En el puesto número 43
Mike Watt (Tercera Parte)
En 2005, otro proyecto paralelo con Watt vio la luz con el lanzamiento anunciado el 20 de septiembre de “The Way Things Work”, un álbum de música improvisada bajo el nombre de grupo Unknown Instructors con George Hurley, Joe Baiza y Jack Brewer de Saccharine Trust, y el poeta/saxofonista Dan McGuire.
El álbum se creó y grabó en un solo día en 2003 en Karma Studio en San Pedro, California.
Una canción notable, “Punk (is Whatever We Made It to Be)”, presenta letras interpoladas de varias canciones del álbum “Double Nickels on the Dime” de Minutemen.
Un mes después del lanzamiento del álbum, Unknown Instructors grabó un segundo álbum, “The Master's Voice”, con el líder de Pere Ubu, David Thomas, y el artista Raymond Pettibon uniéndose al cuarteto central de Watt, Hurley, McGuire y Baiza.
El álbum fue grabado en Total Access Studio en Redondo Beach, California, el mismo estudio donde Black Flag grabó muchos de sus clásicos lanzamientos de álbumes de mediados de los 80 y donde Watt y The Minutemen habían grabado “Project: Mersh” en 1985.
Según Dan McGuire, el álbum anterior, “The Ways Things Work”, se grabó en un día y por eso sonó más jazzero. Con la sección rítmica más familiar ahora, McGuire quería un álbum más duro esta vez.
Un tercer álbum con la misma formación, “Funland”, fue lanzado en 2009 y cuenta con las voces invitadas de David Thomas y el artista Raymond Pettibon.
El álbum se grabó al mismo tiempo que el álbum anterior, “The Master's Voice”.
El cuarto álbum de Unknown Instructors, “Unwilling to Explain”, vio la luz el 22 de febrero de 2019.
Fue el primer álbum de Unknown Instructors que no fue improvisado y el primero en presentar a Joe Mascis en la guitarra en lugar de Baiza.
La grabación duró bastante tiempo con Watt grabando pistas de bajo en 2011 y Hurley poniendo la batería al año siguiente. El trabajo de guitarra de Mascis se grabó tres años después de eso, seguido por la voz de Dan McGuire.
David Arnson, de Music Connection, lo calificó de "realmente interesante", pero advirtió: "La narración bop con influencias de Tom Waits y Bukowski puede tener diferentes resultados. Lo que realmente destaca es el trabajo fluido y expresivo de guitarra de Mascis".
Michael T. Fournier, de Razorcake, lo elogió diciendo que "se sostiene mejor que cualquier otro disco del grupo que haya escuchado".
Mark Hughson, de Jersey Beat, dijo: "Si te gusta el jazz rock improvisado, te costará encontrar un artista indie con más poder estelar".
Watt profundizaría su interés en la música improvisada al formar un trío, Los Pumpkinheads, con el ex tecladista de los Beastie Boys Money Mark y Caroline Bermudez.
También formó The Missingmen, un trío de punk rock con el guitarrista Tom Watson (Slovenly, The Pair Of Pliers, The Jom And Terry Show, Red Krayola) y el baterista Raul Morales (FYP, Killer Dreamer, The Leeches, Mike Watt and the Secondmen).
El nombre de la banda es una referencia humorística al hecho de que durante una gira europea de 2005 para promocionar el álbum de Watt, “The Secondman's Middle Stand”, ninguno de los Secondmen originales (Pete Mazich y Jerry Trebotic) participó.
Mike Watt conocía a Tom Watson desde la década de 1980, cuando el sello discográfico de Watt, New Alliance Records, publicó los primeros discos de Slovenly; y conoció a Raul Morales al verlo tocar en la banda Vinny Vegas.
The Missingmen comenzaron a tocar en otoño de 2006, teloneando a M. Ward.
Watt había manifestado su intención de grabar un álbum con The Missingmen desde 2007, pero no se concretaron planes hasta 2009, cuando el grupo grabó las pistas de guitarra y batería de “Hyphenated-man” en Nueva York durante un descanso programado en una gira americana de Watt.
Según entrevistas de Watt con Guitar World y Bass Player, el álbum incluiría canciones cortas inspiradas en las pinturas de El Bosco.
Publicado inicialmente en Japón por Parabolica Records en octubre de 2010, el álbum se lanzó en el resto del mundo a través de Clenchedwrench, un sello discográfico independiente fundado por Watt.
El álbum es un álbum conceptual flexible (Watt lo denomina su tercera "ópera punk") compuesto por treinta canciones cortas, todas de dos minutos o menos (la mayoría dura alrededor de un minuto y medio), inspiradas en criaturas de las pinturas de El Bosco; cada uno de los treinta títulos de canciones deriva de un apodo que Watt inventó para cada criatura, "ya que no sé holandés de hace trescientos años".
Según Watt, el álbum "es bastante diferente" de sus anteriores óperas punk, “Contemplating the Engine Room” y “The Secondman's Middle Stand”, "en el sentido de que no tiene una narrativa convencional... es decir, no tiene un principio, un desarrollo ni un final regulares".
Otra inspiración presente en las letras del álbum proviene de "la idea de Dorothy, de El mago de Oz, tropezando con lo que hacen los hombres para 'ser' hombres".
Musicalmente, Watt se inspiró para volver a escribir canciones cortas tras sumergirse de nuevo en el catálogo de su primera banda, The Minutemen, antes y durante el rodaje del documental “We Jam Econo”.
Watt había visto un paralelismo entre el concepto inicial del álbum y The Minutemen en la idea de que “muchos pequeños viajes podían converger en uno grande”.
Inspirado por su música anterior, Watt aún quería tener en cuenta los cambios en su vida, diciendo: “Escribiría letras que trataran sobre mí mismo como un punk rocker de mediana edad, algo que The Minutemen nunca abordaron realmente”.
Watt compuso la música de las treinta canciones con una de las guitarras Fender Telecaster de su difunto amigo y compañero de banda en Minutemen, D. Boon.
“Compuse todo con la Telecaster de D. Boon. No soy un gran guitarrista, pero lo hice a propósito para que el bajo quedara en segundo plano. Hice todo esto para que no sonara demasiado a Minutemen, porque me sentía culpable de plagiar a mi antigua banda, ¿sabes? Ya hay demasiada mierda de eso. No tengo por qué ser uno más haciendo lo mismo. Así que lo que hice fue intentar usar eso como algo apropiado, para crear algo nuevo”.
Durante su época con Minutemen, Mike comentó que compuso muy pocas canciones con la guitarra. “Componía principalmente con el bajo. Y sigo igual”, dijo. “Componer para Missingmen con la guitarra hace que este proyecto sea bastante singular para Tom y para mí. Tom merece todo el respeto por interpretar mi torpe forma de tocar la guitarra. Es increíble, de verdad”.
Las pistas de guitarra y batería se grabaron en tres días de mayo de 2009 durante un descanso programado en la gira que Watt realizó con The Missingmen, en Studio G de Brooklyn, Nueva York, el estudio del exbajista de Pere Ubu, Tony Maimone.
Watson y Morales grabaron sus partes sin haber escuchado previamente la línea de bajo ni la voz. Watt añadió sus voces y partes de bajo trece meses después.
También en octubre de 2006, Watt se unió al resto de The Stooges en el Electrical Audio Studio del ingeniero de grabación Steve Albini en Chicago, Illinois, para grabar “The Weirdness”.
Lanzado el 5 de marzo de 2007, fue el primer álbum de los Stooges con material nuevo desde “Raw Power!” en 1973, y también es el último álbum en el que aparece el guitarrista Ron Asheton, quien falleció a principios de 2009.
Los miembros fundadores Iggy Pop (voz), Ron Asheton (guitarra) y Scott Asheton (batería) aparecen, junto con el nuevo miembro de la banda Mike Watt (bajo), y el músico invitado que regresa Steve Mackay (saxofón), quien apareció en el álbum de The Stooges de 1970, “Fun House”.
Watt dedicó gran parte de ese año a los Stooges, incluyendo la primera gira completa de la banda por Estados Unidos desde su reforma.
El álbum fue grabado por Steve Albini en su estudio Electrical Audio de Chicago, Illinois, durante octubre de 2006, y masterizado en los estudios Abbey Road de Londres, Inglaterra, en diciembre.
Mike Watt publicó un diario diario de las sesiones de grabación en su sitio web, pero fue eliminado sin explicación. Watt se refirió al título del álbum como "Plan Secreto" en las entradas de su diario.
Según el diario en línea de Watt, las canciones grabadas durante las sesiones incluyeron una versión final de “My Idea of Fun” (escuchada por primera vez en el CD en vivo “Telluric Chaos”) y una versión de “I Wanna Be Your Man” de The Beatles (más fiel a la versión de los Rolling Stones).
Un artículo del 20 de noviembre sobre el álbum, derivado principalmente de una entrevista con Pop, también menciona los siguientes títulos de canciones como parte del álbum: “Trollin'”, “ATM”, “You Can't Have Friends”, “The Weirdness” y “Greedy Awful People”. Se anunciaron más títulos en diciembre, tras la masterización del álbum, y la lista final de canciones fue anunciada por Virgin Records el 30 de enero de 2007.
Dos sencillos, “My Idea of Fun” y “Free & Freaky”, se lanzaron en la iTunes Store el 20 de febrero de 2007. El álbum también se publicó como LP de vinilo con cuatro pistas adicionales.
"My Idea of Fun" fue interpretada en el reality show Bam's Unholy Union.
Hasta 2009 había vendido más de 30.000 copias en Estados Unidos.
Según el sitio web de reseñas agregadas Metacritic, el álbum recibió una puntuación de 44, lo que indica una recepción mixta, de 32 puntuaciones de la crítica.
Pitchfork le otorgó una calificación excepcionalmente baja de 1.0/10, escribiendo que "deshonra espantosamente el trabajo original de la banda".
PopMatters escribió: "Como cualquier otro álbum inferior de una banda de culto extinta que se ha reunido inesperadamente, es un peligro para el legado de la banda. Toda evaluación o respaldo de los Stooges ahora debe hacerse con The Weirdness en algún lugar de la ecuación, y la mayoría de los fans sin duda lo mencionarán con disculpas o desprecio. ¿Exactamente por qué se hizo este álbum?".
Drowned in Sound escribió: "Carente de inspiración, sin filo, esto es patético".
BBC Music, por otro lado, escribió: "Rápido, ajustado y listo para la acción, The Weirdness es entretenido, exuberante y divertido".
Mojo llamó al álbum "un disco de rock atrevido y de sonido moderno que también suena más vital que la mayoría de las bandas 40 años más jóvenes que The Stooges".
En 2006, Watt conoció a Sam Dook de The Go! Team en el festival Big Day Out. A Watt le intrigó el uso de samples por parte de The Go! Team.
“Era un poco ingenuo, no estaba familiarizado con esa tecnología, ¿sabes? De hecho, no lo sabía; pensaba que simplemente reproducían todo eso. Para mí, las grabadoras de cinta eran así: uno ponía música y la grabadora la grababa. Pero toda esta idea de las muestras… es una herramienta bastante creativa y, ya sabes, quería explorarla”.
Dook y Watt comenzaron a cartearse por correo electrónico y decidieron formar una banda. Watt visitó a Dook en Brighton mientras The Stooges estaban en Londres y tocaron juntos durante tres días.
Watt le sugirió a Dook que usara fragmentos de esas sesiones como samples para crear nuevas canciones. Cuando Watt regresó a su casa en San Pedro, le envió más pistas de bajo a Dook.
Finalmente, terminaron el álbum por correo electrónico y llamaron al proyecto CUZ, basándose en un fanzine que Richard Hell había publicado décadas antes.
Su álbum debut, titulado “Tamatebako”, fue lanzado en 2014 y cuenta con la participación vocal de Charles Plymell, DJ Scotch Egg y su compañera de Go! Team, Kaori Tsuchida. El título del álbum hace referencia a la misteriosa caja de la leyenda japonesa.
Le siguió una gira en 2015.
Watt también trabajó en otros dos proyectos durante este período: Funanori, una colaboración musical con Kaori Tsuchida, en shamisen y otros instrumentos, y Pelicanman con Petra Haden.
Watt también contribuyó con una versión de "Burning For You" de Blue Öyster Cult, grabada con Haden, Nels Cline, Money Mark Nishita y el baterista de Red Hot Chili Peppers Chad Smith, para el álbum recopilatorio estelar “Guilt de Association”, lanzado en agosto por el sello independiente Engine Room Recordings.
En 2008 se formó el supergrupo de indie rock Big Walnuts Yonder. La banda está compuesta por Mike Watt, el guitarrista Nels Cline (ex Wilco), el baterista Greg Saunier (ex Deerhoof ) y el guitarrista y vocalista Nick Reinhart (ex Tera Melos).
La banda de Watt por esa época, The Missingmen, y la de Reinhart, Tera Melos, coincidieron en Irlanda y entablaron conversación entre bastidores.
Reinhart preguntó por el álbum de Watt, “Contemplating the Engine Room”, y expresó su admiración por el trabajo de Nels Cline, lo que inspiró a Watt a sugerir que los tres iniciaran un proyecto.
Reinhart propuso a Greg Saunier como batería, a lo que Watt accedió rápidamente. Les llevó dos años a los cuatro miembros coordinar sus agendas para comenzar a grabar lo que se convertiría en su primer álbum, “Big Walnuts Yonder”. Aunque el álbum se grabó en 2014, no se publicó hasta 2017; se lanzó el 5 de mayo a través de Sargent House.
Se grabó en tres días durante el verano de 2014 en Brooklyn, Nueva York, en directo con muy pocas sobregrabaciones y fue producido por Tony Maimone.
Meses después se añadieron las voces: Reinhart grabó siete y Watt dos. Watt aportó la mayor parte del material compartiendo versiones preliminares de sus composiciones, o “plataformas de lanzamiento”, como él las llama, interpretadas al bajo.
En estos temas se añadió la guitarra después de las líneas de bajo de Watt, algo que inicialmente intimidó a Reinhart, pero Cline estaba familiarizado con el método de composición, ya que había trabajado así con Watt en “Contemplating the Engine Room”.
Cline y Saunier contribuyeron con un tema cada uno. Raymond Pettibon creó la portada del álbum.
Dustin Krcatovich, de Under the Radar, lo comparó con una "versión moderna del clásico Beefheart" y elogió la habilidad de los músicos para "combinar la precisión del rock progresivo experimental condesenfreno freakcore clásico de SST".
Ljubinko Zivkovic, de The Spill Magazine, le otorgó tres de cinco estrellas y lo describió como "un álbum irregular con algunos momentos estelares".
Justin Cober-Lake, de Dusted, elogió la calidad musical, calificándola de "impredecible, como era de esperar".
Scott A. Gray, de Exclaim!, consideró que algunos temas eran excesivos, pero en definitiva opinó que "la mayor parte de Big Walnuts Yonder es fantástica".
Continuando su exploración de la música improvisada y la escena musical independiente japonesa, Watt, junto con Nels Cline y el productor Kramer, formó Brother's Sister's Daughter con Shimizu "Shimmy" Hirotaka y Yuko Araki, para realizar una gira de dos semanas por el país a finales de 2008 y grabar un álbum posteriormente.
El álbum fue mezclado por Hirotaka, pero aún no tiene sello discográfico ni fecha de lanzamiento. Desde entonces, la banda ha grabado dos álbumes más, pero aún no han sido publicados
Watt y Cline se unieron en Nueva York para formar Floored by Four con la exteclista de Cibo Matto, Yuka Honda, y el baterista de Lounge Lizards, Dougie Bowne. Se inspiraron, entre otros, en Sun Ra, Miles Davis, Captain Beefheart y Sonic Youth.
El grupo debutó en el Central Park Summerstage el 1 de agosto y grabó su primer álbum inmediatamente después.
Su álbum debut homónimo se lanzó en septiembre de 2010 bajo el sello Chimera Records de Sean Lennon.
El álbum está dividido en cuatro canciones, cada una titulada en honor a un miembro de la banda. Las cuatro fueron escritas por Watt.
El Wall Street Journal describió el álbum como “música de vanguardia neoyorquina en su esencia más cruda e improvisada”.
Catherine Lewis, de The Washington Post, atribuyó el liderazgo de Watt a haber salvado el álbum “de ser un trabajo caótico y de última hora” y consideró que el tema “Yuka” era el más destacado del álbum.
John Payne, de Los Angeles Times, calificó su obra como “música eléctrica arriesgada, espontánea y que invita a la reflexión”.
Tal Rosenberg de Pitchfork quedó menos impresionado con el álbum, diciendo que "suena como improvisaciones sin dirección ni propósito".
Honda se reuniría más tarde con Watt y Cline para una segunda gira de Brother's Sister's Daughter y una sesión de grabación en Japón.
A finales de noviembre de 2009, Watt viajó a Italia para realizar una gira y grabar discos por invitación del guitarrista italiano Stefano Pilia.
La banda del proyecto, Il Sogno Del Marinaio (cuyo nombre significa "El sueño del marinero" en italiano), es un trío de música experimental formado por Watt (voz y bajo), Stefano Pilla (guitarra y voz) y Andrea Belfi (batería y voz).
Han publicado dos álbumes de estudio con el sello Clenchedwrench: “La busta gialla” (2013) y “Canto Secondo” (2014) y un tercero, “Terzo” (2024), con Improved Sequence.
El álbum debut de la banda, “La busta gialla”, se grabó en Varano Borghi, un pequeño pueblo del norte de Italia, durante su primera gira por el país en 2009.
El álbum se grabó en tres días. Se lanzó el 29 de enero de 2013 a través de Clenchedwrench. Il Sogno del Marinaio realizó una gira por Europa durante la primavera de 2013 para promocionar “La busta gialla”.
El 1 de diciembre, la banda fue seleccionada para participar en el festival de música All Tomorrow's Parties End of an Era Weekend 2, organizado por Loop.
Al día siguiente del festival, Il Sogno del Marinaio regresó al estudio con el productor Bruno Germano para grabar su segundo álbum de estudio.
“Canto Secondo” se grabó en Vacuum Studio en Bolonia, Italia, entre el 3 y el 10 de diciembre de 2013.
Antes del lanzamiento del álbum, Il Sogno del Marinaio publicó una edición especial limitada en vinilo de 7 pulgadas con las canciones “Mud Puddle” y “We Come to Learn” a través del sello discográfico Org Music para el Record Store Day en abril de 2014.
El sencillo tuvo una tirada limitada de 1200 copias en todo el mundo. “Canto Secondo” se publicó el 26 de agosto de 2014 a través de Clenchedwrench.
El 28 de marzo de 2016, Il Sogno del Marinaio anunció una gira europea para el otoño. La gira, titulada “Canto Secondo Tour 2016”, se llevó a cabo entre el 28 de septiembre y el 29 de octubre de 2016.
Il Sogno del Marinaio ofreció un concierto cada noche en una ciudad europea diferente durante la gira. El 5 de septiembre de 2016, la banda lanzó un videoclip para la canción “Stucazz?!!”.
En 2017, Andrea Belfi dejó la banda para concentrarse en material solista y el baterista Paolo Mongardi se unió al grupo para su "nuovo spirito tour 2017" que comenzó en Ámsterdam, Países Bajos, el 20 de septiembre y terminó el 22 de octubre en Nijmegen, Países Bajos.
En 2010 se forma Hand to Man Band. Su música ha sido descrita como abarcando "jazz psicotrópico, funk desquiciado, elegías estridentes, transmisiones alienígenas y súplicas nocturnas lastimeras".
Nicholas Taplin, propietario de Post-Consumer Records, invitó a Thollem McDonas a Austin, Texas, para grabar con él. McDonas invitó a John Dieterich a unirse, y Dieterich invitó a Tim Barnes.
Luego, McDonas invitó a Mike Watt y el grupo comenzó a improvisar. El plan inicial era dar algunos conciertos después de la grabación, pero los compromisos de Watt con The Stooges le impidieron acompañarlos en la gira.
El álbum, “You Are Always On Our Minds”, no se publicó hasta 2012. El título surgió de una galleta de la fortuna que Watt recibió en una ocasión.
Watt está utilizando su sello Clenchedwrench para publicar otros proyectos discográficos muy esperados, procedentes del material que ha acumulado en los últimos años.
El primero fue el cuarto álbum de Dos (“Dos y Dos”, publicado el 16 de julio de 2011), seguido del proyecto Spielgusher con Richard Meltzer y Shimizu "Shimmy" Hirotaka y Yuko Araki ("Spielgusher", publicado el 17 de enero de 2012), y dos álbumes de Il Sogno del Marinaio).
El regreso de Firehose se anunció oficialmente como parte del cartel del Festival de Coachella de 2012. La banda realizó una breve gira en abril, centrada en las dos fechas de Coachella.
Watt continuó tocando en grupos como Banyan (con Stephen Perkins y Nels Cline) y Hellride, un grupo que interpreta versiones de canciones de los Stooges.
También tocó en Wylde Ratttz con Thurston Moore de Sonic Youth y Ron Asheton de The Stooges, grabando una canción para la película “Velvet Goldmine”.
Watt también grabó una línea de bajo para la banda de folk espacial de Pensilvania The Clubber Lang Gang para su disco “Now Here This”, en el tema "For the Broken People".
A mediados de 2011, Watt comenzó a tocar el bajo para una banda de rock psicodélico/progresivo llamada Anywhere con Cedric Bixler-Zavala de Mars Volta y Christian Eric Beaulieu de Triclops!.
Watt y S. Howe de la banda Schooner formaron un proyecto de música experimental llamado The Island y lanzaron "Listening to the Warning" en 2011 y "Lamia" en 2018.
En 2014, Watt se unió a Mark Shippy (US Maple), Jim Sykes (Invisible Things), Matthew Wascovich (Scarcity Of Tanks) y Norman Westberg (Swans) para formar el proyecto de art rock Hidden Rifles. Su álbum debut, “Across The Neighborhoods”, se lanzó en octubre de 2017.
En 2015, Watt se unió al proyecto Waywords and Meansigns un proyecto colaborativo que musicaliza Finnegans Wake de James Joyce.
Junto con el teclista Matt Mottel y el percusionista Danny Frankel, Watt formó el trío Afternoon Freak y lanzó el álbum “The Blind Strut” en 2018. El álbum se grabó en un solo día, el 14 de enero de 2017, en los estudios BIG EGO.
En 2018, Watt se unió a Bucky Pope, John Herndon, Vince Meghrouni y Pete Mazich para formar el proyecto musical Tone Scientists. Un sencillo de 7 pulgadas que incluía un tema original de Bucky Pope titulado “Nuts” y una versión de “Tiny Pyramids” de Sun Ra fue lanzado en el Record Store Day de 2018 por Org Music.
En 2019, Watt se unió a Todd Congelliere para formar Jumpstarted Plowhards. Su álbum debut, “Round One”, se grabó para su lanzamiento el 4 de octubre de 2019 con Recess Records.
La batería está a cargo de una formación rotativa que incluye a George Hurley, excompañero de Minutemen y fIREHOSE; Patty Schemel, baterista de Hole; Jerry Trebotic, de The Secondmen; y Raul Morales, de The Missingmen. La banda planea grabar cinco LP antes de tocar en vivo.
Inicialmente formado como un grupo puntual para el festival Drill de Wire en Los Ángeles, Watt, Graham Lewis y Matthew Simms de Wire, y Bob Lee de The Black Gang formaron Fitted y decidieron permanecer juntos y grabar.
El álbum debut, “First Fits”, fue lanzado en noviembre de 2019. Se grabó entre 2017 y 2018 con Lewis y Watt alternando la voz principal. El primer sencillo fue "Training Pit Bulls For The Navy".
Los dos primeros sencillos, "Training Pitbulls for the Navy" y "The Legend of Lydmar Lucia", precedieron al lanzamiento del álbum completo.
Kevin Quinn, de Music-News.com, le otorgó cinco estrellas al álbum.
James Bennett, de la revista SLUG, elogió el álbum, aunque le resultó difícil describirlo, diciendo: “Cada canción es una aventura, y cada aventura está llena de más giros y sorpresas de las que se podrían anticipar”.
Chattanooga Pulse lo describió como “una verdadera alegría creativa con temas de rock expansivos y genuinamente conmovedores”.
Watt tocó el bajo con el guitarrista Mike Baggetta y el baterista Jim Keltner en el álbum “Wall of Flowers” de Baggetta, lanzado en marzo de 2019 y se unió a Baggetta para una gira de diez conciertos en marzo, con Stephen Hodges sustituyendo a Keltner.
El trío resultante se bautizó como mssv y grabó un álbum en directo titulado “Live Flowers”. En 2020 le siguió un álbum de estudio titulado “Main Steam Stop Valve”.
En 2021, Watt con el percusionista Mike Pride y el guitarrista Brandon Seabrook formaron Three-Layer Cake y lanzaron un álbum, "Stove Top", en RareNoiseRecords.
Mike Watt fue reclutado por Ted Falconi y Stephen DePace de Flipper para tocar el bajo en una gira europea de verano de 2019 con David Yow (The Jesus Lizard, Scratch Acid), quien sustituyó al retirado Bruce Loose y a la entonces bajista de Flipper, Rachel Theole, que tenía otros compromisos. Los conciertos se anunciaron como Flipper con Yow y Watt.
En 2022, Flipper anunció que volvería a salir de gira, con Watt de regreso al bajo y como vocalista principal. Se anunció una gira europea, pero se canceló debido a la pandemia de COVID-19. La banda rápidamente programó una gira por Estados Unidos para otoño con la misma formación.
Watt ha hecho un sinfín de apariciones como invitado a lo largo de su carrera profesional.
En noviembre de 2006, Watt reveló a Pitchfork Media que había grabado para un álbum de la cantante Kelly Clarkson, un trabajo de estudio que aceptó por invitación de su "viejo amigo", el productor e ingeniero David Kahne. El álbum de Clarkson, “My December”, se publicó en 2007.
Watt y el baterista Stephen Hodges se unieron al violinista Chris Murphy para "Blues for Bukowski" en el álbum “Luminous" de Murphy. Hodges ya había trabajado con Watt en “Contemplating the Engine Room”.
Watt apareció en la pista "Moon Burnt Mountain" en “Anywhere II” de Anywhere.
Watt tocó el bajo en dos pistas del álbum tributo a Black Flag “Gimmie Gimmie Gimmie: Reinterpreting Black Flag” junto a Dez Cadena y Keith Morris.
En 2018, Black Moth Super Rainbow lanzó un sencillo de 7 pulgadas para el Record Store Day con Watt y Flea versionando "Drippy Eye". Watt ya había participado en la canción "Black Yogurt" del EP “Drippers” de Black Moth Super Rainbow en 2008.
Ese mismo año, Watt colaboró en la canción "Ništo Nema da ne Razdeli" de Bernays Propaganda (Macedonia) para el álbum recopilatorio “Songs From Under the Floorboard, Vol. 1”, editado por DJ Dave Cantrell. Este álbum es una recopilación benéfica cuyos beneficios se destinan a Planned Parenthood, una organización estadounidense sin ánimo de lucro que brinda servicios de salud reproductiva y sexual, así como educación sexual en Estados Unidos y a nivel mundial.
Watt también apareció en un sencillo de 7 pulgadas compartido con MB Jones tocando en la canción "Jail for Trees" en abril de 2018.
En octubre de 2018, Watt se unió a Abby Travis, Keith Morris, Flea, Jennifer Finch, Chip Kinman y otros para una presentación en el Roxy Theatre titulada “War Stories: Tales of 70's & 80's Punk Mayhem Told By The Perpetrators Themselves”.
En 2025, Watt se unió a la banda post-punk Break to Broken para una colaboración como bajista en el tema "No Care". El tema formó parte de un EP de 7 pulgadas con 3 canciones titulado "No Care + 2", lanzado por el sello británico Engineer Records el 15 de julio de 2025.
Watt ha dicho que generalmente no cobra por tocar en el álbum de alguien, diciendo: "No todo el pago está en el dinero... Cada vez que tocas, estás invirtiendo en la próxima vez que toques".
También es muy conocida su faceta como escritor:
En 2003, la editorial quebequense L'Oie De Cravan publicó el primer libro de Watt, “Spiels Of A Minuteman”. El libro, impreso en inglés y francés, contiene todas las letras de canciones de Watt de la época de Minutemen, así como el diario de gira que escribió durante la única gira europea de Minutemen con Black Flag, ensayos del ex copropietario de SST, Joe Carducci, Thurston Moore de Sonic Youth y Richard Meltzer, letrista de Blue Öyster Cult y admirador de Watt desde hace mucho tiempo, e ilustraciones de Raymond Pettibon que se habían utilizado en todas las portadas de los álbumes de Minutemen.
Watt publicó su segundo libro en 2012. Titulado “Mike Watt: On and Off Bass”, el libro es una memoria fotográfica que presenta fotos tomadas por Watt junto con extractos de los diarios de gira de Watt con los Stooges mezclados con poemas en verso libre.
En 2016, Watt contribuyó con un capítulo a las memorias de John Doe, “Bajo el gran sol negro: una historia personal del punk de Los Ángeles”.
Watt es desde hace mucho tiempo un admirador de James Joyce, habiendo descubierto el "Ulises" mientras tocaba con Minutemen en una gira europea con Black Flag. Reconoce que la lectura de Joyce le ayudó a procesar la pérdida de D. Boon y la utilizó como inspiración al escribir “Contemplating the Engine Room”.
Watt afirmó que el estilo de flujo de conciencia de Joyce influyó directamente en “Double Nickels on the Dime” con canciones como “June 16th”, fecha del Bloomsday, que se celebra anualmente en Dublín y otros lugares el 16 de junio, como conmemoración y celebración de la vida de Joyce.
Watt asistió a la celebración del Bloomsday de 2004 en Dublín y afirmó que era la primera vez que visitaba una ciudad sin tener que dar un concierto. Watt volvió a asistir al Bloomsday en 2008 durante una gira con The Stooges.
En 2008, Watt fue invitado a contribuir con música a una adaptación de la "Música de Cámara de Joyce" publicada por Fire Records.
En 2017, Watt participó en un proyecto internacional que musicalizó el Finnegans Wake de Joyce, titulado “Waywords and Meansigns”. Se publicó el 4 de mayo de 2017, coincidiendo con el 76 aniversario de la primera publicación del libro.
Cuando no está de gira, Watt presenta un programa de radio por internet, “The Watt from Pedro Show”, una continuación de un programa que Watt había realizado por primera vez en una emisora de FM de baja potencia a finales de la década de 1990.
El programa debutó el 19 de mayo de 2001 y se hizo tan popular entre los fans de Watt que el proveedor de alojamiento web, Sightworks, lo interrumpió temporalmente durante la semana hasta que se encontrara un patrocinador u otra solución. El 10 de enero de 2006, “The Watt from Pedro Show” se lanzó como podcast.
Equipo
El primer bajo de Watt fue un Kay que compró por 100 dólares.
Tocó un Fender Precision Bass que anteriormente perteneció al bajista de Fear, Derf Scratch, en “What Makes A Man Start Fires?”.
Durante la mayor parte de su etapa en fIREHOSE, Watt tocó un bajo Fender Precision de 1956.
Desde 1995 hasta 1999, Watt tocó principalmente un Gibson Thunderbird sin inversión de bobina, al que modificó con un preamplificador Bartolini y clavijas de afinación Grover.
Tras su enfermedad en el año 2000, Watt cambió a bajos de escala corta para sus presentaciones en vivo. Tocó un Gibson EB-3 de 1963 hasta que se lo robaron durante una gira con The Stooges. Después del robo, Watt recibió como obsequio un Gibson EB-3 de 1969 y un Gibson EB-0.
Más recientemente, toca un bajo "Wattplower" de su propia marca, diseñado junto con Reverend Musical Instruments. A principios de 2020, se anunció el lanzamiento de una versión "Mark II" de este bajo.
Discografía
Minutemen
Álbumes de estudio
The Punch Line (1981)
What Makes a Man Start Fires? (1983)
Double Nickels on the Dime (1984)
3-Way Tie (For Last) (1985)
Obras extendidas
Paranoid Time (1980)
Joy (1981)
Bean-Spill (1982)
Buzz or Howl Under the Influence of Heat (1983)
Tour-Spiel (1984)
Project: Mersh (1985)
Minuteflag (1986)
Georgeless (1993)
Minutemen/Saccharine Trust Split (2011)
Recopilatorios
The Politics of Time (1984)
My First Bells (1985)
Ballot Result (1987)
Post-Mersh, Vol. 1 (1987)
Post-Mersh, Vol. 2 (1987)
Post-Mersh, Vol. 3 (1989)
Introducing the Minutemen (1998)
fIREHOSE
Álbumes de estudio
Ragin', Full On (1986, SST)
If'n (1987, SST)
Fromohio (1989, SST)
Flyin' the Flannel (1991, Columbia Records)
Mr. Machinery Operator (1993, Columbia Records)
EPs y singles
Sometimes, Almost Always (EP, 1988, SST)
Time With You (promo single, 1989, SST)
Live Totem Pole (EP, 1992, Columbia)
Big Bottom Pow Wow (promo single, 1993, Columbia)
Red & Black (live, single, 1995, Sony)
Recopilatorios
lowFLOWs: The Columbia Anthology ('91–'93) (2012)
Dos
Dos (New Alliance) 1986
Numero Dos (12-inch EP) (New Alliance) 1989
Uno Con Dos (CD) (New Alliance) 1989
Justamente Tres (CD) (Kill Rock Stars) 1996
dos y dos (CD, LP) (Clenchedwrench) 2011
Crimony
The Crimony EP (New Alliance) 1988
The Stooges
Live In Detroit (DVD) (Creem/MVD) 2004
You Better Run on The Songs Of Junior Kimbrough (Fat Possum) 2005
Telluric Chaos (Skydog) 2005
The Weirdness (Virgin) 2007
Raw Power Live: In the Hands of the Fans (Virgin) 2011
Ready to Die (Fat Possum) 2013
Unknown Instructors
The Way Things Work (Smog Veil Records) 2005
The Master's Voice (Smog Veil Records) 2007
Funland (Smog Veil Records) 2009
Unwilling To Explain (ORG Music) 2019
Floored by Four
Floored by Four (Chimera Records) 2010
Off With Their Heads
Off With Their Heads/Discharge Split 7-inch (Drunken Sailor Records) 2011
Steve Mackay
Untitled EP (as Estel) 2009
Sometimes Like This I Talk 2011
North Beach Jazz 2011
The Hand to Man Band
You Are Always on Our Minds (Post-Consumer) 2012
Anywhere
Anywhere (ATP Recordings) 2012
Mike Watt + the Missingmen
Missing the Minutemen 10-inch 2013
Missing More of the Minutemen 10-inch 2015
Il Sogno del Marinaio
La busta gialla (Clenchedwrench) 2013
Canto Secondo (Clenchedwrench) 2014
Terzo (Improved Sequence) 2024
CUZ
Tamatebako (Bleeding Heart Recordings) 2014
Brother's Sister's Daughter
BSD 2014
Mike Watt and the Secondmen
Shit on Me / Striking Out (Org Music) 2015
Back In The Microwave (Org Music) 2016
L.A. to Pedro EP (Nomad Eel Records) 2020
Big Walnuts Yonder
Big Walnuts Yonder (Sargent House) 2017
Hidden Rifles
Across The Neighborhoods (Total Life Society) 2017
Afternoon Freak
The Blind Strut (Joyful Noise Recordings) 2018
Tone Scientists
Nuts b/w Tiny Pyramids 7-inch (Org Music) 2018
Jumpstarted Plowhards
Round One (Recess Records) 2019
FITTED
First Fits (ORG Music) 2019
mssv
Live Flowers (Striped Light Records) 2019
Main Steam Stop Valve (BIG EGO Records) 2020
Media Kittens / When The Hoarding Has Ended (7-inch) (Improved Sequence) 2020
Round Eye
Culture Shock Treatment (Sudden Death Records) (Producer) 2020
Three-Layer Cake
Stove Top (RareNoiseRecords) 2021
En Solitario
Todos los álbumes en solitario fueron publicados por Columbia, salvo que se indique lo contrario:
Ball-Hog or Tugboat? 1995
Contemplating the Engine Room 1997
The Secondman's Middle Stand 2004
Hyphenated-man (Parabolica Records en Japón)/(clenchedwrench en otros liugares) 2010/2011 (La edición de Clenchwrench utiliza una portada diferente a la de la edición japonesa).
Watt: On Bass limited edition 5" vinyl 2015
"Ring Spiel" Tour '95 2016
Contemplating the Engine Room: Live in Long Beach '98 2017
Apariciones como invitado
Juliana Hatfield
Hey Babe (Mamouth) 1992
Anywhere
Anywhere II (ORG Music) – "Moon Burnt Mountain" 2018
Black Moth Super Rainbow
Drippers EP (Moamoo) – "Black Yogurt" 2008
Sonic Youth
EVOL (SST Records) – "In the Kingdom #19" 1986
King Champion Sounds
To Awake In That Heaven Of Freedom (Excelsior) - "Smallest Tribe in the World" 2016
Scarcity of Tanks
Ringleader Lies (Total Life Society) 2016
Garford Mute (Total Life Society) 2017
Dissing The Reduction (Total Life Society) 2019
Bernays Propaganda
Vtora mladost, treta svetska vojna (2nd Youth, 3rd World War) 2019
Billions Of Comrades
Our Hours 2021
Sun+Dead
Magic Drum 2024
Fuentes: daily.bandcamp.com, wattpedia.fandom.com, vice.com y Wikipedia
LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Moderador: Rufus
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1046
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1046
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin
Tony Levin es un músico y compositor estadounidense especializado en bajos eléctricos, Chapman Stick y contrabajo.
Músico de sesión prolífico desde la década de 1970, Levin ha participado en más de 500 álbumes. Algunas de sus colaboraciones más destacadas incluyen trabajos con John Lennon, Herbie Mann, Sarah McLachlan, Paula Cole, Stevie Nicks, Pink Floyd, Robbie Robertson, Eumir Deodato, Paul Simon, Lou Reed, David Bowie, Joan Armatrading, Tom Waits, Buddy Rich, The Roches, Todd Rundgren, Seal, Warren Zevon, Bryan Ferry, Laurie Anderson, Kate y Anna McGarrigle, Gibonni, Chuck Mangione y Jean-Pierre Ferland.
Ha realizado giras con artistas como Paul Simon (con quien apareció en la película de 1980 “One-Trick Pony” ), Gary Burton, James Taylor, Judy Collins, Carly Simon, Peter Frampton, Tim Finn, Richie Sambora, Ivano Fossati, Claudio Baglioni y Lawrence Gowan.
Pero es más conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, quien lo llama el "Emperador del Bajo".
Levin ha contribuido más que nadie a popularizar el Chapman Stick, tocando esta guitarra elegante y con un marcado estilo tapping en éxitos de Gabriel como "Shock the Monkey".
El Emperador comenzó su carrera como músico de sesión en los años 70; es el mismo que tocó en el éxito número uno de Paul Simon, "50 Ways to Leave Your Lover".
Se unió a Gabriel en cuanto el artista dejó Genesis, y desde entonces ha sido una pieza clave en su música: es imposible imaginar "Big Time" o "Sledgehammer" sin él.
Cuando Robert Fripp revivió King Crimson tras una pausa de siete años, reclutó a Levin para la formación clásica de los ochenta que grabó “Discipline”. (Posee el récord del bajista con más años en Crimson).
Levin toca con gran sentimiento en dos de las mejores baladas de la última etapa de Bowie: “Slip Away” y “Where Are We Now?”.
Inventó los “Funk Fingers”, una técnica para su enfoque percusivo que consiste en baquetas modificadas que se acoplan a los dedos del bajista para golpear las cuerdas, añadiendo un distintivo sonido percusivo "slap" característico del funk.
En 2011, Levin ocupó el segundo puesto, solo por detrás de John Paul Jones de Led Zeppelin, en la lista de los "20 bajistas más infravalorados" de la revista Paste.
“Me atrevería a decir que la forma en que escuché a Oscar Pettiford tocar el bajo de jazz… es similar a la forma en que, mucho después, intentaría crear partes de bajo para rock y pop”, dijo Levin en 2013, reflexionando sobre los orígenes de su estilo singular. “No es tan fácil describirlo con exactitud, pero, en pocas palabras, se trata de encontrar las notas precisas y tocarlas con la sensibilidad justa”.
También es miembro de Liquid Tension Experiment (1997-1999, 2008-2009, 2020-presente), Bruford Levin Upper Extremities (1998-2000) y HoBoLeMa (2008-2010). Dirige su propia banda, Stick Men, desde 2010.
En julio de 2020, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 42 de su lista de los "50 mejores bajistas de todos los tiempos”.
Anthony Frederick Levin nació el 6 de junio de 1946 en Boston, Massachusetts. Se crio en una familia judía reformista en el suburbio de Brookline.
Empezó a tocar el contrabajo a los 10 años, estudiando principalmente música clásica. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, interpretando solos con la banda de concierto, y también formó un cuarteto de barbería (grupo de cuatro cantantes que interpretan música al estilo barbershop, caracterizado por armonías a cuatro voces sin acompañamiento instrumental, a cappella); sin embargo, su principal interés era la música clásica.
Entre sus primeras actuaciones destaca su participación con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Gran Boston en un concierto en el jardín sur de la Casa Blanca en abril de 1962, para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.
Tras terminar el instituto, asistió a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar bajo la dirección de Igor Stravinsky y en la Filarmónica de Rochester.
En esa misma escuela coincidió con el baterista Steve Gadd, quien le introdujo al jazz y al rock, lo que lo llevó a cambiar su bajo eléctrico vertical Ampeg "Baby Bass" por un Fender Precision Bass. En sus inicios, su primer amplificador de bajo fue un Ampeg Portaflex B-15.
La primera grabación de Levin fue en 1968, cuando él y Gadd participaron en “Diana in the Autumn Wind”, el primer álbum en solitario de Gap Mangione.
En 1970, Levin se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió a una banda llamada Aha, the Attack of the Green Slime Beast, con Don Preston de The Mothers of Invention. Poco después, comenzó a trabajar como músico de sesión.
En 1971, John McLaughlin le pidió a Levin que se uniera a su nuevo proyecto, la Mahavishnu Orchestra: “Mi primera opción para el bajo era Tony Levin. Pero me dijo: "¡Caramba, acabo de aceptar un trabajo con Gary Burton!".
De 1973 a 1975, Levin y Steve Gadd tocaron en la banda del veterano flautista de jazz Herbie Mann. Dos de las primeras composiciones de Levin (“Daffodil” y “Music Is a Game We Play”) aparecieron en el álbum de Mann de 1973, “First Light”.
Su habilidad para leer partituras y su rapidez y eficiencia en el trabajo lo hicieron muy apreciado por numerosos productores, lo que le valió colaboraciones en muchos álbumes, incluido el álbum de jazz de la big band de Buddy Rich, “The Roar of '74”, y “Still Crazy After All These Years” de Paul Simon en 1975.
En 1976, Levin contribuyó a crear las exuberantes texturas del álbum “Resolution” de Andy Pratt, que contó con la participación de numerosos músicos destacados, entre ellos Arif Mardin, Andy Newmark, Hugh McDonald, Luther Vandross y Steve Gadd, colaborador habitual de Levin en la sección rítmica.
Allmusic.com y la revista Rolling Stone lo consideraron uno de los mejores álbumes de cantautores de la década de 1970.
En 1977 Levin fue contratado para el álbum debut en solitario de Peter Gabriel, en el que también participó Robert Fripp.
Desde entonces, Levin ha sido el bajista predilecto de Gabriel. En el primer álbum solista de Gabriel, Levin también tocó la tuba, y dirigió y cantó con un cuarteto de barbería en “Excuse Me”.
Había conocido a Gabriel a través del productor Bob Ezrin, con quien Levin había grabado “Welcome to My Nightmare” de Alice Cooper y “Berlin” de Lou Reed.
Durante la grabación del primer álbum de Peter Gabriel, conoció a Robert Fripp y, en 1980, luego de ser invitado por el mismo Fripp para participar de su álbum “Exposure” en 1979, se convirtió en un miembro de la nueva formación de King Crimson en 1981, que por esos días aún se hacía llamar Discipline.
Levin ha sido el bajista en todos los álbumes de estudio de Gabriel, con algunas excepciones (por ejemplo, el bajo sin trastes de John Giblin en “Peter Gabriel III”, y la colaboración de Larry Klein y Bill Laswell en “So”).
Durante sus años con Gabriel, Levin desarrolló dos aspectos únicos en su forma de tocar: un mayor dominio del Chapman Stick, que más tarde utilizaría ampliamente en King Crimson, y la invención de los "funk fingers", unas baquetas cortas sujetas a los dedos para golpear las cuerdas graves, lo que produce un efecto muy percusivo.
Levin atribuye a Gabriel la idea original y a su técnico, Andy Moore, el mérito de haberlas hecho viables.
En 1978, Levin se mudó a Woodstock, Nueva York, para unirse a la banda L'Image, que incluía a su viejo amigo Steve Gadd, así como a Mike Mainieri y Warren Bernhardt.
La banda se disolvió al cabo de un año, aunque Levin decidió quedarse en la zona: actualmente reside en Kingston, Nueva York.
Este grupo, cuyo destino fue trágico, se reuniría mucho más tarde en la carrera de Levin.
En 1980, Levin participó en las sesiones del álbum “Double Fantasy” de John Lennon y Yoko Ono.
De 1981 a 1984 Levin formó parte de la formación de King Crimson junto con Fripp, el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el batería Bill Bruford.
A finales del otoño de 1980, después de haber pasado varios años dedicados a la búsqueda espiritual y luego regresar gradualmente a la música (tocando la guitarra para David Bowie, Peter Gabriel y Daryl Hall, desarrollando una carrera solista experimental, liderando la banda instrumental de new wave The League of Gentlemen), Fripp decidió formar un nuevo grupo de rock de "primera división".
Tras reclutar a Bruford como batería, Fripp invitó al cantante y guitarrista estadounidense Adrian Belew, quien había tocado previamente con Bowie y Frank Zappa, a unirse a la banda; esta fue la primera vez que Fripp buscaba activamente la colaboración de otro guitarrista, lo que evidenciaba su deseo de crear algo distinto a sus trabajos anteriores.
Después de una gira con Talking Heads, Belew aceptó unirse y convertirse también en el letrista. La sugerencia de Bruford del bajista Jeff Berlin, con quien había tocado en Bruford, fue rechazada ya que Fripp consideraba que su estilo era "demasiado recargado", por lo que se realizaron audiciones en Nueva York: al tercer día, Fripp se marchó tras aproximadamente tres audiciones, para regresar varias horas después con el bajista de sesión Tony Levin (quien obtuvo el puesto tras tocar un solo estribillo de "Red").
Fripp confesó más tarde que, de haber sabido que Levin (con quien había tocado en el grupo de Peter Gabriel) estaba disponible e interesado, lo habría elegido sin hacer audiciones.
Fripp bautizó al nuevo cuarteto como Discipline, y viajaron a Inglaterra para ensayar y componer nuevo material.
Debutaron en directo en el Moles Club de Bath, Somerset, el 30 de abril de 1981, y realizaron una breve gira como teloneros de The Lounge Lizards.
En octubre de 1981, la banda decidió cambiar su nombre a King Crimson.
En 1981, King Crimson grabó “Discipline” en Londres con el productor Rhett Davies, quien previamente había trabajado con Belew en “Remain in Light” de Talking Heads y con Fripp en “Another Green World” y “Before and After Science” de Brian Eno.
El álbum mostró una versión muy diferente de la banda, con nuevas influencias que incluían post-punk, new wave, funk, minimalismo, puntillismo, música del mundo y percusión africana, y un sonido descrito en “The New Rolling Stone Album Guide” como poseedor de una "técnica asombrosa" de "ejercicios rítmicos intrincados y armónicamente exigentes".
El tema que da título al álbum, "Discipline", fue descrito como una canción de rock postminimalista.
Fripp pretendía crear el sonido de un “gamelán rock”, con una cualidad rítmica entrelazada en las guitarras a dúo que le recordaba a los conjuntos de gamelán indonesios.
Fripp se concentró en tocar arpegios complejos con púa, mientras que Belew aportó un arsenal de sonidos de guitarra que “a menudo imitan ruidos de animales”.
Además del bajo, Levin utilizó el Chapman Stick, un instrumento híbrido de guitarra y bajo de diez cuerdas que se toca con ambas manos mediante tapping, y que interpretaba con un estilo “totalmente original”.
Bruford experimentó con baterías acústicas sin platillos y una batería electrónica Simmons SDS-V.
Las canciones de la banda eran más cortas en comparación con los álbumes anteriores de King Crimson, influenciadas por la sensibilidad pop de Belew y su peculiar enfoque a la hora de escribir letras.
Aunque el gusto previo de la banda por la improvisación se había controlado considerablemente, de los ensayos grupales surgió un tema instrumental ("The Sheltering Sky"); la ruidosa y a medio camino entre lo hablado y lo gritado "Indiscipline" fue una pieza parcialmente escrita e improvisada, creada para que Bruford pudiera escapar de las estrictas exigencias rítmicas del resto del álbum.
Publicado en septiembre de 1981, "Discipline" alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el número 45 en Estados Unidos.
La contraportada incluye la frase: “La disciplina nunca es un fin en sí misma, sino un medio para un fin”.
La portada original presenta una variación de un diseño de nudo celta protegido por derechos de autor, obra de George Bain. Al descubrirse que se utilizaba sin la debida licencia, fue sustituida en ediciones posteriores por un diseño de nudos creado por Steve Ball por encargo de Fripp.
El diseño de Ball también se utiliza como logotipo del sello discográfico de Fripp, Discipline Global Mobile.
“Discipline” recibió críticas mixtas, aunque en general positivas.
La reseña de John Piccarella en Rolling Stone elogió el talento y la maestría de King Crimson, en particular el enfoque visionario de Belew y Fripp hacia la guitarra, pero criticó el contenido pretencioso del álbum, expresando su deseo de que esta banda de virtuosos permaneciera unida el tiempo suficiente para transformar todos sus experimentos en innovaciones.
Alan Entwistle, de Record Mirror, se mostró en general entusiasta, escribiendo que la banda explora nuevos territorios y revitaliza los ya conocidos; destacó la segunda cara del álbum, más madura, señalando sus canciones distintivas, bailables a la vez que disciplinadas.
Robert Christgau, de The Village Voice, describió el álbum como musicalmente aceptable: una mezcla entre The Heads y The League of Gentlemen.
En la encuesta Pazz & Jop de fin de año de The Village Voice, “Discipline” fue votado por los críticos como el 35 mejor álbum del año.
La reseña retrospectiva de Greg Prato en AllMusic elogió las "interpretaciones inspiradas" del álbum, aplaudiendo en particular la inesperada y exitosa combinación de los estilos tan distintos de Belew y Fripp: "la unión de estos dos originales funcionó de maravilla".
Trouser Press describió las canciones del álbum como "esculturas musicales que se despliegan, interpretadas con precisión y una imaginación excepcional" y "una síntesis mayormente exitosa de ambición, sencillez y la claridad característica de Kraftwerk".
En 2002, Pitchfork clasificó “Discipline” en el puesto número 56 de su lista de "Los 100 mejores álbumes de la década de 1980"; en la entrada del álbum en la lista, el escritor Dominique Leone lo citó como una influencia en el math rock y lo describió como "tan anguloso y tenso como cualquier grupo post-punk, a la vez que tan preciso y rítmicamente propulsivo como un cuarteto de cuerdas de Bartók".
En junio de 1982, King Crimson lanzó “Beat”, segundo álbum en contar con la formación de Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin y Bill Bruford, y el primer álbum de King Crimson en contar con la misma formación que su predecesor.
"Beat" es el único álbum en el que Fripp no participó en la mezcla original; Davies y Belew se encargaron de la producción.
“Beat” se inspiró en la historia y los escritos de la Generación Beat, impulsado por el vigésimo quinto aniversario de la publicación de la novela “En el camino” del escritor beat Jack Kerouac.
Adrian Belew recuerda haber recibido la inspiración de una nota que decía “Soy ruedas, soy ruedas en movimiento”, que le dio Robert Fripp, quien sugirió que los escritos beat se convirtieran en la base lírica del álbum después de ver a Belew leyendo una obra de Kerouac.
El tema inicial, "Neal and Jack and Me", hace referencia a Kerouac y Neal Cassady. Además de "En el camino", la letra también menciona las novelas de Kerouac "Los subterráneos", "Visiones de Cody" y "Satori en París".
La canción se publicó como cara B de "Heartbeat", el único sencillo del álbum. Musicalmente, "Neal and Jack and Me" retoma donde lo dejó "Discipline ", con Fripp y Belew tocando patrones en 54 y 78.
“Heartbeat” es también el título de un libro escrito por Carolyn, la esposa de Cassady.
“Sartori in Tangier” toma su nombre de "Satori en París" de Kerouac y de la ciudad de Tánger, en Marruecos, donde pasaron tiempo varios escritores de la Generación Beat y Paul Bowles (cuya obra “The Sheltering Sky” inspiró el título de una canción del álbum “Discipline”).
La distintiva introducción instrumental fue interpretada por Tony Levin con el Chapman Stick; en las primeras versiones en directo, la introducción era más larga.
“Neurotica” comparte título con Neurotica, una revista de la era Beat.
La introducción de Frippertronics ('Frippertronics' es un término que se refiere a la técnica analógica de retardo y bucle desarrollada por Robert Fripp, utilizando dos grabadoras de cinta de carrete abierto) de la canción está tomada directamente de “Hååden Two”, del álbum en solitario de Fripp de 1979, “Exposure”.
“The Howler” hace referencia al poema “Howl” (1955) del escritor Beat Allen Ginsberg, que Fripp sugirió a Belew como inspiración para la letra.
El riff de guitarra que se escucha a mitad de la canción se puede comparar con el que Belew tocó en "Genius of Love" de Tom Tom Club en 1981.
La canción se interpretó por primera vez a principios de 1982 como instrumental. Otra pista instrumental, titulada "Absent Lovers", también se interpretó durante este tiempo, pero no se incluyó en el álbum.
La grabación del último tema, "Requiem", generó tensión entre Fripp y Belew. El instrumental se basó en un loop de Frippertronics de la gira en solitario de Fripp de 1979.
Después de que Levin y Bruford grabaran las pistas rítmicas, Belew regresó solo al estudio para grabar sobregrabaciones de guitarra adicionales. Fripp hizo lo mismo más tarde, pero cuando el grupo se reunió de nuevo, Belew le pidió a Fripp que abandonara el estudio.
No se supo de él durante varios días, aunque una carta de Bruford y una llamada telefónica del mánager Paddy Spinks permitieron al grupo "recomponer la situación" y Belew se disculpó posteriormente. Sin embargo, el grupo no se reunió de nuevo hasta el comienzo de su siguiente gira.
Fripp recordó que “en aquel entonces, Bill y Adrian pensaban que Beat era mejor que Discipline. Para mí, esto era un indicio de lo mucho que la banda se había alejado ya de su visión original. El grupo se separó al final de las sesiones... No tuve nada que ver con la mezcla de Beat, ni me sentí capaz de promocionarlo. De alguna manera, asimilamos ese hecho y seguimos adelante”.
Belew consideró las sesiones “la peor experiencia de grabación de su vida y una que jamás repetiría”, y tanto él como Bruford han declarado posteriormente que “Heartbeat” y “Two Hands” no deberían haberse incluido en el álbum.
Publicado el 18 de junio de 1982, “Beat” alcanzó el puesto número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
En una reseña positiva, Trouser Press escribió que "los músicos llevan sus instrumentos a una nueva forma, similar al jazz fusión y al art rock, pero mucho más allá de ambos, e incluso indescriptible".
Una mezcla en sonido envolvente 5.1 del álbum, realizada por Fripp y Steven Wilson, que comenzó en 2009 y finalizó en 2013, se publicó en octubre de 2016 para la serie del 40 aniversario de King Crimson como un paquete independiente de CD/DVD y como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew excepto "Two Hands", de Margaret Belew.
Por esa época, la banda publicó el VHS “The Noise: Live in Frejus”, un documental de un concierto ofrecido en el Arena de Fréjus, Francia, el 27 de agosto de 1982, compartiendo cartel con Roxy Music (cuyo concierto del mismo espectáculo también se publicó en VHS como “The High Road”).
El VHS se reeditó posteriormente en 2004 como parte del DVD “Neal and Jack and Me”.
El siguiente álbum de King Crimson, “Three of a Perfect Pair”, se grabó en 1983 y se publicó en marzo de 1984; es el último álbum de estudio del grupo con el cuarteto formado por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford, que se separó ese mismo año, aunque los cuatro aparecerían en la formación de sexteto que aparece en “Thrak” en 1995.
Según Robert Fripp, el álbum "presenta dos lados distintos de la personalidad de la banda, lo que ha causado al menos tanta confusión para el grupo como para el público y la industria. El lado izquierdo es accesible, el lado derecho excesivo".
La "otra cara" del material adicional de la remasterización en CD de 2001 consiste en dos tomas descartadas instrumentales de las sesiones de 1983, tres mezclas alternativas de "Sleepless" y una grabación a cappella de 1989 (publicada por primera vez en la caja recopilatoria "Frame By Frame" de 1991) en la que Tony Levin interpreta todas las partes del cuarteto de barbería "The King Crimson Barber Shop".
El título del álbum se basa en la idea de los “opuestos perfectos”, o la verdad de una persona, la verdad de otra y una verdad objetiva (la idea de que “toda historia tiene tres versiones".
La obra diseñada por Peter Willis ilustra la dicotomía sagrado-profano; un objeto fálico ascendente representa a una deidad solar masculina a punto de penetrar la figura creciente, una deidad lunar femenina.
Según Fripp, la obra es “una presentación de la reconciliación del cristianismo occidental y oriental... la portada muestra los dos elementos, que representan los principios masculino y femenino. La contraportada incluye un tercer elemento que une y reconcilia los términos opuestos anteriores”.
Lanzado en marzo de 1984, “Three of a Perfect Pair” alcanzó el puesto número 30 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Trouser Press lo describió en una reseña mixta como "un álbum sumamente inconexo de una banda que se enorgullecía de sus contradicciones cuidadosamente equilibradas. La cara B incluye cuatro de las canciones menos logradas de Adrian Belew y un instrumental autorreferencial; la cara B es casi completamente instrumental, casi de forma libre, casi brillante... aparentemente la 'disciplina' frippressive que forjó la aclamada síntesis pop/art de los dos primeros álbumes de la última etapa de Crimson no es una condición permanente".
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew. “The King Crimson Barber Shop”, música y letra de Tony Levin.
El último concierto de la gira de “Three of a Perfect Pair”, en el Spectrum de Montreal, Canadá, el 11 de julio de 1984, se grabó y publicó en 1998 como “Absent Lovers: Live in Montreal”.
Otras grabaciones en directo de la banda de los años 80 se publicaron en 2016 como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”. A pesar de sus diferencias, los músicos mantuvieron una actitud profesional en el escenario.
Tras la gira de 1984, Fripp disolvió King Crimson por segunda vez, exactamente diez años después de disolver el grupo anterior. Bruford y Belew expresaron su frustración al respecto; Belew recordó que se enteró de la separación por un artículo en la revista Musician.
Bill Bruford dijo sobre la disolución de la banda en 1984: “Robert volvió a disolver el grupo, por enésima vez, recreándose largamente, supongo, en nuestra falta de imaginación, habilidad, dirección y mil cosas más que sin duda nos faltaban. Supongo que solo porque recuerdo no haber prestado atención a esa letanía de fracasos. Mejor retirarse mientras se está en la cima, pensé”.
En 1984, Levin publicó “Road Photos”, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus viajes con King Crimson, Gabriel, Simon y otros. Otro libro de fotografías centrado en los viajes de King Crimson en la década de 1980, “The Crimson Chronicles, volumen 1”, se publicó en 2004.
Levin también ha escrito un libro de anécdotas de su carrera e historias de gira titulado “Beyond the Bass Clef”.
En 1987, tocó el bajo y el Chapman Stick en el álbum “A Momentary Lapse of Reason” de Pink Floyd.
En 1988, Bruford le pidió a Levin que fuera un "quinto miembro no oficial" del supergrupo Anderson Bruford Wakeman Howe, vinculado a Yes, que incluía a todos los miembros de la formación clásica de Yes excepto al bajista Chris Squire, aunque Levin solo participó como músico de sesión en el álbum homónimo del grupo.
Debido a una enfermedad, no pudo tocar en algunas de las últimas fechas de la gira, siendo reemplazado por Jeff Berlin. Levin también tocó en el álbum “Union” de Yes en 1991.
En 1991, acompañó a Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi) en la gira de su álbum "Stranger in This Town".
En junio de 1993, Fripp comenzó a reunir una versión más amplia de King Crimson, a la que se unieron Belew y Levin, el guitarrista de Chapman Stick, Trey Gunn y el baterista Jerry Marotta, con quien Fripp había tocado con Peter Gabriel.
Tras los conciertos de despedida de Sylvian/Fripp en el Royal Albert Hall en diciembre de 1993, Fripp decidió pedirle al baterista de la gira, Pat Mastelotto, exmiembro de Mr. Mister, que se uniera en lugar de Marotta.
Bruford terminó siendo el último del grupo de los 80 en regresar a la banda.
Fripp explicó que tuvo una visión de un "Doble Trío" con dos baterías mientras conducía por el valle de Chalke en Wiltshire una tarde de 1992.
Bruford declaró posteriormente que había presionado a Fripp a última hora porque creía que Crimson seguía siendo, en gran medida, "su proyecto", y que Fripp había dado una explicación filosófica para utilizar tanto a Mastelotto como a él mismo más adelante.
Una de las condiciones que Fripp le impuso a Bruford para regresar fue que le cediera todo el control creativo.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin
Tony Levin es un músico y compositor estadounidense especializado en bajos eléctricos, Chapman Stick y contrabajo.
Músico de sesión prolífico desde la década de 1970, Levin ha participado en más de 500 álbumes. Algunas de sus colaboraciones más destacadas incluyen trabajos con John Lennon, Herbie Mann, Sarah McLachlan, Paula Cole, Stevie Nicks, Pink Floyd, Robbie Robertson, Eumir Deodato, Paul Simon, Lou Reed, David Bowie, Joan Armatrading, Tom Waits, Buddy Rich, The Roches, Todd Rundgren, Seal, Warren Zevon, Bryan Ferry, Laurie Anderson, Kate y Anna McGarrigle, Gibonni, Chuck Mangione y Jean-Pierre Ferland.
Ha realizado giras con artistas como Paul Simon (con quien apareció en la película de 1980 “One-Trick Pony” ), Gary Burton, James Taylor, Judy Collins, Carly Simon, Peter Frampton, Tim Finn, Richie Sambora, Ivano Fossati, Claudio Baglioni y Lawrence Gowan.
Pero es más conocido por su trabajo con King Crimson y Peter Gabriel, quien lo llama el "Emperador del Bajo".
Levin ha contribuido más que nadie a popularizar el Chapman Stick, tocando esta guitarra elegante y con un marcado estilo tapping en éxitos de Gabriel como "Shock the Monkey".
El Emperador comenzó su carrera como músico de sesión en los años 70; es el mismo que tocó en el éxito número uno de Paul Simon, "50 Ways to Leave Your Lover".
Se unió a Gabriel en cuanto el artista dejó Genesis, y desde entonces ha sido una pieza clave en su música: es imposible imaginar "Big Time" o "Sledgehammer" sin él.
Cuando Robert Fripp revivió King Crimson tras una pausa de siete años, reclutó a Levin para la formación clásica de los ochenta que grabó “Discipline”. (Posee el récord del bajista con más años en Crimson).
Levin toca con gran sentimiento en dos de las mejores baladas de la última etapa de Bowie: “Slip Away” y “Where Are We Now?”.
Inventó los “Funk Fingers”, una técnica para su enfoque percusivo que consiste en baquetas modificadas que se acoplan a los dedos del bajista para golpear las cuerdas, añadiendo un distintivo sonido percusivo "slap" característico del funk.
En 2011, Levin ocupó el segundo puesto, solo por detrás de John Paul Jones de Led Zeppelin, en la lista de los "20 bajistas más infravalorados" de la revista Paste.
“Me atrevería a decir que la forma en que escuché a Oscar Pettiford tocar el bajo de jazz… es similar a la forma en que, mucho después, intentaría crear partes de bajo para rock y pop”, dijo Levin en 2013, reflexionando sobre los orígenes de su estilo singular. “No es tan fácil describirlo con exactitud, pero, en pocas palabras, se trata de encontrar las notas precisas y tocarlas con la sensibilidad justa”.
También es miembro de Liquid Tension Experiment (1997-1999, 2008-2009, 2020-presente), Bruford Levin Upper Extremities (1998-2000) y HoBoLeMa (2008-2010). Dirige su propia banda, Stick Men, desde 2010.
En julio de 2020, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 42 de su lista de los "50 mejores bajistas de todos los tiempos”.
Anthony Frederick Levin nació el 6 de junio de 1946 en Boston, Massachusetts. Se crio en una familia judía reformista en el suburbio de Brookline.
Empezó a tocar el contrabajo a los 10 años, estudiando principalmente música clásica. En la escuela secundaria aprendió a tocar la tuba, interpretando solos con la banda de concierto, y también formó un cuarteto de barbería (grupo de cuatro cantantes que interpretan música al estilo barbershop, caracterizado por armonías a cuatro voces sin acompañamiento instrumental, a cappella); sin embargo, su principal interés era la música clásica.
Entre sus primeras actuaciones destaca su participación con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Gran Boston en un concierto en el jardín sur de la Casa Blanca en abril de 1962, para John F. Kennedy y Jackie Kennedy.
Tras terminar el instituto, asistió a la Eastman School of Music en Rochester, Nueva York, donde tuvo la oportunidad de tocar bajo la dirección de Igor Stravinsky y en la Filarmónica de Rochester.
En esa misma escuela coincidió con el baterista Steve Gadd, quien le introdujo al jazz y al rock, lo que lo llevó a cambiar su bajo eléctrico vertical Ampeg "Baby Bass" por un Fender Precision Bass. En sus inicios, su primer amplificador de bajo fue un Ampeg Portaflex B-15.
La primera grabación de Levin fue en 1968, cuando él y Gadd participaron en “Diana in the Autumn Wind”, el primer álbum en solitario de Gap Mangione.
En 1970, Levin se mudó a la ciudad de Nueva York y se unió a una banda llamada Aha, the Attack of the Green Slime Beast, con Don Preston de The Mothers of Invention. Poco después, comenzó a trabajar como músico de sesión.
En 1971, John McLaughlin le pidió a Levin que se uniera a su nuevo proyecto, la Mahavishnu Orchestra: “Mi primera opción para el bajo era Tony Levin. Pero me dijo: "¡Caramba, acabo de aceptar un trabajo con Gary Burton!".
De 1973 a 1975, Levin y Steve Gadd tocaron en la banda del veterano flautista de jazz Herbie Mann. Dos de las primeras composiciones de Levin (“Daffodil” y “Music Is a Game We Play”) aparecieron en el álbum de Mann de 1973, “First Light”.
Su habilidad para leer partituras y su rapidez y eficiencia en el trabajo lo hicieron muy apreciado por numerosos productores, lo que le valió colaboraciones en muchos álbumes, incluido el álbum de jazz de la big band de Buddy Rich, “The Roar of '74”, y “Still Crazy After All These Years” de Paul Simon en 1975.
En 1976, Levin contribuyó a crear las exuberantes texturas del álbum “Resolution” de Andy Pratt, que contó con la participación de numerosos músicos destacados, entre ellos Arif Mardin, Andy Newmark, Hugh McDonald, Luther Vandross y Steve Gadd, colaborador habitual de Levin en la sección rítmica.
Allmusic.com y la revista Rolling Stone lo consideraron uno de los mejores álbumes de cantautores de la década de 1970.
En 1977 Levin fue contratado para el álbum debut en solitario de Peter Gabriel, en el que también participó Robert Fripp.
Desde entonces, Levin ha sido el bajista predilecto de Gabriel. En el primer álbum solista de Gabriel, Levin también tocó la tuba, y dirigió y cantó con un cuarteto de barbería en “Excuse Me”.
Había conocido a Gabriel a través del productor Bob Ezrin, con quien Levin había grabado “Welcome to My Nightmare” de Alice Cooper y “Berlin” de Lou Reed.
Durante la grabación del primer álbum de Peter Gabriel, conoció a Robert Fripp y, en 1980, luego de ser invitado por el mismo Fripp para participar de su álbum “Exposure” en 1979, se convirtió en un miembro de la nueva formación de King Crimson en 1981, que por esos días aún se hacía llamar Discipline.
Levin ha sido el bajista en todos los álbumes de estudio de Gabriel, con algunas excepciones (por ejemplo, el bajo sin trastes de John Giblin en “Peter Gabriel III”, y la colaboración de Larry Klein y Bill Laswell en “So”).
Durante sus años con Gabriel, Levin desarrolló dos aspectos únicos en su forma de tocar: un mayor dominio del Chapman Stick, que más tarde utilizaría ampliamente en King Crimson, y la invención de los "funk fingers", unas baquetas cortas sujetas a los dedos para golpear las cuerdas graves, lo que produce un efecto muy percusivo.
Levin atribuye a Gabriel la idea original y a su técnico, Andy Moore, el mérito de haberlas hecho viables.
En 1978, Levin se mudó a Woodstock, Nueva York, para unirse a la banda L'Image, que incluía a su viejo amigo Steve Gadd, así como a Mike Mainieri y Warren Bernhardt.
La banda se disolvió al cabo de un año, aunque Levin decidió quedarse en la zona: actualmente reside en Kingston, Nueva York.
Este grupo, cuyo destino fue trágico, se reuniría mucho más tarde en la carrera de Levin.
En 1980, Levin participó en las sesiones del álbum “Double Fantasy” de John Lennon y Yoko Ono.
De 1981 a 1984 Levin formó parte de la formación de King Crimson junto con Fripp, el guitarrista y vocalista Adrian Belew y el batería Bill Bruford.
A finales del otoño de 1980, después de haber pasado varios años dedicados a la búsqueda espiritual y luego regresar gradualmente a la música (tocando la guitarra para David Bowie, Peter Gabriel y Daryl Hall, desarrollando una carrera solista experimental, liderando la banda instrumental de new wave The League of Gentlemen), Fripp decidió formar un nuevo grupo de rock de "primera división".
Tras reclutar a Bruford como batería, Fripp invitó al cantante y guitarrista estadounidense Adrian Belew, quien había tocado previamente con Bowie y Frank Zappa, a unirse a la banda; esta fue la primera vez que Fripp buscaba activamente la colaboración de otro guitarrista, lo que evidenciaba su deseo de crear algo distinto a sus trabajos anteriores.
Después de una gira con Talking Heads, Belew aceptó unirse y convertirse también en el letrista. La sugerencia de Bruford del bajista Jeff Berlin, con quien había tocado en Bruford, fue rechazada ya que Fripp consideraba que su estilo era "demasiado recargado", por lo que se realizaron audiciones en Nueva York: al tercer día, Fripp se marchó tras aproximadamente tres audiciones, para regresar varias horas después con el bajista de sesión Tony Levin (quien obtuvo el puesto tras tocar un solo estribillo de "Red").
Fripp confesó más tarde que, de haber sabido que Levin (con quien había tocado en el grupo de Peter Gabriel) estaba disponible e interesado, lo habría elegido sin hacer audiciones.
Fripp bautizó al nuevo cuarteto como Discipline, y viajaron a Inglaterra para ensayar y componer nuevo material.
Debutaron en directo en el Moles Club de Bath, Somerset, el 30 de abril de 1981, y realizaron una breve gira como teloneros de The Lounge Lizards.
En octubre de 1981, la banda decidió cambiar su nombre a King Crimson.
En 1981, King Crimson grabó “Discipline” en Londres con el productor Rhett Davies, quien previamente había trabajado con Belew en “Remain in Light” de Talking Heads y con Fripp en “Another Green World” y “Before and After Science” de Brian Eno.
El álbum mostró una versión muy diferente de la banda, con nuevas influencias que incluían post-punk, new wave, funk, minimalismo, puntillismo, música del mundo y percusión africana, y un sonido descrito en “The New Rolling Stone Album Guide” como poseedor de una "técnica asombrosa" de "ejercicios rítmicos intrincados y armónicamente exigentes".
El tema que da título al álbum, "Discipline", fue descrito como una canción de rock postminimalista.
Fripp pretendía crear el sonido de un “gamelán rock”, con una cualidad rítmica entrelazada en las guitarras a dúo que le recordaba a los conjuntos de gamelán indonesios.
Fripp se concentró en tocar arpegios complejos con púa, mientras que Belew aportó un arsenal de sonidos de guitarra que “a menudo imitan ruidos de animales”.
Además del bajo, Levin utilizó el Chapman Stick, un instrumento híbrido de guitarra y bajo de diez cuerdas que se toca con ambas manos mediante tapping, y que interpretaba con un estilo “totalmente original”.
Bruford experimentó con baterías acústicas sin platillos y una batería electrónica Simmons SDS-V.
Las canciones de la banda eran más cortas en comparación con los álbumes anteriores de King Crimson, influenciadas por la sensibilidad pop de Belew y su peculiar enfoque a la hora de escribir letras.
Aunque el gusto previo de la banda por la improvisación se había controlado considerablemente, de los ensayos grupales surgió un tema instrumental ("The Sheltering Sky"); la ruidosa y a medio camino entre lo hablado y lo gritado "Indiscipline" fue una pieza parcialmente escrita e improvisada, creada para que Bruford pudiera escapar de las estrictas exigencias rítmicas del resto del álbum.
Publicado en septiembre de 1981, "Discipline" alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el número 45 en Estados Unidos.
La contraportada incluye la frase: “La disciplina nunca es un fin en sí misma, sino un medio para un fin”.
La portada original presenta una variación de un diseño de nudo celta protegido por derechos de autor, obra de George Bain. Al descubrirse que se utilizaba sin la debida licencia, fue sustituida en ediciones posteriores por un diseño de nudos creado por Steve Ball por encargo de Fripp.
El diseño de Ball también se utiliza como logotipo del sello discográfico de Fripp, Discipline Global Mobile.
“Discipline” recibió críticas mixtas, aunque en general positivas.
La reseña de John Piccarella en Rolling Stone elogió el talento y la maestría de King Crimson, en particular el enfoque visionario de Belew y Fripp hacia la guitarra, pero criticó el contenido pretencioso del álbum, expresando su deseo de que esta banda de virtuosos permaneciera unida el tiempo suficiente para transformar todos sus experimentos en innovaciones.
Alan Entwistle, de Record Mirror, se mostró en general entusiasta, escribiendo que la banda explora nuevos territorios y revitaliza los ya conocidos; destacó la segunda cara del álbum, más madura, señalando sus canciones distintivas, bailables a la vez que disciplinadas.
Robert Christgau, de The Village Voice, describió el álbum como musicalmente aceptable: una mezcla entre The Heads y The League of Gentlemen.
En la encuesta Pazz & Jop de fin de año de The Village Voice, “Discipline” fue votado por los críticos como el 35 mejor álbum del año.
La reseña retrospectiva de Greg Prato en AllMusic elogió las "interpretaciones inspiradas" del álbum, aplaudiendo en particular la inesperada y exitosa combinación de los estilos tan distintos de Belew y Fripp: "la unión de estos dos originales funcionó de maravilla".
Trouser Press describió las canciones del álbum como "esculturas musicales que se despliegan, interpretadas con precisión y una imaginación excepcional" y "una síntesis mayormente exitosa de ambición, sencillez y la claridad característica de Kraftwerk".
En 2002, Pitchfork clasificó “Discipline” en el puesto número 56 de su lista de "Los 100 mejores álbumes de la década de 1980"; en la entrada del álbum en la lista, el escritor Dominique Leone lo citó como una influencia en el math rock y lo describió como "tan anguloso y tenso como cualquier grupo post-punk, a la vez que tan preciso y rítmicamente propulsivo como un cuarteto de cuerdas de Bartók".
En junio de 1982, King Crimson lanzó “Beat”, segundo álbum en contar con la formación de Robert Fripp, Adrian Belew, Tony Levin y Bill Bruford, y el primer álbum de King Crimson en contar con la misma formación que su predecesor.
"Beat" es el único álbum en el que Fripp no participó en la mezcla original; Davies y Belew se encargaron de la producción.
“Beat” se inspiró en la historia y los escritos de la Generación Beat, impulsado por el vigésimo quinto aniversario de la publicación de la novela “En el camino” del escritor beat Jack Kerouac.
Adrian Belew recuerda haber recibido la inspiración de una nota que decía “Soy ruedas, soy ruedas en movimiento”, que le dio Robert Fripp, quien sugirió que los escritos beat se convirtieran en la base lírica del álbum después de ver a Belew leyendo una obra de Kerouac.
El tema inicial, "Neal and Jack and Me", hace referencia a Kerouac y Neal Cassady. Además de "En el camino", la letra también menciona las novelas de Kerouac "Los subterráneos", "Visiones de Cody" y "Satori en París".
La canción se publicó como cara B de "Heartbeat", el único sencillo del álbum. Musicalmente, "Neal and Jack and Me" retoma donde lo dejó "Discipline ", con Fripp y Belew tocando patrones en 54 y 78.
“Heartbeat” es también el título de un libro escrito por Carolyn, la esposa de Cassady.
“Sartori in Tangier” toma su nombre de "Satori en París" de Kerouac y de la ciudad de Tánger, en Marruecos, donde pasaron tiempo varios escritores de la Generación Beat y Paul Bowles (cuya obra “The Sheltering Sky” inspiró el título de una canción del álbum “Discipline”).
La distintiva introducción instrumental fue interpretada por Tony Levin con el Chapman Stick; en las primeras versiones en directo, la introducción era más larga.
“Neurotica” comparte título con Neurotica, una revista de la era Beat.
La introducción de Frippertronics ('Frippertronics' es un término que se refiere a la técnica analógica de retardo y bucle desarrollada por Robert Fripp, utilizando dos grabadoras de cinta de carrete abierto) de la canción está tomada directamente de “Hååden Two”, del álbum en solitario de Fripp de 1979, “Exposure”.
“The Howler” hace referencia al poema “Howl” (1955) del escritor Beat Allen Ginsberg, que Fripp sugirió a Belew como inspiración para la letra.
El riff de guitarra que se escucha a mitad de la canción se puede comparar con el que Belew tocó en "Genius of Love" de Tom Tom Club en 1981.
La canción se interpretó por primera vez a principios de 1982 como instrumental. Otra pista instrumental, titulada "Absent Lovers", también se interpretó durante este tiempo, pero no se incluyó en el álbum.
La grabación del último tema, "Requiem", generó tensión entre Fripp y Belew. El instrumental se basó en un loop de Frippertronics de la gira en solitario de Fripp de 1979.
Después de que Levin y Bruford grabaran las pistas rítmicas, Belew regresó solo al estudio para grabar sobregrabaciones de guitarra adicionales. Fripp hizo lo mismo más tarde, pero cuando el grupo se reunió de nuevo, Belew le pidió a Fripp que abandonara el estudio.
No se supo de él durante varios días, aunque una carta de Bruford y una llamada telefónica del mánager Paddy Spinks permitieron al grupo "recomponer la situación" y Belew se disculpó posteriormente. Sin embargo, el grupo no se reunió de nuevo hasta el comienzo de su siguiente gira.
Fripp recordó que “en aquel entonces, Bill y Adrian pensaban que Beat era mejor que Discipline. Para mí, esto era un indicio de lo mucho que la banda se había alejado ya de su visión original. El grupo se separó al final de las sesiones... No tuve nada que ver con la mezcla de Beat, ni me sentí capaz de promocionarlo. De alguna manera, asimilamos ese hecho y seguimos adelante”.
Belew consideró las sesiones “la peor experiencia de grabación de su vida y una que jamás repetiría”, y tanto él como Bruford han declarado posteriormente que “Heartbeat” y “Two Hands” no deberían haberse incluido en el álbum.
Publicado el 18 de junio de 1982, “Beat” alcanzó el puesto número 39 en la lista de álbumes del Reino Unido.
En una reseña positiva, Trouser Press escribió que "los músicos llevan sus instrumentos a una nueva forma, similar al jazz fusión y al art rock, pero mucho más allá de ambos, e incluso indescriptible".
Una mezcla en sonido envolvente 5.1 del álbum, realizada por Fripp y Steven Wilson, que comenzó en 2009 y finalizó en 2013, se publicó en octubre de 2016 para la serie del 40 aniversario de King Crimson como un paquete independiente de CD/DVD y como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew excepto "Two Hands", de Margaret Belew.
Por esa época, la banda publicó el VHS “The Noise: Live in Frejus”, un documental de un concierto ofrecido en el Arena de Fréjus, Francia, el 27 de agosto de 1982, compartiendo cartel con Roxy Music (cuyo concierto del mismo espectáculo también se publicó en VHS como “The High Road”).
El VHS se reeditó posteriormente en 2004 como parte del DVD “Neal and Jack and Me”.
El siguiente álbum de King Crimson, “Three of a Perfect Pair”, se grabó en 1983 y se publicó en marzo de 1984; es el último álbum de estudio del grupo con el cuarteto formado por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford, que se separó ese mismo año, aunque los cuatro aparecerían en la formación de sexteto que aparece en “Thrak” en 1995.
Según Robert Fripp, el álbum "presenta dos lados distintos de la personalidad de la banda, lo que ha causado al menos tanta confusión para el grupo como para el público y la industria. El lado izquierdo es accesible, el lado derecho excesivo".
La "otra cara" del material adicional de la remasterización en CD de 2001 consiste en dos tomas descartadas instrumentales de las sesiones de 1983, tres mezclas alternativas de "Sleepless" y una grabación a cappella de 1989 (publicada por primera vez en la caja recopilatoria "Frame By Frame" de 1991) en la que Tony Levin interpreta todas las partes del cuarteto de barbería "The King Crimson Barber Shop".
El título del álbum se basa en la idea de los “opuestos perfectos”, o la verdad de una persona, la verdad de otra y una verdad objetiva (la idea de que “toda historia tiene tres versiones".
La obra diseñada por Peter Willis ilustra la dicotomía sagrado-profano; un objeto fálico ascendente representa a una deidad solar masculina a punto de penetrar la figura creciente, una deidad lunar femenina.
Según Fripp, la obra es “una presentación de la reconciliación del cristianismo occidental y oriental... la portada muestra los dos elementos, que representan los principios masculino y femenino. La contraportada incluye un tercer elemento que une y reconcilia los términos opuestos anteriores”.
Lanzado en marzo de 1984, “Three of a Perfect Pair” alcanzó el puesto número 30 en la lista de álbumes del Reino Unido.
Trouser Press lo describió en una reseña mixta como "un álbum sumamente inconexo de una banda que se enorgullecía de sus contradicciones cuidadosamente equilibradas. La cara B incluye cuatro de las canciones menos logradas de Adrian Belew y un instrumental autorreferencial; la cara B es casi completamente instrumental, casi de forma libre, casi brillante... aparentemente la 'disciplina' frippressive que forjó la aclamada síntesis pop/art de los dos primeros álbumes de la última etapa de Crimson no es una condición permanente".
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Tony Levin y Bill Bruford; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew. “The King Crimson Barber Shop”, música y letra de Tony Levin.
El último concierto de la gira de “Three of a Perfect Pair”, en el Spectrum de Montreal, Canadá, el 11 de julio de 1984, se grabó y publicó en 1998 como “Absent Lovers: Live in Montreal”.
Otras grabaciones en directo de la banda de los años 80 se publicaron en 2016 como parte de la caja recopilatoria “On (and off) The Road (1981–1984)”. A pesar de sus diferencias, los músicos mantuvieron una actitud profesional en el escenario.
Tras la gira de 1984, Fripp disolvió King Crimson por segunda vez, exactamente diez años después de disolver el grupo anterior. Bruford y Belew expresaron su frustración al respecto; Belew recordó que se enteró de la separación por un artículo en la revista Musician.
Bill Bruford dijo sobre la disolución de la banda en 1984: “Robert volvió a disolver el grupo, por enésima vez, recreándose largamente, supongo, en nuestra falta de imaginación, habilidad, dirección y mil cosas más que sin duda nos faltaban. Supongo que solo porque recuerdo no haber prestado atención a esa letanía de fracasos. Mejor retirarse mientras se está en la cima, pensé”.
En 1984, Levin publicó “Road Photos”, una colección de fotografías en blanco y negro tomadas durante sus viajes con King Crimson, Gabriel, Simon y otros. Otro libro de fotografías centrado en los viajes de King Crimson en la década de 1980, “The Crimson Chronicles, volumen 1”, se publicó en 2004.
Levin también ha escrito un libro de anécdotas de su carrera e historias de gira titulado “Beyond the Bass Clef”.
En 1987, tocó el bajo y el Chapman Stick en el álbum “A Momentary Lapse of Reason” de Pink Floyd.
En 1988, Bruford le pidió a Levin que fuera un "quinto miembro no oficial" del supergrupo Anderson Bruford Wakeman Howe, vinculado a Yes, que incluía a todos los miembros de la formación clásica de Yes excepto al bajista Chris Squire, aunque Levin solo participó como músico de sesión en el álbum homónimo del grupo.
Debido a una enfermedad, no pudo tocar en algunas de las últimas fechas de la gira, siendo reemplazado por Jeff Berlin. Levin también tocó en el álbum “Union” de Yes en 1991.
En 1991, acompañó a Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi) en la gira de su álbum "Stranger in This Town".
En junio de 1993, Fripp comenzó a reunir una versión más amplia de King Crimson, a la que se unieron Belew y Levin, el guitarrista de Chapman Stick, Trey Gunn y el baterista Jerry Marotta, con quien Fripp había tocado con Peter Gabriel.
Tras los conciertos de despedida de Sylvian/Fripp en el Royal Albert Hall en diciembre de 1993, Fripp decidió pedirle al baterista de la gira, Pat Mastelotto, exmiembro de Mr. Mister, que se uniera en lugar de Marotta.
Bruford terminó siendo el último del grupo de los 80 en regresar a la banda.
Fripp explicó que tuvo una visión de un "Doble Trío" con dos baterías mientras conducía por el valle de Chalke en Wiltshire una tarde de 1992.
Bruford declaró posteriormente que había presionado a Fripp a última hora porque creía que Crimson seguía siendo, en gran medida, "su proyecto", y que Fripp había dado una explicación filosófica para utilizar tanto a Mastelotto como a él mismo más adelante.
Una de las condiciones que Fripp le impuso a Bruford para regresar fue que le cediera todo el control creativo.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1046
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin (Segunda Parte)
Tras los ensayos en Woodstock, Nueva York, el grupo lanzó el EP “Vrooom” en octubre de 1994. Este reveló el nuevo sonido de King Crimson, que presentaba las guitarras entrelazadas de los años 80 mezcladas con la atmósfera más densa y pesada de los años 70.
Muchas de las canciones fueron escritas o finalizadas por Belew, y mostraban elementos más marcados del pop de los años 60 que antes; en particular, una clara influencia de los Beatles.
Bruford describiría a esta formación como un sonido similar al de "unos Shadows disonantes y dopados".
Al igual que con formaciones anteriores, se utilizó nueva tecnología, incluyendo MIDI (que Fripp usó para reemplazar Frippertronics con Soundscapes) y la guitarra Warr con la que Gunn reemplazó su Chapman Stick en 1995.
King Crimson realizó una gira a partir del 28 de septiembre de 1994 en Buenos Aires, Argentina; partes de estos conciertos se publicaron en el doble CD en vivo "B'Boom: Live in Argentina" en 1995.
En octubre y diciembre de 1994, King Crimson grabó su undécimo álbum de estudio, “Thrak”, en los estudios Real World de Peter Gabriel, en Box, Wiltshire, Inglaterra, con el productor David Bottrill. Es el último álbum de estudio del grupo en el que participan Bruford o Levin.
Bottrill había producido previamente el álbum de 1993 de Fripp y David Sylvian, “The First Day”, en el que Trey Gunn participó como músico de sesión; tanto Gunn como Mastelotto tocaron posteriormente en la banda de gira de Fripp y Sylvian.
Con la banda compuesta por dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías, el tema inicial comienza con los seis músicos en el centro de la mezcla de audio; a medida que avanza el álbum, se dividen en dos tríos, uno en cada canal estéreo.
Bill Bruford suponía que esta formación sería una continuación de su trabajo de los años ochenta, pero en cambio descubrió que la banda había adoptado un sonido más pesado que recordaba a "Red" (1974).
La banda compuso los temas en el estudio casero de Belew en Nashville, Tennessee, y en la casa de Fripp en Wiltshire.
Fripp compuso principalmente las partes instrumentales, mientras que Belew se centró en las letras y las melodías.
“Sex Sleep Eat Drink Dream” y “One Time” se desarrollaron durante los ensayos de estudio para el miniálbum “Vrooom” de 1994 en Woodstock, Nueva York, durante la primavera de 1994.
Tomas descartadas instrumentales e improvisaciones de estas sesiones se publicarían posteriormente como “The Vrooom Sessions” en 1999.
“Fashionable” fue otro tema instrumental de “The Vrooom Sessions" que se volvió a grabar en Real World durante las sesiones. Presenta una línea de guitarra que recuerda a “Fashion” de David Bowie, en la que tocó Fripp.
A pesar de haber sido reelaborada con varias adiciones y mejoras por los miembros de la banda, la pieza finalmente se descartó del álbum.
En “People”, Tony Levin grabó la pista de bajo golpeando las cuerdas con pequeñas baquetas conocidas como “funk fingers”, que se sujetaba a los dedos; había utilizado esta técnica por primera vez mientras trabajaba con Peter Gabriel en la canción “Big Time” (con la ayuda de Jerry Marotta).
“Vrooom Vrooom” incorpora una sección intermedia compuesta originalmente por Fripp en 1974 para el tema instrumental que da título al álbum “Red”.
La banda también había experimentado con este material en 1983, mientras trabajaban en “Three of a Perfect Pair”; prueba de ello es el tema “Working on Sleepless” del recopilatorio de 2016 “Rehearsals & Blows”.
Publicado originalmente el 3 de abril de 1995, “Thrak” alcanzó el puesto 58 en la lista de álbumes del Reino Unido, siendo su último lanzamiento en entrar en dicha lista.
El álbum fue reeditado en CD en 2002 en una edición remasterizada. Una mezcla de sonido envolvente 5.1 significativamente diferente, realizada por Jakko Jakszyk, se publicó en formato CD/DVD-A en octubre de 2015 para la "Serie del 40.º Aniversario", junto con una nueva mezcla estéreo de Fripp y Jakszyk.
Estas dos mezclas también se incluyeron en la caja recopilatoria “THRAK BOX” de 2015, junto con grabaciones de estudio y en directo inéditas de la época.
Trouser Press describió a “Thrak2" como "un monstruo absoluto, una aventura cerebral de sexteto impresionante por su potencia de rock controlada con precisión".
En una reseña retrospectiva del álbum, Daniel Gioffre de AllMusic afirmó que King Crimson era “la única banda de rock progresivo de los 60 que seguía creando música progresiva, nueva y vital en los 90” y expresó su gran admiración por las diversas maneras en que explotaron el formato de doble trío en el álbum.
Si bien señaló que el álbum hacía referencia con frecuencia a trabajos anteriores de King Crimson, consideró que esto era un sutil reconocimiento a la consolidada base de fans de King Crimson, más que una preocupación por su propio pasado.
El álbum fue descrito por la revista Q como poseedor de "estructuras de rock con aroma a jazz, caracterizadas por una interacción de guitarras ruidosa, angular y exquisita" y una "sección rítmica atlética e innovadora", a la vez que se mantenía en sintonía con el sonido del rock alternativo de mediados de la década de 1990.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Trey Gunn, Tony Levin, Bill Bruford y Pat Mastelotto; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew, excepto "Coda: Marine 475", escrita por Robert Fripp.
Levin tocó el bajo en "Watcher of the Skies" del álbum “Genesis Revisited” de Steve Hackett (1996).
También participó en dos subgrupos experimentales de King Crimson: ProjeKct One (1997) y ProjeKct Four (1998).
ProjeKct One surgió de una sugerencia de Bruford a Robert Fripp para que hicieran juntos algunos espectáculos de improvisación. Fripp propuso incorporar a Gunn, mientras que Bruford sugirió a Tony Levin; así, cuatro de los seis miembros de King Crimson participaban en el proyecto.
Estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo eléctrico, Chapman Stick y sintetizador de bajo y Bill Bruford a la batería acústica y percusión.
Luego, Fripp desarrolló la idea de los "fraKctals": múltiples subconjuntos diferentes de la banda trabajando por separado como una forma de desarrollar nuevo material para King Crimson, ya que la banda se encontraba en una especie de punto muerto en la composición.
ProjeKct One ofreció cuatro conciertos consecutivos en el Jazz Cafe del 1 al 4 de diciembre de 1997. Los cuatro conciertos están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
Estas actuaciones marcaron el fin de la participación de Bruford con King Crimson en cualquier forma.
ProjeKct Four estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo y Chapman Stick y Pat Mastelotto a la percusión electrónica, simples y beatbox.
ProjeKct Four realizó una gira de siete conciertos por Estados Unidos del 23 de octubre al 2 de noviembre de 1998. Estos conciertos consistieron en material improvisado, así como en una ampliación del material desarrollado por ProjeKcts anteriores.
Los siete programas están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
A finales de la década de 1990, estuvo muy activo con sus propios grupos: Bruford Levin Upper Extremities, Bozzio Levin Stevens y Liquid Tension Experiment.
En 1997, se unió a Mike Portnoy y John Petrucci, miembros de Dream Theater, así como al futuro teclista de Dream Theater, Jordan Rudess, para un proyecto llamado Liquid Tension Experiment.
El grupo lanzó dos álbumes, “Liquid Tension Experiment” y “Liquid Tension Experiment 2”, en 1998 y 1999 respectivamente, además de realizar breves giras en 1998 y 2008.
También se publicaron dos CD con material bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment": el primero, compuesto por improvisaciones de estudio de sesiones sin Petrucci, lanzado con motivo del décimo aniversario de la banda; y una grabación en vivo de un concierto en Chicago en 2008 donde el equipo de Rudess falló y los otros tres lo compensaron con una improvisación de casi una hora (“When the Keyboard Breaks”).
Durante la pandemia mundial de COVID-19, el grupo se reunió y grabó “Liquid Tension Experiment 3”.
El primer álbum de la banda, “Liquid Tension Experiment”, fue lanzado en 1998 por la banda a través de Magna Carta Records. El álbum fue compuesto y grabado en tan solo una semana de sesiones de estudio.
"Chris and Kevin's Excellent Adventure" hace referencia a las sesiones de fotos del álbum, donde el fotógrafo confundió a Portnoy y Levin con “Chris” y “Kevin”.
“Three Minute Warning”, una canción dividida en cinco pistas, alude a un incidente en el estudio donde Levin se frustró con la insistencia de la banda en componer canciones en lugar de improvisar. La contraportada del álbum incluye una nota humorística en las pistas 9 a 13:
Advertencia: "Three Minute Warning" no es apto para personas con sensibilidad musical débil, impacientes o que critican la autocomplacencia extrema. Si pertenece a alguna de estas categorías, pulse el botón de parada de su reproductor de CD después de la pista n°8.
“Liquid Tension Experiment 2”, el segundo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 15 de junio de 1999 a través de Magna Carta Records.
El álbum alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard Top Internet Albums y el número 40 en la lista Heatseekers de Billboard. La banda tardaría otros 22 años en lanzar su tercer álbum.
Cada canción se describe detalladamente en las notas del disco. Tony Levin utilizó casi exclusivamente un Chapman Stick para grabar las partes de bajo. Las únicas partes de bajo eléctrico del álbum aparecen brevemente en “Another Dimension” y en la introducción de “Biaxident”.
Esta última canción toma su nombre de Biaxin, un medicamento que el guitarrista John Petrucci tomaba durante las sesiones de grabación para combatir fuertes dolores de cabeza, jugando así con la expresión “by accident” (por accidente).
En medio de las sesiones de grabación, que tuvieron lugar entre octubre y noviembre de 1998, Petrucci tuvo que abandonar el estudio al enterarse de que su esposa, embarazada, había entrado en fase de parto.
Esto obligó a los otros tres miembros de la banda a continuar la grabación por su cuenta. De ahí proviene el nombre de “When the Water Breaks”, ya que era la canción en la que la banda estaba trabajando cuando Petrucci recibió la noticia.
La canción incluye un efecto de sonido de bebé (un “paisaje sonoro infantil”, como lo describe el teclista Jordan Rudess) en el minuto 12:48 para marcar la sección específica que la banda estaba componiendo cuando Petrucci se marchó.
En ausencia de Petrucci, Levin, Rudess y el baterista Mike Portnoy grabaron decenas de improvisaciones completas, muchas de las cuales se publicarían posteriormente en el álbum de 2007 “Spontaneous Combustion” bajo el nombre de Liquid Trio Experiment.
De hecho, “914” es la única canción del álbum en la que no participó Petrucci. Portnoy hizo alusión a estas improvisaciones en las notas del álbum, afirmando que “si te gusta esto, hay mucho más de donde vino …”.
Cuando Petrucci regresó al estudio en noviembre, compuso y grabó las partes de guitarra para dos de estas improvisaciones: “Chewbacca” y “Liquid Dreams”. Para “Chewbacca” en particular, se tomó el tiempo de aprender varias de las melodías improvisadas de Rudess y las dobló en la guitarra, lo que, en palabras de Portnoy, “daba la ilusión de una composición escrita”.
“Hourglass” es un dueto entre Petrucci y Rudess al estilo de “State of Grace”, del primer álbum de la banda. Según Petrucci, fue escrita y grabada “de madrugada con cuerdas viejas”.
“Acid Rain”, el tema que abre el álbum, fue la última canción compuesta y grabada por toda la banda. Para esta canción, Petrucci utilizó una guitarra de siete cuerdas.
Una versión en directo, mucho más corta, apareció posteriormente en el álbum de Dream Theater de 2001, “Live Scenes from New York”, con la parte de bajo interpretada por John Myung con un bajo de seis cuerdas.
Poco después del lanzamiento de “Liquid Tension Experiment 2”, Rudess se unió a Dream Theater como miembro de tiempo completo.
El álbum “Spontaneous Combustion” es el resultado de las improvisaciones en estudio del grupo durante el paréntesis de John Petrucci.
El trío restante, Mike Portnoy, Tony Levin y Jordan Rudess, continuó componiendo música durante este periodo, bajo el nombre de Liquid Trio Experiment. Fue lanzado el 23 de octubre de 2007.
Algunas canciones de “Liquid Tension Experiment 2” surgieron de estas sesiones de improvisación, incluyendo "914", "Chewbacca" y "Liquid Dreams".
La canción "Chris & Kevin's Bogus Journey" no hace referencia a los excompañeros de Portnoy y Petrucci en Dream Theater, Chris Collins y Kevin Moore, sino al tema del primer álbum de Liquid Tension Experiment titulado "Chris & Kevin's Excellent Adventure", que a su vez alude a la costumbre del fotógrafo de la banda de llamar a Mike Portnoy y Tony Levin "Chris y Kevin", incluso después de haber sido corregido varias veces.
También hace referencia a la película de 1991, “Bill & Ted's Bogus Journey”, secuela de “Bill & Ted's Excellent Adventure”. La canción "Jazz Odyssey" alude a la película “This Is Spinal Tap”, en la que Spinal Tap experimenta con una canción improvisada del mismo nombre.
Aunque las sesiones de improvisación tuvieron lugar en 1998, no se publicaron hasta 2007, ya que las cintas máster se extraviaron antes de ser entregadas a Magna Carta. Las grabaciones del álbum (y los únicos registros existentes de estas sesiones) se obtuvieron del DAT estéreo de dos pistas de Portnoy.
“When the Keyboard Breaks” es un álbum en vivo grabado durante un concierto de Liquid Tension Experiment en el Park West de Chicago, Illinois.
Al comienzo de la pista "Universal Mind", el teclado Roland Fantom-G8 de Jordan Rudess sufrió un fallo en el que la placa de circuito impreso situada debajo de las teclas se deslizó ligeramente hacia un lado, lo que provocó que cada tecla tocara la nota correcta, pero también simultáneamente una nota medio tono más alta que la tecla.
“Estaba tocando, todo iba bien, pero de repente empecé a oír semitonos. Era como si yo estuviera tocando en Do, pero otra persona tocara en Do sostenido. Miré a John Petrucci, pensando: ¿Qué demonios estás haciendo?. Pero entonces lo vi detenerse un segundo, miré mis manos y pensé: ¿Qué es esto?. Me di cuenta de que cada vez que tocaba un Do, el teclado también tocaba un Do sostenido; cada vez que tocaba un Sol, tocaba un Sol sostenido, y así sucesivamente. Sonaba todo de la forma más disonante posible”.
Mientras el resto de la banda lo sustituía tocando brevemente "Entrance of the Gladiators", Rudess abandonó el escenario para buscar una solución, ya que no contaba con su técnico habitual ni con un teclado de repuesto.
Para compensar, los otros tres músicos decidieron improvisar hasta que Rudess regresara. Rudess tuvo que permanecer al teléfono con Roland en Japón durante al menos 20 minutos intentando averiguar qué ocurría.
Los otros tres continuaron improvisando, con el baterista Mike Portnoy dando actualizaciones de vez en cuando (el punto decisivo para los cortes de la pista).
Finalmente, Rudess tomó la guitarra de John Petrucci y comenzó a improvisar; luego Petrucci tomó el bajo, ya que Tony Levin estaba tocando el Chapman Stick.
Cuando terminó esa improvisación, Portnoy terminó tomando el bajo de Levin y Charlie Benante terminó tocando la batería. El teclado no se reparó esa noche.
La producción del álbum no fue oficial, ya que se basó en una grabación estéreo en directo realizada fuera del escenario. Por lo tanto, no hubo forma de mezclarlo correctamente, así que todo suena tal como lo escuchó el público.
El nombre del álbum alude a la canción "When the Water Breaks" de “Liquid Tension Experiment 2”.
“Liquid Tension Experiment 3” es el tercer álbum de estudio de la banda. Lanzado el 16 de abril de 2021, es su primer trabajo de estudio desde “Liquid Tension Experiment 2” de 1999.
La edición estándar del álbum contiene ocho temas, incluyendo dos duetos, una improvisación y una versión con arreglos meticulosos; el disco extra incluye casi una hora de improvisaciones.
Se lanzó en formatos digital, CD, LP y Blu-ray, incluyendo una edición limitada con libro de arte de 2 CD + Blu-ray y una caja de lujo limitada en color rosa intenso.
El 22 de enero de 2021 se lanzó un video para la canción "The Passage of Time", su primera composición en 22 años. A este le siguió un video para "Beating the Odds" el 26 de febrero de 2021, y luego un video para "Hypersonic" el 24 de marzo de 2021.
El 14 de diciembre de 2020, los miembros de la banda, Tony Levin (bajo), John Petrucci (guitarras), Jordan Rudess (teclados) y Mike Portnoy (batería), publicaron una serie de fotos en redes sociales (fotos de ellos mismos con mascarillas quirúrgicas que formaban la frase "LTE 3") insinuando un tercer álbum de Liquid Tension Experiment; al día siguiente, publicaron una foto de los cuatro juntos con las mismas mascarillas.
El 17 de diciembre de 2020, se anunció oficialmente que “Liquid Tension Experiment 3” sería lanzado por Inside Out Music en el segundo trimestre de 2021. La fecha, anunciada posteriormente para el 26 de marzo, se retrasó al 16 de abril de 2021 debido a errores de impresión del fabricante.
El álbum se grabó en secreto en agosto de 2020 en el estudio DTHQ de Dream Theater. Portnoy ya había grabado la batería para el álbum solista de Petrucci, "Terminal Velocity”, en ese mismo estudio, su primer lanzamiento juntos desde “Black Clouds & Silver Linings” (con Dream Theater) en 2009; la banda volvería a usar el estudio para las sesiones de Liquid Tension Experiment.
Portnoy y Rudess también habían tocado juntos durante un crucero al borde del abismo unos años antes. El baterista comentó que la "locura de 2020", refiriéndose a la pandemia, les permitió reunirse.
Según Portnoy, todos los miembros más dos profesionales del estudio se pusieron en cuarentena y se sometieron a pruebas de COVID-19 antes de las sesiones del álbum.
Al igual que en “Liquid Tension Experiment 2”, cada canción es descrita en detalle por la banda en las notas del disco.
El tema “Chris & Kevin's Amazing Odyssey” es la continuación de “Chris and Kevin's Excellent Adventure” (de “Liquid Tension Experiment”) y “Chris & Kevin's Bogus Journey” (de “Spontaneous Combustion”).
Como ya hemos dicho antes, Chris y Kevin es como un fotógrafo llamó erróneamente a Mike y Tony durante las sesiones de fotos del primer álbum, y desde entonces se ha convertido en una broma interna recurrente que se usa para titular los duetos entre el baterista y el bajista. Se trata de un dueto de batería y bajo en el que Levin toca el contrabajo eléctrico.
“Rhapsody in Blue”, compuesta por George Gershwin, fue arreglada e interpretada por la banda durante su gira de 2008; la banda grabaría una versión de estudio del arreglo para el álbum.
La sección central del arreglo de la banda de 2008 inspiró la sección central de “The Count of Tuscany” del álbum “Black Clouds & Silver Linings”; además, la introducción estándar de clarinete fue interpretada por Levin con el Chapman Stick.
Toda la música está compuesta y arreglada por Liquid Tension Experiment (Tony Levin, John Petrucci, Mike Portnoy y Jordan Rudess); excepto "Rhapsody in Blue", compuesta por George Gershwin, con arreglos de Liquid Tension Experiment.
En 1998, Levin y Bruford formaron Bruford Levin Upper Extremities con el trompetista Chris Botti y el guitarrista David Torn; publicaron un álbum de estudio en 1998 y un álbum doble en vivo en 2000.
Torn, Levin y Bruford habían colaborado con el trompetista Mark Isham en el álbum de Torn, “Cloud About Mercury”.
Reconociendo la química entre ellos, los músicos mantuvieron el contacto y formaron BLUE (Bruford Levin Upper Extremities) a finales de los 90 bajo el liderazgo conjunto de Bruford y Levin.
Chris Botti asumió el puesto de trompetista, ya que Isham se encontraba de gira con su propia banda en ese momento.
La banda fusionó una inusual combinación de elementos, incluyendo jazz, blues, rock y música ambiental, para crear un sonido único.
“Bruford Levin Upper Extremities” es el álbum homónimo de la banda. Es su único disco de estudio, publicado por el sello independiente de Tony Levin, Papa Bear Records.
En una reseña para The Washington Post, Mike Joyce describió el álbum como "un mosaico musical inusualmente grande y colorido", afirmando que "alude, intencionalmente o no, a muchos músicos y bandas de pop, rock y jazz".
Concluyó: "a pesar de todas las referencias obvias del álbum, los músicos son demasiado obstinadamente voluntariosos como para caer en un ritmo constante durante mucho tiempo".
S. Victor Aaron de Something Else! elogió el tema titulado "Cracking the Midnight Glass", calificándolo como "una mezcla de estilos contrastantes que es como la cereza del pastel para aquellos a quienes les gustan estas colisiones de géneros. Yo sé que a mí sí".
En un artículo para Exposé Online, Jeff Melton calificó el álbum como "una obra notable liderada posiblemente por una de las mejores secciones rítmicas de la música moderna" y comentó: "Aunque no es tan oscuro como ninguna grabación de Crimson, BLUE es un anillo brillante en el desafiante agarre donde el rock se encuentra con el jazz".
“BLUE Nights”, su álbum en vivo, fue grabado durante dos minigiras por Norteamérica en 1998 y publicado en 2000 por el sello Papa Bear Records de Tony Levin.
En él interpretan piezas instrumentales que fusionan jazz, rock y música experimental. Algunas de las piezas fueron improvisadas durante el concierto.
En una reseña para AllMusic, Gary Hill afirmó que el álbum "muestra la mezcla única de modos jazzísticos de la banda con texturas al estilo de Crimson y, ocasionalmente, simplemente rareza", y señaló: "el conjunto de este grupo, a pesar de las habilidades individuales de cada miembro, es mucho más que la suma de las partes".
Martin Hutchinson, de The Bolton News, escribió: "A lo largo del concierto en directo hay algunas improvisaciones bastante ingeniosas que deleitarán a los aficionados al jazz más acérrimos. Es un recuerdo magnífico de una serie de conciertos únicos".
En su reseña para MWE3, Robert Silverstein describió el álbum como "un festín de música instrumental progresiva grabada con maestría que muestra lo bien que estos ingeniosos músicos se desenvuelven juntos en vivo", y comentó: "en lo que respecta al jazz fusión ambiental improvisado, no hay nada mejor que BLUE Nights".
Levin también continuó grabando álbumes con su propia banda, compuesta por el baterista, saxofonista y vocalista Jerry Marotta, el guitarrista Jesse Gress, el programador y teclista Larry Fast y el hermano de Levin, el teclista Pete Levin.
Además, tocaba regularmente (y ocasionalmente grababa) con el California Guitar Trio cuando sus agendas se lo permitían.
A finales de 2003, Trey Gunn dejó King Crimson y Levin se reincorporó como bajista, aunque la banda solo realizó unos pocos ensayos en ese momento.
En 2006, Levin lanzó “Resonator”, el primer álbum en el que participó como letrista y vocalista principal.
El álbum es significativamente diferente de los trabajos en solitario anteriores de Levin, principalmente debido a la introducción de voces principales en la mayoría de las canciones, así como a un sonido general más orientado al rock.
La canción “Utopia” apareció originalmente como pieza instrumental en el álbum anterior de Levin, “Waters of Eden”. La nueva versión incorpora voz y un solo de guitarra a cargo de Steve Lukather, guitarrista de Toto.
“Throw the God a Bone” cuenta con la participación especial de Adrian Belew, cantante y guitarrista de King Crimson. Esta fue la primera (y única hasta noviembre de 2009) grabación de estudio en la que participaron Levin y Belew desde las sesiones de "THRAK" en 1995.
En 2007 se publicó “Stick Man”, un álbum con piezas grabadas con el Chapman Stick.
En 2007 se anunció una nueva formación de King Crimson: Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y un nuevo segundo batería, Gavin Harrison de Porcupine Tree.
En agosto de 2008, tras un periodo de ensayos, los cinco completaron la gira del 40 º aniversario de la banda. Los repertorios no incluyeron material nuevo, sino que se basaron en el repertorio existente de mediados de los 70, la época de “Discipline”, el Double Trio y el Double Duo.
Se planearon conciertos adicionales para 2009, pero se cancelaron debido a problemas de agenda con Belew.
King Crimson inició otro hiato tras la gira del 40 º aniversario. Belew siguió presionando para que la banda volviera a la actividad y lo comentó con Fripp varias veces entre 2009 y 2010.
Entre las sugerencias de Belew figuraba una reunión temporal de la formación de los años 80 para una gira del trigésimo aniversario: una idea que tanto Fripp como Bruford rechazaron.
Este último comentó: “Sería muy improbable que intentara recrear lo mismo; me temo que es una misión destinada al fracaso”.
En diciembre de 2010, Fripp escribió que King Crimson se había disuelto desde octubre de 2008, citando varias razones para esta decisión.
Levin posee el récord del bajista con la trayectoria más larga en King Crimson.
En 2009, Levin se reunió con su banda de 1978, L'Image, integrada por Mike Mainieri, Warren Bernhardt, David Spinozza y Steve Gadd. El grupo se presentó en el Iridium Jazz Club de Nueva York, realizó una gira por Japón y lanzó el álbum “L’Image 2.0”.
En 2010, Levin salió de gira con HoBoLeMa, un grupo formado por Allan Holdsworth en la guitarra, Terry Bozzio en la batería, Levin en el bajo y Pat Mastelotto en la batería. Todos sus conciertos fueron completamente improvisados, sin partituras.
Tras el éxito del álbum “Stick Man”, Levin se unió a Michael Bernier y Pat Mastelotto para formar el grupo Stick Men. La banda lanzó su primer álbum, “Soup”, en 2010.
Estilísticamente, el sonido de Stick Men es bastante singular. Presumiendo de que sus músicos principales "tocan instrumentos únicos", su música ha evolucionado hasta situarse entre el art rock, el rock progresivo y, en ocasiones, el metal progresivo.
En sus conciertos, la improvisación y la música libre están fuertemente influenciadas, y los músicos suelen demostrar su virtuosismo con sus respectivos instrumentos en largas sesiones de improvisación.
Cabe destacar que la banda rinde homenaje a su vínculo y trayectoria con King Crimson interpretando canciones tanto de la banda como de Robert Fripp, vocalista y guitarrista de King Crimson.
Stick Men también ha compuesto una versión abreviada de "El pájaro de fuego" de Stravinsky, una pieza fundamental de sus conciertos.
La mayoría de sus composiciones son instrumentales, con muy pocas canciones vocales, principalmente de Levin, pero ocasionalmente también de Reuter y Mastelotto.
Bernier dejó el grupo poco después del lanzamiento de “Soup” y fue reemplazado por el guitarrista Markus Reuter.
La nueva formación lanzó el CD “Absalom” en 2011 y un álbum de improvisaciones, “Open”, en junio de 2012. Un álbum de estudio titulado “Deep” se publicó en febrero de 2013. Existe una edición especial que incluye un DVD.
El álbum presenta temas de rock pesado, en su mayoría instrumentales, con excepciones como “Horatio”, que cuenta con la participación vocal de Pat Mastelotto. El álbum también incluye el poema sinfónico “Whale Watch”, de 11 minutos de duración, basado en las experiencias de Tony Levin realizando excursiones de avistamiento de ballenas desde Boston.
En enero de 2014, la banda lanzó su primer álbum en vivo titulado “Power Play”.
En octubre de 2014, Stick Men lanzó su primer álbum recopilatorio. Un álbum doble: el primer disco incluía grabaciones de estudio, mientras que el segundo era una recopilación de improvisaciones en directo grabadas durante su gira. El álbum también incluye remezclas y nuevas versiones de varias canciones de Stick Men.
Posteriormente, se grabaron dos álbumes en directo en colaboración con miembros de King Crimson en Tokio, Japón.
El primero, “Midori”, con David Cross al violín y los teclados, se grabó en 2015. El segundo, “Roppongi”, con Mel Collins al saxo, se grabó en 2017. Finalmente, una gira por Latinoamérica en 2018, con David Cross al violín, se convirtió en la caja recopilatoria “Panamerica”, publicada en 2019.
Siguiendo con esta línea de colaboraciones con leyendas del rock progresivo, su único concierto en Japón en 2020, con el teclista Gary Husband, se convirtió en el álbum “Owari”, grabado en Osaka el 28 de febrero.
Su cuarto álbum de estudio con Markus Reuter, “Prog Noir”, fue grabado y lanzado en 2016. Este álbum incluía varias canciones con voz. Tony Levin cantó el tema que da título al álbum, Markus Reuter cantó “Plutonium”, y ambos compartieron la voz en el sencillo promocional, “The Tempest”.
Después de una pausa de seis años en las grabaciones, en abril de 2022 se lanzó un EP, “Tentacles”. A este le siguió el álbum en vivo “Umeda” (2023), recopilado de su gira “Tentacles”, además de los EP “Swimming in Tea” (2024) y “Brutal” (2025).
En septiembre de 2013, Fripp anunció el regreso de King Crimson con una formación muy diferente a la anterior: siete músicos, cuatro ingleses y tres estadounidenses, con tres baterías.
Citó varias razones para su regreso, desde lo práctico hasta lo caprichoso: “Me estaba volviendo demasiado feliz. Era hora de un cambio radical”.
La nueva formación se nutrió tanto de la anterior (con Fripp, Levin, Harrison y Mastelotto) como del proyecto Scarcity of Miracles (Jakszyk y Collins), con Bill Rieflin, exbaterista de REM / Ministry y antiguo miembro de Guitar Craft, como séptimo integrante.
Adrian Belew no fue invitado a participar, poniendo fin así a sus 32 años en King Crimson: Jakszyk ocupó su lugar como cantante y segundo guitarrista. Esta versión del grupo adoptó el apodo de "la Bestia de Siete Cabezas".
Esta formación de King Crimson, radicalmente renovada, no tenía planes de grabar en estudio, centrándose en cambio en interpretar versiones “reconfiguradas” de material antiguo en conciertos en directo.
Más tarde, al recordar esta etapa de King Crimson, Tony Levin comentó: “Robert Fripp nos indicó que tratáramos el material clásico de King Crimson como si lo hubiéramos compuesto nosotros. Y así lo hicimos con gran parte del material anterior a los años 80. En realidad, no tocamos muchas versiones del material de los 80, salvo algunas canciones”. Ç
En 2014, Levin habló sobre su enfoque para interpretar el repertorio antiguo de la década de 1970, así como las formidables partes compuestas por Trey Gunn, como "Level Five" y "The ConstruKction of Light".
"Cuanto más las toco, más siento que esas piezas son la mejor música de bajo que se ha escrito para guitarra touch. Eso significa dos cosas: primero, me alegra mucho poder aprenderlas y tocarlas, y segundo, en definitiva, me alegro de no haber estado en esa banda. Durante mucho tiempo, por supuesto, sentí que me hubiera gustado estar ahí… Me sentía honrado de que me llamaran "el quinto hombre". Ahora, con una perspectiva histórica de estas partes, cuanto más las toco, más me alegro de no haber estado allí, porque Trey pudo ser el bajista principal de King Crimson, algo que nunca habría podido hacer del todo si solo hubiéramos tocado las partes de bajo. Y lo que creó es algo que jamás habría sucedido de esa manera si yo hubiera estado presente. La historia puede ser curiosa en ese sentido".
En general, este enfoque se mantuvo constante durante el resto de la trayectoria de la banda.
A principios de 2014, y por primera vez desde 1974, su repertorio incluyó canciones de los álbumes comprendidos entre “In the Court of the Crimson King” y “Larks' Tongues in Aspic” , además de recuperar temas de “Red” .
No se incluyeron canciones de la época de Adrian Belew, aunque sí se interpretaron algunos temas instrumentales de ese período (incluidos temas de “THRAK” y “The Power to Believe”). También se incorporaron al repertorio algunos temas de “A Scarcity of Miracles” (la canción que da título al álbum y “The Light of Day”).
Tras ensayar en Inglaterra, King Crimson realizó una gira por Norteamérica del 9 de septiembre al 6 de octubre.
Las grabaciones de las fechas de Los Ángeles se publicaron como "Live at the Orpheum", esto incluía nueva música instrumental de King Crimson en forma de "Banshee Legs Bell Hassle" y "Walk On: Monk Morph Chamber Music".
En la segunda mitad de 2015, se realizaron giras por Europa, Canadá y Japón. En los conciertos se estrenaron canciones nuevas, principalmente escritas por Fripp y Jakszyk, además de ofrecerse solos de batería.
A finales de febrero de 2016 se publicó una grabación en directo de la etapa canadiense de la gira, titulada “Live In Toronto”, que incluía las nuevas canciones “Radical Action (To Unseat the Hold of Monkey Mind)” y “Meltdown”. Se planeó una gira europea para 2016.
Tras la decisión de Rieflin de tomarse un descanso de la música, el batería Jeremy Stacey, de Noel Gallagher's High Flying Birds, fue contratado para sustituirlo a partir de septiembre.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin (Segunda Parte)
Tras los ensayos en Woodstock, Nueva York, el grupo lanzó el EP “Vrooom” en octubre de 1994. Este reveló el nuevo sonido de King Crimson, que presentaba las guitarras entrelazadas de los años 80 mezcladas con la atmósfera más densa y pesada de los años 70.
Muchas de las canciones fueron escritas o finalizadas por Belew, y mostraban elementos más marcados del pop de los años 60 que antes; en particular, una clara influencia de los Beatles.
Bruford describiría a esta formación como un sonido similar al de "unos Shadows disonantes y dopados".
Al igual que con formaciones anteriores, se utilizó nueva tecnología, incluyendo MIDI (que Fripp usó para reemplazar Frippertronics con Soundscapes) y la guitarra Warr con la que Gunn reemplazó su Chapman Stick en 1995.
King Crimson realizó una gira a partir del 28 de septiembre de 1994 en Buenos Aires, Argentina; partes de estos conciertos se publicaron en el doble CD en vivo "B'Boom: Live in Argentina" en 1995.
En octubre y diciembre de 1994, King Crimson grabó su undécimo álbum de estudio, “Thrak”, en los estudios Real World de Peter Gabriel, en Box, Wiltshire, Inglaterra, con el productor David Bottrill. Es el último álbum de estudio del grupo en el que participan Bruford o Levin.
Bottrill había producido previamente el álbum de 1993 de Fripp y David Sylvian, “The First Day”, en el que Trey Gunn participó como músico de sesión; tanto Gunn como Mastelotto tocaron posteriormente en la banda de gira de Fripp y Sylvian.
Con la banda compuesta por dos guitarristas, dos bajistas y dos baterías, el tema inicial comienza con los seis músicos en el centro de la mezcla de audio; a medida que avanza el álbum, se dividen en dos tríos, uno en cada canal estéreo.
Bill Bruford suponía que esta formación sería una continuación de su trabajo de los años ochenta, pero en cambio descubrió que la banda había adoptado un sonido más pesado que recordaba a "Red" (1974).
La banda compuso los temas en el estudio casero de Belew en Nashville, Tennessee, y en la casa de Fripp en Wiltshire.
Fripp compuso principalmente las partes instrumentales, mientras que Belew se centró en las letras y las melodías.
“Sex Sleep Eat Drink Dream” y “One Time” se desarrollaron durante los ensayos de estudio para el miniálbum “Vrooom” de 1994 en Woodstock, Nueva York, durante la primavera de 1994.
Tomas descartadas instrumentales e improvisaciones de estas sesiones se publicarían posteriormente como “The Vrooom Sessions” en 1999.
“Fashionable” fue otro tema instrumental de “The Vrooom Sessions" que se volvió a grabar en Real World durante las sesiones. Presenta una línea de guitarra que recuerda a “Fashion” de David Bowie, en la que tocó Fripp.
A pesar de haber sido reelaborada con varias adiciones y mejoras por los miembros de la banda, la pieza finalmente se descartó del álbum.
En “People”, Tony Levin grabó la pista de bajo golpeando las cuerdas con pequeñas baquetas conocidas como “funk fingers”, que se sujetaba a los dedos; había utilizado esta técnica por primera vez mientras trabajaba con Peter Gabriel en la canción “Big Time” (con la ayuda de Jerry Marotta).
“Vrooom Vrooom” incorpora una sección intermedia compuesta originalmente por Fripp en 1974 para el tema instrumental que da título al álbum “Red”.
La banda también había experimentado con este material en 1983, mientras trabajaban en “Three of a Perfect Pair”; prueba de ello es el tema “Working on Sleepless” del recopilatorio de 2016 “Rehearsals & Blows”.
Publicado originalmente el 3 de abril de 1995, “Thrak” alcanzó el puesto 58 en la lista de álbumes del Reino Unido, siendo su último lanzamiento en entrar en dicha lista.
El álbum fue reeditado en CD en 2002 en una edición remasterizada. Una mezcla de sonido envolvente 5.1 significativamente diferente, realizada por Jakko Jakszyk, se publicó en formato CD/DVD-A en octubre de 2015 para la "Serie del 40.º Aniversario", junto con una nueva mezcla estéreo de Fripp y Jakszyk.
Estas dos mezclas también se incluyeron en la caja recopilatoria “THRAK BOX” de 2015, junto con grabaciones de estudio y en directo inéditas de la época.
Trouser Press describió a “Thrak2" como "un monstruo absoluto, una aventura cerebral de sexteto impresionante por su potencia de rock controlada con precisión".
En una reseña retrospectiva del álbum, Daniel Gioffre de AllMusic afirmó que King Crimson era “la única banda de rock progresivo de los 60 que seguía creando música progresiva, nueva y vital en los 90” y expresó su gran admiración por las diversas maneras en que explotaron el formato de doble trío en el álbum.
Si bien señaló que el álbum hacía referencia con frecuencia a trabajos anteriores de King Crimson, consideró que esto era un sutil reconocimiento a la consolidada base de fans de King Crimson, más que una preocupación por su propio pasado.
El álbum fue descrito por la revista Q como poseedor de "estructuras de rock con aroma a jazz, caracterizadas por una interacción de guitarras ruidosa, angular y exquisita" y una "sección rítmica atlética e innovadora", a la vez que se mantenía en sintonía con el sonido del rock alternativo de mediados de la década de 1990.
Toda la música fue compuesta por Adrian Belew, Robert Fripp, Trey Gunn, Tony Levin, Bill Bruford y Pat Mastelotto; todas las letras fueron escritas por Adrian Belew, excepto "Coda: Marine 475", escrita por Robert Fripp.
Levin tocó el bajo en "Watcher of the Skies" del álbum “Genesis Revisited” de Steve Hackett (1996).
También participó en dos subgrupos experimentales de King Crimson: ProjeKct One (1997) y ProjeKct Four (1998).
ProjeKct One surgió de una sugerencia de Bruford a Robert Fripp para que hicieran juntos algunos espectáculos de improvisación. Fripp propuso incorporar a Gunn, mientras que Bruford sugirió a Tony Levin; así, cuatro de los seis miembros de King Crimson participaban en el proyecto.
Estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo eléctrico, Chapman Stick y sintetizador de bajo y Bill Bruford a la batería acústica y percusión.
Luego, Fripp desarrolló la idea de los "fraKctals": múltiples subconjuntos diferentes de la banda trabajando por separado como una forma de desarrollar nuevo material para King Crimson, ya que la banda se encontraba en una especie de punto muerto en la composición.
ProjeKct One ofreció cuatro conciertos consecutivos en el Jazz Cafe del 1 al 4 de diciembre de 1997. Los cuatro conciertos están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
Estas actuaciones marcaron el fin de la participación de Bruford con King Crimson en cualquier forma.
ProjeKct Four estaba formado por: Robert Fripp a la guitarra eléctrica, Trey Gunn a la guitarra Warr, Tony Levin al bajo eléctrico, contrabajo y Chapman Stick y Pat Mastelotto a la percusión electrónica, simples y beatbox.
ProjeKct Four realizó una gira de siete conciertos por Estados Unidos del 23 de octubre al 2 de noviembre de 1998. Estos conciertos consistieron en material improvisado, así como en una ampliación del material desarrollado por ProjeKcts anteriores.
Los siete programas están disponibles para su descarga a través de DGMLive.
A finales de la década de 1990, estuvo muy activo con sus propios grupos: Bruford Levin Upper Extremities, Bozzio Levin Stevens y Liquid Tension Experiment.
En 1997, se unió a Mike Portnoy y John Petrucci, miembros de Dream Theater, así como al futuro teclista de Dream Theater, Jordan Rudess, para un proyecto llamado Liquid Tension Experiment.
El grupo lanzó dos álbumes, “Liquid Tension Experiment” y “Liquid Tension Experiment 2”, en 1998 y 1999 respectivamente, además de realizar breves giras en 1998 y 2008.
También se publicaron dos CD con material bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment": el primero, compuesto por improvisaciones de estudio de sesiones sin Petrucci, lanzado con motivo del décimo aniversario de la banda; y una grabación en vivo de un concierto en Chicago en 2008 donde el equipo de Rudess falló y los otros tres lo compensaron con una improvisación de casi una hora (“When the Keyboard Breaks”).
Durante la pandemia mundial de COVID-19, el grupo se reunió y grabó “Liquid Tension Experiment 3”.
El primer álbum de la banda, “Liquid Tension Experiment”, fue lanzado en 1998 por la banda a través de Magna Carta Records. El álbum fue compuesto y grabado en tan solo una semana de sesiones de estudio.
"Chris and Kevin's Excellent Adventure" hace referencia a las sesiones de fotos del álbum, donde el fotógrafo confundió a Portnoy y Levin con “Chris” y “Kevin”.
“Three Minute Warning”, una canción dividida en cinco pistas, alude a un incidente en el estudio donde Levin se frustró con la insistencia de la banda en componer canciones en lugar de improvisar. La contraportada del álbum incluye una nota humorística en las pistas 9 a 13:
Advertencia: "Three Minute Warning" no es apto para personas con sensibilidad musical débil, impacientes o que critican la autocomplacencia extrema. Si pertenece a alguna de estas categorías, pulse el botón de parada de su reproductor de CD después de la pista n°8.
“Liquid Tension Experiment 2”, el segundo álbum de estudio de la banda fue lanzado el 15 de junio de 1999 a través de Magna Carta Records.
El álbum alcanzó el puesto número 8 en la lista Billboard Top Internet Albums y el número 40 en la lista Heatseekers de Billboard. La banda tardaría otros 22 años en lanzar su tercer álbum.
Cada canción se describe detalladamente en las notas del disco. Tony Levin utilizó casi exclusivamente un Chapman Stick para grabar las partes de bajo. Las únicas partes de bajo eléctrico del álbum aparecen brevemente en “Another Dimension” y en la introducción de “Biaxident”.
Esta última canción toma su nombre de Biaxin, un medicamento que el guitarrista John Petrucci tomaba durante las sesiones de grabación para combatir fuertes dolores de cabeza, jugando así con la expresión “by accident” (por accidente).
En medio de las sesiones de grabación, que tuvieron lugar entre octubre y noviembre de 1998, Petrucci tuvo que abandonar el estudio al enterarse de que su esposa, embarazada, había entrado en fase de parto.
Esto obligó a los otros tres miembros de la banda a continuar la grabación por su cuenta. De ahí proviene el nombre de “When the Water Breaks”, ya que era la canción en la que la banda estaba trabajando cuando Petrucci recibió la noticia.
La canción incluye un efecto de sonido de bebé (un “paisaje sonoro infantil”, como lo describe el teclista Jordan Rudess) en el minuto 12:48 para marcar la sección específica que la banda estaba componiendo cuando Petrucci se marchó.
En ausencia de Petrucci, Levin, Rudess y el baterista Mike Portnoy grabaron decenas de improvisaciones completas, muchas de las cuales se publicarían posteriormente en el álbum de 2007 “Spontaneous Combustion” bajo el nombre de Liquid Trio Experiment.
De hecho, “914” es la única canción del álbum en la que no participó Petrucci. Portnoy hizo alusión a estas improvisaciones en las notas del álbum, afirmando que “si te gusta esto, hay mucho más de donde vino …”.
Cuando Petrucci regresó al estudio en noviembre, compuso y grabó las partes de guitarra para dos de estas improvisaciones: “Chewbacca” y “Liquid Dreams”. Para “Chewbacca” en particular, se tomó el tiempo de aprender varias de las melodías improvisadas de Rudess y las dobló en la guitarra, lo que, en palabras de Portnoy, “daba la ilusión de una composición escrita”.
“Hourglass” es un dueto entre Petrucci y Rudess al estilo de “State of Grace”, del primer álbum de la banda. Según Petrucci, fue escrita y grabada “de madrugada con cuerdas viejas”.
“Acid Rain”, el tema que abre el álbum, fue la última canción compuesta y grabada por toda la banda. Para esta canción, Petrucci utilizó una guitarra de siete cuerdas.
Una versión en directo, mucho más corta, apareció posteriormente en el álbum de Dream Theater de 2001, “Live Scenes from New York”, con la parte de bajo interpretada por John Myung con un bajo de seis cuerdas.
Poco después del lanzamiento de “Liquid Tension Experiment 2”, Rudess se unió a Dream Theater como miembro de tiempo completo.
El álbum “Spontaneous Combustion” es el resultado de las improvisaciones en estudio del grupo durante el paréntesis de John Petrucci.
El trío restante, Mike Portnoy, Tony Levin y Jordan Rudess, continuó componiendo música durante este periodo, bajo el nombre de Liquid Trio Experiment. Fue lanzado el 23 de octubre de 2007.
Algunas canciones de “Liquid Tension Experiment 2” surgieron de estas sesiones de improvisación, incluyendo "914", "Chewbacca" y "Liquid Dreams".
La canción "Chris & Kevin's Bogus Journey" no hace referencia a los excompañeros de Portnoy y Petrucci en Dream Theater, Chris Collins y Kevin Moore, sino al tema del primer álbum de Liquid Tension Experiment titulado "Chris & Kevin's Excellent Adventure", que a su vez alude a la costumbre del fotógrafo de la banda de llamar a Mike Portnoy y Tony Levin "Chris y Kevin", incluso después de haber sido corregido varias veces.
También hace referencia a la película de 1991, “Bill & Ted's Bogus Journey”, secuela de “Bill & Ted's Excellent Adventure”. La canción "Jazz Odyssey" alude a la película “This Is Spinal Tap”, en la que Spinal Tap experimenta con una canción improvisada del mismo nombre.
Aunque las sesiones de improvisación tuvieron lugar en 1998, no se publicaron hasta 2007, ya que las cintas máster se extraviaron antes de ser entregadas a Magna Carta. Las grabaciones del álbum (y los únicos registros existentes de estas sesiones) se obtuvieron del DAT estéreo de dos pistas de Portnoy.
“When the Keyboard Breaks” es un álbum en vivo grabado durante un concierto de Liquid Tension Experiment en el Park West de Chicago, Illinois.
Al comienzo de la pista "Universal Mind", el teclado Roland Fantom-G8 de Jordan Rudess sufrió un fallo en el que la placa de circuito impreso situada debajo de las teclas se deslizó ligeramente hacia un lado, lo que provocó que cada tecla tocara la nota correcta, pero también simultáneamente una nota medio tono más alta que la tecla.
“Estaba tocando, todo iba bien, pero de repente empecé a oír semitonos. Era como si yo estuviera tocando en Do, pero otra persona tocara en Do sostenido. Miré a John Petrucci, pensando: ¿Qué demonios estás haciendo?. Pero entonces lo vi detenerse un segundo, miré mis manos y pensé: ¿Qué es esto?. Me di cuenta de que cada vez que tocaba un Do, el teclado también tocaba un Do sostenido; cada vez que tocaba un Sol, tocaba un Sol sostenido, y así sucesivamente. Sonaba todo de la forma más disonante posible”.
Mientras el resto de la banda lo sustituía tocando brevemente "Entrance of the Gladiators", Rudess abandonó el escenario para buscar una solución, ya que no contaba con su técnico habitual ni con un teclado de repuesto.
Para compensar, los otros tres músicos decidieron improvisar hasta que Rudess regresara. Rudess tuvo que permanecer al teléfono con Roland en Japón durante al menos 20 minutos intentando averiguar qué ocurría.
Los otros tres continuaron improvisando, con el baterista Mike Portnoy dando actualizaciones de vez en cuando (el punto decisivo para los cortes de la pista).
Finalmente, Rudess tomó la guitarra de John Petrucci y comenzó a improvisar; luego Petrucci tomó el bajo, ya que Tony Levin estaba tocando el Chapman Stick.
Cuando terminó esa improvisación, Portnoy terminó tomando el bajo de Levin y Charlie Benante terminó tocando la batería. El teclado no se reparó esa noche.
La producción del álbum no fue oficial, ya que se basó en una grabación estéreo en directo realizada fuera del escenario. Por lo tanto, no hubo forma de mezclarlo correctamente, así que todo suena tal como lo escuchó el público.
El nombre del álbum alude a la canción "When the Water Breaks" de “Liquid Tension Experiment 2”.
“Liquid Tension Experiment 3” es el tercer álbum de estudio de la banda. Lanzado el 16 de abril de 2021, es su primer trabajo de estudio desde “Liquid Tension Experiment 2” de 1999.
La edición estándar del álbum contiene ocho temas, incluyendo dos duetos, una improvisación y una versión con arreglos meticulosos; el disco extra incluye casi una hora de improvisaciones.
Se lanzó en formatos digital, CD, LP y Blu-ray, incluyendo una edición limitada con libro de arte de 2 CD + Blu-ray y una caja de lujo limitada en color rosa intenso.
El 22 de enero de 2021 se lanzó un video para la canción "The Passage of Time", su primera composición en 22 años. A este le siguió un video para "Beating the Odds" el 26 de febrero de 2021, y luego un video para "Hypersonic" el 24 de marzo de 2021.
El 14 de diciembre de 2020, los miembros de la banda, Tony Levin (bajo), John Petrucci (guitarras), Jordan Rudess (teclados) y Mike Portnoy (batería), publicaron una serie de fotos en redes sociales (fotos de ellos mismos con mascarillas quirúrgicas que formaban la frase "LTE 3") insinuando un tercer álbum de Liquid Tension Experiment; al día siguiente, publicaron una foto de los cuatro juntos con las mismas mascarillas.
El 17 de diciembre de 2020, se anunció oficialmente que “Liquid Tension Experiment 3” sería lanzado por Inside Out Music en el segundo trimestre de 2021. La fecha, anunciada posteriormente para el 26 de marzo, se retrasó al 16 de abril de 2021 debido a errores de impresión del fabricante.
El álbum se grabó en secreto en agosto de 2020 en el estudio DTHQ de Dream Theater. Portnoy ya había grabado la batería para el álbum solista de Petrucci, "Terminal Velocity”, en ese mismo estudio, su primer lanzamiento juntos desde “Black Clouds & Silver Linings” (con Dream Theater) en 2009; la banda volvería a usar el estudio para las sesiones de Liquid Tension Experiment.
Portnoy y Rudess también habían tocado juntos durante un crucero al borde del abismo unos años antes. El baterista comentó que la "locura de 2020", refiriéndose a la pandemia, les permitió reunirse.
Según Portnoy, todos los miembros más dos profesionales del estudio se pusieron en cuarentena y se sometieron a pruebas de COVID-19 antes de las sesiones del álbum.
Al igual que en “Liquid Tension Experiment 2”, cada canción es descrita en detalle por la banda en las notas del disco.
El tema “Chris & Kevin's Amazing Odyssey” es la continuación de “Chris and Kevin's Excellent Adventure” (de “Liquid Tension Experiment”) y “Chris & Kevin's Bogus Journey” (de “Spontaneous Combustion”).
Como ya hemos dicho antes, Chris y Kevin es como un fotógrafo llamó erróneamente a Mike y Tony durante las sesiones de fotos del primer álbum, y desde entonces se ha convertido en una broma interna recurrente que se usa para titular los duetos entre el baterista y el bajista. Se trata de un dueto de batería y bajo en el que Levin toca el contrabajo eléctrico.
“Rhapsody in Blue”, compuesta por George Gershwin, fue arreglada e interpretada por la banda durante su gira de 2008; la banda grabaría una versión de estudio del arreglo para el álbum.
La sección central del arreglo de la banda de 2008 inspiró la sección central de “The Count of Tuscany” del álbum “Black Clouds & Silver Linings”; además, la introducción estándar de clarinete fue interpretada por Levin con el Chapman Stick.
Toda la música está compuesta y arreglada por Liquid Tension Experiment (Tony Levin, John Petrucci, Mike Portnoy y Jordan Rudess); excepto "Rhapsody in Blue", compuesta por George Gershwin, con arreglos de Liquid Tension Experiment.
En 1998, Levin y Bruford formaron Bruford Levin Upper Extremities con el trompetista Chris Botti y el guitarrista David Torn; publicaron un álbum de estudio en 1998 y un álbum doble en vivo en 2000.
Torn, Levin y Bruford habían colaborado con el trompetista Mark Isham en el álbum de Torn, “Cloud About Mercury”.
Reconociendo la química entre ellos, los músicos mantuvieron el contacto y formaron BLUE (Bruford Levin Upper Extremities) a finales de los 90 bajo el liderazgo conjunto de Bruford y Levin.
Chris Botti asumió el puesto de trompetista, ya que Isham se encontraba de gira con su propia banda en ese momento.
La banda fusionó una inusual combinación de elementos, incluyendo jazz, blues, rock y música ambiental, para crear un sonido único.
“Bruford Levin Upper Extremities” es el álbum homónimo de la banda. Es su único disco de estudio, publicado por el sello independiente de Tony Levin, Papa Bear Records.
En una reseña para The Washington Post, Mike Joyce describió el álbum como "un mosaico musical inusualmente grande y colorido", afirmando que "alude, intencionalmente o no, a muchos músicos y bandas de pop, rock y jazz".
Concluyó: "a pesar de todas las referencias obvias del álbum, los músicos son demasiado obstinadamente voluntariosos como para caer en un ritmo constante durante mucho tiempo".
S. Victor Aaron de Something Else! elogió el tema titulado "Cracking the Midnight Glass", calificándolo como "una mezcla de estilos contrastantes que es como la cereza del pastel para aquellos a quienes les gustan estas colisiones de géneros. Yo sé que a mí sí".
En un artículo para Exposé Online, Jeff Melton calificó el álbum como "una obra notable liderada posiblemente por una de las mejores secciones rítmicas de la música moderna" y comentó: "Aunque no es tan oscuro como ninguna grabación de Crimson, BLUE es un anillo brillante en el desafiante agarre donde el rock se encuentra con el jazz".
“BLUE Nights”, su álbum en vivo, fue grabado durante dos minigiras por Norteamérica en 1998 y publicado en 2000 por el sello Papa Bear Records de Tony Levin.
En él interpretan piezas instrumentales que fusionan jazz, rock y música experimental. Algunas de las piezas fueron improvisadas durante el concierto.
En una reseña para AllMusic, Gary Hill afirmó que el álbum "muestra la mezcla única de modos jazzísticos de la banda con texturas al estilo de Crimson y, ocasionalmente, simplemente rareza", y señaló: "el conjunto de este grupo, a pesar de las habilidades individuales de cada miembro, es mucho más que la suma de las partes".
Martin Hutchinson, de The Bolton News, escribió: "A lo largo del concierto en directo hay algunas improvisaciones bastante ingeniosas que deleitarán a los aficionados al jazz más acérrimos. Es un recuerdo magnífico de una serie de conciertos únicos".
En su reseña para MWE3, Robert Silverstein describió el álbum como "un festín de música instrumental progresiva grabada con maestría que muestra lo bien que estos ingeniosos músicos se desenvuelven juntos en vivo", y comentó: "en lo que respecta al jazz fusión ambiental improvisado, no hay nada mejor que BLUE Nights".
Levin también continuó grabando álbumes con su propia banda, compuesta por el baterista, saxofonista y vocalista Jerry Marotta, el guitarrista Jesse Gress, el programador y teclista Larry Fast y el hermano de Levin, el teclista Pete Levin.
Además, tocaba regularmente (y ocasionalmente grababa) con el California Guitar Trio cuando sus agendas se lo permitían.
A finales de 2003, Trey Gunn dejó King Crimson y Levin se reincorporó como bajista, aunque la banda solo realizó unos pocos ensayos en ese momento.
En 2006, Levin lanzó “Resonator”, el primer álbum en el que participó como letrista y vocalista principal.
El álbum es significativamente diferente de los trabajos en solitario anteriores de Levin, principalmente debido a la introducción de voces principales en la mayoría de las canciones, así como a un sonido general más orientado al rock.
La canción “Utopia” apareció originalmente como pieza instrumental en el álbum anterior de Levin, “Waters of Eden”. La nueva versión incorpora voz y un solo de guitarra a cargo de Steve Lukather, guitarrista de Toto.
“Throw the God a Bone” cuenta con la participación especial de Adrian Belew, cantante y guitarrista de King Crimson. Esta fue la primera (y única hasta noviembre de 2009) grabación de estudio en la que participaron Levin y Belew desde las sesiones de "THRAK" en 1995.
En 2007 se publicó “Stick Man”, un álbum con piezas grabadas con el Chapman Stick.
En 2007 se anunció una nueva formación de King Crimson: Fripp, Belew, Levin, Mastelotto y un nuevo segundo batería, Gavin Harrison de Porcupine Tree.
En agosto de 2008, tras un periodo de ensayos, los cinco completaron la gira del 40 º aniversario de la banda. Los repertorios no incluyeron material nuevo, sino que se basaron en el repertorio existente de mediados de los 70, la época de “Discipline”, el Double Trio y el Double Duo.
Se planearon conciertos adicionales para 2009, pero se cancelaron debido a problemas de agenda con Belew.
King Crimson inició otro hiato tras la gira del 40 º aniversario. Belew siguió presionando para que la banda volviera a la actividad y lo comentó con Fripp varias veces entre 2009 y 2010.
Entre las sugerencias de Belew figuraba una reunión temporal de la formación de los años 80 para una gira del trigésimo aniversario: una idea que tanto Fripp como Bruford rechazaron.
Este último comentó: “Sería muy improbable que intentara recrear lo mismo; me temo que es una misión destinada al fracaso”.
En diciembre de 2010, Fripp escribió que King Crimson se había disuelto desde octubre de 2008, citando varias razones para esta decisión.
Levin posee el récord del bajista con la trayectoria más larga en King Crimson.
En 2009, Levin se reunió con su banda de 1978, L'Image, integrada por Mike Mainieri, Warren Bernhardt, David Spinozza y Steve Gadd. El grupo se presentó en el Iridium Jazz Club de Nueva York, realizó una gira por Japón y lanzó el álbum “L’Image 2.0”.
En 2010, Levin salió de gira con HoBoLeMa, un grupo formado por Allan Holdsworth en la guitarra, Terry Bozzio en la batería, Levin en el bajo y Pat Mastelotto en la batería. Todos sus conciertos fueron completamente improvisados, sin partituras.
Tras el éxito del álbum “Stick Man”, Levin se unió a Michael Bernier y Pat Mastelotto para formar el grupo Stick Men. La banda lanzó su primer álbum, “Soup”, en 2010.
Estilísticamente, el sonido de Stick Men es bastante singular. Presumiendo de que sus músicos principales "tocan instrumentos únicos", su música ha evolucionado hasta situarse entre el art rock, el rock progresivo y, en ocasiones, el metal progresivo.
En sus conciertos, la improvisación y la música libre están fuertemente influenciadas, y los músicos suelen demostrar su virtuosismo con sus respectivos instrumentos en largas sesiones de improvisación.
Cabe destacar que la banda rinde homenaje a su vínculo y trayectoria con King Crimson interpretando canciones tanto de la banda como de Robert Fripp, vocalista y guitarrista de King Crimson.
Stick Men también ha compuesto una versión abreviada de "El pájaro de fuego" de Stravinsky, una pieza fundamental de sus conciertos.
La mayoría de sus composiciones son instrumentales, con muy pocas canciones vocales, principalmente de Levin, pero ocasionalmente también de Reuter y Mastelotto.
Bernier dejó el grupo poco después del lanzamiento de “Soup” y fue reemplazado por el guitarrista Markus Reuter.
La nueva formación lanzó el CD “Absalom” en 2011 y un álbum de improvisaciones, “Open”, en junio de 2012. Un álbum de estudio titulado “Deep” se publicó en febrero de 2013. Existe una edición especial que incluye un DVD.
El álbum presenta temas de rock pesado, en su mayoría instrumentales, con excepciones como “Horatio”, que cuenta con la participación vocal de Pat Mastelotto. El álbum también incluye el poema sinfónico “Whale Watch”, de 11 minutos de duración, basado en las experiencias de Tony Levin realizando excursiones de avistamiento de ballenas desde Boston.
En enero de 2014, la banda lanzó su primer álbum en vivo titulado “Power Play”.
En octubre de 2014, Stick Men lanzó su primer álbum recopilatorio. Un álbum doble: el primer disco incluía grabaciones de estudio, mientras que el segundo era una recopilación de improvisaciones en directo grabadas durante su gira. El álbum también incluye remezclas y nuevas versiones de varias canciones de Stick Men.
Posteriormente, se grabaron dos álbumes en directo en colaboración con miembros de King Crimson en Tokio, Japón.
El primero, “Midori”, con David Cross al violín y los teclados, se grabó en 2015. El segundo, “Roppongi”, con Mel Collins al saxo, se grabó en 2017. Finalmente, una gira por Latinoamérica en 2018, con David Cross al violín, se convirtió en la caja recopilatoria “Panamerica”, publicada en 2019.
Siguiendo con esta línea de colaboraciones con leyendas del rock progresivo, su único concierto en Japón en 2020, con el teclista Gary Husband, se convirtió en el álbum “Owari”, grabado en Osaka el 28 de febrero.
Su cuarto álbum de estudio con Markus Reuter, “Prog Noir”, fue grabado y lanzado en 2016. Este álbum incluía varias canciones con voz. Tony Levin cantó el tema que da título al álbum, Markus Reuter cantó “Plutonium”, y ambos compartieron la voz en el sencillo promocional, “The Tempest”.
Después de una pausa de seis años en las grabaciones, en abril de 2022 se lanzó un EP, “Tentacles”. A este le siguió el álbum en vivo “Umeda” (2023), recopilado de su gira “Tentacles”, además de los EP “Swimming in Tea” (2024) y “Brutal” (2025).
En septiembre de 2013, Fripp anunció el regreso de King Crimson con una formación muy diferente a la anterior: siete músicos, cuatro ingleses y tres estadounidenses, con tres baterías.
Citó varias razones para su regreso, desde lo práctico hasta lo caprichoso: “Me estaba volviendo demasiado feliz. Era hora de un cambio radical”.
La nueva formación se nutrió tanto de la anterior (con Fripp, Levin, Harrison y Mastelotto) como del proyecto Scarcity of Miracles (Jakszyk y Collins), con Bill Rieflin, exbaterista de REM / Ministry y antiguo miembro de Guitar Craft, como séptimo integrante.
Adrian Belew no fue invitado a participar, poniendo fin así a sus 32 años en King Crimson: Jakszyk ocupó su lugar como cantante y segundo guitarrista. Esta versión del grupo adoptó el apodo de "la Bestia de Siete Cabezas".
Esta formación de King Crimson, radicalmente renovada, no tenía planes de grabar en estudio, centrándose en cambio en interpretar versiones “reconfiguradas” de material antiguo en conciertos en directo.
Más tarde, al recordar esta etapa de King Crimson, Tony Levin comentó: “Robert Fripp nos indicó que tratáramos el material clásico de King Crimson como si lo hubiéramos compuesto nosotros. Y así lo hicimos con gran parte del material anterior a los años 80. En realidad, no tocamos muchas versiones del material de los 80, salvo algunas canciones”. Ç
En 2014, Levin habló sobre su enfoque para interpretar el repertorio antiguo de la década de 1970, así como las formidables partes compuestas por Trey Gunn, como "Level Five" y "The ConstruKction of Light".
"Cuanto más las toco, más siento que esas piezas son la mejor música de bajo que se ha escrito para guitarra touch. Eso significa dos cosas: primero, me alegra mucho poder aprenderlas y tocarlas, y segundo, en definitiva, me alegro de no haber estado en esa banda. Durante mucho tiempo, por supuesto, sentí que me hubiera gustado estar ahí… Me sentía honrado de que me llamaran "el quinto hombre". Ahora, con una perspectiva histórica de estas partes, cuanto más las toco, más me alegro de no haber estado allí, porque Trey pudo ser el bajista principal de King Crimson, algo que nunca habría podido hacer del todo si solo hubiéramos tocado las partes de bajo. Y lo que creó es algo que jamás habría sucedido de esa manera si yo hubiera estado presente. La historia puede ser curiosa en ese sentido".
En general, este enfoque se mantuvo constante durante el resto de la trayectoria de la banda.
A principios de 2014, y por primera vez desde 1974, su repertorio incluyó canciones de los álbumes comprendidos entre “In the Court of the Crimson King” y “Larks' Tongues in Aspic” , además de recuperar temas de “Red” .
No se incluyeron canciones de la época de Adrian Belew, aunque sí se interpretaron algunos temas instrumentales de ese período (incluidos temas de “THRAK” y “The Power to Believe”). También se incorporaron al repertorio algunos temas de “A Scarcity of Miracles” (la canción que da título al álbum y “The Light of Day”).
Tras ensayar en Inglaterra, King Crimson realizó una gira por Norteamérica del 9 de septiembre al 6 de octubre.
Las grabaciones de las fechas de Los Ángeles se publicaron como "Live at the Orpheum", esto incluía nueva música instrumental de King Crimson en forma de "Banshee Legs Bell Hassle" y "Walk On: Monk Morph Chamber Music".
En la segunda mitad de 2015, se realizaron giras por Europa, Canadá y Japón. En los conciertos se estrenaron canciones nuevas, principalmente escritas por Fripp y Jakszyk, además de ofrecerse solos de batería.
A finales de febrero de 2016 se publicó una grabación en directo de la etapa canadiense de la gira, titulada “Live In Toronto”, que incluía las nuevas canciones “Radical Action (To Unseat the Hold of Monkey Mind)” y “Meltdown”. Se planeó una gira europea para 2016.
Tras la decisión de Rieflin de tomarse un descanso de la música, el batería Jeremy Stacey, de Noel Gallagher's High Flying Birds, fue contratado para sustituirlo a partir de septiembre.
Nota de Presidemente: Continuará...............
Fuentes: tonylevin.com, rollingstone.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1046
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 42
Tony Levin (Tercera parte)
En septiembre de 2016 se publicó un nuevo álbum en directo, “Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind”, con grabaciones de los conciertos de 2015 en Japón, Canadá y Francia, previos a la marcha de Rieflin y la llegada de Stacey.
Este set de cuatro discos documentaba la evolución del repertorio en directo de la banda e incluía una interpretación de cada canción que tocaron durante la gira, además de imágenes del concierto grabadas principalmente en Takamatsu el 19 de diciembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2016, Greg Lake, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer. Otro exmiembro de King Crimson, John Wetton, falleció de cáncer de colon el 31 de enero de 2017.
El 3 de enero de 2017, Bill Rieflin regresó a King Crimson.
Dado que la banda deseaba mantener a Jeremy Stacey, King Crimson se convirtió en un octeto con cuatro baterías, a lo que Fripp inicialmente se refirió como la "Formación Doble Cuarteto".
Posteriormente, Rieflin cambió su rol en el grupo y se convirtió en el primer teclista a tiempo completo de King Crimson, y Fripp rebautizó la formación como "Tres sobre Cinco" (o "Cinco sobre Tres").
El 2 de junio de 2017, King Crimson lanzó un nuevo EP en vivo titulado “Heroes”, que incluía una versión de la canción homónima de David Bowie.
El EP fue concebido como un homenaje a Bowie, para quien Fripp había aportado su característico trabajo de guitarra en los álbumes “Heroes” (1977) y “Scary Monsters (and Super Creeps)” (1980).
El video de la versión de King Crimson de “Heroes” ganó el premio a "Video del Año" en los Progressive Music Awards de 2017.
Poco después, King Crimson inició la primera etapa de una gira por Norteamérica, del 11 de junio al 19 de julio.
El 3 de septiembre, Robert Fripp declaró que sus diferencias con Adrian Belew se habían resuelto y que "por el momento no hay planes para que salga con la formación actual", pero que "las puertas al futuro están abiertas". Belew lo confirmó y añadió: “Significa que podría volver a la banda en algún momento del futuro”.
El 14 de octubre de 2017, King Crimson lanzó un nuevo álbum en vivo, "Live in Chicago", grabado durante su gira en junio de ese mismo año.
Al igual que sus dos predecesores, incluía música nueva ante la ausencia de un nuevo álbum de estudio (en este caso, "Bellscape & Orchestral Werning", "The Errors" e "Interlude").
También documentó el regreso a los conciertos de temas del álbum “Lizard” (1970), largamente olvidado (como "Cirkus", que la banda había comenzado a incluir en sus repertorios en 2016, y la segunda parte de la suite que da título al álbum), así como nuevos arreglos de algunas canciones de la época de Belew.
El 13 de octubre de 2017, se anunció que Bill Rieflin no podría unirse a la formación Three Over Five para la gira de otoño de 2017 en Estados Unidos. Fue reemplazado temporalmente por el guitarrista Chris Gibson, de Crafty Guitar, afincado en Seattle.
Durante 2018, King Crimson realizó la extensa gira “Uncertain Times”, de 33 fechas, por el Reino Unido y Europa entre el 13 de junio y el 16 de noviembre.
Aunque la banda mantuvo su política de no publicar nuevos álbumes de estudio, en abril de 2018 se lanzó un nuevo álbum en vivo, “Live in Vienna”, que presenta el concierto completo en Viena del 1 de diciembre de 2016.
El álbum estaba previsto inicialmente para su lanzamiento mundial en 2017, pero se pospuso debido a la publicación de "Live in Chicago!; sin embargo, solo se lanzó en Japón en septiembre de 2017, con un disco extra que incluía grabaciones de la gira de la banda en ese país en diciembre de 2015.
El lanzamiento mundial añadió una interpretación de "Fracture", además de tres piezas extraídas de los paisajes sonoros introductorios compuestos cada noche por Fripp, con improvisaciones de Collins y Levin: estas piezas fueron arregladas y realizadas por David Singleton, reflejando un trabajo similar que había realizado para “Thrakattak” veinte años antes.
El 20 de octubre de 2018 se lanzó otro álbum/vídeo en vivo, “Meltdown: Live in Mexico City”, grabado durante las fechas de julio de 2017.
En enero de 2019 salió a la venta “The Bucket List”, álbum de Levin junto a Jerry Marotta y Phil Keaggy, un disco fruto de sus creatividades aunadas y una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “The Bucket List” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy tenemos el gusto de presentar al colectivo triádico de Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta, un colectivo de lujo que ya tiene publicado desde el 11 de enero pasado un disco fruto de sus creatividades aunadas: “The Bucket List” es el título del disco en cuestión, una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
El material recogido allí fue grabado en los tres estudios personales de los músicos involucrados: Jersville Studio (Woodstock, Nueva York), Dreamland Recording Studio (Woodstock, Nueva York) y Kegworth Studio (Nashville, Tennessee).
Keaggy se hizo cargo de las guitarras, Levin, de los bajos, el contrabajo y el Chapman Stick, mientras que Marotta hizo lo propio con la batería y las percusiones.
Entre los tres, suman más de 200 años de edad, y es que hablamos de tres enormes expertos y veteranos que, un buen día de hace más de 10 años, tuvieron la idea de reunirse.
Todo comenzó en el año 2008 cuando estos tres maestros se encontraron en Woodstock y decidieron hacer una sesión musical de manera totalmente espontánea, lo cual al poco rato llevó a un recital en vivo con material improvisado.
A lo largo de los años, cuando se daban las ocasiones de reencontrarse, los tres revisaban y refinaban el material que registraron en su momento, una y otra vez... hasta que se centraron en la idea de registrar todo lo desarrollado en un disco concreto, una cuestión pendiente e importante que había que completar antes de que uno de ellos estirara la pata, como dijimos que señala el título del disco.
Pasemos ahora a los detalles de este disco.
Durando poco más de 3 ¼ minutos, “Sometimes 11” exhibe un buen punto de partida empleando un groove coqueto y sobrio con una fuerte raíz fusionesca que se alimenta de cadencias Crimsonianas modernas (a mitad de camino entre el KC de los 80s y el paradigma del proyecto Upper Extremities que Levin tuvo alguna vez con Bruford).
La vitalidad aquí es patente, pero debe quedar claro que el dinamismo musical está contenido en una expresividad serena.
Lo sereno se acentúa notoriamente en el bello tema que ocupa el segundo lugar del repertorio: “Fearless” explora y elabora una muy lograda combinación de talante contemplativo y densidad emocional, la cual se muestra con relativa densidad en los hermosos fraseos que Keaggy extrae de su guitarra.
“Midland Crisis” vira hacia un terreno muy diferente al exhibir un colorido swing jazz-progresivo en el que la batería alterna pasajes plagados de colorida soltura con otros donde impera la autoconstricción.
La inclusión de un ritmo programado junto al real que ejecuta Marotta sirve para llenar espacios dentro del swing y mantener incólume al gancho esencial de la pieza. La verdad que estos dos temas #2 y #3 se erigen en un continuum de esplendor crucial para el disco.
“Sometimes We Up” es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¼ minutos de duración. Sobre los cimientos de un recurrente groove jazz-fusionesco, el trío se enfila hacia el asentamiento de una musicalidad etérea y envolvente que sabe incorporar matices a lo largo del camino a fin de que el sencillo motif constante no pierda su encanto.
Hay una sensación de confluencia entre una ligera brisa otoñal y un fulgor delicado de una mañana primaveral mientras las bases armónicas y los solos van emergiendo con un pulso delicado.
“Stella Luna” se enfila por el área latina del multívoco discurso del jazz-fusion, y ello es un buen pretexto para que el trío organice un jam donde las cadencias de la batería y la labor de la guitarra definan una consonancia ágil para el bloque instrumental íntegro.
La pieza que sigue a continuación, “Steely Funk”, reincide en esta estrategia y la remodela dentro de un alegre clima jazz-rockero donde el dueto sonoro armado por Levin y Marotta se hace sentir con un particular destaque mientras Keaggy se explaya en varias pistas de guitarra.
La dupla de “Where’s Phil?” y “Phil’s On” sirve para que el trío siga explorando más recursos de colorido musical.
En una primera instancia tenemos un groove semitribal que sirve como vehículo de ritual lucimiento para una sólida amalgama de percusiones y una arquitectónica elegancia del contrabajo. Luego, el asunto vira hacia un despliegue de cadencias funky-rockeras que se deja arropar por una aureola de distinción progresiva.
Los guitarreos se explayan en un dócil ambiente de tensión contenida mientras la ingeniería rítmica de Levin y Marotta se focalizan en un envolvente compás de inspiración africana.
Es algo así como si un jam perdido de las sesiones de un disco de Peter Gabriel de inicios de los 90s hubiese pasado a manos de Pat Metheny en su época de fines de los 90.
“Caravan” encarna otro momento particularmente hermoso dentro del repertorio de “The Bucket List” con su atmósfera tremendamente lírica que comienza con una placidez candorosa y termina con una maniobra de estilizada energía.
Aquí se da una nueva exploración del terreno del jazz-fusion con un enfoque cercano a lo latino, pero con un filo más pronunciado y un señorío más fastuoso que en el caso de “Stella Luna”.
Así, es la melancolía la fuerza emocional que guía a la inspiración performativa de los músicos: el asunto suena a una especie de encuentro entre los paradigmas de Pat Metheny y Mark Wingfield, capturando la habitual lucidez lírica del primero y la faceta más reflexiva del segundo.
Cuando llega el turno de “Carved In Stone”, el trío se dispone a volver a su dimensión más extrovertida, estableciendo un canon de rock clásico sureño: a la hora de instalar el motif central, la guitarra de Keaggy tiene que asumir uno de los roles más estelares dentro del disco.
Los últimos 4 ½ minutos del repertorio están ocupados por la dupla de “Good Stuff” y “Blue Hawaii”, un tema que dura poco menos de 2 ½ minutos y otro que dura casi 2 minutos.
“Good Stuff” se encamina por un aura grácil desde la que se crea una vía intermedia entre Primus y Upper Extremities con una oportuna dosis jazzera; por su parte, “Blue Hawaii” se sitúa en una ambientación contemplativa que coquetea abiertamente con lo etéreo, proyectando nuevamente un clima ensoñador que ya habíamos apreciado en algunos de los temas anteriores.
“The Bucket List” es un disco preciosista y variado, con una buena cantidad de ideas musicales a través de las cuales los maestros Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta pueden hacer congeniar sus personalidades artísticas dentro de un enfoque sonoro que permanentemente dibuja y colorea siluetas auditivas.
La vitalista versatilidad de la dupla rítmica es el factor protagonista en varios pasajes del disco pero, sin duda, los múltiples recursos exhibidos por las guitarras no quedan en un segundo plano sino que activan unos fundamentos musicales contundentes.
No nos queda nada más que decir salvo dar las gracias a estos grandes por este trabajo tan estupendo, un disco que se hizo esperar bastante.
El 6 de abril de 2019, se anunció en rueda de prensa que Rieflin se tomaría un nuevo descanso de King Crimson para atender asuntos familiares.
Su puesto en los teclados para la gira del 50 aniversario de 2019 lo ocupó Theo Travis, más conocido como saxofonista, miembro de Soft Machine y colaborador ocasional de Robert Fripp.
Aunque Travis se unió a la banda para los ensayos, Fripp declaró el 2 de mayo que habían decidido que ya no era posible que otros músicos sustituyeran a Rieflin y que, por este motivo, seguirían adelante como una "bestia de siete cabezas" sin Travis.
Las partes de Rieflin se repartieron entre los demás miembros de la banda: Fripp, Stacey, Jakszyk y Collins añadieron teclados a sus equipos en el escenario, y Levin volvió a usar el sintetizador que empleó durante las giras de los 80.
Poco después, el 11 de junio, la discografía completa de King Crimson estuvo disponible para su reproducción en línea en todas las principales plataformas de streaming, como parte de la celebración del 50 aniversario de la banda.
El 24 de marzo de 2020, Bill Rieflin falleció a causa de un cáncer. Ese mismo año, Keith Tippett, colaborador de King Crimson, falleció el 14 de junio tras varios años de enfermedad, y el exbajista y cantante Gordon Haskell falleció el 15 de octubre a causa de un cáncer de pulmón.
King Crimson realizó una gira por Norteamérica y Japón en 2021. Las grabaciones de las fechas de la etapa estadounidense de la gira se publicaron como el álbum en vivo “Music Is Our Friend: Live in Washington and Albany”, que incluye música de toda la trayectoria de la banda, además de dos nuevas cadencias de Tony Levin.
Tras las fechas de la gira de 2021, King Crimson cesó su actividad, aunque sin anunciar expresamente su separación. Las razones aducidas fueron de índole práctica, relacionadas con la avanzada edad de varios de los miembros y el aumento del coste de los servicios durante la pandemia, sin que la banda tuviera intención de realizar más giras.
El 9 de febrero de 2022, Ian McDonald, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer.
En marzo de 2022, el documental “In the Court of the Crimson King” se estrenó en el Festival de Cine SXSW de 2022.
Dirigido por Toby Amies y filmado entre 2019 y 2021, el documental retrató la actividad en vivo y tras bambalinas de la banda en ese momento, además de ofrecer una perspectiva histórica y testimonios de exmiembros de Crimson como Ian McDonald, Michael Giles, Bill Bruford, Adrian Belew y Trey Gunn (así como extensas entrevistas con el fallecido Bill Rieflin).
Amies describió el proceso de creación de la película de la siguiente manera: “Lo que comenzó como un documental tradicional sobre la legendaria banda King Crimson al cumplir cincuenta años, se transformó en una exploración del tiempo, la muerte, la familia y el poder trascendente de la música para cambiar vidas; pero con un toque de humor”.
En 2022, no se planeaba ninguna actividad futura de King Crimson, salvo asuntos de archivo y curaduría en curso.
Levin declaró en una entrevista a finales de 2022: “La impresión que me dio Robert [Fripp] fue que se había acabado. Quizá King Crimson se ponga en contacto con él en el futuro y resucite con una formación desconocida”.
En una sesión de preguntas y respuestas posterior a la proyección de “In the Court of the Crimson King”, Fripp se refirió a la formación de siete miembros de King Crimson de 2021 como “la encarnación final” de la banda.
Al preguntársele si alguna vez podría haber una formación que no lo incluyera, respondió negativamente, afirmando: “Veo el conjunto. Veo la música. Veo a los músicos. Veo al público y veo la industria musical, y hay que involucrarse con todo eso para tener una visión global. Esa es la respuesta rápida”.
La disolución en 2021 de la formación de King Crimson conocida como "La Bestia de las Siete Cabezas" y la posterior declaración de Fripp sobre la disolución de la banda, dejaron sin grabar en estudio una cantidad considerable de música de King Crimson, tanto escrita como interpretada en directo, aunque parte de ese material ya había aparecido en grabaciones en vivo de la época.
Entre las nuevas canciones originales interpretadas en concierto por la banda se incluían "Meltdown", "Radical Action", "Radical Action II", "The Errors" y otras.
Versiones de dos canciones de Fripp/Jakszyk originalmente concebidas para King Crimson ("Uncertain Times" y "Separation") también aparecieron en el álbum en solitario de Jakszyk de 2020, “Secrets and Lies”, con la participación de Fripp, Harrison, Levin y Collins.
Tras la reciente disolución de la banda, Jakko Jakszyk insinuó, sugirió y finalmente afirmó que este material se publicará oficialmente como un álbum de estudio, el primero de la banda en más de veinte años desde el lanzamiento de “The Power to Believe”.
En agosto de 2021, Jakszyk se refirió a la existencia de “unos cuarenta o cincuenta minutos de material nuevo (de King Crimson), varias canciones que he coescrito con Robert y algunas piezas instrumentales que él ha compuesto".
Durante el confinamiento, Gavin sugirió: "¿Por qué no grabamos esto para tener al menos grabaciones de estudio de este material?. Eso no significa que vayamos a grabar un nuevo álbum ni que vaya a publicarse, pero hemos comenzado este proceso”.
En una entrevista con Louder Sound en noviembre de 2024, Jakszyk fue preguntado sobre el futuro de la banda y mencionó la posibilidad de que se publicaran nuevas grabaciones de estudio, declarando: “La verdad es que tendrían que preguntárselo a Robert. Todo está en sus manos. Se ha retirado muchísimas veces, pero tiene 78 años”.
"Últimamente, una de las cosas que hemos estado haciendo es grabar versiones de estudio del material nuevo [que antes solo tocábamos en directo]. Hemos usado las grabaciones en directo como plantilla, y yo he grabado guitarras, sobregrabaciones y coros. Si eso saldrá como un álbum de King Crimson o si se quedará guardado, no lo sé”.
Ocho meses después, en una entrevista con la revista Goldmine en julio de 2025, Jakszyk declaró: “En este preciso momento, estamos grabando un álbum de estudio de King Crimson” y confirmó que contaría con la formación más reciente de la banda.
Advirtió: “Cuándo saldrá, en qué formato o cómo, eso escapa a mi control. Pero sí, lo hemos estado haciendo poco a poco, y hace un par de meses, la gerencia dijo: "¿Podemos?". Así que sí. He estado grabando con la idea de que salga en algún formato en algún momento. Pero ¿quién sabe cuándo?... También hay planes futuros para grabar videos en vivo de nuestros conciertos en varios lugares. Es un proyecto en desarrollo. Si eso significa que alguna vez volveremos a tocar en vivo, no lo sé, especialmente después del reciente infarto de Robert”.
Confirmó que el nuevo álbum incluiría las versiones de estudio de canciones nuevas interpretadas por la banda entre 2014 y 2021, y que “algunas otras piezas surgirán al juntarlas. Creo que sí”. Esta noticia sugiere que, a pesar del anuncio de Fripp en 2021, King Crimson podría seguir activo (aunque como un proyecto de estudio).
En una publicación en la página web de DGM y en Facebook el 11 de julio de 2025, David Singleton, si bien insinuó la posibilidad de "un álbum con un sonido nunca antes escuchado, un sonido impulsado por los tres bateristas", aclaró y a la vez advirtió sobre las especulaciones al respecto.
Comentó: "Es cierto que los tres bateristas han grabado versiones de estudio de sus partes, por separado, para lograr una separación perfecta. Así que, efectivamente, existe la semilla de una nueva grabación. Si será un álbum, si verá la luz o si será algo más, es una incógnita. Como sucede con cualquier proceso creativo. Así que sí, se han realizado grabaciones. Estamos construyendo un nuevo estudio y, cuando esté terminado, tengo muchas ganas de ver qué puede o no existir. Sin embargo, entusiasmarse con la posibilidad de un nuevo álbum, como ha ocurrido en algunos círculos, es algo prematuro. Es como empezar la casa por el tejado".
Aún no se ha anunciado la fecha de lanzamiento ni el nombre de este proyecto, y el propio Fripp no ha comentado los rumores, salvo para referirse a las declaraciones de Singleton.
En 2024, Levin y Adrian Belew, exmiembro de King Crimson, anunciaron la creación del supergrupo Beat, integrado por el guitarrista Steve Vai y el baterista Danny Carey.
Con la aprobación de Robert Fripp, este grupo interpreta material de la etapa de King Crimson de principios de los 80.
Levin es un bajista imprescindible para Peter Gabriel desde los años 1970 y son totalmente inseparables.
Tony estuvo en todos los discos de estudios de Gabriel, incluidos algunos directos y creaciones especiales como “OVO” o la banda sonora de “Birdy”.
En una entrevista para tn.com.ar Levin comentó “Con Peter es todo diversión: la música, las grabaciones, el rendimiento en vivo e incluso simplemente el hecho de salir con los chicos, ¡porque estamos juntos hace 40 años ya! Si tuviera que elegir, diría que los shows son la mejor parte, incorporando las grandes ideas de Peter, que nos permite a todos expresarnos en la música con gran libertad".
En septiembre de 2024, Levin lanzó el álbum solista “Bringing It Down to the Bass”, con la participación de muchos de sus excompañeros y colaboradores.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “Bringing It Down to the Bass” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy echamos un breve vistazo al pasado reciente y nos topamos con el más reciente disco solista del maestro Tony Levin, “Bringing It Down to the Bass”, publicado a mediados de setiembre del pasado año 2024.
Se trata de su primer trabajo de estudio como solista desde “Stick Man” (2007), aquel disco que originó el ensamble Stick Men.
El sello Flatiron Recordings se encargó de publicar este importante ítem tanto en CD como en vinilo doble de color marrón translúcido con manchas de tinte humo oscuro.
Hay una importante miríada de colegas del maestro Levin que colaboran a lo largo del repertorio de “Bringing It Down To The Bass”. Ellos son Manu Katché (batería), Dominic Miller (guitarra), Pete Levin (teclados), Chris Pasin (trompeta), Alex Foster (saxo alto), Jay Collins (saxo barítono), Jerry Marotta (batería y percusión), Steve Hunter (guitarra), Larry Fast (teclados), Jeremy Stacey (batería), Markus Reuter (Touch Guitar), Vinnie Colaiuta (batería), Earl Slick (guitarra), Mike Portnoy (batería), Gary Husband (teclados), Joe Caro (guitarra), Steve Gadd (batería), Josh Shpak (trompeta), Chris Pasin (trompeta), Don Mikkelsen (trombón), L. Shankar (violín), Colin Gatwood (oboe y corno inglés), Pat Mastelotto (batería), Robert Fripp (soundscapes de guitarra), David Torn (guitarra) y Linnea Olsson (cello).
Mientras tanto, el buen Tony se multiplica en varios bajos eléctricos con y sin trastes, el contrabajo y el cello eléctricos, y cómo no, el Chapman Stick, además de algo de canto y, en la última canción, piano.
También son varios los estudios donde tuvieron lugar los registros del material aquí incluido: Jersville Studio, Bert Jansch Studio (Somerset), Dreamland Recording Studios, NRS Recording Studio y Planet Studios (Montreal). El ulterior proceso de masterización tuvo lugar en el estudio Waygate Mastering.
Salvo un puñado de temas contenidos en “Bringing It Down To The Bass” que fueron compuestos por Levin a solas, todos los demás fueron coescritos junto a sus compañeros de turno.
La pieza homónima ocupa los primeros 5 ½ minutos del repertorio con fluida extroversión. En efecto, “Bringing It Down To The Bass” se revuelve en su propia jovialidad contenida sobre un medio tiempo mientras la saltarina vitalidad de las líneas de bajo y los ricos cromatismos de los saxofones alimentan y capitalizan el motif central.
Ya más adelante, el groove se agiliza más explícitamente, siendo así que la coda le da un simpático giro al asunto mientras llega el fade-out.
He aquí una cruza perfecta entre los Weather Report de fines de los 70 y el Chick Corea eléctrico de los 80 con añadidos matices de aquel proyecto conjunto con Bill Bruford Upper Extremities.
Un inicio de álbum bastante llamativo, cómo negarlo.
“Me And My Axe” sigue a continuación para cambiar de senda expresiva y ponerse a explorar un talante más reflexivo, explayándose en un lirismo sereno y bastante transparente.
El comedido peso rockero que aporta la guitarra al bloque sonoro da más contundencia a la magia evocadora de la composición.
“Road Dogs” supone un viraje hacia una espiritualidad festiva que coquetea abiertamente con el hard rock clásico mientras preserva algunas estilizaciones sónicas propias del discurso jazz-progresivo.
La batería alterna fluidamente entre pasajes machacones y otros más patentemente sincopados mientras los teclados aportan una sobria majestuosidad al desarrollo temático.
Las parcas palabras graves que emergen en los últimos minutos añaden humor al ambiente general.
Efectiva combinación de gancho y clase en esta pieza así como en la siguiente, “Uncle Funkster”, la cual incrementa las dosis de vivacidad y fulgor donde parecen estar bien asentados Levin y sus compañeros de turno.
La ingeniería sónica de esta pieza es más contundente a pesar de no tener una instrumentación tan nutrida: sólo batería y Stick.
La estructura musical de “Boston Rocks” es bipolar: su prólogo se apoya en un lirismo reposado, siendo así que al poco rato se produce una reiteración de la musculatura celebratoria que ya definió al tema precedente, esta vez se hace con una instrumentación más llena y con algunas vocalizaciones entusiastas.
El cariz progresivo se refuerza cuando se da una alternancia entre un swing contenido (incluyendo un soliloquio y un breve canto) y el regreso a la electrizante vivacidad del cuerpo anterior.
“Espressoville” recapitula el camino musical de la pieza homónima en cuanto a su groove central, pero también se distingue por tener una sofisticación especial en algunos arreglos que encauzan a los vértices expresivos de la musicalidad creada para la ocasión.
A través de la conexión entre los arreglos de metales y los ocasionales solos de guitarra se revela una arquitectura tremendamente sólida mientras la dupla rítmica sustenta el evento sónico con prestancia y precisión.
“Give The Cello Some”, tal como lo indica el propio título, usa el pretexto del prólogo para lucir el cello eléctrico en un efímero arreglo barroco antes de que el ensamble rockero entre a tallar con un travieso empuje.
Mientras tanto, los parlamentos de Levin mencionan lo productivo que podría resultar tocar el cello de vez en cuando. Pero no por ahora, que Marotta y Tony Levin están codirigiendo el jam central.
Todavía puede el cello lucir unas pequeñas líneas antes del golpe final. ¿No será ésta la versión humorística de "Esperando a Godot" para cello?
Como sea, se trató de algo ingeniosamente ameno y ahora es el turno de “Side B / Turn It Over”. Todo se centra en un gentil ejercicio coral al estilo de cuarteto de barbería (barbershop quartet) que en algún momento es suavemente interrumpido por una flotante figura de bajo.
“Beyond the Bass Clef” recoge este recurso de serenidad y lo eleva a un plano cósmico arropado por tenues vibraciones flotantes donde las capas de teclado, las líneas de violín y las maderas aportan sus propios retazos a este envolvente cuadro impresionista.
Una composición exquisitamente hermosa que exuda un cristalino refinamiento por todos sus poros; la intensidad efímeramente elevada para los segundos finales refleja una tensión liberadora.
“Bungie Bass” nos lleva, una vez más, por el camino de la extroversión estilizada, y lo hace con la estrategia del avant-jazz-prog de matices Crimsonianos, sin ocultar sus nexos al paradigma de los Stick Men. El swing de Mastelotto es inconfundible y los matices inquietantes de Torn también.
“Fire Cross the Sky” es una crepuscular y relajada balada dedicada a John Lennon, a quien conoció cuando fue convocado para las sesiones de ese emblemático álbum “Double Fantasy”.
Ya las primeras líneas son poéticamente evocadoras: “I am sitting in a Westside café that’s seen it all. / I look up and see his picture is like a shrine / Clustered on the dark brick wall. / His glasses so cloudy, / The eyes are so clear, / Maybe that’s what you need / To believe that peace could be near”.
Su espiritualidad minimalista sustenta cabalmente el talante reflexivo de esta bonita canción.
“Floating In Dark Waters” mantiene las cosas dentro del paisaje intimista, esta vez a un nivel de ambiente progresivo con ornamentos telúricos brindados por la juiciosa labor de las percusiones.
“On The Drums” es un gracioso malabar multi-vocal que menciona a varios bateristas con cordial jovialidad, algo muy diferente a la continua solemnidad que ha marcado a las tres piezas anteriores bajo diversas modalidades.
La coda del álbum se titula precisamente “Coda”: básicamente, se trata de un estándar de jazz con un manejo de cámara. Su inmensamente reposada disposición tiene mucho de conmovedora.
Toda esta fue la oferta de “Bringing It Down To The Bass”, enésima muestra del genio de Tony Levin para crear música, ejecutar sus instrumentos de especialización y conectarse con los colegas adecuados para cada idea particular que surge de su mente compositora.
Sería tedioso e inanemente repetitivo hacer un elogio de una leyenda viviente tan consistente e infatigable como es el buen Tony, pero no está de más recomendar a “Bringing It Down To The Bass” en cualquier buena fonoteca de rock ecléctico y jazz-rock.
Nota de Presidemente: Tony Levin lleva compartiendo en su página web, tonylevin.com, sus experiencias de gira desde 1996.
Esta nueva versión del sitio ya cuenta con muchísimos diarios de viaje, pero se puede encontrar el material antiguo en la sección de Archivos.
Tienen más de 400 páginas de tours archivadas en el sitio (con aproximadamente 6.800 fotos) y han tenido casi 5 millones de visitas.
Discografía
Con Chuck Mangione Quartet
1972 - Alive!
Con Herbie Mann
1974 - First Light as The Family of Mann
1976 - Surprises
1976 - Gagaku & Beyond
1977 - Brazil: Once Again
Con Peter Gabriel
1977 - Peter Gabriel (Car)
1978 - Peter Gabriel (Scratch)
1980 - Peter Gabriel (Melt)
1982 - Peter Gabriel (Security)
1983 - Plays Live
1985 - Birdy
1986 - So
1992 - Us
1994 - Secret World Live
2000 - OVO
2002 - Up Back to Front: Live in London
2003 - Growing Up Live
2005 - Still Growing Up: Live & Unwrapped
2014 - Back to Front: Live in London
2023 - i/o
Con King Crimson
1981 - Discipline
1982 - Beat
1982 - The Noise: Frejus (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1984 - Three of a Perfect Pair
1984 - Three of a Perfect Pair: Live in Japan (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1994 - Vrooom
1995 - THRAK
1995 - B'Boom: Live in Argentina
1996 - Thrakattak
1996 - The Collectable King Crimson Volume Five (Live in Japan 1995 – The Official Edition)
1998 - Absent Lovers: Live in Montreal
1999 - Live in Mexico City
1999 - The ProjeKcts
1999 - The Deception of the Thrush: A Beginners' Guide to ProjeKcts
2001 - Vrooom Vrooom
2012 - Live in Argentina, 1994 (DVD-A)
2014 - The Elements of King Crimson
2015 - Live at the Orpheum
2015 - Live EP 2014 (Vinyl Cyclops Picture Disc)
2016 - Live In Toronto
2016 - Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind
2017 - Heroes – Live In Europe (2016)
2017 - Live In Chicago (2017 – Chicago Theater)
2018 - Live in Vienna (2016 – Museumsquartier)
2018 - Meltdown: Live in Mexico City (2017 – Teatro Metropólitan)
2024 - Sheltering Skies (Live in Fréjus, August 27th 1982)
Con Anderson Bruford Wakeman Howe
1989 - Anderson Bruford Wakeman Howe
2012 - Live at the NEC
Con Yes
1991 – Union
Con Gorn y Marotta
1997 - From the Caves of the Iron Mountain
Con Bozzio Levin Stevens
1997 - Black Light Syndrome
2000 - Situation Dangerous
Con ProjeKct One
1998 - Live at the Jazz Café
Con ProjeKct Four
1999 - West Coast Live
Con Liquid Tension Experiment
1998 - Liquid Tension Experiment
1999 - Liquid Tension Experiment 2
2009 - Liquid Tension Experiment Live 2008 – Limited Edition Boxset
2009 - Liquid Tension Experiment Live in NYC
2009 - Liquid Tension Experiment Live in LA
2021 - Liquid Tension Experiment 3
Con Liquid Trio Experiment
2007 - Spontaneous Combustion
Con Liquid Trio Experiment 2
2009 - When the Keyboard Breaks: Live in Chicago
Con Bruford Levin Upper Extremities
1998 - Bruford Levin Upper Extremities
2000 - B.L.U.E. Nights
Con Steven Wilson
2008 - Insurgentes (Kscope) on tracks 5 and 6
2011 - Grace for Drowning (Kscope)
Con Stick Men
2009 - Stick Men [A special edition]
2010 – Soup
2011 - Absalom(EP)
2011 - Live In Montevideo 2011
2011 - Live In Buenos Aires 2011
2012 - Open
2013 – Deep
2014 - Power Play
2014 - Unleashed: Live Improvs 2013
2014 - Supercollider: An Anthology 2010–2014
2015 - Midori: Live In Tokyo (Featuring David Cross)
2016 - Prog Noir
2017 - Roppongi – Live In Tokyo 2017 (Featuring Mel Collins)
2017 – KONNEKTED
Con Jakszyk, Fripp and Collins (with Levin and Harrison)
2011 - A King Crimson ProjeKct A Scarcity of Miracles
Con David Torn y Alan White
2011 - Levin Torn White
Con Marco Minnemann y Jordan Rudess
2013 - Levin Minnemann Rudess
Con Anthony Curtis
2015 - Book of the Key
Con Keaggy y Marotta
2019 - The Bucket List
En solitario
1995 - World Diary
2000 - Waters of Eden
2002 - Pieces of the Sun
2002 - Double Espresso
2006 - Resonator
2007 - Stick Man
2019 - The Bucket List
2024 - Bringing It Down to the Bass
Como músico de sesión (lista parcial)
Jaune (1970) – Jean-Pierre Ferland
Carly Simon (1971) – Carly Simon
Don McLean (1972) – Don McLean
Berlin (1973) – Lou Reed
Over the Rainbow (1973) – Livingston Taylor
The Roar of '74 (1973) – Buddy Rich
Playin' Favorites (1973) – Don McLean
Simba (Groove Merchant, 1974) – O'Donel Levy
Still Crazy After All These Years (1975) – Paul Simon
Welcome To My Nightmare (1975) – Alice Cooper
Judith (1975) – Judy Collins
Second Childhood (1976) – Phoebe Snow
Goes to Hell (1976) – Alice Cooper
Main Squeeze (1976) – Chuck Mangione
Lace and Whiskey (1977) – Alice Cooper
Never Letting Go (1977) – Phoebe Snow
Singin'... (1977) – Melissa Manchester
Ringo the 4th (1977) – Ringo Starr
Watermark (1977) – Art Garfunkel
Nested (1978) – Laura Nyro
Boys in the Trees (1978) – Carly Simon
The Roches (1979) – The Roches
Spy (1979) – Carly Simon
Double Fantasy (1980) – John Lennon, Yoko Ono
Me Myself I (1980) – Joan Armatrading
Come Upstairs (1980) – Carly Simon
Walk Under Ladders (1981) – Joan Armatrading
Scissors Cut (1981) – Art Garfunkel
Season of Glass (1981) – Yoko Ono
It's Alright (I See Rainbows) (1982) – Yoko Ono
Keep On Doing (1982) – The Roches
Times of Our Lives (1982) – Judy Collins
Scenario (1983) - Al Di Meola also with Phil Collins, Jan Hammer and Bill Bruford
The Key (1983) – Joan Armatrading
Hello Big Man (1983) – Carly Simon
Shine (1984) – Frida
Milk and Honey (1984) – John Lennon, Yoko Ono
Boys and Girls (1985) – Bryan Ferry
Starpeace (1985) – Yoko Ono
Strange Animal (1985) – Lawrence Gowan
That's Why I'm Here (1985) – James Taylor
Downtown (1985) – Marshall Crenshaw
Rain Dogs (1985) – Tom Waits
Cloud About Mercury (ECM, 1986) – David Torn
The Big Picture (1986) – Michael W. Smith
Premonition (1986) – Peter Frampton
Park Hotel (1986) – Alice
A Momentary Lapse of Reason (1987) – Pink Floyd
Robbie Robertson (1987) – Robbie Robertson
Great Dirty World (1987) – Lawrence Gowan
Coming Around Again (1987) – Carly Simon
Cher (1987) – Cher
Sentimental Hygiene (1987) – Warren Zevon
Safety in Numbers (1987) – David Van Tieghem
Julia Fordham (1988) – Julia Fordham
Tommy Page (1988) – Tommy Page
Hide Your Heart (1988) – Bonnie Tyler
Amnesia (1988) – Richard Thompson
The Other Side of the Mirror (1989) – Stevie Nicks
Maria McKee (1989) – Maria McKee
Tim Finn (1989) – Tim Finn
Lost Brotherhood (1990) – Lawrence Gowan
World Gone Strange (1991) – Andy Summers
Stranger in This Town (1991) – Richie Sambora
Discipline (1991) – Desmond Child
New Moon Shine (1991) – James Taylor
Matters of the Heart (1992) – Tracy Chapman
Arkansas Traveler (1992) – Michelle Shocked
Flyer (1994) – Nanci Griffith
Swamp Ophelia (1994) – Indigo Girls
What's Inside (1995) – Joan Armatrading
This Fire (1996) – Paula Cole
Gravity (1996) – Jesse Cook
The Cappuccino Songs (1998) – Tanita Tikaram
By 7:30 (1999) – Vonda Shepard
Amen (1999) – Paula Cole
Snowfall on the Sahara (1999) – Natalie Cole
Aura (2001) – Asia
My Ride's Here (2002) – Warren Zevon
Heathen (2002) – David Bowie
Afterglow (2003) – Sarah McLachlan
Courage (2007) – Paula Cole
Ithaca (2010) – Paula Cole
The Next Day (2013) – David Bowie
The Desired Effect (2015) – Brandon Flowers
Troika (2022) - D'Virgilio, Morse, & Jennings
Fuentes: rollingstone.com, rock-progresivo.com, tonylevin.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Tony Levin (Tercera parte)
En septiembre de 2016 se publicó un nuevo álbum en directo, “Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind”, con grabaciones de los conciertos de 2015 en Japón, Canadá y Francia, previos a la marcha de Rieflin y la llegada de Stacey.
Este set de cuatro discos documentaba la evolución del repertorio en directo de la banda e incluía una interpretación de cada canción que tocaron durante la gira, además de imágenes del concierto grabadas principalmente en Takamatsu el 19 de diciembre de 2015.
El 7 de diciembre de 2016, Greg Lake, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer. Otro exmiembro de King Crimson, John Wetton, falleció de cáncer de colon el 31 de enero de 2017.
El 3 de enero de 2017, Bill Rieflin regresó a King Crimson.
Dado que la banda deseaba mantener a Jeremy Stacey, King Crimson se convirtió en un octeto con cuatro baterías, a lo que Fripp inicialmente se refirió como la "Formación Doble Cuarteto".
Posteriormente, Rieflin cambió su rol en el grupo y se convirtió en el primer teclista a tiempo completo de King Crimson, y Fripp rebautizó la formación como "Tres sobre Cinco" (o "Cinco sobre Tres").
El 2 de junio de 2017, King Crimson lanzó un nuevo EP en vivo titulado “Heroes”, que incluía una versión de la canción homónima de David Bowie.
El EP fue concebido como un homenaje a Bowie, para quien Fripp había aportado su característico trabajo de guitarra en los álbumes “Heroes” (1977) y “Scary Monsters (and Super Creeps)” (1980).
El video de la versión de King Crimson de “Heroes” ganó el premio a "Video del Año" en los Progressive Music Awards de 2017.
Poco después, King Crimson inició la primera etapa de una gira por Norteamérica, del 11 de junio al 19 de julio.
El 3 de septiembre, Robert Fripp declaró que sus diferencias con Adrian Belew se habían resuelto y que "por el momento no hay planes para que salga con la formación actual", pero que "las puertas al futuro están abiertas". Belew lo confirmó y añadió: “Significa que podría volver a la banda en algún momento del futuro”.
El 14 de octubre de 2017, King Crimson lanzó un nuevo álbum en vivo, "Live in Chicago", grabado durante su gira en junio de ese mismo año.
Al igual que sus dos predecesores, incluía música nueva ante la ausencia de un nuevo álbum de estudio (en este caso, "Bellscape & Orchestral Werning", "The Errors" e "Interlude").
También documentó el regreso a los conciertos de temas del álbum “Lizard” (1970), largamente olvidado (como "Cirkus", que la banda había comenzado a incluir en sus repertorios en 2016, y la segunda parte de la suite que da título al álbum), así como nuevos arreglos de algunas canciones de la época de Belew.
El 13 de octubre de 2017, se anunció que Bill Rieflin no podría unirse a la formación Three Over Five para la gira de otoño de 2017 en Estados Unidos. Fue reemplazado temporalmente por el guitarrista Chris Gibson, de Crafty Guitar, afincado en Seattle.
Durante 2018, King Crimson realizó la extensa gira “Uncertain Times”, de 33 fechas, por el Reino Unido y Europa entre el 13 de junio y el 16 de noviembre.
Aunque la banda mantuvo su política de no publicar nuevos álbumes de estudio, en abril de 2018 se lanzó un nuevo álbum en vivo, “Live in Vienna”, que presenta el concierto completo en Viena del 1 de diciembre de 2016.
El álbum estaba previsto inicialmente para su lanzamiento mundial en 2017, pero se pospuso debido a la publicación de "Live in Chicago!; sin embargo, solo se lanzó en Japón en septiembre de 2017, con un disco extra que incluía grabaciones de la gira de la banda en ese país en diciembre de 2015.
El lanzamiento mundial añadió una interpretación de "Fracture", además de tres piezas extraídas de los paisajes sonoros introductorios compuestos cada noche por Fripp, con improvisaciones de Collins y Levin: estas piezas fueron arregladas y realizadas por David Singleton, reflejando un trabajo similar que había realizado para “Thrakattak” veinte años antes.
El 20 de octubre de 2018 se lanzó otro álbum/vídeo en vivo, “Meltdown: Live in Mexico City”, grabado durante las fechas de julio de 2017.
En enero de 2019 salió a la venta “The Bucket List”, álbum de Levin junto a Jerry Marotta y Phil Keaggy, un disco fruto de sus creatividades aunadas y una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “The Bucket List” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy tenemos el gusto de presentar al colectivo triádico de Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta, un colectivo de lujo que ya tiene publicado desde el 11 de enero pasado un disco fruto de sus creatividades aunadas: “The Bucket List” es el título del disco en cuestión, una expresión que designa la lista de cosas que uno se propone hacer antes de estirar la pata.
El material recogido allí fue grabado en los tres estudios personales de los músicos involucrados: Jersville Studio (Woodstock, Nueva York), Dreamland Recording Studio (Woodstock, Nueva York) y Kegworth Studio (Nashville, Tennessee).
Keaggy se hizo cargo de las guitarras, Levin, de los bajos, el contrabajo y el Chapman Stick, mientras que Marotta hizo lo propio con la batería y las percusiones.
Entre los tres, suman más de 200 años de edad, y es que hablamos de tres enormes expertos y veteranos que, un buen día de hace más de 10 años, tuvieron la idea de reunirse.
Todo comenzó en el año 2008 cuando estos tres maestros se encontraron en Woodstock y decidieron hacer una sesión musical de manera totalmente espontánea, lo cual al poco rato llevó a un recital en vivo con material improvisado.
A lo largo de los años, cuando se daban las ocasiones de reencontrarse, los tres revisaban y refinaban el material que registraron en su momento, una y otra vez... hasta que se centraron en la idea de registrar todo lo desarrollado en un disco concreto, una cuestión pendiente e importante que había que completar antes de que uno de ellos estirara la pata, como dijimos que señala el título del disco.
Pasemos ahora a los detalles de este disco.
Durando poco más de 3 ¼ minutos, “Sometimes 11” exhibe un buen punto de partida empleando un groove coqueto y sobrio con una fuerte raíz fusionesca que se alimenta de cadencias Crimsonianas modernas (a mitad de camino entre el KC de los 80s y el paradigma del proyecto Upper Extremities que Levin tuvo alguna vez con Bruford).
La vitalidad aquí es patente, pero debe quedar claro que el dinamismo musical está contenido en una expresividad serena.
Lo sereno se acentúa notoriamente en el bello tema que ocupa el segundo lugar del repertorio: “Fearless” explora y elabora una muy lograda combinación de talante contemplativo y densidad emocional, la cual se muestra con relativa densidad en los hermosos fraseos que Keaggy extrae de su guitarra.
“Midland Crisis” vira hacia un terreno muy diferente al exhibir un colorido swing jazz-progresivo en el que la batería alterna pasajes plagados de colorida soltura con otros donde impera la autoconstricción.
La inclusión de un ritmo programado junto al real que ejecuta Marotta sirve para llenar espacios dentro del swing y mantener incólume al gancho esencial de la pieza. La verdad que estos dos temas #2 y #3 se erigen en un continuum de esplendor crucial para el disco.
“Sometimes We Up” es la pieza más extensa del repertorio con sus 7 ¼ minutos de duración. Sobre los cimientos de un recurrente groove jazz-fusionesco, el trío se enfila hacia el asentamiento de una musicalidad etérea y envolvente que sabe incorporar matices a lo largo del camino a fin de que el sencillo motif constante no pierda su encanto.
Hay una sensación de confluencia entre una ligera brisa otoñal y un fulgor delicado de una mañana primaveral mientras las bases armónicas y los solos van emergiendo con un pulso delicado.
“Stella Luna” se enfila por el área latina del multívoco discurso del jazz-fusion, y ello es un buen pretexto para que el trío organice un jam donde las cadencias de la batería y la labor de la guitarra definan una consonancia ágil para el bloque instrumental íntegro.
La pieza que sigue a continuación, “Steely Funk”, reincide en esta estrategia y la remodela dentro de un alegre clima jazz-rockero donde el dueto sonoro armado por Levin y Marotta se hace sentir con un particular destaque mientras Keaggy se explaya en varias pistas de guitarra.
La dupla de “Where’s Phil?” y “Phil’s On” sirve para que el trío siga explorando más recursos de colorido musical.
En una primera instancia tenemos un groove semitribal que sirve como vehículo de ritual lucimiento para una sólida amalgama de percusiones y una arquitectónica elegancia del contrabajo. Luego, el asunto vira hacia un despliegue de cadencias funky-rockeras que se deja arropar por una aureola de distinción progresiva.
Los guitarreos se explayan en un dócil ambiente de tensión contenida mientras la ingeniería rítmica de Levin y Marotta se focalizan en un envolvente compás de inspiración africana.
Es algo así como si un jam perdido de las sesiones de un disco de Peter Gabriel de inicios de los 90s hubiese pasado a manos de Pat Metheny en su época de fines de los 90.
“Caravan” encarna otro momento particularmente hermoso dentro del repertorio de “The Bucket List” con su atmósfera tremendamente lírica que comienza con una placidez candorosa y termina con una maniobra de estilizada energía.
Aquí se da una nueva exploración del terreno del jazz-fusion con un enfoque cercano a lo latino, pero con un filo más pronunciado y un señorío más fastuoso que en el caso de “Stella Luna”.
Así, es la melancolía la fuerza emocional que guía a la inspiración performativa de los músicos: el asunto suena a una especie de encuentro entre los paradigmas de Pat Metheny y Mark Wingfield, capturando la habitual lucidez lírica del primero y la faceta más reflexiva del segundo.
Cuando llega el turno de “Carved In Stone”, el trío se dispone a volver a su dimensión más extrovertida, estableciendo un canon de rock clásico sureño: a la hora de instalar el motif central, la guitarra de Keaggy tiene que asumir uno de los roles más estelares dentro del disco.
Los últimos 4 ½ minutos del repertorio están ocupados por la dupla de “Good Stuff” y “Blue Hawaii”, un tema que dura poco menos de 2 ½ minutos y otro que dura casi 2 minutos.
“Good Stuff” se encamina por un aura grácil desde la que se crea una vía intermedia entre Primus y Upper Extremities con una oportuna dosis jazzera; por su parte, “Blue Hawaii” se sitúa en una ambientación contemplativa que coquetea abiertamente con lo etéreo, proyectando nuevamente un clima ensoñador que ya habíamos apreciado en algunos de los temas anteriores.
“The Bucket List” es un disco preciosista y variado, con una buena cantidad de ideas musicales a través de las cuales los maestros Phil Keaggy, Tony Levin y Jerry Marotta pueden hacer congeniar sus personalidades artísticas dentro de un enfoque sonoro que permanentemente dibuja y colorea siluetas auditivas.
La vitalista versatilidad de la dupla rítmica es el factor protagonista en varios pasajes del disco pero, sin duda, los múltiples recursos exhibidos por las guitarras no quedan en un segundo plano sino que activan unos fundamentos musicales contundentes.
No nos queda nada más que decir salvo dar las gracias a estos grandes por este trabajo tan estupendo, un disco que se hizo esperar bastante.
El 6 de abril de 2019, se anunció en rueda de prensa que Rieflin se tomaría un nuevo descanso de King Crimson para atender asuntos familiares.
Su puesto en los teclados para la gira del 50 aniversario de 2019 lo ocupó Theo Travis, más conocido como saxofonista, miembro de Soft Machine y colaborador ocasional de Robert Fripp.
Aunque Travis se unió a la banda para los ensayos, Fripp declaró el 2 de mayo que habían decidido que ya no era posible que otros músicos sustituyeran a Rieflin y que, por este motivo, seguirían adelante como una "bestia de siete cabezas" sin Travis.
Las partes de Rieflin se repartieron entre los demás miembros de la banda: Fripp, Stacey, Jakszyk y Collins añadieron teclados a sus equipos en el escenario, y Levin volvió a usar el sintetizador que empleó durante las giras de los 80.
Poco después, el 11 de junio, la discografía completa de King Crimson estuvo disponible para su reproducción en línea en todas las principales plataformas de streaming, como parte de la celebración del 50 aniversario de la banda.
El 24 de marzo de 2020, Bill Rieflin falleció a causa de un cáncer. Ese mismo año, Keith Tippett, colaborador de King Crimson, falleció el 14 de junio tras varios años de enfermedad, y el exbajista y cantante Gordon Haskell falleció el 15 de octubre a causa de un cáncer de pulmón.
King Crimson realizó una gira por Norteamérica y Japón en 2021. Las grabaciones de las fechas de la etapa estadounidense de la gira se publicaron como el álbum en vivo “Music Is Our Friend: Live in Washington and Albany”, que incluye música de toda la trayectoria de la banda, además de dos nuevas cadencias de Tony Levin.
Tras las fechas de la gira de 2021, King Crimson cesó su actividad, aunque sin anunciar expresamente su separación. Las razones aducidas fueron de índole práctica, relacionadas con la avanzada edad de varios de los miembros y el aumento del coste de los servicios durante la pandemia, sin que la banda tuviera intención de realizar más giras.
El 9 de febrero de 2022, Ian McDonald, miembro fundador de King Crimson, falleció a causa de un cáncer.
En marzo de 2022, el documental “In the Court of the Crimson King” se estrenó en el Festival de Cine SXSW de 2022.
Dirigido por Toby Amies y filmado entre 2019 y 2021, el documental retrató la actividad en vivo y tras bambalinas de la banda en ese momento, además de ofrecer una perspectiva histórica y testimonios de exmiembros de Crimson como Ian McDonald, Michael Giles, Bill Bruford, Adrian Belew y Trey Gunn (así como extensas entrevistas con el fallecido Bill Rieflin).
Amies describió el proceso de creación de la película de la siguiente manera: “Lo que comenzó como un documental tradicional sobre la legendaria banda King Crimson al cumplir cincuenta años, se transformó en una exploración del tiempo, la muerte, la familia y el poder trascendente de la música para cambiar vidas; pero con un toque de humor”.
En 2022, no se planeaba ninguna actividad futura de King Crimson, salvo asuntos de archivo y curaduría en curso.
Levin declaró en una entrevista a finales de 2022: “La impresión que me dio Robert [Fripp] fue que se había acabado. Quizá King Crimson se ponga en contacto con él en el futuro y resucite con una formación desconocida”.
En una sesión de preguntas y respuestas posterior a la proyección de “In the Court of the Crimson King”, Fripp se refirió a la formación de siete miembros de King Crimson de 2021 como “la encarnación final” de la banda.
Al preguntársele si alguna vez podría haber una formación que no lo incluyera, respondió negativamente, afirmando: “Veo el conjunto. Veo la música. Veo a los músicos. Veo al público y veo la industria musical, y hay que involucrarse con todo eso para tener una visión global. Esa es la respuesta rápida”.
La disolución en 2021 de la formación de King Crimson conocida como "La Bestia de las Siete Cabezas" y la posterior declaración de Fripp sobre la disolución de la banda, dejaron sin grabar en estudio una cantidad considerable de música de King Crimson, tanto escrita como interpretada en directo, aunque parte de ese material ya había aparecido en grabaciones en vivo de la época.
Entre las nuevas canciones originales interpretadas en concierto por la banda se incluían "Meltdown", "Radical Action", "Radical Action II", "The Errors" y otras.
Versiones de dos canciones de Fripp/Jakszyk originalmente concebidas para King Crimson ("Uncertain Times" y "Separation") también aparecieron en el álbum en solitario de Jakszyk de 2020, “Secrets and Lies”, con la participación de Fripp, Harrison, Levin y Collins.
Tras la reciente disolución de la banda, Jakko Jakszyk insinuó, sugirió y finalmente afirmó que este material se publicará oficialmente como un álbum de estudio, el primero de la banda en más de veinte años desde el lanzamiento de “The Power to Believe”.
En agosto de 2021, Jakszyk se refirió a la existencia de “unos cuarenta o cincuenta minutos de material nuevo (de King Crimson), varias canciones que he coescrito con Robert y algunas piezas instrumentales que él ha compuesto".
Durante el confinamiento, Gavin sugirió: "¿Por qué no grabamos esto para tener al menos grabaciones de estudio de este material?. Eso no significa que vayamos a grabar un nuevo álbum ni que vaya a publicarse, pero hemos comenzado este proceso”.
En una entrevista con Louder Sound en noviembre de 2024, Jakszyk fue preguntado sobre el futuro de la banda y mencionó la posibilidad de que se publicaran nuevas grabaciones de estudio, declarando: “La verdad es que tendrían que preguntárselo a Robert. Todo está en sus manos. Se ha retirado muchísimas veces, pero tiene 78 años”.
"Últimamente, una de las cosas que hemos estado haciendo es grabar versiones de estudio del material nuevo [que antes solo tocábamos en directo]. Hemos usado las grabaciones en directo como plantilla, y yo he grabado guitarras, sobregrabaciones y coros. Si eso saldrá como un álbum de King Crimson o si se quedará guardado, no lo sé”.
Ocho meses después, en una entrevista con la revista Goldmine en julio de 2025, Jakszyk declaró: “En este preciso momento, estamos grabando un álbum de estudio de King Crimson” y confirmó que contaría con la formación más reciente de la banda.
Advirtió: “Cuándo saldrá, en qué formato o cómo, eso escapa a mi control. Pero sí, lo hemos estado haciendo poco a poco, y hace un par de meses, la gerencia dijo: "¿Podemos?". Así que sí. He estado grabando con la idea de que salga en algún formato en algún momento. Pero ¿quién sabe cuándo?... También hay planes futuros para grabar videos en vivo de nuestros conciertos en varios lugares. Es un proyecto en desarrollo. Si eso significa que alguna vez volveremos a tocar en vivo, no lo sé, especialmente después del reciente infarto de Robert”.
Confirmó que el nuevo álbum incluiría las versiones de estudio de canciones nuevas interpretadas por la banda entre 2014 y 2021, y que “algunas otras piezas surgirán al juntarlas. Creo que sí”. Esta noticia sugiere que, a pesar del anuncio de Fripp en 2021, King Crimson podría seguir activo (aunque como un proyecto de estudio).
En una publicación en la página web de DGM y en Facebook el 11 de julio de 2025, David Singleton, si bien insinuó la posibilidad de "un álbum con un sonido nunca antes escuchado, un sonido impulsado por los tres bateristas", aclaró y a la vez advirtió sobre las especulaciones al respecto.
Comentó: "Es cierto que los tres bateristas han grabado versiones de estudio de sus partes, por separado, para lograr una separación perfecta. Así que, efectivamente, existe la semilla de una nueva grabación. Si será un álbum, si verá la luz o si será algo más, es una incógnita. Como sucede con cualquier proceso creativo. Así que sí, se han realizado grabaciones. Estamos construyendo un nuevo estudio y, cuando esté terminado, tengo muchas ganas de ver qué puede o no existir. Sin embargo, entusiasmarse con la posibilidad de un nuevo álbum, como ha ocurrido en algunos círculos, es algo prematuro. Es como empezar la casa por el tejado".
Aún no se ha anunciado la fecha de lanzamiento ni el nombre de este proyecto, y el propio Fripp no ha comentado los rumores, salvo para referirse a las declaraciones de Singleton.
En 2024, Levin y Adrian Belew, exmiembro de King Crimson, anunciaron la creación del supergrupo Beat, integrado por el guitarrista Steve Vai y el baterista Danny Carey.
Con la aprobación de Robert Fripp, este grupo interpreta material de la etapa de King Crimson de principios de los 80.
Levin es un bajista imprescindible para Peter Gabriel desde los años 1970 y son totalmente inseparables.
Tony estuvo en todos los discos de estudios de Gabriel, incluidos algunos directos y creaciones especiales como “OVO” o la banda sonora de “Birdy”.
En una entrevista para tn.com.ar Levin comentó “Con Peter es todo diversión: la música, las grabaciones, el rendimiento en vivo e incluso simplemente el hecho de salir con los chicos, ¡porque estamos juntos hace 40 años ya! Si tuviera que elegir, diría que los shows son la mejor parte, incorporando las grandes ideas de Peter, que nos permite a todos expresarnos en la música con gran libertad".
En septiembre de 2024, Levin lanzó el álbum solista “Bringing It Down to the Bass”, con la participación de muchos de sus excompañeros y colaboradores.
Nota de Presidemente: Aquí os dejo la crítica de “Bringing It Down to the Bass” escrita por César Inca Mendoza para rock-progresivo.com.
Hoy echamos un breve vistazo al pasado reciente y nos topamos con el más reciente disco solista del maestro Tony Levin, “Bringing It Down to the Bass”, publicado a mediados de setiembre del pasado año 2024.
Se trata de su primer trabajo de estudio como solista desde “Stick Man” (2007), aquel disco que originó el ensamble Stick Men.
El sello Flatiron Recordings se encargó de publicar este importante ítem tanto en CD como en vinilo doble de color marrón translúcido con manchas de tinte humo oscuro.
Hay una importante miríada de colegas del maestro Levin que colaboran a lo largo del repertorio de “Bringing It Down To The Bass”. Ellos son Manu Katché (batería), Dominic Miller (guitarra), Pete Levin (teclados), Chris Pasin (trompeta), Alex Foster (saxo alto), Jay Collins (saxo barítono), Jerry Marotta (batería y percusión), Steve Hunter (guitarra), Larry Fast (teclados), Jeremy Stacey (batería), Markus Reuter (Touch Guitar), Vinnie Colaiuta (batería), Earl Slick (guitarra), Mike Portnoy (batería), Gary Husband (teclados), Joe Caro (guitarra), Steve Gadd (batería), Josh Shpak (trompeta), Chris Pasin (trompeta), Don Mikkelsen (trombón), L. Shankar (violín), Colin Gatwood (oboe y corno inglés), Pat Mastelotto (batería), Robert Fripp (soundscapes de guitarra), David Torn (guitarra) y Linnea Olsson (cello).
Mientras tanto, el buen Tony se multiplica en varios bajos eléctricos con y sin trastes, el contrabajo y el cello eléctricos, y cómo no, el Chapman Stick, además de algo de canto y, en la última canción, piano.
También son varios los estudios donde tuvieron lugar los registros del material aquí incluido: Jersville Studio, Bert Jansch Studio (Somerset), Dreamland Recording Studios, NRS Recording Studio y Planet Studios (Montreal). El ulterior proceso de masterización tuvo lugar en el estudio Waygate Mastering.
Salvo un puñado de temas contenidos en “Bringing It Down To The Bass” que fueron compuestos por Levin a solas, todos los demás fueron coescritos junto a sus compañeros de turno.
La pieza homónima ocupa los primeros 5 ½ minutos del repertorio con fluida extroversión. En efecto, “Bringing It Down To The Bass” se revuelve en su propia jovialidad contenida sobre un medio tiempo mientras la saltarina vitalidad de las líneas de bajo y los ricos cromatismos de los saxofones alimentan y capitalizan el motif central.
Ya más adelante, el groove se agiliza más explícitamente, siendo así que la coda le da un simpático giro al asunto mientras llega el fade-out.
He aquí una cruza perfecta entre los Weather Report de fines de los 70 y el Chick Corea eléctrico de los 80 con añadidos matices de aquel proyecto conjunto con Bill Bruford Upper Extremities.
Un inicio de álbum bastante llamativo, cómo negarlo.
“Me And My Axe” sigue a continuación para cambiar de senda expresiva y ponerse a explorar un talante más reflexivo, explayándose en un lirismo sereno y bastante transparente.
El comedido peso rockero que aporta la guitarra al bloque sonoro da más contundencia a la magia evocadora de la composición.
“Road Dogs” supone un viraje hacia una espiritualidad festiva que coquetea abiertamente con el hard rock clásico mientras preserva algunas estilizaciones sónicas propias del discurso jazz-progresivo.
La batería alterna fluidamente entre pasajes machacones y otros más patentemente sincopados mientras los teclados aportan una sobria majestuosidad al desarrollo temático.
Las parcas palabras graves que emergen en los últimos minutos añaden humor al ambiente general.
Efectiva combinación de gancho y clase en esta pieza así como en la siguiente, “Uncle Funkster”, la cual incrementa las dosis de vivacidad y fulgor donde parecen estar bien asentados Levin y sus compañeros de turno.
La ingeniería sónica de esta pieza es más contundente a pesar de no tener una instrumentación tan nutrida: sólo batería y Stick.
La estructura musical de “Boston Rocks” es bipolar: su prólogo se apoya en un lirismo reposado, siendo así que al poco rato se produce una reiteración de la musculatura celebratoria que ya definió al tema precedente, esta vez se hace con una instrumentación más llena y con algunas vocalizaciones entusiastas.
El cariz progresivo se refuerza cuando se da una alternancia entre un swing contenido (incluyendo un soliloquio y un breve canto) y el regreso a la electrizante vivacidad del cuerpo anterior.
“Espressoville” recapitula el camino musical de la pieza homónima en cuanto a su groove central, pero también se distingue por tener una sofisticación especial en algunos arreglos que encauzan a los vértices expresivos de la musicalidad creada para la ocasión.
A través de la conexión entre los arreglos de metales y los ocasionales solos de guitarra se revela una arquitectura tremendamente sólida mientras la dupla rítmica sustenta el evento sónico con prestancia y precisión.
“Give The Cello Some”, tal como lo indica el propio título, usa el pretexto del prólogo para lucir el cello eléctrico en un efímero arreglo barroco antes de que el ensamble rockero entre a tallar con un travieso empuje.
Mientras tanto, los parlamentos de Levin mencionan lo productivo que podría resultar tocar el cello de vez en cuando. Pero no por ahora, que Marotta y Tony Levin están codirigiendo el jam central.
Todavía puede el cello lucir unas pequeñas líneas antes del golpe final. ¿No será ésta la versión humorística de "Esperando a Godot" para cello?
Como sea, se trató de algo ingeniosamente ameno y ahora es el turno de “Side B / Turn It Over”. Todo se centra en un gentil ejercicio coral al estilo de cuarteto de barbería (barbershop quartet) que en algún momento es suavemente interrumpido por una flotante figura de bajo.
“Beyond the Bass Clef” recoge este recurso de serenidad y lo eleva a un plano cósmico arropado por tenues vibraciones flotantes donde las capas de teclado, las líneas de violín y las maderas aportan sus propios retazos a este envolvente cuadro impresionista.
Una composición exquisitamente hermosa que exuda un cristalino refinamiento por todos sus poros; la intensidad efímeramente elevada para los segundos finales refleja una tensión liberadora.
“Bungie Bass” nos lleva, una vez más, por el camino de la extroversión estilizada, y lo hace con la estrategia del avant-jazz-prog de matices Crimsonianos, sin ocultar sus nexos al paradigma de los Stick Men. El swing de Mastelotto es inconfundible y los matices inquietantes de Torn también.
“Fire Cross the Sky” es una crepuscular y relajada balada dedicada a John Lennon, a quien conoció cuando fue convocado para las sesiones de ese emblemático álbum “Double Fantasy”.
Ya las primeras líneas son poéticamente evocadoras: “I am sitting in a Westside café that’s seen it all. / I look up and see his picture is like a shrine / Clustered on the dark brick wall. / His glasses so cloudy, / The eyes are so clear, / Maybe that’s what you need / To believe that peace could be near”.
Su espiritualidad minimalista sustenta cabalmente el talante reflexivo de esta bonita canción.
“Floating In Dark Waters” mantiene las cosas dentro del paisaje intimista, esta vez a un nivel de ambiente progresivo con ornamentos telúricos brindados por la juiciosa labor de las percusiones.
“On The Drums” es un gracioso malabar multi-vocal que menciona a varios bateristas con cordial jovialidad, algo muy diferente a la continua solemnidad que ha marcado a las tres piezas anteriores bajo diversas modalidades.
La coda del álbum se titula precisamente “Coda”: básicamente, se trata de un estándar de jazz con un manejo de cámara. Su inmensamente reposada disposición tiene mucho de conmovedora.
Toda esta fue la oferta de “Bringing It Down To The Bass”, enésima muestra del genio de Tony Levin para crear música, ejecutar sus instrumentos de especialización y conectarse con los colegas adecuados para cada idea particular que surge de su mente compositora.
Sería tedioso e inanemente repetitivo hacer un elogio de una leyenda viviente tan consistente e infatigable como es el buen Tony, pero no está de más recomendar a “Bringing It Down To The Bass” en cualquier buena fonoteca de rock ecléctico y jazz-rock.
Nota de Presidemente: Tony Levin lleva compartiendo en su página web, tonylevin.com, sus experiencias de gira desde 1996.
Esta nueva versión del sitio ya cuenta con muchísimos diarios de viaje, pero se puede encontrar el material antiguo en la sección de Archivos.
Tienen más de 400 páginas de tours archivadas en el sitio (con aproximadamente 6.800 fotos) y han tenido casi 5 millones de visitas.
Discografía
Con Chuck Mangione Quartet
1972 - Alive!
Con Herbie Mann
1974 - First Light as The Family of Mann
1976 - Surprises
1976 - Gagaku & Beyond
1977 - Brazil: Once Again
Con Peter Gabriel
1977 - Peter Gabriel (Car)
1978 - Peter Gabriel (Scratch)
1980 - Peter Gabriel (Melt)
1982 - Peter Gabriel (Security)
1983 - Plays Live
1985 - Birdy
1986 - So
1992 - Us
1994 - Secret World Live
2000 - OVO
2002 - Up Back to Front: Live in London
2003 - Growing Up Live
2005 - Still Growing Up: Live & Unwrapped
2014 - Back to Front: Live in London
2023 - i/o
Con King Crimson
1981 - Discipline
1982 - Beat
1982 - The Noise: Frejus (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1984 - Three of a Perfect Pair
1984 - Three of a Perfect Pair: Live in Japan (VHS) / Neal and Jack and Me (DVD)
1994 - Vrooom
1995 - THRAK
1995 - B'Boom: Live in Argentina
1996 - Thrakattak
1996 - The Collectable King Crimson Volume Five (Live in Japan 1995 – The Official Edition)
1998 - Absent Lovers: Live in Montreal
1999 - Live in Mexico City
1999 - The ProjeKcts
1999 - The Deception of the Thrush: A Beginners' Guide to ProjeKcts
2001 - Vrooom Vrooom
2012 - Live in Argentina, 1994 (DVD-A)
2014 - The Elements of King Crimson
2015 - Live at the Orpheum
2015 - Live EP 2014 (Vinyl Cyclops Picture Disc)
2016 - Live In Toronto
2016 - Radical Action to Unseat the Hold of Monkey Mind
2017 - Heroes – Live In Europe (2016)
2017 - Live In Chicago (2017 – Chicago Theater)
2018 - Live in Vienna (2016 – Museumsquartier)
2018 - Meltdown: Live in Mexico City (2017 – Teatro Metropólitan)
2024 - Sheltering Skies (Live in Fréjus, August 27th 1982)
Con Anderson Bruford Wakeman Howe
1989 - Anderson Bruford Wakeman Howe
2012 - Live at the NEC
Con Yes
1991 – Union
Con Gorn y Marotta
1997 - From the Caves of the Iron Mountain
Con Bozzio Levin Stevens
1997 - Black Light Syndrome
2000 - Situation Dangerous
Con ProjeKct One
1998 - Live at the Jazz Café
Con ProjeKct Four
1999 - West Coast Live
Con Liquid Tension Experiment
1998 - Liquid Tension Experiment
1999 - Liquid Tension Experiment 2
2009 - Liquid Tension Experiment Live 2008 – Limited Edition Boxset
2009 - Liquid Tension Experiment Live in NYC
2009 - Liquid Tension Experiment Live in LA
2021 - Liquid Tension Experiment 3
Con Liquid Trio Experiment
2007 - Spontaneous Combustion
Con Liquid Trio Experiment 2
2009 - When the Keyboard Breaks: Live in Chicago
Con Bruford Levin Upper Extremities
1998 - Bruford Levin Upper Extremities
2000 - B.L.U.E. Nights
Con Steven Wilson
2008 - Insurgentes (Kscope) on tracks 5 and 6
2011 - Grace for Drowning (Kscope)
Con Stick Men
2009 - Stick Men [A special edition]
2010 – Soup
2011 - Absalom(EP)
2011 - Live In Montevideo 2011
2011 - Live In Buenos Aires 2011
2012 - Open
2013 – Deep
2014 - Power Play
2014 - Unleashed: Live Improvs 2013
2014 - Supercollider: An Anthology 2010–2014
2015 - Midori: Live In Tokyo (Featuring David Cross)
2016 - Prog Noir
2017 - Roppongi – Live In Tokyo 2017 (Featuring Mel Collins)
2017 – KONNEKTED
Con Jakszyk, Fripp and Collins (with Levin and Harrison)
2011 - A King Crimson ProjeKct A Scarcity of Miracles
Con David Torn y Alan White
2011 - Levin Torn White
Con Marco Minnemann y Jordan Rudess
2013 - Levin Minnemann Rudess
Con Anthony Curtis
2015 - Book of the Key
Con Keaggy y Marotta
2019 - The Bucket List
En solitario
1995 - World Diary
2000 - Waters of Eden
2002 - Pieces of the Sun
2002 - Double Espresso
2006 - Resonator
2007 - Stick Man
2019 - The Bucket List
2024 - Bringing It Down to the Bass
Como músico de sesión (lista parcial)
Jaune (1970) – Jean-Pierre Ferland
Carly Simon (1971) – Carly Simon
Don McLean (1972) – Don McLean
Berlin (1973) – Lou Reed
Over the Rainbow (1973) – Livingston Taylor
The Roar of '74 (1973) – Buddy Rich
Playin' Favorites (1973) – Don McLean
Simba (Groove Merchant, 1974) – O'Donel Levy
Still Crazy After All These Years (1975) – Paul Simon
Welcome To My Nightmare (1975) – Alice Cooper
Judith (1975) – Judy Collins
Second Childhood (1976) – Phoebe Snow
Goes to Hell (1976) – Alice Cooper
Main Squeeze (1976) – Chuck Mangione
Lace and Whiskey (1977) – Alice Cooper
Never Letting Go (1977) – Phoebe Snow
Singin'... (1977) – Melissa Manchester
Ringo the 4th (1977) – Ringo Starr
Watermark (1977) – Art Garfunkel
Nested (1978) – Laura Nyro
Boys in the Trees (1978) – Carly Simon
The Roches (1979) – The Roches
Spy (1979) – Carly Simon
Double Fantasy (1980) – John Lennon, Yoko Ono
Me Myself I (1980) – Joan Armatrading
Come Upstairs (1980) – Carly Simon
Walk Under Ladders (1981) – Joan Armatrading
Scissors Cut (1981) – Art Garfunkel
Season of Glass (1981) – Yoko Ono
It's Alright (I See Rainbows) (1982) – Yoko Ono
Keep On Doing (1982) – The Roches
Times of Our Lives (1982) – Judy Collins
Scenario (1983) - Al Di Meola also with Phil Collins, Jan Hammer and Bill Bruford
The Key (1983) – Joan Armatrading
Hello Big Man (1983) – Carly Simon
Shine (1984) – Frida
Milk and Honey (1984) – John Lennon, Yoko Ono
Boys and Girls (1985) – Bryan Ferry
Starpeace (1985) – Yoko Ono
Strange Animal (1985) – Lawrence Gowan
That's Why I'm Here (1985) – James Taylor
Downtown (1985) – Marshall Crenshaw
Rain Dogs (1985) – Tom Waits
Cloud About Mercury (ECM, 1986) – David Torn
The Big Picture (1986) – Michael W. Smith
Premonition (1986) – Peter Frampton
Park Hotel (1986) – Alice
A Momentary Lapse of Reason (1987) – Pink Floyd
Robbie Robertson (1987) – Robbie Robertson
Great Dirty World (1987) – Lawrence Gowan
Coming Around Again (1987) – Carly Simon
Cher (1987) – Cher
Sentimental Hygiene (1987) – Warren Zevon
Safety in Numbers (1987) – David Van Tieghem
Julia Fordham (1988) – Julia Fordham
Tommy Page (1988) – Tommy Page
Hide Your Heart (1988) – Bonnie Tyler
Amnesia (1988) – Richard Thompson
The Other Side of the Mirror (1989) – Stevie Nicks
Maria McKee (1989) – Maria McKee
Tim Finn (1989) – Tim Finn
Lost Brotherhood (1990) – Lawrence Gowan
World Gone Strange (1991) – Andy Summers
Stranger in This Town (1991) – Richie Sambora
Discipline (1991) – Desmond Child
New Moon Shine (1991) – James Taylor
Matters of the Heart (1992) – Tracy Chapman
Arkansas Traveler (1992) – Michelle Shocked
Flyer (1994) – Nanci Griffith
Swamp Ophelia (1994) – Indigo Girls
What's Inside (1995) – Joan Armatrading
This Fire (1996) – Paula Cole
Gravity (1996) – Jesse Cook
The Cappuccino Songs (1998) – Tanita Tikaram
By 7:30 (1999) – Vonda Shepard
Amen (1999) – Paula Cole
Snowfall on the Sahara (1999) – Natalie Cole
Aura (2001) – Asia
My Ride's Here (2002) – Warren Zevon
Heathen (2002) – David Bowie
Afterglow (2003) – Sarah McLachlan
Courage (2007) – Paula Cole
Ithaca (2010) – Paula Cole
The Next Day (2013) – David Bowie
The Desired Effect (2015) – Brandon Flowers
Troika (2022) - D'Virgilio, Morse, & Jennings
Fuentes: rollingstone.com, rock-progresivo.com, tonylevin.com, dgmlive.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
-
Presidemente
- Moderador
- Mensajes: 1046
- Registrado: Lun Nov 13, 2006 1:38 pm
- Ubicación: Móstoles
Re: LOS 50 MEJORES BAJISTAS DE LA HISTORIA
En el puesto número 41
George Porter Jr.
George Porter Jr. es un músico estadounidense, conocido por ser el bajista y cantante de The Meters.
Junto con Art Neville, Porter formó el grupo a mediados de la década de 1960 y llegó a ser reconocido como uno de los precursores del funk.
Nada personifica mejor el groove que la interacción rítmica entre George Porter Jr. y el baterista Zigaboo Modeliste en The Meters, una relación que requería una precisión extrema para evocar el ambiente festivo y relajado de su Nueva Orleans natal.
Esos huecos, las notas largas y los huecos profundos, proporcionaron el soporte para que Leo Nocentelli o Art Neville tocaran o cantaran encima, creando algunos de los ritmos más memorables de la historia del R&B.
Gracias a su larga trayectoria en uno de los grupos más funk de la música popular, Porter mantuvo la base rítmica en clásicos como “Cissy Strut”, “Funky Miracle”, “Just Kissed My Baby” y “Hand Clapping Song”, aportando riffs redondos y fluidos que se pavoneaban como un desfile de la Second Line y hacían vibrar los altavoces con su contundencia.
Hay que escuchar cómo teje su propio camino sincopado en los espacios más reducidos de “Pungee”, del casi perfecto segundo álbum de la banda, “Look-A Py Py”.
El trabajo de Porter con The Meters se convirtió en un pilar fundamental del hip-hop, con numerosos artistas, incluyendo a Tribe Called Quest, Cypress Hill, NWA y Public Enemy, sampleando las canciones del grupo.
Porter también es el líder de su propio y singular proyecto a largo plazo, Runnin' Pardners, muy respetado no solo como una banda emblemática de Nueva Orleans, sino también por sus giras, que siguen recibiendo elogios en la escena de las bandas de jam y los festivales.
Ha reunido a músicos experimentados y talentosos para que se unan a él en este proyecto. George Porter Jr. planea mantener una sonrisa en su rostro. "Siento que estoy trabajando por algo que será recordado".
También tiene otros proyectos, como The Trio with Johnny Vidacovich, New Orleans Social Club, Deep Fried y Porter Batiste Stoltz.
Además, aparece en numerosas grabaciones populares de otros artistas como Soul Rebels Brass Band, Dr. John, Paul McCartney, Robbie Robertson, Willy DeVille, Robert Palmer, Patti LaBelle, Jimmy Buffett, David Byrne, Johnny Adams, Harry Connick Jr., Earl King, Warren Haynes, Tori Amos, Snooks Eaglin y Dead & Company entre muchos otros, gracias a ser uno de los músicos de estudio predilectos del productor Allen Toussaint.
George Porter Jr. está considerado por los medios especializados como uno de los bajistas más importantes en la historia del funk, un estilo en el que ha colaborado en trazar las líneas fundamentales.
Porter atribuyó su estilo único a una formación musical diversa. "Verás, como había estudiado guitarra clásica, conocía la fórmula del bajo, aunque las canciones que tocaba en clase eran de country", comentó recientemente. "Pero al mismo tiempo aprendía a tocar líneas de bajo y acordes. Así que, cuando llegó el momento, fue algo natural que surgió de la guitarra".
Con un poderoso sentido del groove, Porter posee asimismo una gran facilidad melódica, además de ser un competente vocalista.
Porter ha demostrado ser capaz de fusionar rock, funk y R&B, y se ha ganado el reconocimiento como uno de los bajistas de élite de la industria. Sigue siendo no solo un artista muy solicitado, sino también un músico de estudio y productor consumado.
George Porter Jr. nacio el 26 de diciembre de 1947 en New Orleans, Luisiana, EE. UU.
Los padres de Porter eran ávidos amantes de la música. Su padre escuchaba con frecuencia a Duke Ellington y su madre cantaba en el coro de la iglesia local.
Creció en Nueva Orleans junto a su futuro compañero de banda en The Meters, Joe "Zigaboo" Modeliste, y se hicieron amigos cuando George tenía 10 años.
De adolescentes, tocaron juntos en sesiones de improvisación, con Porter tocando una guitarra acústica.
Porter se inspiró en otro nativo de Nueva Orleans, Benjamin "Poppi" Francis, quien también le dio algunas clases de bajo.
Cuando Porter era aún adolescente, tocó con Earl King. Después de uno de los conciertos, Art Neville se le acercó y le dijo que estaba intentando formar una banda y le preguntó si quería unirse. Porter aceptó, dando origen a The Meters.
Inicialmente, la banda se conocía como Neville Sound y estaba formada por siete hombres, entre ellos Cyril y Aaron Neville como vocalistas y Gary Brown al saxofón.
Sin embargo, poco después, la banda se redujo a cuatro miembros principales: el tecladista y vocalista Art Neville, el guitarrista Leo Nocentelli, el bajista George Porter Jr. y el baterista Joseph "Zigaboo" Modeliste.
Los cuatro tocaban seis noches a la semana en un bar de la calle Bourbon llamado Ivanhoe cuando Allen Toussaint se puso en contacto con ellos y les preguntó si querían firmar un contrato discográfico.
Tras el acuerdo, el sello quería que la banda cambiara su nombre por uno que reflejara mejor su sonido. Se decidieron por The Meters.
Posteriormente se les unió el percusionista y vocalista Cyril Neville. The Meters se convirtieron en la banda de Allen Toussaint y su sello discográfico, Sansu Enterprises.
Conocidos como uno de los progenitores del funk junto a Sly & The Family Stone y Parliament Funkadelic, The Meters se forjaron un lugar en la historia con poli ritmos sincopados y grooves heredados de las profundas raíces musicales africanas de Nueva Orleans.
“The Meters”, su álbum homónimo, fue lanzado en mayo de 1969, y fue el primero de ocho álbumes de la banda.
Sus primeras obras se desarrollaron a través de la improvisación. Los miembros de la banda habían pasado la mayor parte de la década de 1960 tocando juntos en clubes nocturnos de Nueva Orleans. Tenían un estilo musical fluido que incluía elementos de R&B, rock y jazz.
El primer tema, "Cissy Strut", fue el tema de apertura de la banda durante su residencia en el club nocturno Ivanhoe a finales de los 60. La melodía original fue introducida por Leo Nocentelli.
La canción se grabó en los estudios Cosimo. Se lanzó inicialmente como sencillo y vendió 200.000 copias en dos semanas. Su éxito comercial impulsó su posterior carrera discográfica.
Lanzada como sencillo del álbum, alcanzó el puesto número 4 en la lista de R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100.
La canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2011, que reconoce “grabaciones de importancia cualitativa o histórica perdurable con al menos 25 años de antigüedad”.
El AV Club la calificó como un “clásico” profundamente arraigado en la tradición musical de Nueva Orleans.
En 2021, la revista Rolling Stone colocó a “Cissy Strut” en el puesto 158 de su lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos”, una de las pocas canciones instrumentales que figuran en la lista.
La variedad de instrumentos en la portada del álbum simboliza la diversidad de composiciones y ritmos.
La contraportada muestra a los miembros de la banda en los inicios de su carrera. Muchas de las primeras pistas instrumentales de la banda recibieron nombre solo después de su grabación.
La octava pista del álbum lleva el nombre de la válvula de vacío 6V6, comúnmente utilizada en amplificadores de guitarra.
Una reseña de AllMusic destacó la simplicidad y los matices de la música y la calificó de "impresionante".
Tamara Davidson, de Revive Music, tuvo una reseña positiva y escribió: "El álbum está lleno de ritmos contagiosos, líneas de bajo potentes y ritmos de batería revolucionarios".
Según Brian Knight, de The Vermont Review, el álbum "marcó el ritmo tanto de The Meters como de todo el sonido funk de Nueva Orleans".
Jeff Chang describió a la banda en relación con el contexto cultural de los años 60, sus influencias y su influencia en la música. Escribió: “Modeliste describió una vez las canciones como 'fragmentos de sonido', como 'entradas de diferentes ritmos y diferentes ideas sobre el ritmo'. De hecho, podrían llenar una enciclopedia de bandas de improvisación, con cientos de pequeñas ideas que podrían extenderse como bandas elásticas de veinte minutos”.
“Look-Ka Py Py” es el título de su segundo álbum de estudio; un álbum instrumental que ocupó el puesto 218 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone en 2003, el 220 en la lista revisada de 2012 y el 415 en la lista revisada de 2020.
Cub Koda, de AllMusic, comentó sobre el álbum y la banda: “El segundo álbum de The Meters continúa el sonido que los convirtió en leyendas de Nueva Orleans”.
Ted Drozdowski, de Rolling Stone, describió el sonido del álbum como “claro, pausado y seguro”. Caracterizó el sonido de la guitarra como “breve y preciso”, el del órgano como “libre de ritmo”, el del bajo como “grooves gruesos y en zigzag” y el de la batería como “seco y directo”.
Al clasificar el álbum para su lista de los mejores de todos los tiempos, la revista destacó los riffs de bajo y la batería sin ritmo.
La canción principal del álbum, "Look-Ka Py Py", alcanzó el puesto número 11 en la lista de sencillos de R&B de EE. UU. y el álbum alcanzó el puesto número 23 en la lista de álbumes de R&B de EE. UU.
En su libro de 2008, Tom Moon escribió: "La característica clave es la moderación. Nadie se esfuerza demasiado en los discos de Meters. El ritmo se construye sobre un eje flexible-conciso, con algunos elementos (generalmente la batería enérgica de Zigaboo Modeliste) empujando hacia adelante y otras fuerzas (las líneas de guitarra cuidadosamente articuladas de Leo Nocentelli o los golpes sobrantes del órgano B3 de Art Neville ) tirando hacia atrás".
“Struttin” es el tercer álbum de estudio y el primero de la banda con actuaciones vocales.
El álbum se grabó en el estudio de Cosimo Matassa y fue lanzado en 1970 por Josie Records. Es el primer álbum de la banda que incluye la voz completa de Art Neville en tres temas: "Wichita Lineman", "Darling, Darling, Darling" y "Ride Your Pony".
Stephen Erlewine observó una continuidad en el sonido de la banda en comparación con álbumes anteriores y lo describió como "funk orgánico y terroso". Observó una divergencia estilística en los temas "Joog", "Hand Clapping Song" y las pistas vocales. Calificó la música como agradable, pero notó una falta de coherencia en la colección de canciones.
Robert Christgau tenía una opinión favorable y escribió sobre el estilo de la banda: "El swing de los New Orleans MG , pero no con la suavidad de una big band; su cadencia caribeña es pura segunda línea, tan elíptica como la marcha de un santo".
El primer sencillo fue la canción "Chicken Strut". Alcanzó el puesto número 11 en la lista estadounidense de sencillos de R&B y el álbum el número 32 en la de álbumes de R&B .
“Cabbage Alley” es su cuarto álbum de estudio, y fue producido por Allen Toussaint y Marshall Sehorn y lanzado en mayo de 1972 por Reprise Records. Fue el primer álbum de la banda para el sello, tras la desaparición de Josie Records un año antes.
El fichaje proporcionó al grupo un mayor presupuesto de grabación y reincorporó al organista y teclista Art Neville a la formación, tras una breve ausencia de la banda tiempo antes.
En 1971, el sello discográfico de los Meters, Josie Records, quebró, dejando al grupo con importantes regalías pendientes de pago.
Según Porter Jr., Sehorn, quien era el mánager del grupo, negoció un acuerdo para que los Meters firmaran con un sello más grande, Reprise Records, una subsidiaria de Warner Bros. Records. El acuerdo requería el regreso de Neville al grupo.
Porter Jr. reflexionó más tarde: “Para la banda, fue una buena decisión [que Neville volviera]. Nos estamos preparando para ir a un sello mejor, conseguir un mejor presupuesto para grabaciones y demás”.
El cambio de Josie a Reprise no comprometió la relación de los Meters con Sansu, ya que mantuvieron a Toussaint como productor y a Sehon como mánager.
A diferencia de sus álbumes anteriores, la banda lo grabó en sus propias sesiones, "en lugar de al final de las de alguien más", como lo describe Cliff White de Blues & Soul.
Según el escritor de Let It Rock, Pete Wingfield, Toussaint se acercó a Cabbage Alley como un proyecto complementario a su propio álbum “Life, Love and Faith” (1972), y señaló además que el músico esperaba que el lanzamiento de ambos discos a través de los sellos Warner reviviera el interés en la música soul en Nueva Orleans y atrajera a una audiencia blanca a los músicos de la ciudad, así como "devolver a poner un sonido NO identificable en las listas de éxitos".
Sin embargo, en una entrevista de NME de 1974 con Roger St. Pierre, Neville dijo que si bien a Toussaint y Sehorn se les atribuye la producción de sus álbumes, el trabajo de producción fue realizado por los propios Meters, y agregó: "Toussaint y Sehorn ni siquiera vienen al estudio mientras estamos grabando, pero sí se involucran en la mezcla final, etc.".
The Meters utilizaron el álbum para explorar diversos estilos musicales, como el reggae, el rock y el boogaloo, conservando el característico estilo funk sincopado, basado en la segunda línea.
La música es más suave y con más ritmo que en los discos anteriores del grupo, y también aumenta el uso de cánticos y voces, especialmente de Neville, lo que marca un cambio radical respecto a los inicios instrumentales del grupo.
Tras su lanzamiento, “Cabbage Alley” recibió una gran aclamación de la crítica musical, algunos de los cuales lo consideraron el mejor álbum del grupo hasta la fecha.
A pesar de las críticas y de su sonido más fluido, fue una decepción comercial, atribuida en parte a la mala publicidad de Reprise.
El álbum ha sido reeditado varias veces, incluyendo por Sundazed Music en el año 2000.
Aunque tiene sus raíces en el funk orientado al baile con síncopa de segunda línea, “Cabbage Alley” también ve al grupo explorar una gama más amplia de estilos musicales que en álbumes anteriores.
Bob Palmer escribió que el álbum presenta varias pistas prominentemente de estilo reggae, además de "generosas porciones de la segunda línea más de moda y su hijo bastardo, el boogaloo ", mientras que el escritor musical John Laycock dijo que si bien los Meters son conocidos por el rhythm and blues, la música del disco se parece más al reggae de Desmond Dekker que a "los incondicionales de Nueva Orleans como Fats Domino o Dr. John".
El álbum también es más elegante, más atrevido y más funky que las grabaciones anteriores del grupo, y continúa alejándolos de sus comienzos totalmente instrumentales al aumentar el uso de la voz de Neville, con un total mayor de pistas con voces que instrumentales.
La banda también experimentó con varios efectos de estudio populares en ese momento, como phasing, echo y delay.
El cambio de dirección es inmediatamente evidente con el riff de guitarra distorsionado que inicia la canción de apertura "You've Got to Change (You've Got to Reform)", una pista de baile con una larga sección de improvisación.
"Stay Away" es una incursión en el rock progresivo, y se extiende por una experimentación electrónica inusual, y retardo de cinta.
Una versión de una canción de Neil Young, "Birds" es un ejercicio de soul suave, mientras que "The Flower Song" y "Smilin'" son instrumentales que se han comparado con la música de Booker T. & the MGs.
"Soul Island" se inspiró en el viaje de la banda a Trinidad, donde actuaron con Mighty Sparrow, y fue considerada por Palmer como la canción más reggae del grupo hasta ese momento, citando los "unísonos de bajo y guitarra trozo a trozo y el solo de órgano básico" para evocar melódica y texturalmente "la música de las islas".
Idris Walter de Sounds la consideró una canción de "reggae de Nueva Orleans" con similitudes con el éxito de Unit 4 + 2 "Concrete and Clay" (1965).
"Do the Dirt" tiene una estética e instrumentación similar a "Soul Island" pero se desliza hacia un "ritmo norteamericano" durante los puentes.
Escrita por Nocentelli, "Lonesome and Unwanted", orientada al rock, es cantada por Neville y construida alrededor de un gancho asistido por cánticos.
La canción principal del álbum, "Cabbage Alley", se inspiró en parte en "Hey Now Baby" de Professor Longhair, que se grabó alrededor de 1950 pero no se lanzó hasta principios de 1972.
La canción se caracteriza por el piano rodante de Neville y, según Joe McEwen de The Real Paper, "una pista rítmica tartamudeante dos años adelantada a su tiempo".
El escritor de Louder Than War, Craig Chaligne, escribió que la canción mostraba la creciente confianza del grupo en los arreglos vocales.
Neville sintió que los oyentes de fuera de Nueva Orleans no "entenderían" la canción, señalando que "tiene la herencia de Dixieland, el sentimiento de la segunda línea, incluso más que cualquier otra cosa que hayamos escrito. Si naciste aquí, simplemente lo tendrás, eso es todo".
El disco recibió su nombre de una pequeña calle de Nueva Orleans que había sido demolida recientemente para dar paso a un estadio de fútbol.
Descrito por Timothy Crouse como "la versión de Bourbon Street para negros pobres", el sitio era un centro para la música funk de segunda línea de la ciudad.
Según Lionel Batiste Sr. de Treme Brass Band: "Cabbage Alley estaba cerca de Perdido Street. Tenían muchos músicos allí, era casi como un distrito [de luz roja], mujeres rápidas. Cerca del campo de batalla".
Diseñada por John Echevarrieta, la portada del álbum se basa en una variación de la pintura de René Magritte de 1952 , "La sala de escucha", que a su vez fue reproducida en la portada de "Beck-Ola" (1969) del Jeff Beck Group.
Según los autores Angie Errigo y Steve Leaning, "Ambas imágenes son surrealistas en la proximidad incongruente y claustrofóbica de dos realidades igualmente convincentes, pero texturalmente antitéticas".
El álbum recibió una amplia aclamación de los críticos musicales, y muchos lo describieron como el mejor álbum de la banda hasta el momento.
Escribiendo favorablemente en Rolling Stone, Bob Palmer elogió la batería de Modeliste por impartir "más variedad rítmica a cada compás que cualquier grupo de soul estadounidense ha empleado hasta ahora", y al resto del grupo por "a menudo [duplicar] la percusión auxiliar, lo que resulta en una complejidad percusiva que es a la vez una dirección nueva y natural".
Agregó que incluso las canciones más débiles del álbum contienen algo de "la vitalidad rítmica y la conciencia de raíces emergente que parece el nuevo desarrollo más importante en la música popular negra de los años setenta".
El escritor de Windsor Star, John Laycock, describió el álbum como "bastante agradable e interesante a la manera de un erudito discográfico" y destacó su similitud con el reggae.
Juan Rodríguez, de The Montreal Star, lo calificó como "un buen disco para bailar, si lo pones a todo volumen y, como dice James Brown , te concentras". Escribieron que el sonido es denso y funky, y que se puede perdonar al grupo por "exagerar a veces", a la vez que elogiaron la combinación de la banda y la producción de Toussaint, lo que resultó en un disco único.
A pesar de las buenas críticas del álbum, un sonido más fluido, y el traslado a una importante discográfica, “Cabbage Alley” y sus dos sencillos fueron decepciones comerciales.
El álbum alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard Top Soul LPs, pero a diferencia de los dos primeros discos del grupo, no llegó a las listas Billboard Top LPs y Tape.
Arthur Neville declaró en una entrevista para Blues & Soul que creía que el álbum debería haber tenido una mayor difusión, "porque todos coinciden en que el material es el más potente que hemos hecho jamás".
Aunque el grupo atribuyó las bajas ventas a la falta de promoción, St. Pierre creía que también se debían a que el álbum "estaba un tanto desprovisto de contenido melódico memorable, basándose simplemente en riffs básicos", creyendo que se trataba de un cambio de estilo que "sucedió demasiado rápido para sus fans".
White creía que las bajas ventas sugerían que "el resto de Estados Unidos (y naturalmente Europa) había perdido hacía tiempo su apetito por la música de Nueva Orleans", señalando que incluso los músicos de la ciudad se habían volcado a explorar sonidos más amplios, mientras que James Lien de CMJ New Music Monthly creía que el público en general "no hizo clic" con “Cabbage Alley” o el álbum posterior de los Meters, “Fire on the Bayou” (1975), porque "estaban salpicados de tantas referencias oscuras a la cultura local de Nueva Orleans que la gente que no sabía nada del Mardi Gras o de los frijoles rojos con arroz simplemente no podía entenderlo".
Chaligne escribió que el fracaso se atribuyó en parte a la "incapacidad de Reprise para comercializar una banda que tenía pocas similitudes con el resto de su elenco".
A pesar de la decepción, “Cabbage Alley” llevó a los Meters a trabajar en el popular "Right Place, Wrong Time" (1973) de Dr. John y a realizar una gira europea a mediados de 1973 con Dr. John y Professor Longhair.
“Cabbage Alley” fue reeditado en el Reino Unido en 1975 por Warner. El álbum y sus sucesores “Rejuvenation” (1974) y “Fire on the Bayou” (1975) fueron reeditados en 2000 por Sundazed Music, un sello especializado en reediciones de grabaciones clásicas de las décadas de 1960 y 1970, con notas de John Swenson.
El disco fue reeditado posteriormente por Reprise en 2001, Hi Horse Records en 2009, Music on Vinyl en 2013 y WEA Japan en 2014.
Algunas reediciones incluyen ambas partes de "Chug Chug Chug-a-Lug (Push and Shove)" como pistas adicionales.
Al reseñar la reedición de 1975, Peter Harvey de Record Mirror escribió que el álbum mostraba el sonido inicial del grupo, que era más terrenal y "más cercano a la calle" de lo que se habían vuelto, y destacó "Lonesome and Unwanted People" y otras cuatro pistas, concluyendo que el álbum es "fresco, suena espontáneo y está hecho naturalmente para bailar".
En The Real People, Joe McEwen llamó a “Cabbage Alley” un "álbum en gran parte (y desafortunadamente) ignorado", mientras que Billboard se refirió a él como un gran debut para Reprise que "vio a la banda diversificarse con más cantos y la vocalización conmovedora de Neville".
Dave Thompson señaló que si bien el grupo "[reenvolvió] su sonido característico en algunos de los juguetes favoritos del estudio moderno", la canción principal aseguró que el grupo no "se alejara demasiado de la base".
Josh Terry de Vinyl Me, Please comentó que, si bien las voces eran más prominentes, “los ritmos seguían ahí, anclados en el sabor caribeño de un viaje a Trinidad y Tobago”.
Menos impresionado, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió que “Cabbage Alley” era menos crudo que los trabajos anteriores de la banda, considerándolos "sacrificar la sensibilidad por la textura", y se quejó de que el grupo no tuviera canciones memorables que adaptar a su nuevo estilo.
Matizó esto diciendo que, si bien los Meters se habían "suavizado un poco más de lo necesario", seguía siendo placentero escuchar tocar a un "grupo notablemente simpático y flexible".
En "Christgau's Record Guide" (1981), el crítico Robert Christgau cuestionó si la variación estilística del álbum, o su ambigüedad, insinuaba una crisis de identidad para la banda.
En "The Encyclopedia of Popular Music" (1997), el escritor Colin Larkin señala que “Cabbage Alley” inició una serie de "álbumes aclamados por la crítica" para los Meters que "reforzaron sus ritmos distintivos y vigorosos".
Terry Perkins de St. Louis Post-Dispatch escribió que “Cabbage Alley” y sus dos siguientes álbumes "marcan claramente el punto culminante de la banda como unidad", y destacó además "Gettin' Funkier All the Time", mientras que Steve MacQueen de Tallahassee Democrat los recomendó junto con "Cissy Strut" (1969) por definir el "estilo funk despojado, entrecortado y sincopado de principios de los 70" del grupo.
En una entrevista de 2015, Adam Horovitz de los Beastie Boys llamó a “Cabbage Alley” el hallazgo "más loco" en su colección de discos.
Tras el cambio de sello discográfico, los Meters tuvieron dificultades para volver a las listas de éxitos, pero colaboraron con Dr. John, Paul McCartney, King Biscuit Boy, Labelle, Robert Palmer y otros.
“Rejuvenation” es su quinto álbum de estudio y fue lanzado en 1974.
En 2003, el álbum ocupó el puesto número 138 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone y el número 139 en una lista revisada de 2012.
Fue producido por Allen Toussaint y grabado en sus flamantes estudios Sea-Saint de Nueva Orleans. Algunas canciones del álbum incluyen arreglos de Toussaint para la sección de vientos.
La portada muestra una fotografía de una mujer sentada en un sofá junto a varios álbumes de discos esparcidos por su sala de estar, como “Life, Love and Faith” de Allen Toussaint de 1972 , así como el LP anterior de los Meters, “Cabbage Alley”.
Stephen Erlewine, de AllMusic, lo calificó como "un álbum de funk de primera clase" y destacó las influencias rockeras del álbum y su funk contundente.
Robert Christgau tuvo una opinión positiva y destacó los temas "It Ain't No Use" y "Just Kissed My Baby" como destacados.
Jon Pareles, de Rolling Stone, lo calificó como "un punto culminante del funk de los 70". Destacó la escasa distribución de la música y las influencias estilísticas de Mardi Gras, gospel, R&B y country.
Daryl Easlea, de BBC Music, calificó la música como una "fusión de funk y swamp rock " y afirmó que el álbum es "la personificación del funk con groove, gancho y directo". Destacó "Africa" y "It Ain't No Use" como destacados.
La influencia del álbum es detectable en el trabajo de varios artistas que han interpretado sus canciones.
Los Red Hot Chili Peppers hicieron una versión modificada de la canción "Africa" en su álbum “Freaky Styley”. A lo largo de su versión, la palabra "Africa" se cambia a "Hollywood" y "Mother Land" se cambia a "Brother Land".
La tercera canción, "Just Kissed My Baby", se usa en “Grand Theft Auto IV” en la estación de radio funk IF99 (International Funk).
La canción está sampleada en "Timebomb" de Public Enemy del álbum “Yo! Bum Rush the Show”.
Chris Duarte hizo una versión de "Just Kissed My Baby" en “Texas Sugar/Strat Magik”. También ha versionado "People Say" en vivo.
La Dirty Dozen Brass Band de Nueva Orleans versionó "África" en su álbum “Medicated Magic”.
Los Grateful Dead interpretaron "Hey Pocky A-Way" con frecuencia en sus conciertos a finales de los 80.
Widespread Panic versionó "It Ain't No Use" con frecuencia y ha tocado y sigue tocando "Just Kissed My Baby" en numerosas ocasiones.
George Porter, Jr. ha colaborado con Widespread Panic en varias ocasiones, la más reciente en sus conciertos anuales "Panic en la Playa Siete".
El concierto del 28/01/2018 en Riviera Maya, México, contó con George en bajo y voz interpretando "It Ain't No Use".
En 1975, Paul McCartney invitó a los Meters a tocar en la fiesta de lanzamiento de su álbum “Venus and Mars” a bordo del Queen Mary en Long Beach, California.
Mick Jagger, de los Rolling Stones, estuvo presente en el evento y quedó muy impresionado con los Meters y su sonido.
Los Rolling Stones invitaron a la banda a abrir sus conciertos en su “Tour of the Americas '75” y “Tour of Europe '76”.
Porter ha dicho que el mejor momento de su carrera musical fue cuando él y los demás Meters abrieron un concierto de los Stones en París en 1976.
El público comenzó a abuchearlos cuando Keith Richards y Mick Jagger salieron a apoyar a los Meters y les dijeron que se callaran y escucharan la música. Dijo que ese momento mantuvo a los Meters con vida por el momento.
Ese mismo año, los Meters grabaron uno de sus álbumes más exitosos, “Fire on the Bayou”.
Este fue el primer álbum de la banda con Cyril Neville como miembro. En aquel entonces, las actuaciones principales de la banda recibían buenas críticas.
Según una reseña en The Real Paper, “podían superar a prácticamente cualquier otra banda del país en cuanto salían del escenario”.
El álbum se lanzó en julio de 1975, en el momento en que la banda abría conciertos para los Rolling Stones en su gira estadounidense.
El álbum vendió 88.000 copias y no cumplió con las expectativas del sello discográfico. Según Rupert Surcouf, el road manager de la banda en aquel momento, el sello se dio cuenta de que “los Meters no encajaban en ningún molde convencional” y tuvo dificultades para promocionar su música.
Stephen Erlewine, de AllMusic, tuvo una opinión positiva y escribió: “Parece que nunca se hace una concesión al funk convencional” y calificó la música de “efervescente”.
Ed Ward, de Rolling Stone, tuvo una opinión negativa y calificó la música de “sin rumbo” en comparación con los primeros trabajos de la banda.
Robert Christgau tuvo una opinión mixta y le otorgó al álbum una calificación de B.
“Trick Bag” es su séptimo álbum de estudio; el nombre proviene de su versión del sencillo homónimo de Earl King.
En la primavera de 1976, la banda estuvo de gira como teloneros de los Rolling Stones en su Tour of Europe '76. Según "Up from the Cradle of Jazz" de Jason Berry, varios temas de este álbum son grabaciones preliminares y se seleccionaron para su lanzamiento en ausencia de los miembros de la banda.
Stephen Erlewine tuvo una opinión negativa y criticó el intento del álbum de sonar convencional. Señaló tres canciones como excepciones: "Mister Moon", "Doodle Loop" y "Honky Tonk Women".
Joe McEwen, de Rolling Stone, criticó la selección de canciones y el intento de complacer al mercado comercial. Dijo que dos canciones encajan con el estilo de la banda: "Doodle Loop" y "Chug-a-Lug", y tuvo una opinión positiva de la canción principal, "Trick Bag".
Robert Christgau también criticó la selección de canciones y tuvo una opinión positiva de la canción principal.
De 1976 a 1977, tocaron en The Wild Tchoupitoulas con George y Amos Landry y The Neville Brothers.
“New Directions” es el octavo y último álbum de estudio de la banda. Fue lanzado en 1977, producido por David Rubinson en California, y es el único álbum de la banda grabado fuera de Nueva Orleans. El álbum cuenta con la sección de vientos Tower of Power, con sede en Oakland.
John Swenson de Rolling Stone dijo que el álbum "intenta consolidar el estilo del grupo" y notó una confianza excesiva en los arreglos en lugar del instinto musical de la banda.
Stephen Erlewine de AllMusic calificó la música como cruda y un paso en la dirección correcta en comparación con el álbum anterior de la banda, “Trick Bag”.
Robert Christgau lo llamó "un muy buen disco de funk comercial".
Art y Cyril Neville dejaron la banda a principios de 1977, pero The Meters siguieron apareciendo en Saturday Night Live el 19 de marzo de 1977, durante la segunda temporada del programa.
Tras la salida de los Neville, David Batiste Sr. se unió a los teclados y Willie West se convirtió en el cantante principal de la banda.
Porter dejó el grupo más tarde ese mismo año y, para 1980, The Meters se disolvieron oficialmente.
Tras la separación, Neville continuó su carrera como parte de The Neville Brothers. Modeliste realizó giras con Keith Richards y Ron Wood, mientras que Nocentelli y Porter se convirtieron en músicos de sesión muy solicitados y formaron nuevas bandas.
Tras la separación, Porter Jr. formó una banda llamada Joyride.
Porter tocó con Joyride y con muchos otros músicos de Nueva Orleans en la década de 1980.
En 1989, Art Neville, George Porter Jr. y Leo Nocentelli se reunieron como The Meters, incorporando al baterista Russell Batiste Jr. en reemplazo de Zigaboo Modeliste.
Nocentelli dejó el grupo en 1994 y fue reemplazado por el guitarrista Brian Stoltz, exintegrante de The Neville Brothers.
La banda pasó a llamarse The Funky Meters. Ya en 1989 se les conocía como "los Funky Meters". Se anunciaban como tales cuando tocaban en un pequeño local llamado Benny's Bar, en las calles Valence y Camp de Nueva Orleans.
En 1990, Porter formó una banda llamada The Runnin' Pardners; una banda que todavía toca hoy.
También en la década de 1990, Porter se convirtió en un bajista muy codiciado en el estudio tocando con artistas como David Byrne y Tori Amos.
The Funky Meters continuaron tocando en la década del 2000. Stoltz fue reemplazado por el hijo de Art Neville, Ian Neville, de 2007 a 2011, mientras que Stoltz continuó su carrera en solitario aunque regresó a la banda definitivamente en 2011.
En 2000, una gran oferta animó a los cuatro Meters originales a reunirse para una actuación de una noche en el Teatro Warfield de San Francisco; para entonces, Modeliste quería que la reunión fuera permanente, pero los demás miembros y sus equipos de gestión se opusieron.
No fue hasta que Quint Davis, productor y director del Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans, los convenció de "dejar de lado sus diferencias y concretar los detalles" y actuar en el Festival en 2006.
Este fue el primer Festival de Jazz desde el huracán Katrina, por lo que el hecho de que los Meters se reunieran para ello significó mucho para la ciudad.
Porter aparece en escenas de su actuación en el documental de 2005 “Make It Funky!”, dirigido, escrito y coproducido por Michael Murphy.
Subtitulado en la versión original como "Todo empezó en Nueva Orleans", el filme presenta la historia de la música de Nueva Orleans y su influencia en el rhythm and blues, el rock and roll, el funk y el jazz.
El estreno en cines estaba previsto para septiembre de 2005, pero la distribuidora Sony Pictures Releasing lo retiró para que no pareciera que estaban aprovechando comercialmente la devastación causada por el huracán Katrina.
Con un concierto del 27 de abril de 2004 en el Teatro Saenger de Nueva Orleans como telón de fondo, la película también incluye imágenes de archivo de actuaciones, fotografías y entrevistas con numerosos músicos y otras personas involucradas en los inicios y el auge de la música neoorleanesa.
La película está narrada por Art Neville, y entre los entrevistados se encuentran también los pioneros musicales locales Allen Toussaint, Lloyd Price, Irma Thomas y Aaron Neville; los músicos contemporáneos neoorleanses Kermit Ruffins y Trombone Shorty; así como los músicos de rock Bonnie Raitt y Keith Richards, quienes describen la influencia de la música neoorleansiana en sus carreras.
El texto inicial de la pantalla afirma: “La historia de cómo se creó esta música refleja una lucha por la igualdad social y racial entre los estadounidenses negros y blancos. También es una historia de cómo la música puede unir, elevar y, en el caso de Nueva Orleans, crear un sonido que influyó en el mundo”.
En la película, toca con Snooks Eaglin y su banda en "Come On (Let the Good Times Roll)", y aparece en clips con otros músicos, incluido Art Neville.
En junio de 2011, The Original Meters, junto con Allen Toussaint y Dr. John, actuaron en el Festival de Música y Artes Bonnaroo en Manchester, Tennessee.
Los seis músicos interpretaron canciones del álbum de Dr. John, “Desitively Bonnaroo”, grabado originalmente con The Meters, ante un lleno total.
The Original Meters también tocaron en la Voodoo Experience de 2011 en Nueva Orleans.
El 5 de mayo de 2012, The Meters regresaron a Nueva Orleans para una actuación en el Howlin' Wolf, con entradas agotadas.
A finales de 2012, Zigaboo Modeliste, Leo Nocentelli y George Porter Jr. tocaron en conciertos con el tecladista de Phish, Page McConnell, bajo el nombre de The Meter Men.
The Meter Men habían realizado 16 shows juntos hasta la primavera de 2015, con su tercera aparición anual como acto nocturno durante el Jazz and Heritage Festival de Nueva Orleans.
En 2014, durante la segunda aparición de The Meter Men como acto nocturno durante el Jazzfest, la banda actuó en The Republic el 26 de abril de 2014, después de que McConnell encabezara el NOLA Jazzfest en el recinto ferial de Nueva Orleans con Phish ese mismo día. The Meter Men también habían tocado la noche anterior en The Republic.
A partir de la primavera de 2015, The Meter Men se presentaron en Massachusetts, Nueva York, Florida, Pensilvania, Luisiana, Colorado y Vermont. También actuaron en Washington, D. C.
A partir de 2017, The Funky Meters realizaron giras constantes, interpretando canciones de The Meters, mientras que The Meters actuaban esporádicamente.
La formación de Neville, Porter, Nocentelli y Modeliste solía presentarse como The Original Meters para evitar confusiones con The Funky Meters.
Cuando no toca con The Original Meters, el guitarrista Leo Nocentelli lidera su propio grupo, The Meters Experience, que también interpreta la música de The Meters.
La última actuación de los Meters originales (con los cuatro miembros fundadores) fue en el Festival Arroyo Seco en Pasadena, California, el 25 de junio de 2017.
Art Neville anunció su retiro de la música el 18 de diciembre de 2018. Neville murió el 22 de julio de 2019.
Desde el huracán Katrina, Porter ha realizado trabajo activista con otros músicos de Nueva Orleans, informando a la gente sobre los peligros de la erosión de los humedales que amenazan el futuro de la ciudad.
Porter sigue girando regularmente con Runnin' Pardners, Joyride y The Funky Meters. Toca esporádicamente con los cuatro miembros originales de The Meters, ahora conocidos como The Original Meters, y también colabora frecuentemente con otros músicos, muchos de ellos de Nueva Orleans.
El 24 de febrero de 2018, Porter acompañó a Dead & Company durante su concierto en Nueva Orleans en el Smoothie King Center, tocando el bajo en varias canciones, incluyendo "Smokestack Lightning" y "Bertha", y como vocalista principal en "Sugaree".
Toca esporádicamente con Steve Kimock en varios proyectos, incluido Voodoo Dead.
Algo de su carrera en solitario
"Runnin' Partner", publicado por Rounder Records en 1990, fue su debut en solitario, y en él se muestra no solo como un instrumentista de primer nivel, sino también como un vocalista y compositor de primer nivel.
Destacando "Runnin' Partner", se encuentran dos contribuciones del guitarrista estrella Earl King: "Rough Spots" y "Don't You Make Me Ig'nunt". King también colabora en estos dos temas, a los que Porter les da un toque de ritmo rápido y funk.
El resto del álbum fue escrito por Porter, y el material varía desde la diversión ligera de "Happy Song", pasando por la alegre canción principal al estilo de George Benson, hasta el funk pesado de "Concentrate on Work" (en la que la banda pasa de un ritmo tipo Ohio Players a un órgano de blues espeso de Ron Levy).
La potente voz de Porter maneja la variada gama de canciones con facilidad, aunque las letras son generalmente bastante simplistas y excesivamente repetitivas.
La sección de vientos, con su firmeza, brilla en todo momento, con una fuerza y energía que igualan a las del propio Porter. Aunque "Runnin' Partner" termina flojamente con los cortes pop/jazz "More BTU's" y "DTP" y la melosa "I Wish", en general es un álbum potente.
Desde entonces ha sacado varios discos tanto en solitario como acompañado por sus Runnin' Pardners.
Para consolidar adecuadamente la banda, George Porter Jr. & Runnin' Pardners grabaron su álbum debut, “Things Ain't What They Used To Be — Live From New Orleans”, en 1994, pero sería más de media década después que la banda se reuniría en el estudio para grabar y lanzar su segundo trabajo, “Funk 'N' Go Nuts”.
Desde el cambio de milenio, Porter & Runnin' Pardners han grabado y lanzado ocho álbumes, en una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio colectivamente, siendo el más reciente “Porter's Pocket” (Color Red Records) de 2024.
La encarnación actual de la banda consiste en Porter manejando gloriosamente el bajo, Michael Lemmler en los teclados, Terrence Houston en el set de trap y Chris Adkins en la guitarra principal.
“Porter's Pocket” consta de ocho canciones completas que abarcan una gran variedad de estilos, desde el funk hasta el soul y el jazz.
Se destaca como una de las propuestas más atractivas del sello durante el último año.
El liderazgo de Porter nunca deja de sorprender cada vez que plasma su mente y sus habilidades revolucionarias en música, y este es un ejemplo constante de ello.
“Tito's Dumpling Machine” posee todas las cualidades que los aficionados al vinilo con groove raro siempre han buscado en Porter.
Abundantes ritmos de batería, un sincopado de Nueva Orleans y un solo de órgano Hammond funky saciarán con creces el antojo de los Meters de la vieja escuela. Porter Jr. permite que su banda Runnin' Pardners impulse la canción mientras George hace lo que mejor sabe hacer: mantener el ritmo.
La canción comienza con un ritmo de batería sacado directamente de “Uptown New Orleans 1970”, lo que parecería una elección extraña para el sencillo principal de un disco, pero como dice Porter, "mi actitud siempre ha sido que el baterista define hacia dónde va la canción y por eso disfruto mucho dejando que un baterista configure la melodía".
Además de liderar su propia banda y colaborar con superestrellas como Robert Palmer, Patti Labelle, Tori Amos y miembros de Grateful Dead, entre otros, la carrera de Porter también podría rastrearse por un linaje de grandes bateristas con los que ha tocado, incluidos Zigaboo Modeliste de los Meters, Russell Batiste Jr. y, más recientemente, Terrence Houston.
Innovador de la música funky, Porter atribuye el mérito a su ciudad natal: "Antes de que existiera el 'funk', como lo llaman, los músicos de Nueva Orleans siempre supieron usar el ritmo como nadie más. Soy solo un estudiante de Earl King y George French y de esa escuela de música, y en algún momento, la gente de allá decidió que era 'funk'".
Porter Jr & Runnin' Pardners continúan con su residencia semanal en Nueva Orleans, en el reconocido Maple Leaf Bar, además de una gira incesante por todo el país en salas y festivales de vanguardia.
El 21 y 22 de diciembre, la banda fue seleccionada para abrir una gira de dos noches como teloneros de The Black Crowes en el Teatro Capital de Portchester, Nueva York.
Discografía
En solitario
Runnin' Partner (1990)
It's Life (2007)
It’s Time To Funk” EP (2015)
Con Runnin' Pardners
Things Ain't What They Used to Be (1994)
Count On You (1994)
Funk This (1997)
Funk 'n' Go Nuts (2000)
Can’t Beat The Funk (2011)
Crying For Hope (2022)
Porter's Pocket (2025)
Con The Meters
Álbumes de estudio
The Meters (1969)
Look-Ka Py Py (1969)
Struttin' (1970)
Cabbage Alley (1972)
Rejuvenation (1974)
Fire on the Bayou (1975)
Trick Bag (1976)
New Directions (1977)
Álbumes compìlatorios
Cissy Strut (1974)
The Best of the Meters (1975)
The Best of the Meters 71–75 (1976)
Second Line Strut (1980)
Here Come the Metermen (1986)
Struttin' (1987)
Good Old Funky Music (1990)
Funky Miracle (1991)
The Original Funkmasters (1992)
Meters Jam (1992)
Fundamentally Funky (1994)
Crescent City Groove Merchants (1994)
Funkify Your Life: The Meters Anthology (1995)
Best of the Meters (1996)
The Very Best of the Meters (1997)
Kickback (2001)
The Essentials (2002)
Zony Mash (2003)
Here Comes the Meter Man (The Complete Josie Recordings 1968–1970) (2011)
Original Album Series (2014)
A Message from the Meters: The Complete Josie, Reprise & Warner Bros. Singles 1968–1977 (2016)
Gettin' Funkier All the Time: The Complete Josie/Reprise & Warner Recordings 1968–1977 (2020)
Álbumes en directo
Uptown Rulers: The Meters live on the Queen Mary (1975)
Live at the Moonwalker (1993)
Second Helping (Live at the Moonwalker) (1994)
Fiyo at the Fillmore, Volume 1 (2001)
Colaboraciones
In the Right Place - Dr. John (Atco Records, 1973)
Sneakin' Sally Through the Alley - Robert Palmer (Island Records, 1974)
Nightbirds - Labelle (Epic Records, 1974)
Desitively Bonnaroo - Dr. John (Atco Records, 1974)
Keep On Lovin' You - Z. Z. Hill (Hill Records, 1975)
Phoenix - Labelle (Epic Records, 1975)
Patti LaBelle - Patti LaBelle (Epic Records, 1977)
New Orleans Heat - Albert King (Tomato Records, 1978)
Victory Mixture - Willy DeVille (Sky Ranch Records, 1990)
Storyville - Robbie Robertson (Geffen, 1991)
Uh-Oh - David Byrne (Warner Bros. Records, 1992)
Soul of the Blues - Solomon Burke (Black Top Records, 1993)
There's Room for Us All - Terrance Simien (Black Top Records, 1993)
Under the Pink - Tori Amos (Atlantic Records, 1994)
Boys for Pele - Tori Amos (Atlantic Records, 1996)
From the Choirgirl Hotel - Tori Amos (Atlantic Records, 1998)
Maestro - Taj Mahal (Heads Up, 2008)
Bible Belt - Diane Birch (S-Curve Records, 2009)
Let It Burn - Ruthie Foster (Blue Corn, 2011)
Good Road to Follow - John Oates (Elektra Records, 2014)
Miami Moon - Devon Allman (Create Records, 2024)
Fuentes: rollingstone.com, georgeporterjr.com, trageser.com, goldminemag.com, bassmagazine.com, Wikipedia y Flickr.com
George Porter Jr.
George Porter Jr. es un músico estadounidense, conocido por ser el bajista y cantante de The Meters.
Junto con Art Neville, Porter formó el grupo a mediados de la década de 1960 y llegó a ser reconocido como uno de los precursores del funk.
Nada personifica mejor el groove que la interacción rítmica entre George Porter Jr. y el baterista Zigaboo Modeliste en The Meters, una relación que requería una precisión extrema para evocar el ambiente festivo y relajado de su Nueva Orleans natal.
Esos huecos, las notas largas y los huecos profundos, proporcionaron el soporte para que Leo Nocentelli o Art Neville tocaran o cantaran encima, creando algunos de los ritmos más memorables de la historia del R&B.
Gracias a su larga trayectoria en uno de los grupos más funk de la música popular, Porter mantuvo la base rítmica en clásicos como “Cissy Strut”, “Funky Miracle”, “Just Kissed My Baby” y “Hand Clapping Song”, aportando riffs redondos y fluidos que se pavoneaban como un desfile de la Second Line y hacían vibrar los altavoces con su contundencia.
Hay que escuchar cómo teje su propio camino sincopado en los espacios más reducidos de “Pungee”, del casi perfecto segundo álbum de la banda, “Look-A Py Py”.
El trabajo de Porter con The Meters se convirtió en un pilar fundamental del hip-hop, con numerosos artistas, incluyendo a Tribe Called Quest, Cypress Hill, NWA y Public Enemy, sampleando las canciones del grupo.
Porter también es el líder de su propio y singular proyecto a largo plazo, Runnin' Pardners, muy respetado no solo como una banda emblemática de Nueva Orleans, sino también por sus giras, que siguen recibiendo elogios en la escena de las bandas de jam y los festivales.
Ha reunido a músicos experimentados y talentosos para que se unan a él en este proyecto. George Porter Jr. planea mantener una sonrisa en su rostro. "Siento que estoy trabajando por algo que será recordado".
También tiene otros proyectos, como The Trio with Johnny Vidacovich, New Orleans Social Club, Deep Fried y Porter Batiste Stoltz.
Además, aparece en numerosas grabaciones populares de otros artistas como Soul Rebels Brass Band, Dr. John, Paul McCartney, Robbie Robertson, Willy DeVille, Robert Palmer, Patti LaBelle, Jimmy Buffett, David Byrne, Johnny Adams, Harry Connick Jr., Earl King, Warren Haynes, Tori Amos, Snooks Eaglin y Dead & Company entre muchos otros, gracias a ser uno de los músicos de estudio predilectos del productor Allen Toussaint.
George Porter Jr. está considerado por los medios especializados como uno de los bajistas más importantes en la historia del funk, un estilo en el que ha colaborado en trazar las líneas fundamentales.
Porter atribuyó su estilo único a una formación musical diversa. "Verás, como había estudiado guitarra clásica, conocía la fórmula del bajo, aunque las canciones que tocaba en clase eran de country", comentó recientemente. "Pero al mismo tiempo aprendía a tocar líneas de bajo y acordes. Así que, cuando llegó el momento, fue algo natural que surgió de la guitarra".
Con un poderoso sentido del groove, Porter posee asimismo una gran facilidad melódica, además de ser un competente vocalista.
Porter ha demostrado ser capaz de fusionar rock, funk y R&B, y se ha ganado el reconocimiento como uno de los bajistas de élite de la industria. Sigue siendo no solo un artista muy solicitado, sino también un músico de estudio y productor consumado.
George Porter Jr. nacio el 26 de diciembre de 1947 en New Orleans, Luisiana, EE. UU.
Los padres de Porter eran ávidos amantes de la música. Su padre escuchaba con frecuencia a Duke Ellington y su madre cantaba en el coro de la iglesia local.
Creció en Nueva Orleans junto a su futuro compañero de banda en The Meters, Joe "Zigaboo" Modeliste, y se hicieron amigos cuando George tenía 10 años.
De adolescentes, tocaron juntos en sesiones de improvisación, con Porter tocando una guitarra acústica.
Porter se inspiró en otro nativo de Nueva Orleans, Benjamin "Poppi" Francis, quien también le dio algunas clases de bajo.
Cuando Porter era aún adolescente, tocó con Earl King. Después de uno de los conciertos, Art Neville se le acercó y le dijo que estaba intentando formar una banda y le preguntó si quería unirse. Porter aceptó, dando origen a The Meters.
Inicialmente, la banda se conocía como Neville Sound y estaba formada por siete hombres, entre ellos Cyril y Aaron Neville como vocalistas y Gary Brown al saxofón.
Sin embargo, poco después, la banda se redujo a cuatro miembros principales: el tecladista y vocalista Art Neville, el guitarrista Leo Nocentelli, el bajista George Porter Jr. y el baterista Joseph "Zigaboo" Modeliste.
Los cuatro tocaban seis noches a la semana en un bar de la calle Bourbon llamado Ivanhoe cuando Allen Toussaint se puso en contacto con ellos y les preguntó si querían firmar un contrato discográfico.
Tras el acuerdo, el sello quería que la banda cambiara su nombre por uno que reflejara mejor su sonido. Se decidieron por The Meters.
Posteriormente se les unió el percusionista y vocalista Cyril Neville. The Meters se convirtieron en la banda de Allen Toussaint y su sello discográfico, Sansu Enterprises.
Conocidos como uno de los progenitores del funk junto a Sly & The Family Stone y Parliament Funkadelic, The Meters se forjaron un lugar en la historia con poli ritmos sincopados y grooves heredados de las profundas raíces musicales africanas de Nueva Orleans.
“The Meters”, su álbum homónimo, fue lanzado en mayo de 1969, y fue el primero de ocho álbumes de la banda.
Sus primeras obras se desarrollaron a través de la improvisación. Los miembros de la banda habían pasado la mayor parte de la década de 1960 tocando juntos en clubes nocturnos de Nueva Orleans. Tenían un estilo musical fluido que incluía elementos de R&B, rock y jazz.
El primer tema, "Cissy Strut", fue el tema de apertura de la banda durante su residencia en el club nocturno Ivanhoe a finales de los 60. La melodía original fue introducida por Leo Nocentelli.
La canción se grabó en los estudios Cosimo. Se lanzó inicialmente como sencillo y vendió 200.000 copias en dos semanas. Su éxito comercial impulsó su posterior carrera discográfica.
Lanzada como sencillo del álbum, alcanzó el puesto número 4 en la lista de R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100.
La canción fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy en 2011, que reconoce “grabaciones de importancia cualitativa o histórica perdurable con al menos 25 años de antigüedad”.
El AV Club la calificó como un “clásico” profundamente arraigado en la tradición musical de Nueva Orleans.
En 2021, la revista Rolling Stone colocó a “Cissy Strut” en el puesto 158 de su lista de las “500 mejores canciones de todos los tiempos”, una de las pocas canciones instrumentales que figuran en la lista.
La variedad de instrumentos en la portada del álbum simboliza la diversidad de composiciones y ritmos.
La contraportada muestra a los miembros de la banda en los inicios de su carrera. Muchas de las primeras pistas instrumentales de la banda recibieron nombre solo después de su grabación.
La octava pista del álbum lleva el nombre de la válvula de vacío 6V6, comúnmente utilizada en amplificadores de guitarra.
Una reseña de AllMusic destacó la simplicidad y los matices de la música y la calificó de "impresionante".
Tamara Davidson, de Revive Music, tuvo una reseña positiva y escribió: "El álbum está lleno de ritmos contagiosos, líneas de bajo potentes y ritmos de batería revolucionarios".
Según Brian Knight, de The Vermont Review, el álbum "marcó el ritmo tanto de The Meters como de todo el sonido funk de Nueva Orleans".
Jeff Chang describió a la banda en relación con el contexto cultural de los años 60, sus influencias y su influencia en la música. Escribió: “Modeliste describió una vez las canciones como 'fragmentos de sonido', como 'entradas de diferentes ritmos y diferentes ideas sobre el ritmo'. De hecho, podrían llenar una enciclopedia de bandas de improvisación, con cientos de pequeñas ideas que podrían extenderse como bandas elásticas de veinte minutos”.
“Look-Ka Py Py” es el título de su segundo álbum de estudio; un álbum instrumental que ocupó el puesto 218 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone en 2003, el 220 en la lista revisada de 2012 y el 415 en la lista revisada de 2020.
Cub Koda, de AllMusic, comentó sobre el álbum y la banda: “El segundo álbum de The Meters continúa el sonido que los convirtió en leyendas de Nueva Orleans”.
Ted Drozdowski, de Rolling Stone, describió el sonido del álbum como “claro, pausado y seguro”. Caracterizó el sonido de la guitarra como “breve y preciso”, el del órgano como “libre de ritmo”, el del bajo como “grooves gruesos y en zigzag” y el de la batería como “seco y directo”.
Al clasificar el álbum para su lista de los mejores de todos los tiempos, la revista destacó los riffs de bajo y la batería sin ritmo.
La canción principal del álbum, "Look-Ka Py Py", alcanzó el puesto número 11 en la lista de sencillos de R&B de EE. UU. y el álbum alcanzó el puesto número 23 en la lista de álbumes de R&B de EE. UU.
En su libro de 2008, Tom Moon escribió: "La característica clave es la moderación. Nadie se esfuerza demasiado en los discos de Meters. El ritmo se construye sobre un eje flexible-conciso, con algunos elementos (generalmente la batería enérgica de Zigaboo Modeliste) empujando hacia adelante y otras fuerzas (las líneas de guitarra cuidadosamente articuladas de Leo Nocentelli o los golpes sobrantes del órgano B3 de Art Neville ) tirando hacia atrás".
“Struttin” es el tercer álbum de estudio y el primero de la banda con actuaciones vocales.
El álbum se grabó en el estudio de Cosimo Matassa y fue lanzado en 1970 por Josie Records. Es el primer álbum de la banda que incluye la voz completa de Art Neville en tres temas: "Wichita Lineman", "Darling, Darling, Darling" y "Ride Your Pony".
Stephen Erlewine observó una continuidad en el sonido de la banda en comparación con álbumes anteriores y lo describió como "funk orgánico y terroso". Observó una divergencia estilística en los temas "Joog", "Hand Clapping Song" y las pistas vocales. Calificó la música como agradable, pero notó una falta de coherencia en la colección de canciones.
Robert Christgau tenía una opinión favorable y escribió sobre el estilo de la banda: "El swing de los New Orleans MG , pero no con la suavidad de una big band; su cadencia caribeña es pura segunda línea, tan elíptica como la marcha de un santo".
El primer sencillo fue la canción "Chicken Strut". Alcanzó el puesto número 11 en la lista estadounidense de sencillos de R&B y el álbum el número 32 en la de álbumes de R&B .
“Cabbage Alley” es su cuarto álbum de estudio, y fue producido por Allen Toussaint y Marshall Sehorn y lanzado en mayo de 1972 por Reprise Records. Fue el primer álbum de la banda para el sello, tras la desaparición de Josie Records un año antes.
El fichaje proporcionó al grupo un mayor presupuesto de grabación y reincorporó al organista y teclista Art Neville a la formación, tras una breve ausencia de la banda tiempo antes.
En 1971, el sello discográfico de los Meters, Josie Records, quebró, dejando al grupo con importantes regalías pendientes de pago.
Según Porter Jr., Sehorn, quien era el mánager del grupo, negoció un acuerdo para que los Meters firmaran con un sello más grande, Reprise Records, una subsidiaria de Warner Bros. Records. El acuerdo requería el regreso de Neville al grupo.
Porter Jr. reflexionó más tarde: “Para la banda, fue una buena decisión [que Neville volviera]. Nos estamos preparando para ir a un sello mejor, conseguir un mejor presupuesto para grabaciones y demás”.
El cambio de Josie a Reprise no comprometió la relación de los Meters con Sansu, ya que mantuvieron a Toussaint como productor y a Sehon como mánager.
A diferencia de sus álbumes anteriores, la banda lo grabó en sus propias sesiones, "en lugar de al final de las de alguien más", como lo describe Cliff White de Blues & Soul.
Según el escritor de Let It Rock, Pete Wingfield, Toussaint se acercó a Cabbage Alley como un proyecto complementario a su propio álbum “Life, Love and Faith” (1972), y señaló además que el músico esperaba que el lanzamiento de ambos discos a través de los sellos Warner reviviera el interés en la música soul en Nueva Orleans y atrajera a una audiencia blanca a los músicos de la ciudad, así como "devolver a poner un sonido NO identificable en las listas de éxitos".
Sin embargo, en una entrevista de NME de 1974 con Roger St. Pierre, Neville dijo que si bien a Toussaint y Sehorn se les atribuye la producción de sus álbumes, el trabajo de producción fue realizado por los propios Meters, y agregó: "Toussaint y Sehorn ni siquiera vienen al estudio mientras estamos grabando, pero sí se involucran en la mezcla final, etc.".
The Meters utilizaron el álbum para explorar diversos estilos musicales, como el reggae, el rock y el boogaloo, conservando el característico estilo funk sincopado, basado en la segunda línea.
La música es más suave y con más ritmo que en los discos anteriores del grupo, y también aumenta el uso de cánticos y voces, especialmente de Neville, lo que marca un cambio radical respecto a los inicios instrumentales del grupo.
Tras su lanzamiento, “Cabbage Alley” recibió una gran aclamación de la crítica musical, algunos de los cuales lo consideraron el mejor álbum del grupo hasta la fecha.
A pesar de las críticas y de su sonido más fluido, fue una decepción comercial, atribuida en parte a la mala publicidad de Reprise.
El álbum ha sido reeditado varias veces, incluyendo por Sundazed Music en el año 2000.
Aunque tiene sus raíces en el funk orientado al baile con síncopa de segunda línea, “Cabbage Alley” también ve al grupo explorar una gama más amplia de estilos musicales que en álbumes anteriores.
Bob Palmer escribió que el álbum presenta varias pistas prominentemente de estilo reggae, además de "generosas porciones de la segunda línea más de moda y su hijo bastardo, el boogaloo ", mientras que el escritor musical John Laycock dijo que si bien los Meters son conocidos por el rhythm and blues, la música del disco se parece más al reggae de Desmond Dekker que a "los incondicionales de Nueva Orleans como Fats Domino o Dr. John".
El álbum también es más elegante, más atrevido y más funky que las grabaciones anteriores del grupo, y continúa alejándolos de sus comienzos totalmente instrumentales al aumentar el uso de la voz de Neville, con un total mayor de pistas con voces que instrumentales.
La banda también experimentó con varios efectos de estudio populares en ese momento, como phasing, echo y delay.
El cambio de dirección es inmediatamente evidente con el riff de guitarra distorsionado que inicia la canción de apertura "You've Got to Change (You've Got to Reform)", una pista de baile con una larga sección de improvisación.
"Stay Away" es una incursión en el rock progresivo, y se extiende por una experimentación electrónica inusual, y retardo de cinta.
Una versión de una canción de Neil Young, "Birds" es un ejercicio de soul suave, mientras que "The Flower Song" y "Smilin'" son instrumentales que se han comparado con la música de Booker T. & the MGs.
"Soul Island" se inspiró en el viaje de la banda a Trinidad, donde actuaron con Mighty Sparrow, y fue considerada por Palmer como la canción más reggae del grupo hasta ese momento, citando los "unísonos de bajo y guitarra trozo a trozo y el solo de órgano básico" para evocar melódica y texturalmente "la música de las islas".
Idris Walter de Sounds la consideró una canción de "reggae de Nueva Orleans" con similitudes con el éxito de Unit 4 + 2 "Concrete and Clay" (1965).
"Do the Dirt" tiene una estética e instrumentación similar a "Soul Island" pero se desliza hacia un "ritmo norteamericano" durante los puentes.
Escrita por Nocentelli, "Lonesome and Unwanted", orientada al rock, es cantada por Neville y construida alrededor de un gancho asistido por cánticos.
La canción principal del álbum, "Cabbage Alley", se inspiró en parte en "Hey Now Baby" de Professor Longhair, que se grabó alrededor de 1950 pero no se lanzó hasta principios de 1972.
La canción se caracteriza por el piano rodante de Neville y, según Joe McEwen de The Real Paper, "una pista rítmica tartamudeante dos años adelantada a su tiempo".
El escritor de Louder Than War, Craig Chaligne, escribió que la canción mostraba la creciente confianza del grupo en los arreglos vocales.
Neville sintió que los oyentes de fuera de Nueva Orleans no "entenderían" la canción, señalando que "tiene la herencia de Dixieland, el sentimiento de la segunda línea, incluso más que cualquier otra cosa que hayamos escrito. Si naciste aquí, simplemente lo tendrás, eso es todo".
El disco recibió su nombre de una pequeña calle de Nueva Orleans que había sido demolida recientemente para dar paso a un estadio de fútbol.
Descrito por Timothy Crouse como "la versión de Bourbon Street para negros pobres", el sitio era un centro para la música funk de segunda línea de la ciudad.
Según Lionel Batiste Sr. de Treme Brass Band: "Cabbage Alley estaba cerca de Perdido Street. Tenían muchos músicos allí, era casi como un distrito [de luz roja], mujeres rápidas. Cerca del campo de batalla".
Diseñada por John Echevarrieta, la portada del álbum se basa en una variación de la pintura de René Magritte de 1952 , "La sala de escucha", que a su vez fue reproducida en la portada de "Beck-Ola" (1969) del Jeff Beck Group.
Según los autores Angie Errigo y Steve Leaning, "Ambas imágenes son surrealistas en la proximidad incongruente y claustrofóbica de dos realidades igualmente convincentes, pero texturalmente antitéticas".
El álbum recibió una amplia aclamación de los críticos musicales, y muchos lo describieron como el mejor álbum de la banda hasta el momento.
Escribiendo favorablemente en Rolling Stone, Bob Palmer elogió la batería de Modeliste por impartir "más variedad rítmica a cada compás que cualquier grupo de soul estadounidense ha empleado hasta ahora", y al resto del grupo por "a menudo [duplicar] la percusión auxiliar, lo que resulta en una complejidad percusiva que es a la vez una dirección nueva y natural".
Agregó que incluso las canciones más débiles del álbum contienen algo de "la vitalidad rítmica y la conciencia de raíces emergente que parece el nuevo desarrollo más importante en la música popular negra de los años setenta".
El escritor de Windsor Star, John Laycock, describió el álbum como "bastante agradable e interesante a la manera de un erudito discográfico" y destacó su similitud con el reggae.
Juan Rodríguez, de The Montreal Star, lo calificó como "un buen disco para bailar, si lo pones a todo volumen y, como dice James Brown , te concentras". Escribieron que el sonido es denso y funky, y que se puede perdonar al grupo por "exagerar a veces", a la vez que elogiaron la combinación de la banda y la producción de Toussaint, lo que resultó en un disco único.
A pesar de las buenas críticas del álbum, un sonido más fluido, y el traslado a una importante discográfica, “Cabbage Alley” y sus dos sencillos fueron decepciones comerciales.
El álbum alcanzó el puesto número 48 en la lista Billboard Top Soul LPs, pero a diferencia de los dos primeros discos del grupo, no llegó a las listas Billboard Top LPs y Tape.
Arthur Neville declaró en una entrevista para Blues & Soul que creía que el álbum debería haber tenido una mayor difusión, "porque todos coinciden en que el material es el más potente que hemos hecho jamás".
Aunque el grupo atribuyó las bajas ventas a la falta de promoción, St. Pierre creía que también se debían a que el álbum "estaba un tanto desprovisto de contenido melódico memorable, basándose simplemente en riffs básicos", creyendo que se trataba de un cambio de estilo que "sucedió demasiado rápido para sus fans".
White creía que las bajas ventas sugerían que "el resto de Estados Unidos (y naturalmente Europa) había perdido hacía tiempo su apetito por la música de Nueva Orleans", señalando que incluso los músicos de la ciudad se habían volcado a explorar sonidos más amplios, mientras que James Lien de CMJ New Music Monthly creía que el público en general "no hizo clic" con “Cabbage Alley” o el álbum posterior de los Meters, “Fire on the Bayou” (1975), porque "estaban salpicados de tantas referencias oscuras a la cultura local de Nueva Orleans que la gente que no sabía nada del Mardi Gras o de los frijoles rojos con arroz simplemente no podía entenderlo".
Chaligne escribió que el fracaso se atribuyó en parte a la "incapacidad de Reprise para comercializar una banda que tenía pocas similitudes con el resto de su elenco".
A pesar de la decepción, “Cabbage Alley” llevó a los Meters a trabajar en el popular "Right Place, Wrong Time" (1973) de Dr. John y a realizar una gira europea a mediados de 1973 con Dr. John y Professor Longhair.
“Cabbage Alley” fue reeditado en el Reino Unido en 1975 por Warner. El álbum y sus sucesores “Rejuvenation” (1974) y “Fire on the Bayou” (1975) fueron reeditados en 2000 por Sundazed Music, un sello especializado en reediciones de grabaciones clásicas de las décadas de 1960 y 1970, con notas de John Swenson.
El disco fue reeditado posteriormente por Reprise en 2001, Hi Horse Records en 2009, Music on Vinyl en 2013 y WEA Japan en 2014.
Algunas reediciones incluyen ambas partes de "Chug Chug Chug-a-Lug (Push and Shove)" como pistas adicionales.
Al reseñar la reedición de 1975, Peter Harvey de Record Mirror escribió que el álbum mostraba el sonido inicial del grupo, que era más terrenal y "más cercano a la calle" de lo que se habían vuelto, y destacó "Lonesome and Unwanted People" y otras cuatro pistas, concluyendo que el álbum es "fresco, suena espontáneo y está hecho naturalmente para bailar".
En The Real People, Joe McEwen llamó a “Cabbage Alley” un "álbum en gran parte (y desafortunadamente) ignorado", mientras que Billboard se refirió a él como un gran debut para Reprise que "vio a la banda diversificarse con más cantos y la vocalización conmovedora de Neville".
Dave Thompson señaló que si bien el grupo "[reenvolvió] su sonido característico en algunos de los juguetes favoritos del estudio moderno", la canción principal aseguró que el grupo no "se alejara demasiado de la base".
Josh Terry de Vinyl Me, Please comentó que, si bien las voces eran más prominentes, “los ritmos seguían ahí, anclados en el sabor caribeño de un viaje a Trinidad y Tobago”.
Menos impresionado, Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió que “Cabbage Alley” era menos crudo que los trabajos anteriores de la banda, considerándolos "sacrificar la sensibilidad por la textura", y se quejó de que el grupo no tuviera canciones memorables que adaptar a su nuevo estilo.
Matizó esto diciendo que, si bien los Meters se habían "suavizado un poco más de lo necesario", seguía siendo placentero escuchar tocar a un "grupo notablemente simpático y flexible".
En "Christgau's Record Guide" (1981), el crítico Robert Christgau cuestionó si la variación estilística del álbum, o su ambigüedad, insinuaba una crisis de identidad para la banda.
En "The Encyclopedia of Popular Music" (1997), el escritor Colin Larkin señala que “Cabbage Alley” inició una serie de "álbumes aclamados por la crítica" para los Meters que "reforzaron sus ritmos distintivos y vigorosos".
Terry Perkins de St. Louis Post-Dispatch escribió que “Cabbage Alley” y sus dos siguientes álbumes "marcan claramente el punto culminante de la banda como unidad", y destacó además "Gettin' Funkier All the Time", mientras que Steve MacQueen de Tallahassee Democrat los recomendó junto con "Cissy Strut" (1969) por definir el "estilo funk despojado, entrecortado y sincopado de principios de los 70" del grupo.
En una entrevista de 2015, Adam Horovitz de los Beastie Boys llamó a “Cabbage Alley” el hallazgo "más loco" en su colección de discos.
Tras el cambio de sello discográfico, los Meters tuvieron dificultades para volver a las listas de éxitos, pero colaboraron con Dr. John, Paul McCartney, King Biscuit Boy, Labelle, Robert Palmer y otros.
“Rejuvenation” es su quinto álbum de estudio y fue lanzado en 1974.
En 2003, el álbum ocupó el puesto número 138 en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone y el número 139 en una lista revisada de 2012.
Fue producido por Allen Toussaint y grabado en sus flamantes estudios Sea-Saint de Nueva Orleans. Algunas canciones del álbum incluyen arreglos de Toussaint para la sección de vientos.
La portada muestra una fotografía de una mujer sentada en un sofá junto a varios álbumes de discos esparcidos por su sala de estar, como “Life, Love and Faith” de Allen Toussaint de 1972 , así como el LP anterior de los Meters, “Cabbage Alley”.
Stephen Erlewine, de AllMusic, lo calificó como "un álbum de funk de primera clase" y destacó las influencias rockeras del álbum y su funk contundente.
Robert Christgau tuvo una opinión positiva y destacó los temas "It Ain't No Use" y "Just Kissed My Baby" como destacados.
Jon Pareles, de Rolling Stone, lo calificó como "un punto culminante del funk de los 70". Destacó la escasa distribución de la música y las influencias estilísticas de Mardi Gras, gospel, R&B y country.
Daryl Easlea, de BBC Music, calificó la música como una "fusión de funk y swamp rock " y afirmó que el álbum es "la personificación del funk con groove, gancho y directo". Destacó "Africa" y "It Ain't No Use" como destacados.
La influencia del álbum es detectable en el trabajo de varios artistas que han interpretado sus canciones.
Los Red Hot Chili Peppers hicieron una versión modificada de la canción "Africa" en su álbum “Freaky Styley”. A lo largo de su versión, la palabra "Africa" se cambia a "Hollywood" y "Mother Land" se cambia a "Brother Land".
La tercera canción, "Just Kissed My Baby", se usa en “Grand Theft Auto IV” en la estación de radio funk IF99 (International Funk).
La canción está sampleada en "Timebomb" de Public Enemy del álbum “Yo! Bum Rush the Show”.
Chris Duarte hizo una versión de "Just Kissed My Baby" en “Texas Sugar/Strat Magik”. También ha versionado "People Say" en vivo.
La Dirty Dozen Brass Band de Nueva Orleans versionó "África" en su álbum “Medicated Magic”.
Los Grateful Dead interpretaron "Hey Pocky A-Way" con frecuencia en sus conciertos a finales de los 80.
Widespread Panic versionó "It Ain't No Use" con frecuencia y ha tocado y sigue tocando "Just Kissed My Baby" en numerosas ocasiones.
George Porter, Jr. ha colaborado con Widespread Panic en varias ocasiones, la más reciente en sus conciertos anuales "Panic en la Playa Siete".
El concierto del 28/01/2018 en Riviera Maya, México, contó con George en bajo y voz interpretando "It Ain't No Use".
En 1975, Paul McCartney invitó a los Meters a tocar en la fiesta de lanzamiento de su álbum “Venus and Mars” a bordo del Queen Mary en Long Beach, California.
Mick Jagger, de los Rolling Stones, estuvo presente en el evento y quedó muy impresionado con los Meters y su sonido.
Los Rolling Stones invitaron a la banda a abrir sus conciertos en su “Tour of the Americas '75” y “Tour of Europe '76”.
Porter ha dicho que el mejor momento de su carrera musical fue cuando él y los demás Meters abrieron un concierto de los Stones en París en 1976.
El público comenzó a abuchearlos cuando Keith Richards y Mick Jagger salieron a apoyar a los Meters y les dijeron que se callaran y escucharan la música. Dijo que ese momento mantuvo a los Meters con vida por el momento.
Ese mismo año, los Meters grabaron uno de sus álbumes más exitosos, “Fire on the Bayou”.
Este fue el primer álbum de la banda con Cyril Neville como miembro. En aquel entonces, las actuaciones principales de la banda recibían buenas críticas.
Según una reseña en The Real Paper, “podían superar a prácticamente cualquier otra banda del país en cuanto salían del escenario”.
El álbum se lanzó en julio de 1975, en el momento en que la banda abría conciertos para los Rolling Stones en su gira estadounidense.
El álbum vendió 88.000 copias y no cumplió con las expectativas del sello discográfico. Según Rupert Surcouf, el road manager de la banda en aquel momento, el sello se dio cuenta de que “los Meters no encajaban en ningún molde convencional” y tuvo dificultades para promocionar su música.
Stephen Erlewine, de AllMusic, tuvo una opinión positiva y escribió: “Parece que nunca se hace una concesión al funk convencional” y calificó la música de “efervescente”.
Ed Ward, de Rolling Stone, tuvo una opinión negativa y calificó la música de “sin rumbo” en comparación con los primeros trabajos de la banda.
Robert Christgau tuvo una opinión mixta y le otorgó al álbum una calificación de B.
“Trick Bag” es su séptimo álbum de estudio; el nombre proviene de su versión del sencillo homónimo de Earl King.
En la primavera de 1976, la banda estuvo de gira como teloneros de los Rolling Stones en su Tour of Europe '76. Según "Up from the Cradle of Jazz" de Jason Berry, varios temas de este álbum son grabaciones preliminares y se seleccionaron para su lanzamiento en ausencia de los miembros de la banda.
Stephen Erlewine tuvo una opinión negativa y criticó el intento del álbum de sonar convencional. Señaló tres canciones como excepciones: "Mister Moon", "Doodle Loop" y "Honky Tonk Women".
Joe McEwen, de Rolling Stone, criticó la selección de canciones y el intento de complacer al mercado comercial. Dijo que dos canciones encajan con el estilo de la banda: "Doodle Loop" y "Chug-a-Lug", y tuvo una opinión positiva de la canción principal, "Trick Bag".
Robert Christgau también criticó la selección de canciones y tuvo una opinión positiva de la canción principal.
De 1976 a 1977, tocaron en The Wild Tchoupitoulas con George y Amos Landry y The Neville Brothers.
“New Directions” es el octavo y último álbum de estudio de la banda. Fue lanzado en 1977, producido por David Rubinson en California, y es el único álbum de la banda grabado fuera de Nueva Orleans. El álbum cuenta con la sección de vientos Tower of Power, con sede en Oakland.
John Swenson de Rolling Stone dijo que el álbum "intenta consolidar el estilo del grupo" y notó una confianza excesiva en los arreglos en lugar del instinto musical de la banda.
Stephen Erlewine de AllMusic calificó la música como cruda y un paso en la dirección correcta en comparación con el álbum anterior de la banda, “Trick Bag”.
Robert Christgau lo llamó "un muy buen disco de funk comercial".
Art y Cyril Neville dejaron la banda a principios de 1977, pero The Meters siguieron apareciendo en Saturday Night Live el 19 de marzo de 1977, durante la segunda temporada del programa.
Tras la salida de los Neville, David Batiste Sr. se unió a los teclados y Willie West se convirtió en el cantante principal de la banda.
Porter dejó el grupo más tarde ese mismo año y, para 1980, The Meters se disolvieron oficialmente.
Tras la separación, Neville continuó su carrera como parte de The Neville Brothers. Modeliste realizó giras con Keith Richards y Ron Wood, mientras que Nocentelli y Porter se convirtieron en músicos de sesión muy solicitados y formaron nuevas bandas.
Tras la separación, Porter Jr. formó una banda llamada Joyride.
Porter tocó con Joyride y con muchos otros músicos de Nueva Orleans en la década de 1980.
En 1989, Art Neville, George Porter Jr. y Leo Nocentelli se reunieron como The Meters, incorporando al baterista Russell Batiste Jr. en reemplazo de Zigaboo Modeliste.
Nocentelli dejó el grupo en 1994 y fue reemplazado por el guitarrista Brian Stoltz, exintegrante de The Neville Brothers.
La banda pasó a llamarse The Funky Meters. Ya en 1989 se les conocía como "los Funky Meters". Se anunciaban como tales cuando tocaban en un pequeño local llamado Benny's Bar, en las calles Valence y Camp de Nueva Orleans.
En 1990, Porter formó una banda llamada The Runnin' Pardners; una banda que todavía toca hoy.
También en la década de 1990, Porter se convirtió en un bajista muy codiciado en el estudio tocando con artistas como David Byrne y Tori Amos.
The Funky Meters continuaron tocando en la década del 2000. Stoltz fue reemplazado por el hijo de Art Neville, Ian Neville, de 2007 a 2011, mientras que Stoltz continuó su carrera en solitario aunque regresó a la banda definitivamente en 2011.
En 2000, una gran oferta animó a los cuatro Meters originales a reunirse para una actuación de una noche en el Teatro Warfield de San Francisco; para entonces, Modeliste quería que la reunión fuera permanente, pero los demás miembros y sus equipos de gestión se opusieron.
No fue hasta que Quint Davis, productor y director del Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans, los convenció de "dejar de lado sus diferencias y concretar los detalles" y actuar en el Festival en 2006.
Este fue el primer Festival de Jazz desde el huracán Katrina, por lo que el hecho de que los Meters se reunieran para ello significó mucho para la ciudad.
Porter aparece en escenas de su actuación en el documental de 2005 “Make It Funky!”, dirigido, escrito y coproducido por Michael Murphy.
Subtitulado en la versión original como "Todo empezó en Nueva Orleans", el filme presenta la historia de la música de Nueva Orleans y su influencia en el rhythm and blues, el rock and roll, el funk y el jazz.
El estreno en cines estaba previsto para septiembre de 2005, pero la distribuidora Sony Pictures Releasing lo retiró para que no pareciera que estaban aprovechando comercialmente la devastación causada por el huracán Katrina.
Con un concierto del 27 de abril de 2004 en el Teatro Saenger de Nueva Orleans como telón de fondo, la película también incluye imágenes de archivo de actuaciones, fotografías y entrevistas con numerosos músicos y otras personas involucradas en los inicios y el auge de la música neoorleanesa.
La película está narrada por Art Neville, y entre los entrevistados se encuentran también los pioneros musicales locales Allen Toussaint, Lloyd Price, Irma Thomas y Aaron Neville; los músicos contemporáneos neoorleanses Kermit Ruffins y Trombone Shorty; así como los músicos de rock Bonnie Raitt y Keith Richards, quienes describen la influencia de la música neoorleansiana en sus carreras.
El texto inicial de la pantalla afirma: “La historia de cómo se creó esta música refleja una lucha por la igualdad social y racial entre los estadounidenses negros y blancos. También es una historia de cómo la música puede unir, elevar y, en el caso de Nueva Orleans, crear un sonido que influyó en el mundo”.
En la película, toca con Snooks Eaglin y su banda en "Come On (Let the Good Times Roll)", y aparece en clips con otros músicos, incluido Art Neville.
En junio de 2011, The Original Meters, junto con Allen Toussaint y Dr. John, actuaron en el Festival de Música y Artes Bonnaroo en Manchester, Tennessee.
Los seis músicos interpretaron canciones del álbum de Dr. John, “Desitively Bonnaroo”, grabado originalmente con The Meters, ante un lleno total.
The Original Meters también tocaron en la Voodoo Experience de 2011 en Nueva Orleans.
El 5 de mayo de 2012, The Meters regresaron a Nueva Orleans para una actuación en el Howlin' Wolf, con entradas agotadas.
A finales de 2012, Zigaboo Modeliste, Leo Nocentelli y George Porter Jr. tocaron en conciertos con el tecladista de Phish, Page McConnell, bajo el nombre de The Meter Men.
The Meter Men habían realizado 16 shows juntos hasta la primavera de 2015, con su tercera aparición anual como acto nocturno durante el Jazz and Heritage Festival de Nueva Orleans.
En 2014, durante la segunda aparición de The Meter Men como acto nocturno durante el Jazzfest, la banda actuó en The Republic el 26 de abril de 2014, después de que McConnell encabezara el NOLA Jazzfest en el recinto ferial de Nueva Orleans con Phish ese mismo día. The Meter Men también habían tocado la noche anterior en The Republic.
A partir de la primavera de 2015, The Meter Men se presentaron en Massachusetts, Nueva York, Florida, Pensilvania, Luisiana, Colorado y Vermont. También actuaron en Washington, D. C.
A partir de 2017, The Funky Meters realizaron giras constantes, interpretando canciones de The Meters, mientras que The Meters actuaban esporádicamente.
La formación de Neville, Porter, Nocentelli y Modeliste solía presentarse como The Original Meters para evitar confusiones con The Funky Meters.
Cuando no toca con The Original Meters, el guitarrista Leo Nocentelli lidera su propio grupo, The Meters Experience, que también interpreta la música de The Meters.
La última actuación de los Meters originales (con los cuatro miembros fundadores) fue en el Festival Arroyo Seco en Pasadena, California, el 25 de junio de 2017.
Art Neville anunció su retiro de la música el 18 de diciembre de 2018. Neville murió el 22 de julio de 2019.
Desde el huracán Katrina, Porter ha realizado trabajo activista con otros músicos de Nueva Orleans, informando a la gente sobre los peligros de la erosión de los humedales que amenazan el futuro de la ciudad.
Porter sigue girando regularmente con Runnin' Pardners, Joyride y The Funky Meters. Toca esporádicamente con los cuatro miembros originales de The Meters, ahora conocidos como The Original Meters, y también colabora frecuentemente con otros músicos, muchos de ellos de Nueva Orleans.
El 24 de febrero de 2018, Porter acompañó a Dead & Company durante su concierto en Nueva Orleans en el Smoothie King Center, tocando el bajo en varias canciones, incluyendo "Smokestack Lightning" y "Bertha", y como vocalista principal en "Sugaree".
Toca esporádicamente con Steve Kimock en varios proyectos, incluido Voodoo Dead.
Algo de su carrera en solitario
"Runnin' Partner", publicado por Rounder Records en 1990, fue su debut en solitario, y en él se muestra no solo como un instrumentista de primer nivel, sino también como un vocalista y compositor de primer nivel.
Destacando "Runnin' Partner", se encuentran dos contribuciones del guitarrista estrella Earl King: "Rough Spots" y "Don't You Make Me Ig'nunt". King también colabora en estos dos temas, a los que Porter les da un toque de ritmo rápido y funk.
El resto del álbum fue escrito por Porter, y el material varía desde la diversión ligera de "Happy Song", pasando por la alegre canción principal al estilo de George Benson, hasta el funk pesado de "Concentrate on Work" (en la que la banda pasa de un ritmo tipo Ohio Players a un órgano de blues espeso de Ron Levy).
La potente voz de Porter maneja la variada gama de canciones con facilidad, aunque las letras son generalmente bastante simplistas y excesivamente repetitivas.
La sección de vientos, con su firmeza, brilla en todo momento, con una fuerza y energía que igualan a las del propio Porter. Aunque "Runnin' Partner" termina flojamente con los cortes pop/jazz "More BTU's" y "DTP" y la melosa "I Wish", en general es un álbum potente.
Desde entonces ha sacado varios discos tanto en solitario como acompañado por sus Runnin' Pardners.
Para consolidar adecuadamente la banda, George Porter Jr. & Runnin' Pardners grabaron su álbum debut, “Things Ain't What They Used To Be — Live From New Orleans”, en 1994, pero sería más de media década después que la banda se reuniría en el estudio para grabar y lanzar su segundo trabajo, “Funk 'N' Go Nuts”.
Desde el cambio de milenio, Porter & Runnin' Pardners han grabado y lanzado ocho álbumes, en una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio colectivamente, siendo el más reciente “Porter's Pocket” (Color Red Records) de 2024.
La encarnación actual de la banda consiste en Porter manejando gloriosamente el bajo, Michael Lemmler en los teclados, Terrence Houston en el set de trap y Chris Adkins en la guitarra principal.
“Porter's Pocket” consta de ocho canciones completas que abarcan una gran variedad de estilos, desde el funk hasta el soul y el jazz.
Se destaca como una de las propuestas más atractivas del sello durante el último año.
El liderazgo de Porter nunca deja de sorprender cada vez que plasma su mente y sus habilidades revolucionarias en música, y este es un ejemplo constante de ello.
“Tito's Dumpling Machine” posee todas las cualidades que los aficionados al vinilo con groove raro siempre han buscado en Porter.
Abundantes ritmos de batería, un sincopado de Nueva Orleans y un solo de órgano Hammond funky saciarán con creces el antojo de los Meters de la vieja escuela. Porter Jr. permite que su banda Runnin' Pardners impulse la canción mientras George hace lo que mejor sabe hacer: mantener el ritmo.
La canción comienza con un ritmo de batería sacado directamente de “Uptown New Orleans 1970”, lo que parecería una elección extraña para el sencillo principal de un disco, pero como dice Porter, "mi actitud siempre ha sido que el baterista define hacia dónde va la canción y por eso disfruto mucho dejando que un baterista configure la melodía".
Además de liderar su propia banda y colaborar con superestrellas como Robert Palmer, Patti Labelle, Tori Amos y miembros de Grateful Dead, entre otros, la carrera de Porter también podría rastrearse por un linaje de grandes bateristas con los que ha tocado, incluidos Zigaboo Modeliste de los Meters, Russell Batiste Jr. y, más recientemente, Terrence Houston.
Innovador de la música funky, Porter atribuye el mérito a su ciudad natal: "Antes de que existiera el 'funk', como lo llaman, los músicos de Nueva Orleans siempre supieron usar el ritmo como nadie más. Soy solo un estudiante de Earl King y George French y de esa escuela de música, y en algún momento, la gente de allá decidió que era 'funk'".
Porter Jr & Runnin' Pardners continúan con su residencia semanal en Nueva Orleans, en el reconocido Maple Leaf Bar, además de una gira incesante por todo el país en salas y festivales de vanguardia.
El 21 y 22 de diciembre, la banda fue seleccionada para abrir una gira de dos noches como teloneros de The Black Crowes en el Teatro Capital de Portchester, Nueva York.
Discografía
En solitario
Runnin' Partner (1990)
It's Life (2007)
It’s Time To Funk” EP (2015)
Con Runnin' Pardners
Things Ain't What They Used to Be (1994)
Count On You (1994)
Funk This (1997)
Funk 'n' Go Nuts (2000)
Can’t Beat The Funk (2011)
Crying For Hope (2022)
Porter's Pocket (2025)
Con The Meters
Álbumes de estudio
The Meters (1969)
Look-Ka Py Py (1969)
Struttin' (1970)
Cabbage Alley (1972)
Rejuvenation (1974)
Fire on the Bayou (1975)
Trick Bag (1976)
New Directions (1977)
Álbumes compìlatorios
Cissy Strut (1974)
The Best of the Meters (1975)
The Best of the Meters 71–75 (1976)
Second Line Strut (1980)
Here Come the Metermen (1986)
Struttin' (1987)
Good Old Funky Music (1990)
Funky Miracle (1991)
The Original Funkmasters (1992)
Meters Jam (1992)
Fundamentally Funky (1994)
Crescent City Groove Merchants (1994)
Funkify Your Life: The Meters Anthology (1995)
Best of the Meters (1996)
The Very Best of the Meters (1997)
Kickback (2001)
The Essentials (2002)
Zony Mash (2003)
Here Comes the Meter Man (The Complete Josie Recordings 1968–1970) (2011)
Original Album Series (2014)
A Message from the Meters: The Complete Josie, Reprise & Warner Bros. Singles 1968–1977 (2016)
Gettin' Funkier All the Time: The Complete Josie/Reprise & Warner Recordings 1968–1977 (2020)
Álbumes en directo
Uptown Rulers: The Meters live on the Queen Mary (1975)
Live at the Moonwalker (1993)
Second Helping (Live at the Moonwalker) (1994)
Fiyo at the Fillmore, Volume 1 (2001)
Colaboraciones
In the Right Place - Dr. John (Atco Records, 1973)
Sneakin' Sally Through the Alley - Robert Palmer (Island Records, 1974)
Nightbirds - Labelle (Epic Records, 1974)
Desitively Bonnaroo - Dr. John (Atco Records, 1974)
Keep On Lovin' You - Z. Z. Hill (Hill Records, 1975)
Phoenix - Labelle (Epic Records, 1975)
Patti LaBelle - Patti LaBelle (Epic Records, 1977)
New Orleans Heat - Albert King (Tomato Records, 1978)
Victory Mixture - Willy DeVille (Sky Ranch Records, 1990)
Storyville - Robbie Robertson (Geffen, 1991)
Uh-Oh - David Byrne (Warner Bros. Records, 1992)
Soul of the Blues - Solomon Burke (Black Top Records, 1993)
There's Room for Us All - Terrance Simien (Black Top Records, 1993)
Under the Pink - Tori Amos (Atlantic Records, 1994)
Boys for Pele - Tori Amos (Atlantic Records, 1996)
From the Choirgirl Hotel - Tori Amos (Atlantic Records, 1998)
Maestro - Taj Mahal (Heads Up, 2008)
Bible Belt - Diane Birch (S-Curve Records, 2009)
Let It Burn - Ruthie Foster (Blue Corn, 2011)
Good Road to Follow - John Oates (Elektra Records, 2014)
Miami Moon - Devon Allman (Create Records, 2024)
Fuentes: rollingstone.com, georgeporterjr.com, trageser.com, goldminemag.com, bassmagazine.com, Wikipedia y Flickr.com
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Socio 104