Aston “Family Man” Barrett
Aston Francis Barrett, a menudo llamado "Family Man" o "Fams" para abreviar, fue un músico jamaicano y rastafari.
Fue conocido principalmente como el bajista y líder de la banda de Bob Marley and The Wailers, así como coproductor de los álbumes y responsable de los arreglos generales de las canciones.
Como la mitad de la sección rítmica de los Wailers de Bob Marley, Aston Barrett y su hermano menor, Carlton, desempeñaron un papel fundamental en la introducción del ritmo one-drop del reggae a audiencias internacionales.
Pero la influencia del autoproclamado "Arquitecto del Reggae" se extendió mucho más allá de ese género, llegando al pop, el R&B y el funk: su enérgica línea de bajo en el tema instrumental de 1969 "The Liquidator", de los Harry J. All Stars, terminaría sirviendo como modelo directo para el éxito de los Staples Singers, "I'll Take You There", tres años después.
"La batería es el latido del corazón, y el bajo, la columna vertebral", dijo Barrett en una ocasión.
"Si el bajo no está bien, la música va a tener problemas de espalda, así que quedaría paralizada".
Barrett estaba profundamente conectado con la narrativa de su líder de los Wailers, prestando mucha atención a las composiciones de Marley antes de crear sus propias líneas de bajo.
“Es como si cantara como barítono”, dijo una vez refiriéndose a su trabajo como bajo.
“Creo una línea melódica cada vez”.
¿Cómo sería el sonido de Elvis Presley sin el guitarrista Scotty Moore, o los ritmos funk de James Brown sin la trompeta de Fred Wesley?
Es difícil pensar en Bob Marley sin un Aston “Family Man” Barrett.
Conocido como el ‘hombre de familia’, debido a su voluminosa descendencia, padre de 41 hijos, abuelo de 23 y bisabuelo de muchísimos.
Aston Barrett fue una institución en el reggae.
Sus líneas de bajo pesadas y onduladas produjeron los mayores éxitos de Bob Marley con canciones como “Kaya”, “Could You Be Loved”, “One Drop” y “Three Little Birds” deben gran parte de su éxito a su bajo melódico con el bajo Hofner ‘Beatle’ no reconocido en las raíces del reggae, lugar reservado principalmente para el Fender Jazz Bass, que ocupó un lugar destacado en los primeros años de Barrett.
Fue el multiinstrumentista Aston “Family Man” Barrett quien mantuvo los graves del sonido de la banda, sin mencionar actuar como arreglista y coproductor.
Aston Francis Barrett nació el 22 de noviembre de 1946 en Kingston, Jamaica.
Fue el cuarto de cinco hijos, y el primer varón, de Wilfred y Violet Barrett.
Barrett cantó música soul cuando era niño, luego aprendió a tocar el bajo y construyó su primer bajo con madera contrachapada, un cenicero y una barra de cortina.
De jóvenes, Barrett y su hermano menor, Carlton, se ganaban la vida modestamente como soldadores mientras realizaban trabajos ocasionales como músicos de sesión.
A mediados de la década de 1960, se unió al grupo Hippy Boys, que tocaba en varios bares de mala muerte de Kingston, acompañando al cantante Max Romeo.
The Hippy Boys fue una banda jamaicana formada en 1968 por Lloyd Charmers.
La banda incluía al guitarrista Alva "Reggie" Lewis, al organista Glen Adams y a los hermanos Aston 'Family Man' Barrett en el bajo y Carlton Barrett en la batería.
Tras el éxito de "Return of Django" en las listas de sencillos del Reino Unido en 1969, los Gladdy's All-Stars, posteriormente The Upsetters, fueron invitados a una gira de seis semanas por el Reino Unido.
Sin embargo, cuando otros compromisos impidieron que los All Stars participaran, se reclutó a los Hippy Boys para realizar la gira posterior en el Reino Unido.
Los recién formados Hippy Boys se convirtieron en los nuevos Upsetters para la gira, lo que provocó que en el futuro se les confundiera frecuentemente con los Upsetters originales.
Esto llevó al productor Bunny Lee a llevar a Barrett al estudio en 1968, dando como resultado la exitosa adaptación de Slim Smith de "For What It's Worth" de Buffalo Springfield (retitulada "Watch This Sound").
Posteriormente, los hermanos Barrett participaron en canciones de reggae que alcanzaron el top ten del Reino Unido a finales de 1969, incluyendo la irreverente "Wet Dream" de Max Romeo y el tema instrumental de órgano "The Liquidator".
En noviembre de ese mismo año, realizaron una gira por el Reino Unido con los Upsetters, tras el éxito en las listas del tema instrumental "Return of Django", a pesar de no haber participado en la grabación del disco.
A su regreso a Jamaica, Barrett grabó piezas instrumentales de órgano para productores como Lee, Karl “JJ” Johnson y Lloyd Patterson, antes de formar Youth Professionals, un grupo residente en un club de striptease del centro de la ciudad, al que Downie se unió cuando aún estaba en la escuela.
El grupo apoyó el popular tema "Walk a Little Prouder" de Carl Dawkins y algunos sencillos con el DJ Charlie Ace antes de transformarse en Rhythm Force, tocando en el primer sencillo de Augustus Pablo, "Skanking Easy", y en sencillos de 45 rpm de The Ethiopians, Cornel Campbell y Horace Andy.
Durante este tiempo, los miembros de The Upsetters, Aston "Family Man" Barrett (bajo) y su hermano Carlton Barrett (batería), fueron reclutados como acompañamiento instrumental para The Wailers, especialmente en los álbumes “Soul Rebels” y “Soul Revolution Part II”.
Para 1972, los hermanos Barrett se habían unido a los Wailers de forma permanente.
En 1972, estando en Londres, los Wailers le pidieron a su mánager de gira, Brent Clarke, que los presentara a Chris Blackwell, quien había licenciado algunos de sus lanzamientos de Coxsone para su sello Island Records.
Los Wailers sentían que les correspondían regalías por estos lanzamientos.
Blackwell no estaba convencido, pero le impresionó su carácter; pensó que "irradiaban poder y aplomo" a pesar de ser pobres.
A pesar de no haber visto a la banda tocar en vivo, les adelantó 4000 libras esterlinas para grabar un álbum y ni siquiera les exigió que firmaran nada, pues sentía que merecían una oportunidad.
Jimmy Cliff, la principal estrella de reggae de Island, había dejado recientemente el sello. Su partida pudo haber preparado a Blackwell para encontrar un reemplazo.
En Marley, Blackwell reconoció los elementos necesarios para atraer al público del rock: "Estaba trabajando con música rock, que era música realmente rebelde. Sentí que esa sería la manera de abrirle las puertas a la música jamaicana. Pero se necesitaba a alguien que pudiera encarnar esa imagen. Cuando Bob entró, realmente encarnó esa imagen".
Los Wailers regresaron a Jamaica para grabar en Harry J's en Kingston, lo que dio como resultado los temas fundamentales que conformarían el álbum “Catch a Fire”.
Grabado principalmente en una grabadora de ocho pistas, “Catch a Fire” marcó la primera vez que una banda de reggae tuvo acceso a un estudio de última generación y recibió el mismo cuidado que sus compañeros del rock 'n' roll.
El álbum fue grabado en 1972 en tres estudios diferentes en Kingston, Jamaica – Dynamic Sound, Harry J's y Randy's, respectivamente – en cinta de ocho pistas por el ingeniero Sylvan Morris.
Según Aston Barrett, "algunas de las canciones habían sido grabadas antes... en diferentes estudios y con diferentes músicos, pero les dimos ese ritmo estricto y sacamos más sentimiento de ellas".
"Baby We've Got a Date (Rock It Baby)" es similar a "Black Bitter", grabada en una sesión anterior.
Los músicos consistieron en Marley en voz y guitarra acústica, Peter Tosh en voz, guitarra y teclados, Bunny Wailer en coros y bongos, Aston "Family Man" Barrett en bajo y Carlton Barrett en batería.
Además, Robbie Shakespeare tocó el bajo en "Concrete Jungle" y "Stir It Up", Tyrone Downie tocó el órgano en "Concrete Jungle" y "Stir It Up", Winston Wright tocó el órgano en todas las demás pistas, y Alvin "Seeco" Patterson tocó los tambores akete en varias pistas.
Los coros femeninos fueron interpretados por Rita Marley y su amiga Marcia Griffiths y Tommy McCook tocó la flauta.
Las letras de las canciones tratan sobre la injusticia política hacia los negros y la pobreza, como ocurre en gran parte de su producción musical.
“Catch a Fire” trata sobre “el estado actual de la pobreza urbana”, y “Slave Driver” “conecta el presente con las injusticias del pasado”.
Sin embargo, la política no es el único tema; “Stir It Up”, por ejemplo, es una canción de amor.
El lanzamiento original en vinilo de 1973, diseñado por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner, estaba encerrado en una funda que representaba un encendedor Zippo.
La funda funcionaba como una caja de encendedor Zippo real, abriéndose por una bisagra lateral para revelar el disco en su interior.
Solo la primera edición de 20.000 copias tenía la portada Zippo; debido a que cada portada tenía que ser remachada a mano, lo cual no era rentable, las ediciones posteriores tenían una portada alternativa diseñada por John Bonis, que presentaba un retrato de Esther Anderson de Marley fumando un "spliff", con el álbum ahora acreditado a Bob Marley and the Wailers.
Poco después del lanzamiento del álbum, la policía jamaicana allanó la casa de Anderson y confiscó la foto de la portada y la película, que nunca fueron devueltas.
Las copias del disco de las ediciones originales se han convertido desde entonces en artículos de colección.
La portada original se reprodujo en 2001 para la edición de lujo en disco compacto .
El primer lanzamiento de las sesiones del álbum fue el sencillo "Baby We've Got a Date", publicado a principios de 1973 por la filial Blue Mountain de Island.
“Catch a Fire” se publicó el 13 de abril de 1973 por el sello Island con una gira de apoyo.
El álbum vendió alrededor de 14.000 copias en sus primeras semanas, y alcanzó el puesto número 171 en la lista Billboard 200 y el número 51 en la lista Billboard R&B.
“Catch a Fire” ha sido reeditado por diferentes sellos discográficos con distintas duraciones de las pistas.
En 2001, se lanzó una edición especial que contenía las versiones inéditas y sin sobregrabaciones ("Jamaicanas") de las canciones en la primera cara y el álbum original con sobregrabaciones en la segunda.
Mobile Fidelity Sound Lab lanzó una versión en Ultradisc II en 1995.
En 2000 se estrenó un documental sobre el álbum, dirigido por Jeremy Marre, que incluía entrevistas con los músicos e ingenieros que trabajaron en él, imágenes de archivo de actuaciones y vídeos caseros grabados por los miembros de la banda.
La gira de apoyo del álbum comenzó en 1973 en el Reino Unido y luego se trasladó a los Estados Unidos.
En Inglaterra, realizaron 19 conciertos en universidades y clubes.
Mientras estaban en Londres, la banda actuó en los programas de la BBC The Old Grey Whistle Test y Top Gear.
La etapa británica de la gira fue la última vez que el cantante Bunny Wailer actuó con The Wailers; la razón de su partida fue su descontento con el proceso de marketing y promoción del disco, que hacía que las giras fuera de Jamaica fueran difíciles, siendo factores que contribuyeron la dificultad de encontrar comida adecuada a su estricta dieta Ital y otros choques culturales como rastafari.
Después de la partida de Bunny de la gira, Tosh consultó con Marley y finalmente eligió a Joe Higgs como reemplazo.
Blackwell contrató al promotor de conciertos Lee Jaffe para reservar conciertos en Norteamérica.
The Wailers actuaron en Paul's Mall en Boston y luego tres conciertos en la ciudad de Nueva York, junto con la E Street Band de Bruce Springsteen; en octubre, fueron teloneros de Sly and the Family Stone en Las Vegas.
Estos conciertos marcaron un paso importante hacia el reconocimiento internacional.
Las tensiones en torno al marketing, las promociones y los ingresos de la gira continuaron, lo que provocó la salida de Peter Tosh.
De vuelta en Jamaica, el grupo acordó grabar álbumes en solitario, y sus primeros sencillos se publicaron bajo su sello discográfico Tuff Gong Records, con sede en 56 Hope Road en Kingston.
La recepción crítica de “Catch a Fire” fue positiva.
El crítico de Village Voice, Robert Christgau, dijo: "La mitad de estas canciones son dignas de San Juan el Divino", y "El bajo y la batería de los hermanos Barrett salvan del olvido a las que no lo son".
Los críticos de Rolling Stone también elogiaron la interpretación de los hermanos, concluyendo que "Catch a Fire es un debut fulgurante".
Según la reseña, "'Concrete Jungle' y 'Slave Driver' vibran con una inmediatez callejera, mientras que 'Kinky Reggae' y 'Stir It Up'... se deleitan en la vasta capacidad de la música para el ska bailable. 'Stop That Train' y '400 Years', ambas escritas por Peter Tosh, indican que los Wailers originales no eran estrictamente un espectáculo de un solo hombre".
Los críticos han calificado a "Catch a Fire" como uno de los mejores álbumes de reggae de todos los tiempos.
Vik Iyengar de AllMusic comenta que "Marley continuaría cosechando un gran éxito de crítica y comercial durante la década de 1970, pero Catch a Fire es uno de los mejores álbumes de reggae jamás creados. Este álbum es esencial para cualquier colección de música".
Rolling Stone clasificó el álbum en el puesto número 123 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, pasando al puesto 126 en una lista revisada de 2012, la segunda posición más alta para un álbum de reggae; solo "Legend", clasificado más arriba en el puesto número 46.
Posteriormente fue clasificado en el puesto número 140 en la reedición de la lista de 2020.
Escribiendo en el blog de arte de The Spectator en 2012, David Rodigan lo describió como "sencillamente, uno de los mejores álbumes de reggae jamás creados".
El álbum fue votado como el número 285 en la tercera edición de los "1000 mejores álbumes de todos los tiempos" de Colin Larkin (2000).
El uso del nombre del grupo Bob Marley and the Wailers en los álbumes en solitario de Bob Marley ha generado mucha confusión en cuanto a la identidad y el marketing del catálogo de The Wailers.
Esto se debe a la confusión generada por su compañía, Tuff Gong Records (registrada en 1973), y la compañía de nombre similar Tuff Gong International (registrada por el patrimonio de Bob Marley en 1991); esto derivó en el "Acuerdo de Conciliación de Tuff Gong" de 1999, que buscaba separar el catálogo del grupo del catálogo en solitario de Bob Marley.
El lanzamiento simultáneo de “Catch a Fire” bajo ambos nombres de grupo fue el origen de esta confusión de marketing.
“Burnin'” es el sexto álbum del grupo, lanzado en octubre de 1973.
Fue compuesto por los tres miembros y grabado y producido por The Wailers en Jamaica, simultáneamente con las canciones del álbum “Catch a Fire”, con grabación, mezcla y finalizaciones adicionales durante la gira “Catch a Fire” en Londres.
Contiene la canción "I Shot the Sheriff" y fue el último álbum antes de que Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer decidieran emprender carreras en solitario, aunque continuaron con sus lanzamientos locales a través de su compañía Tuff Gong Records.
Con gran éxito comercial y de crítica en Estados Unidos, “Burnin'” obtuvo la certificación de Oro y posteriormente fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones, siendo en la Biblioteca del Congreso considerado de gran importancia histórica y cultural.
El álbum fue grabado en el estudio de Harry J en Kingston, Jamaica, con los Wailers como productores.
Fue mezclado y sobregrabado por Chris Blackwell en los estudios Basing Street de Island Records en Londres durante la primavera de 1973 mientras la banda estaba de gira promocionando su álbum anterior, “Catch a Fire”.
“Burnin'” comienza con una de las canciones más conocidas de The Wailers, el llamado a la acción "Get Up, Stand Up" e incluye un tono más confrontativo y militante que los discos anteriores, como en otro estándar de los Wailers convertido en un éxito número uno por Eric Clapton, "I Shot the Sheriff".
Las canciones "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On" son regrabaciones de canciones previamente lanzadas en sus coproducciones con el sello Upsetters de Lee Perry.
En su reseña para “Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies” (1981), Robert Christgau escribió: "Esto es tan desconcertante como jubiloso; a veces cautivador, a veces escurridizo. Es reggae, obviamente, pero no es reggae comercial, ciertamente no es rock ni soul, tal vez una especie de funk lento futurista, War sin el pseudo-jazz. Lo ineludible es el feroz don de The Wailers para la propaganda melódica. Una cosa es crear cuatro estribillos consecutivos para los títulos, otra muy distinta es que los títulos sean 'Get Up Stand Up', 'Hallelujah Time', 'I Shot the Sheriff', 'Burnin' and Lootin''.
En 2003, el álbum ocupó el puesto número 319 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.
El álbum mantuvo la misma posición en una actualización de la lista de 2012.
En 1974, Livingston dejó la banda debido a varios desacuerdos con Blackwell, entre ellos, no haber recibido el pago por la etapa inglesa de su gira “Burnin'” y su negativa a tocar en los "clubes de rarezas" que Island había contratado para la banda.
Tosh creía que el productor Blackwell, a quien llamaba despectivamente "Chris Whiteworst", era el responsable de la mala relación entre los miembros de la banda.
Pensaba que Blackwell favorecía a Marley por encima del resto de la banda, dándole más atención y dinero, y con la decisión de lanzar sus álbumes bajo el nombre de Bob Marley and the Wailers en lugar de The Wailers.
Marley continuó con una nueva formación, que incluía a Aston Barrett (bajo), Carlton Barrett (batería), Junior Marvin (guitarra solista), Al Anderson (guitarra solista), Tyrone Downie (teclados), Earl "Wya" Lindo (teclados) y Alvin "Seeco" Patterson en la percusión.
Además, las I-Threes proporcionaron coros femeninos.
Las tres integrantes de las I-Threes eran la esposa de Marley, Rita Marley, Judy Mowatt y Marcia Griffiths.
Su nombre es un juego de palabras con el concepto rastafari "Yo y yo" de la Divinidad dentro de cada persona.
Su siguiente álbum, “Natty Dread”, es una declaración política y social con una fuerte carga espiritual.
Comienza con "Lively Up Yourself", una celebración positiva del ska, el reggae y el sexo con influencias del blues.
La demo original, aún inédita, de la versión de Island Records de "Lively Up Yourself" se grabó en 1973.
“No Woman, No Cry”, la segunda canción, es probablemente la grabación más conocida del álbum.
Es un recuerdo nostálgico de crecer en las calles empobrecidas de Trenchtown, el gueto de Kingston, Jamaica, y la felicidad que brindaba la compañía de los amigos.
La canción ha sido interpretada por artistas tan diversos como Boney M. (cantada por Liz Mitchell), The Fugees, Pearl Jam, Jimmy Buffett, Rancid y Gilberto Gil.
El crédito de composición de “No Woman, No Cry” fue para V. Ford.
Vincent Ford, más conocido como “Tartar” entre sus amigos y vecinos, había sido un amigo cercano de Marley durante su infancia en Trenchtown.
Marley afirmó que habría muerto de hambre en varias ocasiones de niño de no ser por la ayuda de "Tartar".
La versión original de la canción era de estilo góspel, con Peter Tosh y algunos coros femeninos desconocidos, y fue grabada para Island Records en 1973.
"Them Belly Full (But We Hungry)" es una advertencia contra permitir que los pobres de una nación pasen hambre, con la advertencia profética "una multitud hambrienta es una multitud enfurecida", mientras que "Talkin' Blues" y "Revolution" profundizan en el controvertido comentario político.
"Rebel Music (3 O'Clock Roadblock)" es una reflexión sobre el impacto potencial de la música reggae en la sociedad jamaicana.
La canción fue escrita después de que Marley fuera detenido en un control policial nocturno.
La influencia de la creciente devoción de Marley al rastafarismo se puede escuchar en canciones de temática religiosa como "So Jah Seh", "Natty Dread" y "Lively Up Yourself", mientras que la reputación de Marley como romántico se confirma con canciones suaves y seductoras como "Bend Down Low".
La canción que da título al álbum toma su nombre de una personificación idealizada del movimiento rastafari, Natty Dread.
Aunque en las notas del álbum figuran varios compositores, entre ellos familiares, amigos y miembros de la banda, todas las canciones fueron escritas por Marley.
Marley estaba involucrado en una disputa contractual con su antigua editorial, Cayman Music.
Marley no quería que sus nuevas canciones se asociaran con las Islas Caimán y se había especulado, incluso en su obituario en The Independent, que las había puesto a nombre de sus amigos y familiares cercanos como una forma de evitar las restricciones contractuales y como una manera de "brindar ayuda duradera a familiares y amigos cercanos".
El exmánager de Marley, Danny Sims, demandó para obtener regalías y derechos de propiedad sobre las canciones, alegando que Marley las había escrito, pero que había cedido el crédito a Ford para evitar cumplir con los compromisos adquiridos en contratos anteriores.
Un fallo judicial de 1987 falló a favor de los herederos de Marley, quienes asumieron el control total de las canciones.
“Natty Dread” fue lanzado el 25 de octubre de 1974 por Island y Tuff Gong.
En 1975, este álbum fue mencionado en algunas revistas de audio como listo para ser lanzado en cinta cuadrafónica de 8 pistas.
Esto nunca sucedió. Sin embargo, las mezclas cuadrafónicas de "Lively Up Yourself" y "No Woman No Cry" se han pirateado a partir de las cintas maestras y están disponibles en internet.
En 2001, Universal Records lanzó una edición remasterizada de “Natty Dread” que incluía una pista adicional.
Publicado en Estados Unidos en mayo de 1975, el álbum alcanzó la primera mitad de la lista Billboard 200, en el puesto número 92.
Cuando se publicó en el Reino Unido en octubre de 1974, tuvo aún más éxito, llegando al puesto número 43.
En 2003, el álbum fue clasificado en el puesto n° 181 en la lista de la revista Rolling Stone de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos", manteniendo la clasificación en una lista revisada de 2012.
En 2025, la publicación clasificó a "Them Belly Full (But We Hungry)" en el puesto n° 12 en su lista de "Las 100 mejores canciones de protesta de todos los tiempos".
El álbum también fue incluido en el libro “1001 álbumes que debes escuchar antes de morir”.
“Live!”, un álbum de 1975, fue grabado en directo durante un concierto en julio de 1975 en el Lyceum Theatre de Londres.
En 2016 se lanzó una edición de lujo de dos discos que incluye ambos conciertos utilizados para la grabación del álbum original.
Los conciertos de la banda en el Lyceum Theatre de Londres, los días 17 y 18 de julio de 1975, fueron grabados por Danny Holloway, empleado de Island Records, utilizando el estudio móvil de los Rolling Stones.
Las canciones seleccionadas fueron principalmente de la actuación del 17 de julio, con "Lively Up Yourself" (que no se tocó el día 17) del día 18.
“No estaba preparada para lo que vi esa noche”, recordó la fotógrafa de Sounds, Kate Simon (quien fotografió la portada del álbum “Kaya” de Marley de 1978).
“Era como ver a alguien tan guapo como Steve McQueen, tocando con un grupo inigualable, con una compenetración como nunca antes habías escuchado. Y no solo oías esa voz magnífica, sino que el mensaje era de fe, verdad y hacer lo correcto… Ver a alguien que cantaba sobre principios, y lo hacía de una manera que incluso a mí me hacía bailar, fue algo realmente especial”.
En el concierto del día 17, Chris Blackwell observó la reacción del público ante "No Woman, No Cry".
La producción estuvo a cargo de Bob Marley and the Wailers, Steve Smith y Chris Blackwell.
El álbum fue lanzado el 5 de diciembre de 1975 por Island Records como un LP de vinilo.
La primera versión en CD salió en 1987 con una versión extendida completa de "Lively Up Yourself" (a las 7:43) por error.
En 2001, “Live!” fue remasterizado y reeditado en CD con una pista extra: "Kinky Reggae" del concierto.
En 2017, se lanzó una edición doble llamada “Live! Deluxe Edition”, disponible en vinilo y CD, con grabaciones completas de las presentaciones del 17 y 18 de julio (un total de 22 pistas).
En su reseña en “Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies”, Robert Christgau escribió: “Los tempos apresurados pasan factura en cuanto al aura: "Trenchtown Rock" puede ser mucho más preciso, doloroso y extático; como la mayoría de los álbumes en directo, este se basa en material obvio. Pero el material también es selecto, a diferencia de la mayoría de los álbumes en directo, está adornado con un sonido distintivo y arreglos económicos, y los tempos obligan tanto al cantante como a la banda a momentos de intensidad salvaje e inesperada. Solía pensar que "No Woman, No Cry" de Natty Dread era la obra definitiva”.
El siguiente álbum de Bob Marley & the Wailers, “Rastaman Vibration” de 1976 , fue un éxito rotundo en Estados Unidos.
En su reseña para Rolling Stone en 1976, Robert Palmer afirmó que en el álbum Marley desempeña magistralmente "un doble papel como portavoz de los desfavorecidos del Tercer Mundo y como representante de un género musical popular altamente comercial".
Si bien carece de la fuerza y la complejidad de la formación anterior de los Wailers, "el oyente sensible y atento aprenderá de Rastaman Vibration algo del dolor, la rabia y la determinación de Shantytown, Jamaica, y quizás también algo de la fragmentación política y cultural de la comunidad", concluyó Palmer.
El crítico de Village Voice, Robert Christgau, dijo que si la primera cara del disco "hace parecer que el reggae se ha convertido en la palabra rastafari para boogie —incluso para una tragedia de Trenchtown recitada con toda la dureza de una imprecación contra la basura—, la dulzura impasible de la mayor parte de la segunda cara suena como una función de la distancia reflexiva, segura en su calma duramente conquistada. Algunas partes son incluso mejores".
"Rastaman Vibration" fue un gran éxito convirtiéndose en el primer lanzamiento de Bob Marley en alcanzar el top 10 de la lista Billboard 200 (llegando al número ocho), además de lanzar el sencillo más popular de Marley en Estados Unidos, "Roots, Rock, Reggae", el único sencillo de Marley en llegar a la lista Billboard Hot 100, alcanzando el número 51.
Los sintetizadores tienen un papel destacado en “Rastaman Vibration”, añadiendo un toque ligero a canciones que de otro modo serían enérgicas con fuertes elementos de guitarra rock.
Aunque en las notas del álbum figuran varios compositores, entre ellos amigos de la familia y miembros de la banda, todas las canciones fueron escritas por Marley.
En aquel momento, Marley estaba inmerso en una disputa contractual con su antigua editorial, Cayman Music.
Marley no quería que sus nuevas canciones se asociaran con Cayman y se especuló, incluso en su obituario publicado en The Independent, que las había puesto a nombre de sus amigos y familiares para eludir las restricciones contractuales y brindar apoyo duradero a su familia y amigos cercanos.
Vincent Ford, un amigo de la infancia de Jamaica, figura como compositor de "No Woman, No Cry " en el álbum “Natty Dread” de 1974, así como de las canciones "Crazy Baldhead" (con la esposa de Marley, Rita), "Positive Vibration" y "Roots Rock Reggae" de “Rastaman Vibration”, junto con "Inna De Red" y "Jah Bless" con el hijo de Marley, Stephen.
La canción "War" incluía letras extraídas directamente del texto de un discurso de Haile Selassie.
También en 1976, Bunny Wailer (Livingston) lanzó su álbum debut en solitario, “Blackheart Man”, con Marley y Tosh aportando coros y los Barretts formando la sección rítmica en algunos temas.
Peter Tosh también lanzó su primer álbum en solitario titulado “Legalize It”; Marley y Livingston recibieron créditos de coautoría en algunas de las canciones.
La mayoría de los integrantes de la banda The Wailers de entonces (los Barretts, Anderson, Downie) participaron en la grabación, con Rita Marley aportando coros.
Nota de Presidemente: Continuará.......
Fuentes: rollingstone.com, dirtyrock.info, magicpopblog.wordpress.com, Wikipedia y flickr.com