenían réplicas en miniatura de los libretos de las giras “A Farewell to Kings” y “Test for Echo”.
El concierto que aparece en el tercer disco se publicó en 2017 en su versión completa en la edición del 40 aniversario de “A Farewell to Kings”.
Después de un tiempo de duelo y recuperación, y mientras visitaba al fotógrafo de Rush Andrew MacNaughton en Los Ángeles, Peart conoció a su futura esposa, la fotógrafa Carrie Nuttall, y se casaron el 9 de septiembre de 2000.
En 2001, Peart decidió regresar a Rush.
En enero de 2001, Lee, Lifeson y Peart se reunieron para intentar reagrupar a la banda.
Según Peart, "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado para el proyecto".
Con la ayuda del productor Paul Northfield, la banda produjo setenta y cuatro minutos de música para su nuevo álbum “Vapor Trails”.
“Vapor Trails” es su decimoséptimo álbum de estudio. Fue lanzado el 14 de mayo de 2002, por Anthem Records, y fue su primer lanzamiento de estudio desde “Test for Echo” (1996), el intervalo más largo entre dos álbumes de Rush.
Por primera y única vez desde “Caress of Steel” (1975), Rush no usó ningún teclado ni sintetizador en su música; la banda incorporó muchas capas de guitarra, bajo y batería en su lugar.
El trío se reunió en Reaction Studios en Toronto el 9 de enero de 2001, pero no tocaron nada durante tres semanas. Discutieron sobre lo que querían lograr y cómo debía tomar forma el álbum.
Lifeson dijo que era para "hacerse una idea de la mentalidad de cada uno. Necesitábamos ver si todos estaban realmente dispuestos".
Lee y Lifeson dijeron que eligieron el estudio por su "ambiente amigable para los artistas, que era muy cómodo y acogedor".
Entre los temas discutidos estaba la dirección musical del álbum, que se convirtió en una fuente de dificultad ya que, inicialmente, había poco acuerdo sobre cuál debía ser.
Al llegar a un consenso, Lifeson dijo que los tres encontraron puntos en común "en todos los aspectos de la grabación".
La banda comenzó a trabajar, adoptando un horario de tres semanas de trabajo y una de descanso, sin nadie presente aparte de un asistente técnico.
El grupo tenía la esperanza de que aún existiera la química entre ellos para hacer un álbum.
Adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson trabajaban juntos en ideas musicales en la sala de control del estudio, mientras que Peart trabajaba en otro lugar en las letras, esta vez usando un bolígrafo, papel y una computadora.
Peart escribió sobre su actitud hacia las sesiones: "No establecimos parámetros, ni objetivos, ni limitaciones, solo que adoptaríamos un enfoque relajado y civilizado".
Peart revisó su cuaderno de notas y frases que había recopilado y exploró formas de conectarlas para formar una idea lírica completa.
Lee y Lifeson desarrollaron ideas principalmente a través de sesiones de improvisación que normalmente comenzaban estableciendo un patrón en una caja de ritmos y tocando al mismo tiempo, grabando cada sesión usando Logic Pro.
Esto era para evitar hacer una cinta demo de una colección de canciones y volver a grabarlas más tarde.
De esta forma, las primeras tomas se convirtieron en la base de las canciones, lo que mantuvo la música fresca utilizando tantas tomas originales como fuera posible.
Después de varias semanas, Peart presentó las ideas que había formado, pero Lee y Lifeson no habían escrito ninguna pieza musical concreta.
Peart recordó que aún no eran "serios" y que todavía querían tocar y explorar ideas, ya que revisar lo que habían grabado era un proceso tedioso y perturbaba su flujo creativo.
Peart había completado seis juegos de letras en ese momento, pero no estaba recibiendo comentarios de sus compañeros de banda como antes, así que hizo una pausa en las letras y se centró en su libro “Ghost Rider: Travels on the Healing Road”.
Los tres se sintieron insatisfechos con lo que habían creado y pensaron que era demasiado forzado, lo que los llevó a tomarse algunas semanas de descanso.
Lo hicieron y regresaron sintiéndose renovados y más concentrados, y pudieron trabajar en canciones completas, no solo en secciones.
Las canciones que surgieron de estas primeras improvisaciones fueron "Peaceable Kingdom", "Ceiling Unlimited" y "Nocturne", todas las cuales aún contienen algunas partes de las tomas originales, en su forma final.
Según Lifeson, ninguna pista fue regrabada por completo.
“Vapor Trails” es el primer álbum desde “Caress of Steel” (1975) que no incluye teclados.
Lifeson se había preocupado a menudo por la presencia de teclados en álbumes anteriores de Rush, pero esta vez Lee había accedido a no usarlos.
Por lo tanto, Lifeson dedicó más tiempo a diseñar partes de guitarra que fueran "más ricas en tonalidad y calidad armónica", adecuadas para las pistas de fondo.
También evitó los efectos de sonido en su guitarra, para lograr un sonido más crudo.
En ciertos momentos de la grabación de sus partes de batería, Peart se había visto influenciado por el baterista de The Who, Keith Moon, y tocó en su estilo de batería más lírica, en lugar de simplemente mantener el ritmo.
Después de tomar un descanso en junio de 2001, Rush comenzó a grabar sus nuevas canciones a mediados de agosto.
Inicialmente decidieron escribir 13 temas para el álbum y elegir los 10 u 11 mejores para la selección final, pero cuando llegó el momento acordaron incluirlos todos.
Se les unió el productor inglés Paul Northfield, quien había trabajado en varios álbumes anteriores de Rush y ayudó en el arreglo de algunos temas cuando el grupo se sentía estancado. La banda está acreditada como coproductora.
En diciembre de 2001, el grupo dejó los Reaction Studios y comenzó a mezclar el álbum en Metalworks Studios con David Leonard.
La mezcla se completó en marzo de 2002, después de lo cual se envió a Masterdisk en la ciudad de Nueva York para la masterización por Howie Weinberg.
Rush lo eligió porque le había gustado el sonido de los otros álbumes en los que Weinberg había trabajado.
La producción de "Vapor Trails" ha sido criticada tanto por la propia banda como por críticos y fans debido a la calidad de sonido "alta" del álbum.
Tiene niveles de audio excesivamente comprimidos (recortados) durante la masterización, lo que genera distorsión digital adicional durante la producción del CD.
Esta tendencia, conocida como la guerra del volumen, era muy común en la producción moderna de CD en ese momento.
Alex Lifeson declaró: “Era un concurso, y estaba masterizado demasiado alto, y crepita, y escupe, y simplemente lo aplasta todo. Se pierde toda la dinámica, especialmente en cualquier cosa que tuviera una guitarra acústica”.
Past Prime describió el álbum como "tan fuerte que hace vibrar los altavoces. Es un sonido creado a los pies de Tool y Korn. Y aunque 'Vapor Trails' nunca llega a ser nu metal puro, las guitarras son a veces estridentes, el bajo a veces suena como agua de bong y la distorsión es claramente agresiva".
Billboard publicó una reseña favorable.
“Vapor Trails” alcanzó el puesto número 3 en Canadá y el número 6 en Estados Unidos.
"One Little Victory" se lanzó como el primer sencillo del álbum en marzo de 2002 y llegó al número 10 en la lista Billboard Mainstream Rock en Estados Unidos.
El siguiente sencillo fue "Secret Touch".
El álbum obtuvo el disco de oro en Canadá en agosto de 2002.
La gira “Vapor Trails” se extendió desde junio hasta noviembre de 2002, durante la cual la banda tocó ante las mayores multitudes de su carrera en Brasil.
Tras la insatisfacción de la banda con la producción general del álbum, dos temas fueron remezclados para el álbum recopilatorio “Retrospective III: 1989–2008”.
La respuesta positiva a esto resultó en que David Bottrill remezclara todo el álbum “Vapor Trails” y lo lanzara el 30 de septiembre de 2013 como “Vapor Trails Remixed”, tanto como lanzamiento independiente como parte de “The Studio Albums 1989–2007”.
“Vapor Trails Remixed” fue lanzado por Atlantic Records y Rhino Entertainment el 30 de septiembre de 2013 y debutó en el puesto número 35 de la lista Billboard 200.
La banda no estaba satisfecha con la producción sonora general del álbum original.
Influenciados por la reacción positiva a las remezclas de "One Little Victory" y "Earthshine" incluidas en “Retrospective III” por Richard Chycki, Rush y Bottrill remezclaron el álbum completo.
En una entrevista con Modern Guitars, Lifeson comentó que, dado que las remezclas eran tan buenas, se había hablado de hacer una remezcla completa del álbum.
Un álbum y DVD en vivo, “Rush in Rio”, fue lanzado en octubre de 2003, que presenta la última presentación de la gira “Vapor Trails” de la banda el 23 de noviembre de 2002, en el Estadio Maracaná en Río de Janeiro, Brasil.
Con la excepción de las dos últimas canciones del tercer disco, el álbum fue grabado en el Estadio Maracaná en la noche final de la gira “Vapor Trails Tour”.
Las otras dos canciones fueron tomadas de conciertos anteriores de la misma gira.
"Between Sun & Moon" fue grabado en el Cricket Wireless Pavilion, Phoenix, Arizona, el 27 de septiembre de 2002, y "Vital Signs" fue grabado en el Colisée Pepsi, Quebec, el 19 de octubre de 2002.
El DVD ha sido certificado 7 veces platino por la RIAA en los EE. UU., con más de 700.000 copias vendidas hasta septiembre de 2010.
La canción "O Baterista" fue nominada a un premio Grammy a la “Mejor Interpretación Instrumental de Rock” en 2005, pero perdió ante "Mrs. O'Leary's Cow" de Brian Wilson.
“Rush in Rio” fue el primer álbum en vivo de la banda que no siguió el patrón de lanzar un álbum en vivo después de cada cuatro álbumes de estudio; cada gira posterior contaría con un álbum en vivo.
También fue el primero en presentar una lista de canciones completa sin cambios en el orden (incluido el solo de batería de Neil Peart), y el primero en presentar una actuación de una sola noche en su totalidad (sin contar las dos pistas adicionales).
En una entrevista sobre el álbum y el DVD, Alex Lifeson y James "Jimbo" Barton señalaron que la mezcla del sonido requirió mucho tiempo debido a las dificultades técnicas para grabar el audio con equipos primitivos.
En este concierto, Rush tocó ante 40.000 personas, su segunda mayor asistencia en la gira “Vapor Trails” (la mayor fue de 60.000 personas en el concierto de la noche anterior en São Paulo).
En una rara excepción a la práctica habitual de la banda de recrear el sonido de sus grabaciones de estudio durante las presentaciones en vivo, la canción "Resist" (del disco 2) fue reinterpretada en una versión acústica minimalista con Lifeson y Geddy Lee, mientras que Peart no participó tras su solo de batería.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Geddy Lee (Séptima parte)
Para celebrar el 30 aniversario de la banda, en junio de 2004 se lanzó “Feedback”, un trabajo de EP grabado en los suburbios de Toronto que presenta ocho versiones de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como su inspiración alrededor de la época de su formación.
El lanzamiento marcó el 30 aniversario tanto del lanzamiento del álbum debut de Rush, que contó con la formación original de Geddy Lee, Alex Lifeson y John Rutsey, como de la incorporación de Neil Peart a la banda tras la salida de Rutsey.
Para ayudar a apoyar “Feedback” y continuar celebrando su 30 aniversario como banda, Rush lanzó la gira “30th Anniversary Tour” en el verano de 2004, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Países Bajos.
El 24 de septiembre de 2004, el concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, fue filmado para un DVD titulado “R30: 30th Anniversary World Tour”, que se lanzó el 22 de noviembre de 2005.
El lanzamiento omitió ocho canciones que también se incluyeron en “Rush in Rio”; el concierto completo se lanzó en Blu-ray el 8 de diciembre de 2009.
Rhapsody elogió el EP, calificándolo como uno de sus lanzamientos de versiones favoritos.
El crítico de AllMusic, Thom Jurek, calificó la lista de canciones de "increíble" y dijo: "Ninguna de estas canciones está hecha con una pizca de extravagancia. Lo que el oyente encuentra es un Rush que nunca antes se había escuchado".
El disco fue remasterizado y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2016 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road, luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
En octubre de 2004, Rush finalizó su gira “R30: 30th Anniversary Tour” y comenzó un descanso de un año.
Durante las entrevistas promocionales del DVD “R30”, los miembros de la banda revelaron su intención de comenzar a trabajar en un nuevo álbum de estudio a principios de 2006, su primer material nuevo desde "Vapor Trails" (2002).
El grupo se sentía con energía tras grabar su EP de versiones “Feedback” (2004), en el que interpretaron canciones sencillas y directas y las grabaron en directo, a diferencia de su propia música, más elaborada y compleja. Este enfoque se adoptó para su siguiente álbum, “Snakes & Arrows”.
El trabajo en el álbum comenzó en enero de 2006 y los miembros de la banda adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson improvisaban nuevas ideas musicales mientras Peart trabajaba solo en las letras.
En lugar de trabajar en el mismo lugar, esta vez Lee y Lifeson trabajaron desde sus estudios caseros en Toronto y gradualmente moldearon sus ideas en canciones arregladas usando una pista de clic como guía para la batería.
Trabajaron una semana de tres días, desde el mediodía hasta las 5 de la tarde.
Peart, quien se había mudado al sur de California en 2000, trabajó desde casa y colaboró con sus compañeros de banda en línea, viajando a Toronto y Nueva York durante las fases de composición y grabación.
Lifeson dijo que el grupo hizo más trabajo de preproducción que antes y que Lee y él adoptaron un enfoque más informal y relajado para componer.
Lifeson conoció al guitarrista David Gilmour durante la parada de la gira de Gilmour en Toronto, quien lo inspiró a escribir con una guitarra acústica como indicador de la fuerza de una melodía. Se agradece a Gilmour en las notas del álbum “Snakes & Arrows”.
Durante las sesiones de composición, Peart experimentó con nuevos equipos como el Roland V-Drum TD-20, un kit que utilizó en el álbum para disparar muestras.
Gran parte del álbum está escrito en un compás 3/4.
Un escritor del National Post comparó gran parte del material con el de “Hemispheres” (1978) por los "cambios de acordes inesperados y angulares".
Peart se inspiró para escribir letras sobre diversos temas, como la fe, el miedo, la asociación entre religión y guerra, la esperanza y la desesperación, y los carteles religiosos que vio en su viaje en motocicleta por Estados Unidos, los cuales detalló en su cuarto libro “Roadshow: Landscape with Drums – A Concert Tour by Motorcycle” (2006), escrito durante la gira “R30”.
También se inspiró en el epitafio de Robert Frost : "I had a lover's quarrel with the world" y utilizó ideas líricas que había plasmado inicialmente 15 años antes.
En marzo de 2006, Lee y Lifeson habían completado versiones preliminares de seis temas y se los mostraron a Peart en su casa de Quebec.
Peart dijo que "nunca olvidaría la primera vez que escuchó las primeras canciones de este álbum. Siempre es emocionante escuchar mis palabras cantadas por primera vez [...] hay una sensación de afirmación al saber que Geddy encontró esas palabras dignas de ser cantadas".
Peart se entusiasmó particularmente al escuchar "Bravest Face" y "The Way the Wind Blows" debido a su sonido fresco y lo diferentes que eran de las canciones anteriores de Rush.
Eligió "espiritual" como la palabra que mejor describía la esencia de las canciones que le presentaron.
“Snakes & Arrows” incluye tres temas instrumentales, más que cualquier otro álbum de Rush.
En mayo de 2006, los tres se mudaron a Cherry Beach Sound en Toronto durante un mes para desarrollar las canciones y, a principios de junio, tenían ocho temas con los que estaban satisfechos.
Después de un descanso de verano, retomaron el trabajo en septiembre y "siguieron trabajando hasta que estuvo terminado".
Peart ideó el título del álbum mientras trabajaba en la letra de "Armor and Sword".
Había investigado varias fuentes, incluyendo el antiguo juego de mesa indio leela, un precursor del moderno juego infantil serpientes y escaleras, y la cita "hondas y flechas" de la obra de Shakespeare “Hamlet”.
Para cuando se estaba mezclando el álbum, el título ya estaba acordado.
Peart escribió que el título fue elegido para "describir el tipo de fe 'buena' como una armadura, mientras que el tipo de fe 'mala' es una espada".
Siempre revisaba una lista maestra en una tienda de discos para ver si un título de álbum había sido usado por otra banda, pero esta vez buscó en línea y descubrió el juego leela que también había sido llamado "el juego de serpientes y flechas".
Peart luego encontró un tablero de juego pintado por Harish Johari que le presentó a Lee y Lifeson; los tres acordaron que sería la portada y trabajaron con su diseñador de portadas, Hugh Syme, para incorporarla al diseño de la funda.
Las sesiones de grabación principales se llevaron a cabo durante 36 días en noviembre y diciembre de 2006 en Allaire Studios dentro de Glen Tonche, una finca ubicada en Mount Tonch en las montañas Catskill, Nueva York.
Peart había trabajado en el estudio para su DVD instructivo “Anatomy of a Drum Solo” y convenció a Lee y Lifeson de grabar allí en lugar de Toronto.
La banda inicialmente planeó quedarse en Allaire durante dos semanas para grabar la batería y algo de bajo antes de regresar a Toronto y grabar las guitarras en el estudio casero de Lifeson, pero el entorno positivo, el equipo disponible y las sesiones productivas llevaron a que su estadía se extendiera por cuatro semanas, durante las cuales se completó el álbum allí.
La banda comenzaba alrededor de las 10 am y trabajaba hasta tarde, y entraba al estudio en cualquier momento si el impulso era lo suficientemente fuerte, incluyendo una sesión que tuvo lugar a las 2 am.
Se realizó una grabación adicional en Grandmaster Recorders en Los Ángeles.
El álbum se grabó utilizando el software Pro Tools.
Rush contó con la colaboración del ingeniero y mezclador Richard Chycki, quien había trabajado con Lifeson en las mezclas para el DVD “R30: 30th Anniversary World Tour” y había trabajado en una regrabación de su canción de 1977 "Closer to the Heart" para un evento benéfico.
La banda quedó impresionada con Chycki y lo eligió para trabajar en “Snakes & Arrows”.
Durante la etapa de composición, el grupo buscó un nuevo coproductor "para obtener nuevas aportaciones y direcciones".
Entre las opciones consideradas estaba el músico y productor estadounidense Nick Raskulinecz, quien había trabajado con Foo Fighters y Velvet Revolver y pidió a su representante que contactara a la banda cuando supo que Rush iba a grabar un nuevo álbum.
Inicialmente, fue rechazado y se le dijo que ya habían elegido a uno, pero los planes se frustraron y dos meses después fue elegido.
Fan de la banda, el segundo concierto de Raskulinecz fue ver a Rush durante su gira “Moving Pictures” (1981) cuando tenía doce años y comenzó a trabajar en septiembre de 2006 después del descanso de verano del grupo.
Animó a la banda a explorar sus propios límites y a incorporar los complejos patrones rítmicos y melódicos que caracterizaron sus álbumes de la década de 1970.
La banda le dio el apodo de "Booujze" en referencia a las vocalizaciones y la batería imaginaria que hacía para comunicar sus ideas de batería a Peart, donde "booujze" representaba un bombo y un platillo crash que sugirió para una parte de "Far Cry".
Bajo la dirección de Raskulinecz, Peart grababa una toma final de batería sobre la pista guía previamente grabada solo o grababa partes con Lee también tocando. Otras veces, hacía que la banda tocara a la vez.
Cuando tenía una toma con la que estaba satisfecho, se centraba en conseguir la mejor interpretación de batería.
El álbum se mezcló en casi cuatro semanas en enero de 2007 en Ocean Way Recording en Los Ángeles por Chycki con la asistencia de Raskulinecz y Scott Moore. Se hizo usando una consola de mezcla Neve 88R.
El entorno le convenía a Peart ya que el estudio estaba cerca de su casa y disfrutaba de que Lee y Lifeson vinieran después de viajar lejos para grabar con ellos.
La banda salía del estudio a jugar tenis o golf, dejando a Chycki y Raskulinecz para armar una mezcla para su aprobación.
Luego fue masterizado por Brian Gardner con la asistencia de Andrew Alekel y se completó algunos meses antes de lo previsto.
El bajo principal de Lee en el álbum es un modelo Fender Jazz de 1972; por insistencia de Raskulinecz, Lee usó sus pedales de bajo Moog Taurus en todas las pistas excepto en dos, el mayor uso desde “Power Windows” (1985).
También se usa un Mellotron en algunas canciones, incluyendo "Faithless" y "Good News First", para una textura orquestal.
Lifeson usa su Gibson ES-335 semiacústica, una Gibson Les Paul Goldtop y una Fender Telecaster como guitarras principales en el álbum, además de una Garrison de 6 y 12 cuerdas hecha a medida específicamente para las sesiones del álbum, una Gibson Jumbo y una acústica de 12 cuerdas, y una mandola, mandolina y bouzouki Garrison.
Peart tocó con una batería West Coast construida por Drum Workshop que había adquirido a principios de 2006, la cual era una réplica de su batería de escenario sin los pads electrónicos.
Estaba tan satisfecho con la batería que la hizo enviar a Toronto para las grabaciones de preproducción del álbum.
Después de haber terminado de grabar las partes de batería, Peart les informó a Chycki y Raskulinecz que grabar para “Snakes & Arrows” había sido lo más placentero de su carrera y que los resultados habían sido los más satisfactorios.
Cuando Peart estaba grabando sus partes de batería en "Far Cry", Raskulinecz le sugirió improvisar sobre la parte "intrincadamente sincopada" del principio y del final de la canción.
Más tarde dijo: "Por supuesto, la única respuesta de un baterista es: 'Sí, por supuesto que puedo', pero yo nunca lo habría sugerido".
"Armor and Sword" tiene un ritmo inicial que Peart atribuye a la melodía de Buddy Rich "Mercy, Mercy, Mercy", que el baterista Dave Weckl había adoptado en el álbum tributo de Peart, “Burning for Buddy”, y en “Test for Echo” (1996) de Rush.
Incluye una muestra de chapa metálica activada por Peart en su batería Roland TD-20.
Las imágenes de campo de batalla que le vinieron a la mente a Peart mientras escribía la letra le hicieron recordar un verso de "Dover Beach" del poeta inglés Matthew Arnold, que le emocionó por su sincronicidad.
Como tributo, Peart incluyó otro verso del poema en la letra: "Alarmas confusas de lucha y huida".
"Workin' Them Angels" tiene a Peart cambiando entre un compás 3/4 y uno 4/4 en toda la canción y se sugirió que los estribillos estuvieran en 4/4 para quitarle el "ritmo" a la pista por un momento.
El cambio lo obligó a ser más creativo y a idear formas de alternar entre los dos ritmos sin problemas.
"The Larger Bowl" incluye a Peart tocando una pandereta real y sampleada.
La letra incluye varias ideas que Peart tenía en su diccionario de rimas que contenía diversas formas de escritura y sonetos, incluido el pantun malayo.
No se había molestado en presentárselo a Lee y Lifeson hasta que se dio cuenta de que podría "despertar un eco musical", que se convirtió en la quinta estrofa de la canción.
"Spindrift" tiene una repetición de su introducción al final, que Raskulinecz sugirió para seguir al falso final y animó a Peart a "desatarse" durante el desvanecimiento.
Según Peart, la letra de "Spindrift" utiliza imágenes del clima marino como metáfora de una pelea de amantes.
"The Main Monkey Business" es una pieza instrumental que Peart describió como "una obra maestra para escribir, arreglar e interpretar", y que requirió más tiempo de producción que algunas de las otras canciones del álbum juntas.
A Peart le tomó tres días aprender las partes de batería, que incluían muestras activadas de un cascabel, un güiro y un silbato ralentizado que se usa solo en la tercera estrofa.
Inicialmente tocó la pista sin caja para crear un sonido más oscuro que, a su vez, se ajustaba a su atmósfera general, pero terminó usando una caja piccolo durante un solo de guitarra.
Su título proviene de una cita de la madre de Lee en una conversación sobre un primo suyo.
Incluye muestras de una pandereta y sonidos de percusión étnica activados por Peart en su kit Roland TD-20.
Una mezcla de la pista solo con la batería se publicó en el sitio web de Peart.
"The Way the Wind Blows" es la canción favorita de Peart en el álbum desde la perspectiva de la batería y la escucha.
"Hope" es una pieza instrumental para guitarra acústica solista escrita por Lifeson, quien toca una Garrison AG-400 de 12 cuerdas con afinación DADAAD.
La primera toma completa se usó para el álbum y la mezcla se realizó inmediatamente después de la grabación.
Se grabó en el Gran Salón de Allaire con alfombras colocadas en el suelo para minimizar el alto eco que proporcionaba la acústica.
Escribió la melodía después de improvisar ideas con varias afinaciones alternativas en su casa y continuó durante las sesiones de composición mientras Lee trabajaba en las voces, durante las cuales trabajó en la canción.
Lifeson estaba satisfecho con la pista, ya que hacía mucho tiempo que no grababa una pista de guitarra solista para un álbum de Rush.
Para “Faithless”, el grupo se esforzó conscientemente por escribir e interpretar una canción a un tempo más lento de lo habitual.
Este enfoque le brindó a Peart una perspectiva más fresca sobre cómo construir y colocar los redobles de batería.
Le da crédito a Raskulinecz, quien sugirió terminar la canción con un redoble de caja militar.
"Malignant Narcissism", la tercera pieza instrumental, recibió su título de la película de comedia “Team America: World Police” (2004), de la cual contiene un pasaje hablado.
Los compositores Trey Parker y Matt Stone eran fans de Rush y se alegraron de que la banda se hubiera inspirado en la película para nombrar la canción.
Se organizó una proyección de la película en los estudios Allaire durante las vacaciones de Acción de Gracias, ya que Raskulinecz no la había visto.
La canción surgió después de que las otras doce canciones del álbum se hubieran grabado y Raskulinecz y Lee estuvieran trabajando en las pistas vocales.
Durante un descanso, Lee comenzó a improvisar la melodía en un bajo Jaco Pastorius sin trastes que Fender le había enviado a los estudios Allaire a través de su contrato de patrocinio.
Raskulinecz lo escuchó y grabó a través del micrófono vocal (este momento fue capturado en película y aparece en el documental "The Game of Snakes and Arrows" en la edición MVI del álbum) y luego ensambló las mejores partes en una pista preliminar que Lee y Peart finalizaron como un arreglo de batería y bajo.
Las partes de guitarra se agregaron más tarde ya que Lifeson estaba en Florida cuando se armó.
Peart le había pedido a su técnico de batería que guardara su batería pero dejara cuatro platillos y cuatro tambores para que Raskulinecz "jugara con ellos", pero terminó grabando sus partes de batería para la pista con esa configuración básica. Se grabó en un día.
Peart tocó pensando en Buddy Rich, Tony Williams, Terry Bozzio y Steve Gadd.
El 12 de marzo de 2007, la banda presentó un nuevo sitio web en el sitio web oficial de Rush, principalmente para promocionar el álbum.
El primer sencillo del álbum, "Far Cry", se publicó como audio en streaming bajo demanda en este sitio en ese momento.
La banda también anunció que el sencillo se lanzaría a estaciones de radio de Estados Unidos y Canadá.
El 8 de mayo de 2007, la banda anunció el lanzamiento de un video para "Far Cry", y el 1 de junio de 2007, "Spindrift" se lanzó a las estaciones de radio como el segundo sencillo oficial del álbum.
El tercer sencillo del álbum, "The Larger Bowl", se lanzó el 25 de junio a la radio, donde se posicionó entre los 30 primeros de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream.
“Snakes & Arrows” es uno de los primeros álbumes lanzados en el formato MVI (Music Video Interactive) de Warner Music. Este formato es una edición limitada de 25.000 copias.
El álbum viene en una caja de lujo e incluye las 13 canciones del álbum en audio de alta resolución, el álbum completo en sonido envolvente 5.1, un documental en video de 40 minutos sobre la creación del álbum, un folleto de 26 páginas (4 páginas más que el folleto del CD, que por lo demás es idéntico), fondos de pantalla, iconos de amigos y un póster exclusivo para los fans que registren la copia MVI.
Después de varios retrasos en la producción, el MVI se lanzó el 26 de junio de 2007.
La sección DVD - ROM contiene archivos MP3 de 192 kbit/s del álbum completo.
La sección DVD-Video incluye una pista de audio de alta resolución ( LPCM estéreo de 96 kHz/24 bits) y una pista de sonido envolvente 5.1 (Dolby Digital de 448 kbit/s, 48 kHz). El disco no contiene contenido DVD-Audio.
El álbum debutó en el número tres de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo alrededor de 93.000 copias en su primera semana.
Para promocionar “Snakes & Arrows”, Rush inició su planeada gira intercontinental “Snakes & Arrows Tour” el 13 de junio de 2007 en Atlanta, Georgia, la cual se extendió hasta octubre y abarcó Estados Unidos, Canadá y Europa.
La etapa de 2008 de la gira comenzó el 11 de abril de 2008 en San Juan, Puerto Rico, en el Coliseo José Miguel Agrelot y concluyó el 24 de julio de 2008 en Noblesville, Indiana.
El 15 de abril de 2008, la banda lanzó “Snakes & Arrows Live”, un álbum doble en vivo que documenta la primera parte de la gira, grabado en el Ahoy Arena en Rotterdam, Países Bajos, el 16 y 17 de octubre de 2007. El álbum incluye nueve de sus 27 pistas extraídas de “Snakes & Arrows”.
También fue lanzado en DVD y Blu-ray el 25 de noviembre de 2008.
El DVD se compiló a partir de las dos presentaciones en Rotterdam descritas anteriormente, e incluye también material adicional de la segunda parte de la gira, grabado en el Verizon Wireless Amphitheatre en Encore Park en Alpharetta, Georgia (área metropolitana de Atlanta ) el 22 de julio de 2008.
Si bien la parte del DVD es un conjunto de tres discos, la versión Blu-ray de “Snakes & Arrows Live” es de un solo disco.
El tercer DVD incluye cuatro canciones que se interpretaron durante la etapa de 2008 de la gira, reemplazando a "Entre Nous", "Secret Touch", "Circumstances" y "Distant Early Warning" en el repertorio.
Cuando Rush se acercaba a la conclusión de la gira “Snakes & Arrows”, anunciaron su primera aparición en la televisión estadounidense en más de 30 años.
Aparecieron en The Colbert Report el 16 de julio de 2008 y fueron entrevistados por Stephen Colbert; interpretaron "Tom Sawyer".
Aprovechando lo que la crítica de cine Manohla Dargis llamó una "ola de cultura pop", la banda apareció como ellos mismos en la película de comedia de 2009 “I Love You, Man”.
El 16 de febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda podría comenzar a trabajar en un nuevo álbum en el otoño de 2009, con Nick Raskulinecz nuevamente como productor.
En noviembre de 2009, Lee, Lifeson y Peart recibieron el Premio al Logro Internacional en los Premios SOCAN anuales en Toronto.
El 19 de marzo de 2010, la CBC publicó una entrevista en video con Lee y Lifeson en la que hablaron sobre la incorporación de Rush al Salón de la Fama de los Compositores Canadienses el 28 de marzo de 2010, en el Salón de Recitales George Weston del Centro de Artes de Toronto.
La banda fue reconocida por las canciones "Limelight", "Closer to the Heart", "The Spirit of Radio", "Tom Sawyer" y "Subdivisions".
El 26 de marzo de 2010, en una entrevista con The Globe and Mail, Lifeson comentó que incluso existía la posibilidad de dos giras de apoyo.
Poco después, Peart confirmó que Raskulinecz había regresado como coproductor.
La banda se reunió en Los Ángeles en diciembre de 2009 para discutir qué proyectos querían emprender el año siguiente.
Entre sus opciones estaban comenzar un nuevo álbum de estudio y realizar una gira importante; como Neil Peart escribió más tarde: "Tontos como somos, terminamos haciendo ambas cosas".
La idea de un álbum con una historia de fondo en lugar de una colección de canciones diferentes se volvió atractiva para el grupo, para lo cual Peart detalló uno ambientado en un mundo ficticio con una suite de canciones que contaran una historia.
Rush había estado trabajando en material nuevo ya en febrero de 2009, pero Alex Lifeson negó la especulación de que estuvieran planeando hacer un álbum conceptual en ese momento.
Rush adoptó los métodos habituales de composición de la banda, en los que Geddy Lee y Lifeson trabajaban en la música en sus estudios caseros en Toronto, mientras que Peart trabajaba solo desde su casa en California en las letras.
El grupo se había animado mutuamente a ser más espontáneos con sus solos en las presentaciones en vivo, lo que se convirtió en un elemento principal al componer nueva música para “Clockwork Angels”.
Lifeson tuvo que contenerse conscientemente para no superponer pistas de guitarra, ya que quería enfatizar la "roca básica de las canciones" y recurrió a un mayor uso de la doble pista.
Las sesiones fueron productivas; en marzo de 2010, Lee dijo: "Hace apenas un mes y medio no teníamos canciones. Y ahora hemos estado componiendo y ahora tenemos unas seis canciones que nos encantan", y Lifeson predijo un lanzamiento para la primavera de 2011.
Después de algunas semanas de escribir, Peart había desarrollado su historia más, lo que llevó al acuerdo de la banda para adaptarla a un álbum conceptual, donde cada pista hiciera su propia declaración.
Rush había grabado previamente canciones conceptuales a lo largo de su carrera, pero aún no se había comprometido con un álbum conceptual completo.
Lee estaba aprensivo hacia la idea al principio, ya que quería que el grupo avanzara en dirección y no adoptara algo típico de otras bandas de rock progresivo de la década de 1970.
Music Radar escribió que, a pesar del tema basado en la historia, el álbum no se ve lastrado por la trama.
En un cambio de ritmo, Peart escribió las letras de “Clockwork Angels” en un lienzo en blanco sin usar ninguna idea preconcebida que hubiera escrito.
A principios de enero de 2010, Peart había escrito algunas ideas y se las envió a Lee y Lifeson, quienes luego combinaron las palabras con las piezas musicales que habían creado.
Peart fue influenciado para idear una historia y letras ambientadas en un mundo distópico de inspiración steampunk "iluminado solo por fuego", llamado así por el libro homónimo sobre la historia de la Edad Media de William Manchester y "impulsado por vapor, intrincados mecanismos de relojería y alquimia".
Había incorporado elementos de la tradición antigua con cartas del Tarot en “Vapor Trails” (2002) y el antiguo juego hindú leela en “Snakes & Arrows” y quería traer la alquimia para “Clockwork Angels”.
Peart escribió un "capítulo" lírico para cada una de las doce pistas del álbum, representando el estado de ánimo o la atmósfera de cada pista con su propio símbolo como se muestra en la obra de arte.
La trama se basa en varias fuentes como “Cándido” de Voltaire "con guiños a" la novela “El factor de la maleza” (1960) de John Barth y los escritores Michael Ondaatje, Joseph Conrad, Robertson Davies, Herbert Gold, Daphne du Maurier y Cormac McCarthy, y los primeros exploradores españoles en el suroeste americano para el mito de las “Siete Ciudades de Oro”.
El desarrollo se detuvo en abril de 2010 cuando Rush anunció la gira “Time Machine Tour”; esta gira estaba inicialmente programada de junio a octubre de ese año.
En la gira, Rush interpretó dos canciones nuevas que habían escrito para “Clockwork Angels” tituladas "Caravan" y "BU2B".
También habían escrito "The Garden" y "The Anarchist" en ese momento.
Una vez terminada la primera mitad de la gira “Time Machine Tour”, Lee y Lifeson retomaron la composición del resto del álbum a principios de 2011, pero las sesiones no habían producido resultados suficientemente sólidos, salvo algunas "improvisaciones furiosas" que se convirtieron en la base de "Carnies" y "Headlong Flight".
También hubo dificultades para adaptar las letras de Peart a la nueva música, lo que resultó en muchas reescrituras, algunas el mismo día de la grabación por correo electrónico.
Lifeson elogió más tarde a Peart: "Neil cumplió, nunca se quejó".
En agosto de 2010, Lifeson comentó que el álbum estaba resultando ser muy diverso musicalmente.
En particular, Lifeson se refirió a la canción principal casi terminada, "Clockwork Angels", como una "canción épica" y una "pieza de varias partes", descrita como "muy dinámica".
Peart dijo sobre el álbum aún en proceso en mayo de 2011: "Pretendo que sea mi mayor logro en cuanto a letras y batería".
Cuando comenzaron las sesiones de composición finales a finales de 2011, Lee y Lifeson decidieron intercambiar instrumentos en una reunión en particular. El resultado fue lo que se convirtió en "The Wreckers".
“Clockwork Angels” contiene arreglos de cuerda compuestos por seis violines y dos violonchelos.
Durante la gira del álbum, el ingeniero de sonido Brad Madix se enfrentó a problemas de ganancia antes de la retroalimentación al amplificar las cuerdas para un público numeroso: "Había trabajado con cuerdas anteriormente, pero siempre en un entorno muy silencioso con un refuerzo de sonido mínimo o los violines eran exclusivamente eléctricos".
En la gira “Clockwork Angels”, la banda definitivamente quería que las cuerdas fueran “protagonistas y acústicas”.
Aunque los álbumes de la banda de 1976 y 1978, “2112” y “Hemispheres”, suelen considerarse álbumes conceptuales, “Clockwork Angels” es el único álbum conceptual verdadero, ya que presenta un tema continuo con letras que narran una historia de principio a fin.
“Caress of Steel”, “2112” y “Hemispheres” incluyen una suite que ocupa toda una cara del disco y que cuenta una historia.
Sin embargo, las letras de las demás canciones de esos tres álbumes tienen muy poca o ninguna relación con dichas historias.
Rush grabó “Clockwork Angels” en dos fases.
La primera tuvo lugar en abril de 2010 en Blackbird Studios en Nashville, Tennessee, con Nick Raskulinecz regresando como coproductor después de su trabajo en “Snakes & Arrows” (2007).
Las canciones "Caravan" y "BU2B" se grabaron durante este tiempo y la mezcla fue completada por Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee.
El plan inicial de la banda era regresar al estudio al concluir el “Time Machine Tour” en octubre de 2010 y tener el álbum terminado para un lanzamiento en 2011.
Sin embargo, decidieron extender la gira con fechas de marzo a julio de 2011, retrasando así el lanzamiento de “Clockwork Angels”.
Ese agosto, la banda anunció su acuerdo con Roadrunner Records en asociación con su sello nacional Anthem Records para manejar su distribución internacional, marcando el final de su tiempo con Atlantic Records que comenzó con “Presto” (1989).
La segunda fase de grabación tuvo lugar en Revolution Recording en Toronto entre octubre y diciembre de 2011.
Las cuerdas se grabaron en Ocean Way Recording en Los Ángeles en enero de 2012.
En su sitio web personal, Peart reveló que adoptó un nuevo enfoque al escribir y grabar sus pistas de batería para el álbum: “Toqué cada canción solo unas cuantas veces, buscando patrones y redobles que pudieran funcionar, y luego llamé a Booujzhe. Se quedó conmigo en la habitación, frente a mi batería, con un atril y una sola baqueta; él era mi director y yo su orquesta ... Yo atacaba la batería, respondiendo a su entusiasmo y a sus sugerencias entre tomas, y juntos definíamos la estructura básica de la parte. Su batuta me guiaba hacia los estribillos, los puentes a medio tiempo, los finales a doble tiempo, etc., así que no tenía que preocuparme por su duración. Sin contar, sin repeticiones interminables”.
El 9 de febrero de 2012, el novelista de ciencia ficción Kevin J. Anderson, amigo de Neil Peart desde hace mucho tiempo, anunció que escribiría una novelización de “Clockwork Angels”.
También reveló información sobre el concepto del álbum: “En su afán por cumplir sus sueños, un joven se encuentra atrapado entre las grandiosas fuerzas del orden y el caos. Viaja a través de un mundo suntuoso y colorido de steampunk y alquimia, con ciudades perdidas, piratas, anarquistas, carnavales exóticos y un relojero inflexible que impone la precisión en cada aspecto de la vida cotidiana”.
Publicada el 4 de septiembre de 2012, la novela tuvo una secuela indirecta titulada “Clockwork Lives”, que se publicó el 15 de septiembre de 2015, seguida de una novela gráfica en 2018.
Durante los últimos años de su vida, Peart comenzó a trabajar con Anderson en una tercera y última novela de la serie; tras la muerte de Peart, su viuda autorizó a Anderson a continuar el proyecto. Este libro, “Clockwork Destiny”, se publicó en junio de 2022.
La portada del álbum, diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush, muestra un reloj con símbolos alquímicos en lugar de números.
Indica las 9:12, que en formato de 24 horas son las 21:12, una referencia al cuarto álbum de estudio de la banda, “2112” (1976).
Casualmente, el cumpleaños de Peart fue el 12 de septiembre, que se puede escribir como 9/12.
“Clockwork Angels” se lanzó el 8 de junio de 2012 en Australia, seguido de Estados Unidos y Canadá el 12 de junio y Europa el 13 de junio.
La revista británica Classic Rock lanzó un paquete de edición limitada para fans que contenía el álbum y una revista de 132 páginas el 11 de junio.
El sencillo "Caravan" se lanzó el 1 de junio de 2010 a las estaciones de radio y se puso a disposición para descarga digital en ese momento junto con "BU2B".
El segundo sencillo, "Headlong Flight", se lanzó a las estaciones de radio y para transmisión en línea el 19 de abril de 2012.
El álbum debutó en el número 2 del Billboard 200 con ventas de 103.000 unidades la primera semana.
En Canadá, el álbum debutó en el número 1 con ventas de 20.000 unidades.
Para el 20 de junio, se habían vendido más de 40.000 copias del paquete para fans de rock clásico.
Si este lanzamiento hubiera sido elegible para la lista de álbumes del Reino Unido, el álbum habría debutado en el número 1.
Como más personas compraron el paquete para fans que el álbum solo, este último debutó en el número 76 en el Reino Unido antes de alcanzar su pico en el número 21.
“Clockwork Angels” tiene una puntuación de 74 sobre 100 en Metacritic basada en 14 reseñas, lo que indica "reseñas generalmente favorables".
Classic Rock le otorgó al álbum un 9/10 y lo calificó como el mejor lanzamiento de Rush en 30 años.
Jamie Thompson de The Guardian escribió en su reseña que "aquellos que veneran a Rush estarán extasiados; para aquellos que permanecen agnósticos, bien puede haber suficiente aquí para justificar un salto de fe".
El editor en jefe de Brave Words & Bloody Knuckles, Martin Popoff, le dio al álbum un perfecto 10/10 y dijo de él, "no se puede negar que hay más propósito y enfoque aquí que en cualquier otro álbum de Rush".
En 2019, Classic Rock nombró a “Clockwork Angels” el álbum número uno de la década de 2010.
El 18 de abril de 2013, Rush fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland, Ohio.
El 18 de noviembre de 2013, Lifeson dijo que la banda se tomaría un año de descanso después de terminar la gira mundial de apoyo de “Clockwork Angels”.
"Nos hemos comprometido a tomarnos un año de descanso", dijo Lifeson. "Todos estuvimos de acuerdo cuando terminamos esta gira [de Clockwork Angels] [a principios de agosto], íbamos a tomarnos este tiempo libre y no íbamos a hablar de asuntos de la banda ni a hacer planes. Nos comprometimos a un año, así que eso nos llevará hasta finales del próximo verano, seguro. Ese es el mínimo. No hemos parado ni renunciado. Ahora mismo solo estamos relajándonos. Nos lo estamos tomando con calma y disfrutando de nuestro trabajo actual".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Geddy Lee (Séptima parte)
Para celebrar el 30 aniversario de la banda, en junio de 2004 se lanzó “Feedback”, un trabajo de EP grabado en los suburbios de Toronto que presenta ocho versiones de artistas como Cream, The Who y The Yardbirds, bandas que los miembros de Rush citan como su inspiración alrededor de la época de su formación.
El lanzamiento marcó el 30 aniversario tanto del lanzamiento del álbum debut de Rush, que contó con la formación original de Geddy Lee, Alex Lifeson y John Rutsey, como de la incorporación de Neil Peart a la banda tras la salida de Rutsey.
Para ayudar a apoyar “Feedback” y continuar celebrando su 30 aniversario como banda, Rush lanzó la gira “30th Anniversary Tour” en el verano de 2004, tocando en Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Alemania, Italia, Suecia, República Checa y Países Bajos.
El 24 de septiembre de 2004, el concierto en el Festhalle de Frankfurt, Alemania, fue filmado para un DVD titulado “R30: 30th Anniversary World Tour”, que se lanzó el 22 de noviembre de 2005.
El lanzamiento omitió ocho canciones que también se incluyeron en “Rush in Rio”; el concierto completo se lanzó en Blu-ray el 8 de diciembre de 2009.
Rhapsody elogió el EP, calificándolo como uno de sus lanzamientos de versiones favoritos.
El crítico de AllMusic, Thom Jurek, calificó la lista de canciones de "increíble" y dijo: "Ninguna de estas canciones está hecha con una pizca de extravagancia. Lo que el oyente encuentra es un Rush que nunca antes se había escuchado".
El disco fue remasterizado y reeditado en 2013 como parte de la caja recopilatoria “The Studio Albums 1989–2007”.
En 2016 fue reeditado después de ser remasterizado por Sean Magee en los estudios Abbey Road, luego de una solicitud directa de Rush para remasterizar todo su catálogo anterior.
En octubre de 2004, Rush finalizó su gira “R30: 30th Anniversary Tour” y comenzó un descanso de un año.
Durante las entrevistas promocionales del DVD “R30”, los miembros de la banda revelaron su intención de comenzar a trabajar en un nuevo álbum de estudio a principios de 2006, su primer material nuevo desde "Vapor Trails" (2002).
El grupo se sentía con energía tras grabar su EP de versiones “Feedback” (2004), en el que interpretaron canciones sencillas y directas y las grabaron en directo, a diferencia de su propia música, más elaborada y compleja. Este enfoque se adoptó para su siguiente álbum, “Snakes & Arrows”.
El trabajo en el álbum comenzó en enero de 2006 y los miembros de la banda adoptaron su método habitual de composición: Lee y Lifeson improvisaban nuevas ideas musicales mientras Peart trabajaba solo en las letras.
En lugar de trabajar en el mismo lugar, esta vez Lee y Lifeson trabajaron desde sus estudios caseros en Toronto y gradualmente moldearon sus ideas en canciones arregladas usando una pista de clic como guía para la batería.
Trabajaron una semana de tres días, desde el mediodía hasta las 5 de la tarde.
Peart, quien se había mudado al sur de California en 2000, trabajó desde casa y colaboró con sus compañeros de banda en línea, viajando a Toronto y Nueva York durante las fases de composición y grabación.
Lifeson dijo que el grupo hizo más trabajo de preproducción que antes y que Lee y él adoptaron un enfoque más informal y relajado para componer.
Lifeson conoció al guitarrista David Gilmour durante la parada de la gira de Gilmour en Toronto, quien lo inspiró a escribir con una guitarra acústica como indicador de la fuerza de una melodía. Se agradece a Gilmour en las notas del álbum “Snakes & Arrows”.
Durante las sesiones de composición, Peart experimentó con nuevos equipos como el Roland V-Drum TD-20, un kit que utilizó en el álbum para disparar muestras.
Gran parte del álbum está escrito en un compás 3/4.
Un escritor del National Post comparó gran parte del material con el de “Hemispheres” (1978) por los "cambios de acordes inesperados y angulares".
Peart se inspiró para escribir letras sobre diversos temas, como la fe, el miedo, la asociación entre religión y guerra, la esperanza y la desesperación, y los carteles religiosos que vio en su viaje en motocicleta por Estados Unidos, los cuales detalló en su cuarto libro “Roadshow: Landscape with Drums – A Concert Tour by Motorcycle” (2006), escrito durante la gira “R30”.
También se inspiró en el epitafio de Robert Frost : "I had a lover's quarrel with the world" y utilizó ideas líricas que había plasmado inicialmente 15 años antes.
En marzo de 2006, Lee y Lifeson habían completado versiones preliminares de seis temas y se los mostraron a Peart en su casa de Quebec.
Peart dijo que "nunca olvidaría la primera vez que escuchó las primeras canciones de este álbum. Siempre es emocionante escuchar mis palabras cantadas por primera vez [...] hay una sensación de afirmación al saber que Geddy encontró esas palabras dignas de ser cantadas".
Peart se entusiasmó particularmente al escuchar "Bravest Face" y "The Way the Wind Blows" debido a su sonido fresco y lo diferentes que eran de las canciones anteriores de Rush.
Eligió "espiritual" como la palabra que mejor describía la esencia de las canciones que le presentaron.
“Snakes & Arrows” incluye tres temas instrumentales, más que cualquier otro álbum de Rush.
En mayo de 2006, los tres se mudaron a Cherry Beach Sound en Toronto durante un mes para desarrollar las canciones y, a principios de junio, tenían ocho temas con los que estaban satisfechos.
Después de un descanso de verano, retomaron el trabajo en septiembre y "siguieron trabajando hasta que estuvo terminado".
Peart ideó el título del álbum mientras trabajaba en la letra de "Armor and Sword".
Había investigado varias fuentes, incluyendo el antiguo juego de mesa indio leela, un precursor del moderno juego infantil serpientes y escaleras, y la cita "hondas y flechas" de la obra de Shakespeare “Hamlet”.
Para cuando se estaba mezclando el álbum, el título ya estaba acordado.
Peart escribió que el título fue elegido para "describir el tipo de fe 'buena' como una armadura, mientras que el tipo de fe 'mala' es una espada".
Siempre revisaba una lista maestra en una tienda de discos para ver si un título de álbum había sido usado por otra banda, pero esta vez buscó en línea y descubrió el juego leela que también había sido llamado "el juego de serpientes y flechas".
Peart luego encontró un tablero de juego pintado por Harish Johari que le presentó a Lee y Lifeson; los tres acordaron que sería la portada y trabajaron con su diseñador de portadas, Hugh Syme, para incorporarla al diseño de la funda.
Las sesiones de grabación principales se llevaron a cabo durante 36 días en noviembre y diciembre de 2006 en Allaire Studios dentro de Glen Tonche, una finca ubicada en Mount Tonch en las montañas Catskill, Nueva York.
Peart había trabajado en el estudio para su DVD instructivo “Anatomy of a Drum Solo” y convenció a Lee y Lifeson de grabar allí en lugar de Toronto.
La banda inicialmente planeó quedarse en Allaire durante dos semanas para grabar la batería y algo de bajo antes de regresar a Toronto y grabar las guitarras en el estudio casero de Lifeson, pero el entorno positivo, el equipo disponible y las sesiones productivas llevaron a que su estadía se extendiera por cuatro semanas, durante las cuales se completó el álbum allí.
La banda comenzaba alrededor de las 10 am y trabajaba hasta tarde, y entraba al estudio en cualquier momento si el impulso era lo suficientemente fuerte, incluyendo una sesión que tuvo lugar a las 2 am.
Se realizó una grabación adicional en Grandmaster Recorders en Los Ángeles.
El álbum se grabó utilizando el software Pro Tools.
Rush contó con la colaboración del ingeniero y mezclador Richard Chycki, quien había trabajado con Lifeson en las mezclas para el DVD “R30: 30th Anniversary World Tour” y había trabajado en una regrabación de su canción de 1977 "Closer to the Heart" para un evento benéfico.
La banda quedó impresionada con Chycki y lo eligió para trabajar en “Snakes & Arrows”.
Durante la etapa de composición, el grupo buscó un nuevo coproductor "para obtener nuevas aportaciones y direcciones".
Entre las opciones consideradas estaba el músico y productor estadounidense Nick Raskulinecz, quien había trabajado con Foo Fighters y Velvet Revolver y pidió a su representante que contactara a la banda cuando supo que Rush iba a grabar un nuevo álbum.
Inicialmente, fue rechazado y se le dijo que ya habían elegido a uno, pero los planes se frustraron y dos meses después fue elegido.
Fan de la banda, el segundo concierto de Raskulinecz fue ver a Rush durante su gira “Moving Pictures” (1981) cuando tenía doce años y comenzó a trabajar en septiembre de 2006 después del descanso de verano del grupo.
Animó a la banda a explorar sus propios límites y a incorporar los complejos patrones rítmicos y melódicos que caracterizaron sus álbumes de la década de 1970.
La banda le dio el apodo de "Booujze" en referencia a las vocalizaciones y la batería imaginaria que hacía para comunicar sus ideas de batería a Peart, donde "booujze" representaba un bombo y un platillo crash que sugirió para una parte de "Far Cry".
Bajo la dirección de Raskulinecz, Peart grababa una toma final de batería sobre la pista guía previamente grabada solo o grababa partes con Lee también tocando. Otras veces, hacía que la banda tocara a la vez.
Cuando tenía una toma con la que estaba satisfecho, se centraba en conseguir la mejor interpretación de batería.
El álbum se mezcló en casi cuatro semanas en enero de 2007 en Ocean Way Recording en Los Ángeles por Chycki con la asistencia de Raskulinecz y Scott Moore. Se hizo usando una consola de mezcla Neve 88R.
El entorno le convenía a Peart ya que el estudio estaba cerca de su casa y disfrutaba de que Lee y Lifeson vinieran después de viajar lejos para grabar con ellos.
La banda salía del estudio a jugar tenis o golf, dejando a Chycki y Raskulinecz para armar una mezcla para su aprobación.
Luego fue masterizado por Brian Gardner con la asistencia de Andrew Alekel y se completó algunos meses antes de lo previsto.
El bajo principal de Lee en el álbum es un modelo Fender Jazz de 1972; por insistencia de Raskulinecz, Lee usó sus pedales de bajo Moog Taurus en todas las pistas excepto en dos, el mayor uso desde “Power Windows” (1985).
También se usa un Mellotron en algunas canciones, incluyendo "Faithless" y "Good News First", para una textura orquestal.
Lifeson usa su Gibson ES-335 semiacústica, una Gibson Les Paul Goldtop y una Fender Telecaster como guitarras principales en el álbum, además de una Garrison de 6 y 12 cuerdas hecha a medida específicamente para las sesiones del álbum, una Gibson Jumbo y una acústica de 12 cuerdas, y una mandola, mandolina y bouzouki Garrison.
Peart tocó con una batería West Coast construida por Drum Workshop que había adquirido a principios de 2006, la cual era una réplica de su batería de escenario sin los pads electrónicos.
Estaba tan satisfecho con la batería que la hizo enviar a Toronto para las grabaciones de preproducción del álbum.
Después de haber terminado de grabar las partes de batería, Peart les informó a Chycki y Raskulinecz que grabar para “Snakes & Arrows” había sido lo más placentero de su carrera y que los resultados habían sido los más satisfactorios.
Cuando Peart estaba grabando sus partes de batería en "Far Cry", Raskulinecz le sugirió improvisar sobre la parte "intrincadamente sincopada" del principio y del final de la canción.
Más tarde dijo: "Por supuesto, la única respuesta de un baterista es: 'Sí, por supuesto que puedo', pero yo nunca lo habría sugerido".
"Armor and Sword" tiene un ritmo inicial que Peart atribuye a la melodía de Buddy Rich "Mercy, Mercy, Mercy", que el baterista Dave Weckl había adoptado en el álbum tributo de Peart, “Burning for Buddy”, y en “Test for Echo” (1996) de Rush.
Incluye una muestra de chapa metálica activada por Peart en su batería Roland TD-20.
Las imágenes de campo de batalla que le vinieron a la mente a Peart mientras escribía la letra le hicieron recordar un verso de "Dover Beach" del poeta inglés Matthew Arnold, que le emocionó por su sincronicidad.
Como tributo, Peart incluyó otro verso del poema en la letra: "Alarmas confusas de lucha y huida".
"Workin' Them Angels" tiene a Peart cambiando entre un compás 3/4 y uno 4/4 en toda la canción y se sugirió que los estribillos estuvieran en 4/4 para quitarle el "ritmo" a la pista por un momento.
El cambio lo obligó a ser más creativo y a idear formas de alternar entre los dos ritmos sin problemas.
"The Larger Bowl" incluye a Peart tocando una pandereta real y sampleada.
La letra incluye varias ideas que Peart tenía en su diccionario de rimas que contenía diversas formas de escritura y sonetos, incluido el pantun malayo.
No se había molestado en presentárselo a Lee y Lifeson hasta que se dio cuenta de que podría "despertar un eco musical", que se convirtió en la quinta estrofa de la canción.
"Spindrift" tiene una repetición de su introducción al final, que Raskulinecz sugirió para seguir al falso final y animó a Peart a "desatarse" durante el desvanecimiento.
Según Peart, la letra de "Spindrift" utiliza imágenes del clima marino como metáfora de una pelea de amantes.
"The Main Monkey Business" es una pieza instrumental que Peart describió como "una obra maestra para escribir, arreglar e interpretar", y que requirió más tiempo de producción que algunas de las otras canciones del álbum juntas.
A Peart le tomó tres días aprender las partes de batería, que incluían muestras activadas de un cascabel, un güiro y un silbato ralentizado que se usa solo en la tercera estrofa.
Inicialmente tocó la pista sin caja para crear un sonido más oscuro que, a su vez, se ajustaba a su atmósfera general, pero terminó usando una caja piccolo durante un solo de guitarra.
Su título proviene de una cita de la madre de Lee en una conversación sobre un primo suyo.
Incluye muestras de una pandereta y sonidos de percusión étnica activados por Peart en su kit Roland TD-20.
Una mezcla de la pista solo con la batería se publicó en el sitio web de Peart.
"The Way the Wind Blows" es la canción favorita de Peart en el álbum desde la perspectiva de la batería y la escucha.
"Hope" es una pieza instrumental para guitarra acústica solista escrita por Lifeson, quien toca una Garrison AG-400 de 12 cuerdas con afinación DADAAD.
La primera toma completa se usó para el álbum y la mezcla se realizó inmediatamente después de la grabación.
Se grabó en el Gran Salón de Allaire con alfombras colocadas en el suelo para minimizar el alto eco que proporcionaba la acústica.
Escribió la melodía después de improvisar ideas con varias afinaciones alternativas en su casa y continuó durante las sesiones de composición mientras Lee trabajaba en las voces, durante las cuales trabajó en la canción.
Lifeson estaba satisfecho con la pista, ya que hacía mucho tiempo que no grababa una pista de guitarra solista para un álbum de Rush.
Para “Faithless”, el grupo se esforzó conscientemente por escribir e interpretar una canción a un tempo más lento de lo habitual.
Este enfoque le brindó a Peart una perspectiva más fresca sobre cómo construir y colocar los redobles de batería.
Le da crédito a Raskulinecz, quien sugirió terminar la canción con un redoble de caja militar.
"Malignant Narcissism", la tercera pieza instrumental, recibió su título de la película de comedia “Team America: World Police” (2004), de la cual contiene un pasaje hablado.
Los compositores Trey Parker y Matt Stone eran fans de Rush y se alegraron de que la banda se hubiera inspirado en la película para nombrar la canción.
Se organizó una proyección de la película en los estudios Allaire durante las vacaciones de Acción de Gracias, ya que Raskulinecz no la había visto.
La canción surgió después de que las otras doce canciones del álbum se hubieran grabado y Raskulinecz y Lee estuvieran trabajando en las pistas vocales.
Durante un descanso, Lee comenzó a improvisar la melodía en un bajo Jaco Pastorius sin trastes que Fender le había enviado a los estudios Allaire a través de su contrato de patrocinio.
Raskulinecz lo escuchó y grabó a través del micrófono vocal (este momento fue capturado en película y aparece en el documental "The Game of Snakes and Arrows" en la edición MVI del álbum) y luego ensambló las mejores partes en una pista preliminar que Lee y Peart finalizaron como un arreglo de batería y bajo.
Las partes de guitarra se agregaron más tarde ya que Lifeson estaba en Florida cuando se armó.
Peart le había pedido a su técnico de batería que guardara su batería pero dejara cuatro platillos y cuatro tambores para que Raskulinecz "jugara con ellos", pero terminó grabando sus partes de batería para la pista con esa configuración básica. Se grabó en un día.
Peart tocó pensando en Buddy Rich, Tony Williams, Terry Bozzio y Steve Gadd.
El 12 de marzo de 2007, la banda presentó un nuevo sitio web en el sitio web oficial de Rush, principalmente para promocionar el álbum.
El primer sencillo del álbum, "Far Cry", se publicó como audio en streaming bajo demanda en este sitio en ese momento.
La banda también anunció que el sencillo se lanzaría a estaciones de radio de Estados Unidos y Canadá.
El 8 de mayo de 2007, la banda anunció el lanzamiento de un video para "Far Cry", y el 1 de junio de 2007, "Spindrift" se lanzó a las estaciones de radio como el segundo sencillo oficial del álbum.
El tercer sencillo del álbum, "The Larger Bowl", se lanzó el 25 de junio a la radio, donde se posicionó entre los 30 primeros de las listas Mainstream Rock y Media Base Mainstream.
“Snakes & Arrows” es uno de los primeros álbumes lanzados en el formato MVI (Music Video Interactive) de Warner Music. Este formato es una edición limitada de 25.000 copias.
El álbum viene en una caja de lujo e incluye las 13 canciones del álbum en audio de alta resolución, el álbum completo en sonido envolvente 5.1, un documental en video de 40 minutos sobre la creación del álbum, un folleto de 26 páginas (4 páginas más que el folleto del CD, que por lo demás es idéntico), fondos de pantalla, iconos de amigos y un póster exclusivo para los fans que registren la copia MVI.
Después de varios retrasos en la producción, el MVI se lanzó el 26 de junio de 2007.
La sección DVD - ROM contiene archivos MP3 de 192 kbit/s del álbum completo.
La sección DVD-Video incluye una pista de audio de alta resolución ( LPCM estéreo de 96 kHz/24 bits) y una pista de sonido envolvente 5.1 (Dolby Digital de 448 kbit/s, 48 kHz). El disco no contiene contenido DVD-Audio.
El álbum debutó en el número tres de la lista Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo alrededor de 93.000 copias en su primera semana.
Para promocionar “Snakes & Arrows”, Rush inició su planeada gira intercontinental “Snakes & Arrows Tour” el 13 de junio de 2007 en Atlanta, Georgia, la cual se extendió hasta octubre y abarcó Estados Unidos, Canadá y Europa.
La etapa de 2008 de la gira comenzó el 11 de abril de 2008 en San Juan, Puerto Rico, en el Coliseo José Miguel Agrelot y concluyó el 24 de julio de 2008 en Noblesville, Indiana.
El 15 de abril de 2008, la banda lanzó “Snakes & Arrows Live”, un álbum doble en vivo que documenta la primera parte de la gira, grabado en el Ahoy Arena en Rotterdam, Países Bajos, el 16 y 17 de octubre de 2007. El álbum incluye nueve de sus 27 pistas extraídas de “Snakes & Arrows”.
También fue lanzado en DVD y Blu-ray el 25 de noviembre de 2008.
El DVD se compiló a partir de las dos presentaciones en Rotterdam descritas anteriormente, e incluye también material adicional de la segunda parte de la gira, grabado en el Verizon Wireless Amphitheatre en Encore Park en Alpharetta, Georgia (área metropolitana de Atlanta ) el 22 de julio de 2008.
Si bien la parte del DVD es un conjunto de tres discos, la versión Blu-ray de “Snakes & Arrows Live” es de un solo disco.
El tercer DVD incluye cuatro canciones que se interpretaron durante la etapa de 2008 de la gira, reemplazando a "Entre Nous", "Secret Touch", "Circumstances" y "Distant Early Warning" en el repertorio.
Cuando Rush se acercaba a la conclusión de la gira “Snakes & Arrows”, anunciaron su primera aparición en la televisión estadounidense en más de 30 años.
Aparecieron en The Colbert Report el 16 de julio de 2008 y fueron entrevistados por Stephen Colbert; interpretaron "Tom Sawyer".
Aprovechando lo que la crítica de cine Manohla Dargis llamó una "ola de cultura pop", la banda apareció como ellos mismos en la película de comedia de 2009 “I Love You, Man”.
El 16 de febrero de 2009, Lifeson comentó que la banda podría comenzar a trabajar en un nuevo álbum en el otoño de 2009, con Nick Raskulinecz nuevamente como productor.
En noviembre de 2009, Lee, Lifeson y Peart recibieron el Premio al Logro Internacional en los Premios SOCAN anuales en Toronto.
El 19 de marzo de 2010, la CBC publicó una entrevista en video con Lee y Lifeson en la que hablaron sobre la incorporación de Rush al Salón de la Fama de los Compositores Canadienses el 28 de marzo de 2010, en el Salón de Recitales George Weston del Centro de Artes de Toronto.
La banda fue reconocida por las canciones "Limelight", "Closer to the Heart", "The Spirit of Radio", "Tom Sawyer" y "Subdivisions".
El 26 de marzo de 2010, en una entrevista con The Globe and Mail, Lifeson comentó que incluso existía la posibilidad de dos giras de apoyo.
Poco después, Peart confirmó que Raskulinecz había regresado como coproductor.
La banda se reunió en Los Ángeles en diciembre de 2009 para discutir qué proyectos querían emprender el año siguiente.
Entre sus opciones estaban comenzar un nuevo álbum de estudio y realizar una gira importante; como Neil Peart escribió más tarde: "Tontos como somos, terminamos haciendo ambas cosas".
La idea de un álbum con una historia de fondo en lugar de una colección de canciones diferentes se volvió atractiva para el grupo, para lo cual Peart detalló uno ambientado en un mundo ficticio con una suite de canciones que contaran una historia.
Rush había estado trabajando en material nuevo ya en febrero de 2009, pero Alex Lifeson negó la especulación de que estuvieran planeando hacer un álbum conceptual en ese momento.
Rush adoptó los métodos habituales de composición de la banda, en los que Geddy Lee y Lifeson trabajaban en la música en sus estudios caseros en Toronto, mientras que Peart trabajaba solo desde su casa en California en las letras.
El grupo se había animado mutuamente a ser más espontáneos con sus solos en las presentaciones en vivo, lo que se convirtió en un elemento principal al componer nueva música para “Clockwork Angels”.
Lifeson tuvo que contenerse conscientemente para no superponer pistas de guitarra, ya que quería enfatizar la "roca básica de las canciones" y recurrió a un mayor uso de la doble pista.
Las sesiones fueron productivas; en marzo de 2010, Lee dijo: "Hace apenas un mes y medio no teníamos canciones. Y ahora hemos estado componiendo y ahora tenemos unas seis canciones que nos encantan", y Lifeson predijo un lanzamiento para la primavera de 2011.
Después de algunas semanas de escribir, Peart había desarrollado su historia más, lo que llevó al acuerdo de la banda para adaptarla a un álbum conceptual, donde cada pista hiciera su propia declaración.
Rush había grabado previamente canciones conceptuales a lo largo de su carrera, pero aún no se había comprometido con un álbum conceptual completo.
Lee estaba aprensivo hacia la idea al principio, ya que quería que el grupo avanzara en dirección y no adoptara algo típico de otras bandas de rock progresivo de la década de 1970.
Music Radar escribió que, a pesar del tema basado en la historia, el álbum no se ve lastrado por la trama.
En un cambio de ritmo, Peart escribió las letras de “Clockwork Angels” en un lienzo en blanco sin usar ninguna idea preconcebida que hubiera escrito.
A principios de enero de 2010, Peart había escrito algunas ideas y se las envió a Lee y Lifeson, quienes luego combinaron las palabras con las piezas musicales que habían creado.
Peart fue influenciado para idear una historia y letras ambientadas en un mundo distópico de inspiración steampunk "iluminado solo por fuego", llamado así por el libro homónimo sobre la historia de la Edad Media de William Manchester y "impulsado por vapor, intrincados mecanismos de relojería y alquimia".
Había incorporado elementos de la tradición antigua con cartas del Tarot en “Vapor Trails” (2002) y el antiguo juego hindú leela en “Snakes & Arrows” y quería traer la alquimia para “Clockwork Angels”.
Peart escribió un "capítulo" lírico para cada una de las doce pistas del álbum, representando el estado de ánimo o la atmósfera de cada pista con su propio símbolo como se muestra en la obra de arte.
La trama se basa en varias fuentes como “Cándido” de Voltaire "con guiños a" la novela “El factor de la maleza” (1960) de John Barth y los escritores Michael Ondaatje, Joseph Conrad, Robertson Davies, Herbert Gold, Daphne du Maurier y Cormac McCarthy, y los primeros exploradores españoles en el suroeste americano para el mito de las “Siete Ciudades de Oro”.
El desarrollo se detuvo en abril de 2010 cuando Rush anunció la gira “Time Machine Tour”; esta gira estaba inicialmente programada de junio a octubre de ese año.
En la gira, Rush interpretó dos canciones nuevas que habían escrito para “Clockwork Angels” tituladas "Caravan" y "BU2B".
También habían escrito "The Garden" y "The Anarchist" en ese momento.
Una vez terminada la primera mitad de la gira “Time Machine Tour”, Lee y Lifeson retomaron la composición del resto del álbum a principios de 2011, pero las sesiones no habían producido resultados suficientemente sólidos, salvo algunas "improvisaciones furiosas" que se convirtieron en la base de "Carnies" y "Headlong Flight".
También hubo dificultades para adaptar las letras de Peart a la nueva música, lo que resultó en muchas reescrituras, algunas el mismo día de la grabación por correo electrónico.
Lifeson elogió más tarde a Peart: "Neil cumplió, nunca se quejó".
En agosto de 2010, Lifeson comentó que el álbum estaba resultando ser muy diverso musicalmente.
En particular, Lifeson se refirió a la canción principal casi terminada, "Clockwork Angels", como una "canción épica" y una "pieza de varias partes", descrita como "muy dinámica".
Peart dijo sobre el álbum aún en proceso en mayo de 2011: "Pretendo que sea mi mayor logro en cuanto a letras y batería".
Cuando comenzaron las sesiones de composición finales a finales de 2011, Lee y Lifeson decidieron intercambiar instrumentos en una reunión en particular. El resultado fue lo que se convirtió en "The Wreckers".
“Clockwork Angels” contiene arreglos de cuerda compuestos por seis violines y dos violonchelos.
Durante la gira del álbum, el ingeniero de sonido Brad Madix se enfrentó a problemas de ganancia antes de la retroalimentación al amplificar las cuerdas para un público numeroso: "Había trabajado con cuerdas anteriormente, pero siempre en un entorno muy silencioso con un refuerzo de sonido mínimo o los violines eran exclusivamente eléctricos".
En la gira “Clockwork Angels”, la banda definitivamente quería que las cuerdas fueran “protagonistas y acústicas”.
Aunque los álbumes de la banda de 1976 y 1978, “2112” y “Hemispheres”, suelen considerarse álbumes conceptuales, “Clockwork Angels” es el único álbum conceptual verdadero, ya que presenta un tema continuo con letras que narran una historia de principio a fin.
“Caress of Steel”, “2112” y “Hemispheres” incluyen una suite que ocupa toda una cara del disco y que cuenta una historia.
Sin embargo, las letras de las demás canciones de esos tres álbumes tienen muy poca o ninguna relación con dichas historias.
Rush grabó “Clockwork Angels” en dos fases.
La primera tuvo lugar en abril de 2010 en Blackbird Studios en Nashville, Tennessee, con Nick Raskulinecz regresando como coproductor después de su trabajo en “Snakes & Arrows” (2007).
Las canciones "Caravan" y "BU2B" se grabaron durante este tiempo y la mezcla fue completada por Richard Chycki en Sound Kitchen en Franklin, Tennessee.
El plan inicial de la banda era regresar al estudio al concluir el “Time Machine Tour” en octubre de 2010 y tener el álbum terminado para un lanzamiento en 2011.
Sin embargo, decidieron extender la gira con fechas de marzo a julio de 2011, retrasando así el lanzamiento de “Clockwork Angels”.
Ese agosto, la banda anunció su acuerdo con Roadrunner Records en asociación con su sello nacional Anthem Records para manejar su distribución internacional, marcando el final de su tiempo con Atlantic Records que comenzó con “Presto” (1989).
La segunda fase de grabación tuvo lugar en Revolution Recording en Toronto entre octubre y diciembre de 2011.
Las cuerdas se grabaron en Ocean Way Recording en Los Ángeles en enero de 2012.
En su sitio web personal, Peart reveló que adoptó un nuevo enfoque al escribir y grabar sus pistas de batería para el álbum: “Toqué cada canción solo unas cuantas veces, buscando patrones y redobles que pudieran funcionar, y luego llamé a Booujzhe. Se quedó conmigo en la habitación, frente a mi batería, con un atril y una sola baqueta; él era mi director y yo su orquesta ... Yo atacaba la batería, respondiendo a su entusiasmo y a sus sugerencias entre tomas, y juntos definíamos la estructura básica de la parte. Su batuta me guiaba hacia los estribillos, los puentes a medio tiempo, los finales a doble tiempo, etc., así que no tenía que preocuparme por su duración. Sin contar, sin repeticiones interminables”.
El 9 de febrero de 2012, el novelista de ciencia ficción Kevin J. Anderson, amigo de Neil Peart desde hace mucho tiempo, anunció que escribiría una novelización de “Clockwork Angels”.
También reveló información sobre el concepto del álbum: “En su afán por cumplir sus sueños, un joven se encuentra atrapado entre las grandiosas fuerzas del orden y el caos. Viaja a través de un mundo suntuoso y colorido de steampunk y alquimia, con ciudades perdidas, piratas, anarquistas, carnavales exóticos y un relojero inflexible que impone la precisión en cada aspecto de la vida cotidiana”.
Publicada el 4 de septiembre de 2012, la novela tuvo una secuela indirecta titulada “Clockwork Lives”, que se publicó el 15 de septiembre de 2015, seguida de una novela gráfica en 2018.
Durante los últimos años de su vida, Peart comenzó a trabajar con Anderson en una tercera y última novela de la serie; tras la muerte de Peart, su viuda autorizó a Anderson a continuar el proyecto. Este libro, “Clockwork Destiny”, se publicó en junio de 2022.
La portada del álbum, diseñada por Hugh Syme, colaborador habitual de Rush, muestra un reloj con símbolos alquímicos en lugar de números.
Indica las 9:12, que en formato de 24 horas son las 21:12, una referencia al cuarto álbum de estudio de la banda, “2112” (1976).
Casualmente, el cumpleaños de Peart fue el 12 de septiembre, que se puede escribir como 9/12.
“Clockwork Angels” se lanzó el 8 de junio de 2012 en Australia, seguido de Estados Unidos y Canadá el 12 de junio y Europa el 13 de junio.
La revista británica Classic Rock lanzó un paquete de edición limitada para fans que contenía el álbum y una revista de 132 páginas el 11 de junio.
El sencillo "Caravan" se lanzó el 1 de junio de 2010 a las estaciones de radio y se puso a disposición para descarga digital en ese momento junto con "BU2B".
El segundo sencillo, "Headlong Flight", se lanzó a las estaciones de radio y para transmisión en línea el 19 de abril de 2012.
El álbum debutó en el número 2 del Billboard 200 con ventas de 103.000 unidades la primera semana.
En Canadá, el álbum debutó en el número 1 con ventas de 20.000 unidades.
Para el 20 de junio, se habían vendido más de 40.000 copias del paquete para fans de rock clásico.
Si este lanzamiento hubiera sido elegible para la lista de álbumes del Reino Unido, el álbum habría debutado en el número 1.
Como más personas compraron el paquete para fans que el álbum solo, este último debutó en el número 76 en el Reino Unido antes de alcanzar su pico en el número 21.
“Clockwork Angels” tiene una puntuación de 74 sobre 100 en Metacritic basada en 14 reseñas, lo que indica "reseñas generalmente favorables".
Classic Rock le otorgó al álbum un 9/10 y lo calificó como el mejor lanzamiento de Rush en 30 años.
Jamie Thompson de The Guardian escribió en su reseña que "aquellos que veneran a Rush estarán extasiados; para aquellos que permanecen agnósticos, bien puede haber suficiente aquí para justificar un salto de fe".
El editor en jefe de Brave Words & Bloody Knuckles, Martin Popoff, le dio al álbum un perfecto 10/10 y dijo de él, "no se puede negar que hay más propósito y enfoque aquí que en cualquier otro álbum de Rush".
En 2019, Classic Rock nombró a “Clockwork Angels” el álbum número uno de la década de 2010.
El 18 de abril de 2013, Rush fue incorporado al Salón de la Fama del Rock and Roll en Cleveland, Ohio.
El 18 de noviembre de 2013, Lifeson dijo que la banda se tomaría un año de descanso después de terminar la gira mundial de apoyo de “Clockwork Angels”.
"Nos hemos comprometido a tomarnos un año de descanso", dijo Lifeson. "Todos estuvimos de acuerdo cuando terminamos esta gira [de Clockwork Angels] [a principios de agosto], íbamos a tomarnos este tiempo libre y no íbamos a hablar de asuntos de la banda ni a hacer planes. Nos comprometimos a un año, así que eso nos llevará hasta finales del próximo verano, seguro. Ese es el mínimo. No hemos parado ni renunciado. Ahora mismo solo estamos relajándonos. Nos lo estamos tomando con calma y disfrutando de nuestro trabajo actual".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 24
Geddy Lee (Octava parte)
En septiembre de 2014, se anunció el set de caja “Rush R40” para conmemorar el 40 aniversario del lanzamiento del álbum debut homónimo de la banda.
Incluía cinco álbumes de video en vivo previamente publicados y varias grabaciones inéditas de toda la carrera de la banda.
El 22 de enero de 2015, la banda anunció la gira “Rush R40”, celebrando el 40 aniversario de la incorporación de Peart a la banda.
La gira comenzó el 8 de mayo en Tulsa, Oklahoma, y concluyó el 1 de agosto en Los Ángeles.
La gira recaudó 37,8 millones de dólares, con 442.337 entradas vendidas en 35 conciertos.
Aunque la gira fue más corta que muchas de las giras anteriores de Rush, fue muy exitosa en términos de asistencia promedio por concierto y recaudación, que fue de 12.638 y 1.080.000 USD respectivamente.
La gira también registró más agotamiento de entradas que cualquier otra gira de Rush en la memoria reciente.
Con 26 de los 33 conciertos reportados con entradas agotadas, y los 7 restantes aún con más del 90% de capacidad, la banda sintió nuevamente el éxito de sus años dorados.
Esta fue la última gira de Rush con Peart antes de su muerte en 2020, y la última antes de disolverse durante diez años.
Si bien su repertorio estaba concebido para representar su discografía en orden inverso, ninguna canción del EP “Feedback” (2004) ni de los álbumes “Test for Echo” (1996), “Presto” (1989), “Hold Your Fire” (1987) o “Power Windows” (1985) se interpretó durante toda la gira.
Los conciertos realizados el 17 y 19 de junio de 2015 en el Air Canada Centre de Toronto fueron filmados y lanzados como la película de concierto “R40 Live” el 20 de noviembre de 2015.
Un documental titulado “Rush: Time Stand Still” fue lanzado en noviembre de 2016, que trata sobre los preparativos de la banda para la gira y sus experiencias durante la misma.
La película fue narrada por Paul Rudd y dirigida por Dale Heslip.
Rush grabó dos de sus conciertos en junio en Toronto para un álbum en vivo lanzado el 20 de noviembre de 2015.
También grabaron "The Wreckers" en Buffalo, NY en el concierto del 10 de junio de 2015 para el álbum, así como "The Camera Eye" en el concierto en Kansas City, MO el 9 de julio de 2015.
El álbum en vivo “R40 Live” alcanzó el número uno en la lista Billboard Top Rock Albums.
El 29 de abril de 2015, Lifeson dijo en una entrevista que “R40” podría ser la última gira a gran escala de Rush debido a su artritis psoriásica y la tendinitis crónica de Peart.
Señaló que no necesariamente significaba el fin de la banda, sugiriendo la posibilidad de giras más pequeñas y presentaciones limitadas. Dijo que quería trabajar en bandas sonoras con Lee.
Neil Peart publicó un libro sobre la gira titulado “Far and Wide: Bring That Horizon to Me!” el 13 de septiembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2015, Peart declaró en una entrevista que se retiraba.
Al día siguiente, Lee insistió en que los comentarios de Peart habían sido sacados de contexto y sugirió que "simplemente se estaba tomando un descanso".
Lifeson confirmó en 2016 que la gira “R40” fue la última gira a gran escala de la banda.
El 16 de enero de 2018, Lifeson declaró a The Globe and Mail que era improbable que Rush volviera a dar conciertos o grabar nuevo material.
Dijo: “No tenemos planes de volver a salir de gira ni de grabar más. Básicamente, hemos terminado. Después de 41 años, sentimos que era suficiente”.
En octubre de 2018, Rolling Stone publicó una entrevista con Lee, quien dijo: "Diría que no puedo decirles mucho más que no hay planes de volver a salir de gira. Como dije antes, somos muy cercanos y hablamos todo el tiempo, pero no hablamos de trabajo. Somos amigos y hablamos de la vida como amigos. Me temo que no puedo decirles más. Diría que no hay ninguna posibilidad de ver a Rush de gira de nuevo como Alex, Geddy y Neil. ¿Pero verían a uno de nosotros, a dos de nosotros o a los tres? Eso es posible”.
El 7 de enero de 2020, Peart falleció a los 67 años tras una batalla de tres años y medio contra el glioblastoma, un tipo de cáncer cerebral.
En 2021, Lee confirmó a Rolling Stone que Rush había terminado y expresó la imposibilidad de que la banda continuara sin Peart: “Eso se acabó, ¿verdad? Se acabó. Sigo estando muy orgulloso de lo que hicimos. No sé qué volveré a hacer en la música... Estoy seguro de que Al tampoco, ya sea juntos, por separado o lo que sea. Pero la música de Rush siempre será parte de nosotros... Nunca dudaría en tocar una de esas canciones en el contexto adecuado. Pero al mismo tiempo, hay que respetar lo que hicimos los tres con Neil”.
En una entrevista de enero de 2021 con Make Weird Music, Lifeson reveló que él y Lee estaban hablando de trabajar juntos en nueva música: "Ambos estamos ansiosos por volver a juntarnos y retomar eso que hemos hecho desde que teníamos 14 años y que nos encanta hacer... trabajamos muy, muy bien juntos. Así que veremos qué pasa con eso".
Lifeson reiteró el estado de Rush y la posibilidad de seguir trabajando con Lee en una entrevista de junio de 2021 con Eddie Trunk : "Es imposible que Rush vuelva a existir porque Neil ya no está aquí para formar parte de ello... eso no quiere decir que no podamos hacer otras cosas, cosas que beneficien a nuestras comunidades y todo eso. Tengo muchos planes para ese tipo de cosas que no necesariamente incluyen a Geddy. Me preguntan esto todo el tiempo: ¿vamos a hacer esto o vamos a hacer aquello? ¿Quién sabe? Lo único que sé es que todavía nos queremos y seguimos siendo muy, muy buenos amigos, y siempre lo seremos".
En agosto de 2022, Lee y Lifeson regresaron al escenario en el concierto del 25 aniversario de South Park en el Anfiteatro Red Rocks, con el cocreador de South Park, Matt Stone, en la batería para interpretar "Closer to the Heart" junto a los miembros de Primus; esta fue su primera actuación desde la muerte de Peart.
En septiembre de 2022, Lee y Lifeson actuaron en el concierto tributo a Taylor Hawkins en Londres con Dave Grohl y Omar Hakim en la batería.
Interpretaron "2112 : Overture", "Working Man" y "YYZ", esta última la canción favorita de Rush de Hawkins.
Más tarde, en septiembre de 2022, Lee y Lifeson tocaron el mismo set en el segundo espectáculo tributo a Taylor Hawkins en Los Ángeles.
Grohl fue el baterista nuevamente en "2112", Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers se unió a ellos para "Working Man", y Danny Carey de Tool tocó la batería para "YYZ".
Esas apariciones alimentaron la especulación sobre una posible reunión de Rush, con Paul McCartney (quien asistió a los conciertos tributo a Hawkins) instando a Lee y Lifeson a volver de gira, y Smith comentando: "Esos chicos están muy contentos de volver a tocar... Eran parte del espectáculo. Les encantaba y lo disfrutaban muchísimo. Esos chicos extrañan tocar. Ya no podían tocar, Neil ya no podía hacerlo, pero aún quieren tocar".
Lee le dijo a The Washington Post en noviembre de 2023 que no descartaba volver a tocar con Lifeson como Rush, diciendo: "Fue bueno saber que, si decidimos salir de gira, Alex y yo, ya sea que saliéramos como parte de algo nuevo, o si simplemente queríamos salir y tocar Rush como Rush, podríamos hacerlo ahora".
Cuando CBS News Sunday Morning le preguntó en diciembre de 2023 si él y Lifeson habían hablado sobre continuar como Rush con un nuevo baterista, Lee dijo: "¿Hemos hablado de eso? Sí. No es imposible, pero en este momento, no puedo garantizarlo".
Lifeson luego expresó optimismo sobre el futuro de la banda, afirmando que, "simplemente no está en nuestro ADN parar".
Lifeson dijo más tarde en una entrevista de enero de 2024 que ya no estaba interesado en salir de gira, citando artritis y expresando dudas de que pudiera tocar como lo hacía años atrás.
En mayo de 2024, Lifeson dijo que él y Lee estaban tocando canciones juntos, pero siguió descartando la posibilidad de volver a salir de gira.
Declaró que estaba "orgulloso del hecho" de que Rush "terminó cuando terminó".
También en mayo de 2024, Lee y Lifeson aparecieron juntos en el escenario en un concierto tributo a Gordon Lightfoot en el Massey Hall de Toronto, donde se unieron a Blue Rodeo para interpretar "The Way I Feel" de Lightfoot.
Una caja recopilatoria, titulada “Rush 50”, fue lanzada el 21 de marzo de 2025.
Además de las canciones de todos sus álbumes de estudio, la caja contiene grabaciones en vivo que datan de 1974 hasta el último concierto de la banda en 2015, y también marcó la primera vez que su sencillo debut de 1973, "Not Fade Away", y su cara B, "You Can't Fight It", estuvieron disponibles en cualquier otro formato.
Tras el lanzamiento de “Rush 50”, surgieron preocupaciones sobre la autenticidad y el valor artístico de la portada, ya que los fans de Rush especularon ampliamente que el director de arte Hugh Syme podría haber creado la portada de “Rush 50” utilizando herramientas de inteligencia artificial generativa.
El 6 de octubre de 2025, Lee y Lifeson anunciaron la reformación de Rush para una gira llamada “Fifty Something”, programada de junio a diciembre de 2026, con Anika Nilles en la batería.
Lee sugirió que la gira incluiría hasta dos músicos más, incluyendo un tecladista de acompañamiento.
Lee y Lifeson también declararon que se interpretarían 35 canciones en la gira, con la intención de variar el repertorio en cada concierto.
Lee dijo que él y Lifeson comenzaron a pensar más seriamente en una gira de reunión después de viajar a un balneario en Austria.
Dos años antes, Lifeson se había sometido a una cirugía que le dejó con gastroparesia.
Lee dijo que cuando regresaron a casa, ambos se sintieron dispuestos y capaces de considerar un pequeño número de fechas de gira en ciudades limitadas de Norteamérica.
Lo que comenzó como 12 fechas rápidamente se convirtió en 58 conciertos con la adición de más ciudades.
Cuando se le preguntó en una entrevista con The Globe and Mail si la gira incluiría fechas fuera de Norteamérica, Lee dijo: "Estamos lidiando con extender la gira hasta 2027. Realmente no lo sé. Ya veremos cómo se desarrolla todo".
El 23 de febrero de 2026, Rush anunció que su primera gira fuera de Norteamérica se llevará a cabo de enero a abril de 2027, comenzando con sus primeras fechas en vivo en Sudamérica en diecisiete años, seguidas de la primera gira de la banda en Europa en catorce años.
Rush agregó al ex tecladista de Chicago, Loren Gold, como músico de gira a finales de febrero de 2026; su llegada a la banda marcó la primera vez desde la partida del segundo guitarrista Mitch Bossi de Rush en 1972 que han actuado juntos como cuarteto en lugar de trío.
En enero de 2026, Lee reveló en una entrevista con Music Radar que existía la posibilidad de que Rush lanzara nueva música al finalizar la gira, diciendo: "Quién sabe qué pasará, pero sospecho que eventualmente saldrá algo de música", y agregó: "Sería divertido ver lo que [Nilles] puede hacer en una situación creativa. O sea, eso sería divertido. Pero todo es especulación hasta que deje de serlo".
Cuando se le preguntó en agosto si la nueva formación de Rush ya había pensado en grabar nueva música, Lee dijo: "No. Tenemos suficiente que hacer. Todavía estamos tratando de recordar las viejas canciones y tocarlas".
El 29 de marzo de 2026, Rush ofreció una actuación sorpresa en los Premios Juno, interpretando "Finding My Way" con su nueva formación.
Geddy Lee en solitario y en proyectos paralelos
“My Favourite Headache”, el álbum en solitario de Lee, se publicó mientras Rush estaba en pausa tras la muerte de la hija y la esposa de Neil Peart.
Entre los músicos asociados al proyecto se encuentran su amigo y colaborador de Rush, Ben Mink, y el baterista Matt Cameron de Soundgarden y Pearl Jam.
El álbum fue lanzado el 14 de noviembre de 2000 por Anthem Records en Canadá y Atlantic Records fuera de Canadá.
Tanto la canción que da título al álbum como "Grace to Grace" se emitieron en las principales emisoras de radio de rock.
Aunque Lee compuso la mayor parte del álbum con el bajo, no solo escribía líneas melódicas; también tocaba acordes. En algunos casos, superpuso varias pistas de bajo en diferentes capas de los arreglos.
Lee dijo sobre el álbum: "Creo que me metí en este proyecto casi por casualidad. Nunca he tenido un gran deseo de hacer una declaración individual, y ciertamente no quería más atención. Satisfago gran parte de mi identidad musical en el contexto de Rush, así que no tengo grandes frustraciones desde ese punto de vista. Pero de vez en cuando, uno se pregunta: '¿Cómo es estar ahí fuera? ¿Cómo es trabajar con otras personas?'".
Lee explica cómo escribió la letra de “My Favourite Headache” : "La mayoría de la gente es así: piensa en cosas durante el día. La mente va a ciertos lugares, recuerda cosas e intenta comprenderlas. Recordarse a uno mismo que hay que escribir esas cosas es muy útil. Luego, días después, vuelves a ellas, las analizas y les das forma lírica a lo que sentiste al escribirlas. Para mí, lo que siento sobre lo que escribí se convierte en una canción".
“My Favourite Headache” alcanzó el puesto número 52 en la lista Billboard 200.
El álbum también llegó al número 10 en la lista de álbumes de metal de Canadá.
En abril de 2025, Geddy Lee lanzó un sencillo de 12" titulado “The Lost Demos”, que consistía en regrabaciones de dos demos inéditos de “My Favourite Headache”.
En la semana de su lanzamiento, “The Lost Demos” alcanzó el puesto 30 en la lista oficial de sencillos físicos y en la lista oficial de sencillos en vinilo del Reino Unido, y la cara A , "Gone", alcanzó el puesto 62 en la lista de sencillos del Reino Unido.
La mayor parte del trabajo musical de Lee ha sido con Rush.
Sin embargo, Lee también ha contribuido a otros proyectos fuera de su participación con la banda mediante colaboraciones y producción de álbumes.
En 1980, Lee fue contratado para producir a Wireless, una banda de Toronto que anteriormente había sido telonera de Rush y estaba a punto de separarse.
Con Lee al mando, el grupo grabó su tercer y último álbum, “No Static”, publicado por el sello de Rush, Anthem Records.
En 1981, Lee fue el invitado especial de la exitosa canción "Take Off" y su comentario cómico incluido con Bob y Doug McKenzie (interpretados por Rick Moranis y Dave Thomas, respectivamente) para el álbum de comedia de los hermanos McKenzie, “Great White North”, que fue lanzado por el sello Anthem de Rush.
Si bien Rush ha tenido un gran éxito vendiendo álbumes, "Take Off" es el sencillo que alcanzó la posición más alta en la lista Billboard Hot 100 de la carrera de Lee.
En 1982, Lee produjo el primer (y único) álbum de la banda de new wave de Toronto Boys Brigade.
En el álbum de 1985 “We Are the World”, del consorcio humanitario USA for Africa, Lee grabó voces invitadas para la canción "Tears Are Not Enough".
Lee cantó "O Canada", el himno nacional canadiense, en el Camden Yards de Baltimore para el Juego de Estrellas de las Grandes Ligas de Béisbol de 1993.
Otra versión de "O Canada", con arreglos de rock, fue grabada por Lee y Lifeson para la banda sonora de la película de 1999 “South Park: Bigger, Longer, and Uncut”.
Lee también toca el bajo en la canción "Good for Sule" de la banda de rock canadiense I Mother Earth, que aparece en el álbum “Blue Green Orange” de 1999 del grupo.
Junto con sus compañeros de banda, Lee fue músico invitado en la canción "Battle Scar" de Max Webster, del álbum “Universal Juveniles” de 1980.
Lee apareció en el video musical de Broken Social Scene para su sencillo de 2006 "Fire Eye'd Boy", juzgando a la banda mientras realizaba varias tareas musicales.
En 2006, Lee se unió al supergrupo de Lifeson, The Big Dirty Band, para proporcionar canciones que acompañaran a “Trailer Park Boys: The Movie”.
En 2017, Lee actuó en lugar del fallecido bajista Chris Squire con Yes durante la inducción de la banda al Salón de la Fama del Rock and Roll, tocando el bajo para la canción "Roundabout".
En 2018, Lee publicó “Geddy Lee's Big Beautiful Book of Bass”, que destaca su colección de más de 200 bajos junto con entrevistas con algunos de los bajistas y técnicos de bajos más importantes.
En 2020, Lee participó como vocalista invitado en una interpretación canadiense estelar de la canción del fallecido Bill Withers, "Lean on Me", durante el especial de televisión “Stronger Together, Tous Ensemble”, una presentación benéfica canadiense transmitida simultáneamente por todas las principales cadenas de televisión de Canadá como beneficio para Food Banks Canada durante la pandemia de COVID-19.
En 2020, Rolling Stone lo clasificó como el 24º mejor bajista de todos los tiempos.
En septiembre de 2021, el líder de Barenaked Ladies, Ed Robertson, reveló que estaba trabajando en un "proyecto secreto" con Lee, que resultó ser un proyecto para una máquina de pinball de Rush.
En 2022, apareció como estrella invitada interpretando a Thomas Sawyer en el aclamado y longevo drama de época de la CBC, “Murdoch Mysteries”.
En noviembre de 2023, Lee publicó una autobiografía titulada “My Effin' Life. El libro fue promocionado con una gira de 19 fechas por el Reino Unido y Norteamérica.
El 5 de diciembre de 2023, Paramount+ lanzó una serie de videos titulada "Geddy Lee pregunta: ¿Los bajistas también son humanos?".
Se emitieron cuatro episodios con Les Claypool, Robert Trujillo, Melissa Auf der Maur y Krist Novoselic. En cada episodio, Lee visita y conversa con el bajista invitado.
Estilo
Al igual que Cream, Rush siguió el modelo de un "power trío", con Lee tocando el bajo y cantando.
La voz de Lee producía un "contratenor" distintivo y resonante.
Lee poseía un rango vocal de tres octavas que abarcaba desde barítono hasta tenor, contralto y mezzosoprano; sin embargo, su voz se ha vuelto más grave con la edad.
El estilo de Lee es ampliamente reconocido por su uso de agudos altos, su interpretación muy enérgica de las cuerdas y por utilizar el bajo como instrumento principal, a menudo en contrapunto con la guitarra de Lifeson.
Legado e influencia
El escritor de la industria musical Christopher Buttner, quien entrevistó a Lee en 1996, lo describió como un prodigio y un "modelo a seguir" para lo que todo músico quiere ser, destacando su destreza en el escenario.
Buttner citó la habilidad de Lee para variar las métricas, tocar varios teclados, usar controladores de pedal de bajo y controlar secuenciadores, todo mientras cantaba la voz principal en hasta tres micrófonos.
Buttner agrega que pocos músicos de cualquier instrumento "pueden hacer malabares con la mitad de lo que Geddy puede hacer sin literalmente caerse de culo".
Como resultado, señala Tom Mulhern, la instrumentación de Lee era el "pulso" del grupo y creó una "sección rítmica de un solo hombre", que complementaba al guitarrista Alex Lifeson y al percusionista Neil Peart.
El instructor de bajo Allan Slutsky, o "Dr. Licks", atribuye a las "líneas de bajo mordaces y de alta gama y al trabajo creativo con el sintetizador" de Lee el haber ayudado al grupo a convertirse en "uno de los más innovadores" de todos los grupos que tocan rock de estadio.
En 1989, la revista Guitar Player había designado a Lee como el "Mejor bajista de rock" según su encuesta de lectores de los cinco años anteriores.
Greg Prato de AllMusic escribió que "pocos bajistas de hard rock han sido tan influyentes como Geddy Lee de Rush".
Entre los bajistas que han citado a Lee como influencia se encuentran Cliff Burton de Metallica; Steve Harris de Iron Maiden; John Myung de Dream Theater; Les Claypool de Primus; Steve Di Giorgio de Sadus, Death y Testament; y Tim Commerford de Rage Against the Machine y Audioslave.
Guitarras y bajos
Lee también colecciona guitarras y bajos. Tiene una colección de más de 250 bajos antiguos.
Posee un Fender Precision Bass de 1961 que perteneció a John Entwistle de The Who.
También posee dos Fender Jazz Bass de 1964 en el raro color Dakota Red.
En 2019, Lee envió varias de sus guitarras a Mecum Auctions, incluyendo una Les Paul Standard de 1959, una Gibson ES-345 de 1960, una Fender Stratocaster de 1955, una Gibson ES-335 de 1960, una Gibson ES-335 de 1965 y una Gibson Flying V de 1967.
Equipo utilizado
Bajos
En los primeros días de Rush, hasta su álbum debut, Lee usó un Fender Precision Bass, y finalmente mandó modificar y repintar su cuerpo con una forma de "lágrima" azul.
Inspirado por el sonido distintivo del bajista de Yes, Chris Squire, Lee adquirió un bajo Rickenbacker 4001 negro, que siguió siendo su instrumento principal desde la década de 1970 hasta principios de la de 1980.
Durante la "era de los sintetizadores" de la banda a mediados de la década de 1980, Lee usó bajos Steinberger y luego Wal, este último descrito como de tono más "jazzístico".
A partir de “Counterparts” de 1993, Lee comenzó a usar el Fender Jazz Bass casi exclusivamente, volviendo a su característico sonido de agudos altos.
Lee había usado por primera vez el Jazz Bass (junto con su Rickenbacker) para grabar “Moving Pictures” en canciones como "Tom Sawyer".
En 1998, Fender lanzó el Geddy Lee Jazz Bass, disponible en negro y sunburst de 3 colores (a partir de 2009).
Este modelo signature es una recreación del bajo favorito de Lee, un Fender Jazz de 1972 que compró en una casa de empeños en Kalamazoo, Michigan, en 1978.
En 2015, Fender lanzó un modelo revisado para EE. UU. de su bajo signature, con la mayoría de los cambios reflejando los que Lee había hecho a su propio instrumento a lo largo de los años.
Lee ha sido usuario de cuerdas RotoSound durante mucho tiempo.
Utiliza Swing Bass RS66LD (.45-.105) en la mayoría de sus bajos, pero utilizó Funkmaster FM66(.30-.90) en sus bajos Wal desde 1985 hasta 1992.
Amplificación
Para la gira de Rush de 2010, Lee utilizó dos cabezales de bajo Orange AD200 junto con dos gabinetes de bajo OBC410 4x10.
Teclados y sintetizadores
A lo largo de los años, Lee ha utilizado sintetizadores de Oberheim (Oberheim Eight Voice, OB-1, OB-X, OB-Xa), PPG (Wave 2.2 y 2.3), Roland (Jupiter 8, D-50, XV-5080 y Fantom X7), Moog (Minimoog, pedales Taurus, Little Phatty) y Yamaha (DX7, KX76).
Actuaciones en directo: equipo especial
Los avances más recientes en la tecnología de sintetizadores y samplers han permitido a Lee almacenar sonidos familiares de sus antiguos sintetizadores junto con otros nuevos en sintetizadores/samplers combinados, como el Roland XV-5080.
Para los conciertos en vivo de 2002 y 2004, Lee y su técnico de teclados utilizaron las capacidades de reproducción del XV-5080 para generar prácticamente todos los sonidos de teclado de Rush hasta la fecha y pasajes de sonido complejos adicionales que antes requerían varias máquinas a la vez para su producción.
Para activar estos sonidos en tiempo real, Lee utiliza controladores MIDI, ubicados en los lugares del escenario donde tiene un soporte de micrófono.
Lee utiliza dos tipos de controladores MIDI: uno se asemeja a un teclado sintetizador tradicional sobre un soporte (Yamaha KX76).
El segundo tipo es un gran teclado de pedal colocado en el suelo del escenario (Korg MPK-130, Roland PK-5).
En conjunto, permiten a Lee usar sus manos y pies libres para activar sonidos en equipos electrónicos que se han colocado fuera del escenario.
Con esta tecnología, Lee y sus compañeros de banda pueden presentar sus arreglos en vivo con el nivel de complejidad y fidelidad que los fans esperan y sin necesidad de recurrir al uso de pistas de acompañamiento o emplear a un miembro adicional de la banda.
Durante la gira “Clockwork Angels”, una excepción notable fue cuando un conjunto de cuerdas interpretó partes de cuerda, originalmente arregladas y dirigidas por David Campbell en “Clockwork Angels”.
Equipos de escenario únicos
En 1996, Lee dejó de usar amplificadores de bajo tradicionales en el escenario y optó por conectar las señales del bajo directamente a la consola de sonido principal de la gira para mejorar el control y la definición del sonido.
Comenzó a usar unidades Tech 21 SansAmp después de experimentar con una en el estudio destinada a la guitarra de Alex Lifeson y finalmente recibió modelos signature de la compañía, en particular el GED-2112 para montaje en rack.
Ante el dilema de qué hacer con el espacio vacío que quedaba por la falta de grandes gabinetes de amplificadores, Lee optó por decorar su lado del escenario con objetos inusuales.
La gira “Snakes & Arrows” exhibió prominentemente tres hornos de pollo asado de la marca Henhouse en el escenario, con un asistente con gorro y delantal de chef para "cuidar" a los pollos durante los espectáculos.
Premios
1990: La Real Sociedad Astronómica de Canadá nombró al asteroide (12272) Geddylee
1994: Con Rush, fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Juno
1996: Oficial de la Orden de Canadá, junto con sus compañeros de banda Alex Lifeson y Neil Peart. El trío fue la primera banda de rock en recibir este honor
2007: Mejor álbum para bajo (Snakes & Arrows) – Revista Bass Player
2010: Con Rush, estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
2012: Medalla del Jubileo de Diamante de la Reina Isabel II
2013: Con Rush, miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll
2021: Premio a la trayectoria por su labor filantrópica en la gala anual de Artistas por la Paz y la Justicia (APJ)
Nota de Presidemente: Os dejo un artículo publicado por Hector Muñoz Tapia en futuro.cl el 10 de agosto de 2026
¿Habrá nueva música de Rush? Geddy Lee revela la cruda realidad tras su histórico regreso
El bajista explica por qué la banda ha descartado grabar música nueva por ahora. Descubre los detalles de su agotadora gira "50 Something Tour", los retos de su nueva formación y qué esperar de la banda en 2027.
El regreso de Rush a los escenarios con su gira "50 Something Tour" ha desatado una euforia global, pero también ha dejado una pregunta en el aire: ¿entrarán Geddy Lee y Alex Lifeson al estudio para grabar material inédito?
Tras 11 años de silencio discográfico y el fallecimiento del legendario Neil Peart, Lee ha decidido hablar con total honestidad sobre las prioridades actuales de la banda, dejando claro que, por el momento, la creatividad en el estudio ha quedado en segundo plano frente a la exigencia de la carretera.
El rotundo «No» a la música nueva (por ahora)
A pesar del deseo de los fanáticos, Geddy Lee ha sido tajante al respecto en su reciente entrevista con Pato Cuevas para Radio Futuro.
Al ser consultado sobre si existen planes para nuevas composiciones, el bajista respondió firmemente: "No. Tenemos suficiente que hacer. ¡Todavía estamos tratando de recordar las canciones viejas y tocarlas!".
Esta declaración marca un cambio de tono respecto a lo que Lee comentó a principios de año.
En enero, el músico se mostraba un poco más abierto a la posibilidad: "Hay demasiado trabajo que hacer para esta gira como para pensar en eso. Pero si logramos sobrevivir al tour, regresar a Canadá y descansar, quién sabe qué pasará, pero sospecho que eventualmente saldrá algo de música".
Sin embargo, la realidad de la gira actual parece haber consumido toda su atención.
La gira más exigente de sus vidas
Para que Rush pudiera volver a sonar como la maquinaria perfecta que siempre fue, Lee y Lifeson se sometieron a un régimen de ensayos sin precedentes, acompañados por la baterista Anika Nilles y el tecladista Loren Gold.
El nivel de preparación fue tan intenso que Lee admite que nunca se habían esforzado tanto.
"El último mes [de ensayos] tocamos el show completo 24 noches de 27 días. Nunca hemos trabajado tan duro en todas nuestras vidas", confesó el músico.
Lee destacó especialmente el reto de Nilles, quien tuvo que aprender cerca de 43 canciones complejas en un año.
Para ayudarla a adaptarse al estilo único de la banda, Lee le dio un consejo vital: "Mira, estas son canciones complicadas. Vas a cometer un error. No se trata del error, sino de cómo te recuperas de él. Así que solo toca; sigue tocando y no te preocupes".
Un legado que desafía las leyes de la música
Geddy Lee también reflexionó sobre la naturaleza intrínseca de sus composiciones y lo difícil que es para un músico externo replicarlas.
"Cuando escribes una parte, automáticamente está en tu ADN; la entiendes de adentro hacia afuera. Pero cuando vienes a aprenderla como un extraño, intentas descomponerla según las leyes de la música, ¡y nuestras canciones no se adhieren a las leyes de la música!", explicó con orgullo.
A pesar del agotamiento físico y mental, Lee asegura que la conexión actual en el escenario es genuina y emocionante.
"Estoy extasiado de que estemos tocando tan bien… No estoy fingiendo cuando me ves sonriendo allá arriba".
El futuro: Disfrutar mientras el cuerpo lo permita
Con 73 años a sus espaldas, Geddy Lee es muy consciente de que el tiempo es un recurso limitado.
Aunque la gira se extenderá por Europa y Sudamérica en 2027, el bajista afronta cada noche con una mezcla de gratitud y realismo sobre su condición física.
"Es un momento gozoso para mí, y sé que solo quedan una cierta cantidad de conciertos en mi cuerpo, así que voy a disfrutarlos mientras pueda", admitió Lee de forma conmovedora.
Por ahora, los fans de Rush tendrán que conformarse con la magia del directo y el próximo documental de la CBC, "Neil Peart: No One’s Disciple", donde Lee y Lifeson prometen "corazones a corazones íntimos" recordando a su eterno compañero.
Discografía
Álbumes de estudio
Rush (1974)
Fly by Night (1975)
Caress of Steel (1975)
2112 (1976)
A Farewell to Kings (1977)
Hemispheres (1978)
Permanent Waves (1980)
Moving Pictures (1981)
Signals (1982)
Grace Under Pressure (1984)
Power Windows (1985)
Hold Your Fire (1987)
Presto (1989)
Roll the Bones (1991)
Counterparts (1993)
Test for Echo (1996)
Vapor Trails (2002)
Snakes & Arrows (2007)
Clockwork Angels (2012)
Álbumes en directo
All the World's a Stage (1976)
Exit...Stage Left (1981)
A Show of Hands (1989)
Different Stages (1998)
Rush in Rio (2003)
R30: 30th Anniversary World Tour (2005)
Snakes & Arrows Live (2008)
Grace Under Pressure Tour (2009)
Time Machine 2011: Live in Cleveland (2011)
ABC 1974 (2011)
Clockwork Angels Tour (2013)
Spirit of the Airwaves (2014)
The Lady Gone Electric: New York City 1974 (2015)
R40 Live (2015)
2112 in Concert (2020)
An Evening with 1997 (2020)
Álbumes recopilatorios
Rush Through Time (1979)
Chronicles (1990)
Retrospective I (1997)
Retrospective II (1997)
The Spirit of Radio: Greatest Hits 1974–1987 (2003)
Gold (2006)
Retrospective III: 1989–2008 (2009)
Working Men (2009)
Time Stand Still: The Collection (2010)
Icon (2010)
Icon 2 (2011)
Rush 50 (2025)
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, futuro.cl, Wikipedia y flickr.com
Geddy Lee (Octava parte)
En septiembre de 2014, se anunció el set de caja “Rush R40” para conmemorar el 40 aniversario del lanzamiento del álbum debut homónimo de la banda.
Incluía cinco álbumes de video en vivo previamente publicados y varias grabaciones inéditas de toda la carrera de la banda.
El 22 de enero de 2015, la banda anunció la gira “Rush R40”, celebrando el 40 aniversario de la incorporación de Peart a la banda.
La gira comenzó el 8 de mayo en Tulsa, Oklahoma, y concluyó el 1 de agosto en Los Ángeles.
La gira recaudó 37,8 millones de dólares, con 442.337 entradas vendidas en 35 conciertos.
Aunque la gira fue más corta que muchas de las giras anteriores de Rush, fue muy exitosa en términos de asistencia promedio por concierto y recaudación, que fue de 12.638 y 1.080.000 USD respectivamente.
La gira también registró más agotamiento de entradas que cualquier otra gira de Rush en la memoria reciente.
Con 26 de los 33 conciertos reportados con entradas agotadas, y los 7 restantes aún con más del 90% de capacidad, la banda sintió nuevamente el éxito de sus años dorados.
Esta fue la última gira de Rush con Peart antes de su muerte en 2020, y la última antes de disolverse durante diez años.
Si bien su repertorio estaba concebido para representar su discografía en orden inverso, ninguna canción del EP “Feedback” (2004) ni de los álbumes “Test for Echo” (1996), “Presto” (1989), “Hold Your Fire” (1987) o “Power Windows” (1985) se interpretó durante toda la gira.
Los conciertos realizados el 17 y 19 de junio de 2015 en el Air Canada Centre de Toronto fueron filmados y lanzados como la película de concierto “R40 Live” el 20 de noviembre de 2015.
Un documental titulado “Rush: Time Stand Still” fue lanzado en noviembre de 2016, que trata sobre los preparativos de la banda para la gira y sus experiencias durante la misma.
La película fue narrada por Paul Rudd y dirigida por Dale Heslip.
Rush grabó dos de sus conciertos en junio en Toronto para un álbum en vivo lanzado el 20 de noviembre de 2015.
También grabaron "The Wreckers" en Buffalo, NY en el concierto del 10 de junio de 2015 para el álbum, así como "The Camera Eye" en el concierto en Kansas City, MO el 9 de julio de 2015.
El álbum en vivo “R40 Live” alcanzó el número uno en la lista Billboard Top Rock Albums.
El 29 de abril de 2015, Lifeson dijo en una entrevista que “R40” podría ser la última gira a gran escala de Rush debido a su artritis psoriásica y la tendinitis crónica de Peart.
Señaló que no necesariamente significaba el fin de la banda, sugiriendo la posibilidad de giras más pequeñas y presentaciones limitadas. Dijo que quería trabajar en bandas sonoras con Lee.
Neil Peart publicó un libro sobre la gira titulado “Far and Wide: Bring That Horizon to Me!” el 13 de septiembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2015, Peart declaró en una entrevista que se retiraba.
Al día siguiente, Lee insistió en que los comentarios de Peart habían sido sacados de contexto y sugirió que "simplemente se estaba tomando un descanso".
Lifeson confirmó en 2016 que la gira “R40” fue la última gira a gran escala de la banda.
El 16 de enero de 2018, Lifeson declaró a The Globe and Mail que era improbable que Rush volviera a dar conciertos o grabar nuevo material.
Dijo: “No tenemos planes de volver a salir de gira ni de grabar más. Básicamente, hemos terminado. Después de 41 años, sentimos que era suficiente”.
En octubre de 2018, Rolling Stone publicó una entrevista con Lee, quien dijo: "Diría que no puedo decirles mucho más que no hay planes de volver a salir de gira. Como dije antes, somos muy cercanos y hablamos todo el tiempo, pero no hablamos de trabajo. Somos amigos y hablamos de la vida como amigos. Me temo que no puedo decirles más. Diría que no hay ninguna posibilidad de ver a Rush de gira de nuevo como Alex, Geddy y Neil. ¿Pero verían a uno de nosotros, a dos de nosotros o a los tres? Eso es posible”.
El 7 de enero de 2020, Peart falleció a los 67 años tras una batalla de tres años y medio contra el glioblastoma, un tipo de cáncer cerebral.
En 2021, Lee confirmó a Rolling Stone que Rush había terminado y expresó la imposibilidad de que la banda continuara sin Peart: “Eso se acabó, ¿verdad? Se acabó. Sigo estando muy orgulloso de lo que hicimos. No sé qué volveré a hacer en la música... Estoy seguro de que Al tampoco, ya sea juntos, por separado o lo que sea. Pero la música de Rush siempre será parte de nosotros... Nunca dudaría en tocar una de esas canciones en el contexto adecuado. Pero al mismo tiempo, hay que respetar lo que hicimos los tres con Neil”.
En una entrevista de enero de 2021 con Make Weird Music, Lifeson reveló que él y Lee estaban hablando de trabajar juntos en nueva música: "Ambos estamos ansiosos por volver a juntarnos y retomar eso que hemos hecho desde que teníamos 14 años y que nos encanta hacer... trabajamos muy, muy bien juntos. Así que veremos qué pasa con eso".
Lifeson reiteró el estado de Rush y la posibilidad de seguir trabajando con Lee en una entrevista de junio de 2021 con Eddie Trunk : "Es imposible que Rush vuelva a existir porque Neil ya no está aquí para formar parte de ello... eso no quiere decir que no podamos hacer otras cosas, cosas que beneficien a nuestras comunidades y todo eso. Tengo muchos planes para ese tipo de cosas que no necesariamente incluyen a Geddy. Me preguntan esto todo el tiempo: ¿vamos a hacer esto o vamos a hacer aquello? ¿Quién sabe? Lo único que sé es que todavía nos queremos y seguimos siendo muy, muy buenos amigos, y siempre lo seremos".
En agosto de 2022, Lee y Lifeson regresaron al escenario en el concierto del 25 aniversario de South Park en el Anfiteatro Red Rocks, con el cocreador de South Park, Matt Stone, en la batería para interpretar "Closer to the Heart" junto a los miembros de Primus; esta fue su primera actuación desde la muerte de Peart.
En septiembre de 2022, Lee y Lifeson actuaron en el concierto tributo a Taylor Hawkins en Londres con Dave Grohl y Omar Hakim en la batería.
Interpretaron "2112 : Overture", "Working Man" y "YYZ", esta última la canción favorita de Rush de Hawkins.
Más tarde, en septiembre de 2022, Lee y Lifeson tocaron el mismo set en el segundo espectáculo tributo a Taylor Hawkins en Los Ángeles.
Grohl fue el baterista nuevamente en "2112", Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers se unió a ellos para "Working Man", y Danny Carey de Tool tocó la batería para "YYZ".
Esas apariciones alimentaron la especulación sobre una posible reunión de Rush, con Paul McCartney (quien asistió a los conciertos tributo a Hawkins) instando a Lee y Lifeson a volver de gira, y Smith comentando: "Esos chicos están muy contentos de volver a tocar... Eran parte del espectáculo. Les encantaba y lo disfrutaban muchísimo. Esos chicos extrañan tocar. Ya no podían tocar, Neil ya no podía hacerlo, pero aún quieren tocar".
Lee le dijo a The Washington Post en noviembre de 2023 que no descartaba volver a tocar con Lifeson como Rush, diciendo: "Fue bueno saber que, si decidimos salir de gira, Alex y yo, ya sea que saliéramos como parte de algo nuevo, o si simplemente queríamos salir y tocar Rush como Rush, podríamos hacerlo ahora".
Cuando CBS News Sunday Morning le preguntó en diciembre de 2023 si él y Lifeson habían hablado sobre continuar como Rush con un nuevo baterista, Lee dijo: "¿Hemos hablado de eso? Sí. No es imposible, pero en este momento, no puedo garantizarlo".
Lifeson luego expresó optimismo sobre el futuro de la banda, afirmando que, "simplemente no está en nuestro ADN parar".
Lifeson dijo más tarde en una entrevista de enero de 2024 que ya no estaba interesado en salir de gira, citando artritis y expresando dudas de que pudiera tocar como lo hacía años atrás.
En mayo de 2024, Lifeson dijo que él y Lee estaban tocando canciones juntos, pero siguió descartando la posibilidad de volver a salir de gira.
Declaró que estaba "orgulloso del hecho" de que Rush "terminó cuando terminó".
También en mayo de 2024, Lee y Lifeson aparecieron juntos en el escenario en un concierto tributo a Gordon Lightfoot en el Massey Hall de Toronto, donde se unieron a Blue Rodeo para interpretar "The Way I Feel" de Lightfoot.
Una caja recopilatoria, titulada “Rush 50”, fue lanzada el 21 de marzo de 2025.
Además de las canciones de todos sus álbumes de estudio, la caja contiene grabaciones en vivo que datan de 1974 hasta el último concierto de la banda en 2015, y también marcó la primera vez que su sencillo debut de 1973, "Not Fade Away", y su cara B, "You Can't Fight It", estuvieron disponibles en cualquier otro formato.
Tras el lanzamiento de “Rush 50”, surgieron preocupaciones sobre la autenticidad y el valor artístico de la portada, ya que los fans de Rush especularon ampliamente que el director de arte Hugh Syme podría haber creado la portada de “Rush 50” utilizando herramientas de inteligencia artificial generativa.
El 6 de octubre de 2025, Lee y Lifeson anunciaron la reformación de Rush para una gira llamada “Fifty Something”, programada de junio a diciembre de 2026, con Anika Nilles en la batería.
Lee sugirió que la gira incluiría hasta dos músicos más, incluyendo un tecladista de acompañamiento.
Lee y Lifeson también declararon que se interpretarían 35 canciones en la gira, con la intención de variar el repertorio en cada concierto.
Lee dijo que él y Lifeson comenzaron a pensar más seriamente en una gira de reunión después de viajar a un balneario en Austria.
Dos años antes, Lifeson se había sometido a una cirugía que le dejó con gastroparesia.
Lee dijo que cuando regresaron a casa, ambos se sintieron dispuestos y capaces de considerar un pequeño número de fechas de gira en ciudades limitadas de Norteamérica.
Lo que comenzó como 12 fechas rápidamente se convirtió en 58 conciertos con la adición de más ciudades.
Cuando se le preguntó en una entrevista con The Globe and Mail si la gira incluiría fechas fuera de Norteamérica, Lee dijo: "Estamos lidiando con extender la gira hasta 2027. Realmente no lo sé. Ya veremos cómo se desarrolla todo".
El 23 de febrero de 2026, Rush anunció que su primera gira fuera de Norteamérica se llevará a cabo de enero a abril de 2027, comenzando con sus primeras fechas en vivo en Sudamérica en diecisiete años, seguidas de la primera gira de la banda en Europa en catorce años.
Rush agregó al ex tecladista de Chicago, Loren Gold, como músico de gira a finales de febrero de 2026; su llegada a la banda marcó la primera vez desde la partida del segundo guitarrista Mitch Bossi de Rush en 1972 que han actuado juntos como cuarteto en lugar de trío.
En enero de 2026, Lee reveló en una entrevista con Music Radar que existía la posibilidad de que Rush lanzara nueva música al finalizar la gira, diciendo: "Quién sabe qué pasará, pero sospecho que eventualmente saldrá algo de música", y agregó: "Sería divertido ver lo que [Nilles] puede hacer en una situación creativa. O sea, eso sería divertido. Pero todo es especulación hasta que deje de serlo".
Cuando se le preguntó en agosto si la nueva formación de Rush ya había pensado en grabar nueva música, Lee dijo: "No. Tenemos suficiente que hacer. Todavía estamos tratando de recordar las viejas canciones y tocarlas".
El 29 de marzo de 2026, Rush ofreció una actuación sorpresa en los Premios Juno, interpretando "Finding My Way" con su nueva formación.
Geddy Lee en solitario y en proyectos paralelos
“My Favourite Headache”, el álbum en solitario de Lee, se publicó mientras Rush estaba en pausa tras la muerte de la hija y la esposa de Neil Peart.
Entre los músicos asociados al proyecto se encuentran su amigo y colaborador de Rush, Ben Mink, y el baterista Matt Cameron de Soundgarden y Pearl Jam.
El álbum fue lanzado el 14 de noviembre de 2000 por Anthem Records en Canadá y Atlantic Records fuera de Canadá.
Tanto la canción que da título al álbum como "Grace to Grace" se emitieron en las principales emisoras de radio de rock.
Aunque Lee compuso la mayor parte del álbum con el bajo, no solo escribía líneas melódicas; también tocaba acordes. En algunos casos, superpuso varias pistas de bajo en diferentes capas de los arreglos.
Lee dijo sobre el álbum: "Creo que me metí en este proyecto casi por casualidad. Nunca he tenido un gran deseo de hacer una declaración individual, y ciertamente no quería más atención. Satisfago gran parte de mi identidad musical en el contexto de Rush, así que no tengo grandes frustraciones desde ese punto de vista. Pero de vez en cuando, uno se pregunta: '¿Cómo es estar ahí fuera? ¿Cómo es trabajar con otras personas?'".
Lee explica cómo escribió la letra de “My Favourite Headache” : "La mayoría de la gente es así: piensa en cosas durante el día. La mente va a ciertos lugares, recuerda cosas e intenta comprenderlas. Recordarse a uno mismo que hay que escribir esas cosas es muy útil. Luego, días después, vuelves a ellas, las analizas y les das forma lírica a lo que sentiste al escribirlas. Para mí, lo que siento sobre lo que escribí se convierte en una canción".
“My Favourite Headache” alcanzó el puesto número 52 en la lista Billboard 200.
El álbum también llegó al número 10 en la lista de álbumes de metal de Canadá.
En abril de 2025, Geddy Lee lanzó un sencillo de 12" titulado “The Lost Demos”, que consistía en regrabaciones de dos demos inéditos de “My Favourite Headache”.
En la semana de su lanzamiento, “The Lost Demos” alcanzó el puesto 30 en la lista oficial de sencillos físicos y en la lista oficial de sencillos en vinilo del Reino Unido, y la cara A , "Gone", alcanzó el puesto 62 en la lista de sencillos del Reino Unido.
La mayor parte del trabajo musical de Lee ha sido con Rush.
Sin embargo, Lee también ha contribuido a otros proyectos fuera de su participación con la banda mediante colaboraciones y producción de álbumes.
En 1980, Lee fue contratado para producir a Wireless, una banda de Toronto que anteriormente había sido telonera de Rush y estaba a punto de separarse.
Con Lee al mando, el grupo grabó su tercer y último álbum, “No Static”, publicado por el sello de Rush, Anthem Records.
En 1981, Lee fue el invitado especial de la exitosa canción "Take Off" y su comentario cómico incluido con Bob y Doug McKenzie (interpretados por Rick Moranis y Dave Thomas, respectivamente) para el álbum de comedia de los hermanos McKenzie, “Great White North”, que fue lanzado por el sello Anthem de Rush.
Si bien Rush ha tenido un gran éxito vendiendo álbumes, "Take Off" es el sencillo que alcanzó la posición más alta en la lista Billboard Hot 100 de la carrera de Lee.
En 1982, Lee produjo el primer (y único) álbum de la banda de new wave de Toronto Boys Brigade.
En el álbum de 1985 “We Are the World”, del consorcio humanitario USA for Africa, Lee grabó voces invitadas para la canción "Tears Are Not Enough".
Lee cantó "O Canada", el himno nacional canadiense, en el Camden Yards de Baltimore para el Juego de Estrellas de las Grandes Ligas de Béisbol de 1993.
Otra versión de "O Canada", con arreglos de rock, fue grabada por Lee y Lifeson para la banda sonora de la película de 1999 “South Park: Bigger, Longer, and Uncut”.
Lee también toca el bajo en la canción "Good for Sule" de la banda de rock canadiense I Mother Earth, que aparece en el álbum “Blue Green Orange” de 1999 del grupo.
Junto con sus compañeros de banda, Lee fue músico invitado en la canción "Battle Scar" de Max Webster, del álbum “Universal Juveniles” de 1980.
Lee apareció en el video musical de Broken Social Scene para su sencillo de 2006 "Fire Eye'd Boy", juzgando a la banda mientras realizaba varias tareas musicales.
En 2006, Lee se unió al supergrupo de Lifeson, The Big Dirty Band, para proporcionar canciones que acompañaran a “Trailer Park Boys: The Movie”.
En 2017, Lee actuó en lugar del fallecido bajista Chris Squire con Yes durante la inducción de la banda al Salón de la Fama del Rock and Roll, tocando el bajo para la canción "Roundabout".
En 2018, Lee publicó “Geddy Lee's Big Beautiful Book of Bass”, que destaca su colección de más de 200 bajos junto con entrevistas con algunos de los bajistas y técnicos de bajos más importantes.
En 2020, Lee participó como vocalista invitado en una interpretación canadiense estelar de la canción del fallecido Bill Withers, "Lean on Me", durante el especial de televisión “Stronger Together, Tous Ensemble”, una presentación benéfica canadiense transmitida simultáneamente por todas las principales cadenas de televisión de Canadá como beneficio para Food Banks Canada durante la pandemia de COVID-19.
En 2020, Rolling Stone lo clasificó como el 24º mejor bajista de todos los tiempos.
En septiembre de 2021, el líder de Barenaked Ladies, Ed Robertson, reveló que estaba trabajando en un "proyecto secreto" con Lee, que resultó ser un proyecto para una máquina de pinball de Rush.
En 2022, apareció como estrella invitada interpretando a Thomas Sawyer en el aclamado y longevo drama de época de la CBC, “Murdoch Mysteries”.
En noviembre de 2023, Lee publicó una autobiografía titulada “My Effin' Life. El libro fue promocionado con una gira de 19 fechas por el Reino Unido y Norteamérica.
El 5 de diciembre de 2023, Paramount+ lanzó una serie de videos titulada "Geddy Lee pregunta: ¿Los bajistas también son humanos?".
Se emitieron cuatro episodios con Les Claypool, Robert Trujillo, Melissa Auf der Maur y Krist Novoselic. En cada episodio, Lee visita y conversa con el bajista invitado.
Estilo
Al igual que Cream, Rush siguió el modelo de un "power trío", con Lee tocando el bajo y cantando.
La voz de Lee producía un "contratenor" distintivo y resonante.
Lee poseía un rango vocal de tres octavas que abarcaba desde barítono hasta tenor, contralto y mezzosoprano; sin embargo, su voz se ha vuelto más grave con la edad.
El estilo de Lee es ampliamente reconocido por su uso de agudos altos, su interpretación muy enérgica de las cuerdas y por utilizar el bajo como instrumento principal, a menudo en contrapunto con la guitarra de Lifeson.
Legado e influencia
El escritor de la industria musical Christopher Buttner, quien entrevistó a Lee en 1996, lo describió como un prodigio y un "modelo a seguir" para lo que todo músico quiere ser, destacando su destreza en el escenario.
Buttner citó la habilidad de Lee para variar las métricas, tocar varios teclados, usar controladores de pedal de bajo y controlar secuenciadores, todo mientras cantaba la voz principal en hasta tres micrófonos.
Buttner agrega que pocos músicos de cualquier instrumento "pueden hacer malabares con la mitad de lo que Geddy puede hacer sin literalmente caerse de culo".
Como resultado, señala Tom Mulhern, la instrumentación de Lee era el "pulso" del grupo y creó una "sección rítmica de un solo hombre", que complementaba al guitarrista Alex Lifeson y al percusionista Neil Peart.
El instructor de bajo Allan Slutsky, o "Dr. Licks", atribuye a las "líneas de bajo mordaces y de alta gama y al trabajo creativo con el sintetizador" de Lee el haber ayudado al grupo a convertirse en "uno de los más innovadores" de todos los grupos que tocan rock de estadio.
En 1989, la revista Guitar Player había designado a Lee como el "Mejor bajista de rock" según su encuesta de lectores de los cinco años anteriores.
Greg Prato de AllMusic escribió que "pocos bajistas de hard rock han sido tan influyentes como Geddy Lee de Rush".
Entre los bajistas que han citado a Lee como influencia se encuentran Cliff Burton de Metallica; Steve Harris de Iron Maiden; John Myung de Dream Theater; Les Claypool de Primus; Steve Di Giorgio de Sadus, Death y Testament; y Tim Commerford de Rage Against the Machine y Audioslave.
Guitarras y bajos
Lee también colecciona guitarras y bajos. Tiene una colección de más de 250 bajos antiguos.
Posee un Fender Precision Bass de 1961 que perteneció a John Entwistle de The Who.
También posee dos Fender Jazz Bass de 1964 en el raro color Dakota Red.
En 2019, Lee envió varias de sus guitarras a Mecum Auctions, incluyendo una Les Paul Standard de 1959, una Gibson ES-345 de 1960, una Fender Stratocaster de 1955, una Gibson ES-335 de 1960, una Gibson ES-335 de 1965 y una Gibson Flying V de 1967.
Equipo utilizado
Bajos
En los primeros días de Rush, hasta su álbum debut, Lee usó un Fender Precision Bass, y finalmente mandó modificar y repintar su cuerpo con una forma de "lágrima" azul.
Inspirado por el sonido distintivo del bajista de Yes, Chris Squire, Lee adquirió un bajo Rickenbacker 4001 negro, que siguió siendo su instrumento principal desde la década de 1970 hasta principios de la de 1980.
Durante la "era de los sintetizadores" de la banda a mediados de la década de 1980, Lee usó bajos Steinberger y luego Wal, este último descrito como de tono más "jazzístico".
A partir de “Counterparts” de 1993, Lee comenzó a usar el Fender Jazz Bass casi exclusivamente, volviendo a su característico sonido de agudos altos.
Lee había usado por primera vez el Jazz Bass (junto con su Rickenbacker) para grabar “Moving Pictures” en canciones como "Tom Sawyer".
En 1998, Fender lanzó el Geddy Lee Jazz Bass, disponible en negro y sunburst de 3 colores (a partir de 2009).
Este modelo signature es una recreación del bajo favorito de Lee, un Fender Jazz de 1972 que compró en una casa de empeños en Kalamazoo, Michigan, en 1978.
En 2015, Fender lanzó un modelo revisado para EE. UU. de su bajo signature, con la mayoría de los cambios reflejando los que Lee había hecho a su propio instrumento a lo largo de los años.
Lee ha sido usuario de cuerdas RotoSound durante mucho tiempo.
Utiliza Swing Bass RS66LD (.45-.105) en la mayoría de sus bajos, pero utilizó Funkmaster FM66(.30-.90) en sus bajos Wal desde 1985 hasta 1992.
Amplificación
Para la gira de Rush de 2010, Lee utilizó dos cabezales de bajo Orange AD200 junto con dos gabinetes de bajo OBC410 4x10.
Teclados y sintetizadores
A lo largo de los años, Lee ha utilizado sintetizadores de Oberheim (Oberheim Eight Voice, OB-1, OB-X, OB-Xa), PPG (Wave 2.2 y 2.3), Roland (Jupiter 8, D-50, XV-5080 y Fantom X7), Moog (Minimoog, pedales Taurus, Little Phatty) y Yamaha (DX7, KX76).
Actuaciones en directo: equipo especial
Los avances más recientes en la tecnología de sintetizadores y samplers han permitido a Lee almacenar sonidos familiares de sus antiguos sintetizadores junto con otros nuevos en sintetizadores/samplers combinados, como el Roland XV-5080.
Para los conciertos en vivo de 2002 y 2004, Lee y su técnico de teclados utilizaron las capacidades de reproducción del XV-5080 para generar prácticamente todos los sonidos de teclado de Rush hasta la fecha y pasajes de sonido complejos adicionales que antes requerían varias máquinas a la vez para su producción.
Para activar estos sonidos en tiempo real, Lee utiliza controladores MIDI, ubicados en los lugares del escenario donde tiene un soporte de micrófono.
Lee utiliza dos tipos de controladores MIDI: uno se asemeja a un teclado sintetizador tradicional sobre un soporte (Yamaha KX76).
El segundo tipo es un gran teclado de pedal colocado en el suelo del escenario (Korg MPK-130, Roland PK-5).
En conjunto, permiten a Lee usar sus manos y pies libres para activar sonidos en equipos electrónicos que se han colocado fuera del escenario.
Con esta tecnología, Lee y sus compañeros de banda pueden presentar sus arreglos en vivo con el nivel de complejidad y fidelidad que los fans esperan y sin necesidad de recurrir al uso de pistas de acompañamiento o emplear a un miembro adicional de la banda.
Durante la gira “Clockwork Angels”, una excepción notable fue cuando un conjunto de cuerdas interpretó partes de cuerda, originalmente arregladas y dirigidas por David Campbell en “Clockwork Angels”.
Equipos de escenario únicos
En 1996, Lee dejó de usar amplificadores de bajo tradicionales en el escenario y optó por conectar las señales del bajo directamente a la consola de sonido principal de la gira para mejorar el control y la definición del sonido.
Comenzó a usar unidades Tech 21 SansAmp después de experimentar con una en el estudio destinada a la guitarra de Alex Lifeson y finalmente recibió modelos signature de la compañía, en particular el GED-2112 para montaje en rack.
Ante el dilema de qué hacer con el espacio vacío que quedaba por la falta de grandes gabinetes de amplificadores, Lee optó por decorar su lado del escenario con objetos inusuales.
La gira “Snakes & Arrows” exhibió prominentemente tres hornos de pollo asado de la marca Henhouse en el escenario, con un asistente con gorro y delantal de chef para "cuidar" a los pollos durante los espectáculos.
Premios
1990: La Real Sociedad Astronómica de Canadá nombró al asteroide (12272) Geddylee
1994: Con Rush, fue incluido en el Salón de la Fama de los Premios Juno
1996: Oficial de la Orden de Canadá, junto con sus compañeros de banda Alex Lifeson y Neil Peart. El trío fue la primera banda de rock en recibir este honor
2007: Mejor álbum para bajo (Snakes & Arrows) – Revista Bass Player
2010: Con Rush, estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood
2012: Medalla del Jubileo de Diamante de la Reina Isabel II
2013: Con Rush, miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll
2021: Premio a la trayectoria por su labor filantrópica en la gala anual de Artistas por la Paz y la Justicia (APJ)
Nota de Presidemente: Os dejo un artículo publicado por Hector Muñoz Tapia en futuro.cl el 10 de agosto de 2026
¿Habrá nueva música de Rush? Geddy Lee revela la cruda realidad tras su histórico regreso
El bajista explica por qué la banda ha descartado grabar música nueva por ahora. Descubre los detalles de su agotadora gira "50 Something Tour", los retos de su nueva formación y qué esperar de la banda en 2027.
El regreso de Rush a los escenarios con su gira "50 Something Tour" ha desatado una euforia global, pero también ha dejado una pregunta en el aire: ¿entrarán Geddy Lee y Alex Lifeson al estudio para grabar material inédito?
Tras 11 años de silencio discográfico y el fallecimiento del legendario Neil Peart, Lee ha decidido hablar con total honestidad sobre las prioridades actuales de la banda, dejando claro que, por el momento, la creatividad en el estudio ha quedado en segundo plano frente a la exigencia de la carretera.
El rotundo «No» a la música nueva (por ahora)
A pesar del deseo de los fanáticos, Geddy Lee ha sido tajante al respecto en su reciente entrevista con Pato Cuevas para Radio Futuro.
Al ser consultado sobre si existen planes para nuevas composiciones, el bajista respondió firmemente: "No. Tenemos suficiente que hacer. ¡Todavía estamos tratando de recordar las canciones viejas y tocarlas!".
Esta declaración marca un cambio de tono respecto a lo que Lee comentó a principios de año.
En enero, el músico se mostraba un poco más abierto a la posibilidad: "Hay demasiado trabajo que hacer para esta gira como para pensar en eso. Pero si logramos sobrevivir al tour, regresar a Canadá y descansar, quién sabe qué pasará, pero sospecho que eventualmente saldrá algo de música".
Sin embargo, la realidad de la gira actual parece haber consumido toda su atención.
La gira más exigente de sus vidas
Para que Rush pudiera volver a sonar como la maquinaria perfecta que siempre fue, Lee y Lifeson se sometieron a un régimen de ensayos sin precedentes, acompañados por la baterista Anika Nilles y el tecladista Loren Gold.
El nivel de preparación fue tan intenso que Lee admite que nunca se habían esforzado tanto.
"El último mes [de ensayos] tocamos el show completo 24 noches de 27 días. Nunca hemos trabajado tan duro en todas nuestras vidas", confesó el músico.
Lee destacó especialmente el reto de Nilles, quien tuvo que aprender cerca de 43 canciones complejas en un año.
Para ayudarla a adaptarse al estilo único de la banda, Lee le dio un consejo vital: "Mira, estas son canciones complicadas. Vas a cometer un error. No se trata del error, sino de cómo te recuperas de él. Así que solo toca; sigue tocando y no te preocupes".
Un legado que desafía las leyes de la música
Geddy Lee también reflexionó sobre la naturaleza intrínseca de sus composiciones y lo difícil que es para un músico externo replicarlas.
"Cuando escribes una parte, automáticamente está en tu ADN; la entiendes de adentro hacia afuera. Pero cuando vienes a aprenderla como un extraño, intentas descomponerla según las leyes de la música, ¡y nuestras canciones no se adhieren a las leyes de la música!", explicó con orgullo.
A pesar del agotamiento físico y mental, Lee asegura que la conexión actual en el escenario es genuina y emocionante.
"Estoy extasiado de que estemos tocando tan bien… No estoy fingiendo cuando me ves sonriendo allá arriba".
El futuro: Disfrutar mientras el cuerpo lo permita
Con 73 años a sus espaldas, Geddy Lee es muy consciente de que el tiempo es un recurso limitado.
Aunque la gira se extenderá por Europa y Sudamérica en 2027, el bajista afronta cada noche con una mezcla de gratitud y realismo sobre su condición física.
"Es un momento gozoso para mí, y sé que solo quedan una cierta cantidad de conciertos en mi cuerpo, así que voy a disfrutarlos mientras pueda", admitió Lee de forma conmovedora.
Por ahora, los fans de Rush tendrán que conformarse con la magia del directo y el próximo documental de la CBC, "Neil Peart: No One’s Disciple", donde Lee y Lifeson prometen "corazones a corazones íntimos" recordando a su eterno compañero.
Discografía
Álbumes de estudio
Rush (1974)
Fly by Night (1975)
Caress of Steel (1975)
2112 (1976)
A Farewell to Kings (1977)
Hemispheres (1978)
Permanent Waves (1980)
Moving Pictures (1981)
Signals (1982)
Grace Under Pressure (1984)
Power Windows (1985)
Hold Your Fire (1987)
Presto (1989)
Roll the Bones (1991)
Counterparts (1993)
Test for Echo (1996)
Vapor Trails (2002)
Snakes & Arrows (2007)
Clockwork Angels (2012)
Álbumes en directo
All the World's a Stage (1976)
Exit...Stage Left (1981)
A Show of Hands (1989)
Different Stages (1998)
Rush in Rio (2003)
R30: 30th Anniversary World Tour (2005)
Snakes & Arrows Live (2008)
Grace Under Pressure Tour (2009)
Time Machine 2011: Live in Cleveland (2011)
ABC 1974 (2011)
Clockwork Angels Tour (2013)
Spirit of the Airwaves (2014)
The Lady Gone Electric: New York City 1974 (2015)
R40 Live (2015)
2112 in Concert (2020)
An Evening with 1997 (2020)
Álbumes recopilatorios
Rush Through Time (1979)
Chronicles (1990)
Retrospective I (1997)
Retrospective II (1997)
The Spirit of Radio: Greatest Hits 1974–1987 (2003)
Gold (2006)
Retrospective III: 1989–2008 (2009)
Working Men (2009)
Time Stand Still: The Collection (2010)
Icon (2010)
Icon 2 (2011)
Rush 50 (2025)
Fuentes: rollingstone.com, rush.com, classicrockartists.com, futuro.cl, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 23
Bill Wyman
Bill Wyman, nacido como William George Perks es un músico, productor discográfico, compositor y cantante británico.
Es mundialmente conocido por haber sido el bajista de la banda de rock and roll inglesa The Rolling Stones desde 1962 hasta 1993 (nunca fue reemplazado oficialmente por otro bajista, aunque Darryl Jones es quien ocupa su lugar desde que él se alejó de la banda).
Desde 1997 ha grabado y realizado giras con su propia banda, Bill Wyman's Rhythm Kings.
Ha trabajado produciendo discos y películas; también ha compuesto música para cine y televisión.
Wyman mantiene desde que era un niño durante la Segunda Guerra Mundial un diario personal, el cual le ha sido útil para él como escritor, ya que se convirtió en autor de siete libros, con ventas de más de dos millones de copias.
Wyman también es fotógrafo, y sus obras se han exhibido en galerías alrededor de todo el mundo.
Con el tiempo se convirtió en un aficionado a la arqueología, y disfruta de encontrar reliquias.
Wyman diseñó y comercializó un sistema de detector de metales patentado por él mismo, que ha utilizado para encontrar reliquias que se remontan a la época del Imperio Romano.
Como empresario, es dueño de varios establecimientos, incluyendo el famoso Sticky Fingers Café (en referencia al clásico disco de los Stones).
“Debe haber cientos de bajistas mejores que yo”, dijo Bill Wyman a Rolling Stone en 1974. “Quiero decir, nunca podría tocar como Jack Bruce. Si fuera ambicioso en esa dirección, practicaría, [pero] no lo hago”.
Pero mientras él subestima su talento, sus compañeros de los Rolling Stones no están de acuerdo.
“Bill Wyman es un bajista increíble”, dijo Keith Richards una vez. “Todavía me asombra el buen gusto de Bill al tocar el bajo… Es un músico muy sensible”.
Wyman se ganó los elogios de Richards tocando armonías inteligentes bajo el icónico riff de “Satisfaction” del guitarrista (tocando una melodía que baja mientras la guitarra sube), un suave retumbo bajo “Jumpin' Jack Flash”, y ritmos que se mueven bajo el boogie-woogie de “Rocks Off”.
“No soy un bajista ocupado”, dijo Wyman una vez. “No soy Stanley Clarke ni nada parecido. Para mí, deberían tocar la guitarra, no el bajo… Se necesita potencia en la base… Hay que dejar espacio para los demás, no llenarlo con el bajo. Hay que dejar mucho espacio y dejar que la pista respire desde abajo”.
Wyman nació como William George Perks el 24 de octubre de 1936 en el Hospital Lewisham en Lewisham, al sur de Londres.
William creció en un entorno de clase trabajadora en el sur de la capital británica, hijo del albañil William George Perks que también tocaba el acordeón y el piano y Kathleen May "Molly" Perks (de soltera Jeffery), empleada de fábrica.
Uno de seis hermanos, pasó la mayor parte de su infancia en Penge, al sureste de Londres, en una casa adosada en una zona con múltiples desafíos sociales.
Wyman recordó más tarde aquellos años como "marcados por la pobreza", tras haber sobrevivido a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial y a los ataques aéreos de los aviones de combate nazis contra su barrio, en los que murieron algunos de sus vecinos.
Esa fue una realidad que influyó en su forma de ver el mundo y de asumir metas profesionales.
La música fue una constante temprana gracias al talento de su padre y a su acercamiento al canto coral de la iglesia local durante una década.
A los cuatro años inició su educación musical de manera autodidacta y, para cuando tenía catorce, dominaba el piano, el órgano y el clarinete, consolidando una base amplia que luego serviría para sus proyectos como instrumentista versátil.
Entre los 10 y 13 años recibió clases de piano, lo que amplió su vocabulario sonoro y su precisión técnica.
Wyman asistió a la escuela primaria Oakfield, y aprobó su examen de acceso a la escuela secundaria Beckenham and Penge County Grammar School desde 1947 hasta la Pascua de 1953, yéndose antes de los exámenes para obtener el GCE, después de que su padre le encontró un trabajo como corredor de apuestas y le insistió en que lo tomara para ayudar financieramente a su familia.
Este giro temprano en su vida lo acercó a una realidad laboral que más tarde contrastaría con su vocación artística.
En enero de 1955, Wyman fue llamado a filas para cumplir dos años de servicio militar obligatorio en la Real Fuerza Aérea (RAF).
En otoño, tras firmar un año adicional, fue destinado a la base aérea de Oldenburg, en Baja Sajonia, Alemania Occidental, donde pasó el resto de su servicio en la Sección de Transporte Motorizado.
Fue en los salones de baile de Alemania Occidental y en la emisora de radio de las Fuerzas Armadas, American Forces Network (AFN), donde descubrió por primera vez la fuerza bruta del rock and roll.
En agosto de 1956, compró una guitarra por 400 marcos alemanes y en 1957 formó un grupo de skiffle en el campamento con Casey Jones, cantante y guitarrista británico que después lideró el primer grupo de beat notable de Liverpool, Cass and the Cassanovas, quienes fueron rivales de The Beatles en la ciudad.
A su regreso, trabajó en una firma de ingeniería donde ascendió hasta el cargo de subgerente, una experiencia que afianzó su disciplina y capacidad organizativa.
Poco después, contrajo matrimonio con Diane Cory, quien trabajaba en un banco, y juntos tomaron decisiones que moldearon su trayectoria personal y, en última instancia, su identidad artística.
Un año después de su matrimonio compró una guitarra eléctrica Burns por 52 libras esterlinas a plazos, pero no estaba satisfecho con su progreso.
Su curiosidad lo llevó a restaurar y transformar un bajo Dallas Tuxedo de segunda mano para convertirlo en un bajo fretless, hecho artesanalmente para acercarse al sonido que le fascinaba, después de escuchar uno en un concierto de los Barron Knights.
Fue con ese instrumento con el que empezó a moverse en la escena local, formando parte de una banda llamada The Cliftons y abriendo camino hacia oportunidades más grandes.
Este periodo fue clave para su decisión de adoptar el nombre artístico Lee Wyman, más tarde evolucionado a Bill Wyman, y para el cambio legal de su apellido en 1964.
La gran oportunidad llegó cuando el baterista Tony Chapman le dijo a Wyman que una banda de rhythm and blues llamada The Rolling Stones necesitaba un bajista.
Audicionó en un pub de Chelsea, Londres, el 7 de diciembre de 1962 y fue contratado como sucesor de Dick Taylor.
Nota de Presidemente: en esta ocasión no voy a añadir información de los discos en la época que estuvo con los Rolling Stones, esa información ya está en el post de los guitarristas, en el nº 4, Keith Richards.
La banda quedó impresionada por su instrumento y amplificadores (uno de los cuales Wyman modificó él mismo, y un Vox AC30), aportando un sonido característico que destacó por su precisión rítmica y su capacidad para sostener las canciones con una base firme.
A pesar de la admiración inicial por su instrumento y su equipo, el grupo no tardó en percibir la distancia generacional entre él y algunos de sus jóvenes compañeros, lo que no impidió que se consolidara como una pieza clave del conjunto a lo largo de los años; Wyman era el miembro de mayor edad del grupo.
Además de tocar el bajo, Wyman frecuentemente hacía coros en sus primeros discos y, hasta 1967, también en conciertos.
Escribió e interpretó la voz principal del tema "In Another Land" de su sexto álbum de estudio, “Their Satanic Majesties Request”, que se lanzó como sencillo y se le atribuyó únicamente a Wyman, convirtiéndose así en su primer sencillo oficial en solitario.
La canción es una de las dos composiciones de Wyman publicadas por los Rolling Stones; la segunda es "Downtown Suzie" (cantada por Mick Jagger), en “Metamorphosis” (1975), un álbum recopilatorio de tomas descartadas de los Rolling Stones.
El título "Downtown Suzie" fue elegido por su entonces mánager, Allen Klein, sin consultar a Wyman ni a la banda.
El título original era "Sweet Lisle Lucy", en honor a Lisle Street, una calle del barrio rojo de Soho, Londres.
Wyman era cercano a Brian Jones; solían compartir habitaciones durante las giras y a menudo iban juntos a clubes.
Él y Jones pasaban tiempo juntos incluso cuando Jones se estaba distanciando de la banda.
Wyman quedó consternado al enterarse de la muerte de Jones, siendo uno de los dos miembros (Charlie Watts fue el otro) que asistieron a su funeral en julio de 1969.
Wyman también era amigo del guitarrista Mick Taylor. Al igual que los demás Rolling Stones, trabajó con Taylor desde la salida de este último de la banda en 1974.
Wyman ha llevado un diario a lo largo de su vida, desde niño, y lo utilizó para escribir su autobiografía de 1990, “Stone Alone”, y su libro de 2002, “Rolling with the Stones”.
En “Stone Alone”, Wyman afirma haber escrito el riff de "Jumpin' Jack Flash" con Jones y Watts.
Wyman menciona que "(I Can't Get No) Satisfaction" se lanzó como sencillo solo después de una votación de 3 a 2 dentro de la banda: Wyman, Watts y Jones votaron a favor, Jagger y Keith Richards en contra, al considerar que no era lo suficientemente comercial.
Paralelamente, participó en proyectos ajenos a The Rolling Stones, como “The London Howlin’ Wolf Sessions” y “Jamming with Edward!”, trabajos que reunieron a músicos destacados y dieron lugar a colaboraciones de alto perfil.
“The London Howlin' Wolf Sessions” es un álbum del músico de blues Howlin' Wolf lanzado en 1971 por Chess Records y por Rolling Stones Records en Gran Bretaña.
Fue uno de los primeros álbumes de blues de super sesión, estableciendo a un maestro del blues entre músicos famosos de la segunda generación del rock and roll, en este caso Eric Clapton, Steve Winwood, Charlie Watts y Bill Wyman.
Alcanzó el puesto 79 en el Billboard 200.
Tras bambalinas en el Fillmore Auditorium, después de un concierto de Paul Butterfield Blues Band, Electric Flag y Cream, el productor de Chess Records, Norman Dayron, vio a los guitarristas de las dos últimas bandas, Mike Bloomfield y Eric Clapton, hablando y bromeando.
Dayron se acercó a Clapton y, por impulso, le preguntó: "¿Te gustaría hacer un álbum con Howlin' Wolf?".
Después de confirmar que la oferta era legítima, Clapton aceptó, y Dayron organizó sesiones en Londres a través de la organización Chess para coordinar con la agenda de Clapton.
Clapton consiguió la participación de la sección rítmica de los Rolling Stones (el pianista Ian Stewart, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts), mientras que Dayron reunió a otros músicos, incluido el prodigio de la armónica de 19 años Jeffrey Carp, quien murió en 1973 a los 24 años.
Inicialmente, Marshall Chess no quería pagar los gastos de vuelos y alojamiento para enviar al guitarrista de larga trayectoria de Wolf, Hubert Sumlin, a Inglaterra, pero un ultimátum de Clapton obligó a su presencia.
Las sesiones tuvieron lugar entre el 2 y el 7 de mayo de 1970 en los Olympic Studios.
El primer día, 2 de mayo, Watts y Wyman no estaban disponibles, y se hizo un llamado para encontrar reemplazos de inmediato.
Muchos se presentaron, pero solo se publicaron grabaciones con Klaus Voormann y Ringo Starr de ese día.
En los créditos iniciales del álbum, Starr aparece como "Richie", ya que Dayron tenía la impresión de que, al ser un Beatle, su nombre no podía usarse directamente.
Se realizaron más sobregrabaciones en los estudios Chess de Chicago con los habituales de Chess, Lafayette Leake al piano y Phil Upchurch al bajo, y los trompetistas Jordan Sandke, Dennis Lansing y Joe Miller de los 43rd Street Snipers, la banda de Carp.
El ex teclista de Blind Faith, Steve Winwood, de gira por Estados Unidos, también contribuyó a las sesiones de sobregrabación.
Aunque en realidad solo toca en cinco temas del álbum original, su nombre aparece en la portada debajo del de Wolf, junto con Clapton, Wyman y Watts.
Por otro lado, se le pidió al guitarrista Paul Asbell que "rellenara los espacios" en "I Ain't Superstitious" debido a que las partes originales de Clapton quedaban eclipsadas por los metales sobregrabados, pero solo se le acreditó en la sección de agradecimientos especiales.
De manera similar, Mick Jagger tocó percusión sin acreditar en las sesiones de Londres, uniéndose a sus compañeros de los Rolling Stones.
El 4 de marzo de 2003, Universal Music Group, actual propietaria del catálogo de Chess, lanzó una edición de lujo de dos discos de las “London Sessions”.
El primer disco incluía como bonus tracks tres interpretaciones publicadas originalmente en Chess en febrero de 1974, “London Revisited”.
El segundo disco contenía tomas descartadas y mezclas diferentes.
También tocó en el álbum de estudio “Jamming with Edward!”, publicado en 1972, con Ry Cooder, Nicky Hopkins, Jagger y Watts.
El álbum fue grabado en el Olympic Studio de Londres el 23 de abril de 1969, durante las sesiones de “Let It Bleed”, y lanzado por Rolling Stones Records en 1972.
Consiste en una serie de improvisaciones libres realizadas por los miembros de la banda mientras esperaban el regreso de Keith Richards al estudio.
La razón de la ausencia de Richards es incierta; aunque comúnmente se cree que se marchó por la incorporación de Cooder como guitarrista de apoyo, el productor Glyn Johns ha atribuido su ausencia a una llamada telefónica de su novia Anita Pallenberg.
Aunque “¡Jamming with Edward!” alcanzó el puesto número 33 en las listas de éxitos de EE. UU. en febrero de 1972 durante una estancia de 11 semanas, no logró entrar en las listas del Reino Unido.
“Edward” es un apodo para el pianista Nicky Hopkins, que surgió de una conversación previa en el estudio entre Hopkins y otro miembro de los Rolling Stones, Brian Jones. Hopkins también contribuyó con la portada.
En las notas originales del álbum, Mick Jagger lo describe como “una buena pieza de mierda... que grabamos una noche en Londres, Inglaterra, mientras esperábamos a que nuestro guitarrista se levantara de la cama. Se olvidó rápidamente (lo cual quizás fue para mejor)... Espero que dediquen más tiempo a escuchar este disco que el que nosotros tardamos en grabarlo”.
En la versión en CD hay notas adicionales escritas por Mark Paytress que añaden más contexto y describen el resultado como “una rareza que supera a todas las rarezas, quizás”.
Johns dijo sobre el álbum: "[Era] solo una broma, una risa. Lo grabé y lo pusieron, y luego, no sé cuánto tiempo después, sacamos las cintas, lo mezclé y lo incluyeron en el álbum. Realmente no merecía ser publicado, pero estuvo bien, fue divertido, y hay buena música en él".
Según Rolling Stone, el lanzamiento se retrasó varios meses debido a la aparición de una palabrota en la portada trasera, que fue parcialmente cubierta con estrellas en el lanzamiento final.
“¡Jamming with Edward!” fue remasterizado y reeditado por Virgin Records en 1995.
Don Ottenhoff de The Grand Rapids Press desestimó el "álbum generalmente mediocre" como indigno de su gran campaña promocional, creyendo que la idea central de reunir músicos y "simplemente [dejar] que las cintas corran", capturando así un lado más personal e informal de los músicos que en los álbumes propiamente dichos de los Rolling Stones, se vio perjudicada por el álbum que se asemejaba a "mil otras bandas que se juntan en el sótano de alguien para improvisar".
Ottenhoff lo comparó con otro "disco de improvisación insípido", “Apple Jam” de George Harrison (1970), ya que ambos están más cerca de "revistas [de fans] fonográficas que de cualquier otra cosa", y se quejó de que la mezcla hacía que el álbum se pareciera a un viejo y rayado disco de 78 rpm.
Jerry Kholer de The Kansas City Star lo describió como una edición ocasionalmente buena pero a veces muy mala de una sesión de improvisación de dos horas que debería haber durado más para permitir un mejor material, y sintió que, incluso para un álbum de sesión de improvisación, contiene "demasiados bajos".
Según Kholer, lo más destacado del álbum es el "sobresaliente trabajo al piano" de Hopkins, elogiando sus estilos inventivos y versátiles de rock, blues y boogie woogie por haber rescatado varias pistas.
El crítico de Staten Island Advance, Chuck Schmidt, escribió que el álbum funciona como un "aperitivo", calmando a las audiencias que esperaban el próximo álbum de estudio de los Rolling Stones, y comentó que, aunque se trata de una sesión de grabación improvisada acreditada a sus músicos colaboradores, es satisfactoria por sonar "tan distintivamente Rolling Stones".
Schmidt creía que la mayor fortaleza del álbum era mostrar el talento musical poco reconocido de Watts y Wyman, quienes son fundamentales para la grabación.
Robert Murphy de The Daily Breeze lo consideró una pieza musical "espontánea pero estructurada, sutil pero memorable" que muestra perfectamente a todos los músicos colaboradores, elogiándolo por ser un "paquete sin desperdicio de talento relajante", y lo consideró superior a otros álbumes de jam como “Apple Jam”, “Super Session” y “Grape Jam” de Moby Grape (ambos de 1968), que suenan "desesperadamente ensayados" en comparación.
Walter Borawski escribió en su reseña del Poughkeepsie Journal que Hopkins es el punto culminante "espectacular" de un álbum casi totalmente informe de sesiones de improvisación que solo terminan cuando los músicos se cansan de ellas, elogiando además a Cooder y Watts por contribuir con "algunos de sus mejores trabajos hasta la fecha".
Algunos críticos señalaron que “¡Jamming with Edward!” fue grabado o mezclado de forma deficiente, con la voz de Jagger oscurecida y distorsionada, asemejándose al sonido de una conversación telefónica amortiguada.
Kholer señaló que la voz "gravemente distorsionada" se explica porque Jagger cantaba en un micrófono de armónica.
El crítico del Winston-Salem Journal, Jim Shirtzer, consideró que el álbum era similar a las grabaciones piratas de finales de la década de 1960, aunque en su mayoría mejor grabado.
Shirtzer en general elogió el álbum "relajado y casual", destacando particularmente el tratamiento improvisado de "It Hurts Me Too", y creyó que, a pesar de sus defectos, el álbum era "el único vistazo entre bastidores" que los Rolling Stones habían ofrecido de su música.
El New York Times dijo que la voz de Jagger era el principal atractivo, pero como suena como si cantara a través de una "caja de palomitas vacía", no justifica la compra de "un bombardeo de clichés errático y aburrido" como “Jamming with Edward!”, descartando las afinaciones, los falsos comienzos, los solos y el blues de cuatro compases del disco.
Robert Christgau, escribiendo en “Christgau's Record Guide” (1981), reforzó las quejas sobre la "pésima" mezcla vocal, la interpretación mediocre y la "composición casi inexistente" de “Jamming with Edward!”, admitiendo que solo los coleccionistas comprarían el set a precio reducido.
Steve Kurutz de AllMusic critica el estilo poco ensayado del álbum como "más un obstáculo que una llamada a la gloria desaliñada", escribiendo que el conjunto tropieza con versiones y originales impulsados por teclados que siguen siendo poco impresionantes por sonar "hechos a la fuerza durante los ensayos de una noche de borrachera", lo que resulta en un álbum que es "un poco decepcionante".
Jeff Giles de Ultimate Classic Rock, señalando la rareza de que los Rolling Stones entraran en el Top 40 de las listas de Billboard sin Richards, comenta que el álbum "representaba más una mirada detrás de escena que una compra realmente necesaria para cualquiera que no sea el coleccionista más acérrimo de los Stones, pero como gran parte de lo que la banda grabó durante su era clásica, es una obra que se beneficia de un cierto encanto desaliñado y alcohólico".
Tras su reedición en CD en 1995, el crítico de The Daily Gleaner, Wilfred Langmaid, dijo que el álbum muestra improvisaciones hábiles, con Hopkins al frente y en el centro, y que es una "buena pequeña adición a la discografía de los Rolling Stones", justificando aún más la "autocomplacencia" de "Interlude a la El Hopo" y "Highland Fling" porque, como la grabación captura una sesión de improvisación informal a altas horas de la noche, "el lanzamiento del álbum era lo último en lo que pensaban estos músicos en esas horas después de la medianoche".
Jeff Baxter de North Bay Nugget destacó la naturaleza divertida de las cintas y escribió que los fanáticos del estilo de las improvisaciones las encontrarían "extremadamente pegadizas y agradables".
En 2005, Santa Barbara News-Press incluyó el álbum junto con “Goats Head Soup” (1973) y “Undercover” (1983) en su lista de álbumes clásicos de los Rolling Stones que deberían haber sido "candidatos".
Describiendo “Jamming with Edward!” en lugar de subestimarlo, el periódico destaca su ambiente relajado y opina que la ausencia de la guitarra de Richards permite que tanto la sólida sección rítmica de Watts-Wyman como el trabajo de piano "estelar" de Hopkins se destaquen.
También desestimaron a los fanáticos más acérrimos que creían que el álbum era un "ejercicio tedioso" que no debería haberse publicado, afirmando que lo elogiarían si existiera únicamente como una grabación pirata.
Lin Bensley de Record Collector señaló la "calidad de audio cuestionable", pero opinó que el álbum demuestra las habilidades de improvisación de sus colaboradores, a pesar de palidecer en comparación con los "pasajes brillantes" del álbum en solitario de Hopkins, “The Tin Man Was a Dreamer” (1973).
Wyman tocó el bajo en al menos dos temas del álbum de estudio de John P. Hammond, “I Can Tell” (1967).
En 1974 grabó “Monkey Grip” su álbum de estudio debut, lanzado el 10 de mayo de 1974 por Rolling Stones Records.
En una reseña retrospectiva, Steve Kurutz, de AllMusic, calificó el álbum con cuatro estrellas de cinco.
Destacó "I Wanna Get Me a Gun", "White Lightnin" y "I'll Pull You Thro" como las mejores canciones del álbum e insinuó su aprobación a la voz de Wyman, describiéndola como "suelta y llena de alegría".
También elogió el álbum por evitar el egocentrismo habitual de los álbumes en solitario: "Aunque este tipo de álbumes pueden ser egocéntricos, Monkey Grip pretende ser una vía de escape relajada y sin pretensiones para las composiciones que nunca verían la luz en la banda principal de Wyman; y, como mérito del bajista, se percibe exactamente así".
“Stone Alone” es su segundo álbum de estudio en solitario, lanzado el 27 de febrero de 1976 por Rolling Stones Records.
El álbum alcanzó el puesto número 166 en la lista Billboard 200 de Estados Unido.
Van Morrison toca el saxofón en "A Quarter to Three".
Joe Walsh, Dr. John, Ronnie Wood, Al Kooper, Nicky Hopkins y Jim Keltner participaron en el álbum.
En una reseña retrospectiva, Donald Guarisco de AllMusic calificó el álbum con una estrella y media de cinco.
Destacó "Apache Woman" y "Quarter to Three", pero advirtió que "canciones destacadas como estas son escasas y distantes entre sí, y este problema reduce a Stone Alone a una rareza que solo deberían buscar los fanáticos de Bill Wyman y los coleccionistas de los Rolling Stones".
Criticó el álbum por carecer del "enfoque y las canciones sólidas del álbum anterior y termina sintiéndose como el típico proyecto paralelo egocéntrico de una estrella de rock. Sin embargo, no se puede culpar a Stone Alone por su ambición: casi todas las canciones experimentan con un estilo musical diferente (rock estilo años 50, disco y reggae ) y Wyman recluta a una verdadera constelación de músicos invitados (desde Dr. John hasta Al Kooper y Joe Walsh ) para dar vida a las canciones".
En julio de 1981, el sencillo en solitario de Wyman "(Si Si) Je Suis un Rock Star" se convirtió en un éxito top 20 en muchos países.
Fue lanzada en julio de 1981 por A&M Records como el primer sencillo de su tercer álbum de estudio en solitario homónimo.
Si bien la mayor parte de la canción está en inglés, el estribillo está en francés : "Je suis un rock star / Je avais un Residence / Je habiter là / à la South of France / Voulez-vous / partir with me? / And come and rester là / with me in France".
Wyman escribió originalmente la canción para Ian Dury de los Blockheads.
Sin embargo, al no lograr interesar a Dury ni a ningún otro artista, la grabó a regañadientes él mismo, utilizando un acento que más tarde describió como "francesero cockney".
La posición más alta que alcanzó la canción en la lista de sencillos del Reino Unido fue el puesto número 14, y permaneció un total de nueve semanas en el Top 40.
“Bill Wyman” es el tercer álbum de estudio en solitario y fue publicado el 26 de marzo de 1982 por A&M Records.
El álbum alcanzó el puesto número 55 en la lista de álbumes del Reino Unido.
A diferencia de sus álbumes de estudio anteriores, Bill Wyman se enmarca en gran medida en el estilo new wave, con un uso intensivo de sintetizadores y cajas de ritmos, y fue su primer álbum de estudio en seis años después de “Stone Alone” (1976), tras sentir que sus dos primeros álbumes de estudio "no eran muy buenos" y que una carrera en solitario no era para él, pero que era la única manera de poder publicar sus propias canciones, cuando otros artistas no estaban interesados en grabarlas.
La canción "(Si Si) Je Suis un Rock Star" fue el sencillo más exitoso del álbum, alcanzando el top 20 en cinco países diferentes, y "Come Back Suzanne" llegó al número 12 en Australia.
El álbum cuenta con la participación de músicos invitados como Chris Rea, Brian Setzer y Slim Jim Phantom de Stray Cats, Dave Mattacks de Fairport Convention y Terry Taylor de Tucky Buzzard.
En una reseña retrospectiva, AllMusic calificó el álbum con cuatro estrellas de cinco.
Destacaron "(Si Si) Je Suis un Rock Star", "Come Back Suzanne" y "A New Fashion" como las mejores canciones.
Elogiaron el álbum: "En lugar de utilizar el grupo estelar de músicos de acompañamiento que dominaba sus anteriores trabajos en solitario, Bill Wyman encontró al veterano rockero manejando gran parte de la instrumentación él mismo, con solo una sección rítmica y algunos invitados especiales. El resultado es un sonido nítido y consistente que mezcla el toque electrónico de la new wave con los buenos valores de producción del rock & roll clásico".
El álbum es "una escucha que vale la pena" y concluyeron que "en última instancia, el nivel de interés de uno en Bill Wyman dependerá de su gusto por el humor excéntrico, pero nadie puede negar que combina eficazmente una composición sólida y un estilo de producción elegante y consistente".
También en 1981, Wyman compuso el álbum de la banda sonora “Green Ice” para la película del mismo nombre, protagonizada por Ryan O'Neal y Omar Sharif.
En 1983, Wyman ayudó a organizar una recaudación de fondos para Action Research into Multiple Sclerosis en forma de una gira de conciertos con un grupo llamado Willie and the Poor Boys.
El grupo tocó en los EE. UU. y el Reino Unido que incluía un grupo rotativo de músicos invitados, incluidos Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page.
El esfuerzo fue inspirado por el amigo de Wyman y ex músico de Small Faces y Faces, Ronnie Lane.
El grupo produjo un álbum del mismo nombre que enumera a Wyman, Charlie Watts, Geraint Watkins, Mickey Gee y Andy Fairweather Low como miembros principales, además de Ray Cooper, Jimmy Page, Willie Garnett, Chris Rea, Steve Gregory, Paul Rodgers, Kenney Jones, Henry Spinetti y Terry Williams.
A mediados de la década de 1980, compuso música para dos películas del director italiano Dario Argento : “Phenomena” (1985) y “Opera” (1987).
En febrero de 1986, Wyman le confesó al autor Bill German que Jagger intentó varias veces expulsarlo de la banda.
German optó por no publicar esto en su boletín “Beggars Banquet” debido al mal estado de las relaciones dentro del grupo.
Wyman hizo un cameo en la película británica de comedia negra “Eat the Rich” ( 1987).
Produjo y tocó en algunos álbumes de la banda británica de hard rock Tucky Buzzard.
Tras las giras “Steel Wheels/Urban Jungle” de los Rolling Stones de 1989-90, Wyman dejó la banda en enero de 1993.
En 1997, Wyman formó la banda de blues rock intergeneracional Bill Wyman's Rhythm Kings después de dejar los Rolling Stones en 1993 tras su gira mundial de presentación de “Steel Wheels” y un breve paréntesis en la industria musical, alegando el deseo de trabajar en clubes más pequeños y evitar la presión de pertenecer a una de las bandas de rock más exitosas del mundo.
La banda contaba con una formación de músicos que cambiaba con frecuencia e interpretaba versiones de canciones de blues, soul, rock and roll, jazz y, ocasionalmente, de los Rolling Stones.
Wyman rara vez cantaba, pero solía ser la voz principal en la canción de Chuck Berry de 1964, "You Never Can Tell", y en la de los Rolling Stones de 1969, "Honky Tonk Women".
El 10 de diciembre de 2007, Wyman y su banda actuaron junto a la reunida Led Zeppelin en el concierto homenaje a Ahmet Ertegun en el O2 de Londres.
En 2009, el ex guitarrista de los Rolling Stones, Mick Taylor, fue invitado como artista invitado a participar con Wyman's Rhythm Kings.
El 25 de octubre de 2009, Wyman realizó un concierto de reunión con Faces, sustituyendo al fallecido Ronnie Lane como ya lo había hecho en 1986 y 1993.
El 19 de abril de 2011, el pianista Ben Waters lanzó un álbum tributo a Ian Stewart titulado “Boogie 4 Stu”.
Wyman tocó en dos temas: "Rooming House Boogie" y "Watchin' the River Flow", este último grabado con los Rolling Stones.
En 2012, se esperaba que Wyman y Mick Taylor se unieran a los Rolling Stones en el escenario en los conciertos de Londres (25 y 29 de noviembre) y Newark, Nueva Jersey (13 y 15 de diciembre), aunque Darryl Jones tocó el bajo durante la mayor parte del espectáculo.
En los conciertos de Londres del 25 y 29 de noviembre, Wyman tocó dos canciones seguidas: "It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)" y "Honky Tonk Women".
Posteriormente declaró que no estaba interesado en unirse a la banda para más fechas de la gira en 2013.
Wyman participó en un documental de 2019, dirigido y escrito por Oliver Murray, titulado “The Quiet One”, sobre su vida y carrera.
Wyman volvió brevemente a grabar con los Rolling Stones en 2023, tocando el bajo en una canción, "Live By the Sword", en su vigésimo cuarto álbum de estudio “Hackney Diamonds”.
Fue la primera vez que aparecía en una grabación de estudio de los Rolling Stones desde 1991.
El 9 de agosto de 2024, Wyman lanzó su noveno álbum de estudio en solitario titulado “Drive My Car”.
Su sonido
El sonido de Wyman se forjó a través de una combinación entre técnica autodidacta y un cuidadoso estudio de enfoques novedosos de bajo.
Su aprendizaje lo llevó a explorar instrumentos variados, desde la autoarpa y la guitarra hasta la percusión y el chelo, lo que le permitió experimentar con texturas y armonías a lo largo de su carrera.
El sonido del bajo de Wyman provenía no solo de su bajo sin trastes de escala corta de 30 pulgadas (el llamado bajo "casero"; en realidad un bajo Dallas Tuxedo modificado), sino también del estilo "walking bass" que adoptó, inspirado en Willie Dixon y Ricky Fenson.
Este estilo le permitió dar una sensación de impulso constante, especialmente cuando se combinaba con el pulso de Charlie Watts, creando lo que él describía como el “latido del corazón” de cada tema.
Wyman ha tocado varios bajos, casi todos de escala corta, incluyendo un bajo Framus Star y varios otros bajos Framus, un bajo Vox Mark III (publicado como modelo signature de Bill Wyman), un Fender Mustang Bass, dos bajos Ampeg Dan Armstrong, un Gibson EB-3 y un bajo Travis Bean.
Desde finales de la década de 1980, Wyman ha tocado principalmente bajos Steinberger.
En 2011, The Bass Centre en Londres lanzó el Wyman Bass, una interpretación con trastes del primer bajo sin trastes "casero" de Wyman, concebida con su supervisión para conservar la identidad de su instrumento original.
Este detalle es testimonio de su interés por la precisión y la personalización de su equipo a lo largo del tiempo.
Uno de los bajos de Wyman, su Fender Mustang Bass de 1969, se vendió en una subasta por 380.000 dólares en 2020, el precio más alto jamás pagado por un bajo en ese momento.
Los amplificadores de Wyman a lo largo de los años han incluido un Vox T-60, un Fender Bassman Piggyback, una columna Hiwatt y un Ampeg SVT.
La peculiaridad de la postura al sostener el bajo, que lo hizo reconocible entre el público, respondía a una necesidad física: sus brazos y manos eran de tamaño reducido, lo que incidía en la ergonomía de su ejecución y en la forma de proyectar el sonido al público.
Este rasgo se convirtió en una marca visual que acompañó a su música durante las primeras giras con The Rolling Stones.
Nota de Presidemente: Os dejo un artículo publicado por por Osvaldo Ortiz el 29 de diciembre de 2024 en infobae.com
Bill Wyman, el bajista de los Rolling Stones que marcó una era y deja huella en la historia con un nuevo reconocimiento
El músico, que hizo historia a nivel internacional, fue galardonado recientemente por la revista The Oldie, que también realizó un informe sobre su carrera
Bill Wyman, bajista de los Rolling Stones, no solo es recordado por su impecable destreza musical, sino también por ser una figura que encarna la evolución y resistencia de una época.
Su actitud disciplinada en contraste con la naturaleza irreverente de sus compañeros de banda, lo convirtió en un pilar discreto pero esencial del legendario grupo.
Debido a su trayectoria, fue galardonado como “Oldie del Año” por la revista británica The Oldie, un reconocimiento que celebra una vida marcada por el talento y la resiliencia.
Esta historia de éxito tiene un principio que se remonta a una lejana y nevada noche de 1962, cuando la vida del joven de 26 años, proveniente del sur de Londres, cambió completamente.
Bill Wyman llegó a un pub en Chelsea para audicionar como bajista de una banda emergente, que entonces se hacía llamar los Rolling Stones.
El grupo compuesto por adolescentes apasionados por el blues americano recibió al postulante con escepticismo, porque su estilo estaba marcado por la elegancia e inclinación hacia el pop comercial, que contrastaba con las influencias musicales del resto.
Sin embargo, Wyman contaba con dos ventajas que resultaron decisivas: poseía un par de amplificadores Vox de gran tamaño que impresionaron a la banda con su potencia de sonido y a eso se sumaron sus claras habilidades como bajista durante una breve audición.
Otro factor decisivo para la incorporación fue su actitud abierta y generosa que ayudó a sellar la relación: le invitó bebidas y cigarrillos a los miembros del grupo.
Esto “fue recibido como si estuviera repartiendo ayuda humanitaria”, recordó con humor Bill Wyman en The Oldie.
Mientras el caos era la norma en la banda, Wyman se erigió como un modelo de control y profesionalismo, equilibrando la energía explosiva de sus compañeros
Contraste entre Wyman y sus compañeros
Desde el principio, Wyman se distinguió como un miembro atípico dentro de los Rolling Stones.
Su experiencia previa en la Royal Air Force (RAF), donde adquirió hábitos como la puntualidad y la disciplina, contrastaba marcadamente con la actitud relajada y desordenada de sus compañeros de banda.
Estas características combinadas con su enfoque práctico de la vida, lo separaban en muchos sentidos de la cultura hedonista que rodeaba al grupo.
Además de la diferencia generacional (al ser el mayor de los Stones), Wyman mostró una aversión clara por las drogas, a pesar de ser testigo del consumo habitual de sus colegas durante los años más turbulentos del grupo.
Esta decisión no lo apartó por completo de los excesos asociados al rock de la época, ya que su vida personal incluyó un volátil historial amoroso, llegando incluso a ser considerado un pionero en popularizar el término “groupie” en el idioma inglés.
Musicalmente, Wyman asumió un rol de soporte clave.
Su talento en el bajo se destacó por servir siempre a las necesidades de las canciones, en lugar de buscar protagonismo individual.
De este modo, dejó su huella en clásicos como el impactante bajo de “19th Nervous Breakdown”, los originales pedales de órgano tocados con los puños en “Paint It Black”, y el enérgico riff de “Miss You”.
A pesar de su bajo perfil en las polémicas de la banda, Wyman observaba los titulares sensacionalistas sobre ellos con una mezcla de distancia y humor.
“Veías los periódicos gritar: ‘Los Stones, acusados por drogas’, y simplemente ponías los ojos en blanco. Nada de eso tenía que ver conmigo”, recordó con cierto alivio.
Bill Wyman no solo sobrevivió a las modas musicales, sino que se consolidó como un testigo y participante activo de la evolución del rock
Ruptura con los Rolling Stones
Después de tres décadas junto a los Rolling Stones, Bill Wyman tomó en 1992 una decisión que pocos se atreverían a considerar: abandonar la banda en la cúspide de su éxito.
Aunque disfrutaba de los privilegios de la vida de rocktar con viajes en jets privados y un estatus comparable al de la realeza, comenzó a sentir que el constante ajetreo de las giras y el estilo de vida asociado con el grupo había dejado de emocionarlo.
Wyman fue solo el segundo integrante en la historia de los Stones en separarse del grupo de manera definitiva, un acto que subrayaba su independencia y carácter pragmático.
Sin resentimientos ni escándalos, el músico decidió buscar un camino que le devolviera el placer de hacer música sin las presiones que conlleva ser parte de una de las bandas más grandes del mundo.
La partida marcó el fin de una era para los Rolling Stones, pero también permitió a Wyman explorar proyectos más pequeños y personales, alejados del vértigo de la fama global.
Años después, describiría esta etapa como un paso necesario para reencontrarse con el verdadero disfrute de la música.
La vida después de los Stones
Lejos de los escenarios multitudinarios, Wyman construyó una vida marcada por la diversidad de intereses y la búsqueda de satisfacción personal.
Formó un grupo de rhythm and blues a menor escala, donde redescubrió el placer de tocar sin las presiones del estrellato.
Además, incursionó en la gastronomía como restaurador, desarrolló detectores de metales y publicó varias obras, incluida su más reciente memoria, Billy in the Wars.
El exmúsico también halló estabilidad en su vida personal.
Desde 1993, está casado con Suzanne Accosta, con quien comparte un apacible estilo de vida en su finca en Suffolk (Inglaterra).
Aunque su relación con los Rolling Stones terminó formalmente, nunca se desvinculó por completo del grupo.
En 2012, volvió a subir al escenario con ellos como invitado, y recientemente participó en un tema del álbum Hackney Diamonds, en homenaje a Charlie Watts.
Discografía
En solitario
Monkey Grip (1974)
Stone Alone (1976)
Bill Wyman (1982)
Willie & The Poor Boys (1985)
Stuff (1992 en Japón y Argentina, 2000 en el Reino Unido)
A Stone Alone: The Solo Anthology 1974-2002 (2002, Reino Unido)
Back To Basics (2015)
Colaboraciones
I Can Tell, John Hammond, Jr. (1967)
The London Howlin’ Wolf Sessions (1971)
Manassas (1972)
Jamming with Edward! (1972)
Drinkin’ TNT And Smokin’ Dynamite, Junior Wells y Buddy Guy (1977)
Willie & The Poor Boys (1985) (con Mickey Gee, Andy Fairweather Low, Geraint Watkins y Charlie Watts)
Con Bill Wyman's Rhythm Kings
Struttin' Our Stuff (1997)
Anyway The Wind Blows (1999)
Groovin' (2000)
Double Bill (2001)
Just For A Thrill (2004)
Rhythm Kings Live (2005)
Studio Time (2018)
Drive My Car (2024)
Con los Rolling Stones
The Rolling Stones / England's Newest Hit Makers (1964)
The Rolling Stones No. 2 / The Rolling Stones, Now! (1965)
Out of Our Heads (1965)
Aftermath (1966)
Between the Buttons (1967)
Their Satanic Majesties Request (1967)
Beggars Banquet (1968)
Let It Bleed (1969)
Sticky Fingers (1971)
Exile on Main St. (1972)
Goats Head Soup (1973)
It's Only Rock 'n Roll (1974)
Black and Blue (1976)
Some Girls (1978)
Emotional Rescue (1980)
Tattoo You (1981)
Undercover (1983)
Dirty Work (1986)
Steel Wheels (1989)
Hackney Diamonds (2023)
Fuentes: rollingstone.com, billwyman.com, classicrockartists.com, vidaiconica.com, infobae.com, Wikipedia y flickr.com
Bill Wyman
Bill Wyman, nacido como William George Perks es un músico, productor discográfico, compositor y cantante británico.
Es mundialmente conocido por haber sido el bajista de la banda de rock and roll inglesa The Rolling Stones desde 1962 hasta 1993 (nunca fue reemplazado oficialmente por otro bajista, aunque Darryl Jones es quien ocupa su lugar desde que él se alejó de la banda).
Desde 1997 ha grabado y realizado giras con su propia banda, Bill Wyman's Rhythm Kings.
Ha trabajado produciendo discos y películas; también ha compuesto música para cine y televisión.
Wyman mantiene desde que era un niño durante la Segunda Guerra Mundial un diario personal, el cual le ha sido útil para él como escritor, ya que se convirtió en autor de siete libros, con ventas de más de dos millones de copias.
Wyman también es fotógrafo, y sus obras se han exhibido en galerías alrededor de todo el mundo.
Con el tiempo se convirtió en un aficionado a la arqueología, y disfruta de encontrar reliquias.
Wyman diseñó y comercializó un sistema de detector de metales patentado por él mismo, que ha utilizado para encontrar reliquias que se remontan a la época del Imperio Romano.
Como empresario, es dueño de varios establecimientos, incluyendo el famoso Sticky Fingers Café (en referencia al clásico disco de los Stones).
“Debe haber cientos de bajistas mejores que yo”, dijo Bill Wyman a Rolling Stone en 1974. “Quiero decir, nunca podría tocar como Jack Bruce. Si fuera ambicioso en esa dirección, practicaría, [pero] no lo hago”.
Pero mientras él subestima su talento, sus compañeros de los Rolling Stones no están de acuerdo.
“Bill Wyman es un bajista increíble”, dijo Keith Richards una vez. “Todavía me asombra el buen gusto de Bill al tocar el bajo… Es un músico muy sensible”.
Wyman se ganó los elogios de Richards tocando armonías inteligentes bajo el icónico riff de “Satisfaction” del guitarrista (tocando una melodía que baja mientras la guitarra sube), un suave retumbo bajo “Jumpin' Jack Flash”, y ritmos que se mueven bajo el boogie-woogie de “Rocks Off”.
“No soy un bajista ocupado”, dijo Wyman una vez. “No soy Stanley Clarke ni nada parecido. Para mí, deberían tocar la guitarra, no el bajo… Se necesita potencia en la base… Hay que dejar espacio para los demás, no llenarlo con el bajo. Hay que dejar mucho espacio y dejar que la pista respire desde abajo”.
Wyman nació como William George Perks el 24 de octubre de 1936 en el Hospital Lewisham en Lewisham, al sur de Londres.
William creció en un entorno de clase trabajadora en el sur de la capital británica, hijo del albañil William George Perks que también tocaba el acordeón y el piano y Kathleen May "Molly" Perks (de soltera Jeffery), empleada de fábrica.
Uno de seis hermanos, pasó la mayor parte de su infancia en Penge, al sureste de Londres, en una casa adosada en una zona con múltiples desafíos sociales.
Wyman recordó más tarde aquellos años como "marcados por la pobreza", tras haber sobrevivido a los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial y a los ataques aéreos de los aviones de combate nazis contra su barrio, en los que murieron algunos de sus vecinos.
Esa fue una realidad que influyó en su forma de ver el mundo y de asumir metas profesionales.
La música fue una constante temprana gracias al talento de su padre y a su acercamiento al canto coral de la iglesia local durante una década.
A los cuatro años inició su educación musical de manera autodidacta y, para cuando tenía catorce, dominaba el piano, el órgano y el clarinete, consolidando una base amplia que luego serviría para sus proyectos como instrumentista versátil.
Entre los 10 y 13 años recibió clases de piano, lo que amplió su vocabulario sonoro y su precisión técnica.
Wyman asistió a la escuela primaria Oakfield, y aprobó su examen de acceso a la escuela secundaria Beckenham and Penge County Grammar School desde 1947 hasta la Pascua de 1953, yéndose antes de los exámenes para obtener el GCE, después de que su padre le encontró un trabajo como corredor de apuestas y le insistió en que lo tomara para ayudar financieramente a su familia.
Este giro temprano en su vida lo acercó a una realidad laboral que más tarde contrastaría con su vocación artística.
En enero de 1955, Wyman fue llamado a filas para cumplir dos años de servicio militar obligatorio en la Real Fuerza Aérea (RAF).
En otoño, tras firmar un año adicional, fue destinado a la base aérea de Oldenburg, en Baja Sajonia, Alemania Occidental, donde pasó el resto de su servicio en la Sección de Transporte Motorizado.
Fue en los salones de baile de Alemania Occidental y en la emisora de radio de las Fuerzas Armadas, American Forces Network (AFN), donde descubrió por primera vez la fuerza bruta del rock and roll.
En agosto de 1956, compró una guitarra por 400 marcos alemanes y en 1957 formó un grupo de skiffle en el campamento con Casey Jones, cantante y guitarrista británico que después lideró el primer grupo de beat notable de Liverpool, Cass and the Cassanovas, quienes fueron rivales de The Beatles en la ciudad.
A su regreso, trabajó en una firma de ingeniería donde ascendió hasta el cargo de subgerente, una experiencia que afianzó su disciplina y capacidad organizativa.
Poco después, contrajo matrimonio con Diane Cory, quien trabajaba en un banco, y juntos tomaron decisiones que moldearon su trayectoria personal y, en última instancia, su identidad artística.
Un año después de su matrimonio compró una guitarra eléctrica Burns por 52 libras esterlinas a plazos, pero no estaba satisfecho con su progreso.
Su curiosidad lo llevó a restaurar y transformar un bajo Dallas Tuxedo de segunda mano para convertirlo en un bajo fretless, hecho artesanalmente para acercarse al sonido que le fascinaba, después de escuchar uno en un concierto de los Barron Knights.
Fue con ese instrumento con el que empezó a moverse en la escena local, formando parte de una banda llamada The Cliftons y abriendo camino hacia oportunidades más grandes.
Este periodo fue clave para su decisión de adoptar el nombre artístico Lee Wyman, más tarde evolucionado a Bill Wyman, y para el cambio legal de su apellido en 1964.
La gran oportunidad llegó cuando el baterista Tony Chapman le dijo a Wyman que una banda de rhythm and blues llamada The Rolling Stones necesitaba un bajista.
Audicionó en un pub de Chelsea, Londres, el 7 de diciembre de 1962 y fue contratado como sucesor de Dick Taylor.
Nota de Presidemente: en esta ocasión no voy a añadir información de los discos en la época que estuvo con los Rolling Stones, esa información ya está en el post de los guitarristas, en el nº 4, Keith Richards.
La banda quedó impresionada por su instrumento y amplificadores (uno de los cuales Wyman modificó él mismo, y un Vox AC30), aportando un sonido característico que destacó por su precisión rítmica y su capacidad para sostener las canciones con una base firme.
A pesar de la admiración inicial por su instrumento y su equipo, el grupo no tardó en percibir la distancia generacional entre él y algunos de sus jóvenes compañeros, lo que no impidió que se consolidara como una pieza clave del conjunto a lo largo de los años; Wyman era el miembro de mayor edad del grupo.
Además de tocar el bajo, Wyman frecuentemente hacía coros en sus primeros discos y, hasta 1967, también en conciertos.
Escribió e interpretó la voz principal del tema "In Another Land" de su sexto álbum de estudio, “Their Satanic Majesties Request”, que se lanzó como sencillo y se le atribuyó únicamente a Wyman, convirtiéndose así en su primer sencillo oficial en solitario.
La canción es una de las dos composiciones de Wyman publicadas por los Rolling Stones; la segunda es "Downtown Suzie" (cantada por Mick Jagger), en “Metamorphosis” (1975), un álbum recopilatorio de tomas descartadas de los Rolling Stones.
El título "Downtown Suzie" fue elegido por su entonces mánager, Allen Klein, sin consultar a Wyman ni a la banda.
El título original era "Sweet Lisle Lucy", en honor a Lisle Street, una calle del barrio rojo de Soho, Londres.
Wyman era cercano a Brian Jones; solían compartir habitaciones durante las giras y a menudo iban juntos a clubes.
Él y Jones pasaban tiempo juntos incluso cuando Jones se estaba distanciando de la banda.
Wyman quedó consternado al enterarse de la muerte de Jones, siendo uno de los dos miembros (Charlie Watts fue el otro) que asistieron a su funeral en julio de 1969.
Wyman también era amigo del guitarrista Mick Taylor. Al igual que los demás Rolling Stones, trabajó con Taylor desde la salida de este último de la banda en 1974.
Wyman ha llevado un diario a lo largo de su vida, desde niño, y lo utilizó para escribir su autobiografía de 1990, “Stone Alone”, y su libro de 2002, “Rolling with the Stones”.
En “Stone Alone”, Wyman afirma haber escrito el riff de "Jumpin' Jack Flash" con Jones y Watts.
Wyman menciona que "(I Can't Get No) Satisfaction" se lanzó como sencillo solo después de una votación de 3 a 2 dentro de la banda: Wyman, Watts y Jones votaron a favor, Jagger y Keith Richards en contra, al considerar que no era lo suficientemente comercial.
Paralelamente, participó en proyectos ajenos a The Rolling Stones, como “The London Howlin’ Wolf Sessions” y “Jamming with Edward!”, trabajos que reunieron a músicos destacados y dieron lugar a colaboraciones de alto perfil.
“The London Howlin' Wolf Sessions” es un álbum del músico de blues Howlin' Wolf lanzado en 1971 por Chess Records y por Rolling Stones Records en Gran Bretaña.
Fue uno de los primeros álbumes de blues de super sesión, estableciendo a un maestro del blues entre músicos famosos de la segunda generación del rock and roll, en este caso Eric Clapton, Steve Winwood, Charlie Watts y Bill Wyman.
Alcanzó el puesto 79 en el Billboard 200.
Tras bambalinas en el Fillmore Auditorium, después de un concierto de Paul Butterfield Blues Band, Electric Flag y Cream, el productor de Chess Records, Norman Dayron, vio a los guitarristas de las dos últimas bandas, Mike Bloomfield y Eric Clapton, hablando y bromeando.
Dayron se acercó a Clapton y, por impulso, le preguntó: "¿Te gustaría hacer un álbum con Howlin' Wolf?".
Después de confirmar que la oferta era legítima, Clapton aceptó, y Dayron organizó sesiones en Londres a través de la organización Chess para coordinar con la agenda de Clapton.
Clapton consiguió la participación de la sección rítmica de los Rolling Stones (el pianista Ian Stewart, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts), mientras que Dayron reunió a otros músicos, incluido el prodigio de la armónica de 19 años Jeffrey Carp, quien murió en 1973 a los 24 años.
Inicialmente, Marshall Chess no quería pagar los gastos de vuelos y alojamiento para enviar al guitarrista de larga trayectoria de Wolf, Hubert Sumlin, a Inglaterra, pero un ultimátum de Clapton obligó a su presencia.
Las sesiones tuvieron lugar entre el 2 y el 7 de mayo de 1970 en los Olympic Studios.
El primer día, 2 de mayo, Watts y Wyman no estaban disponibles, y se hizo un llamado para encontrar reemplazos de inmediato.
Muchos se presentaron, pero solo se publicaron grabaciones con Klaus Voormann y Ringo Starr de ese día.
En los créditos iniciales del álbum, Starr aparece como "Richie", ya que Dayron tenía la impresión de que, al ser un Beatle, su nombre no podía usarse directamente.
Se realizaron más sobregrabaciones en los estudios Chess de Chicago con los habituales de Chess, Lafayette Leake al piano y Phil Upchurch al bajo, y los trompetistas Jordan Sandke, Dennis Lansing y Joe Miller de los 43rd Street Snipers, la banda de Carp.
El ex teclista de Blind Faith, Steve Winwood, de gira por Estados Unidos, también contribuyó a las sesiones de sobregrabación.
Aunque en realidad solo toca en cinco temas del álbum original, su nombre aparece en la portada debajo del de Wolf, junto con Clapton, Wyman y Watts.
Por otro lado, se le pidió al guitarrista Paul Asbell que "rellenara los espacios" en "I Ain't Superstitious" debido a que las partes originales de Clapton quedaban eclipsadas por los metales sobregrabados, pero solo se le acreditó en la sección de agradecimientos especiales.
De manera similar, Mick Jagger tocó percusión sin acreditar en las sesiones de Londres, uniéndose a sus compañeros de los Rolling Stones.
El 4 de marzo de 2003, Universal Music Group, actual propietaria del catálogo de Chess, lanzó una edición de lujo de dos discos de las “London Sessions”.
El primer disco incluía como bonus tracks tres interpretaciones publicadas originalmente en Chess en febrero de 1974, “London Revisited”.
El segundo disco contenía tomas descartadas y mezclas diferentes.
También tocó en el álbum de estudio “Jamming with Edward!”, publicado en 1972, con Ry Cooder, Nicky Hopkins, Jagger y Watts.
El álbum fue grabado en el Olympic Studio de Londres el 23 de abril de 1969, durante las sesiones de “Let It Bleed”, y lanzado por Rolling Stones Records en 1972.
Consiste en una serie de improvisaciones libres realizadas por los miembros de la banda mientras esperaban el regreso de Keith Richards al estudio.
La razón de la ausencia de Richards es incierta; aunque comúnmente se cree que se marchó por la incorporación de Cooder como guitarrista de apoyo, el productor Glyn Johns ha atribuido su ausencia a una llamada telefónica de su novia Anita Pallenberg.
Aunque “¡Jamming with Edward!” alcanzó el puesto número 33 en las listas de éxitos de EE. UU. en febrero de 1972 durante una estancia de 11 semanas, no logró entrar en las listas del Reino Unido.
“Edward” es un apodo para el pianista Nicky Hopkins, que surgió de una conversación previa en el estudio entre Hopkins y otro miembro de los Rolling Stones, Brian Jones. Hopkins también contribuyó con la portada.
En las notas originales del álbum, Mick Jagger lo describe como “una buena pieza de mierda... que grabamos una noche en Londres, Inglaterra, mientras esperábamos a que nuestro guitarrista se levantara de la cama. Se olvidó rápidamente (lo cual quizás fue para mejor)... Espero que dediquen más tiempo a escuchar este disco que el que nosotros tardamos en grabarlo”.
En la versión en CD hay notas adicionales escritas por Mark Paytress que añaden más contexto y describen el resultado como “una rareza que supera a todas las rarezas, quizás”.
Johns dijo sobre el álbum: "[Era] solo una broma, una risa. Lo grabé y lo pusieron, y luego, no sé cuánto tiempo después, sacamos las cintas, lo mezclé y lo incluyeron en el álbum. Realmente no merecía ser publicado, pero estuvo bien, fue divertido, y hay buena música en él".
Según Rolling Stone, el lanzamiento se retrasó varios meses debido a la aparición de una palabrota en la portada trasera, que fue parcialmente cubierta con estrellas en el lanzamiento final.
“¡Jamming with Edward!” fue remasterizado y reeditado por Virgin Records en 1995.
Don Ottenhoff de The Grand Rapids Press desestimó el "álbum generalmente mediocre" como indigno de su gran campaña promocional, creyendo que la idea central de reunir músicos y "simplemente [dejar] que las cintas corran", capturando así un lado más personal e informal de los músicos que en los álbumes propiamente dichos de los Rolling Stones, se vio perjudicada por el álbum que se asemejaba a "mil otras bandas que se juntan en el sótano de alguien para improvisar".
Ottenhoff lo comparó con otro "disco de improvisación insípido", “Apple Jam” de George Harrison (1970), ya que ambos están más cerca de "revistas [de fans] fonográficas que de cualquier otra cosa", y se quejó de que la mezcla hacía que el álbum se pareciera a un viejo y rayado disco de 78 rpm.
Jerry Kholer de The Kansas City Star lo describió como una edición ocasionalmente buena pero a veces muy mala de una sesión de improvisación de dos horas que debería haber durado más para permitir un mejor material, y sintió que, incluso para un álbum de sesión de improvisación, contiene "demasiados bajos".
Según Kholer, lo más destacado del álbum es el "sobresaliente trabajo al piano" de Hopkins, elogiando sus estilos inventivos y versátiles de rock, blues y boogie woogie por haber rescatado varias pistas.
El crítico de Staten Island Advance, Chuck Schmidt, escribió que el álbum funciona como un "aperitivo", calmando a las audiencias que esperaban el próximo álbum de estudio de los Rolling Stones, y comentó que, aunque se trata de una sesión de grabación improvisada acreditada a sus músicos colaboradores, es satisfactoria por sonar "tan distintivamente Rolling Stones".
Schmidt creía que la mayor fortaleza del álbum era mostrar el talento musical poco reconocido de Watts y Wyman, quienes son fundamentales para la grabación.
Robert Murphy de The Daily Breeze lo consideró una pieza musical "espontánea pero estructurada, sutil pero memorable" que muestra perfectamente a todos los músicos colaboradores, elogiándolo por ser un "paquete sin desperdicio de talento relajante", y lo consideró superior a otros álbumes de jam como “Apple Jam”, “Super Session” y “Grape Jam” de Moby Grape (ambos de 1968), que suenan "desesperadamente ensayados" en comparación.
Walter Borawski escribió en su reseña del Poughkeepsie Journal que Hopkins es el punto culminante "espectacular" de un álbum casi totalmente informe de sesiones de improvisación que solo terminan cuando los músicos se cansan de ellas, elogiando además a Cooder y Watts por contribuir con "algunos de sus mejores trabajos hasta la fecha".
Algunos críticos señalaron que “¡Jamming with Edward!” fue grabado o mezclado de forma deficiente, con la voz de Jagger oscurecida y distorsionada, asemejándose al sonido de una conversación telefónica amortiguada.
Kholer señaló que la voz "gravemente distorsionada" se explica porque Jagger cantaba en un micrófono de armónica.
El crítico del Winston-Salem Journal, Jim Shirtzer, consideró que el álbum era similar a las grabaciones piratas de finales de la década de 1960, aunque en su mayoría mejor grabado.
Shirtzer en general elogió el álbum "relajado y casual", destacando particularmente el tratamiento improvisado de "It Hurts Me Too", y creyó que, a pesar de sus defectos, el álbum era "el único vistazo entre bastidores" que los Rolling Stones habían ofrecido de su música.
El New York Times dijo que la voz de Jagger era el principal atractivo, pero como suena como si cantara a través de una "caja de palomitas vacía", no justifica la compra de "un bombardeo de clichés errático y aburrido" como “Jamming with Edward!”, descartando las afinaciones, los falsos comienzos, los solos y el blues de cuatro compases del disco.
Robert Christgau, escribiendo en “Christgau's Record Guide” (1981), reforzó las quejas sobre la "pésima" mezcla vocal, la interpretación mediocre y la "composición casi inexistente" de “Jamming with Edward!”, admitiendo que solo los coleccionistas comprarían el set a precio reducido.
Steve Kurutz de AllMusic critica el estilo poco ensayado del álbum como "más un obstáculo que una llamada a la gloria desaliñada", escribiendo que el conjunto tropieza con versiones y originales impulsados por teclados que siguen siendo poco impresionantes por sonar "hechos a la fuerza durante los ensayos de una noche de borrachera", lo que resulta en un álbum que es "un poco decepcionante".
Jeff Giles de Ultimate Classic Rock, señalando la rareza de que los Rolling Stones entraran en el Top 40 de las listas de Billboard sin Richards, comenta que el álbum "representaba más una mirada detrás de escena que una compra realmente necesaria para cualquiera que no sea el coleccionista más acérrimo de los Stones, pero como gran parte de lo que la banda grabó durante su era clásica, es una obra que se beneficia de un cierto encanto desaliñado y alcohólico".
Tras su reedición en CD en 1995, el crítico de The Daily Gleaner, Wilfred Langmaid, dijo que el álbum muestra improvisaciones hábiles, con Hopkins al frente y en el centro, y que es una "buena pequeña adición a la discografía de los Rolling Stones", justificando aún más la "autocomplacencia" de "Interlude a la El Hopo" y "Highland Fling" porque, como la grabación captura una sesión de improvisación informal a altas horas de la noche, "el lanzamiento del álbum era lo último en lo que pensaban estos músicos en esas horas después de la medianoche".
Jeff Baxter de North Bay Nugget destacó la naturaleza divertida de las cintas y escribió que los fanáticos del estilo de las improvisaciones las encontrarían "extremadamente pegadizas y agradables".
En 2005, Santa Barbara News-Press incluyó el álbum junto con “Goats Head Soup” (1973) y “Undercover” (1983) en su lista de álbumes clásicos de los Rolling Stones que deberían haber sido "candidatos".
Describiendo “Jamming with Edward!” en lugar de subestimarlo, el periódico destaca su ambiente relajado y opina que la ausencia de la guitarra de Richards permite que tanto la sólida sección rítmica de Watts-Wyman como el trabajo de piano "estelar" de Hopkins se destaquen.
También desestimaron a los fanáticos más acérrimos que creían que el álbum era un "ejercicio tedioso" que no debería haberse publicado, afirmando que lo elogiarían si existiera únicamente como una grabación pirata.
Lin Bensley de Record Collector señaló la "calidad de audio cuestionable", pero opinó que el álbum demuestra las habilidades de improvisación de sus colaboradores, a pesar de palidecer en comparación con los "pasajes brillantes" del álbum en solitario de Hopkins, “The Tin Man Was a Dreamer” (1973).
Wyman tocó el bajo en al menos dos temas del álbum de estudio de John P. Hammond, “I Can Tell” (1967).
En 1974 grabó “Monkey Grip” su álbum de estudio debut, lanzado el 10 de mayo de 1974 por Rolling Stones Records.
En una reseña retrospectiva, Steve Kurutz, de AllMusic, calificó el álbum con cuatro estrellas de cinco.
Destacó "I Wanna Get Me a Gun", "White Lightnin" y "I'll Pull You Thro" como las mejores canciones del álbum e insinuó su aprobación a la voz de Wyman, describiéndola como "suelta y llena de alegría".
También elogió el álbum por evitar el egocentrismo habitual de los álbumes en solitario: "Aunque este tipo de álbumes pueden ser egocéntricos, Monkey Grip pretende ser una vía de escape relajada y sin pretensiones para las composiciones que nunca verían la luz en la banda principal de Wyman; y, como mérito del bajista, se percibe exactamente así".
“Stone Alone” es su segundo álbum de estudio en solitario, lanzado el 27 de febrero de 1976 por Rolling Stones Records.
El álbum alcanzó el puesto número 166 en la lista Billboard 200 de Estados Unido.
Van Morrison toca el saxofón en "A Quarter to Three".
Joe Walsh, Dr. John, Ronnie Wood, Al Kooper, Nicky Hopkins y Jim Keltner participaron en el álbum.
En una reseña retrospectiva, Donald Guarisco de AllMusic calificó el álbum con una estrella y media de cinco.
Destacó "Apache Woman" y "Quarter to Three", pero advirtió que "canciones destacadas como estas son escasas y distantes entre sí, y este problema reduce a Stone Alone a una rareza que solo deberían buscar los fanáticos de Bill Wyman y los coleccionistas de los Rolling Stones".
Criticó el álbum por carecer del "enfoque y las canciones sólidas del álbum anterior y termina sintiéndose como el típico proyecto paralelo egocéntrico de una estrella de rock. Sin embargo, no se puede culpar a Stone Alone por su ambición: casi todas las canciones experimentan con un estilo musical diferente (rock estilo años 50, disco y reggae ) y Wyman recluta a una verdadera constelación de músicos invitados (desde Dr. John hasta Al Kooper y Joe Walsh ) para dar vida a las canciones".
En julio de 1981, el sencillo en solitario de Wyman "(Si Si) Je Suis un Rock Star" se convirtió en un éxito top 20 en muchos países.
Fue lanzada en julio de 1981 por A&M Records como el primer sencillo de su tercer álbum de estudio en solitario homónimo.
Si bien la mayor parte de la canción está en inglés, el estribillo está en francés : "Je suis un rock star / Je avais un Residence / Je habiter là / à la South of France / Voulez-vous / partir with me? / And come and rester là / with me in France".
Wyman escribió originalmente la canción para Ian Dury de los Blockheads.
Sin embargo, al no lograr interesar a Dury ni a ningún otro artista, la grabó a regañadientes él mismo, utilizando un acento que más tarde describió como "francesero cockney".
La posición más alta que alcanzó la canción en la lista de sencillos del Reino Unido fue el puesto número 14, y permaneció un total de nueve semanas en el Top 40.
“Bill Wyman” es el tercer álbum de estudio en solitario y fue publicado el 26 de marzo de 1982 por A&M Records.
El álbum alcanzó el puesto número 55 en la lista de álbumes del Reino Unido.
A diferencia de sus álbumes de estudio anteriores, Bill Wyman se enmarca en gran medida en el estilo new wave, con un uso intensivo de sintetizadores y cajas de ritmos, y fue su primer álbum de estudio en seis años después de “Stone Alone” (1976), tras sentir que sus dos primeros álbumes de estudio "no eran muy buenos" y que una carrera en solitario no era para él, pero que era la única manera de poder publicar sus propias canciones, cuando otros artistas no estaban interesados en grabarlas.
La canción "(Si Si) Je Suis un Rock Star" fue el sencillo más exitoso del álbum, alcanzando el top 20 en cinco países diferentes, y "Come Back Suzanne" llegó al número 12 en Australia.
El álbum cuenta con la participación de músicos invitados como Chris Rea, Brian Setzer y Slim Jim Phantom de Stray Cats, Dave Mattacks de Fairport Convention y Terry Taylor de Tucky Buzzard.
En una reseña retrospectiva, AllMusic calificó el álbum con cuatro estrellas de cinco.
Destacaron "(Si Si) Je Suis un Rock Star", "Come Back Suzanne" y "A New Fashion" como las mejores canciones.
Elogiaron el álbum: "En lugar de utilizar el grupo estelar de músicos de acompañamiento que dominaba sus anteriores trabajos en solitario, Bill Wyman encontró al veterano rockero manejando gran parte de la instrumentación él mismo, con solo una sección rítmica y algunos invitados especiales. El resultado es un sonido nítido y consistente que mezcla el toque electrónico de la new wave con los buenos valores de producción del rock & roll clásico".
El álbum es "una escucha que vale la pena" y concluyeron que "en última instancia, el nivel de interés de uno en Bill Wyman dependerá de su gusto por el humor excéntrico, pero nadie puede negar que combina eficazmente una composición sólida y un estilo de producción elegante y consistente".
También en 1981, Wyman compuso el álbum de la banda sonora “Green Ice” para la película del mismo nombre, protagonizada por Ryan O'Neal y Omar Sharif.
En 1983, Wyman ayudó a organizar una recaudación de fondos para Action Research into Multiple Sclerosis en forma de una gira de conciertos con un grupo llamado Willie and the Poor Boys.
El grupo tocó en los EE. UU. y el Reino Unido que incluía un grupo rotativo de músicos invitados, incluidos Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page.
El esfuerzo fue inspirado por el amigo de Wyman y ex músico de Small Faces y Faces, Ronnie Lane.
El grupo produjo un álbum del mismo nombre que enumera a Wyman, Charlie Watts, Geraint Watkins, Mickey Gee y Andy Fairweather Low como miembros principales, además de Ray Cooper, Jimmy Page, Willie Garnett, Chris Rea, Steve Gregory, Paul Rodgers, Kenney Jones, Henry Spinetti y Terry Williams.
A mediados de la década de 1980, compuso música para dos películas del director italiano Dario Argento : “Phenomena” (1985) y “Opera” (1987).
En febrero de 1986, Wyman le confesó al autor Bill German que Jagger intentó varias veces expulsarlo de la banda.
German optó por no publicar esto en su boletín “Beggars Banquet” debido al mal estado de las relaciones dentro del grupo.
Wyman hizo un cameo en la película británica de comedia negra “Eat the Rich” ( 1987).
Produjo y tocó en algunos álbumes de la banda británica de hard rock Tucky Buzzard.
Tras las giras “Steel Wheels/Urban Jungle” de los Rolling Stones de 1989-90, Wyman dejó la banda en enero de 1993.
En 1997, Wyman formó la banda de blues rock intergeneracional Bill Wyman's Rhythm Kings después de dejar los Rolling Stones en 1993 tras su gira mundial de presentación de “Steel Wheels” y un breve paréntesis en la industria musical, alegando el deseo de trabajar en clubes más pequeños y evitar la presión de pertenecer a una de las bandas de rock más exitosas del mundo.
La banda contaba con una formación de músicos que cambiaba con frecuencia e interpretaba versiones de canciones de blues, soul, rock and roll, jazz y, ocasionalmente, de los Rolling Stones.
Wyman rara vez cantaba, pero solía ser la voz principal en la canción de Chuck Berry de 1964, "You Never Can Tell", y en la de los Rolling Stones de 1969, "Honky Tonk Women".
El 10 de diciembre de 2007, Wyman y su banda actuaron junto a la reunida Led Zeppelin en el concierto homenaje a Ahmet Ertegun en el O2 de Londres.
En 2009, el ex guitarrista de los Rolling Stones, Mick Taylor, fue invitado como artista invitado a participar con Wyman's Rhythm Kings.
El 25 de octubre de 2009, Wyman realizó un concierto de reunión con Faces, sustituyendo al fallecido Ronnie Lane como ya lo había hecho en 1986 y 1993.
El 19 de abril de 2011, el pianista Ben Waters lanzó un álbum tributo a Ian Stewart titulado “Boogie 4 Stu”.
Wyman tocó en dos temas: "Rooming House Boogie" y "Watchin' the River Flow", este último grabado con los Rolling Stones.
En 2012, se esperaba que Wyman y Mick Taylor se unieran a los Rolling Stones en el escenario en los conciertos de Londres (25 y 29 de noviembre) y Newark, Nueva Jersey (13 y 15 de diciembre), aunque Darryl Jones tocó el bajo durante la mayor parte del espectáculo.
En los conciertos de Londres del 25 y 29 de noviembre, Wyman tocó dos canciones seguidas: "It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)" y "Honky Tonk Women".
Posteriormente declaró que no estaba interesado en unirse a la banda para más fechas de la gira en 2013.
Wyman participó en un documental de 2019, dirigido y escrito por Oliver Murray, titulado “The Quiet One”, sobre su vida y carrera.
Wyman volvió brevemente a grabar con los Rolling Stones en 2023, tocando el bajo en una canción, "Live By the Sword", en su vigésimo cuarto álbum de estudio “Hackney Diamonds”.
Fue la primera vez que aparecía en una grabación de estudio de los Rolling Stones desde 1991.
El 9 de agosto de 2024, Wyman lanzó su noveno álbum de estudio en solitario titulado “Drive My Car”.
Su sonido
El sonido de Wyman se forjó a través de una combinación entre técnica autodidacta y un cuidadoso estudio de enfoques novedosos de bajo.
Su aprendizaje lo llevó a explorar instrumentos variados, desde la autoarpa y la guitarra hasta la percusión y el chelo, lo que le permitió experimentar con texturas y armonías a lo largo de su carrera.
El sonido del bajo de Wyman provenía no solo de su bajo sin trastes de escala corta de 30 pulgadas (el llamado bajo "casero"; en realidad un bajo Dallas Tuxedo modificado), sino también del estilo "walking bass" que adoptó, inspirado en Willie Dixon y Ricky Fenson.
Este estilo le permitió dar una sensación de impulso constante, especialmente cuando se combinaba con el pulso de Charlie Watts, creando lo que él describía como el “latido del corazón” de cada tema.
Wyman ha tocado varios bajos, casi todos de escala corta, incluyendo un bajo Framus Star y varios otros bajos Framus, un bajo Vox Mark III (publicado como modelo signature de Bill Wyman), un Fender Mustang Bass, dos bajos Ampeg Dan Armstrong, un Gibson EB-3 y un bajo Travis Bean.
Desde finales de la década de 1980, Wyman ha tocado principalmente bajos Steinberger.
En 2011, The Bass Centre en Londres lanzó el Wyman Bass, una interpretación con trastes del primer bajo sin trastes "casero" de Wyman, concebida con su supervisión para conservar la identidad de su instrumento original.
Este detalle es testimonio de su interés por la precisión y la personalización de su equipo a lo largo del tiempo.
Uno de los bajos de Wyman, su Fender Mustang Bass de 1969, se vendió en una subasta por 380.000 dólares en 2020, el precio más alto jamás pagado por un bajo en ese momento.
Los amplificadores de Wyman a lo largo de los años han incluido un Vox T-60, un Fender Bassman Piggyback, una columna Hiwatt y un Ampeg SVT.
La peculiaridad de la postura al sostener el bajo, que lo hizo reconocible entre el público, respondía a una necesidad física: sus brazos y manos eran de tamaño reducido, lo que incidía en la ergonomía de su ejecución y en la forma de proyectar el sonido al público.
Este rasgo se convirtió en una marca visual que acompañó a su música durante las primeras giras con The Rolling Stones.
Nota de Presidemente: Os dejo un artículo publicado por por Osvaldo Ortiz el 29 de diciembre de 2024 en infobae.com
Bill Wyman, el bajista de los Rolling Stones que marcó una era y deja huella en la historia con un nuevo reconocimiento
El músico, que hizo historia a nivel internacional, fue galardonado recientemente por la revista The Oldie, que también realizó un informe sobre su carrera
Bill Wyman, bajista de los Rolling Stones, no solo es recordado por su impecable destreza musical, sino también por ser una figura que encarna la evolución y resistencia de una época.
Su actitud disciplinada en contraste con la naturaleza irreverente de sus compañeros de banda, lo convirtió en un pilar discreto pero esencial del legendario grupo.
Debido a su trayectoria, fue galardonado como “Oldie del Año” por la revista británica The Oldie, un reconocimiento que celebra una vida marcada por el talento y la resiliencia.
Esta historia de éxito tiene un principio que se remonta a una lejana y nevada noche de 1962, cuando la vida del joven de 26 años, proveniente del sur de Londres, cambió completamente.
Bill Wyman llegó a un pub en Chelsea para audicionar como bajista de una banda emergente, que entonces se hacía llamar los Rolling Stones.
El grupo compuesto por adolescentes apasionados por el blues americano recibió al postulante con escepticismo, porque su estilo estaba marcado por la elegancia e inclinación hacia el pop comercial, que contrastaba con las influencias musicales del resto.
Sin embargo, Wyman contaba con dos ventajas que resultaron decisivas: poseía un par de amplificadores Vox de gran tamaño que impresionaron a la banda con su potencia de sonido y a eso se sumaron sus claras habilidades como bajista durante una breve audición.
Otro factor decisivo para la incorporación fue su actitud abierta y generosa que ayudó a sellar la relación: le invitó bebidas y cigarrillos a los miembros del grupo.
Esto “fue recibido como si estuviera repartiendo ayuda humanitaria”, recordó con humor Bill Wyman en The Oldie.
Mientras el caos era la norma en la banda, Wyman se erigió como un modelo de control y profesionalismo, equilibrando la energía explosiva de sus compañeros
Contraste entre Wyman y sus compañeros
Desde el principio, Wyman se distinguió como un miembro atípico dentro de los Rolling Stones.
Su experiencia previa en la Royal Air Force (RAF), donde adquirió hábitos como la puntualidad y la disciplina, contrastaba marcadamente con la actitud relajada y desordenada de sus compañeros de banda.
Estas características combinadas con su enfoque práctico de la vida, lo separaban en muchos sentidos de la cultura hedonista que rodeaba al grupo.
Además de la diferencia generacional (al ser el mayor de los Stones), Wyman mostró una aversión clara por las drogas, a pesar de ser testigo del consumo habitual de sus colegas durante los años más turbulentos del grupo.
Esta decisión no lo apartó por completo de los excesos asociados al rock de la época, ya que su vida personal incluyó un volátil historial amoroso, llegando incluso a ser considerado un pionero en popularizar el término “groupie” en el idioma inglés.
Musicalmente, Wyman asumió un rol de soporte clave.
Su talento en el bajo se destacó por servir siempre a las necesidades de las canciones, en lugar de buscar protagonismo individual.
De este modo, dejó su huella en clásicos como el impactante bajo de “19th Nervous Breakdown”, los originales pedales de órgano tocados con los puños en “Paint It Black”, y el enérgico riff de “Miss You”.
A pesar de su bajo perfil en las polémicas de la banda, Wyman observaba los titulares sensacionalistas sobre ellos con una mezcla de distancia y humor.
“Veías los periódicos gritar: ‘Los Stones, acusados por drogas’, y simplemente ponías los ojos en blanco. Nada de eso tenía que ver conmigo”, recordó con cierto alivio.
Bill Wyman no solo sobrevivió a las modas musicales, sino que se consolidó como un testigo y participante activo de la evolución del rock
Ruptura con los Rolling Stones
Después de tres décadas junto a los Rolling Stones, Bill Wyman tomó en 1992 una decisión que pocos se atreverían a considerar: abandonar la banda en la cúspide de su éxito.
Aunque disfrutaba de los privilegios de la vida de rocktar con viajes en jets privados y un estatus comparable al de la realeza, comenzó a sentir que el constante ajetreo de las giras y el estilo de vida asociado con el grupo había dejado de emocionarlo.
Wyman fue solo el segundo integrante en la historia de los Stones en separarse del grupo de manera definitiva, un acto que subrayaba su independencia y carácter pragmático.
Sin resentimientos ni escándalos, el músico decidió buscar un camino que le devolviera el placer de hacer música sin las presiones que conlleva ser parte de una de las bandas más grandes del mundo.
La partida marcó el fin de una era para los Rolling Stones, pero también permitió a Wyman explorar proyectos más pequeños y personales, alejados del vértigo de la fama global.
Años después, describiría esta etapa como un paso necesario para reencontrarse con el verdadero disfrute de la música.
La vida después de los Stones
Lejos de los escenarios multitudinarios, Wyman construyó una vida marcada por la diversidad de intereses y la búsqueda de satisfacción personal.
Formó un grupo de rhythm and blues a menor escala, donde redescubrió el placer de tocar sin las presiones del estrellato.
Además, incursionó en la gastronomía como restaurador, desarrolló detectores de metales y publicó varias obras, incluida su más reciente memoria, Billy in the Wars.
El exmúsico también halló estabilidad en su vida personal.
Desde 1993, está casado con Suzanne Accosta, con quien comparte un apacible estilo de vida en su finca en Suffolk (Inglaterra).
Aunque su relación con los Rolling Stones terminó formalmente, nunca se desvinculó por completo del grupo.
En 2012, volvió a subir al escenario con ellos como invitado, y recientemente participó en un tema del álbum Hackney Diamonds, en homenaje a Charlie Watts.
Discografía
En solitario
Monkey Grip (1974)
Stone Alone (1976)
Bill Wyman (1982)
Willie & The Poor Boys (1985)
Stuff (1992 en Japón y Argentina, 2000 en el Reino Unido)
A Stone Alone: The Solo Anthology 1974-2002 (2002, Reino Unido)
Back To Basics (2015)
Colaboraciones
I Can Tell, John Hammond, Jr. (1967)
The London Howlin’ Wolf Sessions (1971)
Manassas (1972)
Jamming with Edward! (1972)
Drinkin’ TNT And Smokin’ Dynamite, Junior Wells y Buddy Guy (1977)
Willie & The Poor Boys (1985) (con Mickey Gee, Andy Fairweather Low, Geraint Watkins y Charlie Watts)
Con Bill Wyman's Rhythm Kings
Struttin' Our Stuff (1997)
Anyway The Wind Blows (1999)
Groovin' (2000)
Double Bill (2001)
Just For A Thrill (2004)
Rhythm Kings Live (2005)
Studio Time (2018)
Drive My Car (2024)
Con los Rolling Stones
The Rolling Stones / England's Newest Hit Makers (1964)
The Rolling Stones No. 2 / The Rolling Stones, Now! (1965)
Out of Our Heads (1965)
Aftermath (1966)
Between the Buttons (1967)
Their Satanic Majesties Request (1967)
Beggars Banquet (1968)
Let It Bleed (1969)
Sticky Fingers (1971)
Exile on Main St. (1972)
Goats Head Soup (1973)
It's Only Rock 'n Roll (1974)
Black and Blue (1976)
Some Girls (1978)
Emotional Rescue (1980)
Tattoo You (1981)
Undercover (1983)
Dirty Work (1986)
Steel Wheels (1989)
Hackney Diamonds (2023)
Fuentes: rollingstone.com, billwyman.com, classicrockartists.com, vidaiconica.com, infobae.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 22
Flea
Es un músico, bajista y actor australiano- y uno de los fundadores de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers.
Los Red Hot Chili Peppers han tenido muchos bateristas y guitarristas desde su formación en 1983, pero Flea ha sido su único bajista, un músico cuyo sonido característico —una mezcla terrosa y tremendamente carismática de punk, funk y psicodelia— constituye la columna vertebral de la banda.
Sus trabajos con el grupo incluyen multitud de estilos, desde un slap agresivo hasta técnicas más melódicas.
Nacido como Michael Balzary, Flea fue fuertemente influenciado por su padrastro, músico de jazz, durante su infancia.
"Mi objetivo era convertirme en trompetista de jazz, pero luego, al llegar a la adolescencia, tuve que rebelarme contra mis padres", dijo en 2006. "Lo único que quería era ser un rockero punk y tocar el bajo".
En 2009, formó Atoms for Peace con Thom Yorke, demostrando su versatilidad en canciones como “Before Your Very Eyes…” y la esquizofrénica “Reverse Running”.
Pero es su interpretación con los Peppers lo que lo ha hecho tan querido, desde su estilo de slapping inspirado en Bootsy Collins (“Higher Ground”, “Sir Psycho Sexy”) hasta sus conmovedores momentos melódicos (“Soul to Squeeze”, “By the Way”).
“Los Red Hot Chili Peppers son Flea”, dijo Anthony Kiedis a Rolling Stone en 1994.
“Es una parte tan esencial de este grupo que es imposible pensar que la banda existiría sin él”.
Además de sus trabajos con Red Hot Chili Peppers, ha colaborado con multitud de artistas, como Metallica, Nirvana, Jane's Addiction, Rage Against the Machine, The Mars Volta, Mick Jagger, Alanis Morissette y Slash, y participado en la serie de conciertos "Axis of Justice" junto a Serj Tankian y Tom Morello, entre muchos otros.
Debido a sus influencias en el funk y el punk rock, Flea se centra en técnicas simplistas y minimalistas, aunadas con toques de complejidad que deben ser usados con moderación.
Flea ha participado a su vez en filmes de diversos géneros, como las películas “Suburbia” (1983), “Back to the Future Part II” (1989), “Back to the Future Part III” (1990), “Mi Idaho privado” (1991, junto a su amigo River Phoenix) y “El gran Lebowski” (1998), así como también la serie de Disney+ “Obi-Wan Kenobi” (2022).
Michael Peter Balzary nació el 16 de octubre de 1962 en Melbourne, Victoria, Australia. Es de ascendencia parcialmente húngara e irlandesa.
Cuando tenía cuatro años, su familia se mudó a Rye, Nueva York, EE. UU., debido al trabajo de su padre en el consulado australiano en Nueva York.
En 1971, sus padres se divorciaron y su padre regresó a Australia. Él y su hermana Karyn se quedaron con su madre Patricia, quien posteriormente se casó con el músico de jazz Walter Abdul Urban Junior (1941–2011).
El padrastro de Flea invitaba frecuentemente a músicos a su casa para improvisar.
La familia se mudó a Los Ángeles, California, donde Flea quedó fascinado por la trompeta y asistió a clases particulares impartidas por Jane Sager.
En ese momento no tenía interés en la música rock, sino que idolatraba a músicos de jazz como Miles Davis, Louis Armstrong y Dizzy Gillespie.
Flea describió su hogar de la infancia como violento; su padrastro era agresivo, tenía adicción al alcohol y finalmente se vio involucrado en tiroteos con la policía.
Flea dijo: "Crecí aterrorizado de mis padres, particularmente de mis figuras paternas. Eso me causó muchos problemas más adelante en la vida".
Para sobrellevarlo, Flea comenzó a fumar cannabis a los 13 años y se convirtió en un consumidor diario.
“Cuando tenía 12 años, salía hasta las 4:00 o 5:00 de la mañana, recorriendo las calles de Hollywood, buscando oportunidades para ganar dinero, cometiendo pequeños delitos”.
Cuando tenía 13 años, después de pedir dulces en Halloween, vio a niños corriendo por la calle presas del pánico, huyendo de su padrastro, Walter Urban Jr., quien había estado disparando un arma al aire y gritando, en ropa interior, con sangre en la cara y el torso.
Lo llamaron por primera vez "Pulga" cuando era adolescente por su aparente incapacidad para quedarse quieto, y el apodo se le quedó.
Apodado Mike B. "la Pulga", asistió a la escuela secundaria Fairfax y era una especie de marginado debido a sus gustos musicales.
A los 15 años, conoció a Anthony Kiedis, y después de un breve enfrentamiento, los dos se hicieron mejores amigos.
Kiedis recordó: "Nos sentimos atraídos el uno por el otro por las fuerzas de la travesura y el amor y nos volvimos prácticamente inseparables. Ambos éramos marginados sociales. Nos encontramos y resultó ser la amistad más duradera de mi vida".
Flea conoció el rock gracias a Hillel Slovak, y en particular el punk rock gracias a Kiedis.
Alain Johannes, cantante de Anthym, decidió enseñarle a tocar el bajo, quien poco después le pidió que fuera bajista en su banda.
Originalmente llamada Chain Reaction, la banda luego cambió su nombre a Anthem, luego a Anthym (ya que había una banda que usaba el nombre anterior) y finalmente a What Is This, que era una referencia irónica a la reacción que solían recibir de los oyentes por primera vez.
Flea pronto desarrolló su propio estilo y se unió al grupo, pero lo dejó varios meses después para tocar con la banda de punk rock Fear.
Pronto abandonó Fear y se reunió con Slovak para formar una banda que pretendía ser única: Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem junto con el cantante Anthony Kiedis y el baterista Jack Irons, compañeros de clase en la escuela secundaria Fairfax, todos ellos inspirados en ese momento por la banda de free funk Defunkt y el grupo de hip-hop Grandmaster Flash and the Furious Five.
Su primera presentación fue el 16 de diciembre de 1982, en el club Grandia Room en Hollywood Boulevard ante una multitud de aproximadamente 30 personas.
Gary Allen, un amigo de la banda, estaba organizando una fiesta de lanzamiento de su nuevo EP y les pidió a Kiedis y Flea que organizaran un grupo telonero.
En ese momento, Slovak e Irons ya estaban comprometidos con otro grupo, What Is This?; sin embargo, se les pidió a la nueva banda que regresara la semana siguiente.
En marzo de 1983, cambiaron su nombre a Red Hot Chili Peppers, dando varios conciertos en locales de Los Ángeles.
Seis canciones de estos conciertos estaban en la primera cinta demo de la banda.
En noviembre de 1983, el mánager Lindy Goetz cerró un contrato de siete álbumes con EMI America y Enigma Records.
Sin embargo, dos semanas antes, What Is This? también había obtenido un contrato discográfico con MCA, y en diciembre Slovak e Irons dejaron los Red Hot Chili Peppers para centrarse en What Is This?.
Flea finalmente respetó la decisión, pero sintió que la banda estaría perdida sin ellos.
Él y Kiedis contrataron al baterista Cliff Martinez y al guitarrista Jack Sherman para ocupar el lugar de Irons y Slovak, respectivamente.
Andy Gill, anteriormente de Gang of Four, aceptó producir su primer álbum.
Gill y Sherman chocaron con Flea y Kiedis; discutían continuamente sobre el estilo musical, el sonido y la producción del álbum.
El propio Flea sentía que el álbum era rígido y "un gran error", pero también admitió: "Nosotros [él y Kiedis] fuimos simplemente irrespetuosos y desagradables".
El álbum debut de la banda, “The Red Hot Chili Peppers”, se lanzó el 10 de agosto de 1984, a través de EMI America y Enigma Records, con críticas y ventas mayoritariamente negativas.
El álbum fue producido por el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill, y es el único álbum de Peppers en el que participa Jack Sherman en la guitarra.
El álbum también cuenta con los miembros fundadores Anthony Kiedis en la voz y Flea en el bajo, así como Cliff Martinez en la batería.
La banda a menudo tenía discrepancias con el productor Andy Gill sobre la dirección musical del álbum.
Anthony Kiedis estaba decepcionado con el sonido general, pensando que carecía de la energía cruda de la cinta demo original de la banda de 1983.
En su autobiografía de 2004, “Scar Tissue”, Kiedis recordó: "Un día, vi el cuaderno de Gill, y junto a la canción 'Police Helicopter', había escrito 'Mierda'. Me destrozó que la hubiera descartado como una mierda. 'Police Helicopter' era una joya de nuestra corona. Encarnaba el espíritu de lo que éramos, que era esta fuerza de asalto cinética, punzante, angular e impactante de sonido y energía. Leer sus notas probablemente selló el trato en nuestras mentes de que 'Vale, ahora estamos trabajando con el enemigo'. Se convirtió en una verdadera lucha entre él y nosotros, especialmente entre Flea y yo. Se convirtió en una auténtica batalla para hacer el disco".
Flea expresó dudas similares en una entrevista de junio de 2023 con Los Angeles Times : "Siempre me arrepiento de cómo hicimos el primero. Creo que las canciones son muy buenas. Nuestra banda estaba en su mejor momento. Pero Jack y Hillel se fueron, y contratamos a otros dos: Jack Sherman y Cliff Martinez. Ambos eran grandes músicos, pero la conexión no era tan profunda como la que teníamos con los chicos con los que empezamos. A menudo he querido volver a grabar ese álbum, pero nunca he podido convencer a nadie".
Gwen Dickey, más conocida por su nombre artístico, Rose Norwalt, hace los coros en "Mommy Where's Daddy?". Dickey fue la cantante del grupo Rose Royce en la década de 1970.
En las presentaciones en vivo de la canción, sus partes son interpretadas por Flea.
El álbum no logró entrar en la lista Billboard 200, alcanzando el puesto n° 201 (lo que significa que se mantuvo en la parte baja de la lista principal de álbumes durante ocho semanas en el otoño de 1984).
El álbum se escuchó en radios universitarias y se emitió en MTV, y contribuyó a consolidar la base de fans de la banda.
Las críticas publicadas sobre el álbum fueron variadas, aunque el primer número de la revista Spin, según Kiedis en Scar Tissue, publicó una crítica positiva.
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió más tarde que “su primer intento no llegó a conformar un álbum cohesivo”.
Robert Christgau declaró: "En cuanto a música de juglares, es de buen corazón (y, tratándose de juglares, más le vale serlo). La razón por la que no termina de convencer no es que sea de buen corazón: la banda es bastante extravagante, aunque probablemente no como ellos mismos creen. Quizás haya una pista en esta misteriosa observación del portavoz Flea: ' Grandmaster Flash y Kurtis Blow tienen raps geniales, pero no una música tan buena'. En un bajista, eso es un grave delirio".
Hasta 2007, había vendido alrededor de 300.000 copias en todo el mundo.
La banda se embarcó en una agotadora gira, realizando 60 conciertos en 64 días.
Durante la gira, la continua tensión musical y de estilo de vida entre Kiedis y Sherman complicó la transición entre los conciertos y la vida diaria de la banda.
Sherman fue despedido en febrero de 1985 y Slovak, quien acababa de dejar What Is This?, se reincorporó a la banda
Kiedis y Flea han dicho a lo largo de los años que prefieren las versiones demo de la mayoría de las canciones, que fueron grabadas con la formación original que incluía a Slovak e Irons; sin embargo, la banda reconoció en varios libros que las contribuciones de Sherman a la banda, en particular su conocimiento de la música funk y la teoría musical, fueron fundamentales en el desarrollo de la banda que no estaban presentes con Slovak.
Las canciones de este álbum se interpretaron en directo docenas de veces a lo largo de la década de 1980, pero casi todas habían desaparecido del repertorio para la década de 1990.
A febrero de 2025, muchas de las canciones del álbum no se habían interpretado en décadas, con presentaciones únicas de “You Always Sing the Same” en 2011, ¿”Mommy Where’s Daddy?" en 2016/2017 (y un adelanto en 2022), "Police Helicopter" en 2019 y "Out in LA" en 2023.
El segundo álbum de los Chili Peppers, “Freaky Styley” (1985), lanzado el 16 de agosto de 1985 a través de EMI America Records y producido por el músico de funk George Clinton, de Parliament-Funkadelic, quien introdujo elementos de punk y funk en el repertorio de la banda.
“Freaky Styley” marca el debut en estudio del guitarrista fundador Hillel Slovak, tras su regreso a la banda a principios de ese año.
El álbum es el último en el que participa el baterista Cliff Martinez.
La música del disco se inspira en el funk, el punk rock y el rock psicodélico, mientras que las letras reflejan la vida de los miembros de la banda en Hollywood.
"Jungle Man" y "Hollywood (Africa)" se lanzaron como sencillos promocionales, y para "Catholic School Girls Rule" y "Jungle Man" se grabaron videoclips.
La crítica consideró el álbum una mejora respecto al álbum debut de la banda, elogiando la experimentación musical y la producción de "Freaky Styley".
Sin embargo, no alcanzó el éxito comercial y no logró entrar en la lista Billboard 200.
La banda se embarcó en la gira “Infinity Tour” para promocionar el álbum.
Debido a que los Peppers no tuvieron una experiencia positiva trabajando con Andy Gill en su disco anterior, comenzaron a buscar un nuevo productor para su siguiente álbum.
El primer productor potencial con el que la banda trabajó fue Malcolm McLaren, quien había trabajado con los Sex Pistols y Bow Wow Wow.
Sin embargo, McLaren sugirió que cambiaran su estilo para tocar un rock and roll más simplificado, al estilo de los años 50, y hacer de Kiedis el personaje central, un cambio al que el grupo se opuso vehementemente.
Después de recibir comparaciones de los fanáticos con Parliament-Funkadelic, la banda indicó a EMI Records su deseo de trabajar con el líder George Clinton.
La banda contactó a Clinton y le envió su álbum debut y cintas demo, y Flea y el mánager de la banda, Lindy, viajaron a Detroit para reunirse con él.
Clinton aceptó trabajar con la banda, y EMI le pagó 25.000 USD para producir el álbum.
La banda ya había escrito aproximadamente el 70 por ciento del álbum (principalmente con Sherman, no con Slovak) cuando el grupo viajó a Michigan para grabar el álbum.
Clinton decidió que la banda pasaría un mes con él antes de grabar para estrechar lazos y crear ideas para nuevas canciones.
Antes de alquilar una casa propia, los miembros del grupo se quedaron en la casa de Clinton en el pueblo de Brooklyn, a una hora de Detroit, durante una semana.
La banda estaba emocionada de vivir con Clinton, pero tan pronto como Kiedis se mudó, comenzó a experimentar una abstinencia severa de heroína y se puso muy enfermo.
Intentó contrarrestar su deseo de heroína usando cocaína en su lugar, pero su alivio fue de corta duración.
Sin embargo, después de unos días, sus síntomas disminuyeron y pudo unirse al grupo para tocar música y conectar con Clinton.
Los Red Hot Chili Peppers sintieron una fuerte química con Clinton y disfrutaron de su peculiar personalidad y sus habilidades para contar historias.
Después de una semana viviendo con él, la banda se mudó a una casa en un campo de golf cercano.
“Freaky Styley” se grabó en United Sound Studios en Detroit.
Martínez recordó que "George tenía un ambiente de fiesta en el estudio todo el tiempo, pero un ambiente de fiesta productivo. Te ocupabas del trabajo, pero él se aseguraba de que te divirtieras mucho haciéndolo".
La banda y Clinton comenzaron a usar grandes cantidades de cocaína juntos, lo que tuvo un efecto negativo en la salud general de la banda.
Cuando llegó el momento de que Kiedis grabara sus voces, decidió abstenerse del consumo de cocaína durante dos semanas, una experiencia que comparó con "decidir ser célibe cuando vives en un burdel".
La canción "Yertle the Turtle" incorpora varios versos directamente del poema del Dr. Seuss también llamado "Yertle the Turtle".
Como afirma Kiedis en su autobiografía, “Scar Tissue”, las letras habladas al principio y a lo largo de la canción que dicen "Mira a esa tortuga, hermano", eran del traficante de drogas de George Clinton que exigía que Clinton pagara las deudas. Incapaz de devolverle el dinero al vendedor, Clinton le ofreció una participación en el álbum.
Según Jason Birchmeier de AllMusic, “Freaky Styley” es "lo más cerca que los Red Hot Chili Peppers estuvieron del funk puro".
El álbum marca el regreso del guitarrista Hillel Slovak, y Kiedis observó que la forma de tocar de Slovak evolucionó durante su tiempo fuera del grupo en What Is This?, con el guitarrista adoptando un estilo más fluido con elementos "sensuales" en contraposición a sus técnicas originales de hard rock.
La banda también experimentó con una variedad más diversa de géneros musicales en “Freaky Styley”.
"Jungle Man" contiene guitarra al estilo del rock psicodélico, voces de fondo en capas y un "ritmo de baile urgente y agresivo".
"Catholic School Girls Rule" se inspira en la música punk rock, mientras que "Blackeyed Blonde" ha sido descrita como "Aerosmith se encuentra con Isaac Hayes".
El álbum incluye versiones de "If You Want Me to Stay" de Sly and the Family Stone y "Africa" de The Meters.
Clinton colaboró con los arreglos vocales y aportó su propia voz para una parte de "Hollywood (Africa)".
Trouser Press opinó que el álbum era "más escandaloso" que el debut del grupo, pero "más fácil de digerir como dance-rock utilitario".
"Catholic School Girls Rule" se inspiró en un encuentro sexual que Kiedis tuvo con una estudiante de catorce años de una escuela católica en Nueva Orleans durante una gira en 1984.
"Jungle Man" fue dedicada a Flea, a quien Kiedis usó para crear un personaje ficticio de "este mitad hombre, mitad bestia nacido en el vientre del volcán en Australia que viene al mundo y usa su pulgar como el director del trueno en el bajo".
La letra de la versión de la banda de "Africa" de The Meters difiere ligeramente de la original, con la intención de reflejar la ciudad natal del grupo, Hollywood.
En ese momento, Flea escuchaba repetidamente a The Meters y quería versionar una de las canciones del grupo, y Clinton sugirió que el grupo aprovechara la oportunidad para dedicar una canción a Hollywood, diciendo: "¿Qué tal si hicieran la canción 'Africa' pero Anthony la reescribiera para que ya no fuera 'Africa', sino su 'Africa', que es Hollywood?".
La portada muestra a la banda saltando frente a “El Juicio Final” de Miguel Ángel.
“Freaky Styley” no logró el éxito comercial y no entró en el Billboard 200.
En las notas del álbum de la edición remasterizada de 2003, el bajista Flea afirma: “Sé que la música de este disco era demasiado desconocida para llegar a ser popular en el gran público, pero para mí se sostiene por sí sola como una declaración musical definitiva y sustancial. Más que cualquier otro disco que hayamos hecho, entra en la categoría de demasiado funky para la radio blanca, demasiado punk rock para la negra. Por supuesto, las canciones estaban muy lejos de cualquier formato pop; me doy cuenta de que no fue solo la segregación racial en la radio lo que impidió que fuera un disco popular”.
Sin embargo, el álbum fue recibido de forma más positiva por la crítica que el álbum debut de la banda.
Jason Birchmeier de AllMusic opinó que la producción de Clinton contribuyó a que “Freaky Styley” fuera una mejora con respecto a “The Red Hot Chili Peppers”, y disfrutó del regreso de Slovak, señalando que el guitarrista "hace una contribución importante a prácticamente todas las canciones".
Añadió que "los Peppers tienen un buen repertorio de canciones con las que trabajar, además de una excelente producción. Y también, se les ve relajados y cómodos aquí, tocando canciones peculiares sin ninguna autoconciencia, una cualidad que faltaba en su debut".
Ira Robbins de Rolling Stone calificó el álbum como "más salvaje, más crudo, más divertido y más funky" que “The Red Hot Chili Peppers”, y opinó que "los Chili Peppers están aprovechando el actual caos crossover para universalizar el funk expandiendo sus límites e incorporando nuevos ingredientes sin diluir el ritmo básico. ¿Harto de las calorías vacías de los discos de baile de alta tecnología y decadentes? Freaky Styley es rock pegajoso que le devuelve la carne al movimiento".
Greg Kot fue más crítico en “The Rolling Stone Album Guide” (2004), creyendo que, al igual que el álbum debut del grupo, “Freaky Styley” no tenía "ni una sola canción memorable", mientras que el "truco funk-monkey" de la banda "camuflaba graves deficiencias musicales".
La gira de “Freaky Styley”, conocida como “Infinity Tour”, comenzó en 1985.
Tanto Kiedis como Slovak iniciaron sus largas batallas contra las drogas (que en el caso de Slovak pronto serían fatales) durante esta gira.
A pesar de la falta de éxito, la banda estaba satisfecha con “Freaky Styley”; Kiedis comentó que "superó con creces todo lo que creíamos poder hacer, y nos sentíamos en camino a la grandeza".
Por esta época, la banda apareció en las películas de 1986 “Thrashin'”, tocando la canción "Blackeyed Blonde" de "Freaky Styley", y “Tough Guys”, interpretando la canción inédita "Set It Straight".
A principios de 1986, EMI le dio a los Chili Peppers 5.000 dólares para grabar una maqueta para su próximo álbum.
Eligieron trabajar con el productor Keith Levene de Public Image Ltd, ya que compartía su interés por las drogas.
Levene y Slovak reservaron 2.000 dólares del presupuesto para gastar en heroína y cocaína, lo que creó tensión entre los miembros de la banda.
El corazón de Martínez "ya no estaba en la banda", pero no renunció, así que Kiedis y Flea lo despidieron en abril de 1986.
Irons se reincorporó a la banda, para su sorpresa; fue la primera vez que los cuatro miembros fundadores estaban juntos desde 1983.
Durante la grabación y la posterior gira de “Freaky Styley”, Kiedis y Slovak lidiaban con adicciones debilitantes a la heroína.
Debido a su adicción, Kiedis "no tenía el mismo impulso ni deseo de crear ideas o letras" y aparecía en los ensayos "literalmente dormido".
Se le pidió que dejara la banda para someterse a rehabilitación por drogas.
Durante ese tiempo, la banda ganó el premio LA Weekly a la Banda del Año, lo que impulsó a Kiedis a dejar de consumir heroína de golpe.
Visitó a su madre en Michigan para que lo guiara, quien lo llevó a rehabilitación por drogas inmediatamente después de recogerlo del aeropuerto al ver su aspecto poco saludable.
Ingresó en la clínica de rehabilitación del Ejército de Salvación en Grand Rapids, una experiencia que inicialmente detestó hasta que notó que las demás personas en la clínica comprendían sus problemas y trataban de ayudarlo.
Se mudó con su madre después de 20 días en la clínica, un tiempo que marcó la primera vez que estuvo completamente abstinente de las drogas desde que tenía 11 años.
Después de que Kiedis completó su estancia en rehabilitación, sintió una "nueva ola de entusiasmo" debido a su sobriedad y escribió la letra de una nueva canción titulada "Fight Like a Brave" en el vuelo de regreso a casa.
Se reincorporó a los Red Hot Chili Peppers en Los Ángeles para grabar el siguiente álbum del grupo.
Para su tercer álbum, los Chili Peppers intentaron contratar a Rick Rubin como productor, pero este se negó debido a los crecientes problemas de drogas de la banda.
El aspirante a productor Michael Beinhorn buscaba trabajo en EMI Records después de varios proyectos fallidos en otros sellos, cuando un hombre que trabajaba en EMI se acercó a Beinhorn y le sugirió que trabajara con los Red Hot Chili Peppers, ya que "nadie sabía qué hacer con ellos".
Beinhorn recordó la situación, diciendo: "Aunque toda su música parecía un poco abstracta, definitivamente había algo emocionante en ella. Pensé que necesitaban mucha ayuda con los arreglos... También aprendí rápidamente que los ejecutivos del sello discográfico en realidad odiaban a los Chili Peppers, los vilipendiaban abiertamente tanto que ni siquiera querían que tuvieran éxito. Fue lo más extraño".
Se puso en contacto con la banda para reunirse, y en lugar de organizar una reunión formal, la banda propuso reunirse con él en un club en Nueva Orleans llamado Tipitina's.
Beinhorn quedó impresionado por la originalidad de la banda y su actitud inconformista; como resultado, decidió trabajar con ellos.
Kiedis se reunió entonces con Beinhorn para hablar sobre la grabación del álbum; Kiedis planeaba grabar el álbum en diez días y componer las canciones durante las sesiones de grabación.
Las canciones se formaron rápidamente, mezclando el sentimiento funk y los ritmos de “Freaky Styley” con un enfoque más duro e inmediato del punk rock.
El proceso de grabación fue difícil; Kiedis desaparecía con frecuencia para buscar drogas; después de cincuenta días de sobriedad, Kiedis decidió volver a consumir drogas para celebrar su nueva música.
Beinhorn recordó que "Hubo momentos en la preproducción en los que realmente pensé que el disco no se iba a grabar".
Kiedis sentía "un dolor, culpa y vergüenza insoportables" cada vez que faltaba a una sesión de grabación, así que intentaba escribir letras y buscar drogas al mismo tiempo; aunque la banda estaba muy molesta por su consumo de drogas y sus frecuentes desapariciones, estaban impresionados con su producción musical en ese momento.
El productor Michael Beinhorn, dijo sobre la grabación del álbum: “Acabó convirtiéndose en una odisea de siete u ocho meses de incertidumbre y frustración. El dinero que nos asignó la discográfica se nos fue de las manos enseguida. Fue un disco de locos. Que haya llegado a publicarse es un milagro, teniendo en cuenta las personalidades tan diversas”.
El álbum se grabó en Capitol Studios Studio B en la planta baja del edificio de Capitol Records en Hollywood.
Se inspiraron musicalmente con la reincorporación de su baterista original, Jack Irons, lo que añadió "un elemento tan importante y diferente a [su] química".
Beinhorn animó a la banda a expandir sus horizontes musicales en el álbum; aunque al principio la banda se sentía incómoda saliendo de su zona de confort, los miembros comenzaron a pensar que Beinhorn les estaba ayudando a producir su mejor trabajo.
Slovak ayudó a Kiedis a grabar sus voces en el álbum. Entre tomas, Slovak corría por el estudio emocionado y decía: "Esto es lo más hermoso que hemos hecho nunca".
Reflexionó sobre su profunda conexión con el álbum en su diario, diciendo: "Fue muy divertido. Estoy extremadamente orgulloso del trabajo de todos; a veces es genial".
Durante una sesión de improvisación, el guitarrista creó un riff melódico que difería mucho en estilo del trabajo anterior de la banda.
Si bien Slovak casi abandonó el riff por temor a que fuera demasiado diferente estilísticamente, Beinhorn vio potencial en el nuevo estilo basado en la melodía y animó al guitarrista a convertir la breve melodía en una canción completa.
Aunque la banda se mostró escéptica al principio, todos los miembros comenzaron a escribir sus propias partes musicales, y la canción se convirtió en uno de los tres sencillos del álbum, "Behind the Sun".
Kiedis describe la canción como "pura inspiración Hillel".
“Fight Like a Brave”, el primer sencillo de “The Uplift Mofo Party Plan”, ejemplifica el sonido típico de punk y funk rock de la banda en ese período, también marcado por las letras rapeadas de Anthony Kiedis.
La canción también destaca por sus coros cantados por aficionados al fútbol.
En el libro “Give It Away: The Stories Behind Every Song”, el autor Rob Fitzpatrick escribe: “En cuanto a potencia pura, The Uplift Mofo Party Plan muestra a los Chili Peppers en su versión más viril, más ostentosa y más descaradamente machista”.
Sin embargo, Kiedis recuerda que durante la composición del álbum, Beinhorn lo animó a alejarse de su estilo de rap rápido e improvisado en favor de voces más lentas y melódicas.
En ese momento, Kiedis se sentía muy incómodo con su voz al cantar y consideraba que el nuevo estilo era “cursi”.
Kiedis también observó que la forma de tocar del guitarrista Hillel Slovak evolucionó durante su ausencia del grupo en What Is This?, y que Slovak había adoptado un estilo más fluido con elementos “sensuales” en contraposición a sus técnicas originales de hard rock.
En “The Uplift Mofo Party Plan”, Slovak experimentó con géneros fuera de la música funk tradicional, incluyendo reggae y speed metal.
Slovak también usó un talk box en la canción "Funky Crime", en la que cantaba en un tubo mientras tocaba para crear efectos psicodélicos.
Flea incorporó un estilo de bajo "slap" en el álbum, que se convertiría en un elemento básico del trabajo inicial de la banda.
"Backwoods" presenta un "groove suelto y swing" y un solo de guitarra "que se eleva hacia el cielo".
"Skinny Sweaty Man" contiene un tempo rápido y ha sido descrito como "hardcore garage psychedelic funkabilly", mientras que "No Chump Love Sucker" muestra influencias de punk rock y thrash.
El álbum también incluye una versión de "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan, que abandona casi todos los estilismos folk de la canción original en favor de las inclinaciones funk-rock características de la banda.
La mayoría de las letras del álbum se centran en la amistad entre los miembros de la banda, el sexo y la vida en Los Ángeles.
La reunión de los cuatro miembros originales del grupo tuvo una gran influencia en las letras; Kiedis explicó que "mucha de la alegría en las letras de ese disco trata sobre estar unidos".
Kiedis también se inspiró en experiencias personales suyas y del resto de los miembros de la banda.
La canción "No Chump Love Sucker" se inspiró en Slovak; durante la grabación del álbum, Slovak había sido "abandonado" por una novia que lo dejó por alguien que tenía "más dinero y más drogas".
La canción sirvió como canción de venganza contra "ese tipo de mujer malvada y materialista".
"Funky Crime" reflejó una conversación entre la banda y George Clinton mientras escribían y grababan “Freaky Styley”.
Kiedis describió la canción como una descripción lírica de la conversación, sobre cómo la música en sí misma es "ciega al color" pero está "segregada por los medios y la radio en función de sus percepciones de los artistas".
Kiedis escribió "Me and My Friends", una canción que "encajó muy bien", mientras conducía de regreso a casa desde San Francisco con su amigo de la infancia Joe Walters.
"Backwoods" detalla la historia del rock and roll.
Kiedis dijo que "Love Trilogy" se convirtió en una de las canciones favoritas de todos los tiempos del grupo; trata sobre "amar las cosas que no son necesariamente perfectas o siempre dignas de ser amadas".
Explicó que "Durante años, cada vez que alguien cuestionaba nuestras letras, Flea decía: 'Lee 'Love Trilogy' y sabrás de qué se tratan las verdaderas letras'".
EMI se negó inicialmente a lanzar el álbum a menos que los Chili Peppers cambiaran el nombre de la canción "Party on Your Pussy"; la banda posteriormente renombró la canción "Special Secret Song Inside".
“The Uplift Mofo Party Plan” se lanzó el 29 de septiembre de 1987 y alcanzó el puesto número 148 en el Billboard 200, lo que fue mucho más exitoso que cualquiera de los lanzamientos anteriores de la banda.
Fue el primer álbum de la banda en entrar en el Billboard 200 y desde entonces ha sido certificado Oro en los Estados Unidos.
La banda filmó un video musical para el sencillo principal del álbum, "Fight Like a Brave", pero la canción no tuvo impacto en ninguna lista de Billboard.
"Behind the Sun" no se lanzó como sencillo hasta 1992, después de que la banda hubiera lanzado dos álbumes posteriores, “Mother's Milk” y “Blood Sugar Sex Magik”.
El álbum también ayudó a los Red Hot Chili Peppers a ganarse una base de fans de culto en Los Ángeles.
Uno de estos fans fue John Frusciante, quien más tarde se uniría a la banda como guitarrista tras la muerte de Slovak.
Frusciante recordó: "La primera vez que vi a los Red Hot Chili Peppers en vivo fue en el Variety Arts Center, y fue realmente increíble... Buscaban un sonido muy potente. Hillel hacía una retroalimentación impresionante y demás. Fue la experiencia más mágica que he tenido en un concierto".
Frusciante basó gran parte de su estilo de tocar en el trabajo de Slovak, y explicó: "Aprendí todo lo que necesitaba saber sobre cómo sonar bien con Flea estudiando la forma de tocar de Hillel y a partir de ahí lo desarrollé".
El álbum recibió críticas mixtas tras su lanzamiento.
Duncan Strauss del Los Angeles Times lo describió como "irregular"; si bien elogió la "tierna melodía" de "Behind the Sun", consideró que la mayoría de las canciones "se vuelven repetitivas rápidamente, lo que sugiere que esta es una banda que domina en el escenario, pero tiene problemas en el estudio".
Bill Meredith de AllMusic observó que "la energía de tener a estos cuatro amigos de Los Ángeles juntos de nuevo salta del himno inicial 'Fight Like a Brave' y de la experimental 'Funky Crime'... Slovak e Irons aportaron a los Chili Peppers cosas que nadie más había hecho".
Blaine Sayers de Consequence of Sound elogió el trabajo de guitarra de Slovak en el álbum, diciendo que "Slovak demuestra con estos temas que no era solo un guitarrista de funk, sino que también podía rockear con las mejores bandas de thrash metal de los 80".
En “The Rolling Stone Album Guide” (2004), Greg Kot se mostró menos impresionado, escribiendo que el álbum era una ligera mejora respecto a los dos últimos trabajos de la banda, pero consideró que el humor poco convencional del grupo le restaba valor: "El cuarteto californiano aporta un mínimo de estructura a The Uplift Mofo Party Plan , pero su humor —como demuestra su famoso estribillo 'party on your pussy'— no merecería una audiencia en un vestuario de instituto".
Les Claypool clasificó a “The Uplift Mofo Party Plan” como su álbum favorito de Red Hot Chili Peppers, y agregó que la música ayudó a influir en el sonido de Primus.
La banda se embarcó en una extensa gira internacional para promocionar el álbum.
Los Chili Peppers señalaron que durante la gira, su base de fans había aumentado rápidamente tanto en número como en entusiasmo.
Kiedis recordó: "Durante la gira Uplift, recuerdo haber sentido un cambio real, no solo en la cantidad de gente que asistía a los conciertos, sino también en la intensidad de la base de fans".
Flea añadió: "Estábamos enamorados de esas canciones y de lo mucho que nos divertíamos tocándolas".
A pesar del nuevo entusiasmo de la banda, Kiedis y Slovak continuaron luchando contra sus adicciones a las drogas, que empeoraban.
Ambos dejaron de consumir heroína antes de la gira y decidieron ayudarse mutuamente a mantenerse alejados de la droga.
Durante la gira, ambos experimentaron una intensa abstinencia de heroína, siendo Slovak mucho más inestable que Kiedis.
Sus síntomas de abstinencia afectaron su capacidad para tocar su instrumento; en un momento dado, Slovak sufrió una crisis nerviosa y no pudo tocar en un concierto, dejando al resto de la banda tocando un set completo sin guitarra.
Se recuperó unos días después, pero sus compañeros de banda consideraron que no estaba lo suficientemente sano para actuar y lo reemplazaron con DeWayne McKnight para algunos conciertos.
Después de unos días con McKnight, la banda decidió darle a Slovak otra oportunidad, y se reincorporó para la etapa europea de la gira.
Kiedis intentó llevar a Slovak a terapia para la adicción a las drogas, pero a Slovak le costaba admitir que su adicción era lo suficientemente grave como para requerir ayuda médica.
Al regresar a casa, Slovak se aisló del resto de sus compañeros de banda y luchó por resistir la droga sin el apoyo mutuo de sus amigos, en particular de Kiedis.
Unas semanas después de que la banda regresara de la gira, los miembros intentaron contactar a Slovak, pero no pudieron encontrarlo durante varios días.
Slovak fue encontrado muerto por la policía en su apartamento de Hollywood el 27 de junio de 1988.
Durante su autopsia, las autoridades determinaron que había muerto el 25 de junio de 1988, debido a una sobredosis de heroína.
Posteriormente, Irons dejó el grupo, diciendo que no quería ser parte de un grupo donde sus amigos estaban muriendo.
Kiedis y Flea debatieron si debían continuar haciendo música, y finalmente decidieron seguir adelante, con la esperanza de continuar lo que Slovak "ayudó a construir".
Los dos reclutaron al guitarrista de dieciocho años John Frusciante, quien era fan del grupo e idolatraba a Slovak.
Para reemplazar a Irons, el grupo realizó un largo proceso de audición abierta y finalmente eligió al baterista Chad Smith.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Flea
Es un músico, bajista y actor australiano- y uno de los fundadores de la banda de funk rock Red Hot Chili Peppers.
Los Red Hot Chili Peppers han tenido muchos bateristas y guitarristas desde su formación en 1983, pero Flea ha sido su único bajista, un músico cuyo sonido característico —una mezcla terrosa y tremendamente carismática de punk, funk y psicodelia— constituye la columna vertebral de la banda.
Sus trabajos con el grupo incluyen multitud de estilos, desde un slap agresivo hasta técnicas más melódicas.
Nacido como Michael Balzary, Flea fue fuertemente influenciado por su padrastro, músico de jazz, durante su infancia.
"Mi objetivo era convertirme en trompetista de jazz, pero luego, al llegar a la adolescencia, tuve que rebelarme contra mis padres", dijo en 2006. "Lo único que quería era ser un rockero punk y tocar el bajo".
En 2009, formó Atoms for Peace con Thom Yorke, demostrando su versatilidad en canciones como “Before Your Very Eyes…” y la esquizofrénica “Reverse Running”.
Pero es su interpretación con los Peppers lo que lo ha hecho tan querido, desde su estilo de slapping inspirado en Bootsy Collins (“Higher Ground”, “Sir Psycho Sexy”) hasta sus conmovedores momentos melódicos (“Soul to Squeeze”, “By the Way”).
“Los Red Hot Chili Peppers son Flea”, dijo Anthony Kiedis a Rolling Stone en 1994.
“Es una parte tan esencial de este grupo que es imposible pensar que la banda existiría sin él”.
Además de sus trabajos con Red Hot Chili Peppers, ha colaborado con multitud de artistas, como Metallica, Nirvana, Jane's Addiction, Rage Against the Machine, The Mars Volta, Mick Jagger, Alanis Morissette y Slash, y participado en la serie de conciertos "Axis of Justice" junto a Serj Tankian y Tom Morello, entre muchos otros.
Debido a sus influencias en el funk y el punk rock, Flea se centra en técnicas simplistas y minimalistas, aunadas con toques de complejidad que deben ser usados con moderación.
Flea ha participado a su vez en filmes de diversos géneros, como las películas “Suburbia” (1983), “Back to the Future Part II” (1989), “Back to the Future Part III” (1990), “Mi Idaho privado” (1991, junto a su amigo River Phoenix) y “El gran Lebowski” (1998), así como también la serie de Disney+ “Obi-Wan Kenobi” (2022).
Michael Peter Balzary nació el 16 de octubre de 1962 en Melbourne, Victoria, Australia. Es de ascendencia parcialmente húngara e irlandesa.
Cuando tenía cuatro años, su familia se mudó a Rye, Nueva York, EE. UU., debido al trabajo de su padre en el consulado australiano en Nueva York.
En 1971, sus padres se divorciaron y su padre regresó a Australia. Él y su hermana Karyn se quedaron con su madre Patricia, quien posteriormente se casó con el músico de jazz Walter Abdul Urban Junior (1941–2011).
El padrastro de Flea invitaba frecuentemente a músicos a su casa para improvisar.
La familia se mudó a Los Ángeles, California, donde Flea quedó fascinado por la trompeta y asistió a clases particulares impartidas por Jane Sager.
En ese momento no tenía interés en la música rock, sino que idolatraba a músicos de jazz como Miles Davis, Louis Armstrong y Dizzy Gillespie.
Flea describió su hogar de la infancia como violento; su padrastro era agresivo, tenía adicción al alcohol y finalmente se vio involucrado en tiroteos con la policía.
Flea dijo: "Crecí aterrorizado de mis padres, particularmente de mis figuras paternas. Eso me causó muchos problemas más adelante en la vida".
Para sobrellevarlo, Flea comenzó a fumar cannabis a los 13 años y se convirtió en un consumidor diario.
“Cuando tenía 12 años, salía hasta las 4:00 o 5:00 de la mañana, recorriendo las calles de Hollywood, buscando oportunidades para ganar dinero, cometiendo pequeños delitos”.
Cuando tenía 13 años, después de pedir dulces en Halloween, vio a niños corriendo por la calle presas del pánico, huyendo de su padrastro, Walter Urban Jr., quien había estado disparando un arma al aire y gritando, en ropa interior, con sangre en la cara y el torso.
Lo llamaron por primera vez "Pulga" cuando era adolescente por su aparente incapacidad para quedarse quieto, y el apodo se le quedó.
Apodado Mike B. "la Pulga", asistió a la escuela secundaria Fairfax y era una especie de marginado debido a sus gustos musicales.
A los 15 años, conoció a Anthony Kiedis, y después de un breve enfrentamiento, los dos se hicieron mejores amigos.
Kiedis recordó: "Nos sentimos atraídos el uno por el otro por las fuerzas de la travesura y el amor y nos volvimos prácticamente inseparables. Ambos éramos marginados sociales. Nos encontramos y resultó ser la amistad más duradera de mi vida".
Flea conoció el rock gracias a Hillel Slovak, y en particular el punk rock gracias a Kiedis.
Alain Johannes, cantante de Anthym, decidió enseñarle a tocar el bajo, quien poco después le pidió que fuera bajista en su banda.
Originalmente llamada Chain Reaction, la banda luego cambió su nombre a Anthem, luego a Anthym (ya que había una banda que usaba el nombre anterior) y finalmente a What Is This, que era una referencia irónica a la reacción que solían recibir de los oyentes por primera vez.
Flea pronto desarrolló su propio estilo y se unió al grupo, pero lo dejó varios meses después para tocar con la banda de punk rock Fear.
Pronto abandonó Fear y se reunió con Slovak para formar una banda que pretendía ser única: Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters of Mayhem junto con el cantante Anthony Kiedis y el baterista Jack Irons, compañeros de clase en la escuela secundaria Fairfax, todos ellos inspirados en ese momento por la banda de free funk Defunkt y el grupo de hip-hop Grandmaster Flash and the Furious Five.
Su primera presentación fue el 16 de diciembre de 1982, en el club Grandia Room en Hollywood Boulevard ante una multitud de aproximadamente 30 personas.
Gary Allen, un amigo de la banda, estaba organizando una fiesta de lanzamiento de su nuevo EP y les pidió a Kiedis y Flea que organizaran un grupo telonero.
En ese momento, Slovak e Irons ya estaban comprometidos con otro grupo, What Is This?; sin embargo, se les pidió a la nueva banda que regresara la semana siguiente.
En marzo de 1983, cambiaron su nombre a Red Hot Chili Peppers, dando varios conciertos en locales de Los Ángeles.
Seis canciones de estos conciertos estaban en la primera cinta demo de la banda.
En noviembre de 1983, el mánager Lindy Goetz cerró un contrato de siete álbumes con EMI America y Enigma Records.
Sin embargo, dos semanas antes, What Is This? también había obtenido un contrato discográfico con MCA, y en diciembre Slovak e Irons dejaron los Red Hot Chili Peppers para centrarse en What Is This?.
Flea finalmente respetó la decisión, pero sintió que la banda estaría perdida sin ellos.
Él y Kiedis contrataron al baterista Cliff Martinez y al guitarrista Jack Sherman para ocupar el lugar de Irons y Slovak, respectivamente.
Andy Gill, anteriormente de Gang of Four, aceptó producir su primer álbum.
Gill y Sherman chocaron con Flea y Kiedis; discutían continuamente sobre el estilo musical, el sonido y la producción del álbum.
El propio Flea sentía que el álbum era rígido y "un gran error", pero también admitió: "Nosotros [él y Kiedis] fuimos simplemente irrespetuosos y desagradables".
El álbum debut de la banda, “The Red Hot Chili Peppers”, se lanzó el 10 de agosto de 1984, a través de EMI America y Enigma Records, con críticas y ventas mayoritariamente negativas.
El álbum fue producido por el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill, y es el único álbum de Peppers en el que participa Jack Sherman en la guitarra.
El álbum también cuenta con los miembros fundadores Anthony Kiedis en la voz y Flea en el bajo, así como Cliff Martinez en la batería.
La banda a menudo tenía discrepancias con el productor Andy Gill sobre la dirección musical del álbum.
Anthony Kiedis estaba decepcionado con el sonido general, pensando que carecía de la energía cruda de la cinta demo original de la banda de 1983.
En su autobiografía de 2004, “Scar Tissue”, Kiedis recordó: "Un día, vi el cuaderno de Gill, y junto a la canción 'Police Helicopter', había escrito 'Mierda'. Me destrozó que la hubiera descartado como una mierda. 'Police Helicopter' era una joya de nuestra corona. Encarnaba el espíritu de lo que éramos, que era esta fuerza de asalto cinética, punzante, angular e impactante de sonido y energía. Leer sus notas probablemente selló el trato en nuestras mentes de que 'Vale, ahora estamos trabajando con el enemigo'. Se convirtió en una verdadera lucha entre él y nosotros, especialmente entre Flea y yo. Se convirtió en una auténtica batalla para hacer el disco".
Flea expresó dudas similares en una entrevista de junio de 2023 con Los Angeles Times : "Siempre me arrepiento de cómo hicimos el primero. Creo que las canciones son muy buenas. Nuestra banda estaba en su mejor momento. Pero Jack y Hillel se fueron, y contratamos a otros dos: Jack Sherman y Cliff Martinez. Ambos eran grandes músicos, pero la conexión no era tan profunda como la que teníamos con los chicos con los que empezamos. A menudo he querido volver a grabar ese álbum, pero nunca he podido convencer a nadie".
Gwen Dickey, más conocida por su nombre artístico, Rose Norwalt, hace los coros en "Mommy Where's Daddy?". Dickey fue la cantante del grupo Rose Royce en la década de 1970.
En las presentaciones en vivo de la canción, sus partes son interpretadas por Flea.
El álbum no logró entrar en la lista Billboard 200, alcanzando el puesto n° 201 (lo que significa que se mantuvo en la parte baja de la lista principal de álbumes durante ocho semanas en el otoño de 1984).
El álbum se escuchó en radios universitarias y se emitió en MTV, y contribuyó a consolidar la base de fans de la banda.
Las críticas publicadas sobre el álbum fueron variadas, aunque el primer número de la revista Spin, según Kiedis en Scar Tissue, publicó una crítica positiva.
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió más tarde que “su primer intento no llegó a conformar un álbum cohesivo”.
Robert Christgau declaró: "En cuanto a música de juglares, es de buen corazón (y, tratándose de juglares, más le vale serlo). La razón por la que no termina de convencer no es que sea de buen corazón: la banda es bastante extravagante, aunque probablemente no como ellos mismos creen. Quizás haya una pista en esta misteriosa observación del portavoz Flea: ' Grandmaster Flash y Kurtis Blow tienen raps geniales, pero no una música tan buena'. En un bajista, eso es un grave delirio".
Hasta 2007, había vendido alrededor de 300.000 copias en todo el mundo.
La banda se embarcó en una agotadora gira, realizando 60 conciertos en 64 días.
Durante la gira, la continua tensión musical y de estilo de vida entre Kiedis y Sherman complicó la transición entre los conciertos y la vida diaria de la banda.
Sherman fue despedido en febrero de 1985 y Slovak, quien acababa de dejar What Is This?, se reincorporó a la banda
Kiedis y Flea han dicho a lo largo de los años que prefieren las versiones demo de la mayoría de las canciones, que fueron grabadas con la formación original que incluía a Slovak e Irons; sin embargo, la banda reconoció en varios libros que las contribuciones de Sherman a la banda, en particular su conocimiento de la música funk y la teoría musical, fueron fundamentales en el desarrollo de la banda que no estaban presentes con Slovak.
Las canciones de este álbum se interpretaron en directo docenas de veces a lo largo de la década de 1980, pero casi todas habían desaparecido del repertorio para la década de 1990.
A febrero de 2025, muchas de las canciones del álbum no se habían interpretado en décadas, con presentaciones únicas de “You Always Sing the Same” en 2011, ¿”Mommy Where’s Daddy?" en 2016/2017 (y un adelanto en 2022), "Police Helicopter" en 2019 y "Out in LA" en 2023.
El segundo álbum de los Chili Peppers, “Freaky Styley” (1985), lanzado el 16 de agosto de 1985 a través de EMI America Records y producido por el músico de funk George Clinton, de Parliament-Funkadelic, quien introdujo elementos de punk y funk en el repertorio de la banda.
“Freaky Styley” marca el debut en estudio del guitarrista fundador Hillel Slovak, tras su regreso a la banda a principios de ese año.
El álbum es el último en el que participa el baterista Cliff Martinez.
La música del disco se inspira en el funk, el punk rock y el rock psicodélico, mientras que las letras reflejan la vida de los miembros de la banda en Hollywood.
"Jungle Man" y "Hollywood (Africa)" se lanzaron como sencillos promocionales, y para "Catholic School Girls Rule" y "Jungle Man" se grabaron videoclips.
La crítica consideró el álbum una mejora respecto al álbum debut de la banda, elogiando la experimentación musical y la producción de "Freaky Styley".
Sin embargo, no alcanzó el éxito comercial y no logró entrar en la lista Billboard 200.
La banda se embarcó en la gira “Infinity Tour” para promocionar el álbum.
Debido a que los Peppers no tuvieron una experiencia positiva trabajando con Andy Gill en su disco anterior, comenzaron a buscar un nuevo productor para su siguiente álbum.
El primer productor potencial con el que la banda trabajó fue Malcolm McLaren, quien había trabajado con los Sex Pistols y Bow Wow Wow.
Sin embargo, McLaren sugirió que cambiaran su estilo para tocar un rock and roll más simplificado, al estilo de los años 50, y hacer de Kiedis el personaje central, un cambio al que el grupo se opuso vehementemente.
Después de recibir comparaciones de los fanáticos con Parliament-Funkadelic, la banda indicó a EMI Records su deseo de trabajar con el líder George Clinton.
La banda contactó a Clinton y le envió su álbum debut y cintas demo, y Flea y el mánager de la banda, Lindy, viajaron a Detroit para reunirse con él.
Clinton aceptó trabajar con la banda, y EMI le pagó 25.000 USD para producir el álbum.
La banda ya había escrito aproximadamente el 70 por ciento del álbum (principalmente con Sherman, no con Slovak) cuando el grupo viajó a Michigan para grabar el álbum.
Clinton decidió que la banda pasaría un mes con él antes de grabar para estrechar lazos y crear ideas para nuevas canciones.
Antes de alquilar una casa propia, los miembros del grupo se quedaron en la casa de Clinton en el pueblo de Brooklyn, a una hora de Detroit, durante una semana.
La banda estaba emocionada de vivir con Clinton, pero tan pronto como Kiedis se mudó, comenzó a experimentar una abstinencia severa de heroína y se puso muy enfermo.
Intentó contrarrestar su deseo de heroína usando cocaína en su lugar, pero su alivio fue de corta duración.
Sin embargo, después de unos días, sus síntomas disminuyeron y pudo unirse al grupo para tocar música y conectar con Clinton.
Los Red Hot Chili Peppers sintieron una fuerte química con Clinton y disfrutaron de su peculiar personalidad y sus habilidades para contar historias.
Después de una semana viviendo con él, la banda se mudó a una casa en un campo de golf cercano.
“Freaky Styley” se grabó en United Sound Studios en Detroit.
Martínez recordó que "George tenía un ambiente de fiesta en el estudio todo el tiempo, pero un ambiente de fiesta productivo. Te ocupabas del trabajo, pero él se aseguraba de que te divirtieras mucho haciéndolo".
La banda y Clinton comenzaron a usar grandes cantidades de cocaína juntos, lo que tuvo un efecto negativo en la salud general de la banda.
Cuando llegó el momento de que Kiedis grabara sus voces, decidió abstenerse del consumo de cocaína durante dos semanas, una experiencia que comparó con "decidir ser célibe cuando vives en un burdel".
La canción "Yertle the Turtle" incorpora varios versos directamente del poema del Dr. Seuss también llamado "Yertle the Turtle".
Como afirma Kiedis en su autobiografía, “Scar Tissue”, las letras habladas al principio y a lo largo de la canción que dicen "Mira a esa tortuga, hermano", eran del traficante de drogas de George Clinton que exigía que Clinton pagara las deudas. Incapaz de devolverle el dinero al vendedor, Clinton le ofreció una participación en el álbum.
Según Jason Birchmeier de AllMusic, “Freaky Styley” es "lo más cerca que los Red Hot Chili Peppers estuvieron del funk puro".
El álbum marca el regreso del guitarrista Hillel Slovak, y Kiedis observó que la forma de tocar de Slovak evolucionó durante su tiempo fuera del grupo en What Is This?, con el guitarrista adoptando un estilo más fluido con elementos "sensuales" en contraposición a sus técnicas originales de hard rock.
La banda también experimentó con una variedad más diversa de géneros musicales en “Freaky Styley”.
"Jungle Man" contiene guitarra al estilo del rock psicodélico, voces de fondo en capas y un "ritmo de baile urgente y agresivo".
"Catholic School Girls Rule" se inspira en la música punk rock, mientras que "Blackeyed Blonde" ha sido descrita como "Aerosmith se encuentra con Isaac Hayes".
El álbum incluye versiones de "If You Want Me to Stay" de Sly and the Family Stone y "Africa" de The Meters.
Clinton colaboró con los arreglos vocales y aportó su propia voz para una parte de "Hollywood (Africa)".
Trouser Press opinó que el álbum era "más escandaloso" que el debut del grupo, pero "más fácil de digerir como dance-rock utilitario".
"Catholic School Girls Rule" se inspiró en un encuentro sexual que Kiedis tuvo con una estudiante de catorce años de una escuela católica en Nueva Orleans durante una gira en 1984.
"Jungle Man" fue dedicada a Flea, a quien Kiedis usó para crear un personaje ficticio de "este mitad hombre, mitad bestia nacido en el vientre del volcán en Australia que viene al mundo y usa su pulgar como el director del trueno en el bajo".
La letra de la versión de la banda de "Africa" de The Meters difiere ligeramente de la original, con la intención de reflejar la ciudad natal del grupo, Hollywood.
En ese momento, Flea escuchaba repetidamente a The Meters y quería versionar una de las canciones del grupo, y Clinton sugirió que el grupo aprovechara la oportunidad para dedicar una canción a Hollywood, diciendo: "¿Qué tal si hicieran la canción 'Africa' pero Anthony la reescribiera para que ya no fuera 'Africa', sino su 'Africa', que es Hollywood?".
La portada muestra a la banda saltando frente a “El Juicio Final” de Miguel Ángel.
“Freaky Styley” no logró el éxito comercial y no entró en el Billboard 200.
En las notas del álbum de la edición remasterizada de 2003, el bajista Flea afirma: “Sé que la música de este disco era demasiado desconocida para llegar a ser popular en el gran público, pero para mí se sostiene por sí sola como una declaración musical definitiva y sustancial. Más que cualquier otro disco que hayamos hecho, entra en la categoría de demasiado funky para la radio blanca, demasiado punk rock para la negra. Por supuesto, las canciones estaban muy lejos de cualquier formato pop; me doy cuenta de que no fue solo la segregación racial en la radio lo que impidió que fuera un disco popular”.
Sin embargo, el álbum fue recibido de forma más positiva por la crítica que el álbum debut de la banda.
Jason Birchmeier de AllMusic opinó que la producción de Clinton contribuyó a que “Freaky Styley” fuera una mejora con respecto a “The Red Hot Chili Peppers”, y disfrutó del regreso de Slovak, señalando que el guitarrista "hace una contribución importante a prácticamente todas las canciones".
Añadió que "los Peppers tienen un buen repertorio de canciones con las que trabajar, además de una excelente producción. Y también, se les ve relajados y cómodos aquí, tocando canciones peculiares sin ninguna autoconciencia, una cualidad que faltaba en su debut".
Ira Robbins de Rolling Stone calificó el álbum como "más salvaje, más crudo, más divertido y más funky" que “The Red Hot Chili Peppers”, y opinó que "los Chili Peppers están aprovechando el actual caos crossover para universalizar el funk expandiendo sus límites e incorporando nuevos ingredientes sin diluir el ritmo básico. ¿Harto de las calorías vacías de los discos de baile de alta tecnología y decadentes? Freaky Styley es rock pegajoso que le devuelve la carne al movimiento".
Greg Kot fue más crítico en “The Rolling Stone Album Guide” (2004), creyendo que, al igual que el álbum debut del grupo, “Freaky Styley” no tenía "ni una sola canción memorable", mientras que el "truco funk-monkey" de la banda "camuflaba graves deficiencias musicales".
La gira de “Freaky Styley”, conocida como “Infinity Tour”, comenzó en 1985.
Tanto Kiedis como Slovak iniciaron sus largas batallas contra las drogas (que en el caso de Slovak pronto serían fatales) durante esta gira.
A pesar de la falta de éxito, la banda estaba satisfecha con “Freaky Styley”; Kiedis comentó que "superó con creces todo lo que creíamos poder hacer, y nos sentíamos en camino a la grandeza".
Por esta época, la banda apareció en las películas de 1986 “Thrashin'”, tocando la canción "Blackeyed Blonde" de "Freaky Styley", y “Tough Guys”, interpretando la canción inédita "Set It Straight".
A principios de 1986, EMI le dio a los Chili Peppers 5.000 dólares para grabar una maqueta para su próximo álbum.
Eligieron trabajar con el productor Keith Levene de Public Image Ltd, ya que compartía su interés por las drogas.
Levene y Slovak reservaron 2.000 dólares del presupuesto para gastar en heroína y cocaína, lo que creó tensión entre los miembros de la banda.
El corazón de Martínez "ya no estaba en la banda", pero no renunció, así que Kiedis y Flea lo despidieron en abril de 1986.
Irons se reincorporó a la banda, para su sorpresa; fue la primera vez que los cuatro miembros fundadores estaban juntos desde 1983.
Durante la grabación y la posterior gira de “Freaky Styley”, Kiedis y Slovak lidiaban con adicciones debilitantes a la heroína.
Debido a su adicción, Kiedis "no tenía el mismo impulso ni deseo de crear ideas o letras" y aparecía en los ensayos "literalmente dormido".
Se le pidió que dejara la banda para someterse a rehabilitación por drogas.
Durante ese tiempo, la banda ganó el premio LA Weekly a la Banda del Año, lo que impulsó a Kiedis a dejar de consumir heroína de golpe.
Visitó a su madre en Michigan para que lo guiara, quien lo llevó a rehabilitación por drogas inmediatamente después de recogerlo del aeropuerto al ver su aspecto poco saludable.
Ingresó en la clínica de rehabilitación del Ejército de Salvación en Grand Rapids, una experiencia que inicialmente detestó hasta que notó que las demás personas en la clínica comprendían sus problemas y trataban de ayudarlo.
Se mudó con su madre después de 20 días en la clínica, un tiempo que marcó la primera vez que estuvo completamente abstinente de las drogas desde que tenía 11 años.
Después de que Kiedis completó su estancia en rehabilitación, sintió una "nueva ola de entusiasmo" debido a su sobriedad y escribió la letra de una nueva canción titulada "Fight Like a Brave" en el vuelo de regreso a casa.
Se reincorporó a los Red Hot Chili Peppers en Los Ángeles para grabar el siguiente álbum del grupo.
Para su tercer álbum, los Chili Peppers intentaron contratar a Rick Rubin como productor, pero este se negó debido a los crecientes problemas de drogas de la banda.
El aspirante a productor Michael Beinhorn buscaba trabajo en EMI Records después de varios proyectos fallidos en otros sellos, cuando un hombre que trabajaba en EMI se acercó a Beinhorn y le sugirió que trabajara con los Red Hot Chili Peppers, ya que "nadie sabía qué hacer con ellos".
Beinhorn recordó la situación, diciendo: "Aunque toda su música parecía un poco abstracta, definitivamente había algo emocionante en ella. Pensé que necesitaban mucha ayuda con los arreglos... También aprendí rápidamente que los ejecutivos del sello discográfico en realidad odiaban a los Chili Peppers, los vilipendiaban abiertamente tanto que ni siquiera querían que tuvieran éxito. Fue lo más extraño".
Se puso en contacto con la banda para reunirse, y en lugar de organizar una reunión formal, la banda propuso reunirse con él en un club en Nueva Orleans llamado Tipitina's.
Beinhorn quedó impresionado por la originalidad de la banda y su actitud inconformista; como resultado, decidió trabajar con ellos.
Kiedis se reunió entonces con Beinhorn para hablar sobre la grabación del álbum; Kiedis planeaba grabar el álbum en diez días y componer las canciones durante las sesiones de grabación.
Las canciones se formaron rápidamente, mezclando el sentimiento funk y los ritmos de “Freaky Styley” con un enfoque más duro e inmediato del punk rock.
El proceso de grabación fue difícil; Kiedis desaparecía con frecuencia para buscar drogas; después de cincuenta días de sobriedad, Kiedis decidió volver a consumir drogas para celebrar su nueva música.
Beinhorn recordó que "Hubo momentos en la preproducción en los que realmente pensé que el disco no se iba a grabar".
Kiedis sentía "un dolor, culpa y vergüenza insoportables" cada vez que faltaba a una sesión de grabación, así que intentaba escribir letras y buscar drogas al mismo tiempo; aunque la banda estaba muy molesta por su consumo de drogas y sus frecuentes desapariciones, estaban impresionados con su producción musical en ese momento.
El productor Michael Beinhorn, dijo sobre la grabación del álbum: “Acabó convirtiéndose en una odisea de siete u ocho meses de incertidumbre y frustración. El dinero que nos asignó la discográfica se nos fue de las manos enseguida. Fue un disco de locos. Que haya llegado a publicarse es un milagro, teniendo en cuenta las personalidades tan diversas”.
El álbum se grabó en Capitol Studios Studio B en la planta baja del edificio de Capitol Records en Hollywood.
Se inspiraron musicalmente con la reincorporación de su baterista original, Jack Irons, lo que añadió "un elemento tan importante y diferente a [su] química".
Beinhorn animó a la banda a expandir sus horizontes musicales en el álbum; aunque al principio la banda se sentía incómoda saliendo de su zona de confort, los miembros comenzaron a pensar que Beinhorn les estaba ayudando a producir su mejor trabajo.
Slovak ayudó a Kiedis a grabar sus voces en el álbum. Entre tomas, Slovak corría por el estudio emocionado y decía: "Esto es lo más hermoso que hemos hecho nunca".
Reflexionó sobre su profunda conexión con el álbum en su diario, diciendo: "Fue muy divertido. Estoy extremadamente orgulloso del trabajo de todos; a veces es genial".
Durante una sesión de improvisación, el guitarrista creó un riff melódico que difería mucho en estilo del trabajo anterior de la banda.
Si bien Slovak casi abandonó el riff por temor a que fuera demasiado diferente estilísticamente, Beinhorn vio potencial en el nuevo estilo basado en la melodía y animó al guitarrista a convertir la breve melodía en una canción completa.
Aunque la banda se mostró escéptica al principio, todos los miembros comenzaron a escribir sus propias partes musicales, y la canción se convirtió en uno de los tres sencillos del álbum, "Behind the Sun".
Kiedis describe la canción como "pura inspiración Hillel".
“Fight Like a Brave”, el primer sencillo de “The Uplift Mofo Party Plan”, ejemplifica el sonido típico de punk y funk rock de la banda en ese período, también marcado por las letras rapeadas de Anthony Kiedis.
La canción también destaca por sus coros cantados por aficionados al fútbol.
En el libro “Give It Away: The Stories Behind Every Song”, el autor Rob Fitzpatrick escribe: “En cuanto a potencia pura, The Uplift Mofo Party Plan muestra a los Chili Peppers en su versión más viril, más ostentosa y más descaradamente machista”.
Sin embargo, Kiedis recuerda que durante la composición del álbum, Beinhorn lo animó a alejarse de su estilo de rap rápido e improvisado en favor de voces más lentas y melódicas.
En ese momento, Kiedis se sentía muy incómodo con su voz al cantar y consideraba que el nuevo estilo era “cursi”.
Kiedis también observó que la forma de tocar del guitarrista Hillel Slovak evolucionó durante su ausencia del grupo en What Is This?, y que Slovak había adoptado un estilo más fluido con elementos “sensuales” en contraposición a sus técnicas originales de hard rock.
En “The Uplift Mofo Party Plan”, Slovak experimentó con géneros fuera de la música funk tradicional, incluyendo reggae y speed metal.
Slovak también usó un talk box en la canción "Funky Crime", en la que cantaba en un tubo mientras tocaba para crear efectos psicodélicos.
Flea incorporó un estilo de bajo "slap" en el álbum, que se convertiría en un elemento básico del trabajo inicial de la banda.
"Backwoods" presenta un "groove suelto y swing" y un solo de guitarra "que se eleva hacia el cielo".
"Skinny Sweaty Man" contiene un tempo rápido y ha sido descrito como "hardcore garage psychedelic funkabilly", mientras que "No Chump Love Sucker" muestra influencias de punk rock y thrash.
El álbum también incluye una versión de "Subterranean Homesick Blues" de Bob Dylan, que abandona casi todos los estilismos folk de la canción original en favor de las inclinaciones funk-rock características de la banda.
La mayoría de las letras del álbum se centran en la amistad entre los miembros de la banda, el sexo y la vida en Los Ángeles.
La reunión de los cuatro miembros originales del grupo tuvo una gran influencia en las letras; Kiedis explicó que "mucha de la alegría en las letras de ese disco trata sobre estar unidos".
Kiedis también se inspiró en experiencias personales suyas y del resto de los miembros de la banda.
La canción "No Chump Love Sucker" se inspiró en Slovak; durante la grabación del álbum, Slovak había sido "abandonado" por una novia que lo dejó por alguien que tenía "más dinero y más drogas".
La canción sirvió como canción de venganza contra "ese tipo de mujer malvada y materialista".
"Funky Crime" reflejó una conversación entre la banda y George Clinton mientras escribían y grababan “Freaky Styley”.
Kiedis describió la canción como una descripción lírica de la conversación, sobre cómo la música en sí misma es "ciega al color" pero está "segregada por los medios y la radio en función de sus percepciones de los artistas".
Kiedis escribió "Me and My Friends", una canción que "encajó muy bien", mientras conducía de regreso a casa desde San Francisco con su amigo de la infancia Joe Walters.
"Backwoods" detalla la historia del rock and roll.
Kiedis dijo que "Love Trilogy" se convirtió en una de las canciones favoritas de todos los tiempos del grupo; trata sobre "amar las cosas que no son necesariamente perfectas o siempre dignas de ser amadas".
Explicó que "Durante años, cada vez que alguien cuestionaba nuestras letras, Flea decía: 'Lee 'Love Trilogy' y sabrás de qué se tratan las verdaderas letras'".
EMI se negó inicialmente a lanzar el álbum a menos que los Chili Peppers cambiaran el nombre de la canción "Party on Your Pussy"; la banda posteriormente renombró la canción "Special Secret Song Inside".
“The Uplift Mofo Party Plan” se lanzó el 29 de septiembre de 1987 y alcanzó el puesto número 148 en el Billboard 200, lo que fue mucho más exitoso que cualquiera de los lanzamientos anteriores de la banda.
Fue el primer álbum de la banda en entrar en el Billboard 200 y desde entonces ha sido certificado Oro en los Estados Unidos.
La banda filmó un video musical para el sencillo principal del álbum, "Fight Like a Brave", pero la canción no tuvo impacto en ninguna lista de Billboard.
"Behind the Sun" no se lanzó como sencillo hasta 1992, después de que la banda hubiera lanzado dos álbumes posteriores, “Mother's Milk” y “Blood Sugar Sex Magik”.
El álbum también ayudó a los Red Hot Chili Peppers a ganarse una base de fans de culto en Los Ángeles.
Uno de estos fans fue John Frusciante, quien más tarde se uniría a la banda como guitarrista tras la muerte de Slovak.
Frusciante recordó: "La primera vez que vi a los Red Hot Chili Peppers en vivo fue en el Variety Arts Center, y fue realmente increíble... Buscaban un sonido muy potente. Hillel hacía una retroalimentación impresionante y demás. Fue la experiencia más mágica que he tenido en un concierto".
Frusciante basó gran parte de su estilo de tocar en el trabajo de Slovak, y explicó: "Aprendí todo lo que necesitaba saber sobre cómo sonar bien con Flea estudiando la forma de tocar de Hillel y a partir de ahí lo desarrollé".
El álbum recibió críticas mixtas tras su lanzamiento.
Duncan Strauss del Los Angeles Times lo describió como "irregular"; si bien elogió la "tierna melodía" de "Behind the Sun", consideró que la mayoría de las canciones "se vuelven repetitivas rápidamente, lo que sugiere que esta es una banda que domina en el escenario, pero tiene problemas en el estudio".
Bill Meredith de AllMusic observó que "la energía de tener a estos cuatro amigos de Los Ángeles juntos de nuevo salta del himno inicial 'Fight Like a Brave' y de la experimental 'Funky Crime'... Slovak e Irons aportaron a los Chili Peppers cosas que nadie más había hecho".
Blaine Sayers de Consequence of Sound elogió el trabajo de guitarra de Slovak en el álbum, diciendo que "Slovak demuestra con estos temas que no era solo un guitarrista de funk, sino que también podía rockear con las mejores bandas de thrash metal de los 80".
En “The Rolling Stone Album Guide” (2004), Greg Kot se mostró menos impresionado, escribiendo que el álbum era una ligera mejora respecto a los dos últimos trabajos de la banda, pero consideró que el humor poco convencional del grupo le restaba valor: "El cuarteto californiano aporta un mínimo de estructura a The Uplift Mofo Party Plan , pero su humor —como demuestra su famoso estribillo 'party on your pussy'— no merecería una audiencia en un vestuario de instituto".
Les Claypool clasificó a “The Uplift Mofo Party Plan” como su álbum favorito de Red Hot Chili Peppers, y agregó que la música ayudó a influir en el sonido de Primus.
La banda se embarcó en una extensa gira internacional para promocionar el álbum.
Los Chili Peppers señalaron que durante la gira, su base de fans había aumentado rápidamente tanto en número como en entusiasmo.
Kiedis recordó: "Durante la gira Uplift, recuerdo haber sentido un cambio real, no solo en la cantidad de gente que asistía a los conciertos, sino también en la intensidad de la base de fans".
Flea añadió: "Estábamos enamorados de esas canciones y de lo mucho que nos divertíamos tocándolas".
A pesar del nuevo entusiasmo de la banda, Kiedis y Slovak continuaron luchando contra sus adicciones a las drogas, que empeoraban.
Ambos dejaron de consumir heroína antes de la gira y decidieron ayudarse mutuamente a mantenerse alejados de la droga.
Durante la gira, ambos experimentaron una intensa abstinencia de heroína, siendo Slovak mucho más inestable que Kiedis.
Sus síntomas de abstinencia afectaron su capacidad para tocar su instrumento; en un momento dado, Slovak sufrió una crisis nerviosa y no pudo tocar en un concierto, dejando al resto de la banda tocando un set completo sin guitarra.
Se recuperó unos días después, pero sus compañeros de banda consideraron que no estaba lo suficientemente sano para actuar y lo reemplazaron con DeWayne McKnight para algunos conciertos.
Después de unos días con McKnight, la banda decidió darle a Slovak otra oportunidad, y se reincorporó para la etapa europea de la gira.
Kiedis intentó llevar a Slovak a terapia para la adicción a las drogas, pero a Slovak le costaba admitir que su adicción era lo suficientemente grave como para requerir ayuda médica.
Al regresar a casa, Slovak se aisló del resto de sus compañeros de banda y luchó por resistir la droga sin el apoyo mutuo de sus amigos, en particular de Kiedis.
Unas semanas después de que la banda regresara de la gira, los miembros intentaron contactar a Slovak, pero no pudieron encontrarlo durante varios días.
Slovak fue encontrado muerto por la policía en su apartamento de Hollywood el 27 de junio de 1988.
Durante su autopsia, las autoridades determinaron que había muerto el 25 de junio de 1988, debido a una sobredosis de heroína.
Posteriormente, Irons dejó el grupo, diciendo que no quería ser parte de un grupo donde sus amigos estaban muriendo.
Kiedis y Flea debatieron si debían continuar haciendo música, y finalmente decidieron seguir adelante, con la esperanza de continuar lo que Slovak "ayudó a construir".
Los dos reclutaron al guitarrista de dieciocho años John Frusciante, quien era fan del grupo e idolatraba a Slovak.
Para reemplazar a Irons, el grupo realizó un largo proceso de audición abierta y finalmente eligió al baterista Chad Smith.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
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y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 22
Flea (Segunda parte)
Frusciante dio su primer concierto con los Chili Peppers en septiembre de 1988.
La nueva formación comenzó a componer para el siguiente álbum y realizó una breve gira, la “Turd Town Tour”.
Los Chili Peppers comenzaron a trabajar en su cuarto álbum a finales de 1988.
A diferencia de las sesiones intermitentes de “The Uplift Mofo Party Plan”, la preproducción transcurrió sin problemas.
Sin embargo, las sesiones se volvieron tensas debido al deseo de Beinhorn de crear un éxito, lo que frustró a Frusciante y Kiedis.
Lanzado el 16 de agosto de 1989 por EMI Records, “Mother's Milk” alcanzó el puesto número 52 en el Billboard 200 de Estados Unidos.
Es el primer álbum de la banda con el baterista Chad Smith y el guitarrista John Frusciante, quienes reemplazaron al baterista Jack Irons y al guitarrista fundador Hillel Slovak, respectivamente.
La influencia de Frusciante alteró el sonido de la banda al poner mayor énfasis en la melodía que en el ritmo, que había dominado su material anterior.
El productor Michael Beinhorn, que regresó para la producción, prefería los riffs de guitarra de heavy metal y las sobregrabaciones.
Frusciante consideraba que el gusto de Beinhorn era excesivo, y como resultado, ambos discutieron constantemente sobre el sonido de la guitarra en el álbum.
Recibió una amplia difusión radiofónica gracias a sus tres sencillos: la versión de "Higher Ground " de Stevie Wonder, "Knock Me Down" y "Taste the Pain", y se convirtió en su primer disco de oro a principios de 1990.
Aunque no obtuvo la misma acogida positiva por parte de la crítica que su predecesor, “The Uplift Mofo Party Plan” (1987), “Mother's Milk” fue el primer paso de la banda hacia el éxito internacional y, según Amy Hanson de AllMusic, "cambió el rumbo y transformó a la banda de raperos underground de funk rock a chicos malos del mainstream con aparentemente muy poco esfuerzo".
A diferencia de las sesiones intermitentes de “The Uplift Mofo Party Plan”, donde Kiedis desaparecía con frecuencia para buscar drogas, la preproducción de “Mother's Milk” transcurrió sin problemas.
Muchas de las canciones ya estaban escritas, e incluso algunas se habían grabado cuando la banda comenzó la preproducción en enero de 1989.
"Taste the Pain" se grabó antes de que Smith se uniera, y contó con Philip "Fish" Fisher de Fishbone en la batería.
La banda grabó las pistas básicas en los estudios Hully Gully en Silver Lake; canciones como "Knock Me Down" se formaron a partir de sesiones de improvisación sin ninguna intervención del productor Michael Beinhorn.
Según Flea, las sesiones de Hully Gully dieron sus frutos: "Tocamos con más fuerza y rapidez que en cualquier otro momento de nuestra carrera, creo. Se estaban desarrollando muchos aspectos técnicos [...] tocábamos constantemente, nos conocíamos mejor y creamos un disco".
Kiedis y Flea reconocieron que la presencia de Frusciante se había convertido en una influencia significativa en el nuevo material de la banda, ya que las sesiones de Hully Gully estaban demostrando ser extremadamente productivas; Flea recordó que "[Frusciante] fue un inmenso elemento nuevo para el sonido de nuestra banda y una gran apertura para nosotros".
La banda entró al estudio Ocean Way Recording en Hollywood en febrero de 1989 para grabar “Mother's Milk”.
"Fue extraño cuando me uní a la banda porque grabamos el álbum después de que yo llevaba solo unos meses y Chad apenas dos semanas", recordó Frusciante.
"Todavía estaba un poco confundido sobre mi posición y éramos solo cuatro individuos. La música se trata de unir a las personas en una unidad y con todas las giras que hemos estado haciendo, ¡ahora somos como un pulpo cósmico de ocho brazos!".
Beinhorn presionó a los Chili Peppers para que produjeran las mejores tomas posibles para cada una de las 13 canciones del disco, mientras la banda esperaba obtener un éxito.
Aunque hubo estrés y conflicto durante la grabación de otros álbumes de Chili Peppers, las sesiones para “Mother's Milk” fueron incómodas debido al deseo incesante de Beinhorn de crear un éxito.
Recordó que él y la banda estaban en desacuerdo, diciendo: "Basta con decir que tenía una relación personal muy intensa [con la banda] y en algún momento me distancié de [ellos]".
Beinhorn chocaba constantemente con Frusciante por los efectos de guitarra.
Según Kiedis, "[Beinhorn] quería que John tuviera un tono de guitarra grande, crujiente, casi metalero, mientras que antes siempre teníamos algunos tonos de guitarra acid-rock interesantes, así como muchos tonos de guitarra sensuales, sexys y funky".
Frusciante estaba frustrado con la actitud de Beinhorn y resentía su forma de tocar en el disco, pensando que era demasiado "macho".
Kiedis recordó que, al final, "ya no pude tolerar su dirección. Estaba tratando de sacarme algo que no sentía, y nos peleamos y supe que había terminado con él".
En marzo de 1989, los Chili Peppers se embarcaron en una gira de dos meses para presentar la nueva formación.
La gira "Positive Mental Octopus" llevó a la banda a tocar en pequeños locales por todo Estados Unidos, incluyendo varios conciertos en las costas este y oeste.
En este momento, Frusciante comenzó a afirmar más energía y su ego "se infló un poco", según Flea.
"Estaba corriendo por ahí siendo grosero con las chicas y haciéndolas enojar. Pero eso es de esperar, quiero decir, mierda, tienes 18 años y quieres acostarte con muchas ganas y de repente estás en una banda, las chicas quieren follar. Es inevitable que te vuelvas loco".
Otro incidente, después de una actuación en la Universidad George Mason en Fairfax, Virginia, causó repercusiones legales; un estudiante acusó a Kiedis de participar en conducta sexual inapropiada y exhibicionismo.
Posteriormente, Kiedis fue arrestado y puesto en libertad bajo fianza a la espera de un juicio que se fijaría para una fecha posterior.
"Knock Me Down", el primer sencillo de “Mother's Milk”, ejemplifica una divergencia estilística que se aleja del típico punk y funk rock de la banda para adentrarse en un terreno más alternativo.
El segundo sencillo del álbum, "Higher Ground" de Stevie Wonder, tuvo más éxito internacional que "Knock Me Down" a pesar de tener un peor desempeño en la lista Billboard Modern Rock Tracks y ejemplifica la fuerte distorsión y la superposición de capas que se encuentran en todo “Mother's Milk”.
El estilo musical de la banda se desarrolló con la llegada de Frusciante; el productor Michael Beinhorn observó: "Desde el principio fue evidente que John era el guitarrista perfecto para la banda: aportó elementos de composición y creación de canciones que nunca habían tenido antes de su incorporación. Creo que John es una figura clave en los Chili Peppers, dado que es un compositor tan distintivo".
Frusciante alteró el sonido de la banda al introducir melodías, armonías y estructuras de canciones más complejas.
A diferencia de los álbumes anteriores del grupo, que presentaban canciones basadas en el groove y el ritmo, “Mother's Milk” contenía composiciones melódicas que reflejaban la influencia del nuevo guitarrista.
Según el periodista musical Jeff Apter, la mayor parte del disco, debido a la presencia de Beinhorn, está compuesta por riffs de guitarra de heavy metal y una excesiva superposición de capas.
Musicalmente, “Mother's Milk” ha sido descrito como funk metal, metal alternativo, y funk rock.
“Mother's Milk” presenta una variedad de estilos musicales en sus 13 pistas.
Entre las canciones que surgieron de las sesiones de Hully Gully a principios de 1989, "Knock Me Down" se convirtió en uno de los cambios de estilo más radicales para la banda.
La letra introspectiva, que analiza la muerte de Hillel Slovak y el efecto devastador que las drogas pueden tener en la vida, fue un nuevo enfoque para Kiedis, quien principalmente escribía sobre relaciones sexuales y un estilo de vida hedonista.
Sin embargo, Kiedis no quería que la canción se asociara con sentimientos "antidrogas", afirmando: "[la canción] trata sobre hacerle saber a tus amigos que necesitas ayuda y luego estar dispuesto a aceptar la ayuda de otros cuando la necesites, ya sea por las drogas o por otros problemas personales".
Según Apter, la canción "Knock Me Down" fue "claramente la canción más importante que la banda había grabado; demostró que estos Peppers eran más que cabezas huecas con calcetines colgando de sus penes".
Musicalmente, la canción integra las influencias punk típicas de los Chili Peppers, pero hace mayor énfasis en la melodía y las armonías que conducen a un territorio más alternativo.
"Knock Me Down" fue grabada originalmente como un dúo entre Kiedis y Frusciante, pero la canción fue remezclada antes de ser lanzada como sencillo; la nueva mezcla enfatizó inadvertidamente la voz de Frusciante en lugar de la de Kiedis.
"Higher Ground" se convirtió en otra canción que ayudó a la banda a alcanzar el éxito internacional.
Escrita y grabada originalmente en 1973 por el cantante de R&B Stevie Wonder, la canción era, según Flea, una versión perfecta para la banda: "[...] la letra es genial. Especialmente en cuanto a la situación en la que se ha encontrado la banda, en cuanto al estado de ánimo, durante los últimos meses. Esa canción realmente trata sobre elevarse y elevarse espiritualmente".
Flea dijo que la banda versionó la canción para rendir homenaje a Wonder y al importante papel que desempeñó en la música popular.
La versión comienza con una línea de bajo funk, seguida de progresiones de guitarra heavy metal de múltiples capas y voces tratadas con efectos.
El coro de "Higher Ground" cuenta con coros de una variedad de amigos e ingenieros que trabajaron en el disco; la competencia de los individuos en el canto era irrelevante para la banda porque buscaban lograr un sentido de unidad.
“Mother's Milk” se compuso de una variedad de canciones que expandieron el repertorio de Chili Peppers.
La instrumental "Pretty Little Ditty" fue una de las pocas canciones que no presentaba capas de guitarra; Apter señala que la canción es "una instrumental onírica y dulcemente psicodélica" que "presentaba el hábil punteo y rasgueo de Frusciante, entrelazado con explosiones de trompeta de Flea".
La ecléctica pista originalmente estaba destinada a durar más de tres minutos, pero se redujo a poco menos de dos minutos antes del lanzamiento del álbum.
La canción "Punk Rock Classic" cita el riff de guitarra de "Sweet Child o' Mine" de Guns N' Roses.
"Taste the Pain" refleja un tema más meditativo y melódico, similar a "Knock Me Down".
Frusciante introduce progresiones de guitarra psicodélicas en el verso, mientras que la letra toca temas de amor y pérdida.
Otros temas como "Stone Cold Bush" presentaban temas de prostitución, mientras que "Punk Rock Classic" era, en retrospectiva, una emulación de canciones típicas de punk rock de Black Flag y The Germs, bandas que influyeron en los Chili Peppers.
La portada del álbum presenta una fotografía en blanco y negro de la banda extendida sobre los brazos de una mujer gigante en topless, con sus pezones cubiertos por una rosa roja a la derecha, y Kiedis de pie a la izquierda.
La controversia surgió cuando la modelo Dawn Alane afirmó que la banda no le notificó que ella era la elegida para aparecer en la portada de “Mother's Milk”.
Además, varias cadenas nacionales se negaron a vender el disco porque creían que la mujer mostraba demasiada desnudez.
Se fabricó una versión más estrictamente censurada para algunos minoristas que presentaba a los miembros de la banda en una proporción mucho mayor que la original.
La portada del disco estuvo influenciada por un póster promocional que Kiedis tenía de la década de 1960 de Sly and the Family Stone, en el que el líder Sly Stone sostenía una banda en miniatura en la palma de su mano.
Cuando Kiedis estaba buscando fotos de la banda para usar en la portada, Frusciante inicialmente rechazó todas las fotografías que Kiedis le mostró, pero se decidió por una de él sentado riendo.
“Mother's Milk” llevaba una pegatina de advertencia de "lenguaje explícito" que, según Kiedis, "no me molesta. Nuestras letras son muy explícitas, ya sea que traten sobre sexo, amistad o amor por la vida en general".
El folleto de la portada del disco incluye una pintura de Hillel Slovak.
Tras el lanzamiento del álbum, se distribuyó un número limitado de pósteres promocionales con los pechos de la modelo al descubierto.
Alane desconocía la distribución y demandó a la banda, ganando una indemnización de 50.000 dólares.
Los sencillos de “Mother's Milk” siguieron una temática artística similar.
La portada de "Knock Me Down" mostraba a la banda sin camisa, frente a una fotografía de un elefante en un entorno africano.
"Higher Ground" era similar en el sentido de que los cuatro miembros —cuyas fotografías fueron tomadas del video musical— estaban impresos frente a una gran imagen del rostro de Kiedis.
"Taste the Pain" mostraba a la banda junta con un fondo rojo y amarillo con el asterisco de los Chili Peppers junto a la tipografía.
Un sencillo promocional de 12 pulgadas titulado “For the Thrashers”, que contenía cuatro canciones del álbum, fue lanzado a las estaciones de radio para promocionar el entonces próximo álbum en las semanas previas a su lanzamiento.
El director Drew Carolan filmó un video promocional para "Good Time Boys" que fue lanzado en la colección “Hard 'n Heavy Vol. 2· de 1989.
El video, que nunca ha sido lanzado en otro lugar por la banda ni siquiera reconocido como un video oficial, mostraba a la banda interpretando la canción con escenas intercaladas de la banda siendo entrevistada hablando sobre el álbum y su sonido.
Carolan también fue contratado para filmar los videos musicales de los dos primeros sencillos del álbum, "Higher Ground" y "Knock Me Down", antes del lanzamiento de “Mother's Milk”.
La premisa inicial para "Higher Ground" era que el autor original de la canción, Stevie Wonder, se sentara en la posición de loto mientras los Chili Peppers bailaban a su alrededor; sin embargo, Wonder se negó a aparecer en el video.
Kiedis le dio total libertad creativa a Carolan con la condición de que "nos hiciera [a la banda] parecer como los Dioses del Funk".
Mientras que el video de "Higher Ground" pretendía ser alegre y exuberante, "Knock Me Down" se filmó para ser más conmovedor; Carolan recuerda: "Era una canción muy especial para la banda y necesitaba ser tratada con el máximo cuidado y respeto. Anthony y Flea solo querían que fuera realmente soul con un sentido de urgencia".
Los videos tardaron un día en completarse cada uno y se filmaron con presupuestos relativamente pequeños, pero el resultado, como señala Jeff Apter, "[Se] convirtió en elementos clave del éxito [del álbum]".
"Knock Me Down" es notable por contar con la aparición del actor Alex Winter, quien codirigiría el video del tercer sencillo de la banda, "Taste the Pain".
MTV introdujo los videos de la banda en su rotación diaria, destacando a la banda como emergente y "una a la que seguir".
Aunque tuvo más éxito comercial que los álbumes anteriores de la banda, “Mother's Milk” recibió críticas mixtas, ya que la excesiva distorsión presente en todo el disco no convenció a los críticos.
Sin embargo, también fue elogiado; Amy Hanson de AllMusic lo calificó como "un álbum fundamental para los Red Hot Chili Peppers" y opinó que "si alguien dudaba de la energía vibrante que emanaba del tema inicial, 'Good Time Boys', bastaban unos pocos compases de la audaz y brillante interpretación de los Red Hot Chili Peppers del clásico de Stevie Wonder, 'Higher Ground', para demostrar que esta nueva formación estaba en el camino correcto”.
“Concluyendo con el acertadamente titulado y auténticamente punk Punk Rock Classic y el enérgico tributo de la banda a Magic Johnson, Mother's Milk fue todo lo que la banda había esperado, y un poco más".
Steve Morse de The Boston Globe lo llamó una "fusión de alto octanaje de metal, funk y rap, algo así como Prince se encuentra con Jimi Hendrix en la Dimensión Desconocida", mientras que señaló que "Knock Me Down" combinaba una "música electrizante".
El Toronto Star comentó que los Red Hot Chili Peppers eran "los Mothers of Invention de la década de 1990".
En 2005, “Mother's Milk” fue clasificado en el puesto número 359 en el libro de la revista Rock Hard, "Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos".
Si bien Carly Darlin del Orange County Register consideró que el álbum era "una reafirmación enérgica y divertida de la actitud funk vertiginosa de RHCP", opinó que "con la excepción del instrumental onírico 'Pretty Little Ditty', no abre nuevos caminos".
Continuó diciendo que, en todo caso, "Mother's Milk es un ligero paso lejos de los ritmos funk festivos de los dos últimos álbumes y un regreso a las raíces punk-rock de la banda. Incluso retoman la versión de ' Fire ' de Jimi Hendrix, que grabaron como cara B de su sencillo de 12 pulgadas ' Fight Like A Brave ' hace dos años".
Además, Mark Jenkins de The Washington Post dijo que "el término educado para álbumes como 'Milk' es 'ecléctico', pero realmente suena como si la banda se estuviera desmoronando [...] Dadas las circunstancias, no es especialmente sorprendente que el álbum parezca estar buscando a alguien que le dé dirección".
Sin embargo, Jenkins sí creía que Frusciante poseía "sólidas habilidades metaleras y medios para demostrarlas".
El crítico de Village Voice, Robert Christgau, se burló de la capacidad de la banda para promover la empatía y consideró que la superposición de guitarras en “Mother's Milk” se había realizado incorrectamente: "punks que amaban a Hendrix y P-Funk desde hace mucho tiempo, finalmente están sacando provecho de su buen gusto, y aunque los incrédulos desmienten su sinceridad, la ejecución es el problema. No tenían las habilidades para lograrlo entonces, y al poner la guitarra en primer plano suenan aún más toscos ahora. Pero son tipos perfectamente agradables, en realidad; mencionan la 'compasión' en el primer verso".
Lanzado el 16 de agosto de 1989, “Mother's Milk” alcanzó el puesto número 52 en el Billboard 200 de EE. UU., y el número 32 en las listas de álbumes de Cash Box de EE. UU.
El disco no logró entrar en las listas del Reino Unido y Europa, pero subió al número 33 en Australia.
"Knock Me Down" llegó al número seis en las listas de Modern Rock Tracks de EE. UU., mientras que "Higher Ground" llegó al número once; sin embargo, este último resultó ser más exitoso, ya que influyó en las listas extranjeras en el número 54 en el Reino Unido y en el 45 en Australia y Francia.
Si bien "Taste the Pain" no entró en las listas de EE. UU., el sencillo llegó al número 26 en el Reino Unido, el primer sencillo del grupo en el Top 40 en la región.
El éxito que Red Hot Chili Peppers logró con “Mother's Milk” fue algo por lo que el grupo había estado trabajando desde el lanzamiento de su álbum debut; Apter señala: “Después de cinco años difíciles, varias salidas, despidos y una muerte trágica, los Peppers eran ahora mucho más que una sensación local”.
La banda había dado numerosos conciertos antes del lanzamiento del álbum y emitía canciones nuevas semanalmente para generar interés en él.
“Mother's Milk” fue certificado oro por la Recording Industry Association of America a finales de marzo de 1990 —ahora está certificado platino— y fue el primer álbum de los Chili Peppers en vender más de 500.000 unidades.
En 2003 el álbum fue reeditado a través de EMI; todas las pistas fueron completamente remasterizadas y se incluyeron seis canciones adicionales, así como notas manuscritas de Flea.
“Mother's Milk” atrajo instantáneamente más atención que los discos anteriores de la banda y, como tal, los lugares en los que la banda tocaba podían albergar multitudes mucho más grandes.
Por primera vez, la banda también mejoró a un autobús de gira completo y agregó músicos y cantantes de apoyo.
el viejo amigo, Keith "Tree" Barry, se unió para tocar los vientos y las cantantes de apoyo Kristen Vigard y Vicki Calhoun (que apareció en el video de "Knock Me Down") también se unieron a la gira.
Cuando la banda llegó a Inglaterra, el roadie Robbie Allen (apodado Rob Rule) abrió para la banda brindando una actuación cómica en la que fingía cortarse su propio pene.
Allen se convertiría más tarde en uno de los cantantes de apoyo de la banda en la gira “One Hot Minute”.
El lanzamiento oficial del álbum, sin embargo, se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York en un club llamado Tramps; posteriormente, Red Hot Chili Peppers emprendió una gira europea de presentación que incluyó un concierto gratuito en la Plaza Dam de Ámsterdam, al que asistieron más de 10.000 personas.
El 8 de septiembre de 1989, la banda inició su etapa norteamericana en Seattle.
Esta etapa recibió una respuesta abrumadoramente positiva de la crítica en todo el país; tras un concierto en Portland, el periodista John Foyston de The Oregonian señaló que “el cuarteto afincado en Hollywood provocó una reacción del público que había que ver para creer. Los lanzadores de público comenzaron a abalanzarse sobre el escenario desde el momento en que la banda subió. Una vez en el escenario, fue cuestión de suerte y descaro”.
Todd Caudle del periódico The Gazette de Colorado Springs dijo que la actuación de los Chili Peppers en el Colorado Indoor Sports Complex fue "el tipo de lugar donde los niños podían ser niños, y a nadie le importaba si los refrescos se pegaban al suelo y las vigas temblaban con una impresionante ráfaga de decibelios. La gente del público, empapada en sudor y apretada contra la barricada frente al escenario, levantó los brazos al unísono y gritó aprobación de una canción rápida y furiosa tras otra".
Al final de la etapa, los miembros de la banda tenían problemas para adaptarse a su nueva fama, ya que prácticamente todos los conciertos de la gira agotaron las entradas y “Mother's Milk” se acercaba a las 500.000 unidades vendidas.
Spin informó que, tras un concierto en Atlanta, Flea invitó a una mujer a su habitación de hotel para tener relaciones sexuales, pero se encerró en el baño al llegar porque solo podía pensar en su esposa e hija.
Kiedis terminó una relación de dos años con la actriz Ione Skye, y Frusciante, al recordar la gira años después, admitió: “Abusé totalmente de la situación [...] de fiesta y acostándome con un montón de chicas. A los 19 años, puede que pareciera un galán, pero por dentro era un debilucho. No estaba orgulloso de quien era entonces”.
Poco antes de finalizar la etapa norteamericana, la banda filmó una actuación en el Long Beach Arena, que se publicó como “Psychedelic Sexfunk Live from Heaven” en 1990.
Un concierto en el San Francisco Civic Auditorium en la víspera de Año Nuevo de 1989 atrajo a más de 10.000 asistentes y fue considerado por el fotógrafo de la banda, Tony Woolliscroft, como "el concierto más grande que les había visto dar hasta ese momento. Me dio una idea de lo mucho que la banda había trabajado en los Estados Unidos en los años anteriores".
La gira continuó en el Reino Unido, donde la banda recibía menos atención; Kiedis se quejó después de varios conciertos allí: "Somos muy famosos en Estados Unidos y es frustrante y confuso que nadie sepa quiénes somos aquí".
No fue hasta después de su regreso del Reino Unido que "Taste the Pain" se lanzó como sencillo y posteriormente alcanzó el puesto número veintinueve en las listas de éxitos.
En marzo de 1990, se les pidió a la banda que actuaran en la cobertura de MTV de las vacaciones de primavera en Florida.
En el evento, Flea y Smith intentaron interactuar con el público saltando del escenario; la situación se descontroló y se les acusó de agredir sexualmente y abusar verbalmente de una mujer del público.
Fueron arrestados varios días después por cargos de agresión, alteración del orden público e incitación a cometer un acto lascivo, pero fueron liberados bajo fianza de 2.000 dólares.
El arresto de Smith y Flea empeoró el cargo que Kiedis tenía pendiente en Virginia por la gira "Positive Mental Octopus".
Fue declarado culpable de agresión sexual y exhibicionismo y condenado a pagar una multa de 1.000 dólares por cada cargo.
Los Chili Peppers concluyeron la gira “Mother's Milk” con una variedad de presentaciones que incluyeron el Festival Pinkpop de 1990 y varios otros conciertos a gran escala.
Una vez finalizada, la banda descansó, y Frusciante y Flea organizaron un proyecto paralelo de corta duración llamado HATE con el vocalista de Fishbone, Angelo Moore, y el baterista de LA Guns, Nickey Alexander.
EMI capitalizó el reciente interés en los Chili Peppers lanzando una compilación de videos musicales en VHS llamada “Positive Mental Octopus”, que recibió el nombre de la gira, en 1990.
Ese mismo año, la banda también lanzó "Show Me Your Soul", una canción que originalmente era la cara B del sencillo "Knock Me Down", en la banda sonora de la exitosa película de comedia romántica “Pretty Woman”.
La canción fue un éxito menor para la banda y se hizo un video musical.
Por razones desconocidas, la banda también grabó una versión de la canción de Bachman-Turner Overdrive, "Takin' Care of Business", sin embargo, la canción nunca fue lanzada.
El 29 de enero de 2014, Chad Smith anunció que EMI planeaba lanzar una versión del álbum conmemorativa del 25 aniversario a finales de ese año, que incluiría material adicional.
En una entrevista de agosto de 2014 con Rolling Stone, Smith habló sobre el aniversario y el legado del álbum, comentando que una versión remasterizada aún estaba en desarrollo y que probablemente incluiría un concierto grabado en Cleveland, Ohio, en un disco extra.
Sin embargo, reconoció que muchas de las tomas descartadas del disco ya se habían publicado.
A partir de 2026 EMI aún no ha reeditado el álbum.
En 1990, tras el éxito de “Mother's Milk”, los Chili Peppers dejaron EMI y entraron en una guerra de ofertas entre grandes sellos discográficos.
Firmaron con Warner Bros. Records y contrataron a Rick Rubin, un productor que ya habían intentado contratar antes.
Rubin rechazó a la banda en 1987 debido a sus problemas con las drogas, pero consideró que ahora estaban más sanos y concentrados.
El proceso de composición fue más productivo que para “Mother's Milk”, y Kiedis dijo: "[Cada día] había música nueva para que yo escribiera letras".
Por sugerencia de Rubin, grabaron en The Mansion, un estudio en una casa en Laurel Canyon.
En septiembre de 1991, se lanzó “Blood Sugar Sex Magik” .
"Blood Sugar Sex Magik" es el quinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 24 de septiembre de 1991 por Warner Bros. Records.
Producido por Rick Rubin, su estilo musical difirió notablemente del álbum anterior de la banda, “Mother's Milk” (1989), reduciendo el uso de riffs de guitarra heavy metal y acentuando las contribuciones melódicas a la composición del guitarrista John Frusciante.
La temática del álbum incorpora insinuaciones sexuales y referencias a las drogas y la muerte, así como temas de lujuria y exuberancia.
El álbum “Blood Sugar Sex Magik” alcanzó el número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y produjo los exitosos sencillos "Under the Bridge", "Give It Away", "Suck My Kiss", "Breaking the Girl" y "If You Have to Ask".
El álbum recibió elogios generalizados de la crítica y catapultó a la banda a la fama mundial.
Frusciante, muy incómodo con la fama, abandonó la banda durante su gira de 1992; se reincorporó en 1998.
“Blood Sugar Sex Magik” es ampliamente reconocido como un lanzamiento influyente y fundamental de la explosión del rock alternativo de la década de 1990, y ha sido nombrado por publicaciones como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, con Steve Huey de AllMusic llamándolo "probablemente el mejor álbum que los Chili Peppers jamás harán".
Flea compartió el mismo sentimiento en 2023, calificándolo como su álbum favorito de Red Hot Chili Peppers.
El álbum ha vendido más de 14 millones de unidades, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de la banda después de “Californication”.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Flea (Segunda parte)
Frusciante dio su primer concierto con los Chili Peppers en septiembre de 1988.
La nueva formación comenzó a componer para el siguiente álbum y realizó una breve gira, la “Turd Town Tour”.
Los Chili Peppers comenzaron a trabajar en su cuarto álbum a finales de 1988.
A diferencia de las sesiones intermitentes de “The Uplift Mofo Party Plan”, la preproducción transcurrió sin problemas.
Sin embargo, las sesiones se volvieron tensas debido al deseo de Beinhorn de crear un éxito, lo que frustró a Frusciante y Kiedis.
Lanzado el 16 de agosto de 1989 por EMI Records, “Mother's Milk” alcanzó el puesto número 52 en el Billboard 200 de Estados Unidos.
Es el primer álbum de la banda con el baterista Chad Smith y el guitarrista John Frusciante, quienes reemplazaron al baterista Jack Irons y al guitarrista fundador Hillel Slovak, respectivamente.
La influencia de Frusciante alteró el sonido de la banda al poner mayor énfasis en la melodía que en el ritmo, que había dominado su material anterior.
El productor Michael Beinhorn, que regresó para la producción, prefería los riffs de guitarra de heavy metal y las sobregrabaciones.
Frusciante consideraba que el gusto de Beinhorn era excesivo, y como resultado, ambos discutieron constantemente sobre el sonido de la guitarra en el álbum.
Recibió una amplia difusión radiofónica gracias a sus tres sencillos: la versión de "Higher Ground " de Stevie Wonder, "Knock Me Down" y "Taste the Pain", y se convirtió en su primer disco de oro a principios de 1990.
Aunque no obtuvo la misma acogida positiva por parte de la crítica que su predecesor, “The Uplift Mofo Party Plan” (1987), “Mother's Milk” fue el primer paso de la banda hacia el éxito internacional y, según Amy Hanson de AllMusic, "cambió el rumbo y transformó a la banda de raperos underground de funk rock a chicos malos del mainstream con aparentemente muy poco esfuerzo".
A diferencia de las sesiones intermitentes de “The Uplift Mofo Party Plan”, donde Kiedis desaparecía con frecuencia para buscar drogas, la preproducción de “Mother's Milk” transcurrió sin problemas.
Muchas de las canciones ya estaban escritas, e incluso algunas se habían grabado cuando la banda comenzó la preproducción en enero de 1989.
"Taste the Pain" se grabó antes de que Smith se uniera, y contó con Philip "Fish" Fisher de Fishbone en la batería.
La banda grabó las pistas básicas en los estudios Hully Gully en Silver Lake; canciones como "Knock Me Down" se formaron a partir de sesiones de improvisación sin ninguna intervención del productor Michael Beinhorn.
Según Flea, las sesiones de Hully Gully dieron sus frutos: "Tocamos con más fuerza y rapidez que en cualquier otro momento de nuestra carrera, creo. Se estaban desarrollando muchos aspectos técnicos [...] tocábamos constantemente, nos conocíamos mejor y creamos un disco".
Kiedis y Flea reconocieron que la presencia de Frusciante se había convertido en una influencia significativa en el nuevo material de la banda, ya que las sesiones de Hully Gully estaban demostrando ser extremadamente productivas; Flea recordó que "[Frusciante] fue un inmenso elemento nuevo para el sonido de nuestra banda y una gran apertura para nosotros".
La banda entró al estudio Ocean Way Recording en Hollywood en febrero de 1989 para grabar “Mother's Milk”.
"Fue extraño cuando me uní a la banda porque grabamos el álbum después de que yo llevaba solo unos meses y Chad apenas dos semanas", recordó Frusciante.
"Todavía estaba un poco confundido sobre mi posición y éramos solo cuatro individuos. La música se trata de unir a las personas en una unidad y con todas las giras que hemos estado haciendo, ¡ahora somos como un pulpo cósmico de ocho brazos!".
Beinhorn presionó a los Chili Peppers para que produjeran las mejores tomas posibles para cada una de las 13 canciones del disco, mientras la banda esperaba obtener un éxito.
Aunque hubo estrés y conflicto durante la grabación de otros álbumes de Chili Peppers, las sesiones para “Mother's Milk” fueron incómodas debido al deseo incesante de Beinhorn de crear un éxito.
Recordó que él y la banda estaban en desacuerdo, diciendo: "Basta con decir que tenía una relación personal muy intensa [con la banda] y en algún momento me distancié de [ellos]".
Beinhorn chocaba constantemente con Frusciante por los efectos de guitarra.
Según Kiedis, "[Beinhorn] quería que John tuviera un tono de guitarra grande, crujiente, casi metalero, mientras que antes siempre teníamos algunos tonos de guitarra acid-rock interesantes, así como muchos tonos de guitarra sensuales, sexys y funky".
Frusciante estaba frustrado con la actitud de Beinhorn y resentía su forma de tocar en el disco, pensando que era demasiado "macho".
Kiedis recordó que, al final, "ya no pude tolerar su dirección. Estaba tratando de sacarme algo que no sentía, y nos peleamos y supe que había terminado con él".
En marzo de 1989, los Chili Peppers se embarcaron en una gira de dos meses para presentar la nueva formación.
La gira "Positive Mental Octopus" llevó a la banda a tocar en pequeños locales por todo Estados Unidos, incluyendo varios conciertos en las costas este y oeste.
En este momento, Frusciante comenzó a afirmar más energía y su ego "se infló un poco", según Flea.
"Estaba corriendo por ahí siendo grosero con las chicas y haciéndolas enojar. Pero eso es de esperar, quiero decir, mierda, tienes 18 años y quieres acostarte con muchas ganas y de repente estás en una banda, las chicas quieren follar. Es inevitable que te vuelvas loco".
Otro incidente, después de una actuación en la Universidad George Mason en Fairfax, Virginia, causó repercusiones legales; un estudiante acusó a Kiedis de participar en conducta sexual inapropiada y exhibicionismo.
Posteriormente, Kiedis fue arrestado y puesto en libertad bajo fianza a la espera de un juicio que se fijaría para una fecha posterior.
"Knock Me Down", el primer sencillo de “Mother's Milk”, ejemplifica una divergencia estilística que se aleja del típico punk y funk rock de la banda para adentrarse en un terreno más alternativo.
El segundo sencillo del álbum, "Higher Ground" de Stevie Wonder, tuvo más éxito internacional que "Knock Me Down" a pesar de tener un peor desempeño en la lista Billboard Modern Rock Tracks y ejemplifica la fuerte distorsión y la superposición de capas que se encuentran en todo “Mother's Milk”.
El estilo musical de la banda se desarrolló con la llegada de Frusciante; el productor Michael Beinhorn observó: "Desde el principio fue evidente que John era el guitarrista perfecto para la banda: aportó elementos de composición y creación de canciones que nunca habían tenido antes de su incorporación. Creo que John es una figura clave en los Chili Peppers, dado que es un compositor tan distintivo".
Frusciante alteró el sonido de la banda al introducir melodías, armonías y estructuras de canciones más complejas.
A diferencia de los álbumes anteriores del grupo, que presentaban canciones basadas en el groove y el ritmo, “Mother's Milk” contenía composiciones melódicas que reflejaban la influencia del nuevo guitarrista.
Según el periodista musical Jeff Apter, la mayor parte del disco, debido a la presencia de Beinhorn, está compuesta por riffs de guitarra de heavy metal y una excesiva superposición de capas.
Musicalmente, “Mother's Milk” ha sido descrito como funk metal, metal alternativo, y funk rock.
“Mother's Milk” presenta una variedad de estilos musicales en sus 13 pistas.
Entre las canciones que surgieron de las sesiones de Hully Gully a principios de 1989, "Knock Me Down" se convirtió en uno de los cambios de estilo más radicales para la banda.
La letra introspectiva, que analiza la muerte de Hillel Slovak y el efecto devastador que las drogas pueden tener en la vida, fue un nuevo enfoque para Kiedis, quien principalmente escribía sobre relaciones sexuales y un estilo de vida hedonista.
Sin embargo, Kiedis no quería que la canción se asociara con sentimientos "antidrogas", afirmando: "[la canción] trata sobre hacerle saber a tus amigos que necesitas ayuda y luego estar dispuesto a aceptar la ayuda de otros cuando la necesites, ya sea por las drogas o por otros problemas personales".
Según Apter, la canción "Knock Me Down" fue "claramente la canción más importante que la banda había grabado; demostró que estos Peppers eran más que cabezas huecas con calcetines colgando de sus penes".
Musicalmente, la canción integra las influencias punk típicas de los Chili Peppers, pero hace mayor énfasis en la melodía y las armonías que conducen a un territorio más alternativo.
"Knock Me Down" fue grabada originalmente como un dúo entre Kiedis y Frusciante, pero la canción fue remezclada antes de ser lanzada como sencillo; la nueva mezcla enfatizó inadvertidamente la voz de Frusciante en lugar de la de Kiedis.
"Higher Ground" se convirtió en otra canción que ayudó a la banda a alcanzar el éxito internacional.
Escrita y grabada originalmente en 1973 por el cantante de R&B Stevie Wonder, la canción era, según Flea, una versión perfecta para la banda: "[...] la letra es genial. Especialmente en cuanto a la situación en la que se ha encontrado la banda, en cuanto al estado de ánimo, durante los últimos meses. Esa canción realmente trata sobre elevarse y elevarse espiritualmente".
Flea dijo que la banda versionó la canción para rendir homenaje a Wonder y al importante papel que desempeñó en la música popular.
La versión comienza con una línea de bajo funk, seguida de progresiones de guitarra heavy metal de múltiples capas y voces tratadas con efectos.
El coro de "Higher Ground" cuenta con coros de una variedad de amigos e ingenieros que trabajaron en el disco; la competencia de los individuos en el canto era irrelevante para la banda porque buscaban lograr un sentido de unidad.
“Mother's Milk” se compuso de una variedad de canciones que expandieron el repertorio de Chili Peppers.
La instrumental "Pretty Little Ditty" fue una de las pocas canciones que no presentaba capas de guitarra; Apter señala que la canción es "una instrumental onírica y dulcemente psicodélica" que "presentaba el hábil punteo y rasgueo de Frusciante, entrelazado con explosiones de trompeta de Flea".
La ecléctica pista originalmente estaba destinada a durar más de tres minutos, pero se redujo a poco menos de dos minutos antes del lanzamiento del álbum.
La canción "Punk Rock Classic" cita el riff de guitarra de "Sweet Child o' Mine" de Guns N' Roses.
"Taste the Pain" refleja un tema más meditativo y melódico, similar a "Knock Me Down".
Frusciante introduce progresiones de guitarra psicodélicas en el verso, mientras que la letra toca temas de amor y pérdida.
Otros temas como "Stone Cold Bush" presentaban temas de prostitución, mientras que "Punk Rock Classic" era, en retrospectiva, una emulación de canciones típicas de punk rock de Black Flag y The Germs, bandas que influyeron en los Chili Peppers.
La portada del álbum presenta una fotografía en blanco y negro de la banda extendida sobre los brazos de una mujer gigante en topless, con sus pezones cubiertos por una rosa roja a la derecha, y Kiedis de pie a la izquierda.
La controversia surgió cuando la modelo Dawn Alane afirmó que la banda no le notificó que ella era la elegida para aparecer en la portada de “Mother's Milk”.
Además, varias cadenas nacionales se negaron a vender el disco porque creían que la mujer mostraba demasiada desnudez.
Se fabricó una versión más estrictamente censurada para algunos minoristas que presentaba a los miembros de la banda en una proporción mucho mayor que la original.
La portada del disco estuvo influenciada por un póster promocional que Kiedis tenía de la década de 1960 de Sly and the Family Stone, en el que el líder Sly Stone sostenía una banda en miniatura en la palma de su mano.
Cuando Kiedis estaba buscando fotos de la banda para usar en la portada, Frusciante inicialmente rechazó todas las fotografías que Kiedis le mostró, pero se decidió por una de él sentado riendo.
“Mother's Milk” llevaba una pegatina de advertencia de "lenguaje explícito" que, según Kiedis, "no me molesta. Nuestras letras son muy explícitas, ya sea que traten sobre sexo, amistad o amor por la vida en general".
El folleto de la portada del disco incluye una pintura de Hillel Slovak.
Tras el lanzamiento del álbum, se distribuyó un número limitado de pósteres promocionales con los pechos de la modelo al descubierto.
Alane desconocía la distribución y demandó a la banda, ganando una indemnización de 50.000 dólares.
Los sencillos de “Mother's Milk” siguieron una temática artística similar.
La portada de "Knock Me Down" mostraba a la banda sin camisa, frente a una fotografía de un elefante en un entorno africano.
"Higher Ground" era similar en el sentido de que los cuatro miembros —cuyas fotografías fueron tomadas del video musical— estaban impresos frente a una gran imagen del rostro de Kiedis.
"Taste the Pain" mostraba a la banda junta con un fondo rojo y amarillo con el asterisco de los Chili Peppers junto a la tipografía.
Un sencillo promocional de 12 pulgadas titulado “For the Thrashers”, que contenía cuatro canciones del álbum, fue lanzado a las estaciones de radio para promocionar el entonces próximo álbum en las semanas previas a su lanzamiento.
El director Drew Carolan filmó un video promocional para "Good Time Boys" que fue lanzado en la colección “Hard 'n Heavy Vol. 2· de 1989.
El video, que nunca ha sido lanzado en otro lugar por la banda ni siquiera reconocido como un video oficial, mostraba a la banda interpretando la canción con escenas intercaladas de la banda siendo entrevistada hablando sobre el álbum y su sonido.
Carolan también fue contratado para filmar los videos musicales de los dos primeros sencillos del álbum, "Higher Ground" y "Knock Me Down", antes del lanzamiento de “Mother's Milk”.
La premisa inicial para "Higher Ground" era que el autor original de la canción, Stevie Wonder, se sentara en la posición de loto mientras los Chili Peppers bailaban a su alrededor; sin embargo, Wonder se negó a aparecer en el video.
Kiedis le dio total libertad creativa a Carolan con la condición de que "nos hiciera [a la banda] parecer como los Dioses del Funk".
Mientras que el video de "Higher Ground" pretendía ser alegre y exuberante, "Knock Me Down" se filmó para ser más conmovedor; Carolan recuerda: "Era una canción muy especial para la banda y necesitaba ser tratada con el máximo cuidado y respeto. Anthony y Flea solo querían que fuera realmente soul con un sentido de urgencia".
Los videos tardaron un día en completarse cada uno y se filmaron con presupuestos relativamente pequeños, pero el resultado, como señala Jeff Apter, "[Se] convirtió en elementos clave del éxito [del álbum]".
"Knock Me Down" es notable por contar con la aparición del actor Alex Winter, quien codirigiría el video del tercer sencillo de la banda, "Taste the Pain".
MTV introdujo los videos de la banda en su rotación diaria, destacando a la banda como emergente y "una a la que seguir".
Aunque tuvo más éxito comercial que los álbumes anteriores de la banda, “Mother's Milk” recibió críticas mixtas, ya que la excesiva distorsión presente en todo el disco no convenció a los críticos.
Sin embargo, también fue elogiado; Amy Hanson de AllMusic lo calificó como "un álbum fundamental para los Red Hot Chili Peppers" y opinó que "si alguien dudaba de la energía vibrante que emanaba del tema inicial, 'Good Time Boys', bastaban unos pocos compases de la audaz y brillante interpretación de los Red Hot Chili Peppers del clásico de Stevie Wonder, 'Higher Ground', para demostrar que esta nueva formación estaba en el camino correcto”.
“Concluyendo con el acertadamente titulado y auténticamente punk Punk Rock Classic y el enérgico tributo de la banda a Magic Johnson, Mother's Milk fue todo lo que la banda había esperado, y un poco más".
Steve Morse de The Boston Globe lo llamó una "fusión de alto octanaje de metal, funk y rap, algo así como Prince se encuentra con Jimi Hendrix en la Dimensión Desconocida", mientras que señaló que "Knock Me Down" combinaba una "música electrizante".
El Toronto Star comentó que los Red Hot Chili Peppers eran "los Mothers of Invention de la década de 1990".
En 2005, “Mother's Milk” fue clasificado en el puesto número 359 en el libro de la revista Rock Hard, "Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos".
Si bien Carly Darlin del Orange County Register consideró que el álbum era "una reafirmación enérgica y divertida de la actitud funk vertiginosa de RHCP", opinó que "con la excepción del instrumental onírico 'Pretty Little Ditty', no abre nuevos caminos".
Continuó diciendo que, en todo caso, "Mother's Milk es un ligero paso lejos de los ritmos funk festivos de los dos últimos álbumes y un regreso a las raíces punk-rock de la banda. Incluso retoman la versión de ' Fire ' de Jimi Hendrix, que grabaron como cara B de su sencillo de 12 pulgadas ' Fight Like A Brave ' hace dos años".
Además, Mark Jenkins de The Washington Post dijo que "el término educado para álbumes como 'Milk' es 'ecléctico', pero realmente suena como si la banda se estuviera desmoronando [...] Dadas las circunstancias, no es especialmente sorprendente que el álbum parezca estar buscando a alguien que le dé dirección".
Sin embargo, Jenkins sí creía que Frusciante poseía "sólidas habilidades metaleras y medios para demostrarlas".
El crítico de Village Voice, Robert Christgau, se burló de la capacidad de la banda para promover la empatía y consideró que la superposición de guitarras en “Mother's Milk” se había realizado incorrectamente: "punks que amaban a Hendrix y P-Funk desde hace mucho tiempo, finalmente están sacando provecho de su buen gusto, y aunque los incrédulos desmienten su sinceridad, la ejecución es el problema. No tenían las habilidades para lograrlo entonces, y al poner la guitarra en primer plano suenan aún más toscos ahora. Pero son tipos perfectamente agradables, en realidad; mencionan la 'compasión' en el primer verso".
Lanzado el 16 de agosto de 1989, “Mother's Milk” alcanzó el puesto número 52 en el Billboard 200 de EE. UU., y el número 32 en las listas de álbumes de Cash Box de EE. UU.
El disco no logró entrar en las listas del Reino Unido y Europa, pero subió al número 33 en Australia.
"Knock Me Down" llegó al número seis en las listas de Modern Rock Tracks de EE. UU., mientras que "Higher Ground" llegó al número once; sin embargo, este último resultó ser más exitoso, ya que influyó en las listas extranjeras en el número 54 en el Reino Unido y en el 45 en Australia y Francia.
Si bien "Taste the Pain" no entró en las listas de EE. UU., el sencillo llegó al número 26 en el Reino Unido, el primer sencillo del grupo en el Top 40 en la región.
El éxito que Red Hot Chili Peppers logró con “Mother's Milk” fue algo por lo que el grupo había estado trabajando desde el lanzamiento de su álbum debut; Apter señala: “Después de cinco años difíciles, varias salidas, despidos y una muerte trágica, los Peppers eran ahora mucho más que una sensación local”.
La banda había dado numerosos conciertos antes del lanzamiento del álbum y emitía canciones nuevas semanalmente para generar interés en él.
“Mother's Milk” fue certificado oro por la Recording Industry Association of America a finales de marzo de 1990 —ahora está certificado platino— y fue el primer álbum de los Chili Peppers en vender más de 500.000 unidades.
En 2003 el álbum fue reeditado a través de EMI; todas las pistas fueron completamente remasterizadas y se incluyeron seis canciones adicionales, así como notas manuscritas de Flea.
“Mother's Milk” atrajo instantáneamente más atención que los discos anteriores de la banda y, como tal, los lugares en los que la banda tocaba podían albergar multitudes mucho más grandes.
Por primera vez, la banda también mejoró a un autobús de gira completo y agregó músicos y cantantes de apoyo.
el viejo amigo, Keith "Tree" Barry, se unió para tocar los vientos y las cantantes de apoyo Kristen Vigard y Vicki Calhoun (que apareció en el video de "Knock Me Down") también se unieron a la gira.
Cuando la banda llegó a Inglaterra, el roadie Robbie Allen (apodado Rob Rule) abrió para la banda brindando una actuación cómica en la que fingía cortarse su propio pene.
Allen se convertiría más tarde en uno de los cantantes de apoyo de la banda en la gira “One Hot Minute”.
El lanzamiento oficial del álbum, sin embargo, se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York en un club llamado Tramps; posteriormente, Red Hot Chili Peppers emprendió una gira europea de presentación que incluyó un concierto gratuito en la Plaza Dam de Ámsterdam, al que asistieron más de 10.000 personas.
El 8 de septiembre de 1989, la banda inició su etapa norteamericana en Seattle.
Esta etapa recibió una respuesta abrumadoramente positiva de la crítica en todo el país; tras un concierto en Portland, el periodista John Foyston de The Oregonian señaló que “el cuarteto afincado en Hollywood provocó una reacción del público que había que ver para creer. Los lanzadores de público comenzaron a abalanzarse sobre el escenario desde el momento en que la banda subió. Una vez en el escenario, fue cuestión de suerte y descaro”.
Todd Caudle del periódico The Gazette de Colorado Springs dijo que la actuación de los Chili Peppers en el Colorado Indoor Sports Complex fue "el tipo de lugar donde los niños podían ser niños, y a nadie le importaba si los refrescos se pegaban al suelo y las vigas temblaban con una impresionante ráfaga de decibelios. La gente del público, empapada en sudor y apretada contra la barricada frente al escenario, levantó los brazos al unísono y gritó aprobación de una canción rápida y furiosa tras otra".
Al final de la etapa, los miembros de la banda tenían problemas para adaptarse a su nueva fama, ya que prácticamente todos los conciertos de la gira agotaron las entradas y “Mother's Milk” se acercaba a las 500.000 unidades vendidas.
Spin informó que, tras un concierto en Atlanta, Flea invitó a una mujer a su habitación de hotel para tener relaciones sexuales, pero se encerró en el baño al llegar porque solo podía pensar en su esposa e hija.
Kiedis terminó una relación de dos años con la actriz Ione Skye, y Frusciante, al recordar la gira años después, admitió: “Abusé totalmente de la situación [...] de fiesta y acostándome con un montón de chicas. A los 19 años, puede que pareciera un galán, pero por dentro era un debilucho. No estaba orgulloso de quien era entonces”.
Poco antes de finalizar la etapa norteamericana, la banda filmó una actuación en el Long Beach Arena, que se publicó como “Psychedelic Sexfunk Live from Heaven” en 1990.
Un concierto en el San Francisco Civic Auditorium en la víspera de Año Nuevo de 1989 atrajo a más de 10.000 asistentes y fue considerado por el fotógrafo de la banda, Tony Woolliscroft, como "el concierto más grande que les había visto dar hasta ese momento. Me dio una idea de lo mucho que la banda había trabajado en los Estados Unidos en los años anteriores".
La gira continuó en el Reino Unido, donde la banda recibía menos atención; Kiedis se quejó después de varios conciertos allí: "Somos muy famosos en Estados Unidos y es frustrante y confuso que nadie sepa quiénes somos aquí".
No fue hasta después de su regreso del Reino Unido que "Taste the Pain" se lanzó como sencillo y posteriormente alcanzó el puesto número veintinueve en las listas de éxitos.
En marzo de 1990, se les pidió a la banda que actuaran en la cobertura de MTV de las vacaciones de primavera en Florida.
En el evento, Flea y Smith intentaron interactuar con el público saltando del escenario; la situación se descontroló y se les acusó de agredir sexualmente y abusar verbalmente de una mujer del público.
Fueron arrestados varios días después por cargos de agresión, alteración del orden público e incitación a cometer un acto lascivo, pero fueron liberados bajo fianza de 2.000 dólares.
El arresto de Smith y Flea empeoró el cargo que Kiedis tenía pendiente en Virginia por la gira "Positive Mental Octopus".
Fue declarado culpable de agresión sexual y exhibicionismo y condenado a pagar una multa de 1.000 dólares por cada cargo.
Los Chili Peppers concluyeron la gira “Mother's Milk” con una variedad de presentaciones que incluyeron el Festival Pinkpop de 1990 y varios otros conciertos a gran escala.
Una vez finalizada, la banda descansó, y Frusciante y Flea organizaron un proyecto paralelo de corta duración llamado HATE con el vocalista de Fishbone, Angelo Moore, y el baterista de LA Guns, Nickey Alexander.
EMI capitalizó el reciente interés en los Chili Peppers lanzando una compilación de videos musicales en VHS llamada “Positive Mental Octopus”, que recibió el nombre de la gira, en 1990.
Ese mismo año, la banda también lanzó "Show Me Your Soul", una canción que originalmente era la cara B del sencillo "Knock Me Down", en la banda sonora de la exitosa película de comedia romántica “Pretty Woman”.
La canción fue un éxito menor para la banda y se hizo un video musical.
Por razones desconocidas, la banda también grabó una versión de la canción de Bachman-Turner Overdrive, "Takin' Care of Business", sin embargo, la canción nunca fue lanzada.
El 29 de enero de 2014, Chad Smith anunció que EMI planeaba lanzar una versión del álbum conmemorativa del 25 aniversario a finales de ese año, que incluiría material adicional.
En una entrevista de agosto de 2014 con Rolling Stone, Smith habló sobre el aniversario y el legado del álbum, comentando que una versión remasterizada aún estaba en desarrollo y que probablemente incluiría un concierto grabado en Cleveland, Ohio, en un disco extra.
Sin embargo, reconoció que muchas de las tomas descartadas del disco ya se habían publicado.
A partir de 2026 EMI aún no ha reeditado el álbum.
En 1990, tras el éxito de “Mother's Milk”, los Chili Peppers dejaron EMI y entraron en una guerra de ofertas entre grandes sellos discográficos.
Firmaron con Warner Bros. Records y contrataron a Rick Rubin, un productor que ya habían intentado contratar antes.
Rubin rechazó a la banda en 1987 debido a sus problemas con las drogas, pero consideró que ahora estaban más sanos y concentrados.
El proceso de composición fue más productivo que para “Mother's Milk”, y Kiedis dijo: "[Cada día] había música nueva para que yo escribiera letras".
Por sugerencia de Rubin, grabaron en The Mansion, un estudio en una casa en Laurel Canyon.
En septiembre de 1991, se lanzó “Blood Sugar Sex Magik” .
"Blood Sugar Sex Magik" es el quinto álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 24 de septiembre de 1991 por Warner Bros. Records.
Producido por Rick Rubin, su estilo musical difirió notablemente del álbum anterior de la banda, “Mother's Milk” (1989), reduciendo el uso de riffs de guitarra heavy metal y acentuando las contribuciones melódicas a la composición del guitarrista John Frusciante.
La temática del álbum incorpora insinuaciones sexuales y referencias a las drogas y la muerte, así como temas de lujuria y exuberancia.
El álbum “Blood Sugar Sex Magik” alcanzó el número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos y produjo los exitosos sencillos "Under the Bridge", "Give It Away", "Suck My Kiss", "Breaking the Girl" y "If You Have to Ask".
El álbum recibió elogios generalizados de la crítica y catapultó a la banda a la fama mundial.
Frusciante, muy incómodo con la fama, abandonó la banda durante su gira de 1992; se reincorporó en 1998.
“Blood Sugar Sex Magik” es ampliamente reconocido como un lanzamiento influyente y fundamental de la explosión del rock alternativo de la década de 1990, y ha sido nombrado por publicaciones como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, con Steve Huey de AllMusic llamándolo "probablemente el mejor álbum que los Chili Peppers jamás harán".
Flea compartió el mismo sentimiento en 2023, calificándolo como su álbum favorito de Red Hot Chili Peppers.
El álbum ha vendido más de 14 millones de unidades, convirtiéndose en el segundo álbum más vendido de la banda después de “Californication”.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 22
Flea (Tercera parte)
El álbum anterior de la banda, “Mother's Milk” de 1989, fue el segundo álbum de la banda en entrar en el Billboard 200, alcanzando el puesto número 52, el más alto de su carrera en ese momento.
Aunque el álbum tuvo cierto éxito, la banda se sintió insatisfecha con el productor Michael Beinhorn.
Él convenció a Frusciante de tocar con un tono de guitarra más pesado e instruyó a Anthony Kiedis para que escribiera letras más aptas para la radio, lo que provocó que la banda se sintiera limitada creativamente.
Al finalizar el contrato de la banda con EMI, comenzaron a buscar un nuevo sello discográfico.
El grupo llegó a un consenso para firmar con Epic, con la condición de que compraran su último álbum a EMI.
Aunque el sello prometió que solo tomaría unos días, el proceso se extendió durante varios meses.
Si bien se había llegado a un acuerdo con Epic, Mo Ostin de Warner Bros. Records llamó a Kiedis para felicitarlo por el éxito del acuerdo y elogió al sello rival.
Kiedis recordó la situación: "La persona más genial y auténtica que habíamos conocido durante todas estas negociaciones me acababa de llamar personalmente para animarme a hacer un gran disco para una compañía rival. Ese era el tipo de persona para la que me gustaría trabajar".
El grupo siguió adelante con la idea y finalmente rescindió el contrato con Epic a favor de un acuerdo con Warner Bros.
Ostin llamó a un viejo amigo en EMI, quien inmediatamente autorizó el cambio de sello.
Ya establecidos en Warner Bros. Records, los Chili Peppers comenzaron a buscar un productor adecuado.
Uno en particular, Rick Rubin, destacó, ya que era más abierto de mente que las personas con las que la banda había trabajado en el pasado, a pesar de que Rubin había rechazado la oportunidad de producir su álbum de 1987, “The Uplift Mofo Party Plan”, debido a los problemas de drogas de Kiedis y el guitarrista Hillel Slovak (quien murió de una sobredosis de heroína un año después).
A diferencia de los productores anteriores de los Peppers, Rubin era alguien en quien la banda confiaba para pedir orientación y sugerencias en momentos difíciles.
A menudo ayudaba a arreglar ritmos de batería, melodías de guitarra y letras.
La banda buscaba grabar el álbum en un entorno poco convencional, creyendo que mejoraría su producción creativa.
Rubin sugirió la mansión donde supuestamente vivió el mago Harry Houdini, a lo que accedieron.
Se contrató a un equipo para instalar un estudio de grabación y otros equipos necesarios para la producción en la casa de Los Ángeles.
Los Peppers decidieron permanecer dentro de la mansión durante la grabación, aunque, según Kiedis, Smith estaba convencido de que el lugar estaba embrujado y se negó a quedarse. En cambio, él venía cada día en motocicleta.
El propio Smith refuta esta versión y afirma que la verdadera razón por la que no se quedó en la mansión fue porque quería estar con su esposa.
Frusciante, sin embargo, no estuvo de acuerdo con Smith y dijo: "Definitivamente hay fantasmas en la casa", pero sentía que eran "muy amigables. Nosotros [la banda] solo tenemos buenas vibras y felicidad dondequiera que vamos en esta casa".
Frusciante, Kiedis y Flea tenían cada uno su propia habitación en la casa.
Cuando no grababan con la banda, Frusciante pasaba su tiempo pintando, escuchando música, leyendo y grabando canciones que había escrito.
Debido al aislamiento, Kiedis terminó grabando todas sus voces en su habitación, ya que era lo suficientemente grande como para albergar el equipo de grabación.
Durante más de 30 días, los Chili Peppers trabajaron dentro de la casa; Kiedis sintió que era un entorno acogedor y lleno de recursos que le permitió completar el resto de las letras.
Durante la producción, la banda acordó dejar que el cuñado de Flea documentara el proceso creativo en película.
Cuando la grabación del álbum estuvo completa, los Chili Peppers lanzaron la película, titulada “Funky Monks”.
“Blood Sugar Sex Magik” se escribió a un ritmo más rápido que el álbum anterior de la banda.
Antes de que los Chili Peppers se mudaran a la mansión, Frusciante y Kiedis colaboraron en las casas del otro para arreglar las estructuras de las canciones y los riffs de guitarra.
Luego presentaron ideas a Flea y Smith; en conjunto, decidieron qué usarían para los conjuntos de bajo, guitarra, voz y percusión.
Kiedis se centró líricamente en referencias e insinuaciones sexuales, ya que frecuentemente estaban en su mente.
Canciones como "Suck My Kiss", "If You Have to Ask", "Sir Psycho Sexy", "Give It Away" y "Blood Sugar Sex Magik" contenían vínculos sexuales, con letras como "Un estado de luz sexual / Besando su virginidad / Mi afinidad" y "Gloriosa euforia / Es mi deber / Choque erótico / Es una función de la lujuria".
El concepto detrás de "The Greeting Song" fue una petición que Rubin había hecho.
Rubin le pidió a Kiedis que escribiera una canción únicamente sobre chicas y coches.
Aunque a Kiedis no le gustó el concepto, escribió la canción como Rubin le pidió y terminó disgustándole casi todos los aspectos de la letra.
Kiedis también comenzó a escribir canciones sobre la angustia y los pensamientos automutilantes que experimentaba debido a su adicción a la heroína y la cocaína; creía que su vida había tocado fondo bajo un puente en el centro de Los Ángeles.
Más de un mes después, Rubin se topó con un poema que finalmente se convirtió en la letra de "Under the Bridge".
También le sugirió a Kiedis que se lo mostrara a los demás miembros de la banda. Sin embargo, Kiedis se mostró reticente porque pensó que la letra era "demasiado suave" y diferente del estilo de la banda.
Después de cantarle el verso a Frusciante y Smith, la banda comenzó a trabajar en la estructura de la canción al día siguiente.
Tanto Rubin como Kiedis trabajaron varias horas en arreglar los acordes y las melodías de la canción hasta que ambos la aceptaron como completa.
Frusciante finalmente eligió los acordes que tocó en la introducción para que pudieran equilibrar la atmósfera deprimente de la canción: "mi cerebro la interpretó como una canción realmente triste, así que pensé que, si la letra es tan triste, debería escribir algunos acordes que sean más alegres".
"Naked in the Rain" fue una de las primeras canciones que la banda escribió para el álbum.
Los Red Hot Chili Peppers incluso la tocaron una vez al final de la gira “Mother's Milk Tour” en 1990, mientras que las introducciones de "The Greeting Song" y "Sir Psycho Sexy" también se insinuaron al final de esa gira; sin embargo, ninguna de las dos canciones se completó ni tenía letra.
“Blood Sugar Sex Magik” integró el estilo punk y funk típico de la banda, pero se alejó de eso con canciones más melódicas.
Canciones como "The Righteous and the Wicked", "Suck My Kiss", "Blood Sugar Sex Magik", "Give It Away" y "Funky Monks" todavía incorporaban el uso de riffs de guitarra de heavy metal, pero se diferenciaban de “Mother's Milk” ya que contenían menos distorsión.
Flea redujo su uso de la técnica de slapping enfatizada en álbumes anteriores, en cambio favoreciendo líneas de bajo más tradicionales y melódicas.
Incluso adoptó una filosofía minimalista, "menos es más", diciendo: "Intenté tocar de forma sencilla en Blood Sugar Sex Magik porque antes había estado tocando demasiado, así que pensé: 'Realmente tengo que relajarme y tocar la mitad de notas'. Cuando tocas menos, es más emocionante: hay más espacio para todo. Si toco algo complejo, destaca, en lugar de que el bajo sea un ataque constante de notas. El espacio es bueno".
Kiedis pensó que el álbum había expandido los horizontes musicales de los Red Hot Chili Peppers y sirvió como una ruptura con su material anterior.
Una de las canciones más melódicas de “Blood Sugar Sex Magik”, "Breaking the Girl", fue escrita sobre las relaciones en constante cambio de Kiedis.
Temía estar siguiendo los pasos de su padre y convertirse simplemente en un mujeriego, en lugar de establecer relaciones estables y duraderas: "Por muy emocionante y temporalmente gratificante que pueda ser esta constante afluencia de chicas interesantes y guapas, al final del día, esa mierda es solitaria y te quedas sin nada".
La canción también incluía un puente en el medio, compuesto por instrumentos de percusión rescatados de un basurero.
Aunque las improvisaciones siempre habían sido un aspecto integral de la creación de canciones para los Chili Peppers, “Blood Sugar Sex Magik” presentó canciones con más estructura.
Una improvisación específica dio origen a la canción revelación del álbum: Frusciante, Flea y Smith estaban tocando juntos —con Kiedis observando desde otra parte de la sala— cuando "Flea comenzó a tocar esta línea de bajo increíble, y Chad se echó a reír y se unió ... Siempre tenía fragmentos de ideas para canciones o incluso frases aisladas específicas en mi mente. Yo ( Kiedis ) tomé el micrófono y grité 'Give it away, give it away, give it away, give it away now'".
La filosofía detrás de la letra surgió de una conversación que Kiedis tuvo con Nina Hagen, sobre el altruismo y la insignificancia de las posesiones materiales en su vida. Esta fue la inspiración para la canción "Give It Away".
También recordó al fallecido guitarrista de los Chili Peppers, Hillel Slovak, componiendo "My Lovely Man" en su memoria.
Kiedis escribió "Sir Psycho Sexy" como una versión exagerada y llena de celo de sí mismo; una figura que podía conseguir a cualquier mujer y hacerle lo que quisiera.
"The Power of Equalit" abordó temas relacionados con la igualdad racial, el prejuicio y el sexismo.
Kiedis escribió "I Could Have Lied" para documentar la breve relación que tuvo con la cantante irlandesa Sinéad O'Connor.
Alrededor de 25 canciones fueron escritas y grabadas durante las sesiones de “Blood Sugar Sex Magik”, de las cuales 17 llegaron a la versión final del álbum.
Los sencillos del álbum contenían cuatro tomas descartadas de las sesiones como caras B.
Entre ellas estaban la instrumental "Fela's Cock", una versión de "Search and Destroy" de The Stooges y "Sikamikanico" (que también aparecería en la banda sonora de “Wayne's World” en 1992).
El 3 de octubre de 2019, "Sikamikanico" se interpretó por primera vez a petición del guitarrista Josh Klinghoffer por su 40 cumpleaños.
La toma descartada más notable fue "Soul to Squeeze", una canción que eventualmente se convertiría en un sencillo de éxito en 1993 cuando se lanzó en la banda sonora de “Coneheads” y también se incluyó en el álbum de grandes éxitos de la banda de 2003.
“Little Miss Lover” y “Castles Made of Sand” (una canción que la banda había estado interpretando en vivo durante algunos años), dos versiones de canciones de Jimi Hendrix, finalmente se lanzarían en 2006 como pistas adicionales de iTunes.
Una canción desconocida apareció en el documental de VH1 “Blood Sugar Sex Magik, Ultimate Albums.
Una mezcla preliminar del álbum apareció en Internet y contiene algunas versiones alternativas de las canciones grabadas durante las sesiones del álbum.
En el folleto que acompaña al álbum aparece un collage fotográfico con varios tatuajes de los miembros de la banda.
Todas las fotografías, pinturas y la dirección artística de “Blood Sugar Sex Magik” se atribuyeron al cineasta Gus Van Sant, con la excepción de la "ilustración de la lengua", que, según el folleto del álbum, se atribuye a Hanky Panky (Henk Schiffmacher).
La portada del álbum muestra los rostros de los cuatro miembros de la banda alrededor de una rosa, con enredaderas espinosas en blanco y negro que salen de sus bocas abiertas y convergen en la rosa.
Las letras están impresas en letras blancas sobre un fondo negro, escritas a mano por Kiedis.
El folleto también contiene un collage de fotos que muestran los diversos tatuajes de los miembros de la banda, que incluyen rostros de líderes tribales nativos americanos, animales y criaturas marinas, así como varios símbolos y frases.
También se incluyen fotografías de cada miembro de la banda por separado y dos fotografías de la banda en conjunto.
Los sencillos lanzados para coincidir con el álbum comparten poco con el arte de “Blood Sugar Sex Magik”.
La portada de "Give It Away" era una pintura de un bebé chino, rodeado de peces, verduras, frutas y sushi; "Under the Bridge" es una fotografía de un puente en la ciudad de Los Ángeles; "Suck My Kiss" tenía una fotografía en blanco y negro de la banda, con Kiedis y Flea sosteniendo un pez grande; "If You Have to Ask" es una ilustración de un aguacate junto a las grandes nalgas de una chica en un bikini amarillo; y "Breaking the Girl" presentaba una pintura de un ser humano cubierto de magma.
“Blood Sugar Sex Magik” fue dedicada al músico Mike Watt de las bandas Minutemen y fIREHOSE, en agradecimiento por su amistad e inspiración musical para la banda.
“Blood Sugar Sex Magik” se lanzó el 24 de septiembre de 1991, el mismo día que el álbum revelación de Nirvana, “Nevermind”.
Fue certificado oro el 26 de noviembre de 1991 y platino el 1 de abril de 1992; desde entonces ha sido siete veces platino en Estados Unidos.
El álbum alcanzó el puesto número 3 en el Billboard 200.
Originalmente, "Give It Away" no tuvo buena acogida en el mercado general; una de las emisoras de radio objetivo de Warner Bros. se negó a emitirla, diciéndole a la banda que "volvieran cuando tuvieran una melodía en su canción".
Sin embargo, KROQ (de Los Ángeles) comenzó a reproducir el sencillo varias veces al día, y eso, según Kiedis, "fue el comienzo de la difusión de 'Give It Away' en la conciencia colectiva".
El sencillo finalmente alcanzó el puesto número 9 en el Top 40 del Reino Unido y el número 73 en el Billboard Hot 100.
“Blood Sugar Sex Magik” ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo.
Debido al éxito de "Give It Away", la banda no previó que "Under the Bridge" sería igual de viable.
Warner Bros. envió representantes a un concierto de los Chili Peppers para determinar cuál sería el siguiente sencillo.
Cuando Frusciante comenzó a tocar "Under the Bridge", Kiedis perdió su entrada; en su lugar, todo el público comenzó a cantar la canción.
Kiedis inicialmente se sintió "mortificado por haberla cagado delante de la gente de Warner ... Me disculpé por haberla cagado, pero me dijeron: '¿Cometer la cagada? ¿Estás bromeando? Cuando todos los chicos del concierto canten una canción, ese será nuestro próximo sencillo'“.
Por lo tanto, "Under the Bridge" fue seleccionada como el segundo sencillo de “Blood Sugar Sex Magik”.
En enero de 1992, "Under the Bridge" se convirtió en un éxito rotundo, alcanzando el número 2 en el Billboard Hot 100.
Para promocionar el álbum en Europa, Kiedis y Frusciante acordaron hacer el viaje.
Sin embargo, a Frusciante le resultó difícil adaptarse a la vida fuera de la mansión, después de haber estado prácticamente aislado durante casi 30 días.
Kiedis recordó la situación: “Tuvo tal desbordamiento de creatividad mientras hacíamos ese álbum que creo que realmente no sabía cómo vivir la vida en consonancia con esa creatividad”.
También fue durante este período cuando Frusciante comenzó a experimentar con heroína, lo que comprometió aún más su estabilidad mental.
La gira promocional europea pasó factura a Frusciante, y decidió regresar a casa cuando él y Kiedis llegaron a Londres.
“Blood Sugar Sex Magik” recibió elogios generalizados de la crítica.
Tom Moon, de Rolling Stone, atribuyó a Rick Rubin el cambio de estilo; Rubin "[le dio] la dinámica a los Chilis".
Continuó elogiando el sonido general, que "mostraba una creciente curiosidad por la textura y los matices del estudio".
El crítico de NME, Steven Wells, encontró que la "fría precisión" de Rubin era evidente en lo que Wells consideró "un clásico bastardo balbuceante y divagante de 17 pistas" que presentaba "una fusión clínica pero retorcida de vanguardia de funk, rap y raspaduras de metal".
Steve Huey de AllMusic dijo que el álbum era "el mejor álbum de los Red Hot Chili Peppers ... La guitarra de John Frusciante es menos ruidosa y abrumadora, dejando espacio para diferentes texturas y líneas más claras, mientras que la banda en general está más enfocada y menos indulgente".
Consideró que “Blood Sugar” era "variable ... expande el rango musical y emocional del grupo".
La revista Guitar Player le atribuyó a Frusciante el drástico cambio de estilo de los Chili Peppers: "al mezclar acid-rock, soul-funk, art-rock temprano y estilo blues con un tono crudo y sin procesar de Strat y Marshall, [Frusciante] dio con una fórmula explosiva que aún no se ha duplicado".
Devon Powers de PopMatters dijo que "en un solo golpe funky, jodido y diabólico, Blood Sugar Sex Magik reconfiguró mi relación con la música, conmigo mismo, con mi cultura e identidad, con mi raza y clase".
En un artículo publicado en The Tampa Tribune, el editor Philip Booth elogió el disco como "un esfuerzo ambicioso que equivale a la culminación y el florecimiento de las fuerzas musicales que han estado gestándose en el sonido de la banda desde que Kiedis y Flea la fundaron en 1983".
Robert Christgau le dio una mención honorífica en su guía de consumo de Village Voice, nombrando "Give It Away" y "Breaking the Girl" como temas destacados mientras escribía "han crecido, han aprendido a escribir, tienen derecho a ser místicos del sexo".
El crítico del Chicago Sun-Times, Michael Corcoran, fue más reservado en sus elogios, calificando el disco de "genial" solo en ocasiones, mientras que consideró excesiva la duración del álbum.
“Blood Sugar Sex Magik” es considerado un álbum influyente, a lo largo de los noventa, por establecerse como una base fundamental para el rock alternativo.
También ha sido denominado "el álbum piedra angular del funk rock" por FasterLouder.
"Under the Bridge", que se convirtió en una canción revelación para la banda, fue considerada por varios críticos como uno de los puntos culminantes del álbum.
AllMusic reseñó la canción individualmente y la calificó como un "sentimiento conmovedor ... es evidente por sí mismo entre la guitarra simple que acuna el verso introductorio, y la sensación de fragilidad que se duplica solo por el crescendo coral aún lento", y en última instancia "se ha convertido en una parte integral del panorama alternativo de la década de 1990, y sigue siendo uno de los diamantes más puros que brillan entre los abismos funk toscamente tallados y ricos que dominan la propia obra de los Peppers".
Sin embargo, Entertainment Weekly criticó la seriedad que los Red Hot Chili Peppers exploraron como una "desaprobación de las habituales payasadas de la banda Red Hot", y "Under the Bridge" tenía "toques sofisticados".
La canción terminó alcanzando el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 en abril de 1992.
"Give It Away" también fue elogiada, aunque como "... una mezcla de libre asociación de vibraciones positivas, homenajes a héroes musicales y amor libre", con Frusciante "añadiendo los dos cambios más impredecibles de la canción: un contraste repentino con la hiperactividad de Kiedis en forma de un solo lánguido pregrabado y doblado al revés sobre la pista rítmica, y un riff de hard rock que no se introduce hasta el final de la canción".
Sin embargo, temas como "Sir Psycho Sexy" fueron criticados por ser demasiado explícitos.
Devon Powters de PopMatters dijo que "Ocho minutos de 'Sir Psycho Sexy' convertirán a los jóvenes oyentes de RHCP en masas temblorosas de gelatina hormonal. Frases hipersexualizadas se cuelan en 'Apache Rose Peacock'; 'Blood Sugar Sex Magik', simplemente, suena a sexo. Incluso el virgen más puro sale de 'Blood Sugar Sex Magik' con cierto grado de madurez sexual; incluso el ligón más astuto puede aprender un par de movimientos nuevos".
Por el contrario, "Suck My Kiss", según Amy Hanson de AllMusic, "desafió por completo la jerarquía establecida del rock alternativo".
Con la canción, los Chili Peppers "se aliaron plenamente con las pocas bandas que rompían con los géneros y que lograron tener un impacto radical en el panorama sonoro que, al parecer, estaba dominado desde todos los ángulos por el grunge".
Antes de que comenzara la gira “Blood Sugar Sex Magik Tour”, Kiedis vio el video musical de "Rhinoceros" de Smashing Pumpkins en MTV. Llamó a su mánager y les pidió que se unieran a la gira.
Smashing Pumpkins aceptó y, varios días después, el ex baterista de los Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, llamó y les pidió que permitieran que el nuevo grupo de su amigo, Pearl Jam, también abriera sus conciertos.
El primer concierto tras el lanzamiento de “Blood Sugar Sex Magik” tuvo lugar en el Oscar Mayer Theater de Madison, Wisconsin, que recibió reacciones positivas del Milwaukee Journal: "El público era una masa arremolinada de vasos, cubitos de hielo, zapatos, camisetas, bailarines de pogo, personas que se pasaban el cuerpo y se lanzaban desde el escenario. Y no era un club exclusivamente masculino en el pogo: muchas mujeres se unieron al caos, desnudándose hasta quedarse en sujetador y moviéndose frenéticamente mientras la banda interpretaba 'Higher Ground', 'Suck My Kiss' y 'Give it Away', a la que Frusciante le dio un toque gótico añadiendo un riff de 'Sweet Leaf' de Black Sabbath".
“Blood Sugar Sex Magik” comenzó a tener mucha difusión en la radio y a venderse masivamente en medio de su gira por Estados Unidos.
Frusciante, que quería que los Chili Peppers permanecieran en la escena musical underground, entró en un estado de negación y depresión.
Según Kiedis, "Comenzó a perder todos los aspectos maníacos, alegres y divertidos de su personalidad. Incluso en el escenario, había una energía mucho más seria a su alrededor".
Frusciante comenzó a guardar rencor contra sus compañeros de banda; consideraba la nueva popularidad de la banda como algo vergonzoso.
La tensión en el escenario comenzó a crecer entre Kiedis y Frusciante.
Kiedis recordó una discusión después de un concierto en Nueva Orleans: "Teníamos la sala llena y John simplemente se quedó en la esquina, apenas tocando su guitarra. Salimos del escenario y John y yo discutimos".
Con los Peppers ahora tocando en estadios en lugar de teatros, los promotores decidieron que Pearl Jam debía ser reemplazado por un grupo más exitoso.
Kiedis contactó al baterista de Nirvana, Dave Grohl, quien aceptó una oferta para que Nirvana reemplazara a Pearl Jam.
Sin embargo, Billy Corgan de los Smashing Pumpkins se negó a tocar con Nirvana ya que una vez salió con la esposa del líder Kurt Cobain, Courtney Love.
Por lo tanto, los Pumpkins fueron reemplazados por Pearl Jam.
Su primer concierto con Nirvana fue en el LA Sports Arena.
Kiedis describió la actuación de Nirvana como "energía pura; su musicalidad, su selección de canciones, eran como una motosierra cortando la noche".
Cuando los Red Hot Chili Peppers terminaron la gira con Nirvana, viajaron a Europa, donde Frusciante, necesitado de alguien con quien conectar, llevó consigo a su novia Toni Oswald.
Kiedis dijo que "John había roto nuestra regla no escrita de no llevar esposas ni novias de gira".
Interrumpiendo brevemente la gira europea, los Chili Peppers volaron a la ciudad de Nueva York y actuaron en un episodio de Saturday Night Live.
Tocaron "Under the Bridge" como segunda canción; una actuación que Kiedis sintió que fue saboteada por Frusciante: “Frusciante estaba experimentando como lo habría hecho si hubiéramos estado ensayando la melodía. Pero no era el caso. Estábamos en directo por televisión, frente a millones de personas, y fue una tortura. Empecé a cantar en lo que creía que era la tonalidad en la que él tocaba. Me sentía como si me apuñalaran por la espalda y me dejaran tirado delante de todo Estados Unidos, mientras este tipo estaba en un rincón, en la sombra, haciendo un experimento disonante y desafinado”.
La banda se tomó un descanso de dos semanas entre las etapas europea y japonesa de la gira, que comenzó en mayo de 1992.
Minutos antes de que los Chili Peppers actuaran en Tokio, Frusciante se negó a subir al escenario, diciendo que había renunciado.
Después de media hora de persuasión, Frusciante accedió a tocar, aunque dijo que sería el último.
Kiedis recordó la situación: "Fue el concierto más horrible de la historia. Cada nota, cada palabra, dolía, sabiendo que ya no éramos una banda. No dejaba de mirar a John y ver esa estatua muerta de desdén ... Y esa noche, John desapareció del mundo al revés de los Red Hot Chili Peppers".
Los Chili Peppers contactaron a Dave Navarro para reemplazar a Frusciante.
Navarro acababa de separarse de Jane's Addiction, pero también estaba involucrado en problemas de drogas.
Después de audiciones fallidas con Zander Schloss, contrataron a Arik Marshall de la banda de Los Ángeles Marshall Law, y encabezaron el festival Lollapalooza en 1992.
Frusciante fue despedido al final de la gira.
Hasta la fecha, las canciones del álbum siguen siendo las más interpretadas de cualquier álbum del catálogo de la banda.
"Give it Away" es la canción más interpretada de la banda con más de 1000 veces desde 1991.
"Blood Sugar Sex Magik", "I Could Have Lied", "If You Have to Ask", "Sir Psycho Sexy", "Suck My Kiss" y "They're Red Hot" también se interpretan con frecuencia.
Las únicas canciones del álbum que nunca se han interpretado completas son "Mellowship Slinky in B Major" y "The Righteous & the Wicked".
"Apache Rose Peacock" se ha interpretado parcialmente 3 veces, mientras que "The Greeting Song" también se ha interpretado parcialmente o se ha insinuado algunas veces.
"Funky Monks" se interpretó por primera vez en 1991 y no volvió a tocarse hasta 2006, cuando la interpretaron dos veces.
"Naked in the Rain" fue una de las primeras canciones del álbum en interpretarse en vivo. Se interpretó únicamente el 31 de diciembre de 1990 y una vez más en noviembre de 1991.
A pesar de ser uno de los sencillos del álbum, "Breaking the Girl" solo se ha interpretado 22 veces, siendo su última interpretación en 2019 con el guitarrista Josh Klinghoffe; con John Frusciante, se interpretó un total de 10 veces.
"My Lovely Man" se interpretó muchas veces entre 1991 y 2004.
“Blood Sugar Sex Magik” se colocó en la cima de muchas listas de "Lo mejor de", especialmente las relacionadas con los años 90.
La revista Spin clasificó el álbum en el número 58 en su lista de "Los 90 mejores álbumes de los 90", y Pause and Play lo clasificó en el número 11 en una lista similar.
En un artículo de 2021 que enumera "Los mejores álbumes de 1991" del personal de la revista Paste, “Blood Sugar Sex Magik” ocupó el puesto número 15 en la lista.
El disco también fue incluido en la lista de Guitarist Magazine de "101 álbumes esenciales de guitarra"; y en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".
En 2003, Rolling Stone clasificó a “Blood Sugar Sex Magik” en el puesto número 310 de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos".
Mantuvo la posición en la lista revisada de 2012, y luego ascendió al puesto número 186 en la lista revisada de 2020.
Marshall apareció en los videos musicales de "Breaking the Girl" y "If You Have to Ask", así como en el episodio de Los Simpson "Krusty Gets Kancelled".
En septiembre de 1992, los Chili Peppers interpretaron "Give It Away" en los MTV Video Music Awards.
Fueron nominados a siete premios, ganando tres, incluyendo el "Premio del Público".
En febrero de 1993, interpretaron "Give It Away" en los Premios Grammy, y la canción le valió a la banda su primer Grammy, “Mejor Interpretación de Hard Rock con Voz”.
Los Chili Peppers despidieron a Marshall y realizaron audiciones para un nuevo guitarrista, incluyendo a Brian Patrick Carroll “Buckethead”, a quien Flea consideró que no era adecuado para la banda.
Jesse Tobias de la banda de Los Ángeles Mother Tongue fue contratado brevemente, pero despedido debido a la mala química.
Sin embargo, Navarro dijo que ahora estaba listo para unirse a la banda.
Navarro apareció por primera vez con los Chili Peppers en Woodstock '94, interpretando versiones tempranas de nuevas canciones.
A esto le siguió una breve gira, que incluyó presentaciones como cabeza de cartel en los festivales Pukkelpop y Reading y dos presentaciones como telonero de los Rolling Stones.
La relación entre Navarro y la banda comenzó a deteriorarse; Navarro admitió que no le gustaba la música funk ni las improvisaciones.
Kiedis había recaído en la adicción a la heroína después de un procedimiento dental en el que se utilizó un sedante adictivo, Valium, aunque la banda no lo descubrió hasta más tarde.
Sin Frusciante, las canciones se escribían a un ritmo mucho más lento.
Kiedis dijo: "John había sido una verdadera anomalía en lo que respecta a la composición... Yo simplemente pensaba que así eran todos los guitarristas, que les mostrabas tus letras, cantabas un poco y, de pronto, tenías una canción. Eso no sucedió de inmediato con Dave".
“One Hot Minute” se lanzó en septiembre de 1995 después de varios retrasos.
Se apartó del sonido anterior de los Chili Peppers, con el trabajo de guitarra de Navarro incorporando riffs de heavy metal y rock psicodélico.
La banda lo describió como un disco más oscuro y triste.
Las letras de Kiedis abordaban las drogas, incluyendo el sencillo principal, "Warped", y las relaciones rotas y las muertes de seres queridos, incluyendo "Tearjerker", escrita sobre Kurt Cobain y "Transcending" sobre River Phoenix.
Aunque recibió críticas mixtas, el álbum vendió ocho millones de copias en todo el mundo.
La banda también contribuyó a bandas sonoras como “Working Class Hero: A Tribute to John Lennon” y “Beavis and Butt-Head Do America”.
Flea y Navarro tocaron en el sencillo de Alanis Morissette "You Oughta Know".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Flea (Tercera parte)
El álbum anterior de la banda, “Mother's Milk” de 1989, fue el segundo álbum de la banda en entrar en el Billboard 200, alcanzando el puesto número 52, el más alto de su carrera en ese momento.
Aunque el álbum tuvo cierto éxito, la banda se sintió insatisfecha con el productor Michael Beinhorn.
Él convenció a Frusciante de tocar con un tono de guitarra más pesado e instruyó a Anthony Kiedis para que escribiera letras más aptas para la radio, lo que provocó que la banda se sintiera limitada creativamente.
Al finalizar el contrato de la banda con EMI, comenzaron a buscar un nuevo sello discográfico.
El grupo llegó a un consenso para firmar con Epic, con la condición de que compraran su último álbum a EMI.
Aunque el sello prometió que solo tomaría unos días, el proceso se extendió durante varios meses.
Si bien se había llegado a un acuerdo con Epic, Mo Ostin de Warner Bros. Records llamó a Kiedis para felicitarlo por el éxito del acuerdo y elogió al sello rival.
Kiedis recordó la situación: "La persona más genial y auténtica que habíamos conocido durante todas estas negociaciones me acababa de llamar personalmente para animarme a hacer un gran disco para una compañía rival. Ese era el tipo de persona para la que me gustaría trabajar".
El grupo siguió adelante con la idea y finalmente rescindió el contrato con Epic a favor de un acuerdo con Warner Bros.
Ostin llamó a un viejo amigo en EMI, quien inmediatamente autorizó el cambio de sello.
Ya establecidos en Warner Bros. Records, los Chili Peppers comenzaron a buscar un productor adecuado.
Uno en particular, Rick Rubin, destacó, ya que era más abierto de mente que las personas con las que la banda había trabajado en el pasado, a pesar de que Rubin había rechazado la oportunidad de producir su álbum de 1987, “The Uplift Mofo Party Plan”, debido a los problemas de drogas de Kiedis y el guitarrista Hillel Slovak (quien murió de una sobredosis de heroína un año después).
A diferencia de los productores anteriores de los Peppers, Rubin era alguien en quien la banda confiaba para pedir orientación y sugerencias en momentos difíciles.
A menudo ayudaba a arreglar ritmos de batería, melodías de guitarra y letras.
La banda buscaba grabar el álbum en un entorno poco convencional, creyendo que mejoraría su producción creativa.
Rubin sugirió la mansión donde supuestamente vivió el mago Harry Houdini, a lo que accedieron.
Se contrató a un equipo para instalar un estudio de grabación y otros equipos necesarios para la producción en la casa de Los Ángeles.
Los Peppers decidieron permanecer dentro de la mansión durante la grabación, aunque, según Kiedis, Smith estaba convencido de que el lugar estaba embrujado y se negó a quedarse. En cambio, él venía cada día en motocicleta.
El propio Smith refuta esta versión y afirma que la verdadera razón por la que no se quedó en la mansión fue porque quería estar con su esposa.
Frusciante, sin embargo, no estuvo de acuerdo con Smith y dijo: "Definitivamente hay fantasmas en la casa", pero sentía que eran "muy amigables. Nosotros [la banda] solo tenemos buenas vibras y felicidad dondequiera que vamos en esta casa".
Frusciante, Kiedis y Flea tenían cada uno su propia habitación en la casa.
Cuando no grababan con la banda, Frusciante pasaba su tiempo pintando, escuchando música, leyendo y grabando canciones que había escrito.
Debido al aislamiento, Kiedis terminó grabando todas sus voces en su habitación, ya que era lo suficientemente grande como para albergar el equipo de grabación.
Durante más de 30 días, los Chili Peppers trabajaron dentro de la casa; Kiedis sintió que era un entorno acogedor y lleno de recursos que le permitió completar el resto de las letras.
Durante la producción, la banda acordó dejar que el cuñado de Flea documentara el proceso creativo en película.
Cuando la grabación del álbum estuvo completa, los Chili Peppers lanzaron la película, titulada “Funky Monks”.
“Blood Sugar Sex Magik” se escribió a un ritmo más rápido que el álbum anterior de la banda.
Antes de que los Chili Peppers se mudaran a la mansión, Frusciante y Kiedis colaboraron en las casas del otro para arreglar las estructuras de las canciones y los riffs de guitarra.
Luego presentaron ideas a Flea y Smith; en conjunto, decidieron qué usarían para los conjuntos de bajo, guitarra, voz y percusión.
Kiedis se centró líricamente en referencias e insinuaciones sexuales, ya que frecuentemente estaban en su mente.
Canciones como "Suck My Kiss", "If You Have to Ask", "Sir Psycho Sexy", "Give It Away" y "Blood Sugar Sex Magik" contenían vínculos sexuales, con letras como "Un estado de luz sexual / Besando su virginidad / Mi afinidad" y "Gloriosa euforia / Es mi deber / Choque erótico / Es una función de la lujuria".
El concepto detrás de "The Greeting Song" fue una petición que Rubin había hecho.
Rubin le pidió a Kiedis que escribiera una canción únicamente sobre chicas y coches.
Aunque a Kiedis no le gustó el concepto, escribió la canción como Rubin le pidió y terminó disgustándole casi todos los aspectos de la letra.
Kiedis también comenzó a escribir canciones sobre la angustia y los pensamientos automutilantes que experimentaba debido a su adicción a la heroína y la cocaína; creía que su vida había tocado fondo bajo un puente en el centro de Los Ángeles.
Más de un mes después, Rubin se topó con un poema que finalmente se convirtió en la letra de "Under the Bridge".
También le sugirió a Kiedis que se lo mostrara a los demás miembros de la banda. Sin embargo, Kiedis se mostró reticente porque pensó que la letra era "demasiado suave" y diferente del estilo de la banda.
Después de cantarle el verso a Frusciante y Smith, la banda comenzó a trabajar en la estructura de la canción al día siguiente.
Tanto Rubin como Kiedis trabajaron varias horas en arreglar los acordes y las melodías de la canción hasta que ambos la aceptaron como completa.
Frusciante finalmente eligió los acordes que tocó en la introducción para que pudieran equilibrar la atmósfera deprimente de la canción: "mi cerebro la interpretó como una canción realmente triste, así que pensé que, si la letra es tan triste, debería escribir algunos acordes que sean más alegres".
"Naked in the Rain" fue una de las primeras canciones que la banda escribió para el álbum.
Los Red Hot Chili Peppers incluso la tocaron una vez al final de la gira “Mother's Milk Tour” en 1990, mientras que las introducciones de "The Greeting Song" y "Sir Psycho Sexy" también se insinuaron al final de esa gira; sin embargo, ninguna de las dos canciones se completó ni tenía letra.
“Blood Sugar Sex Magik” integró el estilo punk y funk típico de la banda, pero se alejó de eso con canciones más melódicas.
Canciones como "The Righteous and the Wicked", "Suck My Kiss", "Blood Sugar Sex Magik", "Give It Away" y "Funky Monks" todavía incorporaban el uso de riffs de guitarra de heavy metal, pero se diferenciaban de “Mother's Milk” ya que contenían menos distorsión.
Flea redujo su uso de la técnica de slapping enfatizada en álbumes anteriores, en cambio favoreciendo líneas de bajo más tradicionales y melódicas.
Incluso adoptó una filosofía minimalista, "menos es más", diciendo: "Intenté tocar de forma sencilla en Blood Sugar Sex Magik porque antes había estado tocando demasiado, así que pensé: 'Realmente tengo que relajarme y tocar la mitad de notas'. Cuando tocas menos, es más emocionante: hay más espacio para todo. Si toco algo complejo, destaca, en lugar de que el bajo sea un ataque constante de notas. El espacio es bueno".
Kiedis pensó que el álbum había expandido los horizontes musicales de los Red Hot Chili Peppers y sirvió como una ruptura con su material anterior.
Una de las canciones más melódicas de “Blood Sugar Sex Magik”, "Breaking the Girl", fue escrita sobre las relaciones en constante cambio de Kiedis.
Temía estar siguiendo los pasos de su padre y convertirse simplemente en un mujeriego, en lugar de establecer relaciones estables y duraderas: "Por muy emocionante y temporalmente gratificante que pueda ser esta constante afluencia de chicas interesantes y guapas, al final del día, esa mierda es solitaria y te quedas sin nada".
La canción también incluía un puente en el medio, compuesto por instrumentos de percusión rescatados de un basurero.
Aunque las improvisaciones siempre habían sido un aspecto integral de la creación de canciones para los Chili Peppers, “Blood Sugar Sex Magik” presentó canciones con más estructura.
Una improvisación específica dio origen a la canción revelación del álbum: Frusciante, Flea y Smith estaban tocando juntos —con Kiedis observando desde otra parte de la sala— cuando "Flea comenzó a tocar esta línea de bajo increíble, y Chad se echó a reír y se unió ... Siempre tenía fragmentos de ideas para canciones o incluso frases aisladas específicas en mi mente. Yo ( Kiedis ) tomé el micrófono y grité 'Give it away, give it away, give it away, give it away now'".
La filosofía detrás de la letra surgió de una conversación que Kiedis tuvo con Nina Hagen, sobre el altruismo y la insignificancia de las posesiones materiales en su vida. Esta fue la inspiración para la canción "Give It Away".
También recordó al fallecido guitarrista de los Chili Peppers, Hillel Slovak, componiendo "My Lovely Man" en su memoria.
Kiedis escribió "Sir Psycho Sexy" como una versión exagerada y llena de celo de sí mismo; una figura que podía conseguir a cualquier mujer y hacerle lo que quisiera.
"The Power of Equalit" abordó temas relacionados con la igualdad racial, el prejuicio y el sexismo.
Kiedis escribió "I Could Have Lied" para documentar la breve relación que tuvo con la cantante irlandesa Sinéad O'Connor.
Alrededor de 25 canciones fueron escritas y grabadas durante las sesiones de “Blood Sugar Sex Magik”, de las cuales 17 llegaron a la versión final del álbum.
Los sencillos del álbum contenían cuatro tomas descartadas de las sesiones como caras B.
Entre ellas estaban la instrumental "Fela's Cock", una versión de "Search and Destroy" de The Stooges y "Sikamikanico" (que también aparecería en la banda sonora de “Wayne's World” en 1992).
El 3 de octubre de 2019, "Sikamikanico" se interpretó por primera vez a petición del guitarrista Josh Klinghoffer por su 40 cumpleaños.
La toma descartada más notable fue "Soul to Squeeze", una canción que eventualmente se convertiría en un sencillo de éxito en 1993 cuando se lanzó en la banda sonora de “Coneheads” y también se incluyó en el álbum de grandes éxitos de la banda de 2003.
“Little Miss Lover” y “Castles Made of Sand” (una canción que la banda había estado interpretando en vivo durante algunos años), dos versiones de canciones de Jimi Hendrix, finalmente se lanzarían en 2006 como pistas adicionales de iTunes.
Una canción desconocida apareció en el documental de VH1 “Blood Sugar Sex Magik, Ultimate Albums.
Una mezcla preliminar del álbum apareció en Internet y contiene algunas versiones alternativas de las canciones grabadas durante las sesiones del álbum.
En el folleto que acompaña al álbum aparece un collage fotográfico con varios tatuajes de los miembros de la banda.
Todas las fotografías, pinturas y la dirección artística de “Blood Sugar Sex Magik” se atribuyeron al cineasta Gus Van Sant, con la excepción de la "ilustración de la lengua", que, según el folleto del álbum, se atribuye a Hanky Panky (Henk Schiffmacher).
La portada del álbum muestra los rostros de los cuatro miembros de la banda alrededor de una rosa, con enredaderas espinosas en blanco y negro que salen de sus bocas abiertas y convergen en la rosa.
Las letras están impresas en letras blancas sobre un fondo negro, escritas a mano por Kiedis.
El folleto también contiene un collage de fotos que muestran los diversos tatuajes de los miembros de la banda, que incluyen rostros de líderes tribales nativos americanos, animales y criaturas marinas, así como varios símbolos y frases.
También se incluyen fotografías de cada miembro de la banda por separado y dos fotografías de la banda en conjunto.
Los sencillos lanzados para coincidir con el álbum comparten poco con el arte de “Blood Sugar Sex Magik”.
La portada de "Give It Away" era una pintura de un bebé chino, rodeado de peces, verduras, frutas y sushi; "Under the Bridge" es una fotografía de un puente en la ciudad de Los Ángeles; "Suck My Kiss" tenía una fotografía en blanco y negro de la banda, con Kiedis y Flea sosteniendo un pez grande; "If You Have to Ask" es una ilustración de un aguacate junto a las grandes nalgas de una chica en un bikini amarillo; y "Breaking the Girl" presentaba una pintura de un ser humano cubierto de magma.
“Blood Sugar Sex Magik” fue dedicada al músico Mike Watt de las bandas Minutemen y fIREHOSE, en agradecimiento por su amistad e inspiración musical para la banda.
“Blood Sugar Sex Magik” se lanzó el 24 de septiembre de 1991, el mismo día que el álbum revelación de Nirvana, “Nevermind”.
Fue certificado oro el 26 de noviembre de 1991 y platino el 1 de abril de 1992; desde entonces ha sido siete veces platino en Estados Unidos.
El álbum alcanzó el puesto número 3 en el Billboard 200.
Originalmente, "Give It Away" no tuvo buena acogida en el mercado general; una de las emisoras de radio objetivo de Warner Bros. se negó a emitirla, diciéndole a la banda que "volvieran cuando tuvieran una melodía en su canción".
Sin embargo, KROQ (de Los Ángeles) comenzó a reproducir el sencillo varias veces al día, y eso, según Kiedis, "fue el comienzo de la difusión de 'Give It Away' en la conciencia colectiva".
El sencillo finalmente alcanzó el puesto número 9 en el Top 40 del Reino Unido y el número 73 en el Billboard Hot 100.
“Blood Sugar Sex Magik” ha vendido más de 14 millones de copias en todo el mundo.
Debido al éxito de "Give It Away", la banda no previó que "Under the Bridge" sería igual de viable.
Warner Bros. envió representantes a un concierto de los Chili Peppers para determinar cuál sería el siguiente sencillo.
Cuando Frusciante comenzó a tocar "Under the Bridge", Kiedis perdió su entrada; en su lugar, todo el público comenzó a cantar la canción.
Kiedis inicialmente se sintió "mortificado por haberla cagado delante de la gente de Warner ... Me disculpé por haberla cagado, pero me dijeron: '¿Cometer la cagada? ¿Estás bromeando? Cuando todos los chicos del concierto canten una canción, ese será nuestro próximo sencillo'“.
Por lo tanto, "Under the Bridge" fue seleccionada como el segundo sencillo de “Blood Sugar Sex Magik”.
En enero de 1992, "Under the Bridge" se convirtió en un éxito rotundo, alcanzando el número 2 en el Billboard Hot 100.
Para promocionar el álbum en Europa, Kiedis y Frusciante acordaron hacer el viaje.
Sin embargo, a Frusciante le resultó difícil adaptarse a la vida fuera de la mansión, después de haber estado prácticamente aislado durante casi 30 días.
Kiedis recordó la situación: “Tuvo tal desbordamiento de creatividad mientras hacíamos ese álbum que creo que realmente no sabía cómo vivir la vida en consonancia con esa creatividad”.
También fue durante este período cuando Frusciante comenzó a experimentar con heroína, lo que comprometió aún más su estabilidad mental.
La gira promocional europea pasó factura a Frusciante, y decidió regresar a casa cuando él y Kiedis llegaron a Londres.
“Blood Sugar Sex Magik” recibió elogios generalizados de la crítica.
Tom Moon, de Rolling Stone, atribuyó a Rick Rubin el cambio de estilo; Rubin "[le dio] la dinámica a los Chilis".
Continuó elogiando el sonido general, que "mostraba una creciente curiosidad por la textura y los matices del estudio".
El crítico de NME, Steven Wells, encontró que la "fría precisión" de Rubin era evidente en lo que Wells consideró "un clásico bastardo balbuceante y divagante de 17 pistas" que presentaba "una fusión clínica pero retorcida de vanguardia de funk, rap y raspaduras de metal".
Steve Huey de AllMusic dijo que el álbum era "el mejor álbum de los Red Hot Chili Peppers ... La guitarra de John Frusciante es menos ruidosa y abrumadora, dejando espacio para diferentes texturas y líneas más claras, mientras que la banda en general está más enfocada y menos indulgente".
Consideró que “Blood Sugar” era "variable ... expande el rango musical y emocional del grupo".
La revista Guitar Player le atribuyó a Frusciante el drástico cambio de estilo de los Chili Peppers: "al mezclar acid-rock, soul-funk, art-rock temprano y estilo blues con un tono crudo y sin procesar de Strat y Marshall, [Frusciante] dio con una fórmula explosiva que aún no se ha duplicado".
Devon Powers de PopMatters dijo que "en un solo golpe funky, jodido y diabólico, Blood Sugar Sex Magik reconfiguró mi relación con la música, conmigo mismo, con mi cultura e identidad, con mi raza y clase".
En un artículo publicado en The Tampa Tribune, el editor Philip Booth elogió el disco como "un esfuerzo ambicioso que equivale a la culminación y el florecimiento de las fuerzas musicales que han estado gestándose en el sonido de la banda desde que Kiedis y Flea la fundaron en 1983".
Robert Christgau le dio una mención honorífica en su guía de consumo de Village Voice, nombrando "Give It Away" y "Breaking the Girl" como temas destacados mientras escribía "han crecido, han aprendido a escribir, tienen derecho a ser místicos del sexo".
El crítico del Chicago Sun-Times, Michael Corcoran, fue más reservado en sus elogios, calificando el disco de "genial" solo en ocasiones, mientras que consideró excesiva la duración del álbum.
“Blood Sugar Sex Magik” es considerado un álbum influyente, a lo largo de los noventa, por establecerse como una base fundamental para el rock alternativo.
También ha sido denominado "el álbum piedra angular del funk rock" por FasterLouder.
"Under the Bridge", que se convirtió en una canción revelación para la banda, fue considerada por varios críticos como uno de los puntos culminantes del álbum.
AllMusic reseñó la canción individualmente y la calificó como un "sentimiento conmovedor ... es evidente por sí mismo entre la guitarra simple que acuna el verso introductorio, y la sensación de fragilidad que se duplica solo por el crescendo coral aún lento", y en última instancia "se ha convertido en una parte integral del panorama alternativo de la década de 1990, y sigue siendo uno de los diamantes más puros que brillan entre los abismos funk toscamente tallados y ricos que dominan la propia obra de los Peppers".
Sin embargo, Entertainment Weekly criticó la seriedad que los Red Hot Chili Peppers exploraron como una "desaprobación de las habituales payasadas de la banda Red Hot", y "Under the Bridge" tenía "toques sofisticados".
La canción terminó alcanzando el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 en abril de 1992.
"Give It Away" también fue elogiada, aunque como "... una mezcla de libre asociación de vibraciones positivas, homenajes a héroes musicales y amor libre", con Frusciante "añadiendo los dos cambios más impredecibles de la canción: un contraste repentino con la hiperactividad de Kiedis en forma de un solo lánguido pregrabado y doblado al revés sobre la pista rítmica, y un riff de hard rock que no se introduce hasta el final de la canción".
Sin embargo, temas como "Sir Psycho Sexy" fueron criticados por ser demasiado explícitos.
Devon Powters de PopMatters dijo que "Ocho minutos de 'Sir Psycho Sexy' convertirán a los jóvenes oyentes de RHCP en masas temblorosas de gelatina hormonal. Frases hipersexualizadas se cuelan en 'Apache Rose Peacock'; 'Blood Sugar Sex Magik', simplemente, suena a sexo. Incluso el virgen más puro sale de 'Blood Sugar Sex Magik' con cierto grado de madurez sexual; incluso el ligón más astuto puede aprender un par de movimientos nuevos".
Por el contrario, "Suck My Kiss", según Amy Hanson de AllMusic, "desafió por completo la jerarquía establecida del rock alternativo".
Con la canción, los Chili Peppers "se aliaron plenamente con las pocas bandas que rompían con los géneros y que lograron tener un impacto radical en el panorama sonoro que, al parecer, estaba dominado desde todos los ángulos por el grunge".
Antes de que comenzara la gira “Blood Sugar Sex Magik Tour”, Kiedis vio el video musical de "Rhinoceros" de Smashing Pumpkins en MTV. Llamó a su mánager y les pidió que se unieran a la gira.
Smashing Pumpkins aceptó y, varios días después, el ex baterista de los Red Hot Chili Peppers, Jack Irons, llamó y les pidió que permitieran que el nuevo grupo de su amigo, Pearl Jam, también abriera sus conciertos.
El primer concierto tras el lanzamiento de “Blood Sugar Sex Magik” tuvo lugar en el Oscar Mayer Theater de Madison, Wisconsin, que recibió reacciones positivas del Milwaukee Journal: "El público era una masa arremolinada de vasos, cubitos de hielo, zapatos, camisetas, bailarines de pogo, personas que se pasaban el cuerpo y se lanzaban desde el escenario. Y no era un club exclusivamente masculino en el pogo: muchas mujeres se unieron al caos, desnudándose hasta quedarse en sujetador y moviéndose frenéticamente mientras la banda interpretaba 'Higher Ground', 'Suck My Kiss' y 'Give it Away', a la que Frusciante le dio un toque gótico añadiendo un riff de 'Sweet Leaf' de Black Sabbath".
“Blood Sugar Sex Magik” comenzó a tener mucha difusión en la radio y a venderse masivamente en medio de su gira por Estados Unidos.
Frusciante, que quería que los Chili Peppers permanecieran en la escena musical underground, entró en un estado de negación y depresión.
Según Kiedis, "Comenzó a perder todos los aspectos maníacos, alegres y divertidos de su personalidad. Incluso en el escenario, había una energía mucho más seria a su alrededor".
Frusciante comenzó a guardar rencor contra sus compañeros de banda; consideraba la nueva popularidad de la banda como algo vergonzoso.
La tensión en el escenario comenzó a crecer entre Kiedis y Frusciante.
Kiedis recordó una discusión después de un concierto en Nueva Orleans: "Teníamos la sala llena y John simplemente se quedó en la esquina, apenas tocando su guitarra. Salimos del escenario y John y yo discutimos".
Con los Peppers ahora tocando en estadios en lugar de teatros, los promotores decidieron que Pearl Jam debía ser reemplazado por un grupo más exitoso.
Kiedis contactó al baterista de Nirvana, Dave Grohl, quien aceptó una oferta para que Nirvana reemplazara a Pearl Jam.
Sin embargo, Billy Corgan de los Smashing Pumpkins se negó a tocar con Nirvana ya que una vez salió con la esposa del líder Kurt Cobain, Courtney Love.
Por lo tanto, los Pumpkins fueron reemplazados por Pearl Jam.
Su primer concierto con Nirvana fue en el LA Sports Arena.
Kiedis describió la actuación de Nirvana como "energía pura; su musicalidad, su selección de canciones, eran como una motosierra cortando la noche".
Cuando los Red Hot Chili Peppers terminaron la gira con Nirvana, viajaron a Europa, donde Frusciante, necesitado de alguien con quien conectar, llevó consigo a su novia Toni Oswald.
Kiedis dijo que "John había roto nuestra regla no escrita de no llevar esposas ni novias de gira".
Interrumpiendo brevemente la gira europea, los Chili Peppers volaron a la ciudad de Nueva York y actuaron en un episodio de Saturday Night Live.
Tocaron "Under the Bridge" como segunda canción; una actuación que Kiedis sintió que fue saboteada por Frusciante: “Frusciante estaba experimentando como lo habría hecho si hubiéramos estado ensayando la melodía. Pero no era el caso. Estábamos en directo por televisión, frente a millones de personas, y fue una tortura. Empecé a cantar en lo que creía que era la tonalidad en la que él tocaba. Me sentía como si me apuñalaran por la espalda y me dejaran tirado delante de todo Estados Unidos, mientras este tipo estaba en un rincón, en la sombra, haciendo un experimento disonante y desafinado”.
La banda se tomó un descanso de dos semanas entre las etapas europea y japonesa de la gira, que comenzó en mayo de 1992.
Minutos antes de que los Chili Peppers actuaran en Tokio, Frusciante se negó a subir al escenario, diciendo que había renunciado.
Después de media hora de persuasión, Frusciante accedió a tocar, aunque dijo que sería el último.
Kiedis recordó la situación: "Fue el concierto más horrible de la historia. Cada nota, cada palabra, dolía, sabiendo que ya no éramos una banda. No dejaba de mirar a John y ver esa estatua muerta de desdén ... Y esa noche, John desapareció del mundo al revés de los Red Hot Chili Peppers".
Los Chili Peppers contactaron a Dave Navarro para reemplazar a Frusciante.
Navarro acababa de separarse de Jane's Addiction, pero también estaba involucrado en problemas de drogas.
Después de audiciones fallidas con Zander Schloss, contrataron a Arik Marshall de la banda de Los Ángeles Marshall Law, y encabezaron el festival Lollapalooza en 1992.
Frusciante fue despedido al final de la gira.
Hasta la fecha, las canciones del álbum siguen siendo las más interpretadas de cualquier álbum del catálogo de la banda.
"Give it Away" es la canción más interpretada de la banda con más de 1000 veces desde 1991.
"Blood Sugar Sex Magik", "I Could Have Lied", "If You Have to Ask", "Sir Psycho Sexy", "Suck My Kiss" y "They're Red Hot" también se interpretan con frecuencia.
Las únicas canciones del álbum que nunca se han interpretado completas son "Mellowship Slinky in B Major" y "The Righteous & the Wicked".
"Apache Rose Peacock" se ha interpretado parcialmente 3 veces, mientras que "The Greeting Song" también se ha interpretado parcialmente o se ha insinuado algunas veces.
"Funky Monks" se interpretó por primera vez en 1991 y no volvió a tocarse hasta 2006, cuando la interpretaron dos veces.
"Naked in the Rain" fue una de las primeras canciones del álbum en interpretarse en vivo. Se interpretó únicamente el 31 de diciembre de 1990 y una vez más en noviembre de 1991.
A pesar de ser uno de los sencillos del álbum, "Breaking the Girl" solo se ha interpretado 22 veces, siendo su última interpretación en 2019 con el guitarrista Josh Klinghoffe; con John Frusciante, se interpretó un total de 10 veces.
"My Lovely Man" se interpretó muchas veces entre 1991 y 2004.
“Blood Sugar Sex Magik” se colocó en la cima de muchas listas de "Lo mejor de", especialmente las relacionadas con los años 90.
La revista Spin clasificó el álbum en el número 58 en su lista de "Los 90 mejores álbumes de los 90", y Pause and Play lo clasificó en el número 11 en una lista similar.
En un artículo de 2021 que enumera "Los mejores álbumes de 1991" del personal de la revista Paste, “Blood Sugar Sex Magik” ocupó el puesto número 15 en la lista.
El disco también fue incluido en la lista de Guitarist Magazine de "101 álbumes esenciales de guitarra"; y en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".
En 2003, Rolling Stone clasificó a “Blood Sugar Sex Magik” en el puesto número 310 de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos".
Mantuvo la posición en la lista revisada de 2012, y luego ascendió al puesto número 186 en la lista revisada de 2020.
Marshall apareció en los videos musicales de "Breaking the Girl" y "If You Have to Ask", así como en el episodio de Los Simpson "Krusty Gets Kancelled".
En septiembre de 1992, los Chili Peppers interpretaron "Give It Away" en los MTV Video Music Awards.
Fueron nominados a siete premios, ganando tres, incluyendo el "Premio del Público".
En febrero de 1993, interpretaron "Give It Away" en los Premios Grammy, y la canción le valió a la banda su primer Grammy, “Mejor Interpretación de Hard Rock con Voz”.
Los Chili Peppers despidieron a Marshall y realizaron audiciones para un nuevo guitarrista, incluyendo a Brian Patrick Carroll “Buckethead”, a quien Flea consideró que no era adecuado para la banda.
Jesse Tobias de la banda de Los Ángeles Mother Tongue fue contratado brevemente, pero despedido debido a la mala química.
Sin embargo, Navarro dijo que ahora estaba listo para unirse a la banda.
Navarro apareció por primera vez con los Chili Peppers en Woodstock '94, interpretando versiones tempranas de nuevas canciones.
A esto le siguió una breve gira, que incluyó presentaciones como cabeza de cartel en los festivales Pukkelpop y Reading y dos presentaciones como telonero de los Rolling Stones.
La relación entre Navarro y la banda comenzó a deteriorarse; Navarro admitió que no le gustaba la música funk ni las improvisaciones.
Kiedis había recaído en la adicción a la heroína después de un procedimiento dental en el que se utilizó un sedante adictivo, Valium, aunque la banda no lo descubrió hasta más tarde.
Sin Frusciante, las canciones se escribían a un ritmo mucho más lento.
Kiedis dijo: "John había sido una verdadera anomalía en lo que respecta a la composición... Yo simplemente pensaba que así eran todos los guitarristas, que les mostrabas tus letras, cantabas un poco y, de pronto, tenías una canción. Eso no sucedió de inmediato con Dave".
“One Hot Minute” se lanzó en septiembre de 1995 después de varios retrasos.
Se apartó del sonido anterior de los Chili Peppers, con el trabajo de guitarra de Navarro incorporando riffs de heavy metal y rock psicodélico.
La banda lo describió como un disco más oscuro y triste.
Las letras de Kiedis abordaban las drogas, incluyendo el sencillo principal, "Warped", y las relaciones rotas y las muertes de seres queridos, incluyendo "Tearjerker", escrita sobre Kurt Cobain y "Transcending" sobre River Phoenix.
Aunque recibió críticas mixtas, el álbum vendió ocho millones de copias en todo el mundo.
La banda también contribuyó a bandas sonoras como “Working Class Hero: A Tribute to John Lennon” y “Beavis and Butt-Head Do America”.
Flea y Navarro tocaron en el sencillo de Alanis Morissette "You Oughta Know".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 22
Flea (Cuarta parte)
“One Hot Minute” es su sexto álbum de estudio y fue lanzado el 12 de septiembre de 1995 por Warner Bros. Records.
El éxito mundial del álbum anterior de la banda, “Blood Sugar Sex Magik” (1991), hizo que el guitarrista John Frusciante se sintiera incómodo con su popularidad, y finalmente abandonó la banda a mitad de la gira en 1992.
Después de una serie de reemplazos temporales, la banda contrató al guitarrista Dave Navarro en 1993; fue su único álbum de estudio con la banda.
La grabación del álbum tuvo lugar en Sound Factory en Hollywood desde junio de 1994 hasta febrero de 1995 y marcó la segunda colaboración entre la banda y el productor Rick Rubin.
“One Hot Minute” se aleja del funk de “Blood Sugar Sex Magik”, optando en cambio por riffs más pesados y, en ocasiones, inclinándose hacia un sonido de rock psicodélico.
Este cambio se debió principalmente a la influencia de Navarro, exmiembro de Jane's Addiction.
El vocalista Anthony Kiedis, quien había recaído en la cocaína y la heroína en 1994 tras haber estado sobrio durante más de cinco años, abordó sus letras con una perspectiva reflexiva sobre las drogas y sus duros efectos. Por ello, las letras reflejan principalmente temas oscuros y melancólicos.
Considerando que Kiedis había retomado el consumo excesivo de drogas y que Frusciante ya no estaba presente para colaborar, las canciones se escribieron a un ritmo mucho más lento.
Trabajar con Frusciante había sido algo que Kiedis daba por sentado: "John Frusciante había sido una verdadera anomalía en lo que respecta a la composición de canciones. Hizo que fuera incluso más fácil que Hillel Slovak crear música, a pesar de que conocía a Hillel desde hacía años. Simplemente pensé que así eran todos los guitarristas, que les mostrabas tus letras y cantabas un poco y, de pronto, tenías una canción. Eso no sucedió de inmediato con Dave".
El baterista Chad Smith sugirió que era el bloqueo del escritor lo que impedía a Kiedis crear letras, sin embargo, Kiedis lo negó rotundamente.
Debido a que el proceso de composición se prolongó demasiado y Kiedis volvió a su adicción a las drogas, por primera vez en un álbum de la banda, Flea, además de contribuir con la música como de costumbre, escribió algunas de las letras, incluyendo "Transcending", su tributo a River Phoenix, junto con la introducción y el final de "Deep Kick", una canción que narra la historia de su juventud y la de Kiedis.
Además, Flea cantó la voz principal (en "Pea") por primera vez en un álbum, así como el final de "Deep Kick" y el estribillo de la canción descartada "Stretch".
Estilísticamente, “One Hot Minute” se desvió de los discos anteriores de los Chili Peppers, especialmente de “Blood Sugar Sex Magik”.
El álbum se caracterizó por el uso prominente de riffs de guitarra de heavy metal y toques de rock psicodélico.
Navarro, a diferencia de Flea y Kiedis, no fue influenciado por la música funk.
Le dijo a Guitar World en 1996, "Realmente no me dice nada. Pero luego, cuando estoy tocando con otros tres chicos a los que amo y con los que siento camaradería, es agradable tocar funk".
El propio estilo de Navarro fue influenciado principalmente por guitarristas de rock clásico como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page y Carlos Santana, así como por los guitarristas de rock gótico Robert Smith y Daniel Ash.
Continuando una tendencia que comenzó en “Blood Sugar Sex Magik”, Kiedis se desvió aún más de su rap característico, haciéndolo solo en algunas canciones.
La composición de “One Hot Minute” duró casi dos años, y su grabación y producción no fueron un proceso sencillo; Navarro se sentía ajeno a los demás miembros.
Su trabajo como compositor en Jane's Addiction era independiente del de los demás colaboradores, mientras que los Peppers eran un grupo mucho más colaborativo.
El propio Navarro señaló que la dinámica de la banda era más equilibrada que la de Jane's Addiction, que a menudo estaba dominada por el líder Perry Farrell.
En general, “One Hot Minute” confrontó líricamente los sentimientos oscuros, melancólicos y de remordimiento que Kiedis guardaba para sí mismo.
Muchas de las canciones fueron escritas en un momento en que estaba ocultando su adicción reanudada.
"Warped" enfrentó directamente los estados de ánimo angustiados de Kiedis como un grito histérico de ayuda: "Mi tendencia a la dependencia me está ofendiendo/Me está trastornando/Estoy fingiendo ser fuerte y libre de mi dependencia/Me está deformando".
También se sintió decepcionado de que "nadie hubiera sospechado que había caído en mis más de cinco años de sobriedad".
La pista en sí estaba compuesta de riffs de guitarra pesados y voces con eco que intentaban transmitir un estado de angustia.
"Aeroplane", el tercer sencillo del álbum, era más optimista que muchas de las canciones del álbum; pero aún contenía varias referencias a los problemas personales de Kiedis: "Mirándome a mis propios ojos/No puedo encontrar el amor que quiero/Alguien debería darme una bofetada antes de que empiece a oxidarme/antes de que empiece a descomponerme".
La canción también incluía a la hija de Flea, Clara, y a su clase de jardín de infancia cantando coros en el último verso.
"Pea" está dirigida a "los tipos que me dieron una paliza [a Flea] en el Mayfair de Franklin y Bronson".
"Tearjerker" fue un tributo al vocalista de Nirvana, Kurt Cobain.
Kiedis sintió que la muerte de Cobain "fue un golpe emocional, y todos lo sentimos. No sé por qué todos en la tierra se sentían tan cercanos a ese tipo; era querido, entrañable e inofensivo de alguna manera extraña. A pesar de todos sus gritos y toda su oscuridad, era simplemente adorable".
"My Friends" abordaba más los pensamientos sombríos del propio Kiedis que los de "sus amigos": "Mis amigos están tan angustiados/Y al borde del vacío/No conozco palabras para expresar/Este vacío".
Muchas de las canciones eran conocidas por títulos alternativos/de trabajo durante el proceso de grabación/escritura: "Swirly" ("Warped"), "Music is My Aeroplane" ("Aeroplane"), "Psychedelic" ("Deep Kick"), "Baseballs" ("Coffee Shop"), "The Pea Song" ("Pea"), " Gang of Four " ("One Big Mob"), "Epic" ("One Hot Minute"), "Frog" ("Shallow Be Thy Game"), " River " ("Transcending"), "Evil" ("Let's Make Evil"), "Punk Blender" ("Blender"), "Stretching You Out" ("Stretch"), y "Melancholy Mechanics of My Mind" y "Velvet" ("Melancholy Mechanics").
El álbum estuvo a punto de titularse “Black Fish Ferris Wheel”.
El artista Mark Ryden, quien diseñó la portada del álbum, incluso había creado un diseño de prueba con ese título antes de que la banda se decidiera por “One Hot Minute”.
El álbum también tuvo otros títulos provisionales como “The Sensitives” , “Turtlehead” , “The Good and Bad Moods of the Red Hot Chili Peppers” y “The Blight Album”.
Trece canciones de las sesiones de “One Hot Minute” llegaron a la versión final del álbum.
"Melancholy Mechanics" se lanzó como pista adicional en la edición japonesa del álbum, así como cara B del sencillo "Warped", y "Let's Make Evil" y "Stretch" (originalmente conectada al final de "One Big Mob") se lanzaron en el sencillo "My Friends".
"Bob" (una canción sobre el amigo cercano Bob Forrest) finalmente apareció 11 años después como pista adicional de iTunes en 2006.
La canción cuenta con la percusión de Stephen Perkins.
"The Junkie Song", que se mencionó en entrevistas y también cuenta con Perkins, permanece inédita.
"Blender" (descrita como una canción corta y caótica) fue una de las dos canciones ("Stretch" es la otra) que se eliminaron de la versión final del álbum en el último minuto.
La canción nunca se ha publicado, pero resurgió como una filtración en 2023.
"The Intimidator" y "Slow Funk", dos canciones mencionadas en entrevistas por Chad Smith, nunca se han publicado.
Flea mencionó en entrevistas que "The Intimidator" se inspiró en Miles Davis mientras que se ha especulado a partir de comentarios hechos por Chad Smith que "Slow Funk" era un título provisional para "Falling Into Grace".
También hay varias mezclas preliminares inéditas de las pistas del álbum que incluían instrumentos adicionales, letras adicionales o finales extendidos.
Mientras ultimaban los detalles del álbum, la banda grabó un video para "Warped".
Le pidieron al cuñado de Flea, Gavin Bowden, que lo dirigiera.
El video mostraba a los miembros de la banda con poca ropa e incluía un beso entre Kiedis y Navarro hacia el final, como una forma de romper la monotonía de la engorrosa grabación.
Sin darle mayor importancia, continuaron filmando y terminaron varios días después.
Sin embargo, Warner Bros. vio el video e inmediatamente quiso desecharlo, considerándolo invendible y argumentando que el beso y las imágenes homoeróticas alienarían a una gran parte de los fans de la banda.
La banda llegó a un consenso para mantener el beso en la versión final, lo que provocó una reacción negativa por parte del público universitario, que se sintió ofendido.
Kiedis comentó sobre la situación: "Si no podían aceptar lo que estábamos haciendo, ya no los necesitábamos".
“One Hot Minute” fue Certificado Oro poco más de dos meses después de su lanzamiento, el 11 de noviembre; desde entonces ha alcanzado el Doble Platino en los Estados Unidos.
El álbum alcanzó el número cuatro en el Billboard Top 200.
"My Friends" alcanzó el número uno en las listas de Modern Rock y Mainstream Rock.
La canción también alcanzó el número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido, y "Aeroplane" el número 11.
En el Reino Unido, “One Hot Minute” alcanzó el número dos, el álbum de la banda con la posición más alta en las listas allí hasta el momento, superado por “The Great Escape” de Blur, que se lanzó la misma semana.
Varios días después del lanzamiento del álbum, Kiedis continuó consumiendo drogas a pesar de las numerosas entrevistas a las que tenía programadas.
Se lanzaron cinco sencillos para promocionar el álbum: "Warped", "My Friends", "Aeroplane", "Shallow Be Thy Game" (solo en Australia) y "Coffee Shop" (solo en Alemania).
Todos los sencillos, con la excepción de "Shallow Be Thy Game", contaron con videoclips.
"My Friends" tuvo dos videoclips diferentes. La banda no quedó satisfecha con el video original, por lo que se lanzó un segundo video que mostraba imágenes de la banda grabando la canción.
“One Hot Minute” no fue tan bien recibido universalmente como “Blood Sugar Sex Magik”, y finalmente se consideró una mala continuación.
Sin embargo, recibió críticas mixtas a positivas.
Daina Darzin de Rolling Stone dijo: "One Hot Minute se sumerge en las profundidades emocionales de la adicción a las drogas y la pérdida", y que el álbum "es un disco ferozmente ecléctico e imaginativo que también muestra a los miembros de la banda más reflexivos, espirituales, incluso maduros. Después de una carrera de más de 10 años, finalmente están alcanzando su potencial".
David Browne de Entertainment Weekly dijo que "One Hot Minute grita y se agita como una cinta de entrenamiento de pogo, pero también tiene momentos de sutileza y madurez absolutas". Continúa elogiando a Kiedis por "mantener sus tendencias groseras bajo control".
Browne, sin embargo, critica a la banda por "intentos de filosofía cósmica que a menudo tropiezan con sentimientos hippies", y algunas canciones "recurren al sudor rancio del frat-funk".
"Los Peppers trabajan en su propio pequeño espacio con considerable maestría", escribió Peter Kane en Q. "El recién llegado Navarro rara vez defrauda y al frente la tensa bola de energía llamada Anthony Kiedis sigue siendo un líder de labios elásticos apropiado, aunque no precisamente adorable".
Q también incluyó “One Hot Minute” en su resumen de "lo mejor del año": "Una mezcla explosiva y abrasadora de baladas sesgadas y ejercicios físicamente intimidantes que embisten como un toro en una promesa".
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic dijo retrospectivamente que "superar a Blood Sugar Sex Magik resultó ser una tarea difícil para los Red Hot Chili Peppers", y "el riff de guitarra metálica de Navarro debería haber añadido algo de peso al funk de guitarra pesada con influencias punk de los Chili Peppers, pero tiende a hacerlo pesado".
Erlewine continuó añadiendo que "al enfatizar el metal, el funk se va desvaneciendo gradualmente de la mezcla, al igual que la melodía".
Erlewine consideró que "My Friends" era un intento descarado de aferrarse al público mayoritario ganado con "Under the Bridge", y que, en contraste, "las melodías son débiles y las letras aún más endebles".
La canción también "intenta ser un abrazo colectivo para todos los amigos problemáticos [de Kiedis]".
Por otro lado, Rolling Stone dijo que la canción era "encantadora" e incorporaba un "estribillo vagamente folk, y exhibe la misma melancolía de 'Under the Bridge' y 'Breaking the Girl'".
El artículo continuó elogiando "Warped", afirmando que "mezcla letras desgarradoras con una introducción de múltiples tonos y capas y un torbellino de ruidos y ritmos de big rock que surfean a través de grandes ganchos funky. Es como, bueno, un subidón de drogas".
Rolling Stone continuó diciendo que la canción principal era "funky y divertida. Trata sobre el amor y el sexo. Qué demonios. Algunas cosas no tienen por qué cambiar".
Entertainment Weekly dijo que "algunas de estas canciones duran demasiado y se habrían beneficiado de un recorte", aunque le dieron crédito a Kiedis por sonar "casi espiritual" en "Falling into Grace".
Robert Christgau le dio al álbum una calificación de "fracaso".
En 1994 y 1995, la banda, junto con el director Gavin Bowden, comenzó a trabajar en un documental, “Deep Kick”, que toma su nombre de la tercera canción del álbum.
Se esperaba que el documental fuera similar a “Funky Monks”, que documentó la creación de “Blood Sugar Sex Magik”, aunque también incluiría cortometrajes intercalados con cada miembro de la banda.
Se han publicado en internet algunas imágenes del documental, incluyendo el segmento de Anthony junto con un segmento de la banda con la canción "I'm Waiting for the Man" de The Velvet Underground de fondo.
También se obtuvieron imágenes de la versión en estudio del videoclip de "My Friends".
Se desconoce si el proyecto llegó a completarse y, de ser así, por qué Warner nunca lo publicó.
La gira “One Hot Minute” comenzó varios días después del lanzamiento del álbum.
La banda abrió la gira con una etapa europea.
La corta etapa europea terminó a principios de noviembre, y la parte estadounidense estaba programada para comenzar 10 días después; sin embargo, se pospuso hasta principios de febrero debido a que Chad Smith se fracturó la muñeca.
Después de algunos conciertos en la etapa estadounidense, Kiedis se lesionó gravemente la pierna mientras realizaba lo que él llama "baile robótico con los ojos cerrados".
Tropezó con un monitor y cayó del escenario, terminando colgando de la pantorrilla del cable de su micrófono, lo que resultó en un yeso que usó durante los siguientes dos meses.
Kiedis reflexionó que "fue agradable ver que la gente todavía estaba interesada en venir a ver lo que hacemos", ya que había habido un lapso de cuatro años desde el lanzamiento de “Blood Sugar Sex Magik”.
Tras la conclusión de la gira estadounidense, la banda se tomó dos semanas de descanso antes de varias presentaciones en Australia y Nueva Zelanda.
Los Peppers luego tocaron en el Concierto por la Libertad del Tíbet en San Francisco en junio, antes de terminar la gira en Europa.
Kiedis se mantuvo sobrio durante toda la gira y conservó una actitud positiva durante los conciertos.
Navarro, sin embargo, se estaba cansando de las giras, y eso empezaba a molestar a sus compañeros de banda.
Kiedis sufrió una lesión adicional en Praga tras caerse del escenario al intentar realizar una voltereta hacia atrás.
Se vio obligado a usar un corsé ortopédico durante los siguientes conciertos, lo que limitaba sus movimientos al área alrededor de su micrófono.
Después de los conciertos en París y Londres, la banda regresó a Los Ángeles y Kiedis volvió a consumir drogas, aunque se obligó a dejarlo después de varias semanas.
Posteriormente, se les pidió a la banda que tocaran en el Polo Norte para aproximadamente 100 ganadores de un concurso organizado por Molson una cervecera canadiense.
Si bien el concierto fue ligeramente motivador para la banda, regresaron a casa después de dos días.
Pasaron meses sin conciertos programados debido a las bajas ventas del álbum.
Después de otra recaída y una temporada en rehabilitación, Kiedis y el resto de la banda se prepararon para una gira de verano, la primera en casi siete meses.
Antes de que comenzara la gira, Kiedis tuvo un accidente de motocicleta y fue llevado de urgencia al hospital después de lesionarse gravemente la mano.
Debido a su adicción a las drogas, necesitó siete dosis de morfina antes de que el dolor se aliviara.
Después de ser dado de alta del hospital, se vio obligado a usar un yeso de brazo completo durante varios meses, lo que resultó en la cancelación de todos los conciertos programados restantes.
A mitad de la recuperación de Kiedis, la banda fue invitada a tocar en el Festival Fuji Rock en julio de 1997.
Para entonces, el yeso de Kiedis se había retirado hasta el codo y se sentía lo suficientemente bien como para tocar.
Se había pronosticado que un gran tifón azotaría el festival varias horas antes del espectáculo.
El concierto se llevó a cabo de todos modos, y cuando los Chili Peppers subieron al escenario, el público estaba empapado por lluvias torrenciales, y a la banda le resultó prácticamente imposible tocar sus instrumentos.
Después de ocho canciones, el equipo de iluminación y sonido fue arrancado del escenario y la banda se vio obligada a terminar de forma improvisada.
Al regresar a casa, los Chili Peppers se separaron y, aunque Flea y Navarro salieron de gira a finales de 1997 con el "Relapse Tour de "Jane's Addiction, en su mayor parte, RHCP se mantuvo aislado durante el resto de 1997.
No se compuso material nuevo durante ese tiempo, y no fue hasta principios de 1998 que la banda comenzó a ensayar.
En ese momento, Navarro se había vuelto adicto a las drogas, y Kiedis también luchaba por mantenerse sobrio.
La banda decidió hablar con Navarro e intentar convencerlo de que ingresara en rehabilitación. La conversación se convirtió en una acalorada disputa.
En abril de 2010, Navarro habló sobre este incidente, declarando: "Una fue mi consumo de drogas en ese momento. La otra fueron diferencias musicales. Anthony dice que fue porque me tropecé y me caí sobre un amplificador mientras estaba drogado. Yo digo que él consumía más drogas que yo en ese momento. Ambos teníamos una relación laxa con la realidad. ¿A quién quieres creer?".
La banda intentó comenzar a escribir para un álbum sucesor y había escrito y comenzado a grabar una canción titulada "Circle of the Noose", pero nunca se completó.
La canción, la última en la que Navarro tocó la guitarra, era un homenaje al fallecido cantante de qawwali y música devocional Nusrat Fateh Ali Khan.
Navarro describió la canción como pop y fúnebre, y dijo que era una de sus canciones favoritas que creó con la banda.
Dijo: "La mejor manera de describirla es que es como folk animado de los 60 con ideales de los 90, pero odiaría etiquetarla como folk porque no lo es, tiene ritmo".
Según Flea, contenía una muestra de Nusrat Fateh Ali Khan.
El 3 de febrero de 2016, se filtró a internet una mezcla preliminar de "Circle of the Noose", grabada el 16 de marzo de 1998.
En este punto de 1998, Kiedis y Flea decidieron que era hora de despedir a su guitarrista.
Navarro se enfureció al ser confrontado por Kiedis y Flea, pero finalmente aceptó su despido.
Los Peppers estaban peleados y al borde de la separación.
Flea comenzaba a cuestionar el futuro de la banda y pensó que tal vez sería necesario separarla.
Hizo un último intento por mantener a la banda unida y en abril de 1998, Flea visitó a Frusciante, había completado recientemente un programa de rehabilitación de drogas después de más de cinco años de adicción a la heroína, y le pidió que se reincorporara a la banda.
Frusciante rompió a llorar y dijo que nada lo haría más feliz.
Durante la gira de "One Hot Minute", se interpretaron todas las canciones del álbum, excepto "Tearjerker" y "Falling Into Grace".
"One Hot Minute" se interpretó solo una vez, mientras que "Shallow Be Thy Game" se interpretó solo cuatro veces.
Desde que la gira terminó en 1997, solo se han interpretado "Pea" y "Aeroplane", y "Pea" se ha interpretado en todas las giras, convirtiéndose así en la canción más interpretada de “One Hot Minute”, con más de 150 interpretaciones hasta 2025.
Ninguna canción del álbum ha sido interpretada por John Frusciante, con la excepción de "Pea".
En 2002, Frusciante declaró que nunca había escuchado el álbum, afirmando que "escucharlo sería como ver a tu novia con otro hombre".
En una entrevista en línea en febrero de 2014, los fans le preguntaron a Chad Smith sobre las razones por las que la banda no interpretaba esas canciones, y él respondió diciendo: "Ya no nos sentimos tan conectados con ese disco. No hay ninguna razón especial, no es que nunca tocaríamos esas canciones, pero ahora mismo no nos sentimos tan conectados emocionalmente con esa música".
La banda presentó fragmentos de "My Friends", "Let's Make Evil" y "Walkabout" durante la gira mundial “I'm With You”, y "Deep Kick" se presentó durante la gira mundial “The Getaway”.
En 1999, después de más de un año de producción, los Red Hot Chili Peppers lanzaron “Californication”.
“Californication”, el séptimo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 8 de junio de 1999 por Warner Bros. Records y producido por Rick Rubin.
Junto con “Blood Sugar Sex Magik”, “Californication” es uno de los álbumes más vendidos de la banda.
“Californication” marcó el regreso del guitarrista John Frusciante y transformó el estilo de la banda.
Las letras incorporaban las insinuaciones sexuales ya características del grupo, pero añadían temas como la muerte, California, el suicidio, las drogas, la globalización y los viajes.
“Californication” es el lanzamiento de estudio más exitoso comercialmente de los Chili Peppers hasta la fecha, con más de 17 millones de copias vendidas en todo el mundo y más de ocho millones solo en Estados Unidos.
Hasta 2002, el álbum había vendido más de cuatro millones de copias en Europa.
El disco produjo varios éxitos para la banda, incluyendo "Otherside", la canción que da título al álbum y "Scar Tissue", ganadora del premio Grammy.
“Californication” alcanzó el puesto número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos.
El disco marcó un cambio significativo en el estilo de la banda: Greg Tate de Rolling Stone señaló que "mientras que todos los proyectos anteriores de los Chili Peppers han sido muy enérgicos, Californication se atreve a ser espiritual y epifánico".
Otro crítico, Paul Verna de Billboard, mencionó que el álbum sacó a relucir "el lado más suave y melódico del grupo", en contraste con sus seis álbumes anteriores.
La mayor parte de la música de “Californication” se compuso en el estudio improvisado de Flea en el garaje durante el verano de 1998.
Frusciante tardó varias semanas en readaptarse a tocar con sus compañeros, especialmente mientras se recuperaba de su adicción a las drogas.
El cantante Anthony Kiedis señaló que, como resultado de este periodo de readaptación, Frusciante adoptó un enfoque minimalista al tocar la guitarra.
Según el biógrafo Jeff Apter, los Red Hot Chili Peppers compusieron entre 30 y 40 canciones para el álbum, que finalmente se redujeron a 15 para su lanzamiento.
Los miembros de la banda adoptaron un enfoque relajado al componer música. Como dijo Kiedis: “Todos nos divertíamos. Era como si no tuviéramos nada que perder ni nada que ganar. No nos importaba; hacíamos música por el simple placer de hacerla”.
“Californication” se grabó en Cello Studios en Los Ángeles y tardó un poco más de tres semanas en completarse.
La banda eligió a Rick Rubin para producir el álbum.
Rubin había trabajado con los Red Hot Chili Peppers en sus dos álbumes anteriores, y Kiedis señaló que hubo cierta reticencia a volver a contratarlo. "Pensamos que tal vez era hora de conseguir un nuevo productor. Cada vez que haces un disco, no importa lo bueno que haya sido trabajar con un productor, e incluso si sabes que vas a terminar haciendo un disco con esa misma persona otra vez, siempre hay un día en que alguien dice: '¿Queremos conseguir un nuevo productor?'".
Aproximadamente una semana después de comenzar las sesiones de grabación, Jim Scott fue contratado como ingeniero de audio de reemplazo, ya que la banda no estaba contenta con la producción original.
La banda fue puntual y profesional, en comparación con lo que Rubin describió como las "sesiones de marihuana de un día entero o indulgencias sexuales" que habían plagado las sesiones de grabación de álbumes anteriores.
La grabación de las canciones duró cinco días.
Los cuatro miembros de la banda grabaron sus instrumentos al mismo tiempo en la misma habitación.
Rubin y Scott querían que el audio fuera "seco y potente", por lo que colocaron numerosos micrófonos directamente al lado de los instrumentos.
Entre los micrófonos utilizados estaban Shure SM57, Neumann U47 y Sennheiser MD 421.
“Californication” se grabó usando una consola Neve 8038 en dos grabadoras de cinta Ampex 124 de 24 pistas.
Scott indujo una ecualización significativa usando ecualizadores Neve 1073. Hubo una mínima sobregrabación.
Una vez grabadas las canciones, las pistas de la segunda máquina de 24 pistas que contenían las voces se transfirieron a Pro Tools para permitir una fácil experimentación para establecer un "mapa" de cómo encajarían varias partes de las voces antes del ensamblaje analógico de estas partes.
Siguiendo con el tema de hacer que el álbum sonara "seco y contundente", la mayor parte de “Californication” se mezcló utilizando sonido monofónico.
Scott consideró que las grabaciones iniciales ya eran buenas, por lo que se alteró muy poco durante las sesiones de mezcla.
El álbum se mezcló por separado en varios formatos digitales (incluyendo cinta de audio digital y DA-88 ) para comparar el sonido, y Scott finalmente utilizó una grabadora analógica de 2 pistas a 30 pulgadas por segundo.
Muchas de las canciones grabadas durante las sesiones de “Californication” no estuvieron disponibles comercialmente hasta lanzamientos posteriores.
En septiembre de 1998, la banda entró al estudio El Teatro de Daniel Lanois en Oxnard, California, para comenzar sus ensayos y grabar demos para el álbum que eventualmente se convertiría en “Californication”.
Las sesiones, que fueron bautizadas como las “Sesiones Teatro”, permanecieron inéditas hasta 2014, cuando se filtraron a internet.
Las sesiones presentaban versiones tempranas de canciones que eventualmente aparecerían en el álbum; sin embargo, algunas eran muy diferentes a las versiones finales que aparecieron en el álbum.
Canciones como "Californication" y "Purple Stain" tienen una instrumentación muy diferente y son esencialmente canciones distintas.
"I Like Dirt" y "Bunker Hill" tienen puentes diferentes.
Muchas canciones también tienen letras incompletas o diferentes a sus versiones finales de estudio.
Las sesiones también incluyeron siete canciones que nunca pasaron de la etapa de demo y permanecieron inéditas hasta la filtración.
Estas canciones incluían "Tellin' a Lie", "Mommasan", "Andaman & Nicobar", "Sugar Sugar", "Trouble in the Pub", "Boatman", "Plate of Brown" y también varias improvisaciones instrumentales.
De las canciones grabadas durante estas sesiones, la instrumental "Teatro Jam" y la demo de "Parallel Universe" se publicaron oficialmente en el sencillo "Around the World".
La mayor parte del material y las letras de las canciones del álbum surgieron de la "agitación personal y profesional" que los distintos miembros de la banda atravesaban o estaban atravesando en ese momento.
Esto dio como resultado un "enfoque sensible que uno podría no esperar de una banda cuyos seguidores son skate-punks y universitarios".
El principal objetivo de Kiedis con este álbum era "contar historias de almas errantes que se han perdido en busca del sueño americano en California".
Las letras de “Californication” se derivaron de las ideas, perspectivas y percepciones de Kiedis sobre la vida y su significado.
"Porcelain" surgió del encuentro de Kiedis con una joven madre soltera en la YMCA, quien intentaba combatir su adicción a la heroína mientras vivía con su hija pequeña en Los Ángeles durante el verano de 1998.
Respecto al encuentro que inspiró la canción, Kiedis dijo en 1999: "[La] madre está aturdida, enganchada a la heroína, pero la niña es un ángel radiante. La mujer ama a su hija, pero la yuxtaposición de sus energías es profunda".
Kiedis también tuvo un interés amoroso en Yohanna Logan, una diseñadora de moda a quien conoció mientras ella trabajaba en la ciudad de Nueva York.
La relación de Kiedis con Logan influyó en su exploración del amor a lo largo de “Californication”, en canciones como "This Velvet Glove".
Frusciante abordó la línea de guitarra presente en "Scar Tissue" como un intento de usar dos notas que se tocan muy separadas, pero que producen un "ritmo genial".
Había explorado esta técnica en su primer álbum en solitario, “Niandra LaDes and Usually Just a T-Shirt” de 1994.
Frusciante considera que "Scar Tissue" es un "ejemplo muy simple de la técnica, pero creo que es un estilo que suena como yo".
El guitarrista utilizó la técnica de guitarra slide para los solos de la canción.
"Emit Remmus" se inspiró en la breve relación de Kiedis con Melanie C de las Spice Girls.
"Get on Top", una canción que incluye un uso significativo del pedal wah, se formó tras una sesión improvisada poco después de que Frusciante escuchara a Public Enemy : "Se me ocurrió [el ritmo de la canción] de camino al ensayo, simplemente marcándolo con el pie".
El discreto solo de guitarra que se toca en medio de la canción originalmente iba a ser más notorio, según Frusciante, quien solía tocar solos de guitarra estridentes.
Cambió su enfoque tras escuchar el solo de guitarra de Steve Howe en "Siberian Khatru" de Yes : "La banda sonaba muy potente, y tocaban muy rápido, y luego aparece este solo de guitarra limpio por encima. Es realmente hermoso, como si estuviera en una especie de pedestal. Para 'Get On Top' quería tocar algo que contrastara entre el solo y el acompañamiento".
"Savior", una canción que se encuentra casi al final del álbum, presenta efectos fuertes, sobre todo un micro Synth Electro-Harmonix con un retardo de 16 segundos.
Frusciante señala que el sonido está "directamente inspirado en la forma de tocar de Eric Clapton en Cream. Si escuchas las notas reales, son como un solo de Clapton; simplemente no suenan igual debido a los efectos".
El éxito "Around the World", que recuerda al sonido funk de los Chili Peppers, fue compuesto por Frusciante en su casa.
Sin embargo, el ritmo y la base son complejos; esto requirió que tocara la canción con el resto de la banda en lugar de solo para que la entendieran.
El riff de bajo fue compuesto en "quizás 15 minutos", según Frusciante: "Flea es el mejor bajista del mundo. Su sentido del ritmo y su forma de pensar son increíbles".
La canción que da título al álbum fue una de las más difíciles de completar para la banda.
Frusciante se sintió obligado a escribir un conjunto de guitarras apropiado que complementara adecuadamente el conmovedor contenido lírico, pero encontró dificultades.
La canción apenas progresaba y habría sido descartada de no ser por la insistencia de Kiedis para incluirla en el álbum.
Frusciante completó el riff final dos días antes de la grabación, tras inspirarse en la canción de la banda sonora de The Cure para "Carnage Visors".
La canción principal pretendía representar el estilo de vida californiano y, más específicamente, la naturaleza "falsa" que se asocia con gran parte de Hollywood.
Hace referencia a Kurt Cobain de Nirvana y utiliza numerosas imágenes para capturar la naturaleza evocadora de California.
El disco supuso un cambio de estilo para los Chili Peppers, especialmente comparado con “One Hot Minute”.
Aunque “Californication” todavía contiene algunas canciones de funk rock (como "Around the World", "Get on Top", "I Like Dirt", "Purple Stain" y "Right on Time"), se inclinó hacia riffs más melódicos (por ejemplo, "Scar Tissue" y "Otherside") y se centró en canciones con una estructura definida en lugar de improvisaciones.
Para promocionar “Californication”, los Red Hot Chili Peppers desarrollaron lo que el biógrafo Jeff Apter llamó una "presencia en Internet que los abrió a un nuevo tipo de oyente: el ciber-geek".
Del 4 al 8 de junio, se transmitieron tres nuevas canciones de “Californication” cada día en el sitio web de la banda.
Flea interactuó con los fans en línea con una serie de publicaciones en Internet llamadas "Fleamail", en las que hablaba sobre el proceso de grabación, las próximas fechas de la gira y, ocasionalmente, pensamientos de estilo flujo de conciencia sobre su vida.
Los Red Hot Chili Peppers también actuaron en varios bailes de graduación de escuelas secundarias en todo Estados Unidos poco antes del lanzamiento del álbum. La idea era reintroducir a los Red Hot Chili Peppers a una audiencia más joven.
El tema de estas actuaciones fue "Stop The Hate" (Detengan el odio), que fue en respuesta a la masacre de la escuela secundaria Columbine.
El precio de la entrada era una sugerencia escrita sobre cómo prevenir el acoso y el odio entre los estudiantes de secundaria.
“Californication” debutó en el número 3 en la lista Billboard 200 y vendió 189.000 copias para el 26 de junio, superando las ventas iniciales de “Blood Sugar Sex Magik” y “One Hot Minute”.
Para el 3 de julio, “Californication” bajó al número 7 y permaneció en la lista Billboard 200 durante 101 semanas.
Desde entonces ha sido certificado 8× Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA), por vender más de 8 millones de copias en los Estados Unidos.
“Californication” también tuvo un éxito comercial significativo fuera de los Estados Unidos.
Por ejemplo, en Inglaterra, el álbum alcanzó el número 5 en la lista UK Albums Chart y permaneció en la lista durante 169 semanas.
Finalmente fue certificado 5 veces Platino por la Industria Fonográfica Británica por vender 1,5 millones de copias en el Reino Unido.
Otros picos notables incluyen alcanzar el número 1 en las listas de Australia, Finlandia, Italia, Nueva Zelanda, Noruega y Suecia.
A partir de 2019, “Californication” es el álbum más vendido de Red Hot Chili Peppers, con ventas de más de 17 millones de copias en todo el mundo.
Gran parte del éxito comercial de “Californication” se puede atribuir a la popularidad de sus sencillos.
Los tres sencillos más populares fueron "Californication", "Otherside" y "Scar Tissue".
William Goodman de Billboard escribió: "No se podía existir en la cultura pop estadounidense sin escuchar sus sencillos".
"Scar Tissue" fue el sencillo principal, y en el video musical que lo acompañaba, los cuatro miembros de la banda viajan en un convertible por el Parque Nacional Joshua Tree.
"Scar Tissue" pasó 16 semanas en la cima de la lista Mainstream Rock en los Estados Unidos, y alcanzó el número 9 en el Billboard Hot 100.
Además, la canción se agregó a la rotación de las 91 estaciones de radio de rock moderno en los Estados Unidos, la primera canción en lograr la hazaña desde "Discothèque" de U2.
"Californication" y "Otherside" también tuvieron una difusión significativa en la radio, alcanzando los puestos 69 y 14 respectivamente en el Billboard Hot 100.
“Californication” fue muy bien recibido por los críticos musicales en contraste con “One Hot Minute” y fue un mayor éxito mundial.
Rolling Stone reconoció a Kiedis por su voz drásticamente mejorada: "[sus] cuerdas vocales aparentemente han estado en una encrucijada y después de la rehabilitación, y regresaron con un rango, cuerpo, tono, sentimiento y sensibilidad melódica nunca antes escuchados".
Canciones como "Otherside" y "Porcelain" fueron llamadas "al estilo de Pumpkins", mientras que el álbum en su conjunto fue "epifanial" y "los RHCP más acérrimos ahora se están moviendo hacia el verdadero Santo Grial del funk: ese matrimonio salado de mitología esotérica y musicalidad insaciable que salva almas, une comunidades y cura a los enfermos".
Howard Cohen aclamó “Californication” como una gran mejora con respecto a su predecesor en el Miami Herald, encontrando que presenta la "música más lograda" de la banda hasta la fecha.
Sandra Sperounes, del Edmonton Journal, predijo que el álbum "poderoso" sería un éxito, y que "Scar Tissue" y "Otherside" serían los primeros puestos de las listas.
Elogió la instrumentación y las armonías renovadas, pero criticó las numerosas referencias a California.
Otros críticos atribuyeron el éxito del álbum al regreso de Frusciante.
Greg Prato de AllMusic dijo que la "razón obvia del renacimiento de la banda es la reaparición del guitarrista John Frusciante", considerándolo el "guitarrista por excelencia de los RHCP".
El álbum en su conjunto fue "un auténtico clásico de los Chili Peppers".
Entertainment Weekly también le atribuye a Frusciante la transformación del sonido de la banda en un "álbum más relajado, menos estridente y, a su manera, más introspectivo que nunca".
Mark Woodlief de Ray Gun comentó que "'This Velvet Glove' logra un equilibrio intrincado entre una exuberante base de guitarra acústica y rock épico", Woodlief continuó "la introducción disco de 'Parallel Universe' da paso a un ardiente motivo de Western giddy-up en el estribillo, y las excursiones al estilo Hendrix de Frusciante al final de la canción".
Aunque muchos críticos consideraron refrescante el nuevo sonido de la banda, NME criticó a los Chili Peppers por usar poco su característico sonido funk, preguntando: "¿Podemos recuperar a nuestros animales de rock funk-hop descerebrados y medio vestidos, por favor? Toda esta falsa empatía está empezando a hacerme hormiguear las costillas extirpadas".
Pitchfork, si bien consideró el álbum un triunfo sobre “One Hot Minute”, sintió que “Californication” carecía del funk que siempre estaba presente en “Blood Sugar Sex Magik”.
Continuó analizando algunas letras por ser demasiado sexuales, pero también consideró a Frusciante como "el mejor guitarrista de rock estadounidense de primera categoría del momento".
El crítico Robert Christgau le dio al álbum una mención honorífica de una estrella, describiendo a la banda como "demonios de la Nueva Era" y citando "Scar Tissue" y "Purple Stain" como temas destacados.
Desde su lanzamiento, algunos periodistas han atribuido a “Californication” la revitalización de la imagen y la relevancia de los Red Hot Chili Peppers.
Durante el período de ocho años entre el álbum que catapultó a la fama a la banda, “Blood Sugar Sex Magik”, y “Californication”, el único lanzamiento de los Red Hot Chili Peppers fue “One Hot Minute”, que fue visto por fans y críticos como un fracaso.
Además, el auge de Internet y las plataformas de transmisión de música en línea como Napster brindaron a los consumidores más opciones para escuchar, lo que significó que bandas establecidas como los Red Hot Chili Peppers ya no tenían seguidores incorporados.
Escribiendo sobre este período de la carrera de la banda, Ryan Leas de Stereogum dijo: "RHCP ya había estado presente desde principios de los 80, pero ahora se acercaban al otro lado de otra década, una que les había otorgado el estrellato... estaban posicionados para, necesitaban, un momento de regreso".
Chad Childers de Loudwire ofrece comentarios similares y cree que “Californication” ayudó a consolidar el estatus de la banda como eventuales miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll.
Cuando se lanzó “Californication”, algunos oyentes se quejaron de la compresión y distorsión excesivas.
Esta crítica persistió durante la década de 2000, y algunos periodistas citaron “Californication” como un ejemplo de un álbum afectado por la guerra del volumen, una tendencia en la que los niveles de audio se incrementan a expensas de la fidelidad del audio.
En su libro de 2009, “Perfecting Sound Forever”, Greg Milner señala que “Californication” se convirtió en uno de los álbumes más ridiculizados dentro de las comunidades de masterización de audio en línea, y que existen múltiples peticiones en línea para que Warner Bros. remasterice los álbumes de Red Hot Chili Peppers sin la compresión y distorsión excesivas.
En 2003, Rolling Stone publicó su lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos", con “Californication” en el puesto 399.
Bajó al puesto 401 en la lista revisada de 2012, pero subió al puesto 286 en las listas revisadas de 2020 y 2024.
En 2015, el equipo de Ultimate Classic Rock nombró a “Californication” como uno de los mejores álbumes de rock de la década de 1990.
El álbum también se incluyó en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery, “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2024, el equipo de Loudwire lo eligió como el mejor álbum de hard rock de 1999.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Flea (Cuarta parte)
“One Hot Minute” es su sexto álbum de estudio y fue lanzado el 12 de septiembre de 1995 por Warner Bros. Records.
El éxito mundial del álbum anterior de la banda, “Blood Sugar Sex Magik” (1991), hizo que el guitarrista John Frusciante se sintiera incómodo con su popularidad, y finalmente abandonó la banda a mitad de la gira en 1992.
Después de una serie de reemplazos temporales, la banda contrató al guitarrista Dave Navarro en 1993; fue su único álbum de estudio con la banda.
La grabación del álbum tuvo lugar en Sound Factory en Hollywood desde junio de 1994 hasta febrero de 1995 y marcó la segunda colaboración entre la banda y el productor Rick Rubin.
“One Hot Minute” se aleja del funk de “Blood Sugar Sex Magik”, optando en cambio por riffs más pesados y, en ocasiones, inclinándose hacia un sonido de rock psicodélico.
Este cambio se debió principalmente a la influencia de Navarro, exmiembro de Jane's Addiction.
El vocalista Anthony Kiedis, quien había recaído en la cocaína y la heroína en 1994 tras haber estado sobrio durante más de cinco años, abordó sus letras con una perspectiva reflexiva sobre las drogas y sus duros efectos. Por ello, las letras reflejan principalmente temas oscuros y melancólicos.
Considerando que Kiedis había retomado el consumo excesivo de drogas y que Frusciante ya no estaba presente para colaborar, las canciones se escribieron a un ritmo mucho más lento.
Trabajar con Frusciante había sido algo que Kiedis daba por sentado: "John Frusciante había sido una verdadera anomalía en lo que respecta a la composición de canciones. Hizo que fuera incluso más fácil que Hillel Slovak crear música, a pesar de que conocía a Hillel desde hacía años. Simplemente pensé que así eran todos los guitarristas, que les mostrabas tus letras y cantabas un poco y, de pronto, tenías una canción. Eso no sucedió de inmediato con Dave".
El baterista Chad Smith sugirió que era el bloqueo del escritor lo que impedía a Kiedis crear letras, sin embargo, Kiedis lo negó rotundamente.
Debido a que el proceso de composición se prolongó demasiado y Kiedis volvió a su adicción a las drogas, por primera vez en un álbum de la banda, Flea, además de contribuir con la música como de costumbre, escribió algunas de las letras, incluyendo "Transcending", su tributo a River Phoenix, junto con la introducción y el final de "Deep Kick", una canción que narra la historia de su juventud y la de Kiedis.
Además, Flea cantó la voz principal (en "Pea") por primera vez en un álbum, así como el final de "Deep Kick" y el estribillo de la canción descartada "Stretch".
Estilísticamente, “One Hot Minute” se desvió de los discos anteriores de los Chili Peppers, especialmente de “Blood Sugar Sex Magik”.
El álbum se caracterizó por el uso prominente de riffs de guitarra de heavy metal y toques de rock psicodélico.
Navarro, a diferencia de Flea y Kiedis, no fue influenciado por la música funk.
Le dijo a Guitar World en 1996, "Realmente no me dice nada. Pero luego, cuando estoy tocando con otros tres chicos a los que amo y con los que siento camaradería, es agradable tocar funk".
El propio estilo de Navarro fue influenciado principalmente por guitarristas de rock clásico como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Jimmy Page y Carlos Santana, así como por los guitarristas de rock gótico Robert Smith y Daniel Ash.
Continuando una tendencia que comenzó en “Blood Sugar Sex Magik”, Kiedis se desvió aún más de su rap característico, haciéndolo solo en algunas canciones.
La composición de “One Hot Minute” duró casi dos años, y su grabación y producción no fueron un proceso sencillo; Navarro se sentía ajeno a los demás miembros.
Su trabajo como compositor en Jane's Addiction era independiente del de los demás colaboradores, mientras que los Peppers eran un grupo mucho más colaborativo.
El propio Navarro señaló que la dinámica de la banda era más equilibrada que la de Jane's Addiction, que a menudo estaba dominada por el líder Perry Farrell.
En general, “One Hot Minute” confrontó líricamente los sentimientos oscuros, melancólicos y de remordimiento que Kiedis guardaba para sí mismo.
Muchas de las canciones fueron escritas en un momento en que estaba ocultando su adicción reanudada.
"Warped" enfrentó directamente los estados de ánimo angustiados de Kiedis como un grito histérico de ayuda: "Mi tendencia a la dependencia me está ofendiendo/Me está trastornando/Estoy fingiendo ser fuerte y libre de mi dependencia/Me está deformando".
También se sintió decepcionado de que "nadie hubiera sospechado que había caído en mis más de cinco años de sobriedad".
La pista en sí estaba compuesta de riffs de guitarra pesados y voces con eco que intentaban transmitir un estado de angustia.
"Aeroplane", el tercer sencillo del álbum, era más optimista que muchas de las canciones del álbum; pero aún contenía varias referencias a los problemas personales de Kiedis: "Mirándome a mis propios ojos/No puedo encontrar el amor que quiero/Alguien debería darme una bofetada antes de que empiece a oxidarme/antes de que empiece a descomponerme".
La canción también incluía a la hija de Flea, Clara, y a su clase de jardín de infancia cantando coros en el último verso.
"Pea" está dirigida a "los tipos que me dieron una paliza [a Flea] en el Mayfair de Franklin y Bronson".
"Tearjerker" fue un tributo al vocalista de Nirvana, Kurt Cobain.
Kiedis sintió que la muerte de Cobain "fue un golpe emocional, y todos lo sentimos. No sé por qué todos en la tierra se sentían tan cercanos a ese tipo; era querido, entrañable e inofensivo de alguna manera extraña. A pesar de todos sus gritos y toda su oscuridad, era simplemente adorable".
"My Friends" abordaba más los pensamientos sombríos del propio Kiedis que los de "sus amigos": "Mis amigos están tan angustiados/Y al borde del vacío/No conozco palabras para expresar/Este vacío".
Muchas de las canciones eran conocidas por títulos alternativos/de trabajo durante el proceso de grabación/escritura: "Swirly" ("Warped"), "Music is My Aeroplane" ("Aeroplane"), "Psychedelic" ("Deep Kick"), "Baseballs" ("Coffee Shop"), "The Pea Song" ("Pea"), " Gang of Four " ("One Big Mob"), "Epic" ("One Hot Minute"), "Frog" ("Shallow Be Thy Game"), " River " ("Transcending"), "Evil" ("Let's Make Evil"), "Punk Blender" ("Blender"), "Stretching You Out" ("Stretch"), y "Melancholy Mechanics of My Mind" y "Velvet" ("Melancholy Mechanics").
El álbum estuvo a punto de titularse “Black Fish Ferris Wheel”.
El artista Mark Ryden, quien diseñó la portada del álbum, incluso había creado un diseño de prueba con ese título antes de que la banda se decidiera por “One Hot Minute”.
El álbum también tuvo otros títulos provisionales como “The Sensitives” , “Turtlehead” , “The Good and Bad Moods of the Red Hot Chili Peppers” y “The Blight Album”.
Trece canciones de las sesiones de “One Hot Minute” llegaron a la versión final del álbum.
"Melancholy Mechanics" se lanzó como pista adicional en la edición japonesa del álbum, así como cara B del sencillo "Warped", y "Let's Make Evil" y "Stretch" (originalmente conectada al final de "One Big Mob") se lanzaron en el sencillo "My Friends".
"Bob" (una canción sobre el amigo cercano Bob Forrest) finalmente apareció 11 años después como pista adicional de iTunes en 2006.
La canción cuenta con la percusión de Stephen Perkins.
"The Junkie Song", que se mencionó en entrevistas y también cuenta con Perkins, permanece inédita.
"Blender" (descrita como una canción corta y caótica) fue una de las dos canciones ("Stretch" es la otra) que se eliminaron de la versión final del álbum en el último minuto.
La canción nunca se ha publicado, pero resurgió como una filtración en 2023.
"The Intimidator" y "Slow Funk", dos canciones mencionadas en entrevistas por Chad Smith, nunca se han publicado.
Flea mencionó en entrevistas que "The Intimidator" se inspiró en Miles Davis mientras que se ha especulado a partir de comentarios hechos por Chad Smith que "Slow Funk" era un título provisional para "Falling Into Grace".
También hay varias mezclas preliminares inéditas de las pistas del álbum que incluían instrumentos adicionales, letras adicionales o finales extendidos.
Mientras ultimaban los detalles del álbum, la banda grabó un video para "Warped".
Le pidieron al cuñado de Flea, Gavin Bowden, que lo dirigiera.
El video mostraba a los miembros de la banda con poca ropa e incluía un beso entre Kiedis y Navarro hacia el final, como una forma de romper la monotonía de la engorrosa grabación.
Sin darle mayor importancia, continuaron filmando y terminaron varios días después.
Sin embargo, Warner Bros. vio el video e inmediatamente quiso desecharlo, considerándolo invendible y argumentando que el beso y las imágenes homoeróticas alienarían a una gran parte de los fans de la banda.
La banda llegó a un consenso para mantener el beso en la versión final, lo que provocó una reacción negativa por parte del público universitario, que se sintió ofendido.
Kiedis comentó sobre la situación: "Si no podían aceptar lo que estábamos haciendo, ya no los necesitábamos".
“One Hot Minute” fue Certificado Oro poco más de dos meses después de su lanzamiento, el 11 de noviembre; desde entonces ha alcanzado el Doble Platino en los Estados Unidos.
El álbum alcanzó el número cuatro en el Billboard Top 200.
"My Friends" alcanzó el número uno en las listas de Modern Rock y Mainstream Rock.
La canción también alcanzó el número 29 en la lista de sencillos del Reino Unido, y "Aeroplane" el número 11.
En el Reino Unido, “One Hot Minute” alcanzó el número dos, el álbum de la banda con la posición más alta en las listas allí hasta el momento, superado por “The Great Escape” de Blur, que se lanzó la misma semana.
Varios días después del lanzamiento del álbum, Kiedis continuó consumiendo drogas a pesar de las numerosas entrevistas a las que tenía programadas.
Se lanzaron cinco sencillos para promocionar el álbum: "Warped", "My Friends", "Aeroplane", "Shallow Be Thy Game" (solo en Australia) y "Coffee Shop" (solo en Alemania).
Todos los sencillos, con la excepción de "Shallow Be Thy Game", contaron con videoclips.
"My Friends" tuvo dos videoclips diferentes. La banda no quedó satisfecha con el video original, por lo que se lanzó un segundo video que mostraba imágenes de la banda grabando la canción.
“One Hot Minute” no fue tan bien recibido universalmente como “Blood Sugar Sex Magik”, y finalmente se consideró una mala continuación.
Sin embargo, recibió críticas mixtas a positivas.
Daina Darzin de Rolling Stone dijo: "One Hot Minute se sumerge en las profundidades emocionales de la adicción a las drogas y la pérdida", y que el álbum "es un disco ferozmente ecléctico e imaginativo que también muestra a los miembros de la banda más reflexivos, espirituales, incluso maduros. Después de una carrera de más de 10 años, finalmente están alcanzando su potencial".
David Browne de Entertainment Weekly dijo que "One Hot Minute grita y se agita como una cinta de entrenamiento de pogo, pero también tiene momentos de sutileza y madurez absolutas". Continúa elogiando a Kiedis por "mantener sus tendencias groseras bajo control".
Browne, sin embargo, critica a la banda por "intentos de filosofía cósmica que a menudo tropiezan con sentimientos hippies", y algunas canciones "recurren al sudor rancio del frat-funk".
"Los Peppers trabajan en su propio pequeño espacio con considerable maestría", escribió Peter Kane en Q. "El recién llegado Navarro rara vez defrauda y al frente la tensa bola de energía llamada Anthony Kiedis sigue siendo un líder de labios elásticos apropiado, aunque no precisamente adorable".
Q también incluyó “One Hot Minute” en su resumen de "lo mejor del año": "Una mezcla explosiva y abrasadora de baladas sesgadas y ejercicios físicamente intimidantes que embisten como un toro en una promesa".
Stephen Thomas Erlewine de AllMusic dijo retrospectivamente que "superar a Blood Sugar Sex Magik resultó ser una tarea difícil para los Red Hot Chili Peppers", y "el riff de guitarra metálica de Navarro debería haber añadido algo de peso al funk de guitarra pesada con influencias punk de los Chili Peppers, pero tiende a hacerlo pesado".
Erlewine continuó añadiendo que "al enfatizar el metal, el funk se va desvaneciendo gradualmente de la mezcla, al igual que la melodía".
Erlewine consideró que "My Friends" era un intento descarado de aferrarse al público mayoritario ganado con "Under the Bridge", y que, en contraste, "las melodías son débiles y las letras aún más endebles".
La canción también "intenta ser un abrazo colectivo para todos los amigos problemáticos [de Kiedis]".
Por otro lado, Rolling Stone dijo que la canción era "encantadora" e incorporaba un "estribillo vagamente folk, y exhibe la misma melancolía de 'Under the Bridge' y 'Breaking the Girl'".
El artículo continuó elogiando "Warped", afirmando que "mezcla letras desgarradoras con una introducción de múltiples tonos y capas y un torbellino de ruidos y ritmos de big rock que surfean a través de grandes ganchos funky. Es como, bueno, un subidón de drogas".
Rolling Stone continuó diciendo que la canción principal era "funky y divertida. Trata sobre el amor y el sexo. Qué demonios. Algunas cosas no tienen por qué cambiar".
Entertainment Weekly dijo que "algunas de estas canciones duran demasiado y se habrían beneficiado de un recorte", aunque le dieron crédito a Kiedis por sonar "casi espiritual" en "Falling into Grace".
Robert Christgau le dio al álbum una calificación de "fracaso".
En 1994 y 1995, la banda, junto con el director Gavin Bowden, comenzó a trabajar en un documental, “Deep Kick”, que toma su nombre de la tercera canción del álbum.
Se esperaba que el documental fuera similar a “Funky Monks”, que documentó la creación de “Blood Sugar Sex Magik”, aunque también incluiría cortometrajes intercalados con cada miembro de la banda.
Se han publicado en internet algunas imágenes del documental, incluyendo el segmento de Anthony junto con un segmento de la banda con la canción "I'm Waiting for the Man" de The Velvet Underground de fondo.
También se obtuvieron imágenes de la versión en estudio del videoclip de "My Friends".
Se desconoce si el proyecto llegó a completarse y, de ser así, por qué Warner nunca lo publicó.
La gira “One Hot Minute” comenzó varios días después del lanzamiento del álbum.
La banda abrió la gira con una etapa europea.
La corta etapa europea terminó a principios de noviembre, y la parte estadounidense estaba programada para comenzar 10 días después; sin embargo, se pospuso hasta principios de febrero debido a que Chad Smith se fracturó la muñeca.
Después de algunos conciertos en la etapa estadounidense, Kiedis se lesionó gravemente la pierna mientras realizaba lo que él llama "baile robótico con los ojos cerrados".
Tropezó con un monitor y cayó del escenario, terminando colgando de la pantorrilla del cable de su micrófono, lo que resultó en un yeso que usó durante los siguientes dos meses.
Kiedis reflexionó que "fue agradable ver que la gente todavía estaba interesada en venir a ver lo que hacemos", ya que había habido un lapso de cuatro años desde el lanzamiento de “Blood Sugar Sex Magik”.
Tras la conclusión de la gira estadounidense, la banda se tomó dos semanas de descanso antes de varias presentaciones en Australia y Nueva Zelanda.
Los Peppers luego tocaron en el Concierto por la Libertad del Tíbet en San Francisco en junio, antes de terminar la gira en Europa.
Kiedis se mantuvo sobrio durante toda la gira y conservó una actitud positiva durante los conciertos.
Navarro, sin embargo, se estaba cansando de las giras, y eso empezaba a molestar a sus compañeros de banda.
Kiedis sufrió una lesión adicional en Praga tras caerse del escenario al intentar realizar una voltereta hacia atrás.
Se vio obligado a usar un corsé ortopédico durante los siguientes conciertos, lo que limitaba sus movimientos al área alrededor de su micrófono.
Después de los conciertos en París y Londres, la banda regresó a Los Ángeles y Kiedis volvió a consumir drogas, aunque se obligó a dejarlo después de varias semanas.
Posteriormente, se les pidió a la banda que tocaran en el Polo Norte para aproximadamente 100 ganadores de un concurso organizado por Molson una cervecera canadiense.
Si bien el concierto fue ligeramente motivador para la banda, regresaron a casa después de dos días.
Pasaron meses sin conciertos programados debido a las bajas ventas del álbum.
Después de otra recaída y una temporada en rehabilitación, Kiedis y el resto de la banda se prepararon para una gira de verano, la primera en casi siete meses.
Antes de que comenzara la gira, Kiedis tuvo un accidente de motocicleta y fue llevado de urgencia al hospital después de lesionarse gravemente la mano.
Debido a su adicción a las drogas, necesitó siete dosis de morfina antes de que el dolor se aliviara.
Después de ser dado de alta del hospital, se vio obligado a usar un yeso de brazo completo durante varios meses, lo que resultó en la cancelación de todos los conciertos programados restantes.
A mitad de la recuperación de Kiedis, la banda fue invitada a tocar en el Festival Fuji Rock en julio de 1997.
Para entonces, el yeso de Kiedis se había retirado hasta el codo y se sentía lo suficientemente bien como para tocar.
Se había pronosticado que un gran tifón azotaría el festival varias horas antes del espectáculo.
El concierto se llevó a cabo de todos modos, y cuando los Chili Peppers subieron al escenario, el público estaba empapado por lluvias torrenciales, y a la banda le resultó prácticamente imposible tocar sus instrumentos.
Después de ocho canciones, el equipo de iluminación y sonido fue arrancado del escenario y la banda se vio obligada a terminar de forma improvisada.
Al regresar a casa, los Chili Peppers se separaron y, aunque Flea y Navarro salieron de gira a finales de 1997 con el "Relapse Tour de "Jane's Addiction, en su mayor parte, RHCP se mantuvo aislado durante el resto de 1997.
No se compuso material nuevo durante ese tiempo, y no fue hasta principios de 1998 que la banda comenzó a ensayar.
En ese momento, Navarro se había vuelto adicto a las drogas, y Kiedis también luchaba por mantenerse sobrio.
La banda decidió hablar con Navarro e intentar convencerlo de que ingresara en rehabilitación. La conversación se convirtió en una acalorada disputa.
En abril de 2010, Navarro habló sobre este incidente, declarando: "Una fue mi consumo de drogas en ese momento. La otra fueron diferencias musicales. Anthony dice que fue porque me tropecé y me caí sobre un amplificador mientras estaba drogado. Yo digo que él consumía más drogas que yo en ese momento. Ambos teníamos una relación laxa con la realidad. ¿A quién quieres creer?".
La banda intentó comenzar a escribir para un álbum sucesor y había escrito y comenzado a grabar una canción titulada "Circle of the Noose", pero nunca se completó.
La canción, la última en la que Navarro tocó la guitarra, era un homenaje al fallecido cantante de qawwali y música devocional Nusrat Fateh Ali Khan.
Navarro describió la canción como pop y fúnebre, y dijo que era una de sus canciones favoritas que creó con la banda.
Dijo: "La mejor manera de describirla es que es como folk animado de los 60 con ideales de los 90, pero odiaría etiquetarla como folk porque no lo es, tiene ritmo".
Según Flea, contenía una muestra de Nusrat Fateh Ali Khan.
El 3 de febrero de 2016, se filtró a internet una mezcla preliminar de "Circle of the Noose", grabada el 16 de marzo de 1998.
En este punto de 1998, Kiedis y Flea decidieron que era hora de despedir a su guitarrista.
Navarro se enfureció al ser confrontado por Kiedis y Flea, pero finalmente aceptó su despido.
Los Peppers estaban peleados y al borde de la separación.
Flea comenzaba a cuestionar el futuro de la banda y pensó que tal vez sería necesario separarla.
Hizo un último intento por mantener a la banda unida y en abril de 1998, Flea visitó a Frusciante, había completado recientemente un programa de rehabilitación de drogas después de más de cinco años de adicción a la heroína, y le pidió que se reincorporara a la banda.
Frusciante rompió a llorar y dijo que nada lo haría más feliz.
Durante la gira de "One Hot Minute", se interpretaron todas las canciones del álbum, excepto "Tearjerker" y "Falling Into Grace".
"One Hot Minute" se interpretó solo una vez, mientras que "Shallow Be Thy Game" se interpretó solo cuatro veces.
Desde que la gira terminó en 1997, solo se han interpretado "Pea" y "Aeroplane", y "Pea" se ha interpretado en todas las giras, convirtiéndose así en la canción más interpretada de “One Hot Minute”, con más de 150 interpretaciones hasta 2025.
Ninguna canción del álbum ha sido interpretada por John Frusciante, con la excepción de "Pea".
En 2002, Frusciante declaró que nunca había escuchado el álbum, afirmando que "escucharlo sería como ver a tu novia con otro hombre".
En una entrevista en línea en febrero de 2014, los fans le preguntaron a Chad Smith sobre las razones por las que la banda no interpretaba esas canciones, y él respondió diciendo: "Ya no nos sentimos tan conectados con ese disco. No hay ninguna razón especial, no es que nunca tocaríamos esas canciones, pero ahora mismo no nos sentimos tan conectados emocionalmente con esa música".
La banda presentó fragmentos de "My Friends", "Let's Make Evil" y "Walkabout" durante la gira mundial “I'm With You”, y "Deep Kick" se presentó durante la gira mundial “The Getaway”.
En 1999, después de más de un año de producción, los Red Hot Chili Peppers lanzaron “Californication”.
“Californication”, el séptimo álbum de estudio de la banda, fue lanzado el 8 de junio de 1999 por Warner Bros. Records y producido por Rick Rubin.
Junto con “Blood Sugar Sex Magik”, “Californication” es uno de los álbumes más vendidos de la banda.
“Californication” marcó el regreso del guitarrista John Frusciante y transformó el estilo de la banda.
Las letras incorporaban las insinuaciones sexuales ya características del grupo, pero añadían temas como la muerte, California, el suicidio, las drogas, la globalización y los viajes.
“Californication” es el lanzamiento de estudio más exitoso comercialmente de los Chili Peppers hasta la fecha, con más de 17 millones de copias vendidas en todo el mundo y más de ocho millones solo en Estados Unidos.
Hasta 2002, el álbum había vendido más de cuatro millones de copias en Europa.
El disco produjo varios éxitos para la banda, incluyendo "Otherside", la canción que da título al álbum y "Scar Tissue", ganadora del premio Grammy.
“Californication” alcanzó el puesto número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos.
El disco marcó un cambio significativo en el estilo de la banda: Greg Tate de Rolling Stone señaló que "mientras que todos los proyectos anteriores de los Chili Peppers han sido muy enérgicos, Californication se atreve a ser espiritual y epifánico".
Otro crítico, Paul Verna de Billboard, mencionó que el álbum sacó a relucir "el lado más suave y melódico del grupo", en contraste con sus seis álbumes anteriores.
La mayor parte de la música de “Californication” se compuso en el estudio improvisado de Flea en el garaje durante el verano de 1998.
Frusciante tardó varias semanas en readaptarse a tocar con sus compañeros, especialmente mientras se recuperaba de su adicción a las drogas.
El cantante Anthony Kiedis señaló que, como resultado de este periodo de readaptación, Frusciante adoptó un enfoque minimalista al tocar la guitarra.
Según el biógrafo Jeff Apter, los Red Hot Chili Peppers compusieron entre 30 y 40 canciones para el álbum, que finalmente se redujeron a 15 para su lanzamiento.
Los miembros de la banda adoptaron un enfoque relajado al componer música. Como dijo Kiedis: “Todos nos divertíamos. Era como si no tuviéramos nada que perder ni nada que ganar. No nos importaba; hacíamos música por el simple placer de hacerla”.
“Californication” se grabó en Cello Studios en Los Ángeles y tardó un poco más de tres semanas en completarse.
La banda eligió a Rick Rubin para producir el álbum.
Rubin había trabajado con los Red Hot Chili Peppers en sus dos álbumes anteriores, y Kiedis señaló que hubo cierta reticencia a volver a contratarlo. "Pensamos que tal vez era hora de conseguir un nuevo productor. Cada vez que haces un disco, no importa lo bueno que haya sido trabajar con un productor, e incluso si sabes que vas a terminar haciendo un disco con esa misma persona otra vez, siempre hay un día en que alguien dice: '¿Queremos conseguir un nuevo productor?'".
Aproximadamente una semana después de comenzar las sesiones de grabación, Jim Scott fue contratado como ingeniero de audio de reemplazo, ya que la banda no estaba contenta con la producción original.
La banda fue puntual y profesional, en comparación con lo que Rubin describió como las "sesiones de marihuana de un día entero o indulgencias sexuales" que habían plagado las sesiones de grabación de álbumes anteriores.
La grabación de las canciones duró cinco días.
Los cuatro miembros de la banda grabaron sus instrumentos al mismo tiempo en la misma habitación.
Rubin y Scott querían que el audio fuera "seco y potente", por lo que colocaron numerosos micrófonos directamente al lado de los instrumentos.
Entre los micrófonos utilizados estaban Shure SM57, Neumann U47 y Sennheiser MD 421.
“Californication” se grabó usando una consola Neve 8038 en dos grabadoras de cinta Ampex 124 de 24 pistas.
Scott indujo una ecualización significativa usando ecualizadores Neve 1073. Hubo una mínima sobregrabación.
Una vez grabadas las canciones, las pistas de la segunda máquina de 24 pistas que contenían las voces se transfirieron a Pro Tools para permitir una fácil experimentación para establecer un "mapa" de cómo encajarían varias partes de las voces antes del ensamblaje analógico de estas partes.
Siguiendo con el tema de hacer que el álbum sonara "seco y contundente", la mayor parte de “Californication” se mezcló utilizando sonido monofónico.
Scott consideró que las grabaciones iniciales ya eran buenas, por lo que se alteró muy poco durante las sesiones de mezcla.
El álbum se mezcló por separado en varios formatos digitales (incluyendo cinta de audio digital y DA-88 ) para comparar el sonido, y Scott finalmente utilizó una grabadora analógica de 2 pistas a 30 pulgadas por segundo.
Muchas de las canciones grabadas durante las sesiones de “Californication” no estuvieron disponibles comercialmente hasta lanzamientos posteriores.
En septiembre de 1998, la banda entró al estudio El Teatro de Daniel Lanois en Oxnard, California, para comenzar sus ensayos y grabar demos para el álbum que eventualmente se convertiría en “Californication”.
Las sesiones, que fueron bautizadas como las “Sesiones Teatro”, permanecieron inéditas hasta 2014, cuando se filtraron a internet.
Las sesiones presentaban versiones tempranas de canciones que eventualmente aparecerían en el álbum; sin embargo, algunas eran muy diferentes a las versiones finales que aparecieron en el álbum.
Canciones como "Californication" y "Purple Stain" tienen una instrumentación muy diferente y son esencialmente canciones distintas.
"I Like Dirt" y "Bunker Hill" tienen puentes diferentes.
Muchas canciones también tienen letras incompletas o diferentes a sus versiones finales de estudio.
Las sesiones también incluyeron siete canciones que nunca pasaron de la etapa de demo y permanecieron inéditas hasta la filtración.
Estas canciones incluían "Tellin' a Lie", "Mommasan", "Andaman & Nicobar", "Sugar Sugar", "Trouble in the Pub", "Boatman", "Plate of Brown" y también varias improvisaciones instrumentales.
De las canciones grabadas durante estas sesiones, la instrumental "Teatro Jam" y la demo de "Parallel Universe" se publicaron oficialmente en el sencillo "Around the World".
La mayor parte del material y las letras de las canciones del álbum surgieron de la "agitación personal y profesional" que los distintos miembros de la banda atravesaban o estaban atravesando en ese momento.
Esto dio como resultado un "enfoque sensible que uno podría no esperar de una banda cuyos seguidores son skate-punks y universitarios".
El principal objetivo de Kiedis con este álbum era "contar historias de almas errantes que se han perdido en busca del sueño americano en California".
Las letras de “Californication” se derivaron de las ideas, perspectivas y percepciones de Kiedis sobre la vida y su significado.
"Porcelain" surgió del encuentro de Kiedis con una joven madre soltera en la YMCA, quien intentaba combatir su adicción a la heroína mientras vivía con su hija pequeña en Los Ángeles durante el verano de 1998.
Respecto al encuentro que inspiró la canción, Kiedis dijo en 1999: "[La] madre está aturdida, enganchada a la heroína, pero la niña es un ángel radiante. La mujer ama a su hija, pero la yuxtaposición de sus energías es profunda".
Kiedis también tuvo un interés amoroso en Yohanna Logan, una diseñadora de moda a quien conoció mientras ella trabajaba en la ciudad de Nueva York.
La relación de Kiedis con Logan influyó en su exploración del amor a lo largo de “Californication”, en canciones como "This Velvet Glove".
Frusciante abordó la línea de guitarra presente en "Scar Tissue" como un intento de usar dos notas que se tocan muy separadas, pero que producen un "ritmo genial".
Había explorado esta técnica en su primer álbum en solitario, “Niandra LaDes and Usually Just a T-Shirt” de 1994.
Frusciante considera que "Scar Tissue" es un "ejemplo muy simple de la técnica, pero creo que es un estilo que suena como yo".
El guitarrista utilizó la técnica de guitarra slide para los solos de la canción.
"Emit Remmus" se inspiró en la breve relación de Kiedis con Melanie C de las Spice Girls.
"Get on Top", una canción que incluye un uso significativo del pedal wah, se formó tras una sesión improvisada poco después de que Frusciante escuchara a Public Enemy : "Se me ocurrió [el ritmo de la canción] de camino al ensayo, simplemente marcándolo con el pie".
El discreto solo de guitarra que se toca en medio de la canción originalmente iba a ser más notorio, según Frusciante, quien solía tocar solos de guitarra estridentes.
Cambió su enfoque tras escuchar el solo de guitarra de Steve Howe en "Siberian Khatru" de Yes : "La banda sonaba muy potente, y tocaban muy rápido, y luego aparece este solo de guitarra limpio por encima. Es realmente hermoso, como si estuviera en una especie de pedestal. Para 'Get On Top' quería tocar algo que contrastara entre el solo y el acompañamiento".
"Savior", una canción que se encuentra casi al final del álbum, presenta efectos fuertes, sobre todo un micro Synth Electro-Harmonix con un retardo de 16 segundos.
Frusciante señala que el sonido está "directamente inspirado en la forma de tocar de Eric Clapton en Cream. Si escuchas las notas reales, son como un solo de Clapton; simplemente no suenan igual debido a los efectos".
El éxito "Around the World", que recuerda al sonido funk de los Chili Peppers, fue compuesto por Frusciante en su casa.
Sin embargo, el ritmo y la base son complejos; esto requirió que tocara la canción con el resto de la banda en lugar de solo para que la entendieran.
El riff de bajo fue compuesto en "quizás 15 minutos", según Frusciante: "Flea es el mejor bajista del mundo. Su sentido del ritmo y su forma de pensar son increíbles".
La canción que da título al álbum fue una de las más difíciles de completar para la banda.
Frusciante se sintió obligado a escribir un conjunto de guitarras apropiado que complementara adecuadamente el conmovedor contenido lírico, pero encontró dificultades.
La canción apenas progresaba y habría sido descartada de no ser por la insistencia de Kiedis para incluirla en el álbum.
Frusciante completó el riff final dos días antes de la grabación, tras inspirarse en la canción de la banda sonora de The Cure para "Carnage Visors".
La canción principal pretendía representar el estilo de vida californiano y, más específicamente, la naturaleza "falsa" que se asocia con gran parte de Hollywood.
Hace referencia a Kurt Cobain de Nirvana y utiliza numerosas imágenes para capturar la naturaleza evocadora de California.
El disco supuso un cambio de estilo para los Chili Peppers, especialmente comparado con “One Hot Minute”.
Aunque “Californication” todavía contiene algunas canciones de funk rock (como "Around the World", "Get on Top", "I Like Dirt", "Purple Stain" y "Right on Time"), se inclinó hacia riffs más melódicos (por ejemplo, "Scar Tissue" y "Otherside") y se centró en canciones con una estructura definida en lugar de improvisaciones.
Para promocionar “Californication”, los Red Hot Chili Peppers desarrollaron lo que el biógrafo Jeff Apter llamó una "presencia en Internet que los abrió a un nuevo tipo de oyente: el ciber-geek".
Del 4 al 8 de junio, se transmitieron tres nuevas canciones de “Californication” cada día en el sitio web de la banda.
Flea interactuó con los fans en línea con una serie de publicaciones en Internet llamadas "Fleamail", en las que hablaba sobre el proceso de grabación, las próximas fechas de la gira y, ocasionalmente, pensamientos de estilo flujo de conciencia sobre su vida.
Los Red Hot Chili Peppers también actuaron en varios bailes de graduación de escuelas secundarias en todo Estados Unidos poco antes del lanzamiento del álbum. La idea era reintroducir a los Red Hot Chili Peppers a una audiencia más joven.
El tema de estas actuaciones fue "Stop The Hate" (Detengan el odio), que fue en respuesta a la masacre de la escuela secundaria Columbine.
El precio de la entrada era una sugerencia escrita sobre cómo prevenir el acoso y el odio entre los estudiantes de secundaria.
“Californication” debutó en el número 3 en la lista Billboard 200 y vendió 189.000 copias para el 26 de junio, superando las ventas iniciales de “Blood Sugar Sex Magik” y “One Hot Minute”.
Para el 3 de julio, “Californication” bajó al número 7 y permaneció en la lista Billboard 200 durante 101 semanas.
Desde entonces ha sido certificado 8× Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA), por vender más de 8 millones de copias en los Estados Unidos.
“Californication” también tuvo un éxito comercial significativo fuera de los Estados Unidos.
Por ejemplo, en Inglaterra, el álbum alcanzó el número 5 en la lista UK Albums Chart y permaneció en la lista durante 169 semanas.
Finalmente fue certificado 5 veces Platino por la Industria Fonográfica Británica por vender 1,5 millones de copias en el Reino Unido.
Otros picos notables incluyen alcanzar el número 1 en las listas de Australia, Finlandia, Italia, Nueva Zelanda, Noruega y Suecia.
A partir de 2019, “Californication” es el álbum más vendido de Red Hot Chili Peppers, con ventas de más de 17 millones de copias en todo el mundo.
Gran parte del éxito comercial de “Californication” se puede atribuir a la popularidad de sus sencillos.
Los tres sencillos más populares fueron "Californication", "Otherside" y "Scar Tissue".
William Goodman de Billboard escribió: "No se podía existir en la cultura pop estadounidense sin escuchar sus sencillos".
"Scar Tissue" fue el sencillo principal, y en el video musical que lo acompañaba, los cuatro miembros de la banda viajan en un convertible por el Parque Nacional Joshua Tree.
"Scar Tissue" pasó 16 semanas en la cima de la lista Mainstream Rock en los Estados Unidos, y alcanzó el número 9 en el Billboard Hot 100.
Además, la canción se agregó a la rotación de las 91 estaciones de radio de rock moderno en los Estados Unidos, la primera canción en lograr la hazaña desde "Discothèque" de U2.
"Californication" y "Otherside" también tuvieron una difusión significativa en la radio, alcanzando los puestos 69 y 14 respectivamente en el Billboard Hot 100.
“Californication” fue muy bien recibido por los críticos musicales en contraste con “One Hot Minute” y fue un mayor éxito mundial.
Rolling Stone reconoció a Kiedis por su voz drásticamente mejorada: "[sus] cuerdas vocales aparentemente han estado en una encrucijada y después de la rehabilitación, y regresaron con un rango, cuerpo, tono, sentimiento y sensibilidad melódica nunca antes escuchados".
Canciones como "Otherside" y "Porcelain" fueron llamadas "al estilo de Pumpkins", mientras que el álbum en su conjunto fue "epifanial" y "los RHCP más acérrimos ahora se están moviendo hacia el verdadero Santo Grial del funk: ese matrimonio salado de mitología esotérica y musicalidad insaciable que salva almas, une comunidades y cura a los enfermos".
Howard Cohen aclamó “Californication” como una gran mejora con respecto a su predecesor en el Miami Herald, encontrando que presenta la "música más lograda" de la banda hasta la fecha.
Sandra Sperounes, del Edmonton Journal, predijo que el álbum "poderoso" sería un éxito, y que "Scar Tissue" y "Otherside" serían los primeros puestos de las listas.
Elogió la instrumentación y las armonías renovadas, pero criticó las numerosas referencias a California.
Otros críticos atribuyeron el éxito del álbum al regreso de Frusciante.
Greg Prato de AllMusic dijo que la "razón obvia del renacimiento de la banda es la reaparición del guitarrista John Frusciante", considerándolo el "guitarrista por excelencia de los RHCP".
El álbum en su conjunto fue "un auténtico clásico de los Chili Peppers".
Entertainment Weekly también le atribuye a Frusciante la transformación del sonido de la banda en un "álbum más relajado, menos estridente y, a su manera, más introspectivo que nunca".
Mark Woodlief de Ray Gun comentó que "'This Velvet Glove' logra un equilibrio intrincado entre una exuberante base de guitarra acústica y rock épico", Woodlief continuó "la introducción disco de 'Parallel Universe' da paso a un ardiente motivo de Western giddy-up en el estribillo, y las excursiones al estilo Hendrix de Frusciante al final de la canción".
Aunque muchos críticos consideraron refrescante el nuevo sonido de la banda, NME criticó a los Chili Peppers por usar poco su característico sonido funk, preguntando: "¿Podemos recuperar a nuestros animales de rock funk-hop descerebrados y medio vestidos, por favor? Toda esta falsa empatía está empezando a hacerme hormiguear las costillas extirpadas".
Pitchfork, si bien consideró el álbum un triunfo sobre “One Hot Minute”, sintió que “Californication” carecía del funk que siempre estaba presente en “Blood Sugar Sex Magik”.
Continuó analizando algunas letras por ser demasiado sexuales, pero también consideró a Frusciante como "el mejor guitarrista de rock estadounidense de primera categoría del momento".
El crítico Robert Christgau le dio al álbum una mención honorífica de una estrella, describiendo a la banda como "demonios de la Nueva Era" y citando "Scar Tissue" y "Purple Stain" como temas destacados.
Desde su lanzamiento, algunos periodistas han atribuido a “Californication” la revitalización de la imagen y la relevancia de los Red Hot Chili Peppers.
Durante el período de ocho años entre el álbum que catapultó a la fama a la banda, “Blood Sugar Sex Magik”, y “Californication”, el único lanzamiento de los Red Hot Chili Peppers fue “One Hot Minute”, que fue visto por fans y críticos como un fracaso.
Además, el auge de Internet y las plataformas de transmisión de música en línea como Napster brindaron a los consumidores más opciones para escuchar, lo que significó que bandas establecidas como los Red Hot Chili Peppers ya no tenían seguidores incorporados.
Escribiendo sobre este período de la carrera de la banda, Ryan Leas de Stereogum dijo: "RHCP ya había estado presente desde principios de los 80, pero ahora se acercaban al otro lado de otra década, una que les había otorgado el estrellato... estaban posicionados para, necesitaban, un momento de regreso".
Chad Childers de Loudwire ofrece comentarios similares y cree que “Californication” ayudó a consolidar el estatus de la banda como eventuales miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll.
Cuando se lanzó “Californication”, algunos oyentes se quejaron de la compresión y distorsión excesivas.
Esta crítica persistió durante la década de 2000, y algunos periodistas citaron “Californication” como un ejemplo de un álbum afectado por la guerra del volumen, una tendencia en la que los niveles de audio se incrementan a expensas de la fidelidad del audio.
En su libro de 2009, “Perfecting Sound Forever”, Greg Milner señala que “Californication” se convirtió en uno de los álbumes más ridiculizados dentro de las comunidades de masterización de audio en línea, y que existen múltiples peticiones en línea para que Warner Bros. remasterice los álbumes de Red Hot Chili Peppers sin la compresión y distorsión excesivas.
En 2003, Rolling Stone publicó su lista de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos", con “Californication” en el puesto 399.
Bajó al puesto 401 en la lista revisada de 2012, pero subió al puesto 286 en las listas revisadas de 2020 y 2024.
En 2015, el equipo de Ultimate Classic Rock nombró a “Californication” como uno de los mejores álbumes de rock de la década de 1990.
El álbum también se incluyó en la edición de 2018 del libro de Robert Dimery, “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
En 2024, el equipo de Loudwire lo eligió como el mejor álbum de hard rock de 1999.
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
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Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 22
Flea (Quinta parte)
Inmediatamente después del lanzamiento de “Californication”, la banda se embarcó en una gira mundial para promocionar el disco, comenzando en Estados Unidos.
Para culminar la etapa estadounidense de su gira, se les pidió a los Red Hot Chili Peppers que cerraran Woodstock '99, que se hizo tristemente célebre por la violencia resultante.
La banda fue informada minutos antes de llegar de que las multitudes y las hogueras en los campos se habían descontrolado.
Cuando los Red Hot Chili Peppers interpretaron una versión de "Fire" de Jimi Hendrix Experience para finalizar su actuación, la interrupción escaló a violencia cuando varias mujeres, que habían estado haciendo crowd surfing y mosh, fueron violadas y la propiedad cercana fue saqueada y destruida.
El Washington Post informó que la decisión de interpretar "Fire" ya estaba programada antes del festival y no fue en respuesta a los incendios en curso.
Cuando se le preguntó sobre el evento, Smith dijo: "[El incendio] literalmente parecía como si un pequeño puesto de hamburguesas hubiera tenido un incendio de grasa o algo así ... Desde donde estábamos, no parecía nada".
Para dar inicio a la gira europea de la banda, el 14 de agosto de 1999 ofrecieron un concierto gratuito en la Plaza Roja de Moscú ante una multitud de más de 200.000 personas.
Kiedis recordó la situación: "La Plaza Roja estaba tan llena de rusos que necesitábamos escolta policial para acercarnos al escenario".
Tras la etapa europea, el grupo ofreció un concierto en Nueva York, en el Windows on the World, para los ganadores del concurso de radio KROQ, y luego en el festival Big Day Out en Australia, después de varias fechas de la gira japonesa.
Sin embargo, Flea comenzó a sentir las repercusiones de las giras, lo que llevó a la banda a programar conciertos menos exigentes y, por consiguiente, menos rentables.
Estos conciertos completarían el resto de la gira “Californication”.
Como uno de los últimos conciertos antes del lanzamiento de su siguiente álbum “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers tocaron en Rock in Rio en Río de Janeiro.
La gira “Californication” fue la más grande y exitosa de la banda hasta la fecha, ayudándolos a llegar a un público aún más amplio y logrando que su álbum de apoyo alcanzara sus mayores ventas mundiales.
La expectación por la gira era muy alta debido al reciente regreso de Frusciante el año anterior.
La gira comenzó en mayo de 1999, con una gira promocional también conocida como la gira "Stop the Hate".
Estos conciertos eran solo para estudiantes de secundaria que habían escrito un ensayo sobre cómo detener la violencia en las escuelas.
La gira mundial presentó una gran variedad de música de todo el catálogo de la banda, aunque el álbum anterior de la banda, “One Hot Minute” de 1995, solo estuvo representado con la canción "Pea" de Flea, y ninguna otra canción de ese álbum ha sido interpretada con Frusciante.
Frusciante, en ese momento, afirmó no haber escuchado nunca el álbum.
La gira incluyó una gran dosis del álbum “Californication” y doce años después, todas las canciones del álbum, excepto "Porcelain", se han interpretado en vivo.
Esta gira marcó la última vez que "Backwoods", "Green Heaven" y "Subterranean Homesick Blues " se interpretaron en vivo.
La composición y formación de “By the Way” comenzó inmediatamente después de la culminación de la gira mundial de “Californication”, en la primavera de 2001.
“By the Way” es el octavo álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 9 de julio de 2002 por Warner Bros. Records.
Vendió más de 286.000 copias en su primera semana y alcanzó el número dos en la lista Billboard 200.
Al igual que con “Californication”, gran parte de la creación tuvo lugar en las casas de los miembros de la banda y otros lugares de ensayo, como el escenario de un estudio de grabación.
Kiedis recordó sobre la situación: "Empezamos a encontrar algo de magia y algo de música y algunos riffs y algunos ritmos y algunas improvisaciones y algunos grooves, y le añadimos y le quitamos y le dimos vueltas y le pusimos melodías".
Frusciante y Kiedis colaboraban durante días seguidos, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras.
Para Kiedis, "escribir By the Way fue una experiencia completamente diferente a Californication. John había vuelto a ser él mismo y rebosaba confianza".
Antes de grabar “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers decidieron que volverían a tener a Rick Rubin como productor del álbum.
Rubin había concedido en el pasado a la banda libertad creativa en su material de grabación; esto era algo que consideraban esencial para que el álbum fuera único, y solo podía ocurrir con su regreso.
Según el libro de 2010, “An Oral/Visual History by the Red Hot Chili Peppers”, Frusciante originalmente pretendía que el álbum fuera muy diferente de como finalmente se completó.
Quería un álbum con dos tipos de canciones diferentes: canciones con un sonido más "inglés" y melódicas, y canciones con mayor influencia del punk rock.
La inspiración punk de Frusciante provino de escuchar música de The Damned y Discharge, entre otros.
Rick Rubin no estaba familiarizado con estas últimas bandas ni con su sonido y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes, lo que hizo que la banda se centrara principalmente en el material melódico.
Sin embargo, una canción con influencia del punk rock fue grabada durante estas sesiones, "Body of Water", pero no llegó a la versión final y en su lugar se incluyó en el sencillo "The Zephyr Song".
Muchas de las canciones más melódicas surgieron de la escucha de Frusciante de los Beach Boys y los Beatles, junto con grupos de doo-wop y sus armonías.
Escuchaba a Emerson, Lake & Palmer todos los días durante la grabación de “By the Way”.
Frusciante también se inspiró en artistas de synth-pop, usando su guitarra para emular las melodías de Kraftwerk, The Human League, Gary Numan, Orchestral Manoeuvres in the Dark y Depeche Mode.
Explicó a LA Weekly : "Me di cuenta de que la gente que programaba sintetizadores en esta música electrónica temprana tocaba de una manera muy minimalista, donde cada nota significa algo nuevo y cada nota se basa en lo que hacían las notas anteriores".
Estos nuevos estilos, así como la prolífica producción de Frusciante durante esta época, llegaron a distanciar al bajista Flea, quien deseaba que la banda volviera a su sonido anterior influenciado por el funk.
Frusciante sentía que la banda ya había explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para la banda.
Según Kiedis, Flea sentía que su voz no se escuchaba y hubo un momento en que consideró dejar la banda.
En una entrevista con el periódico sueco Aftonbladet, Frusciante mencionó que escuchaba a guitarristas como John McGeoch por su trabajo en los álbumes de Magazine y Siouxsie and the Banshees, incluyendo “Juju”, Adrian Fisher de Sparks por “Kimono My House”, Johnny Marr de The Smiths, Vini Reilly de The Durutti Column y Keith Levene de Public Image Limited.
También reconoce al cantante y guitarrista de XTC, Andy Partridge, en la edición de 2002 de Total Guitar como una influencia en su trabajo de guitarra para el álbum.
El conjunto de guitarra y bajo del álbum fue dictado principalmente por Frusciante, en lugar de un esfuerzo colaborativo entre él y Flea.
Por lo tanto, el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior de los Chili Peppers; Frusciante buscó crear un paisaje sonoro emotivo y conmovedor a lo largo de la grabación.
Inspirándose en músicos como Reilly y McGeoch, Frusciante utilizó progresiones de guitarra texturizadas y con múltiples capas en “By the Way”, empleando herramientas como el mellotron y varios pedales de efectos.
En 2006, mientras promocionaba el siguiente álbum de estudio de la banda, “Stadium Arcadium”, Flea reflexionó sobre la composición de “By the Way”, declarando: "John llegó a este nivel artístico. Pero me hizo sentir que no tenía nada que ofrecer, como si no supiera nada".
Kiedis se vio influenciado líricamente por el amor, su novia y las emociones que se expresan al enamorarse.
Canciones escritas para el álbum como "By the Way", "I Could Die for You", "Dosed", "Warm Tape" y las canciones que no están en el álbum "Someone" y "Body of Water" divagaron en las muchas facetas del amor.
Las drogas también jugaron un papel integral en los escritos de Kiedis, ya que solo había estado sobrio desde diciembre de 2000.
Canciones como "This Is the Place" y "Don't Forget Me" expresaron su intensa relación con los narcóticos, los efectos físicos y emocionales dañinos que le causaron y el peligro siempre presente de recaída (ya que Kiedis ha sufrido recaídas crónicas en la adicción a las drogas).
Hizo referencia al difunto guitarrista de Red Hot Chili Peppers, Hillel Slovak, quien murió de una sobredosis de heroína en 1988, en "This Is the Place", y describe cómo estaba tan intoxicado en ese momento que se perdió el funeral de Slovak: "El día que murió mi mejor amigo/no pude limpiar mi cobre".
"Venice Queen" fue escrita como una oda a la terapeuta de rehabilitación de drogas de Kiedis, Gloria Scott, quien murió poco después de que él le comprara una casa en Venice Beach, California.
Lamentó su muerte como una pérdida dolorosa: "Todos queremos decirle/decirle que la amamos/Venecia tiene una reina/la mejor que he visto".
“By the Way” se desvió de los estilos anteriores de la banda, conteniendo algunas canciones impulsadas por el funk.
"Can't Stop" y la canción que da título al álbum fueron las únicas canciones que retomaron su estilo característico de versos cortos y rapeados.
"Throw Away Your Television", aunque no tiene letras cantadas rápidamente, también contenía una línea de bajo orientada al funk, aunque insinuaba rock experimental debido al uso intenso de distorsión a lo largo del verso y el estribillo.
Otras pistas "experimentales" incluyen "On Mercury", basada en la melódica.
"*****", la única pista que se toca mayormente acústica tiene influencias latinas distintivas.
Frusciante ha declarado que las partes de guitarra para "*****" fueron influenciadas por la forma de tocar de Martin Barre en el álbum “Aqualung” de Jethro Tull , con las partes de Anthony y Chad contribuyendo a la influencia latina o mexicana.
"Tear" y "Warm Tape" se basaron más en el teclado que en la guitarra o el bajo, siendo esta última escrita completamente en el instrumento.
Técnicamente, en “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers emplearon varios dispositivos para distorsionar y alterar las secuencias de guitarra y voz.
En "Don't Forget Me" utilizan un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva, mientras que Frusciante usa un Big Muff para los solos en "Minor Thing".
Muchas tomas descartadas del álbum han sido lanzadas o existen.
"Time" y una versión de "Teenager in Love" de Dion and the Belmonts fueron lanzadas en el sencillo "By the Way".
"Body of Water", "Out of Range", "Someone" y "Rivers of Avalon" fueron lanzadas en el sencillo "The Zephyr Song".
"Slowly Deeply", que apareció en el sencillo "Universally Speaking", es una toma descartada de las sesiones de “Californication”.
El sencillo de "Can't Stop" también presenta una mezcla alternativa de la canción con armonías más altas y una línea de bajo más clara.
Una versión de "Havana Affair" de los Ramones también fue grabada y lanzada posteriormente en 2003 en “We're a Happy Family: A Tribute to Ramones”.
En 2003, la banda volvió al estudio para trabajar en su álbum de grandes éxitos.
"Fortune Faded", una canción interpretada en vivo por primera vez en 2001, fue grabada originalmente y destinada a “By the Way”; sin embargo, esta versión de la canción nunca se publicó oficialmente.
La canción se regrabó con un estribillo diferente y se lanzó como sencillo para promocionar el álbum de grandes éxitos, incluyendo en la cara B "Eskimo", otra canción descartada de “By the Way”.
Las sesiones de grabación de los grandes éxitos también produjeron suficientes canciones para un nuevo álbum, muchas de las cuales no se han publicado, aunque algunas de las mezclas preliminares se han filtrado en internet.
"Bicycle Song" y "Runaway" se publicaron oficialmente en 2006 como bonus tracks en la edición de iTunes de “By the Way”, a pesar de que ninguna de las dos canciones se grabó originalmente para el álbum.
En agosto de 2014, se filtraron a internet temas inéditos de las sesiones de grabación del álbum.
Muchas de las canciones y tomas descartadas del álbum se encuentran en sus versiones más antiguas y presentan letras improvisadas por Kiedis.
La filtración incluyó tres canciones nunca antes escuchadas: "Goldmine", "Fall Water" y "Rock & Roll", junto con la versión original de "Fortune Faded".
Muchas de las canciones de “By the Way” también tenían diferentes títulos provisionales (que antes del lanzamiento también se mencionaron en varias entrevistas): Soul Train ("By the Way"), Coltraine ("The Zephyr Song"), Choppy Funk ("Can't Stop"), I Would Die, The Most Beautiful Chords Ever ("I Could Die For You"), Wolverine, Drone ("This is the Place"), A Minor One ("Minor Thing"), Television, Trash Your Television and Throw Away ("Throw Away Your Television"), Don't Forget ("Don't Forget Me"), Lemon Trees on Mercury ("On Mercury"), The Loop Song ("Dosed"), Epic, Gloria's Epic ("Venice Queen") y New Wave ("Rivers Of Avalon").
Hasta la fecha, "Strumming in D on J", una canción que se suponía que era una improvisación instrumental y que Frusciante mencionó durante entrevistas previas al lanzamiento del álbum, nunca se ha publicado.
"Upseen", otra improvisación instrumental que se decía que duraba diez minutos, tampoco se ha publicado; se especula que esta canción también podría haber sido otro título para "Strumming in D on J".
Todas las pinturas, fotografías y la dirección artística se atribuyen a Julian Schnabel y a los Red Hot Chili Peppers.
La mujer que aparece en la portada de “By the Way” es Stella Schnabel, hija de Julian Schnabel y entonces novia de Frusciante.
Respecto a la obra de arte, Frusciante comentó: “El padre de mi novia se ofreció a hacer la portada del álbum, así que le enviamos mezclas preliminares de ocho canciones, y él captó la esencia del álbum a partir de eso. Dijo que no se ofendería si no nos gustaba, pero nos encantó lo que hizo. También nos ha dado portadas geniales para todos los sencillos. Es un verdadero artista”.
Varias páginas del libreto del álbum, así como el sencillo de "By the Way", contienen dibujos de la cabeza de una cabra.
También se incluye una fotografía en blanco y negro, algo borrosa, de la banda en un campo desolado, y de cada miembro individualmente.
La mayor parte de las ilustraciones del folleto consisten en diversas escenas de réplicas de hierba y plantas, estrellas y objetos indistinguibles colocados en la tierra.
Las portadas de los sencillos “The Zephyr Song” y “Can't Stop” presentan este mismo fondo, aunque con un ángulo ligeramente diferente.
La letra de “By the Way” está colocada sobre el paisaje, escrita a mano por Kiedis en letras rosas.
Sintiendo una confianza extrema en el álbum, los Red Hot Chili Peppers emitieron la declaración: "Saludos desde las dimensiones de formas y colores invisibles. La música de este disco ha expandido nuestro espacio y nos ha hecho más grandes. Gracias por escuchar y ser exactamente dónde y quienes son".
El baterista Chad Smith comentó que “By the Way” es "música muy honesta, cruda y emotiva. Es un álbum muy dinámico, rico y exuberante. Probablemente la mejor colección de canciones de Chili Peppers que jamás hayamos publicado".
Warner Bros. Records promocionó el álbum intensamente en los meses previos al lanzamiento del disco en 2002, especialmente dirigiéndose al mercado en línea para alejar a los clientes de las descargas ilegales.
El sello discográfico implementó una campaña que denominaron coloquialmente "Una canción al día".
Este programa, iniciado el 21 de junio, tenía como objetivo filtrar una canción por día hasta que se lanzara el álbum.
Más de 150 estaciones de radio participaron en la transmisión del nuevo material diario de la banda, junto con MTV, VH1 y minoristas de música digital como iTunes, así como compañías de telefonía.
AOL presentó a los Chili Peppers como su "Artista del Mes" en junio, transmitiendo entrevistas y presentaciones en vivo de la banda de forma gratuita; también vendieron un MP3 de "By the Way", el primer sencillo del disco, por noventa y nueve centavos y sortearon entradas que dieron a los fanáticos la oportunidad de ver a la banda en Japón en noviembre.
“By the Way” se lanzó en CD y LP el 9 de julio de 2002, bajo el sello Warner Bros., vendiendo 281.948 copias en Estados Unidos en su primera semana y 1,8 millones en todo el mundo.
Fue certificado oro solo unos meses después, el 26 de octubre de 2002.
Se lanzaron cinco sencillos del álbum; de estos, la canción que da título al álbum fue la más exitosa, alcanzando el número 2 en las listas del Reino Unido y el número 1 en las listas de rock de Billboard.
Aunque el álbum vendió menos copias que “Californication”, “By the Way” logró alcanzar el número 2 en el Billboard 200, un puesto más arriba que “Californication”.
En todo el mundo, el álbum debutó en el número uno en el Reino Unido, Suiza, Nueva Zelanda, Austria y Suecia; y en el número dos en Francia.
En marzo de 2006, todos los álbumes de Red Hot Chili Peppers estuvieron disponibles para su descarga en iTunes Music Store y otros minoristas en línea.
El lanzamiento de iTunes contenía dos pistas adicionales que no aparecían en el álbum original.
El álbum recibió una reacción positiva de la crítica, que elogió “By the Way” por sus estilos melódicos, multicapa y texturizados.
Zac Johnson de AllMusic dijo que el álbum era "sofisticado ... los Peppers no han sacrificado nada de su energía característica ni de sus pasiones por la vida, el amor universal y (por supuesto) la lujuria".
Rolling Stone calificó el álbum de "increíblemente melódico" y un "equilibrio casi perfecto entre la suciedad de las calles y la aspiración de alta arte", comparándolo con otras obras, como el álbum “Pet Sounds” de los Beach Boys.
Mojo aplaudió la grabación y la consideró "el álbum más fuerte de Chili's desde Blood Sugar Sex Magik de 1991".
Dándole al álbum 5 estrellas de 5, Q llamó a “By the Way” "Un disco fantástico; lleno de maravilla".
Kimberly Mack de PopMatters comentó que el álbum "... muestra un sonido más sofisticado y exuberante que solo los Peppers de hoy podrían haber concebido", y que "las letras de Anthony Kiedis son más personales que nunca".
Frusciante era, en su opinión, "un talento musical a tener en cuenta y es el innegable factor X en el sonido de los Red Hot Chili Peppers".
Sin embargo, los elogios fueron contrarrestados por ciertos críticos.
Blender consideró “By the Way” como una secuela indistinguible de “Californication”, llamándola "Californication 2", además, criticó a los Chili Peppers por no variar su estilo y mantenerse extremadamente similares en sonido.
Jaime Lowe de The Village Voice criticó las letras de Kiedis como "absolutamente desconcertantes" y comentó que "es como si hubiera tomado un diccionario de rimas y hubiera encadenado arbitrariamente algunas frases".
Robert Christgau del periódico también criticó la composición de Kiedis, escribiendo que "no basta con que Anthony Kiedis se vuelva maduro, se supone que debe decir algo interesante sobre la madurez".
Entertainment Weekly elogió “By the Way” por estar bien refinado y ser una colaboración excelente, pero criticó a los Chili Peppers por ir a lo seguro y mantener la energía del álbum suave; por ser "más fascinante por lo que simboliza que por lo que es".
AllMusic consideró que la canción "By the Way" combinaba "funk hollywoodiense ardiente, armonías suaves, un poco de canto sobre chicas y un poco de pasar el rato en las calles en verano".
Rolling Stone comentó sobre "lo cerca que esta banda ha estado de evocar el sol puro de California" en "The Zephyr Song".
"Midnight" fue muy apreciada por varias fuentes. Fue elegida como una de las "Canciones recomendadas de Allmusic" de “By the Way”.
Kimberly Mack de PopMatters consideró que tenía "letras aptas para hippies" y que "evocaba imágenes de camisetas teñidas y radio AM".
Mack también consideró "Venice Queen" como "una obra maestra ... Los coros de Frusciante son inquietantemente hermosos".
En 2005, “By the Way” fue clasificado en el puesto número 375 en el libro de la revista Rock Hard, “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
Ha sido citado como uno de los mejores trabajos de la banda.
Flea decidió que terminaría el álbum y luego dejaría la banda. Todavía estaba molesto por las disputas con Frusciante, quien pensaba que estaba tratando de tomar el control de la banda.
Según Smith, Flea y Frusciante finalmente tuvieron una reunión para aclarar sus diferencias.
Frusciante no tenía idea de cómo se sentía Flea y no tenía intenciones de tomar el control.
Flea también reconoció que practicar la meditación Vipassanā junto con Frusciante ayudó a los dos a reparar su relación musical.
Con sus problemas resueltos, la banda lanzó su gira promocional para apoyar el álbum en Ellis Island de la ciudad de Nueva York.
Patrocinado por la estación de radio de rock K-Rock, el evento se tituló "Pep Rally".
La banda interpretó ocho canciones de “By the Way”, así como temas de “Californication” y “Blood Sugar Sex Magik” frente a 900 ganadores de concursos.
El New York Post declaró el espectáculo "uno de los mejores conciertos del año".
El lugar fue elegido para revitalizar el bajo Manhattan después de los ataques del 11 de septiembre y todas las ganancias fueron donadas a organizaciones benéficas pertinentes.
Inmediatamente después de esto, los Red Hot Chili Peppers se embarcaron en una gira mundial para promocionar el álbum.
Comenzando en Europa, también tocaron en eventos como el Fuji Rock Festival y el Coachella Valley Music and Arts Festival entretanto.
La banda finalmente culminó su etapa europea de la gira en febrero de 2003 y comenzó la etapa estadounidense el 1 de mayo.
Los Red Hot Chili Peppers tocaron en el Madison Square Garden en la ciudad de Nueva York el 20 de mayo de 2003, ante un público con entradas agotadas y una respuesta entusiasta de la crítica.
Kelefa Sanneh, del New York Times, informó que "el martes por la noche, los [Red Hot Chili Peppers] llegaron al Madison Square Garden para una extraordinaria actuación de dos horas ... En 'Don't Forget Me', [Flea] rasgueó acordes, mientras que el Sr. Frusciante aportó una magnífica línea de guitarra que burbujeaba y silbaba como una especie de reacción química".
La etapa estadounidense terminó el 21 de junio; la banda se tomó un breve descanso antes de actuar en el Castillo de Slane en Irlanda el 23 de agosto, ante una multitud de más de 80.000.
“Live at Slane Castle”, el resultado del concierto, se convertiría en el segundo DVD en vivo de los Chili Peppers, después de “Off the Map”.
Después de varias presentaciones en Japón y Australia, los Red Hot Chili Peppers planearon tres noches en Hyde Park de Londres.
Se vendieron más de 240.000 entradas en cuestión de horas, con aproximadamente 80.000 personas asistiendo a cada concierto los días 19, 20 y 25 de junio, respectivamente.
El evento ocupó el puesto número 1 en la lista de los mejores conciertos de Billboard de 2004.
Se convirtió en el concierto con mayor recaudación en un solo lugar en la historia, acumulando unos ingresos brutos estimados de 17 millones de dólares.
Debido al éxito de los tres conciertos, la banda lanzó su primer álbum en vivo, “Red Hot Chili Peppers Live in Hyde Park”, en Europa, Australia, Japón y Nueva Zelanda, excluyendo Estados Unidos.
El album incluía las nuevas canciones "Fortune Faded" y "Save the Population".
Más tarde ese año, la banda tocó en la Convención Nacional Demócrata de 2004.
En 2006, Flea reveló que volvió a considerar dejar la banda durante la gira de presentación del álbum, afirmando que "durante la gira de By the Way, después de un concierto, me sentaba al borde de la cama y me quedaba mirando al vacío".
Planeaba dedicarse a la enseñanza a tiempo completo en el Conservatorio de Música de Silverlake, pero finalmente decidió permanecer en la banda.
Más tarde, Flea declaró que "lo más doloroso de irme, y lo que me detuvo, fue la idea de decírselo a Anthony".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Flea (Quinta parte)
Inmediatamente después del lanzamiento de “Californication”, la banda se embarcó en una gira mundial para promocionar el disco, comenzando en Estados Unidos.
Para culminar la etapa estadounidense de su gira, se les pidió a los Red Hot Chili Peppers que cerraran Woodstock '99, que se hizo tristemente célebre por la violencia resultante.
La banda fue informada minutos antes de llegar de que las multitudes y las hogueras en los campos se habían descontrolado.
Cuando los Red Hot Chili Peppers interpretaron una versión de "Fire" de Jimi Hendrix Experience para finalizar su actuación, la interrupción escaló a violencia cuando varias mujeres, que habían estado haciendo crowd surfing y mosh, fueron violadas y la propiedad cercana fue saqueada y destruida.
El Washington Post informó que la decisión de interpretar "Fire" ya estaba programada antes del festival y no fue en respuesta a los incendios en curso.
Cuando se le preguntó sobre el evento, Smith dijo: "[El incendio] literalmente parecía como si un pequeño puesto de hamburguesas hubiera tenido un incendio de grasa o algo así ... Desde donde estábamos, no parecía nada".
Para dar inicio a la gira europea de la banda, el 14 de agosto de 1999 ofrecieron un concierto gratuito en la Plaza Roja de Moscú ante una multitud de más de 200.000 personas.
Kiedis recordó la situación: "La Plaza Roja estaba tan llena de rusos que necesitábamos escolta policial para acercarnos al escenario".
Tras la etapa europea, el grupo ofreció un concierto en Nueva York, en el Windows on the World, para los ganadores del concurso de radio KROQ, y luego en el festival Big Day Out en Australia, después de varias fechas de la gira japonesa.
Sin embargo, Flea comenzó a sentir las repercusiones de las giras, lo que llevó a la banda a programar conciertos menos exigentes y, por consiguiente, menos rentables.
Estos conciertos completarían el resto de la gira “Californication”.
Como uno de los últimos conciertos antes del lanzamiento de su siguiente álbum “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers tocaron en Rock in Rio en Río de Janeiro.
La gira “Californication” fue la más grande y exitosa de la banda hasta la fecha, ayudándolos a llegar a un público aún más amplio y logrando que su álbum de apoyo alcanzara sus mayores ventas mundiales.
La expectación por la gira era muy alta debido al reciente regreso de Frusciante el año anterior.
La gira comenzó en mayo de 1999, con una gira promocional también conocida como la gira "Stop the Hate".
Estos conciertos eran solo para estudiantes de secundaria que habían escrito un ensayo sobre cómo detener la violencia en las escuelas.
La gira mundial presentó una gran variedad de música de todo el catálogo de la banda, aunque el álbum anterior de la banda, “One Hot Minute” de 1995, solo estuvo representado con la canción "Pea" de Flea, y ninguna otra canción de ese álbum ha sido interpretada con Frusciante.
Frusciante, en ese momento, afirmó no haber escuchado nunca el álbum.
La gira incluyó una gran dosis del álbum “Californication” y doce años después, todas las canciones del álbum, excepto "Porcelain", se han interpretado en vivo.
Esta gira marcó la última vez que "Backwoods", "Green Heaven" y "Subterranean Homesick Blues " se interpretaron en vivo.
La composición y formación de “By the Way” comenzó inmediatamente después de la culminación de la gira mundial de “Californication”, en la primavera de 2001.
“By the Way” es el octavo álbum de estudio de la banda y fue lanzado el 9 de julio de 2002 por Warner Bros. Records.
Vendió más de 286.000 copias en su primera semana y alcanzó el número dos en la lista Billboard 200.
Al igual que con “Californication”, gran parte de la creación tuvo lugar en las casas de los miembros de la banda y otros lugares de ensayo, como el escenario de un estudio de grabación.
Kiedis recordó sobre la situación: "Empezamos a encontrar algo de magia y algo de música y algunos riffs y algunos ritmos y algunas improvisaciones y algunos grooves, y le añadimos y le quitamos y le dimos vueltas y le pusimos melodías".
Frusciante y Kiedis colaboraban durante días seguidos, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras.
Para Kiedis, "escribir By the Way fue una experiencia completamente diferente a Californication. John había vuelto a ser él mismo y rebosaba confianza".
Antes de grabar “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers decidieron que volverían a tener a Rick Rubin como productor del álbum.
Rubin había concedido en el pasado a la banda libertad creativa en su material de grabación; esto era algo que consideraban esencial para que el álbum fuera único, y solo podía ocurrir con su regreso.
Según el libro de 2010, “An Oral/Visual History by the Red Hot Chili Peppers”, Frusciante originalmente pretendía que el álbum fuera muy diferente de como finalmente se completó.
Quería un álbum con dos tipos de canciones diferentes: canciones con un sonido más "inglés" y melódicas, y canciones con mayor influencia del punk rock.
La inspiración punk de Frusciante provino de escuchar música de The Damned y Discharge, entre otros.
Rick Rubin no estaba familiarizado con estas últimas bandas ni con su sonido y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes, lo que hizo que la banda se centrara principalmente en el material melódico.
Sin embargo, una canción con influencia del punk rock fue grabada durante estas sesiones, "Body of Water", pero no llegó a la versión final y en su lugar se incluyó en el sencillo "The Zephyr Song".
Muchas de las canciones más melódicas surgieron de la escucha de Frusciante de los Beach Boys y los Beatles, junto con grupos de doo-wop y sus armonías.
Escuchaba a Emerson, Lake & Palmer todos los días durante la grabación de “By the Way”.
Frusciante también se inspiró en artistas de synth-pop, usando su guitarra para emular las melodías de Kraftwerk, The Human League, Gary Numan, Orchestral Manoeuvres in the Dark y Depeche Mode.
Explicó a LA Weekly : "Me di cuenta de que la gente que programaba sintetizadores en esta música electrónica temprana tocaba de una manera muy minimalista, donde cada nota significa algo nuevo y cada nota se basa en lo que hacían las notas anteriores".
Estos nuevos estilos, así como la prolífica producción de Frusciante durante esta época, llegaron a distanciar al bajista Flea, quien deseaba que la banda volviera a su sonido anterior influenciado por el funk.
Frusciante sentía que la banda ya había explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para la banda.
Según Kiedis, Flea sentía que su voz no se escuchaba y hubo un momento en que consideró dejar la banda.
En una entrevista con el periódico sueco Aftonbladet, Frusciante mencionó que escuchaba a guitarristas como John McGeoch por su trabajo en los álbumes de Magazine y Siouxsie and the Banshees, incluyendo “Juju”, Adrian Fisher de Sparks por “Kimono My House”, Johnny Marr de The Smiths, Vini Reilly de The Durutti Column y Keith Levene de Public Image Limited.
También reconoce al cantante y guitarrista de XTC, Andy Partridge, en la edición de 2002 de Total Guitar como una influencia en su trabajo de guitarra para el álbum.
El conjunto de guitarra y bajo del álbum fue dictado principalmente por Frusciante, en lugar de un esfuerzo colaborativo entre él y Flea.
Por lo tanto, el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior de los Chili Peppers; Frusciante buscó crear un paisaje sonoro emotivo y conmovedor a lo largo de la grabación.
Inspirándose en músicos como Reilly y McGeoch, Frusciante utilizó progresiones de guitarra texturizadas y con múltiples capas en “By the Way”, empleando herramientas como el mellotron y varios pedales de efectos.
En 2006, mientras promocionaba el siguiente álbum de estudio de la banda, “Stadium Arcadium”, Flea reflexionó sobre la composición de “By the Way”, declarando: "John llegó a este nivel artístico. Pero me hizo sentir que no tenía nada que ofrecer, como si no supiera nada".
Kiedis se vio influenciado líricamente por el amor, su novia y las emociones que se expresan al enamorarse.
Canciones escritas para el álbum como "By the Way", "I Could Die for You", "Dosed", "Warm Tape" y las canciones que no están en el álbum "Someone" y "Body of Water" divagaron en las muchas facetas del amor.
Las drogas también jugaron un papel integral en los escritos de Kiedis, ya que solo había estado sobrio desde diciembre de 2000.
Canciones como "This Is the Place" y "Don't Forget Me" expresaron su intensa relación con los narcóticos, los efectos físicos y emocionales dañinos que le causaron y el peligro siempre presente de recaída (ya que Kiedis ha sufrido recaídas crónicas en la adicción a las drogas).
Hizo referencia al difunto guitarrista de Red Hot Chili Peppers, Hillel Slovak, quien murió de una sobredosis de heroína en 1988, en "This Is the Place", y describe cómo estaba tan intoxicado en ese momento que se perdió el funeral de Slovak: "El día que murió mi mejor amigo/no pude limpiar mi cobre".
"Venice Queen" fue escrita como una oda a la terapeuta de rehabilitación de drogas de Kiedis, Gloria Scott, quien murió poco después de que él le comprara una casa en Venice Beach, California.
Lamentó su muerte como una pérdida dolorosa: "Todos queremos decirle/decirle que la amamos/Venecia tiene una reina/la mejor que he visto".
“By the Way” se desvió de los estilos anteriores de la banda, conteniendo algunas canciones impulsadas por el funk.
"Can't Stop" y la canción que da título al álbum fueron las únicas canciones que retomaron su estilo característico de versos cortos y rapeados.
"Throw Away Your Television", aunque no tiene letras cantadas rápidamente, también contenía una línea de bajo orientada al funk, aunque insinuaba rock experimental debido al uso intenso de distorsión a lo largo del verso y el estribillo.
Otras pistas "experimentales" incluyen "On Mercury", basada en la melódica.
"*****", la única pista que se toca mayormente acústica tiene influencias latinas distintivas.
Frusciante ha declarado que las partes de guitarra para "*****" fueron influenciadas por la forma de tocar de Martin Barre en el álbum “Aqualung” de Jethro Tull , con las partes de Anthony y Chad contribuyendo a la influencia latina o mexicana.
"Tear" y "Warm Tape" se basaron más en el teclado que en la guitarra o el bajo, siendo esta última escrita completamente en el instrumento.
Técnicamente, en “By the Way”, los Red Hot Chili Peppers emplearon varios dispositivos para distorsionar y alterar las secuencias de guitarra y voz.
En "Don't Forget Me" utilizan un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva, mientras que Frusciante usa un Big Muff para los solos en "Minor Thing".
Muchas tomas descartadas del álbum han sido lanzadas o existen.
"Time" y una versión de "Teenager in Love" de Dion and the Belmonts fueron lanzadas en el sencillo "By the Way".
"Body of Water", "Out of Range", "Someone" y "Rivers of Avalon" fueron lanzadas en el sencillo "The Zephyr Song".
"Slowly Deeply", que apareció en el sencillo "Universally Speaking", es una toma descartada de las sesiones de “Californication”.
El sencillo de "Can't Stop" también presenta una mezcla alternativa de la canción con armonías más altas y una línea de bajo más clara.
Una versión de "Havana Affair" de los Ramones también fue grabada y lanzada posteriormente en 2003 en “We're a Happy Family: A Tribute to Ramones”.
En 2003, la banda volvió al estudio para trabajar en su álbum de grandes éxitos.
"Fortune Faded", una canción interpretada en vivo por primera vez en 2001, fue grabada originalmente y destinada a “By the Way”; sin embargo, esta versión de la canción nunca se publicó oficialmente.
La canción se regrabó con un estribillo diferente y se lanzó como sencillo para promocionar el álbum de grandes éxitos, incluyendo en la cara B "Eskimo", otra canción descartada de “By the Way”.
Las sesiones de grabación de los grandes éxitos también produjeron suficientes canciones para un nuevo álbum, muchas de las cuales no se han publicado, aunque algunas de las mezclas preliminares se han filtrado en internet.
"Bicycle Song" y "Runaway" se publicaron oficialmente en 2006 como bonus tracks en la edición de iTunes de “By the Way”, a pesar de que ninguna de las dos canciones se grabó originalmente para el álbum.
En agosto de 2014, se filtraron a internet temas inéditos de las sesiones de grabación del álbum.
Muchas de las canciones y tomas descartadas del álbum se encuentran en sus versiones más antiguas y presentan letras improvisadas por Kiedis.
La filtración incluyó tres canciones nunca antes escuchadas: "Goldmine", "Fall Water" y "Rock & Roll", junto con la versión original de "Fortune Faded".
Muchas de las canciones de “By the Way” también tenían diferentes títulos provisionales (que antes del lanzamiento también se mencionaron en varias entrevistas): Soul Train ("By the Way"), Coltraine ("The Zephyr Song"), Choppy Funk ("Can't Stop"), I Would Die, The Most Beautiful Chords Ever ("I Could Die For You"), Wolverine, Drone ("This is the Place"), A Minor One ("Minor Thing"), Television, Trash Your Television and Throw Away ("Throw Away Your Television"), Don't Forget ("Don't Forget Me"), Lemon Trees on Mercury ("On Mercury"), The Loop Song ("Dosed"), Epic, Gloria's Epic ("Venice Queen") y New Wave ("Rivers Of Avalon").
Hasta la fecha, "Strumming in D on J", una canción que se suponía que era una improvisación instrumental y que Frusciante mencionó durante entrevistas previas al lanzamiento del álbum, nunca se ha publicado.
"Upseen", otra improvisación instrumental que se decía que duraba diez minutos, tampoco se ha publicado; se especula que esta canción también podría haber sido otro título para "Strumming in D on J".
Todas las pinturas, fotografías y la dirección artística se atribuyen a Julian Schnabel y a los Red Hot Chili Peppers.
La mujer que aparece en la portada de “By the Way” es Stella Schnabel, hija de Julian Schnabel y entonces novia de Frusciante.
Respecto a la obra de arte, Frusciante comentó: “El padre de mi novia se ofreció a hacer la portada del álbum, así que le enviamos mezclas preliminares de ocho canciones, y él captó la esencia del álbum a partir de eso. Dijo que no se ofendería si no nos gustaba, pero nos encantó lo que hizo. También nos ha dado portadas geniales para todos los sencillos. Es un verdadero artista”.
Varias páginas del libreto del álbum, así como el sencillo de "By the Way", contienen dibujos de la cabeza de una cabra.
También se incluye una fotografía en blanco y negro, algo borrosa, de la banda en un campo desolado, y de cada miembro individualmente.
La mayor parte de las ilustraciones del folleto consisten en diversas escenas de réplicas de hierba y plantas, estrellas y objetos indistinguibles colocados en la tierra.
Las portadas de los sencillos “The Zephyr Song” y “Can't Stop” presentan este mismo fondo, aunque con un ángulo ligeramente diferente.
La letra de “By the Way” está colocada sobre el paisaje, escrita a mano por Kiedis en letras rosas.
Sintiendo una confianza extrema en el álbum, los Red Hot Chili Peppers emitieron la declaración: "Saludos desde las dimensiones de formas y colores invisibles. La música de este disco ha expandido nuestro espacio y nos ha hecho más grandes. Gracias por escuchar y ser exactamente dónde y quienes son".
El baterista Chad Smith comentó que “By the Way” es "música muy honesta, cruda y emotiva. Es un álbum muy dinámico, rico y exuberante. Probablemente la mejor colección de canciones de Chili Peppers que jamás hayamos publicado".
Warner Bros. Records promocionó el álbum intensamente en los meses previos al lanzamiento del disco en 2002, especialmente dirigiéndose al mercado en línea para alejar a los clientes de las descargas ilegales.
El sello discográfico implementó una campaña que denominaron coloquialmente "Una canción al día".
Este programa, iniciado el 21 de junio, tenía como objetivo filtrar una canción por día hasta que se lanzara el álbum.
Más de 150 estaciones de radio participaron en la transmisión del nuevo material diario de la banda, junto con MTV, VH1 y minoristas de música digital como iTunes, así como compañías de telefonía.
AOL presentó a los Chili Peppers como su "Artista del Mes" en junio, transmitiendo entrevistas y presentaciones en vivo de la banda de forma gratuita; también vendieron un MP3 de "By the Way", el primer sencillo del disco, por noventa y nueve centavos y sortearon entradas que dieron a los fanáticos la oportunidad de ver a la banda en Japón en noviembre.
“By the Way” se lanzó en CD y LP el 9 de julio de 2002, bajo el sello Warner Bros., vendiendo 281.948 copias en Estados Unidos en su primera semana y 1,8 millones en todo el mundo.
Fue certificado oro solo unos meses después, el 26 de octubre de 2002.
Se lanzaron cinco sencillos del álbum; de estos, la canción que da título al álbum fue la más exitosa, alcanzando el número 2 en las listas del Reino Unido y el número 1 en las listas de rock de Billboard.
Aunque el álbum vendió menos copias que “Californication”, “By the Way” logró alcanzar el número 2 en el Billboard 200, un puesto más arriba que “Californication”.
En todo el mundo, el álbum debutó en el número uno en el Reino Unido, Suiza, Nueva Zelanda, Austria y Suecia; y en el número dos en Francia.
En marzo de 2006, todos los álbumes de Red Hot Chili Peppers estuvieron disponibles para su descarga en iTunes Music Store y otros minoristas en línea.
El lanzamiento de iTunes contenía dos pistas adicionales que no aparecían en el álbum original.
El álbum recibió una reacción positiva de la crítica, que elogió “By the Way” por sus estilos melódicos, multicapa y texturizados.
Zac Johnson de AllMusic dijo que el álbum era "sofisticado ... los Peppers no han sacrificado nada de su energía característica ni de sus pasiones por la vida, el amor universal y (por supuesto) la lujuria".
Rolling Stone calificó el álbum de "increíblemente melódico" y un "equilibrio casi perfecto entre la suciedad de las calles y la aspiración de alta arte", comparándolo con otras obras, como el álbum “Pet Sounds” de los Beach Boys.
Mojo aplaudió la grabación y la consideró "el álbum más fuerte de Chili's desde Blood Sugar Sex Magik de 1991".
Dándole al álbum 5 estrellas de 5, Q llamó a “By the Way” "Un disco fantástico; lleno de maravilla".
Kimberly Mack de PopMatters comentó que el álbum "... muestra un sonido más sofisticado y exuberante que solo los Peppers de hoy podrían haber concebido", y que "las letras de Anthony Kiedis son más personales que nunca".
Frusciante era, en su opinión, "un talento musical a tener en cuenta y es el innegable factor X en el sonido de los Red Hot Chili Peppers".
Sin embargo, los elogios fueron contrarrestados por ciertos críticos.
Blender consideró “By the Way” como una secuela indistinguible de “Californication”, llamándola "Californication 2", además, criticó a los Chili Peppers por no variar su estilo y mantenerse extremadamente similares en sonido.
Jaime Lowe de The Village Voice criticó las letras de Kiedis como "absolutamente desconcertantes" y comentó que "es como si hubiera tomado un diccionario de rimas y hubiera encadenado arbitrariamente algunas frases".
Robert Christgau del periódico también criticó la composición de Kiedis, escribiendo que "no basta con que Anthony Kiedis se vuelva maduro, se supone que debe decir algo interesante sobre la madurez".
Entertainment Weekly elogió “By the Way” por estar bien refinado y ser una colaboración excelente, pero criticó a los Chili Peppers por ir a lo seguro y mantener la energía del álbum suave; por ser "más fascinante por lo que simboliza que por lo que es".
AllMusic consideró que la canción "By the Way" combinaba "funk hollywoodiense ardiente, armonías suaves, un poco de canto sobre chicas y un poco de pasar el rato en las calles en verano".
Rolling Stone comentó sobre "lo cerca que esta banda ha estado de evocar el sol puro de California" en "The Zephyr Song".
"Midnight" fue muy apreciada por varias fuentes. Fue elegida como una de las "Canciones recomendadas de Allmusic" de “By the Way”.
Kimberly Mack de PopMatters consideró que tenía "letras aptas para hippies" y que "evocaba imágenes de camisetas teñidas y radio AM".
Mack también consideró "Venice Queen" como "una obra maestra ... Los coros de Frusciante son inquietantemente hermosos".
En 2005, “By the Way” fue clasificado en el puesto número 375 en el libro de la revista Rock Hard, “Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos”.
Ha sido citado como uno de los mejores trabajos de la banda.
Flea decidió que terminaría el álbum y luego dejaría la banda. Todavía estaba molesto por las disputas con Frusciante, quien pensaba que estaba tratando de tomar el control de la banda.
Según Smith, Flea y Frusciante finalmente tuvieron una reunión para aclarar sus diferencias.
Frusciante no tenía idea de cómo se sentía Flea y no tenía intenciones de tomar el control.
Flea también reconoció que practicar la meditación Vipassanā junto con Frusciante ayudó a los dos a reparar su relación musical.
Con sus problemas resueltos, la banda lanzó su gira promocional para apoyar el álbum en Ellis Island de la ciudad de Nueva York.
Patrocinado por la estación de radio de rock K-Rock, el evento se tituló "Pep Rally".
La banda interpretó ocho canciones de “By the Way”, así como temas de “Californication” y “Blood Sugar Sex Magik” frente a 900 ganadores de concursos.
El New York Post declaró el espectáculo "uno de los mejores conciertos del año".
El lugar fue elegido para revitalizar el bajo Manhattan después de los ataques del 11 de septiembre y todas las ganancias fueron donadas a organizaciones benéficas pertinentes.
Inmediatamente después de esto, los Red Hot Chili Peppers se embarcaron en una gira mundial para promocionar el álbum.
Comenzando en Europa, también tocaron en eventos como el Fuji Rock Festival y el Coachella Valley Music and Arts Festival entretanto.
La banda finalmente culminó su etapa europea de la gira en febrero de 2003 y comenzó la etapa estadounidense el 1 de mayo.
Los Red Hot Chili Peppers tocaron en el Madison Square Garden en la ciudad de Nueva York el 20 de mayo de 2003, ante un público con entradas agotadas y una respuesta entusiasta de la crítica.
Kelefa Sanneh, del New York Times, informó que "el martes por la noche, los [Red Hot Chili Peppers] llegaron al Madison Square Garden para una extraordinaria actuación de dos horas ... En 'Don't Forget Me', [Flea] rasgueó acordes, mientras que el Sr. Frusciante aportó una magnífica línea de guitarra que burbujeaba y silbaba como una especie de reacción química".
La etapa estadounidense terminó el 21 de junio; la banda se tomó un breve descanso antes de actuar en el Castillo de Slane en Irlanda el 23 de agosto, ante una multitud de más de 80.000.
“Live at Slane Castle”, el resultado del concierto, se convertiría en el segundo DVD en vivo de los Chili Peppers, después de “Off the Map”.
Después de varias presentaciones en Japón y Australia, los Red Hot Chili Peppers planearon tres noches en Hyde Park de Londres.
Se vendieron más de 240.000 entradas en cuestión de horas, con aproximadamente 80.000 personas asistiendo a cada concierto los días 19, 20 y 25 de junio, respectivamente.
El evento ocupó el puesto número 1 en la lista de los mejores conciertos de Billboard de 2004.
Se convirtió en el concierto con mayor recaudación en un solo lugar en la historia, acumulando unos ingresos brutos estimados de 17 millones de dólares.
Debido al éxito de los tres conciertos, la banda lanzó su primer álbum en vivo, “Red Hot Chili Peppers Live in Hyde Park”, en Europa, Australia, Japón y Nueva Zelanda, excluyendo Estados Unidos.
El album incluía las nuevas canciones "Fortune Faded" y "Save the Population".
Más tarde ese año, la banda tocó en la Convención Nacional Demócrata de 2004.
En 2006, Flea reveló que volvió a considerar dejar la banda durante la gira de presentación del álbum, afirmando que "durante la gira de By the Way, después de un concierto, me sentaba al borde de la cama y me quedaba mirando al vacío".
Planeaba dedicarse a la enseñanza a tiempo completo en el Conservatorio de Música de Silverlake, pero finalmente decidió permanecer en la banda.
Más tarde, Flea declaró que "lo más doloroso de irme, y lo que me detuvo, fue la idea de decírselo a Anthony".
Nota de Presidemente: Continuara.......
Fuentes: rollingstone.com, mondosonoro.com, los40.com, Wikipedia y flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
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