LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

[carlosmongo854]

Wao excelente post, ya he me encontrado varias bandas que nunca habia escuchado, muchas gracias mi lista de reproduccion de youtube te lo agradece jajajja.

[laura cristina23]

waoo excelente publicación, se nota que le dedicaste tiempo y sobre todo que te gusta todo esto porque no cualquiera se pone a hacer una recopilación de tal magnitud solo por hacerlo, la verdad es que la lista esta increible y me entretuvo un buen rato mientras oía unas buenas canciones de estos guitarristas que has nombrado. Saludos

[Presidemente]

En el puesto número 16


Derek Trucks


Guitarrista y compositor estadounidense fundador de The Derek Trucks Band . Se convirtió en miembro oficial de The Allman Brothers Band en 1999. En 2010, formó Tedeschi Trucks Band con su esposa, la cantante y guitarrista de blues Susan Tedeschi . Su estilo musical abarca varios géneros y ha aparecido dos veces en la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. Está considerado como uno de los más inspirados guitarristas de guitarra slide de la actualidad.





Derek Trucks vino al mundo un 8 de junio de 1979, su tío era Butch Trucks el batería original de los Allman Brothers y su padre le llamó así, Derek, en homenaje a Derek & The Dominos, la banda en la que Eric Clapton invitó a Duane Allman a tocar y juntos crearon el inmortal "Layla".

Su lugar de nacimiento, Jacksonville, Florida, es el mismo sitio donde se habían formado los Allman diez años antes. No fue el único miembro de la familia de los Allman al que nombraron en su honor, la huella de Duane Allman en el resto de integrantes de la banda seguía siendo tan profunda que el hijo de Dickey Betts se llama Duane, el hijo de Berry Oakley se llama Berry Duane Oakley, la última hija de Gregg Allman se llama Layla, e incluso el hermano menor de Derek Trucks se llama Duane. Parece evidente que el hueco dejado era difícil de llenar pero, como en la mitología universal, todos parecían estar esperando la llegada del heredero…

Derek no tardó mucho en despuntar, criado en base a una estricta dieta musical el sonido de Duane era parte de él casi desde su nacimiento, casi como si, además del nombre, le hubieran puesto un slide en el dedo nada más nacer. A los 8 años se hizo con su primera guitarra, una Jay acústica por la que pagó 5 dólares. Su primera eléctrica tampoco era una maravilla pero el niño era capaz de hacer diabluras con ella, el slide parecía el paso natural, tanto por aquello de la influencia, como por el hecho de que sus pequeñas manos infantiles lo tuvieran más fácil.

El destino quiso a llamar a su puerta en 1989. Los Allman Brothers volvieron a reunirse por primera vez desde el nacimiento de Derek para celebrar su 20 aniversario. Así que su padre invitó a su hermano, Butch Trucks y a varios miembros más de la banda para que fueran a verle, fueron Trucks, Warren Haynes, Allan Woody y Gregg Allman. Este se le acercó después del concierto y le dio uno de los "bottleneck" de Duane, la primera parte de su destino se había cumplido, en unos años pasaría a formar parte de la banda y el fantasma del mayor de los hermanos Allman volvería a pasearse por los escenarios, sobre todo cuando sus padres deciden comprarle la guitarra de sus sueños, una reedición del año 90 de una Gibson SG ’62.

Comenzó a destacar como guitarrista a muy corta edad, y a los 12 años ya había trabajado con algunos de los grandes nombres de la música americana, como Buddy Guy.

En 1994 forma la Derek Trucks Band junto a Todd Smallie, un músico de jazz y blues de Atlanta que toca el bajo. Para esa época ya ha tocado con Bob Dylan , Joe Walsh y Stephen Stills .

Al año siguiente, en 1995, a Smallie le siguió el baterista Yonrico Scott, quien inicialmente desempeñó el papel de percusionista, además de baterista, completando la primera sección rítmica de la banda .

En 1997 aparece su disco de debut, The Derek Trucks Band, en el que se puede comprobar como sus influencias se han ido ampliando, apareciendo la enorme huella dejada en él por grandes del jazz como John Coltrane o Wayne Shorter, además de su gusto por la música tradicional india, en especial Ali Akbar Khan, otra de las grandes influencias de su vida.

Ese mismo año Warren Haynes y Allan Woody dejan los Allman Brothers para formar Gov’t Mule. Les sustituyen Oteil Burbirdge y Jack Pearson pero un par de años después Pearson abandona y Butch Trucks decide llamar a su sobrino para que aparezca en la gira del 30 aniversario. Con 20 años de edad se convierte en el miembro más joven de la historia de la banda.

El heredero ya ha llegado, pero las cosas en la banda no están en su mejor momento. Dickey Betts es el líder absoluto de la banda y el resto de miembros originales están resentidos con él. En el año 2000 aparece el disco en directo "Peakin' at the Beacon" que no es una de sus mejores actuaciones y al poco tiempo se produce la salida de Betts.

Al principio, los fans no pueden concebir unos Allman Brothers sin Betts, pero tras la vuelta de Warren Haynes la banda recuperará su mejor nivel, haciendo sus mejores actuaciones desde los tiempos de Duane y Dickey. Una de las mejores parejas de guitarristas de la historia se encuentra con unos herederos a su altura.

Como los primeros, la conexión entre Trucks y Haynes es casi telepática. Las dos guitarras principales vuelven a armonizar y a dialogar fluidamente como se puede comprobar en el único disco de estudio que llegaron a hacer con esta formación, "Hittin’ The Note", publicado en 2003. Canciones como "Desdemona" están entre lo mejor que ha hecho nunca la banda y el solo de Derek con el slide es capaz de hacer sentir escalofríos por la espalda. En directo se complementan a la perfección, prueba de ello es el notable "One Way Out", publicado en 2004, donde los dos guitarristas muestran un tremendo respeto por sus predecesores pero, a la vez, son capaces de mantener sus propias voces en composiciones míticas como "Dreams" o "Whipping Post".





Pero Trucks no olvida su carrera en solitario y en 2002 publica su primer disco notable con su propia banda, Joyful Noise, donde intenta demostrar que su universo se expande mucho más allá de la música de los Allman Brothers y la alargada sombra de Duane. Pero esta le volverá a alcanzar de lleno cuando en 2006 reciba una llamada desde el extranjero. Ante su sorpresa se encontrará con un mensaje de voz de Eric Clapton pidiéndole que colabore con él. El único eslabón que le faltaba para completar su vínculo con Duane.

Primero colaborarán en el disco que estaba haciendo Clapton con J.J. Cale, "Road To Escondido", en el que también participó Billy Preston y en el que se puede escuchar a Trucks en canciones como "Missing Person". Pero Clapton también verá en él lo mismo que vio décadas atrás en Duane, una alma gemela capaz de sacar lo mejor de sí mismo, así que lo invitará a formar parte de su banda y con él a bordo dará algunos de los mejores conciertos de sus últimos años de carrera, recuperando, como era obligatorio, varios de los clásicos de la etapa de Derek & The Dominos como "Layla", "Tell The Trutch", "Anyday" o la increíble "Why Does Love Got To Be So Sad?", en la que las guitarras de Trucks y Clapton actualizarán el diálogo que mantuvieron años atrás Duane y Eric. Y es que Trucks siempre ha seguido la máxima de Elvin Jones, cada vez que toques un solo trata de contar una gran historia.





Tras esta excelente prueba, en la que dio lo mejor de sí mismo e hizo que Clapton volviera a sentirse inspirado, Derek se pudo liberar del enorme peso de ser el heredero de Duane y pudo volar libre, no es de extrañar que su siguiente disco con su banda se llamara "Already Free" y fuera el mejor de los que hubiera sacado hasta esa fecha, con una excelente versión del "Down In The Flood" de Bob Dylan. Tampoco que al poco decidiera formar una banda con su mujer, la excelente cantante y guitarrista Susan Tedeschi, con la que ha podido seguir extendiendo su paleta, esta vez con un numeroso grupo de músicos, reunidos bajo el nombre de Tedeschi Trucks Band, en los que el soul y el funk también ganan terreno, además de atreverse con otras guitarras fuera de sus queridas SG (de la que acabó teniendo, como no podía ser de otra forma, un modelo signature), como una Firebird V Sunburst del 65 conectada a un Ampeg V-12.

La Tedeschi Trucks Band fue fundada en 2010 después de que Derek Trucks y Susan Tedeschi decidieran fusionar sus respectivas bandas, para pasar más tiempo juntos con sus hijos y trabajar juntos en el estudio de grabación de su casa. Derek Trucks y Susan Tedeschi habían hecho una gira juntos en 2007 bajo el nombre Derek Trucks & Susan Tedeschi's Soul Stew Revival con canciones de sus trayectorias en solitario, mientras que la Tedeschi Trucks Band se ha focalizado en tocar canciones originales.

Su primer concierto tuvo lugar el 1 de abril de 2010 en el Savannah Music Festival y después el grupo tocó en el Eric Clapton's Crossroads Guitar Festival, el Fuji Rock Festival y otros festivales y conciertos.

Su forma de tocar sigue mejorando con el paso de los años y en 2012 recibió el elogio definitivo cuando B.B. King le subió al escenario junto a su mujer Susan Tedeschi y John Mayer e hizo uno de los solos más emocionantes de su carrera. Al concluir la actuación, BB King hizo varios comentarios sobre el trabajo de guitarra de Trucks y terminó con: "Eso es lo mejor que he oído jamás, lo mejor que he oído jamás, y lo digo en serio"






Trucks se ha ganado por méritos propios un sitio entre los más grandes fuera de la enorme presencia de Duane, pero hubo una vez más en la que volvió a ponerse en sus botas, fue el 28 de octubre de 2014, el último concierto de los Allman Brothers en el mítico "Beacon Theatre" de Nueva York. No era una ocasión más, era el fin de una era y, en cierta medida, el adiós definitivo para el grupo que creó Duane en 1969. Así que para la ocasión Galadrielle Allman, la hija de Duane, trajo las tres Les Paul de Skydog y Trucks y Haynes se turnaron para tocarlas. Gregg volvió a cerrar los ojos como en las ocasiones en las que la magia se hacía presente y volvió a verse tocando con su hermano mayor, al abrirlos y ver a aquel rubio sacar las notas más increíbles con su slide de la Les Paul de Duane durante "Dreams" se preguntó si no estaría soñando o había viajado atrás en el tiempo. Al final sonó el "Trouble No More" de Muddy Waters, la primera canción que tocaron juntos en Jacksonville, el día que Gregg se unió a la banda y su hermano le pidió que se dejara la garganta cantando.

Cuando el concierto acabó, a la una y 25 de la madrugada del 29 de octubre, se cumplían 43 años del fallecimiento de Duane Allman. Nuevamente, como en las películas, se rompió el hechizo y Derek Trucks pudo dejar de ser la reencarnación de éste para ser él mismo. Algo que, por otro lado, tampoco está nada mal, siendo como es uno de los mejores guitarristas que habitan el planeta Tierra.

Trucks ha aparecido dos veces en la lista de Rolling Stone de "Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos". Fue catalogado en el puesto 81 en 2003 y 16 en 2011. Un artículo de 2006 en The Wall Street Journal lo describió como "el guitarrista eléctrico slide más impresionante que actúa en la actualidad". En 2007, Trucks apareció en la portada de Rolling Stone para un artículo llamado "New Guitar Gods". Trucks es un guitarrista creativo según su tío, el fallecido baterista de los Allman Brothers, Butch Trucks : "Nunca hace lo mismo dos veces". El Washington Post en 2009 describió el estilo de guitarra de Trucks como "notas y acordes que se elevan, cortan y se deslizan, sonando como un cruce entre Duane Allman en una Gibson Les Paul del 61 y John Coltrane en el saxo tenor ".

En 2010, The Derek Trucks Band ganó el premio Grammy al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo por el álbum "Already Free". En 2012, Trucks y Tedeschi ganaron el premio Grammy al Mejor Álbum de Blues por el álbum debut de Tedeschi Trucks Band, "Revelator". El 12 de febrero de 2012, Trucks aceptó un premio Grammy Lifetime Achievement Award junto con otros 10 miembros de The Allman Brothers Band. El 21 de febrero de 2012, Derek Trucks y su esposa se unieron a otros músicos de blues para una actuación en la Casa Blanca para el presidente Obama y sus invitados.


Lista de guitarras utilizads por Derek Trucks

1990 - Gibson SG '62

Derek recibió esta guitarra de sus padres, quienes la compraron en Paulus Music en Jacksonville, Florida.

En 1991 quitó la cubierta de la pastilla del mástil (o la reemplazó por completo, lo cual es algo menos probable), y en 1993 quitó el golpeador. Antes de esto, Derek hizo que BB King firmara el golpeador con marcador blanco, por lo que posiblemente lo quitó de la guitarra para preservar esa firma. También en ese momento, varias personas con las que estuvo de gira le firmaron la guitarra, como se puede ver en la improvisación de Derek "Layla" del 4 de julio de 1993.

Trucks utilizó esta guitarra como guitarra principal desde el momento en que la recibió en 1990, hasta que sufrió una rotura en el clavijero alrededor de 1999.

1999 - Gibson SG estándar de los años 90

Esta guitarra se convirtió en la principal de Derek después de que su vieja SG sufriera una rotura en el clavijero. La primera aparición pública de Derek con esta guitarra parece ser en un concierto que tocó la noche de su vigésimo cumpleaños, el 9 de junio de 1999.

Lo más probable es que la guitarra fuera una SG Standard de finales de los 90, sin las dos cubiertas de las pastillas y con un gran golpeador tipo “ala de murciélago”. Derek lo usó durante algunos años, aproximadamente entre 1999 y 2002, antes de pasar a una reedición del SG del 61.

2000 - Gibson SG '61

Derek adquirió esta guitarra a principios de la década de 2000 y rápidamente se convirtió en su hacha principal para usarla durante la siguiente década.

La guitarra originalmente tenía un cordal de trémolo que fue reemplazado por un cordal, pero a Derek le gustó el aspecto de la placa Gibson Maestro Vibrola, por lo que la mantuvo como una especie de contrapeso. También le quitaron el golpeador debido a que en realidad no usa una púa mientras toca, y posiblemente por razones estéticas.

"Mi guitarra es una reedición de Gibson '61 SG del 2000 con un puente stoptail en lugar del brazo de vibrato. Lleva humbuckers Classic del 57 y está encordada con cuerdas DR niqueladas calibradas .011, .014. .017, .026, .036 y .046. Lo sintonizo para abrir E [E, B, E, G#, B, E, de bajo a alto], y mi técnico, Bobby Tis, instaló diferentes límites de tono y ajustes de volumen".

Al igual que la primera SG de Derek, esta guitarra también está llena de firmas de las personas con las que estuvo de gira a lo largo de los años.

Además, en 2012, Gibson lanzó un modelo exclusivo de Derek Trucks, que se basó en esta guitarra.

2001 - 1965 Gibson ES-335

Derek usó una Gibson ES-335 de 1965 en rojo cereza en algunas pistas del álbum de 2013 de Tedeschi Trucks Band, "Made Up Mind". Adquirió la guitarra mientras estaba de gira con Allman Brothers, en algún momento a principios de la década de 2000.

"Es una Cherry Red '65 que compré cuando estaba de gira cuando tocaba con los Allman Brothers. La usé en algunas de las canciones, como los solos de “Part of Me” y “All I Need”. Doyle Bramhall toca la mismoa335 en el ritmo principal de “Part of Me”.

2001 - Washburn E300 Custom

Derek usó ampliamente esta guitarra Washburn en el álbum "Joyful Noise" lanzado en 2002.

"Utilicé principalmente una Custom Washburn y una Gibson SG en algunas pistas también. No estoy seguro de qué modelo es mi Custom Washburn. Creo que puede ser un 2000".

Como dijo Derek, no estaba seguro del modelo exacto, pero según las fotos de esa época, se lo vio usando un E300 en vivo y un P4 TS en un anuncio promocional de Washburn. Así que quizás sea más probable que haya usado la E300 en el álbum, ya que esa es la guitarra que se le vio usando en vivo durante la gira, pero, por supuesto, no hay forma de saberlo con certeza.

2006 - 1958 Silvertone Artist 1522S

Se vio a Derek usando una guitarra Silvertone ocasionalmente, sobre todo en el estudio en la canción "Down in the Flood".

Según él, la guitarra suena genial y es una “buena guitarra de blues-folk”.

"Esta es una guitarra divertida, la uso con cejilla en el quinto traste y la uso ocasionalmente en el estudio. La toco en la canción 'Down in the Flood'. No sabría decirte qué modelo es, pero el número de serie es X87242. Quiero decir que es de mediados de los años 60. Es una guitarra que suena genial. La compré hace unos 15 años; creo que pagué unos 500 dólares por ella".

2007 - 1960s Silvertone 1457

Derek fue visto tocando una Silvertone roja ocasionalmente alrededor de 2007. Desafortunadamente, se desconoce la historia detrás de esta guitarra.

La Silvertone 1457 se produjo entre 1964 y 1966 y originalmente se vendió a través del catálogo de Sears junto con una caja que tenía un amplificador incorporado.

2008 - PRS Guitar

Derek fue visto tocando una guitarra PRS McCarty alrededor de 2008. En cuanto al modelo exacto, parece que podría ser la Carlos Santana PRS, según la forma del cuerpo y la disposición de los controles. Pero la guitarra de Derek tiene un puente sin trémolo, que no es algo que encontrarás en ningún modelo CS, así que quizás no sea ese modelo.

2009 - 1961 Gibson SG Standard

Derek ha dicho en algunas ocasiones que posee una Gibson SG antigua de 1961, pero que la mayor parte del tiempo la mantiene guardada en el estudio. Al igual que con la mayoría del equipo que mantiene en su estudio, no hay mucha información disponible sobre esta guitarra.

"Yo sí (tengo una SG vintage del 61) y tiene esa magia vintage, pero no la llevo ni a ella ni a mis otras guitarras antiguas de gira".

Basado en las fotos y videos de Swamp Raga Studios, esta es la guitarra que Derek guarda en el área “chill”, una habitación donde la banda se relajaba y hablaba durante la grabación.

2010 - Gibson SG (Jonny Jenkins)

Derek posee una Gibson SG que utilizó Jonny Jenkins en la canción de Otis Redding "These Arms of Mine". Derek enumera a Jenkins como una de las dos personas que lo interesaron en tocar SG, siendo el primero obviamente Duane Allman.

"Descubrí que Johnny Jenkins estaba tocando una SG en todos esos primeros discos de Otis Redding, donde suena como un cruce entre una Stratocaster y una Les Paul. No hace mucho compré la vieja SG de Johnny Jenkins, la que tocó en “These Arms of Mine” de Otis Redding.

2011 - Gibson Custom Shop Eric Clapton "Beano" Les Paul

Derek posee una de las réplicas Gibson Custom Shop de la famosa Les Paul Standard “Beano Burst” de Eric Clapton, que le regaló el propio Eric. La guitarra se queda mayormente en casa en el estudio, pero Derek y Susan la usaron ocasionalmente.

2011 - Gibson Dickey Betts SG (Artist Proof #4)

La guitarra principal de Derek desde alrededor de 2011 ha sido la Gibson Dickey Betts SG, que es la réplica de edición limitada de Gibson de la guitarra que Dickey Betts le dio a Duane Allman durante sus días como músicos juntos.

Derek recibió esta guitarra como regalo de Galadrielle Allman, la hija de Duane, y desde entonces la ha estado usando como su guitarra principal en vivo y en estudio.

La guitarra tiene la etiqueta "Artist Proof #4" en la parte posterior del clavijero, lo que significaría que este era uno de los modelos de preproducción. Por lo general, se fabricaban algunos de estos antes de finalizar el diseño y enviarlo a la línea regular. En este caso, sin embargo, sólo se fabricaron 75 unidades.

2012 - Gibson Derek Trucks SG

Desde que retiró su guitarra SG Reissue del año 2000 y cambió a la Dickey Betts SG como su guitarra principal, Derek comenzó a usar un par de guitarras de su propia línea distintiva como respaldos. Su modelo característico es una réplica directa de su Reedición SG 2000 '61 , que utilizó durante más de una década.

Derek tocó algunas guitarras de su línea característica, siendo la principal una que era muy liviana, algo que valora mucho en una guitarra.

El modelo Derek Truck Signature cuenta con dos humbuckers PAF 57 Classic (imanes Alnico II, alambre recubierto de esmalte American Wire Gauge 42, encapsulado en cera), potenciómetros de 500 k para volumen y tono para cada pastilla, estilo antiguo “sin cables” ABR-1 Tune -Cordal O-Matic y sin golpeador.

2013 - 1965 Gibson Firebird V

Derek adquirió esta guitarra al comerciante de equipos antiguos Ed Seelig en St. Louis y la usó en “Made Up Mind” y “Whiskey Legs” del álbum de 2013 de Tedeschi Trucks Band. Para esa ocasión, la guitarra estaba conectada a un viejo amplificador de bajo Ampeg B-12.

"Para “Made Up Mind” utilicé bastante un viejo amplificador de bajo Ampeg V-12. Ed Seelig también me regaló una Firebird VI de 1965 que resultó ser una guitarra increíble. Al conectarlo a ese viejo amplificador de bajo, pude profundizar completamente en los graves y nunca me abandonó.

Jim Scott (quien produjo el álbum con Trucks) es realmente honesto acerca de lo que escucha. Así que elegíamos una canción para grabar y empezábamos a buscar sonidos de guitarra, lo conectaba y él inmediatamente decía “eso es bueno” o “algo aburrido”. Cuando conecté la Firebird al Ampeg, su reacción fue inmediata: "Ese es un sonido que quiero escuchar una y otra vez".

También utilizó esta guitarra en el álbum "Revelator" de 2011 , en las canciones “Learn how to Love” y “Don't Let me Slide”.

"Utilicé una Gibson Firebird del 65 en “Learn How to Love” y “Don't Let Me Slide”, y bajé mi habitual afinación en Mi abierto Re".

2014 - Gibson ES-150 "Charlie Christian"

Derek fue visto tocando una guitarra Gibson ES-150 CC antigua en un par de videos publicados en el canal de YouTube de Tedeschi Trucks Band tocando con Jerry Douglas. Los vídeos fueron grabados en 2014, durante un ensayo en el Beacon Theatre, y es posible que esta guitarra no perteneciera a Derek, pero no está de más tenerla aquí en la lista.

2015 - Gibson Dickey Betts SG (Custom-Made)

La guitarra de respaldo de Derek para su Gibson Dickey Betts SG 2011 (Artist Proof #4) es una guitarra que Gibson hizo específicamente para él. Tiene exactamente el mismo diseño que la Dickey Betts SG, que Gibson produjo en una tirada limitada de 75 unidades, pero es la única guitarra producida fuera de esa tirada.

"Queríamos un gran respaldo, así que le rogamos a Gibson que hiciera otra, ¡y finalmente lo aceptaron! Ya sabes, con esas guitarras, hacen un seguimiento muy estricto de lo que hacen y después de eso, eso es todo. Entonces tuvimos que preguntar varias veces. La recrearon igual, con el desgaste en el mástil, y es genial, pero tiene un acabado un poco diferente y es una guitarra más pesada. No la toco tanto, eso seguro. Quiero decir, si rompo una cuerda, la tocaré durante el tiempo que le lleve a Bobby cambiar la cuerda".

Discografía

Con The Derek Trucks Band
The Derek Trucks Band (1997)
Out of the Madness (1998)
Joyful Noise (2002)
Soul Serenade (2003)
Live at Georgia Theatre (2004)
Songlines (2006) (Legacy Recordings)
Songlines Live (DVD) (2006) (Legacy Recordings)
Already Free (2009) (Legacy Recordings)
Roadsongs (2010)

Con The Allman Brothers Band
Peakin' at the Beacon (2000)
Hittin' the Note (2003)
One Way Out (2004)

Con The Tedeschi Trucks Band
Revelator (2011)
Everybody's Talkin' (2012)
Made Up Mind (2013)
Let Me Get By (2016)
Live from the Fox Oakland (2017)
Signs (2019)
High And Mighty EP (2019)
Layla Revisited (Live at Lockn') (2021)
I Am the Moon: I. Crescent (2022)
I Am the Moon: II. Ascension (2022)
I Am the Moon: III. The Fall (2022)
I Am the Moon: IV. Farewell (2022)

Colaboraciones
1994: Storm Warning, Tinsley Ellis
1996: To Cry You a Song: A Tull Tale, varios artistas/Cat's Squirrel (with Charlie Musselwhite, Clive Bunker, Mick Abrahams)
1996: The Circle, Planet Earth/Carey Nall
1996: Come On in This House, Junior Wells
1997: Searching for Simplicity, Gregg Allman
1999: Blues Power: Songs Of Eric Clapton, varios artistas
1999: Tangled Up In Blues: Songs Of Bob Dylan, varios artistas
1999: Whole Lotta Blues: Songs Of Led Zeppelin, varios artistas
1999: Live... With a Little Help from Our Friends, Gov't Mule
2000: Croakin' at Toad's, Frogwings
2001: Project Z, Project Z
2002: Live in the Classic City, Widespread Panic
2002: Wait For Me, Susan Tedeschi
2003: Little Worlds, Béla Fleck and the Flecktones
2005: The Best Kept Secret, Jerry Douglas
2005: Hope and Desire, Susan Tedeschi
2006: The Road to Escondido, JJ Cale, Eric Clapton Reprise
2007: Guiding Star, Vusi Mahlasela
2008: Skin Deep, Buddy Guy
2008: Here and Gone, David Sanborn
2008: Sidewalk Caesars, Scrapomatic
2008: The Blues Rolls On, Elvin Bishop
2008: Back to the River, Susan Tedeschi
2008: Lifeboat, Jimmy Herring
2008: Guitars, McCoy Tyner
2010: The Imagine Project, Herbie Hancock
2010: Clapton, Eric Clapton
2011: The Secret, Bouriema Vieux Farka Touré
2012: Great Gypsy Soul, Tommy Bolin & Friends
2014: The Breeze: An Appreciation of JJ Cale, Eric Clapton
2015: Ol' Glory, JJ Grey & Mofro
2016: Blood From a Stone, Eric Krasno

Fuentes: guitarsexchange.com, groundguitar.com, Flickr, y Wikipedia

[Presidemente]

En el puesto número 15


Freddie King

También conocido como Freddy King y “The Texas Cannonball" (La bola de cañón de Texas), fue un influyente guitarrista y cantante afroamericano de blues. Está considerado uno de los "Tres Reyes de la Guitarra Blues" junto con Albert King y BB King.

Principalmente conocido por su voz poderosa y conmovedora y su forma distintiva de tocar la guitarra, King tuvo una gran influencia en la música de blues eléctrico y en muchos guitarristas de blues posteriores.

Lanzó más de una docena de álbumes y se convirtió en uno de los nombres más importantes dentro del género del blues.
King perfeccionó su propio estilo de tocar la guitarra basado en las influencias del blues de Texas y Chicago y fue el primer músico de blues en tener una banda multirracial.





Frederick Christian King, nació en Gilmer, Texas el 3 de septiembre de 1934. Como bien decía el mismo King nació en una familia con blues, ya que tanto su madre como sus tíos tocaban y cantaban. Creció pobre en los campos de algodón idolatrando a T-Bone Walker y B.B. King y a los cinco años tuvo su primera guitarra. Comenzó tocando blues rural, al estilo de Lightnin’ Hopkins, pero con el paso del tiempo tomó gusto por el crudo sonido eléctrico del blues de Chicago.

En 1950, cuando tenía 16 años, su familia se trasladó a Chicago y allí King comenzó a frecuentar los clubes donde tocaban Muddy Waters, Jimmy Rogers, Robert Lockwood Jr., Little Walter y Eddie Taylor. Al poco tiempo el joven guitarrista formó su propia banda: The Every Hour Blues Boys, con el guitarrista Jimmie Lee Robinson y el baterista Frank "Sonny" Scott.

En 1952, mientras trabajaba en una fábrica de acero, King, de dieciocho años, trabajó ocasionalmente como acompañante de bandas como Little Sonny Cooper Band y Earl Payton's Blues Cats. En 1953 grabó con este último para Parrot Records, pero estas grabaciones nunca fueron publicadas.

A medida que avanzaba la década de 1950, King tocó con varios de los acompañantes de Muddy Waters y otros pilares de Chicago, incluidos los guitarristas Jimmy Rogers, Robert Lockwood Jr., Eddie Taylor y Hound Dog Taylor; el bajista Willie Dixon; el pianista Memphis Slim; y el armonicista Little Walter.

En 1956 grabó su primer disco como líder para el sello El-Bee Records. La cara A era "Country Boy", un dueto con Margaret Whitfield. La cara B era la voz de King. Ambos temas cuentan con la guitarra de Robert Lockwood Jr., quien durante estos años también agregó acompañamientos rítmicos y rellenos a los discos de Little Walter. El disco no tuvo mucha aceptación del público, realmente los escenarios del West Side seguían siendo en los que brillaba el mejor Freddy junto a otros jóvenes lobos hambrientos como Buddy Guy, Otis Rush o Magic Sam.

King fue rechazado repetidamente en audiciones para Chess Records de South Side, el principal sello de blues, que fue el hogar de Muddy Waters, Howlin' Wolf y Little Walter. La queja fue que King cantaba como BB King.

El bajista y productor Willie Dixon, durante un período de alejamiento de Chess a finales de los años 1950, le pidió a King que viniera a Cobra Records para una sesión, pero los resultados nunca se han conocido.

Mientras tanto, King se estableció como la fuerza musical más grande del West Side. Tocó junto con Magic Sam y supuestamente tocó la guitarra de acompañamiento, sin acreditar, en algunas de las pistas de Sam para los sellos Chief y Age de Mel London, aunque King no se destaca en ellos.

En 1959, King conoció a Sonny Thompson, pianista, productor y hombre de A&R de King Records de Cincinnati. El propietario de King Records, Syd Nathan, contrató a King para la filial Federal Records en 1960.

El 29 de agosto de 1960 Freddy (en ese momento todavía no se había cambiado a Freddie) entró en el estudio de grabación con su notable banda formada por Bill Willis al bajo, Phillip Paul a la batería, Sonny Thompson al piano y Freddie Jordan a la segunda guitarra, y grabó algunas de las canciones que se convertirían en los grandes clásicos de su carrera, “Have you ever loved a woman”, “I'm tore down” o “Lonesome whistle blues”.

De la misma sesión de grabación, King cortó el instrumental "Hide Away", que al año siguiente alcanzó el número cinco en la lista de R&B y el número 29 en la lista de pop, un logro sin precedentes para un instrumental de blues en una época en la que el género todavía era en gran medida desconocido para el público blanco.

Fue lanzado originalmente como la cara B de "I Love the Woman". "Hide Away" fue una mezcla de King de un tema de Hound Dog Taylor y partes de otros, como "The Walk", de Jimmy McCracklin, y "Peter Gunn”, según lo acredita King. El título de la canción hace referencia al Mel's Hide Away Lounge, un popular club de blues en el West Side de Chicago.





Willie Dixon afirmó más tarde que había grabado a King interpretando "Hide Away" para Cobra Records a finales de la década de 1950, pero esa versión nunca apareció. "Hide Away" se convirtió en un estándar del blues.

No es de extrañar que desde su compañía tomaran nota y decidieran grabar un disco entero de instrumentales en el que se encontraban piezas que pasaron a formar parte del repertorio de todo nuevo buen guitarrista. Eran gemas como “The stumble”, “San-Ho-Zay” o “Sen-Sa-Shun” y formaron parte del que puede que sea el disco más importante de su carrera “Let’s Hide Away and Dance Away with Freddy King” disco que, con el tiempo, pasaría a formar parte del examen de ingreso para uno de los puestos más cotizados en el blues británico, el de guitarrista de los míticos Bluesbreakers de John Mayall.

Primero Eric Clapton pasaría a convertir a “Hide away” en su pieza de referencia en su breve paso por la banda, luego le sustituiría el gran Peter Green que haría lo propio con “The stumble” y, por último, el joven Mick Taylor haría su debut a los 18 años con otro tema de King, “Driving Sideways”. Parece que también tomaron nota de la guitarra que llevaba, una Les Paul Goldtop de 1954 con pastillas P-90 enchufada a un amplificador Gibson GA-40.

Comercialmente, 1961 fue el año más importante de su carrera con seis sencillos entrando en las listas R&B de Billboard. El estilo de King, con la fuerza y el ritmo de sus instrumentales y la cadencia más lenta y ‘soulera’ de sus canciones cantadas, como algunas de las mencionadas anteriormente o “Christmas Tears”, le hacía particularmente apreciable por todo tipo de público. Pero en 1962 tomó una decisión que le apartó de la senda del éxito, dejar Chicago para volver a Texas a criar a sus hijos.

Durante el período en Federal Records, King realizó giras con muchos artistas notables de R&B de la época, incluidos Sam Cooke, Jackie Wilson y James Brown, para el que abrió en uno de los conciertos más míticos de su carrera, el del 24 de octubre en el Teatro Apollo de Nueva York, que se vio inmortalizado en “Live at the Apollo”. .

Freddie King siguió grabando para King Records hasta 1968, aunque el material no alcanzó las cotas de sus dos primeros discos, con intentos de mestizaje con otros estilos como la bossa nova o el surf.

Grabó un segundo disco de instrumentales llamado “Freddy King Gives You A Bonanza Of Instrumentals” aparecido en 1965, donde ya utilizaba la guitarra con la que más se le suele asociar, una Gibson ES-345, que no logró el éxito esperado. Sin embargo, su influencia puede ser escuchada en muchos guitarristas de blues y rock de esa época, como el caso de Eric Clapton.

En 1966 se acabó su contrato con Federal y King estuvo sin grabar dos años hasta que fue rescatado por el gran King Curtis, productor y saxofonista que lo fichó para su compañía Cotillion Records, una subsidiaria de Atlantic. Con el saxofonista como productor grabó dos discos, “Freddie King Is a Blues Master” en 1969 y “My Feeling for the Blues” en 1970, dos de los discos más soul de su carrera. Para ese momento King ya se había hecho con un nuevo público, el del rock, y había dejado de tocar en garitos de mala muerte para presentarse en lugares como los dos Fillmore. Para entonces ya había cambiado el Freddy por Freddie, a la hora de escribir su nombre.

En 1969, King contrató a Jack Calmes como manager, quien le aseguró una aparición en el Texas Pop Festival de 1969, junto a Led Zeppelin y otros, lo que llevó a King a firmar un contrato con Shelter Records, un nuevo sello creado por el pianista de rock Leon Russell y el productor discográfico Denny Cordell.

Allí le trataron como a una estrella y se lo llevaron a los estudios Chess de Chicago para grabar el álbum "Getting Ready", que aparecería en 1971. Acompañado por unos músicos de lujo como el propio Russell al piano, Donald 'Duck' Dunn al bajo o su compañero en los Mar-Keys, Don Nix, responsable del gran éxito de la sesión “Going down”, King demuestra que su estilo se adapta como un guante a los nuevos tiempos y entrega un disco el que los nexos entre el blues y el rock de los últimos años se hacen evidentes.





Tuvo otras dos continuaciones en la misma compañía, “Texas Cannonball” (el disco que le dio el sobrenombre por el que siempre sería recordado) en 1972 y “Woman Across the River” al año siguiente. Tuvieron buenas ventas, a lo que se suma el éxito en sus conciertos, que fueron muy populares entre los fanáticos del blues y del rock.

King actuó junto a los grandes grupos de rock de la época, como Eric Clapton y Grand Funk Railroad (cuya canción "We're an American Band " menciona a King en su letra), y para un público joven, principalmente blanco, junto con el baterista de la gira blanca Gary Carnes, durante tres años, antes de firmar con RSO Records .

En 1974 su alumno de más renombre, Eric Clapton, le fichó para RSO Records y apareció “Burglar” un disco notable en el que la “bala de cañón tejana” y “mano lenta” intercambiaron notas, con este último dejando claro su tremendo respeto por el primero. El álbum, para el que Tom Dowd produjo el tema "Sugar Sweet" en los Criteria Studios de Miami, cuenta con los guitarristas Clapton y George Terry, el batería Jamie Oldaker y el bajista Carl Radle. Mike Vernon produjo los demás temas.

Vernon también produjo un segundo álbum para King para el mismo sello, “Larger than Life”. Vernon trajo a otros músicos notables para la grabación, como Bobby Tench del Jeff Beck Group, para complementar a King.

Las giras casi constantes le pasaron factura a King. Estaba de gira casi 300 días al año, se mantenía con una dieta a base de Bloody Marys, ya que en su opinión “llevaban alimento” y su cuerpo dijo basta.

La salud de Freddie King comenzó a deteriorarse en 1976 pero eso no fue un impedimento para que hiciera muchos conciertos ese año. Ese año, mientras tocaba en Nueva Orleans, se desmayó en medio de un solo y tuvo que ser hospitalizado. Tenía varias úlceras de estómago, pero King siguió en la carretera y tocó en Nueva York el día de Navidad. Al volver a Dallas le hospitalizaron y murió en la noche del 28 de diciembre de 1976 a la edad de 42 años.

El impacto de Freddie King en la música

Freddie King era un gigante en todos los sentidos, con dos metros de altura y 136 kilos de peso en cuanto salía al escenario con su guitarra era imposible apartar la mirada de este músico que unió dos de las grandes escuelas de blues de la historia, la tejana y la de Chicago, y que sirvió, junto a una nueva generación de guitarristas, de inspiración para los jóvenes fenómenos de blues rock británicos como Clapton o Peter Green. Nunca tuvo el reconocimiento en vida que su explosiva música se merecía pero desde su muerte su brillo no ha hecho sino crecer hasta colocarle a la altura de los otros dos reyes del blues, B.B. y Albert King.

Su musculoso tono a la guitarra inspiró a una legión de músicos, desde los ya nombrados como Clapton o Green a su paisano Stevie Ray Vaughan, pero no se debería olvidar tampoco su espectacular y sentida voz. Su música sirvió de puente entre el blues y el rock, siendo de los primeros en utilizar una banda con blancos y negros, rompiendo estereotipos desde dentro del blues. Fue el más joven y el primero en irse de los tres reyes del blues, pero que nadie dude de que su legado es tan indispensable e influyente como el de los otros dos.

Freddie King no solo fue uno de los mejores guitarristas y cantantes de blues de la historia, sino que también escribió algunas de las canciones más bellas e impactantes del género. Aquí hay algunas de sus mejores canciones: "Hide Away", "Going Down", "Have You Ever Loved a Woman", "The Stumble". Estos temas son solo la punta del iceberg de la carrera de King, y se recomienda escuchar sus álbumes completos para apreciar realmente su impacto en la música.





No se puede hablar de una crítica de las canciones de Freddie King, más que para decir que son auténticas, sinceras y llenas de alma. King tenía una habilidad musical increíble, pero lo que lo separaba de los demás era una pasión ardiente por la música y el arte del blues. Además, su habilidad para fusionar múltiples géneros en su música también lo diferenció de otros artistas. Por lo tanto, si hubiera que hacer una crítica de sus canciones, se podría decir que son simplemente una verdadera obra de arte musical.

En conclusión, Freddie King fue un titan del blues, y su música sigue siendo un legado hoy en día. En sus 42 años de vida, King tuvo una carrera increíble y una influencia duradera sobre la gente. Su estilo de guitarra incomparable, su forma de cantar conmovedora y su enfoque único en los géneros del blues lo convirtieron en uno de los artistas más importantes de nuestra época. Su obra maestra sigue siendo una parte integral de la música popular hoy en día, y su legado continúa inspirando a artistas de todo el mundo, y sin duda, Freddie King seguirá siendo el rey del blues.

Estilo Musical

King tenía un estilo intuitivo y a menudo creaba partes de guitarra con matices vocales. Logró esto utilizando el sonido de cuerdas abiertas asociado con el blues de Texas y los tonos crudos y estridentes del blues del West Side de Chicago . La combinación de King de los sonidos de Texas y Chicago le dio a su música una sensación más contemporánea que la de muchas bandas de Chicago que todavía tocaban música al estilo de los años cincuenta, y se hizo amigo de la generación más joven de músicos de blues.

Al principio de su carrera tocaba una Gibson Les Paul de cuerpo sólido con tapa dorada y pastillas P-90 . Más tarde tocó varias guitarras eléctricas Gibson de cuerpo semi-hueco, incluidas una ES-335 , ES-345 y ES-355. Utilizó una púa de plástico para el pulgar y una púa de metal para el dedo índice.

Legado

Por proclamación de la gobernadora de Texas, Ann Richards , el 3 de septiembre de 1993, se declaró el Día de Freddie King, un honor reservado a leyendas de Texas, como Bob Wills y Buddy Holly.

Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2012, y ocupó el puesto 15 en la lista de la revista Rolling Stone de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

Según el crítico musical Cub Koda, King ha influido en guitarristas como Eric Clapton, Mick Taylor, Stevie Ray Vaughan y Lonnie Mack.

En palabras del músico Michael Corcoran, King "fusionó las características más vibrantes de los estilos regionales [de Chicago y Texas] y se convirtió en el mayor héroe de la guitarra de los revivalistas del blues británico de mediados de los sesenta, entre los que se encontraban Eric Clapton, Savoy Brown, Chicken Shack, y Fleetwood Mac de la era de Peter Green ".

Clapton dijo en 1985 que la canción de King de 1961 "I Love the Woman" fue "la primera vez que escuché ese estilo de guitarra eléctrica, con las notas dobladas... me inició en mi camino".

En una entrevista posterior con Dan Forte de Guitar World , dijo sobre la forma en que King tocaba la guitarra en su interpretación de "Now I've Got a Woman": "Eso me envió a una especie de éxtasis total, y me asustó muchísimo. Nunca había escuchado algo así, y pensé que nunca me acercaría a eso. Y ahora sé que nunca lo haré, pero fue lo que inmediatamente me hizo querer continuar".

Como escribió más tarde Rolling Stone, "Clapton compartió su amor por King con sus compañeros héroes de la guitarra británica Peter Green, Jeff Beck y Mick Taylor, todos los cuales fueron profundamente influenciados por el tono agudo de King y sus breves ganchos melódicos en sencillos icónicos como "The Stumble", "I'm Tore Down" y "Someday, After A while'".

King fue uno de los muchos músicos de blues afroamericanos pioneros que abrazaron la escena del blues británico y recorrieron su circuito de clubes a finales de la década de 1960.

Robert Christgau atribuyó la aceptación de King a Gran Bretaña por la creación de su renombre como pionero de la guitarra de blues eléctrico.

En MusicHound Rock (1996) de Gary Graff , la entrada sobre King dice: "Aunque su reputación reside en su guitarra, King también cantó con un estilo poderoso y subestimado. Su influencia duradera ha asegurado el reconocimiento de Freddie King como uno de los grandes maestros del blues de la posguerra."

Discografía

Freddy King Sings (1961)
Let's Hide Away and Dance Away with Freddie King (1961)
Boy-Girl-Boy (1962)
Bossa Nova and Blues (1963)
Freddy King Gives You a Bonanza of Instrumentals (1965)
Freddie King Is a Blues Master (1969)
My Feeling for the Blues (1970)
Getting Ready… (1971)
Texas Cannonball (1972)
Woman Across the River (1973)
Burglar (1974)
Larger Than Life (1975)

Álbumes recopilatorios
Vocals and Instrumentals (1966)
The Best of Freddie King (1975)
Freddie King 1934–1976 (1977)
Just Pickin' (1986)
Blues Guitar Hero: The Influential Early Sessions (1992)
Hide Away: The Best of Freddie King
The Best of Freddie King: The Shelter Records Years (2000)
Blues Guitar Hero Volume 2 (2002)
Taking Care of Business (2009)
Texas Flyer 1974–1976 (2010)

Sencillos
1956 Country Boy / That's What You Think
1960 Have You Ever Loved a Woman / You've Got to Love Her with a Feeling
1961 Hide Away / I Love the Woman
Lonesome Whistle Blues / It's Too Bad Things Are Going So Tough
San-Ho-Zay / See See Baby
I'm Tore Down / Sen-Sa-Shun
Christmas Tears / I Hear Jingle Bells

Fuentes: guitarsexchange.com, historiasdelblues.wordpress.com, last.fm, staimusic.com y Wikipedia

[Presidemente]

En el puesto número 14


David Gilmour

David Jon Gilmour es un músico, compositor y multiinstrumentista británico. Es conocido por haber sido vocalista, guitarrista y uno de los compositores de la banda de rock progresivo Pink Floyd, a la cual se unió poco antes del abandono de Syd Barrett en 1968; con los años se convirtió en pieza fundamental del sonido de los londinenses.

Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en eventos benéficos a lo largo de su carrera.

Gilmour está considerado como uno de los mejores guitarristas rock de la historia. Su particular estilo, unido al inmenso éxito comercial y crítico de Pink Floyd han convertido a Gilmour en uno de los guitarristas más representativos e influyentes del panorama musical.





David Jon Gilmour nació el 6 de marzo de 1946 en Cambridge, Inglaterra. Su padre, Douglas Gilmour, era profesor titular de zoología en la Universidad de Cambridge, y su madre, Sylvia (de soltera Wilson), se formó como profesora y más tarde trabajó como editora de cine para la BBC.

En el momento del nacimiento de Gilmour vivían en Trumpington, Cambridgeshire. En 1956, después de varios traslados, se mudaron a la cercana Grantchester Meadows.

Los padres de Gilmour lo estimularon para que siguiera sus intereses musicales, y en 1954 le compraron su primer sencillo, "Rock Around the Clock" de Bill Halley. Su entusiasmo por la música se incrementó al año siguiente con la canción de Elvis Presley "Heartbreak Hotel" y más tarde con "Bye Bye Love" de Everly Brothers, canción que despertó su interés por la guitarra.

Para poder practicar le pidió una guitarra prestada a un vecino y nunca se la devolvió. Poco después, Gilmour comenzó a aprender a tocar por sí mismo utilizando un libro y un récord establecido por Pete Seeger.

A los once años comenzó a ir a la Perse School en Hills Road, Cambridge, algo que no le gustaba demasiado. Allí conoció a sus futuros compañeros en Pink Floyd, el guitarrista Syd Barrett y el bajista Roger Waters.

En 1962, Gilmour comenzó a estudiar lenguas modernas en el Cambridgeshire College of Arts and Technology. A pesar de no terminar el curso, finalmente aprendió a hablar francés con fluidez. Barrett también estudiaba en el mismo colegio y pasaba algunos momentos con él practicando guitarra.

A finales de 1962, Gilmour se unió a la banda de blues rock Jokers Wild, agrupación con la que grabó un álbum de una sola cara y un sencillo en Regent Sound Studio, en Denmark Street, al oeste de Londres, pero se hicieron muy pocas copias de cada uno.

En agosto de 1965, Gilmour hizo auto-stop hasta Saint-Tropez, Francia. Barrett y sus amigos también condujeron hasta allí y se encontraron con él. Para conseguir algo de dinero tocaban en la calle y en algunos bares interpretando canciones de The Beatles, por lo que fueron arrestados en alguna ocasión.

También fueron arrestados en una ocasión por indigencia, e incluso David requirió tratamiento en un hospital por su estado de desnutrición. Él y Barrett fueron más tarde a París, donde acamparon fuera de la ciudad durante una semana. Durante este tiempo, Gilmour trabajó en varios lugares, sobre todo como conductor y asistente del diseñador de moda Ossie Clark.

Gilmour volvió a Francia a mediados de 1967 con Rick Wills y Willie Wilson, ex integrantes de Jokers Wild. El trío actuó bajo el nombre de Flowers y luego pasaron a llamarse Bullitt, pero no tuvo éxito comercial. Después de escuchar sus pobres versiones de otros artistas, los propietarios de los garitos se mostraban reacios a pagarles, y poco después de su llegada a París, fueron víctima del robo de su equipo.

Estando en Francia, Gilmour contribuye como vocalista y músico de sesión en dos canciones para la banda sonora de la película “Dos semanas en Septiembre” , protagonizada por Brigitte Bardot.

Cuando Bullitt regresó a Inglaterra más tarde, en mayo de ese año, tenían tan poco dinero que el depósito de gasolina de su autobús estaba completamente vacío y tuvieron que empujarlo desde el ferry hasta el embarcadero.

En 1967, Pink Floyd, compuesto por los compañeros de escuela de Gilmour en Cambridge, Barrett y Waters, con Nick Mason y Richard Wright, lanzó su álbum de estudio debut, “The Piper at the Gates of Dawn”.

Gilmour estuvo presente durante la grabación del segundo sencillo de Pink Floyd, “See Emily Play”, y quedó sorprendido cuando Barrett, que empezaba a manifestar serios problemas mentales causados en gran parte por su consumo de drogas, ni siquiera pudo reconocerlo.

Barrett se volvió cada vez más desconectado, lo que llevó a la cancelación de varios conciertos programados ése año. Waters, en particular, comenzó a hacer campaña para su derrocamiento. Como solución provisional, en diciembre, el batería Nick Mason se puso en contacto con Gilmour y le ofreció unirse a la banda para reemplazar al cada vez más errático Barrett. “Simplemente dijeron: ¿quieres hacerlo? Y dije que sí, y fue así de simple”, le dijo Gilmour más tarde al biógrafo de Pink Floyd, Nicholas Schaffner.

La banda inicialmente pretendía continuar con Barrett como compositor. Uno de los socios comerciales del grupo, Peter Jenner, afirmó: "La idea era que Dave cubriera las excentricidades de Barrett, quien se dedicaría simplemente a componer cuando no estuviera en condiciones de tocar. Simplemente queríamos mantenerlo involucrado en el proyecto". Nick Mason dijo más tarde: "Después de Syd, Dave fue la diferencia entre la luz y la oscuridad. Estaba absolutamente metido en la forma y lo introdujo en los números más salvajes que habíamos creado. Creo que nos volvimos mucho menos difíciles de disfrutar".

Pink Floyd realizó su primer ensayo con Gilmour el 8 de enero de 1968 e hizo su primera aparición en el escenario cuatro días después en la Universidad de Aston en Cambridge. El set incluía "Set the Controls for the Heart of the Sun", "Interstellar Overdrive" y "Flaming".

Esta breve edición de cinco integrantes de Pink Floyd tocó en varios otros espectáculos ese mes, aunque Barrett no estuvo en una presentación del 26 de enero en la Universidad de Southampton después de que los demás decidieran no recogerlo para el concierto. “Era nuestro amigo, pero la mayor parte del tiempo queríamos estrangularlo”, le dijo Waters al biógrafo Mark Blake.

La idea no resultó, y Syd es separado del grupo. El 1 de febrero, el grupo volvió a trabajar en “A Saucerful of Secrets”, que habían comenzado en mayo anterior. Barrett apareció en sólo tres temas terminados, incluido “Jugband Blues”, su única composición en el álbum. Gilmour coescribió el tema principal y compartió la voz principal en otras dos canciones, “Let There Be More Light” y “Corporal Clegg”.

Pink Floyd se embarcó en una gira de cinco fechas por Bélgica y los Países Bajos el 17 de febrero, que incluyó apariciones en televisión en RTB en Bruselas y ORTV en París, esta última para el programa musical Bouton Rouge que incluía avances de los nuevos temas “Let There Be More Light” y “Set the Controls for the Heart of the Sun”. El teclista Richard Wright también asumió la voz principal en “Astronomy Domine”.





La esperanza era que el cuarteto se encargara de las presentaciones en vivo, mientras Barrett continuaba escribiendo y grabando en el estudio, algo similar a un arreglo similar al que los Beach Boys tenían con Brian Wilson. Aun así, todas las partes parecían saber hacia dónde se dirigían las cosas.

Pink Floyd y Barrett llegaron a un entendimiento en marzo, y su partida se anunció el 6 de abril. Barrett grabó dos álbumes de estudio en solitario con la asistencia de Gilmour y Waters. Tocó y apareció varias veces solo antes de volverse solitario en los años 70. Murió el 7 de julio de 2006 en Cambridge a la edad de 60 años.

Tras la salida de Barrett, Gilmour se convirtió en el cantante principal de Pink Floyd compartiendo las voces con Roger Waters y Richard Wright en una menor medida. Waters se convirtió en el principal letrista de la banda, mientras que Gilmour y Wright asumieron el protagonismo en la composición musical.

David junto con Roger Waters, tomaron el liderazgo del grupo. En el álbum “Meddle” da lo mejor de sí con sus solos en “Echoes” y “One Of These Days”.

En “The Dark Side of The Moon”, muestra toda su distorsión en los solos de "Time" y "Money" y además se consolida como la voz principal de Pink Floyd, dejándole a Roger Waters libertad absoluta para componer.

Tras el rotundo éxito de los álbumes “The Dark Side of the Moon” y “Wish You Were Here”, Waters tuvo mayor control en la banda, componiendo y cantando la mayor parte del material contenido en “Animals” y “The Wall”. Wright fue despedido durante las sesiones de “The Wall” y la relación entre Gilmour y Waters se deterioró durante el rodaje de la película del mismo nombre.

Las fuertes discusiones entre Waters y Gilmour eran incesantes. Bob Ezrin, productor, tuvo que mediar entre ellos para poder llevar a cabo la realización de la gira y el álbum.

La última presentación en vivo de “The Wall” se llevó a cabo el 17 de junio de 1981 en Londres, convirtiéndose en la última aparición de Pink Floyd en vivo con Waters por cerca de 25 años.

Al término de la grabación del álbum “The Final Cut”, tanto David como Roger hacen sus álbumes solistas. Gilmour hace "About Face" y un tour mundial a su vez, en 1984, mismo año en que Waters deja el grupo.

En 1985 Waters declaró que Pink Floyd era "una fuerza creativa gastada". Gilmour y Mason respondieron con un comunicado de prensa declarando que Waters había renunciado a la banda y que ambos tenían la intención de continuar sin él.

Con esto, Gilmour queda con el control absoluto de la parte compositiva de Pink Floyd, y en 1987, junto con el baterista Nick Mason (único miembro de Pink Floyd que ha estado en todas las alineaciones de la banda), graban “A Momentary Lapse of Reason”, con Richard Wright como músico "invitado" y con una gran cantidad de músicos de sesión.

Por este motivo, Waters demandó al grupo aludiendo que no podían seguir tocando ya que la mayoría de los créditos musicales compositivos de Pink Floyd fueron obra de él, al igual que la mayoría de los conceptos relacionados con la banda, sobre todos aquellos que se veían en vivo (como el cerdo gigante de “Animals” y el avión de “The Wall”.

Gilmour ganó el juicio a Waters y pasó a tener los derechos de Pink Floyd y todo lo relacionado, a pesar de que Waters ganó todos los derechos teatrales de "The Wall".

Gilmour afirmó: "Tuve varios problemas con la dirección de la banda en nuestro pasado reciente, antes de que Roger se fuera. Creo que, debido a que los significados específicos de las letras eran muy importantes para él, la música se convirtió en un mero vehículo para las letras, y no un vehículo muy inspirador. “The Dark Side of the Moon” y “Wish You Were Here” fueron exitosos no solo por las contribuciones de Roger, sino también porque había un mejor equilibrio entre la música y las letras. Eso es lo que traté de hacer con “A Momentary Lapse of Reason”, prestar más atención a la música, restablecer el equilibrio sin él".

En 1986 el músico compró una casa flotante en el río Támesis cerca de Hampton Court y la transformó en un estudio de grabación. La mayor parte de los álbumes de Pink Floyd publicados durante este periodo, al igual que el álbum solista de Gilmour de 2006 “On an Island” fueron grabados allí.

Con Gilmour como único líder de Pink Floyd, el grupo se embarcó en una gira por todo el mundo llamada "The Delicate Sound of Thunder" a fines de los 80 y grabó "The Division Bell" en 1994, ya con Richard Wright de vuelta como miembro oficial. Ese mismo año realizaron su última gira como grupo, denominada "The Division Bell Tour", por todo el mundo, de la cual se editaría el recital que dieron en Earls Count de Londres, el 20 de octubre de 1994 para realizar el VHS y luego DVD denominado "P.U.L.S.E", último concierto de Pink Floyd.

El 2 de julio de 2005 Gilmour se presentó con Pink Floyd en el evento de caridad Live 8. La banda estuvo conformada por Waters, Mason, Wright y Gilmour. La actuación provocó un aumento en las ventas del álbum recopilatorio de Pink Floyd “Echoes: The Best of Pink Floyd” (2001).





Gilmour donó sus ganancias a organizaciones benéficas que reflejan los objetivos de Live 8, diciendo: "Aunque el objetivo principal ha sido crear conciencia y presionar a los líderes del G8 , no obtendré ningún beneficio del concierto. Este es dinero que debería utilizarse para salvar vidas". Hizo un llamado a todos los artistas de Live 8 para que donaran sus ingresos adicionales a la recaudación de fondos de Live 8. Después del concierto, Pink Floyd rechazó una oferta para realizar una gira por Estados Unidos por 150 millones de libras esterlinas.

En 2006, Gilmour dijo que Pink Floyd probablemente nunca volvería a hacer giras ni escribir material. Dijo: "Creo que ya es suficiente. Tengo 60 años. Ya no tengo ganas de trabajar tanto. Pink Floyd fue una parte importante en mi vida, la pasé muy bien, pero ya pasó. Para mí es mucho menos complicado trabajar solo".

En diciembre de 2006 el músico publicó un tributo a Syd Barrett, fallecido el 7 de julio de ese año, con una versión muy personal del primer sencillo de Pink Floyd, "Arnold Layne".

Grabado en el prestigioso Royal Albert Hall, el sencillo presentó dos versiones de la canción, con Richard Wright y David Bowie como cantantes respectivamente. El sencillo logró figurar en el Top 20 de las listas de éxitos británicas.

Desde su aparición en el Live 8 en 2005, Gilmour ha repetido constantemente que no habrá una reunión de Pink Floyd. El fallecimiento del teclista Richard Wright en septiembre de 2008 terminó por confirmar esta situación.

El 7 de noviembre de 2014, Pink Floyd publicó "The Endless River". Gilmour aseguró que sería el último álbum de Pink Floyd, diciendo: "Creo que hemos logrado con éxito hacer un buen álbum con el material que teníamos... Es una pena, pero este es el final". No se realizó una gira en soporte del disco, pues Gilmour sintió que sería imposible realizarla sin Wright. En agosto de 2015 el músico reiteró el final de Pink Floyd diciendo que una reunión sin Wright sería inapropiada.

En abril de 2022, Gilmour y Mason reformaron Pink Floyd para lanzar la canción "Hey, Hey, Rise Up!" en protesta por la guerra ruso-ucraniana . Gilmour dijo que la canción era "única para Pink Floyd".


Trabajo en solitario

A David Gilmour se le ha acreditado el impulso inicial en la carrera de la cantante y compositora británica Kate Bush.

En la década de 1970, cuando ella tenía 16 años y todavía estaba en la escuela, Gilmour recibió una copia de su cinta demo de parte de Ricky Hopper, un amigo en común de David y de la familia Bush. Impresionado, ayudó a la entonces adolescente Bush a grabar una cinta más profesional para poder ofrecerla a las compañías discográficas.

Fueron grabadas tres canciones, pagadas por el bolsillo de David. La cinta fue producida por Andrew Powell, quien luego produjo los dos primeros álbumes de estudio de Bush, y el ingeniero de sonido Geoff Emerick.

Gilmour arregló una reunión con el ejecutivo de EMI Terry Slater para presentarle la cinta demo de Bush, hecho que le permitió a la adolescente conseguir su primer contrato discográfico.

David ofició como productor ejecutivo en dos canciones del álbum debut de Bush, "The Kick Inside", incluyendo su segundo sencillo "The Man with the Child in His Eyes". Aportó además los coros para la canción "Pull Out the Pin" del cuarto álbum de Kate, "The Dreaming", y tocó la guitarra en las canciones "Love and Anger" y "Rocket's Tail" de su sexta producción discográfica, "The Sensual World".

En marzo de 1987 Bush cantó "Running Up That Hill" en un concierto benéfico, con Gilmour en la guitarra. Esta presentación fue incluida en un DVD publicado en el año 2009. En 2002 Kate interpretó "Comfortably Numb", cantando la parte del doctor en el concierto de David Gilmour en el Royal Festival Hall en Londres.

Gilmour ha colaborado en más de una ocasión con el cantautor británico Roy Harper, quien compartió escenario alguna vez con Pink Floyd. Harper además cantó "Have a Cigar" en el álbum de Floyd de 1975 “Wish You Were Here” y la interpretó en vivo con la banda en el Festival de Knebworth.

Gilmour tocó en los álbumes de Harper “HQ” (1975), “The Unknown Soldier” (1980) y “Once” (1990). Además colaboró en la composición de algunas canciones en “The Unknown Soldier”. Una de ellas, "Short and Sweet", fue grabada inicialmente para ser incluida en el primer álbum solista de Gilmour.

En abril de 1984, Harper hizo una aparición en un concierto de Gilmour en el Hammersmith Odeon para cantar "Short and Sweet". Esta última canción fue incluida en el set del concierto de Gilmour Live 1984. Harper también aportó algunos coros en el álbum “About Face” de David.

Tras componer la música de una canción para About Face, Gilmour se comunicó con Pete Townshend de The Who y le pidió que escribiera la letra. Townshend lo hizo pero a Gilmour no le gustó su composición (Townshend usó más adelante esta letra para componer su canción "White City Fighting" e incluirla en su álbum de 1985 “White City: A Novel”).

Gilmour le pidió el mismo favor a Harper, pero de igual manera rechazó su letra, decidiendo finalmente no incluir esta canción en su álbum. Eventualmente Harper grabó su propia versión de la canción, titulándola “Hope” e incluyéndola en su álbum de 1985 “Whatever Happened to Jugula?”, una colaboración con el guitarrista Jimmy Page.

A finales de la década de 1970, Gilmour empezó a pensar que su talento musical estaba siendo infrautilizado en Pink Floyd. En 1978 canalizó sus ideas para grabar su primer álbum de estudio en solitario, “David Gilmour”, en el cual mostró su talento compositivo y como guitarrista. La música escrita durante las etapas finales del álbum que no pudo ser utilizada en el mismo, fue usada por Waters y convertida finalmente en "Comfortably Numb", canción incluida en "The Wall".

La atmósfera negativa que rodeó la creación de "The Wall", su película y "The Final Cut" (virtualmente un álbum como solista de Roger Waters), llevó a Gilmour a producir su segundo álbum de estudio en solitario, “About Face”, en 1984. Usó el disco para expresar sus sentimientos sobre una variedad de temas, desde su relación con Waters hasta el asesinato de John Lennon.

En 1985, Gilmour tocó en el sexto álbum de estudio en solitario de Bryan Ferry, “Boys and Girls”, así como en la canción "Is Your Love Strong Enough" para el estreno en Estados Unidos de la película "Legend" (1985) de Ridley Scott y Tom Cruise. El vídeo musical de "Is Your Love Strong Enough" incorporó a Ferry y a Gilmour en el metraje de la película.

En julio de ese año, Gilmour tocó con Ferry en el concierto Live Aid en el estadio de Wembley en Londres donde se registró su primera colaboración con el tecladista Jon Carin, quien se convertiría en un músico de gira habitual con Pink Floyd años después.

Gilmour realizó una gira por Europa y Estados Unidos, con el apoyo de Television Personalities, que fueron retirados después de que el cantante Dan Treacy revelara la dirección privada de Barrett en el escenario. Su compañero en Pink Floyd, Nick Mason, también hizo una aparición especial en la etapa de la gira en el Reino Unido, que a pesar de algunas cancelaciones finalmente fue un éxito.

Cuando regresó de la gira, Gilmour tocó la guitarra con una gran variedad de artistas y produjo a la banda británica Dream Academy, incluido su exitoso disco "Life in a Northern Town" (1986).

En marzo de 1987, Gilmour tocó la guitarra en la interpretación de Kate Bush de "Running Up That Hill" en Secret Policeman's Third Ball.

En diciembre de 1999, Gilmour tocó la guitarra, junto a Mick Green, Ian Paice, Pete Wingfield y Chris Hall, para Paul McCartney, en un concierto en el Cavern Club, en Liverpool, Inglaterra. El resultado fue la película del concierto “Live at the Cavern Club”, dirigida por Geoff Wonfor.





En 2001 y 2002, Gilmour realizó seis conciertos acústicos en solitario en Londres y París, junto con un
a pequeña banda y un coro, lo que quedó documentado en el lanzamiento de “In Concert”.

El 24 de septiembre de 2004, interpretó un set de tres canciones en el concierto Strat Pack en el Wembley Arena de Londres, conmemorando el 50 aniversario de la guitarra Fender Stratocaster.

El 6 de marzo de 2006, cuando Gilmour cumplió 60 años, lanzó su tercer álbum en solitario, “On an Island”. Contó con músicos invitados, incluido Wright, y letras de la esposa de Gilmour, Polly Samson .

Debutó en el número 1 en la lista de álbumes del Reino Unido y se convirtió en el primer álbum en solitario de Gilmour en entrar entre los diez primeros en los EE. UU., alcanzando el número seis en el Billboard 200. El 10 de abril de 2006, “On an Island” obtuvo la certificación platino en Canadá, con ventas de más de 100.000 copias.

Gilmour realizó una gira por Europa, Estados Unidos y Canadá en mayo de 2006, con una banda que incluía a Wright y los colaboradores de Pink Floyd, Dick Parry, Guy Pratt y Jon Carin. Un DVD, “Remember That Night – Live at the Royal Albert Hall”, fue lanzado el 17 de septiembre de 2007. Para el espectáculo final, Gilmour actuó con la sección de cuerdas de 38 instrumentos de la Orquesta Filarmónica Polaca del Báltico . Fue lanzado como “Live in Gdańsk” (2008).





El 25 de mayo de 2009, Gilmour participó en un concierto en la Union Chapel en Islington , Londres, con los músicos malienses Amadou & Mariam . El concierto fue parte de la campaña Hidden Gigs contra las personas sin hogar, organizada por la organización benéfica Crisis .

El 4 de julio, Gilmour se unió a su amigo Jeff Beck en el escenario del Royal Albert Hall de Londres. Gilmour y Beck intercambiaron solos en "Jerusalem" y cerraron el espectáculo con "Hi Ho Silver Lining".

En agosto de 2009, Gilmour lanzó un sencillo en línea, "Chicago – Change the World", para promover la conciencia sobre Gary McKinnon, quien fue acusado de piratería informática. Una versión retitulada de la canción de Graham Nash "Chicago" que contó con con la participación de MicKinon, Chrissie Hynde y Bob Geldof . Fue producido por Chris Thomas, colaborador de Pink Floyd desde hacía mucho tiempo.

El 11 de julio de 2010, Gilmour volvió a subirse al escenario con Waters para la organización benéfica Hoping Foundation with Waters en Oxfordshire, Inglaterra. La actuación fue presentada por Jemima Goldsmith y Nigella Lawson, y según los espectadores, parecía que Gilmour y Waters habían terminado su larga enemistad, riendo y bromeando junto con sus respectivos socios.

Gilmour interpretó "Comfortably Numb" con Waters el 12 de mayo de 2011 en el O2 de Londres y tocó con el resto de la banda en "Outside the Wall" al final del espectáculo.

En octubre de 2010, Gilmour lanzó un álbum con el dúo electrónico The Orb, “Metallic Spheres”.

En septiembre de 2015, lanzó su cuarto álbum de estudio en solitario, “Rattle That Lock”.

El 14 de noviembre de 2015, Gilmour fue objeto de un documental de BBC Two, “David Gilmour: Wider Horizons”, anunciado como "un retrato íntimo de uno de los mejores guitarristas y cantantes de todos los tiempos, explorando su pasado y presente".

El 13 de septiembre de 2017, el álbum en vivo y la película “Live at Pompeii” de Gilmour , que documentan los dos espectáculos que realizó los días 7 y 8 de julio de 2016 en el Anfiteatro de Pompeya, se proyectaron en cines seleccionados. El álbum fue lanzado el 29 de septiembre de 2017 y alcanzó el número tres en la lista de álbumes del Reino Unido. Para celebrar el evento, el alcalde Ferdinando Uliano nombró a Gilmour ciudadano honorario de Pompeya.

Waters y Gilmour han seguido peleando, discutiendo sobre temas que incluyen reediciones de álbumes y el uso del sitio web de Pink Floyd y los canales de redes sociales. Nick Mason dijo en 2018 que Waters no respetaba a Gilmour, ya que Waters "siente que escribir lo es todo, y que tocar la guitarra y cantar son algo que, no diré que cualquiera puede hacer, pero que todo debe ser juzgado, más en la escritura que en la interpretación".

Desde abril de 2020, Gilmour apareció en una serie de transmisiones en vivo con su familia, interpretando canciones de Barrett y Leonard Cohen.

En julio de 2020, lanzó "Yes, I Have Ghosts", su primer sencillo desde 2015. Su letra fue escrita por Samson y presenta a su hija Romany haciendo su debut discográfico en coros y arpa.

A principios de 2023, la esposa de Gilmour, Polly Samson, escribió en Twitter que Waters era antisemita y "un megalómano mentiroso, ladrón, hipócrita, evasor de impuestos, sincronizador de labios, misógino y enfermo de envidia". Gilmour respondió al tweet en Twitter: "Cada palabra es demostrablemente cierta".

En 2023, Gilmour confirmó que estaba trabajando en un nuevo álbum en solitario. Samson publicó fotos de Gilmour trabajando en British Grove Studios con Brian Eno y Guy Pratt.

En 2024, Gilmour contribuyó con la guitarra a una nueva versión de "Going Home: Theme of the Local Hero" de Mark Knopfler en ayuda de la Fundación Teenage Cancer Trust.

Según se ha podido saber el veterano músico ha estado trabajando en el estudio durante el 2023 para que un nuevo trabajo en solitario vea la luz a lo largo de 2024. Llegará casi una década después de su anterior disco, "Rattle That Lock" (2015), que fue su cuarto álbum al margen de Pink Floyd.

La noticia la ha adelantado en primicia la comunidad Neptune Pink Floyd, basándose como fuente en la esposa de Gilmour, quien ha publicado una serie de fotografías en su cuenta de Instagram de Gilmour trabajando en el estudio con varios artistas.

Gilmour ha trabajado con el bajista Guy Pratt (ya un clásico en los Pink Floyd post-Roger Waters), el teclista Roger Eno (no confundir con su hermano, Brian Eno), el batería Adam Betts y el también bajista Tom Herbert.

Aparte de su trabajo con Pink Floyd y en solitario, Gilmour desempeñó roles como productor e ingeniero de sonido para bandas y artistas como Syd Barrett, Unicorn, Paul McCartney, Arcadia, Berlin, John Martyn, Grace Jones, Tom Jones, Elton John, Eric Clapton, B.B. King, Seal, Sam Brown, Jools Holland, Pete Townshend, Supertramp, Levon Helm, Robbie Robertson, Alan Parsons y Peter Cetera.

Estilo musical

Aunque Gilmour es básicamente conocido por su trabajo como guitarrista, también es un competente multinstrumentista, puesto que toca el bajo, los teclados, la batería, la armónica, el saxofón, el banjo, lap steel, la mandolina, la armónica y la batería. Gilmour dijo que tocó el bajo en algunas pistas de Pink Floyd, como el bajo sin trastes en "Hey You", ya que "podía hacerlo más rápido que Waters".

Su estilo de en la guitarra se puede resumir en dos grandes características: por un lado, sus emotivas ejecuciones, y lo complejo de su equipamiento. En cuanto a la ejecución en sí, Gilmour se caracteriza por lograr muy emotivos solos a partir de escalas.

En sus solos puede apreciarse el uso casi exclusivo de la escala pentatónica con las blue's notes, en combinación con escalas mayores (ver como ejemplos, "Coming Back to Life", "Another Brick in the Wall parte II" o "Sorrow").

Gilmour también gusta de improvisar sus solos muy a menudo, apartándose de las grabaciones. Tiene fraseos muy característicos, que además de su singular sonido, lo apartan del resto de los guitarristas. También se caracteriza por la lentitud de sus solos y por el uso exhaustivo de bends. Utiliza mucho la palanca de trémolo de su guitarra, lo cual permite darle más vida y color a sus impresionantes estiramientos de cuerdas.

Escribiendo para la revista Far Out en 2022, Jordan Potter describió a Gilmour como alguien que tenía un "estilo de guitarra único y en constante desarrollo" en Pink Floyd, y agregó que "a partir de un saludable grupo de cias, podía idear su propio estilo característico, reconocido por su gravedad sonora y excursiones de plomo con tono perfecto, que valoraban la precisión sobre la velocidad".

En una entrevista de 1985, dijo: "No puedo tocar como Eddie Van Halen, desearía poder. A veces pienso que debería trabajar más en la guitarra. Toco todos los días, pero no practico conscientemente".

En 2006, Gilmour dijo: "Mis dedos emiten un sonido distintivo... no son muy rápidos, pero creo que soy reconocible al instante". El técnico de Pink Floyd, Phil Taylor, dijo: "Realmente son sólo sus dedos, su vibrato, su elección de notas y cómo configura sus efectos... En realidad, no importa lo bien dupliques el equipo, nunca podrás hacerlo".

Un buen ejemplo del enfoque guitarrístico de Gilmour se puede encontrar en su solo clásico de «Another Brick in The Wall», parte II. Manteniéndose principalmente dentro de la escala pentatónica menor de re (D: D, F, G, A, C) Gilmour cautiva al oyente con inquietantes estiramientos de blues, barridos de cuerda dramáticos y paradas dobles (combinaciones de dos notas).

Se da tiempo a sí mismo en todo el solo y hace uso deliberado del silencio y la repetición melódica. Particularmente convincente es la forma en que Gilmour adorna sus frases con una voz natural, como el vibrato, se estira una nota, se mantiene y luego se agita, explica Gilmour: "Es como lo hacen los cantantes de formación clásica, mantienen una nota durante un par de segundos, a continuación, añaden un vibrato. Siempre he disfrutado a los guitarristas que hacen esto bien".

El músico afirma: "Una gran cantidad de guitarristas jóvenes de hoy hacen vibratos horribles. Son ridículamente amplios o demasiado rápidos y suenan nerviosos. Alguien una vez describió el vibrato de Eric Clapton como «culto». Este tipo de vibrato siempre me ha gustado. Nunca lo he analizado o practicado conscientemente. Sólo hay una manera en que se siente bien para mí y una manera en que se siente mal".

Influencia

Según MusicRadar, Gilmour es "un nombre familiar entre el público del rock clásico, y para muchos fanáticos de la guitarra más jóvenes, es el único guitarrista de los años 70 que importa. Para muchos, es el eslabón perdido entre Jimi Hendrix y Eddie Van Halen. No es tan llamativo como Jimi Hendrix o Jimmy Page en el escenario, pero su trabajo con la guitarra eclipsa a la mayoría en emoción".

En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd. Ha sido clasificado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos por publicaciones como Rolling Stone y The Daily Telegraph.

En enero de 200, los lectores de Guitar World votaron los solos de Gilmour en "Comfortably Numb", "Time" y "Money” entre los 100 mejores solos de guitarra.

En 2011, Rolling Stone nombró a Gilmour como el decimocuarto mejor guitarrista de todos los tiempos.

Fue citado por el guitarrista de Marillion, Steve Rothery, como una de sus tres principales influencias. John Mitchell, el guitarrista de bandas como It Bites y Arena, también cita a Gilmour como una influencia.

En 2013, Gary Kemp, guitarrista y compositor de Spandau Ballet, argumentó que el trabajo de Gilmour en “The Dark Side of the Moon” "debe convertirlo en el mejor guitarrista de la historia reciente".

Equipamiento

El día de su 21 cumpleaños, en marzo de 1967, sus padres le regalaron su primera guitarra Fender. Una Telecaster blanca con golpeador blanco y diapasón de palisandro. Usó esta guitarra cuando se unió a Pink Floyd en 1968, con una de las Telecasters de Barrett como repuesto.

La Stratocaster Negra

Gilmour usó la Black Strat, una Fender Stratocaster, en la mayoría de los conciertos de Pink Floyd y en cada álbum de estudio de Pink Floyd grabado entre 1970 y 1983. La compró en Manny's Music en la ciudad de Nueva York en 1970, después de que la gira de la banda por Estados Unidos fuera cancelada debido a el robo de sus equipos en Nueva Orleans.

La guitarra, que originalmente tenía un diapasón de palisandro y un golpeador blanco, sufrió una serie de modificaciones, optándose por un golpeador negro y un mástil de arce. Se subastó con fines benéficos en 2019 por 3,9 millones de dólares, lo que la convierte en una de las guitarras más caras jamás vendidas en una subasta.

Fender Black Strat Signature Stratocaster

En noviembre de 2006, Fender Custom Shop anunció dos reproducciones de la Black Strat de Gilmour para su lanzamiento el 22 de septiembre de 2008. Phil Taylor, técnico de guitarra de Gilmour, supervisó este lanzamiento y ha escrito un libro sobre la historia de esta guitarra. La fecha de lanzamiento fue elegida para coincidir con el lanzamiento del álbum “Live in Gdańsk” de Gilmour.

Ambas guitarras se basan en mediciones exhaustivas del instrumento original, cada una con distintos grados de desgaste. La más cara es la David Gilmour Relic Stratocaster, que presenta la copia más cercana al desgaste de la guitarra original. También se hace una copia impecable de la guitarra, la David Gilmour NOS Stratocaster.

La Stratocaster 0001

La Stratocaster 0001 es una Fender Stratocaster con cuerpo blanco, mástil de arce, selector de pastillas de tres vías y golpeador anodizado dorado y herrajes chapados en oro. Gilmour se la compró al técnico de guitarra Phil Taylor, quien se la había comprado a Seymour W. Duncan. Duncan afirma que es un "repartidor", ya que lo ensambló a partir de dos guitarras diferentes.

Gilmour usó la guitarra en el show Strat Pack de 2004 que conmemoró el 50 aniversario de la Stratocaster en el Wembley Arena junto con una de sus Candy Apple Red Stratocasters (famosa por sus apariciones con Gilmour de 1987 a 2004).





Se habían construido prototipos antes que éste. Se desconoce el origen de la guitarra, y se desconoce si es la verdadera Stratocaster 0001 porque el mástil (que tiene el número de serie 0001) podría haber sido quitado del original. El modelo se utilizó como repuesto y para guitarra slide en los años siguientes.

En 2019, la Stratocaster 0001 se vendió en una subasta por 1.815.000 dólares, estableciendo un nuevo récord mundial en subasta para una Stratocaster.

Gilmour también posee una Stratocaster de principios de 1954, que se cree que es anterior al lanzamiento comercial del modelo por parte de Fender.

Junto con los modelos Fender, Gilmour también ha utilizado un modelo Gibson Les Paul Goldtop con pastillas P-90 y puente Bigsby durante las sesiones de grabación de “The Wall” y “A Momentary Lapse of Reason”. Se utilizó para el solo de guitarra en "Another Brick in the Wall , Part 2".

Gilmour también ha tocado con una Gretsch Duo-Jet, una Gretsch White Falcon y una White Penguin.

Tocó una guitarra Bill Lewis de 24 trastes durante las sesiones de grabación de “Meddle” y “Dark Side of the Moon”, y un modelo Steinberger GL, fue su guitarra principal durante las sesiones de grabación de “A Momentary Lapse of Reason”.

Gilmour ha utilizado muchas guitarras acústicas, incluida una Gibson Chet Atkins modelo clásico y una Gibson J-200 Celebrity, adquirida a John Illsley de Dire Straits.

También utilizó varios modelos de Ovation, incluida una Custom Legend 1619-4 y una guitarra de cuerdas de nailon Custom Legend 1613-4, ambas durante las sesiones de grabación de “The Wall”.

Las guitarras Martin utilizadas incluyen un modelo D-35, comprado en Nueva York en 1971 y uno D12-28 de 12 cuerdas.

Gilmour usó con frecuencia un par de steel guitar Jedson y una pedal steel guitar Fender 1000 a principios de la década de 1970. Comprado originalmente en una casa de empeño mientras Gilmour estaba en Seattle en 1970, el Jedson se utilizó durante la grabación de "One of These Days" de "Meddle" y "Breathe" y "The Great Gig in the Sky" de “Dark Side of the Moon”. También posee un Fender Deluxe lap steel, que usó durante la gira “The Division Bell” en 1994.

Gilmour también posee un modelo Champ Lap Steel. Junto con los modelos de acero Fender, Gilmour también ha utilizado: una Gibson EH150 y dos modelos Jedson: uno rojo (sintonizado DGDGBE en 1977 para " Shine On You Crazy Diamond , partes 6–9", y sintonizado EBEGBE para "High Hopes") y uno color madera.





También utiliza un modelo de acero ZB. Gilmour tocó una pedal steel guitar en el álbum “Blue Pine Trees” de Unicorn .

También ha tocado el bajo tanto en el estudio como en el escenario, y ha tocado muchos modelos de bajo, incluidos: un Ovation Magnum, un Fender Bass VI, un Fender Precision y un Charvel sin trastes (todos utilizados durante la grabación de “The Wall”).

Durante el concierto de Amnistía Internacional de 1991, Gilmour utilizó un bajo Music Man Fretless Stingray mientras dirigía la banda de la casa y nuevamente durante la interpretación con Spinal Tap de "Big Bottom".

En 2004, EMG, Inc. lanzó el kit de pastillas de guitarra DG20 Signature para la Fender Stratocaster. El conjunto incluía tres pastillas activas, un expansor de guitarra EXG para aumentar las frecuencias agudas y graves, y un control de presencia SPC para mejorar la terrenalidad y el rango medio. El sistema venía precableado en un golpeador personalizado de 11 agujeros blanco perla con perillas blancas. El kit se basó en la configuración montada en la Stratocaster roja de Gilmour durante las giras “Momentary Lapse of Reason” y “Division Bell”.

Gilmour utiliza una gran cantidad de efectos de sonido, el cual puede resumirse en una perfecta mezcla de la tecnología clásica con la moderna. Siguiendo los discos de Pink Floyd, la técnica como el set de efectos de Gilmour va mejorando y en cierta medida, expandiendo. A modo de resumen, puede caracterizarse los distintos set de efectos de Gilmour en 4 grandes períodos:

Hasta “The Dark Side of the Moon”, Gilmour utilizaba un set bastante sencillo, que constaba de un wah-wah Vox, un booster Colorsound, un Dallas Arbiter Fuzz-face y un delay a cinta Binson Echorec, todo ello a través de sus típicos amplificadores Hiwatt DR103 con gabinetes WEM 4X12, de los cuales ya no se despojaría. Incursiona con el pedal Uni-vibe, típico de la canción “Breathe”.

Ya en “Wish You Were Here” su sonido comienza a complicarse, con el añadido de los pedales phasers de MXR. En el disco “Animals” este sonido es llevado al extremo con el pedal Phase100 de MXR. Aquí hace incursión del que sería su pedal insignia, que todavía utiliza: el Big Muff V2 «Ram´s Head» de Electro-Harmonix. Pedal que popularizó y que se le relaciona directamente a Gilmour.

En la gira de “Animals” terminaría de complicarse su sonido de finales de los setenta con el añadido del mencionado Big Muff en reemplazo del Fuzz-face y el también célebre Electric-Mistress de Electro-Harmonix.

Explota al máximo el uso de los compresores como el Dynacomp de MXR. Tampoco se despoja del Booster Colorsound, el cual utilizaría como overdrive también. Este fue el sonido típico de “The Wall”, de “The Final Cut” y del primer y segundo disco en solitario de Gilmour.

Tras un período de experimentación y renovación, la cual puede apreciarse en el disco “A Momentary Lapse of Reason”, Gilmour comienza a reemplazar sus viejos pedales por los modernos pedales Boss, así deja el Colorsound para utilizar el Superoverdrive de Boss, los delays digitales, suma el compresor CS-3 de Boss, cambia los flangers por los chorus, utiliza el HM-2 de Boss, dándole un uso similar al Big-Muff, el cual conservaría.

El set de Gilmour comienza a tomar dimensiones gigantes y su sonido alcanza su máxima calidad en el disco “Delicate Sound of Thunder” y “P•U•L•S•E”, en gran parte gracias a su ingeniero de sonido Phil Taylor.

Actualmente, Gilmour ha optado por volver a utilizar sus efectos clásicos y dejar de lado el equipamiento tan sofisticado que ha desarrollado hasta fines de la década de 1990. Respecto de su afinidad por los efectos de pedal, Gilmour ha manifestado ser «un guitarrista limitado técnicamente, por lo cual los efectos ayudaron a darle a su sonido una mayor complejidad».


Premios y distinciones

Gilmour fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) en 2003, "por sus servicios a la música". El premio le fue entregado en el Palacio de Buckingham, el 7 de noviembre de ese año.

El 22 de mayo de 2008, ganó el premio Ivor Novello Lifetime Contribution Award 2008, reconociendo su excelencia en la escritura musical. Más tarde ese año, fue reconocido por su destacada contribución a la música en los Q Awards . Dedicó su premio al teclista de Pink Floyd, Richard Wright, fallecido en septiembre de 2008.

El 11 de noviembre de 2009, Gilmour recibió un doctorado honoris causa de la Universidad Anglia Ruskin.

Discografía

Con Pink Floyd en estudio
A Saucerful of Secrets (1968)
Music from the Film More (1969)
Ummagumma (Disco 2) (1969)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Obscured by Clouds (1972)
The Dark Side of the Moon (1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
The Division Bell (1994)
The Endless River (2014)

Con Pink Floyd en directo
Ummagumma (Disco 1) (1969)
Delicate Sound of Thunder (1988)
P•U•L•S•E (1995)
Is There Anybody Out There? (2000)
Live at Knebworth, 1990 (2021)
The Dark Side Of The Moon: Live in Wembley 1974 (2023)

Con Pink Floyd Videografía
Live at Pompeii (1972)
Pink Floyd: The Wall (1982)
Pink Floyd: The Final Cut EP (1983)
Delicate Sound of Thunder (1989)
P•U•L•S•E (1995)
The Making of The Dark Side of the Moon (2003)
Pink Floyd: The Lost Documentary (2003)
The Pink Floyd and Syd Barrett Story (2004)
The Story of Wish You Were Here (2012)
The Endless River Film (2019)
Live at Knebworth, 1990 (2019)

Con Pink Floyd Recopilatorios
A Nice Pair (1970)
Relics (1971)
Masters of Rock (1974)
A collection of Great Dance Songs (1981)
Works (1983)
The Early Singles (del Box Set Shine On) (1992)
1967: The First Three Singles (1997)
Echoes: The Best of Pink Floyd (2001)
A Foot in the Door (2011)

En solitario en estudio
David Gilmour (1978)
About Face (1984)
On an Island (2006)
Rattle That Lock (2015)

En solitario en directo
David Gilmour Live 1984 (1984, VHS)
David Gilmour in Concert (2002, DVD)
Remember That Night (2007, DVD)
Live in Gdańsk (2008, DVD)
Live at Pompeii (2016, DVD)

Colaboraciones en discos de otros artistas
The Madcap Laughs (Syd Barrett) (1970) (produce y toca en varios temas)
Barrett (Syd Barrett) (1970) (produce y toca el bajo)
Blue Pine Trees (Unicorn) (1974) (produce y toca en varios temas)
HQ (Roy Harper) (1975) (toca en "The Game")
Back To The Egg (The Wings) (1979) (toca en "Rockestra Theme" y "So Glad To See You Here")
The Dreaming (Kate Bush) (1982) (voz en "Pull Out The Pin")
Headline News (Atomic Rooster) (1983) (guitarra en cuatro canciones)
Give My Regards To Broad Street (Paul McCartney) (1984) (toca en "No More Lonely Nights")
Profiles (Nick Mason-Rick Fenn) (1985) (voz y guitarra en "Lie For A Lie")
Brother Where You Bound (Supertramp) (1985) (guitarra en "Brother Where You Bound")
So Red The Rose (Arcadia) (1985) (toca en "The Promise")
Boys and Girls (Bryan Ferry)(1985)
White City: A Novel (Pete Townshend) (1986) (toca en "White City" y "Give Blood")
Slave To The Rhythm (Grace Jones) (1987) (toca en varios temas sin figurar en los créditos)
The Dream Academy (The Dream Academy) (1988) (toca en "Bound To Be" y "The Party")
One More Story (Peter Cetera) (1988) (toca en "Body Language (There in the Dark)" y "You Never Listen to Me")
Flowers in the Dirt (Paul McCartney) (1989) (toca en "We Got Married")
Roé, (Roé) (1990) (guitarra en "Como el agua")
The One (Elton John) (1992) (guitarra en "Understanding Women")
Run Devil Run (Paul McCartney) (1999) (toca en todo el disco)
A Valid Path (Alan Parsons) (2004) (guitarra en "Return to Tungunska")
Metallic Spheres (The Orb) (2010) (voces, guitarra y composición)

Fuentes: concierto.cl, Flickr, last.fm, rock-progresivo.com, futuro.cl y Wikipedia

[Presidemente]

En el puesto número 13


Albert King

Albert King, fue un influyente guitarrista y cantante estadounidense. Fue uno de los grandes maestros del blues, reconocido como una leyenda en su estilo, y ha ejercido una enorme influencia en músicos posteriores. Su verdadero nombre era Albert Nelson.

Considerado uno de los Tres Reyes del Blues a la guitarra (junto a B.B. King y Freddie King), su altura de 1,95 m y sus 118 kg de peso, su canto suave y también porque conducía una excavadora en uno de sus trabajos diarios al principio de su carrera le valieron el sobrenombre de The Velvet Bulldozer.

Quizás sea mejor conocido por su popular e influyente álbum "Born Under a Bad Sign" (1967) y su canción principal . El zurdo Albert King era conocido por su "sonido profundo y dramático que fue ampliamente imitado por guitarristas de blues y rock".





Albert King nació en una humilde familia de Indianola, Misisipi, en una plantación de algodón donde trabajó sus primeros años. El mismo dijo que fue entre el año 1923 y 1924 (no se sabe a ciencia cierta), siendo miembro de una familia de 13 hermanos algunos de los cuales integraban un coro de gospel del cuál también él formó parte.

La identidad de King fue una fuente de confusión durante mucho tiempo. Declaró en entrevistas que nació en Indianola el 25 de abril de 1923 (o 1924) y que era medio hermano de BB King (cuya ciudad natal era Indianola), pero la documentación sugiere lo contrario.

King declaró que cada vez que actuaba en el Club Ebony de Indianola, el evento se celebraba como un regreso a casa y citó el hecho de que el padre de BB se llamaba Albert King. Sin embargo, cuando solicitó una tarjeta de la Seguridad Social en 1942, indicó su lugar de nacimiento como "Aboden" (muy probablemente Aberdeen, Mississippi ) y firmó su nombre como Albert Nelson, enumerando a su padre como Will Nelson. Los músicos también lo conocían como Albert Nelson en la década de 1940 y principios de la de 1950.

Una de sus más tempranas influencias musicales fue su propio padre, que tocaba la guitarra habitualmente. Su único consuelo era la religión. Los domingos, él y sus hermanos estaban en la primera fila del coro.

A finales de los años treinta su padre les abandonó y la madre se fue con sus hijos a Forest City, Arkansas, donde su familia y él comenzaron a trabajar en una plantación de algodón, en busca de obtener por fin unas mejores condiciones de vida.

Ya de muy pequeño, Albert entró en contacto con la música, pero al no disponer de dinero para poder comprarse su propia guitarra, se fabricó el mismo su primer instrumento musical, un arco diddley de una sola cuerda. Poco después, con 6 años comenzó a tocar una guitarra que también había sido de construcción casera, utilizando una caja de puros para el cuerpo.

Allí, Albert profundizó en el conocimiento del blues gracias, sobre todo, a las canciones del legendario Dorothy Dailey (a pesar de ese nombre era un hombre). Cada día dedicaba un par de horas al instrumento, que lo abstraía del pesado trabajo de cada día.

A los 18 años el joven niño de Mississippi ya pudo ahorrar lo suficiente como para comprarle a un amigo una guitarra por 1.25 dólares. Eso sí, al ser Albert zurdo tuvo que darle la vuelta a la guitarra y dejar las cuerdas más gruesas en la parte inferior, cosa que en el futuro le ayudó a definir ese sonido único y tan específico suyo.

A finales de los cuarenta, se trasladó a Little Rock, la capital de Arkansas, donde trabajó en la construcción, se convirtió en un experto en excavadoras, reservándose las noches para tocar en los clubs.

Sus primeros pasos los dio en grupos de gospel, especialmente en The Harmony Kings, pero después de oír a grandes maestros del blues, como Lonnie Johnsona o Blind Lemon Jefferson, se convirtió a esta "religión musical".

A dicho cambio de rumbo también contribuyeron otros guitarristas locales como Howlin’ Wolf o Elmore James, de quienes copiaba y adaptaba sus acordes y escalas para poder tocarlos con su guitarra invertida: “Sabía que iba a tener que crear mi propio estilo porque no podía hacer los cambios y los acordes de igual forma que un diestro. Toco algunos acordes, pero no muchos. Siempre me concentré en el sonido de mi guitarra, (basado) más bien en una nota sostenida”.

Al poco de cumplir los 25 años, en 1950, el todavía llamado Albert Nelson se trasladó a Osceola (Arkansas), donde empezó a combinar su trabajo de día, como conductor de excavadores, con el de guitarrista.

Fue así como comenzó a tocar en grupos como Yancey’s Band como guitarra rítmica o In The Groove Boys, haciendo también de cantante en este último con el que conquistó una gran popularidad local, llegando a actuar en la cercana ciudad de Memphis. Durante este tiempo estuvo expuesto al trabajo de muchos artistas de blues de Delta, incluidos Elmore James y Robert Nighthawk.

Luego se mudó a South Bend, Indiana, aquí formó parte, entre 1949 y 1950, de los Harmony Boys que era un grupo de gospel.

En medio de este fervor de actividad, encontró tiempo y coraje para subirse en un tren y visitar por primera vez Chicago en la primavera de 1950.

Era un tren lentísimo aquel que en marzo de 1950 se dirigía hacia el norte. Un tren que llevaba consigo las esperanzas de muchos de sus pasajeros de color. Entre ellos estaba Albert.

Un chico de veinticinco años que había aprendido a tocar la guitarra y cantar en la iglesia, viajaba a Chicago, tradicionalmente una de las capitales de la música americana, desde siempre la ciudad del blues.

Albert King no sabía que aquel viaje le proporcionaría unos resultados dignos de la realeza de su nombre sólo diez años más tarde. No sabía que durante diez años se movería en el circuito menor, porque su proceso de maduración sería lento, y porque era tremendamente difícil abrirse camino en los años cincuenta para un negro que hacía blues. Su primer contacto con aquel ambiente no fue todo lo bien que podría esperarse, pero bastó para servirle de estímulo.

Un nuevo traslado en el año 1953, pero esta vez a Gary, Indiana, donde conoció al disc-jockey Jimmy Reed y se unió a una banda donde estaban el propio Jimmy y John Brim. Sin embargo, como ambos eran guitarristas, se vio forzado a tocar la batería.

Pero su instrumento fundamental iba a ser la guitarra eléctrica, y su preferida fue la Gibson Flying V, a la que llamó Lucy. El sello característico de Albert King fue su forma de coger la guitarra: como intérprete zurdo la usaba invertida, pero a diferencia de otros guitarristas zurdos como Jimi Hendrix o Tony Iommi, King jamás invirtió el orden del encordado, de modo que para él las cuerdas más agudas permanecen arriba.

Posteriormente trabajó como músico de sesión para diversos artistas como Jackie Wilson, Brook Benton o Earl Hooker, deambulando por distintos estados.

Comenzó a usar el nombre de Albert King en 1953 como un intento de asociarse con BB King; fue anunciado como "el hermano de BB King". También usó el mismo apodo que BB King, "Blues Boy", y llamó a su guitarra "Lucy" (la guitarra de BB King se llamaba "Lucille"). BB King dijo más tarde: "Llamó a su guitarra 'Lucy' y durante un tiempo anduvo diciendo que era mi hermano. Eso me molestó hasta que llegué a conocerlo y me di cuenta de que tenía razón; no era mi hermano. hermano de sangre, pero seguro que era mi hermano de blues".

En Gary, grabó su primer sencillo, "Bad Luck Blues" respaldado con "Be On Your Merry Way", para Parrot Records . El disco vendió algunas copias, pero no tuvo un impacto significativo y Parrot no solicitó ningún registro de seguimiento ni firmó con King un contrato a largo plazo.

Debido al poco éxito de su primer single, King volvió a Osceola en 1954, donde se reincorporó a los Groove Boys, su antigua banda, durante dos años. Alternaba el trabajo de día con actuaciones nocturnas.

En 1955 se trasladó a St. Louis, donde formó su primer gran grupo dando paso a una intensa actividad de grabaciones y conciertos.

En 1956, se mudó a Brooklyn, Illinois , justo al otro lado del río desde St. Louis, y formó una nueva banda. Se convirtió en una atracción popular en la escena de los clubes nocturnos de St. Louis junto con los Kings of Rhythm y Chuck Berry de Ike Turner, estrenando en aquella época su apreciada guitarra Gibson llamada cariñosamente "Lucy".

Gracias a su trabajo en Saint Louis y alrededores, en 1959 consiguió un nuevo contrato discográfico, esta vez con Bobbin Records de Little Milton lanzando algunos sencillos, pero ninguno de ellos llegó a las listas. Su primer éxito fue “I’m a Lonely Man”.

Sus discos para Bobbin Records llamaron la atención de un sello más poderoso, King Records, que cogió la distribución de un nuevo sencillo del genial guitarrista llamado "Don't Throw Your Love on Me So Strong", en noviembre de 1961.

La grabación presenta al músico Ike Turner al piano y se convirtió en el primer éxito de King, alcanzando el puesto 14 en la lista Billboard R&B. Lo mismo ocurrió con sus futuras ediciones, que eran editadas por Bobbin y eran distribuidas por King Records.

En 1963 se editó el álbum “The Big Blues”, un año después de que Albert King dejara Bobbin Records, grabando más tarde una sesión con King Records directamente. De ella se extrajeron algunos singles, con escasa repercusión comercial, tras lo cual King grabó en Coun-Tree Records, un pequeño sello de Saint Louis del artista de jazz Leo Gooden y grabó dos discos para ellos, pero no llegaron a las listas.

Tras un breve paso con la discográfica Count-Tree, su camino hacia la gran popularidad se inició en 1966, cuando sin aparentes perspectivas profesionales más que recorrer el circuito de clubes del sur y el medio oeste, King se mudó a Memphis, donde firmó con el sello discográfico Stax Records, sello responsable del ascenso de Otis Redding, Rufus Thomas, Booker T. & The M.G.’s y tantos otros, que le ofreció un interesante contrato.

Lo que más lo favoreció fue esa flexibilidad interpretativa que le permitía publicar discos que también fueran apreciados por el público blanco.

Sus primeras grabaciones obtuvieron un total respaldo del público y canciones como "Laundromat Blues", "Crosscut Saw" y "Oh Pretty Woman", en la que está acompañado por toda la banda de Booker T., los Bar-Kays, y los Mar-Keys, escalaban por las listas en 1966 y le crea una reputación que se consolidó al año siguiente.





Tras ello, Albert King compuso y sacó al mercado uno de los disco más relevantes y triunfantes de su vida: “Born Under a Bad Sign”, una colección de los sencillos que King grabó en Stax, con su fama ya en las fronteras del blues para encontrarse con seguidores provenientes del rock.

La canción que dio el nombre al álbum (escrita por Booker T. Jones y William Bell) se convirtió en la canción más famosa de King y ha sido versionada por numerosos artistas (incluidos Cream, Paul Rodgers, Homer Simpson (sí, habéis leído bien) y Jimi Hendrix).

En su libro "The heart of rock & soul", el crítico Dave Marsh escribía comentando el single “Born Under a Bad Sign”: “Aunque suele ser relacionado con el blues y los demás Kings (B.B. y Freddie), Albert es más un intérprete de soul que de blues. En sus mejores discos, la producción sigue criterios pop. Pero es sobre todo su estilo guitarrístico, el mejor zurdo anterior a Hendrix, lo que le hace especial”.

Tal fue el éxito de “Born Under a Bad Sign” que el guitarrista de Mississippi consiguió captar la atención de grandes guitarristas como Eric Clapton o Mike Bloomfield, quien dijo de Albert: “Puede tomar cuatro notas y escribir un volumen”.

La producción de las canciones fue escasa y limpia y mantuvo un sonido de blues tradicional al mismo tiempo que sonaba fresco y completamente contemporáneo. La clave del éxito de King en Stax fue darle a sus canciones una sensación de R&B alegre y elegante que las hacía más atractivas y amigables para la radio que el lento y sensiblero sonido del blues tradicional.

Tras el éxito de "Born Under a Bad Sign", Albert King vivió una época de gran actividad musical, tanto dentro del estudio como con actuaciones en directo.

El 1 de febrero de 1968 King fue contratado por el promotor Bill Graham para una actuación en el Fillmore Auditorium en un concierto de varios artistas, entre los que estaba Jimi Hendrix.

El concierto lo iniciaron los Soft Machine, teloneros de Hendrix durante varios conciertos de este a principios de 1968. El público estaba impaciente por ver a King y a Hendrix y cuando Soft Machine empezaron a tocar, la gente empezó a gritar el nombre de Albert King. Eso provocó el enfado del promotor Graham, que salió al escenario y reprochó al público su falta de respeto hacia los artistas que tocaban en ese momento.

Aquellos que asistieron al concierto relataron que King se adueñó del recital, ya que la gente esperaba la electricidad de Hendrix pero King se los puso en el bolsillo gracias a sus mágicos dedos después de tocar un par de baladas.

Uno de los grandes momentos ocurrió cuando fue capaz de sustituir una cuerda que se le había roto sin dejar de tocar. Cuando Hendrix salió al escenario lo primero que dijo fue: “Ok, Albert King, he cogido la indirecta”, y se puso a tocar algunos de los acordes de King como homenaje.

Ese mismo año, mientras King actuaba en el Manhattan Club de Ike Turner en East St. Louis, el promotor Bill Graham le ofreció 1.600 dólares para tocar tres noches en el Fillmore Auditorium de San Francisco. De esas tres noches salieron los álbumes “Live Wire/Blues Power” (1968), considerado como uno de los mejores trabajos de su carrera, “Wednesday Night in San Francisco” (1990) y “Thursday Night in San Francisco” (1990).

Al comenzar 1969 Albert King entró en un estudio para grabar por primera vez un álbum, puesto que todas sus ediciones de larga duración anteriores se habían compuesto de temas editados en sencillos. Ese álbum fue “Years Gone By”, en el que retomó el blues añadiéndole gotas de soul y de funk y que salió a la venta en ese año.

Ese mismo año grabó “Jammed together” con Steve Cropper y Pop Staples. También actuó en vivo con la Orquesta Sinfónica de St. Louis .

En 1970, lanzó un álbum tributo a Elvis Presley titulado “Blues For Elvis - King Does The King's Things”. Era una colección de éxitos de Presley de la década de 1950 reelaborados y reimaginados en el estilo musical de King, aunque los críticos sintieron que los resultados fueron mixtos.

El 6 de junio de 1970, King acompañó a The Doors en su concierto de Vancouver en el Pacific Coliseum en uno de los mejores conciertos de la gira. Las grabaciones de esta actuación fueron lanzadas en 2010 por Rhino Records como “Live in Vancouver 1970”.

De igual forma, la repercusión de King era tan grande, que comenzó una gran gira tanto a nivel nacional como europea. Dicha gira terminó en 1971, cuando volvió a su tierra natal para encerrarse en el estudio y grabar su próximo disco, “Lovejoy”, que incluye en particular una versión del éxito de los Rolling Stones "Honky Tonk Women".

Para conservar su atractivo popular, King abrazó con entusiasmo el nuevo sonido del funk. En 1972, grabó "I'll Play the Blues for You", un disco de estilo blues mezclado con el funk y el soul que tanto le ha marcado. Para este disco se acompañó de los Bar-Kays , los Memphis Horns y The Movement, el grupo de acompañamiento de Isaac Hayes.





Grabó otro álbum con los Bar-Kays, “I Wanna Get Funky” (1974) con la ayuda de Isaac Hayes, para contentar un mercado que se estaba olvidando del blues y comenzando a disfrutar nuevas tendencias.

En 1975, la carrera de King dio un giro hacia abajo cuando Stax Records se declaró en quiebra, tras lo cual se mudó al pequeño sello Utopía Récords en 1976 y grabó “Albert”, un disco lleno de concesiones comerciales y arreglos excesivamente elaborados, una clave apartada de su habitual estilo. Su álbum siguiente, “Truckload of Lovin”, se convirtió en música pop genérica de los años 70.

Su tercer álbum para Utopia, “King Albert” (1977), un elepé de música disco y aunque algo más tenue, todavía carecía de material destacado, y la guitarra de King pasó a un segundo plano frente a los instrumentos de fondo.

La última grabación que King hizo para Utopia fue “Live Blues” en 1977, una recopilación de su actuación en el Festival de Jazz de Montreux. El tema "As the Years Go Passing By" destaca por su dueto con el guitarrista irlandés Rory Gallagher .

No obstante, su disconformidad con el nuevo sello propició que dejara la firma para asociarse brevemente con Tomato Records y grabar el disco “New Orleans Heat”, producido por Allan Toussani, quien había sido responsable de decenas de éxitos de ese género en las décadas de 1960 y 1970, pero era un novato en el trabajo con artistas de blues.

El álbum era una mezcla de canciones nuevas, incluida " Get Out of My Life, Woman " del propio Toussaint y regrabaciones de material antiguo, como "Born Under a Bad Sign".

Pero lo cierto es que el éxito de este álbum resultó ser bastante bajo y fue así como Albert King tomó la decisión a finales de los 70 de tomarse un descanso de la música de estudio.

Sus directos seguían siendo ejemplares, pero sus discos de estudio intentaban complacer los gustos imperantes y le impedían mostrar todo su poderío.

En esa época, dos sellos compraron los derechos de sus grabaciones para rebuscar en los archivos y publicar sus mejores momentos desechados: el sello británico Charley compró Tomato, y el sello californiano Fantasy adquirió Stax.

Entre todo el material inédito, se encontraron electrizantes momentos en los que tocaba acompañado de John Lee Hooker o John Mayall.

En cualquier caso, este parón musical duró escasos 4 años. Durante este período, volvió a abrazar sus raíces como artista de blues basado en la famosa vuelta de 12 compases, abandonó cualquier arreglo y se centró en el uso exclusivo de guitarra, bajo, batería y piano.

Con esta idea en mente en 1983, lanzó un álbum en vivo para Fantasy Records, “San Francisco '83”, que fue nominado a un Grammy. El mismo año grabó una sesión de televisión de estudio, de más de una hora de duración, para CHCH Television en Canadá, con la prometedora sensación del blues Stevie Ray Vaughan. Posteriormente fue lanzado como álbum de audio y posteriormente como álbum de audio más DVD titulado “In Session”.





En 1984, King lanzó el álbum “I'm in a Phone Booth, Baby”, que contenía la canción "Phone Booth" , escrita por Robert Cray y que fue nominado a un premio Grammy. El álbum también incluía una nueva versión de "Truckload of Lovin'" y dos viejas canciones de Elmore James , "Dust My Broom" y "The Sky Is Crying".

Los problemas de salud de King lo llevaron a tomar una triste decisión. En aquella época, el gran guitarrista, con una edad respetable (rondaba los sesenta y cinco años) dijo públicamente que se retiraba, pero continuó con giras regulares y apariciones en festivales de blues, utilizando un autobús de gira Greyhound personalizado con "I'll Play The Blues For You" pintado en un costado.

En 1988 Albert acudió como invitado junto a Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean al especial “B.B. King and Friends”.

El “Big Brother of Blues” como le llamaba cariñosamente B.B. King, y este actuaron en el Japan Blues Carnival de 1989.





En 1990, participó junto a Albert Collins en el álbum “Still Got The Blues” de Gary Moore, con una nueva versión de “Oh, Pretty Woman”. Esta contribución llevó a que King apareciera como invitado en los conciertos de la gira europea de Moore, junto a Albert.

Su regreso discográfico fue en 1991 para grabar su último álbum, “Red House”, un homenaje a Jimmy Hendrix en el que participaron también Joe Walsh (ex Eagles), Bruce Gary ( ex The Knack) y Jim Dickinson.

Antes de su muerte, King estaba experimentando con diferentes sonidos y preparaba un nuevo disco con material almacenado y planeando una gira con BB King y Bobby "Blue" Bland . Bland le dijo a Associated Press que "nunca hubo ningún tipo de celos cuando los tres trabajábamos juntos en un paquete. Uno simplemente empujaba a los demás".

King murió en su casa de Memphis a causa de un infarto el 21 de diciembre de 1992. Su último concierto había sido en Los Ángeles dos días antes.

Le ofrecieron una procesión fúnebre con los Memphis Horns tocando "When the Saints Go Marching In" y fue enterrado en el cementerio Paradise Gardens en Edmondson, Arkansas, cerca de la casa de su infancia.

Su nombre está incluido en el Paseo de la Fama de St. Louis.

Albert King como Guitarrista

Albert King es uno de los guitarristas más característicos que existen en el blues. Y no solo por el hecho de tocar la guitarra al revés, su forma de tocar sin púa y por hacer esos famosos bendings de dos tonos hacía abajo, sino por su estilo contundente e intenso, pero siempre expresivo.

Lideró, junto a otros músicos del estilo, el resurgir del blues y su influencia sobre el rock, en los años 60 y 70, en esta última década sus temas ingresaron varias veces en el ranking de Bilboard. "Blues Power" fue uno de sus conocidos temas, pero también un grito que proclamaba la vigencia del Blues.

Si bien es cierto que ha sido criticado por un sector que le acusa de ser simple y repetitivo, la grandeza de Albert también está en saber exprimir cada nota en cada lick como pocos saben.

Como dijo Ronnie Ear, “Es el mejor haciendo bends del negocio. Tiene tres de los cinco mejores licks de blues del mundo. Tres de las mejores notas de la historia de la música”.

Así mismo, tomó clases nocturnas de teoría musical para mejorar su comprensión y poder adaptarse mejor a las numerosas bandas con las que tocaba asiduamente.

De igual forma, Albert King era un guitarrista de conmovedora y expresiva voz, lo cual lo combinaba como pocos y juntaba con su gran presencia escénica.

Entre los bluseros que más influenciaron en su estilo musical estuvieron Blind Lemon Jefferson, Sonny Boy Williamson, T-bone Walker y Lonnie Johnson.

A su vez King influyó a muchos guitarristas de blues como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield, Gary Moore, y Stevie Ray Vaughan. El solo de guitarra de Eric Clapton en el éxito de Cream, “Strange Brew” (del álbum “Disraeli Gears”) es una emulación del solo de King en su éxito con Stax, “Oh, Pretty Woman”.

Además de Cropper y Mayall, Albert King colaboró con otros colegas blancos, por ejemplo, Rory Gallagher, a quienes enseñó mucho trucos del oficio. También Eric Clapton debe mucho al guitarrista de Indianola.

Pero su verdadero discípulo fue el guitarrista texano Stevie Ray Vaughan, muerto prematuramente en 1990, que siempre señalaba a Albert King como a su único maestro. Haciendo gala de una chispeante ironía, King alabó así al guitarrista blanco en una entrevista: “Stevie Ray es bueno. Pero le aconsejo que siga su camino sin fijarse demasiado en mí. ¿Cómo podría? Ni siquiera yo sé exactamente quién soy y qué puedo hacer”.

Su equipo

Guitarras

El primer instrumento de King fue un arco diddley . Luego, se construyó una guitarra de caja de puros y, finalmente, compró una guitarra acústica Guild .

A diferencia de otros bluesmen de la época que tocaban Gibson Les Paul, Gibson ES-335 o incluso Fender Stratocaster, el instrumento con el que se le suele asociar es una Gibson Flying V de 1958.

King utilizó su primera Gibson Flying V hasta finales del 60, cuando la perdió en una apuesta durante una partida de dados. Entonces la sustituyó por otro modelo de Gibson muy similar que se fabricó a mediados de la década de 1960.

En 1974 empezó a utilizar un Flying V construido por Dan Erlewine, y después de 1980 también tocó una construida por Bradley Prokopow.

Después de 1987, Albert tocó con una Archtop Flying V personalizada, construida por Tom Holmes por encargo de Billy Gibbons, y se la regaló a King por su 65 cumpleaños. Alrededor de 2017, Gruhn Guitars vendió esta guitarra a un coleccionista desconocido.

King era zurdo, pero normalmente tocaba guitarras para diestros volteadas. Usó una afinación abierta caída, posiblemente más de una, ya que los informes varían: (C#-G#-BEG#-C#) o Mi menor abierta (CBEGBE) o Fa abierta (CFCFAD).
Steve Cropper (que tocó la guitarra rítmica en muchas de las sesiones de King con Stax), dijo a la revista Guitar Player que King afinó su guitarra en CBEF#-BE (de bajo a alto).

El luthier Dan Erlewine dijo que King afinó CFCFAD con cuerdas de calibre ligero (0,050", 0,038", 0,028", 0,024" enrolladas, 0,012", 0,009"). Las cuerdas de calibre más ligero y la menor tensión de las cuerdas de la afinación caída fueron factores en la técnica de flexión de cuerdas de King.

Amplificadores

Para la amplificación, King utilizó un amplificador acústico de estado sólido, con un gabinete de altavoz que contenía dos parlantes de 15 pulgadas y una bocina ("que puede haber estado operativa o no").

A partir de la década de 1980, también se sabía que King utilizaba un Roland JC-120. Más adelante en su carrera también utilizó un Fender Dual Showman de 1969.

Curiosamente, estos amplificadores llaman la atención por ser de transistores en lugar de válvulas, algo poco usual en los guitarristas profesionales y mucho menos del blues, donde el sonido cálido y saturado se consigue mejor con las válvulas.
Esto se debía a que en los años 70 y 80, King necesitaba un mayor volumen y tono para poder ser escuchado por encima de otros instrumentos (como las trompetas) pero al subir mucho el nivel de las válvulas entraba en distorsión, por lo que finalmente optó por los transistores.

Pedales

En lo que a pedales de guitarra eléctrica se refiere, Albert King no tenía un gran arsenal y el único que realmente utilizó fue el MXR Phase 90.

Reconocimiento

A lo largo de su carrera, King fue nominado a dos premios Grammy. En 1983, fue nominado al Mejor álbum de Blues Tradicional por “San Francisco '83” y al año siguiente también fue nominado por “I'm In A Phone Booth, Baby”.

En 1983, King fue incluido en el Salón de la Fama del Blues. Recibió una estrella en el Paseo de la Fama de St. Louis en 1993.

En 2011, King fue honrado con un marcador en el Mississippi Blues Trail en su ciudad natal, Indianola. Fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Memphis en 2013.

King también fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2013. En la introducción de la ceremonia, Gary Clark Jr. interpretó "Oh, Pretty Woman" de King y luego se le unieron John Mayer y Booker T. Jones para interpretar "Born Under a Bad Sign".

Discografía

The Big Blues (1963)
Born Under a Bad Sign (1967)
Live Wire/Blues Power (1968)
Years Gone By (1969)
King Of The Blues Guitar (1969)
Blues For Elvis - King Does The King's Things (1970)
Lovejoy (1971)
I'll Play The Blues For You (1972)
Blues At Sunset (1973)
I Wanna Get Funky (1974)
Montreux Festival (1974)
The Blues Don't Change (1974)
Funky London (1974)
Albert (1976)
Truckload Of Lovin' (1976)
I'll Play the Blues For You (con John Lee Hooker) (1977)
King Albert (1977)
New Orleans Heat (1979)
Chronicle (con Little Milton) (1979)
Crosscut Saw: Albert King In San Francisco (1983)
In sesion (con Stevie Ray Vaughan) (1983)
I'm In A Phone Booth, Baby (1984)
The Best Of Albert King (1986)
The Lost Session (con John Mayall) (1986)
Let's Have A Natural Ball(1989)
Live (1989)
Door To Door (1990)
Wednesday Night In San Francisco (1990)
Thursday Night in San Francisco(1990)
Roadhouse Blues(1992)

Discos póstumos
The Ultimate Collection (1993)
So Many Roads (1993)
The Tomato Years (1994)
Mean Mean Blues (1995)
Hard Bargain (1996)
Born Under A Bad Sign & Other Hits (1997)
Blues Power (1999)
The Very Best Of Albert King (1999)
A Truckload Of Lovin': The Best Of Albert King (1999) (UK)
Guitar Man (2001)
I Get Evil: Classic Blues Collected (2001)
More Big Blues Of Albert King (2001)
Blue On Blues (2002)
Talkin' Blues (2003)
Blues From The Road (2003)

Fuentes: historiasderock.com, last.fm, mcnbiografias.com, miguitarraelectrica.com, cristosocorro.es, oocities.org, flickr y Wikipedia

[Presidemente]

En el puesto número 12


Stevie Ray Vaughan

Stephen Ray Vaughan (también conocido como SRV) fue un guitarrista, cantante, compositor y productor discográfico estadounidense que fusionó los géneros de blues y rock en la década de 1980 más conocido como el guitarrista y líder del trío de blues rock Stevie Ray Vaughan y Double Trouble .

Desarrolló un sonido y estilo basado en artistas de blues como B. B. King, Albert King, Freddie King, Buddy Guy, Otis Rush y Jimi Hendrix.

Aunque su carrera principal duró sólo siete años, se le considera uno de los músicos más influyentes en la historia del blues y uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Era el hermano menor del guitarrista Jimmie Vaughan.







Stephen Ray Vaughan nació en el Hospital Metodista de Dallas, Texas, el 3 de octubre de 1954 y era tres años y medio más joven que su hermano Jimmie (nacido en 1951).

Jim Vaughan, padre de Stevie, también conocido como Big Jim, consiguió un empleo como obrero de asbesto, una ocupación que implicaba un esfuerzo manual riguroso. La familia se mudaba con frecuencia, viviendo en otros estados en Arkansas, Luisiana, Misisipi y Oklahoma, antes de mudarse al barrio Oak Cliff en Dallas.

Un niño tímido e inseguro, Vaughan se sentía profundamente afectado por las experiencias de su infancia. Su padre luchó contra el abuso del alcohol y con frecuencia aterrorizaba a su familia y amigos con su mal carácter. En años posteriores, Vaughan recordó que había sido víctima de la violencia de su padre.

Ninguno de sus padres tenía ningún importante ni destacado talento musical, pero eran fanáticos y melómanos de la música en sus distintos géneros. Usualmente llevaban al pequeño Stevie Ray y a su hijo mayor, Jimmie, a conciertos de Fats Domino, Jimmy Reed y Bob Wills.

A comienzos de la década de 1960, la admiración de Stevie Ray por su hermano lo llevó a probar con varios instrumentos, como el saxofón y la batería. Empezó a tocar la guitarra a los siete años, inspirado en Jimmie que en esa época era miembro de la banda Fabulous Thunderbirds.

En 1961, para su séptimo cumpleaños, Vaughan recibió una guitarra de juguete que le regaló su hermano. Aprendiendo de oído, se comprometió diligentemente en la práctica del instrumento, tocando inicialmente canciones de los Nightcaps, particularmente "Wine, Wine, Wine" y "Thunderbird".

En esa época escuchaba frecuentemente los discos de artistas de blues como Albert King, Otis Rush y Muddy Waters, y de guitarristas de rock como Jimi Hendrix y Lonnie Mack.

En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo termino rompiendo de envidia ya que al parecer era un músico frustrado. Ese mismo año obtuvo su primera guitarra eléctrica, una Gibson ES-125 T heredada de Jimmie.

Poco tiempo después formó su primera banda, The Chantones, en 1965. Su primer concierto fue en un concurso de talentos en el Teatro Hill de Dallas, pero después de darse cuenta de que no podían interpretar una canción de Jimmy Reed en su totalidad, Vaughan dejó la banda y empezó a tocar en bares y clubes locales.

Cuando Jimmie abandonó el hogar a los dieciséis años, la aparente obsesión de Vaughan por el instrumento generó la falta de apoyo de sus padres. Descontento en su casa, tomó un trabajo en un puesto de hamburguesas local donde lavaba platos y sacaba la basura por setenta centavos la hora. Después de caer en un barril de grasa, se cansó del trabajo y renunció para dedicar su vida a la música.

En mayo de 1969 Vaughan se unió a una banda llamada The Southern Distributor. Había aprendido la canción de The Yardbirds "Jeff's Boogie" y la tocó en la audición para ingresar en la banda.

Mike Steinbach, baterista del grupo, afirmó años después: “el chico tenía catorce años. Tocó 'Jeff's Boogie', una rápida canción instrumental, nota por nota". Aunque tocaban inicialmente versiones de pop rock, Vaughan expresó su interés en la adición de canciones de blues al repertorio del grupo. Sus compañeros no accedieron e incluso le recomendaron que no tocara blues, afirmando que no podría ganarse la vida con ese género. Este hecho representó la salida de Stevie del grupo.

En febrero de 1970, Vaughan se unió a Liberation, un grupo de nueve miembros con una sección de vientos. Habiendo pasado el último mes tocando el bajo con Jimmie en Texas Storm, originalmente había hecho la prueba para entrar como bajista. Impresionado por la guitarra de Vaughan, Scott Phares, el guitarrista original del grupo, se convirtió modestamente en el bajista.

Ese mismo año el grupo tocó en el Hotel Adolphus en Dallas. Durante un receso de Liberation, Vaughan tocó esa misma noche con ZZ Top la canción "Thunderbird". Phares afirmó años después acerca de este recital: "Fue increíble. Fue una de esas noches mágicas. Stevie encajó como un guante".

Asistiendo a la secundaria Justin F. Kimball a comienzos de los años 70, las presentaciones nocturnas de Vaughan contribuyeron a su negligencia escolar y a que se quedara dormido en plena clase.

Su carrera en la música fue desaprobada por muchos de sus maestros, pero también fue animada por muchas personas, incluido su profesor de arte. En su segundo año, asistió a una clase vespertina de arte experimental en la Universidad Metodista del Sur, pero la abandonó cuando entró el conflicto con los ensayos de la banda.

En septiembre de 1970, Vaughan hizo su primera grabación con la banda Cast of Thousands, la cual incluía al futuro actor Stephen Tobolowsky. Grabaron dos canciones, "Red, White and Blue" y "I Heard a Voice Last Night" para un álbum recopilatorio, "A New Hi", en el que tocaron bandas jóvenes de Dallas.

En enero de 1971, al no sentirse a gusto tocando canciones de pop con Liberation, Vaughan formó su propia banda, Blackbird, con Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna y John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo.

Tras cansarse de la escena musical de Dallas, abandonó la escuela y volvió a Austin, Texas, donde él suponía que había audiencias más liberales y tolerantes.

Allí, Vaughan inicialmente se estableció en el Rolling Hills Country Club, un lugar que luego se convertiría en el Soap Creek Saloon. Blackbird tocó en varios clubes de Austin y abrió recitales para bandas como Sugarloaf, Wishbone Ash y Zephyr, pero no pudo mantener una consistencia en su formación.

Ese mismo año, el bajista Tommy Shannon escuchó a Vaughan tocando. Fascinado por su estilo y habilidad, Shannon tomó un bajo y realizó una sesión de jam con él. Posteriormente su banda se fusiona con la banda en la que tocaba Tommy y nace Krackerjack meses después.

En marzo de 1973 el músico se unió a la banda de Marc Benno The Nightcrawlers, después de conocer a Benno en una sesión de jam. The Nightcrawlers grabaron un álbum en Hollywood para A&M Records.

Aunque el disco finalmente fue rechazado por A&M, incluía las primeras composiciones de Vaughan, "Dirty Pool" y "Crawlin'". Poco tiempo después la banda regresó a Austin sin Benno.

A mediados de 1973 firmaron un contrato con Bill Ham, mánager de ZZ Top, y tocaron en varios recitales en el sur de los Estados Unidos, aunque varios de ellos presentaron problemas de sonido y organización. Ham dejó a la banda tirada en Misisipi sin ninguna forma de regresar a casa y exigió el reembolso de Vaughan por los gastos de equipo, pero nunca fue reembolsado.

En 1974 Stevie Ray consigue uno de sus más preciados tesoros; una dañada y rústica Fender Stratocaster a la que llamaria "Number One" que consigue comprando en una tienda de empeño a un bajísimo precio debido a su antigüedad y a su fea apariencia, sin embargo Stevie hizo uso de su talento y genialidad para modificar aquella guitarra, cambiándole sus pastillas y su puente, colocándole uno de guitarra zurda para que el trémolo estuviera encima de las cuerdas, algo que le facilitaba su uso. Stevie se quejaba de las Stratocaster normales ya que tenían el tremolo muy cerca del control de volumen y esto entorpecía su habilidad de ejecución.

En 1975 Vaughan se unió a un sexteto llamado Paul Ray and The Cobras, el cual incluía entre sus filas al guitarrista Val Swierczewski y al saxofonista Joe Sublett.

Durante los siguientes dos años y medio se ganó la vida haciendo presentaciones semanales en el Soap Creek Saloon, y en última instancia, el recién inaugurado Antone's, reconocido en la época como el "hogar del blues" de Austin.

A finales de 1976, Vaughan grabó las canciones "Other Days" y "Texas Clover" con la banda. Fueron publicadas como un sencillo el 7 de febrero de 1977. En marzo, los lectores del Austin Sun la votaron como la banda del año.

Vaughan estuvo de gira con los Cobras durante gran parte de 1977, pero fue cerca de finales de septiembre, cuando decidieron buscar una dirección musical convencional, dejó la banda y formó Triple Threat Revue, que incluía a la cantante Lou Ann Barton , el bajista WC Clark y el baterista Fredde "Pharaoh" Walden.






En enero de 1978, grabaron cuatro canciones en Austin, incluida la composición de Vaughan "I'm Cryin'". La grabación de audio de treinta minutos marca la única grabación de estudio conocida de la banda.

A mediados de 1978, Clark abandonó la formación y Vaughan rebautizó la banda como Stevie Ray Vaughan and Double Trouble, inspirado en el título de una canción de Otis Rush. Tras la llegada del bajista Jackie Newhouse, Pharaoh se marchó en julio y fue reemplazado brevemente por Jack Moore, un músico de Boston que tocó con la banda cerca de dos meses.

En octubre de 1978, Vaughan y Double Trouble se convirtieron en la banda principal del local Rome Inn en Austin. Durante una actuación, Edi Johnson, una contable de Manor Downs, se percató del talento de Vaughan. Johnson afirmó: "No soy una autoridad musical, pero este tipo realmente me encendió".

Ella lo recomendó a la dueña de Manor Downs, Frances Carr, y al gerente general Chesley Millikin, quien estaba interesado en la gestión de artistas, reconociendo el potencial musical de Vaughan.

Tras la salida de Barton de Double Trouble a mediados de noviembre de 1979, Millikin firmó un contrato de representación con Vaughan. Además fue contratado Robert "Cutter" Brandenburg como mánager de gira. Este último convenció a Vaughan de usar el nombre de Stevie Ray.

El 5 de diciembre de 1979, mientras Vaughan estaba en un camerino antes de una actuación en Houston, un oficial de policía fuera de servicio lo arrestó después de presenciarlo consumiendo cocaína cerca de una ventana abierta.

Fue acusado formalmente de posesión de cocaína y posteriormente puesto en libertad bajo fianza de 1.000 dólares. Double Trouble en ese momento era la banda de apertura de Muddy Waters, músico que afirmó al respecto de la adicción de Vaughan: "Stevie podrá ser el mejor guitarrista de todos los tiempos, pero no vivirá hasta los cuarenta si no deja ese polvo blanco".

Durante la última audiencia en la corte el 17 de abril de 1980, Vaughan fue sentenciado a dos años de libertad condicional y se le prohibió abandonar el estado de Texas. Junto con la estipulación de iniciar un tratamiento por abuso de drogas, se le exigió que "evitara a las personas o lugares de conocido carácter dañino o de mala reputación".

El músico se negó a cumplir estas dos órdenes. Tras contratar un abogado, se revisó la sentencia de libertad condicional para permitirle trabajar fuera del estado. El incidente provocó que en adelante rechazara el servicio de limpieza mientras se hospedaba en hoteles durante las giras.

Mas tarde Stevie conoce al batería Chris Layton tras recomendación de Sublett, su compañero de cuarto. Layton, que recientemente había tocado con Greezy Wheels, aprendió de Vaughan un estilo rítmico basado en el jazz.

En octubre de 1980 el bajista Tommy Shannon asistió a un concierto de Double Trouble en Houston. Shannon, que en ese momento tocaba con Alan Haynes, participó en una sesión de jam con Vaughan y Layton. Más tarde el músico reconoció: "Nunca olvidaré esa noche. Cuando entré por la puerta y los oí tocar, fue como una revelación. Ahí es donde quiero estar; ahí es donde pertenezco, pensé. Durante el descanso, me acerqué a Stevie y se lo dije. Solo quería estar en esa banda".

Casi tres meses después, Vaughan le ofreció a Shannon el puesto de bajista en Double Trouble. Con ellos dos formaría su mejor y último grupo. La banda ya formada decidió realizar conciertos sin parar por todo Texas hasta que decidieron tocar por primera vez fuera de Texas, en el San Francisco's Blues Festival.

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el mánager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de abril de 1982.

Aunque la banda era popular en Texas en ese momento, todavía no gozaba de reconocimiento a nivel nacional. Su suerte cambió cuando el productor Jerry Wexler los recomendó a Claude Nobs, organizador del reconocido Festival de Jazz de Montreux. Insistió en que la noche de blues del festival sería genial con Vaughan, a quien llamó "una joya, una de esas rarezas que aparece una vez en la vida", y Nobs acordó darle un lugar a Double Trouble el 17 de julio de 1982 en su festival.

En ese festival ganó un premio Grammy por la versión "Texas Flood", lo que dio lugar a la grabación del disco en directo "Live At Montreaux", uno de sus mejores discos y altamente recomendable.

Vaughan abrió el concierto con la canción de Freddie King "Hide Away" acompañada de la instrumental "Rude Mood".





Double Trouble tocó versiones de "Texas Flood" de Larry Davies, "Give Me Back My Wig" de Hound Dog Taylor y "Collins Shuffle" de Albert Collins, al igual que tres composiciones originales, "Pride and Joy", "Love Struck Baby" y "Dirty Pool".

Al final de la presentación la banda fue abucheada. James McBride de la revista People escribió: “Parecía salido de la nada, una figura con el aspecto de El Zorro rugiendo en el Festival de Montreux con una Stratocaster del 59. No tenía un álbum, ni un contrato discográfico, ni un nombre, pero redujo el escenario a un montón de cenizas humeantes. Después, todos querían saber quién era este tipo".

El mánager Don Opperman dijo: "Recuerdo que los abucheos venían acompañados de expresiones de asombro, pero Stevie estaba algo decepcionado. Stevie me entregó su guitarra y abandonó el escenario. Volvió al vestidor con la cabeza entre las manos. Ese fue el final del espectáculo".

Stevie dijo: "No toda la audiencia abucheó. Fueron solo unas pocas personas sentadas justo al frente. La sala fue construida originalmente para albergar conciertos de jazz acústico. Cuando cinco o seis personas abuchean, parece que todo el mundo te odia. Tal vez pensaron que éramos demasiado ruidosos, pero caray, tenía cuatro mantas militares dobladas sobre mi amplificador y el nivel de volumen estaba en 2. ¡Estoy acostumbrado a tocar en 10!”.

La noche siguiente, Double Trouble se presentó en el Casino de Montreux, con Jackson Browne presenciando el espectáculo. Browne tocó con Double Trouble hasta la madrugada y les ofreció el uso gratuito de su estudio de grabación personal en Los Ángeles.

A finales de noviembre, la banda aceptó su oferta y grabó diez canciones en dos días. Mientras se encontraban en el estudio, Vaughan recibió una llamada del músico británico David Bowie, a quien conoció en Montreux, invitándolo a participar en una sesión de grabación de su siguiente álbum de estudio, “Let's Dance”.

En enero de 1983, Vaughan grabó la guitarra en seis de las ocho canciones del disco, incluyendo las exitosas "China Girl" y "Let's Dance". El álbum fue publicado el 14 de abril de 1983 y fue un éxito rotundo en términos comerciales.

Agradecido por el trabajo de Stevie, David Bowie lo invita a ser parte de sus músicos durante la gira propuesta para el año 1983. Sin embargo, Stevie rechaza la oferta debido a la producción y elaboración de su primer disco en estudio junto con Double Trouble llamado "Texas Flood".

Double Trouble empezó a seleccionar el material grabado en el estudio de Browne para incluirlo en el primer álbum de estudio de la banda. "Texas Flood" inicia con la canción "Love Struck Baby", escrita en honor a Lenny, esposa de Stevie.

El músico compuso "Pride and Joy" y "I'm Cryin'" para una de sus exnovias, Lindi Bethel. Ambas canciones son musicalmente similares, pero sus letras son dos perspectivas diferentes de su relación anterior.

Junto con versiones de Howlin' Wolf, The Isley Brothers y Buddy Guy, el álbum incluyó un cover de la canción de Larry Davis "Texas Flood". "Lenny" fue otra canción tributo a la esposa de Vaughan.

La portada de del disco fue diseñada por el célebre ilustrador Brad Holland, reconocido por su trabajo con Playboy y The New York Times. Holland pintó una imagen de Stevie apoyado contra una pared con una guitarra, utilizando una fotografía como referencia.

Publicado el 13 de junio de 1983, el álbum escaló hasta la posición número 38 en las listas de éxitos estadounidenses y vendió medio millón de copias. Mientras el editor de la revista Rolling Stone, Kurt Loder, afirmó que Vaughan no poseía una voz distintiva, de acuerdo con el editor principal de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, pero el lanzamiento fue un "impacto monumental".

Billboard lo describió como "una delicia para los amantes del boogie". El agente Alex Hodges comentó: "Nadie sabía qué tan grande sería ese disco, porque los guitarristas no estaban precisamente de moda en ese momento, excepto algunos que estaban tan establecidos que eran innegables".

El 16 de junio, Vaughan celebró el lanzamiento del disco brindando un recital en el club nocturno Tango en Dallas. Entre los asistentes recital destacan figuras de la música como Ted Nugent, Sammy Hagar y miembros de las bandas The Kinks y Uriah Heep.

Jack Chase, vicepresidente de mercadeo de Epic, afirmó: "La fiesta en el Tango fue muy importante; fue absolutamente enorme. Todas las personalidades radiales, directores de programas, propietarios de tiendas de discos minoristas e importantes gerentes, la prensa, todos los ejecutivos de Nueva York estuvieron allí. Había unas setecientas personas".

Tras una aparición en la serie de televisión Austin City Limits, la banda tocó un multitudinario concierto en el Teatro Beacon de Nueva York. Variety reseñó esta presentación, afirmando que no había duda de que Stevie Ray se había convertido en el héroe de la guitarra en ese momento.

Las repercusiones no se hicieron esperar, y Ray fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", ganando 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

En 1983, Gregg Geller, vicepresidente de A&R, firmó un contrato discográfico con Double Trouble por recomendación del reconocido productor John Hammond, responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros. Al poco tiempo, Epic financió un vídeoclip para la canción "Love Struck Baby", filmado en la Taberna Cherry en Nueva York.

Vaughan recordó: "Cambiamos el nombre del lugar en el vídeo. Hace cuatro años me casé en un club donde solíamos tocar todo el tiempo llamado Rome Inn. Cuando lo cerraron, el propietario me regaló el letrero, así que en el vídeo lo pusimos detrás en el escenario".

Tras el rotundo éxito de "Let's Dance", Bowie le pidió a Vaughan que tomara parte de la gira Serious Moonlight, reconociendo que el guitarrista fue un aspecto esencial del éxito del álbum.

A finales de abril, Vaughan empezó a ensayar para la gira en Las Colinas, Texas. Cuando las negociaciones del contrato fallaron, abandonó la gira días antes de su fecha de apertura, siendo reemplazado por Earl Slick.

El músico afirmó al respecto: "No podía enfocarme completamente en algo que realmente no tenía mucha importancia. No necesitaba más dolores de cabeza". Aunque los factores que le llevaron a tomar esta decisión no han sido completamente aclarados, Vaughan obtuvo publicidad gratuita por abandonar la gira.

El 9 de mayo la banda se presentó en The Bottom Line en la ciudad de Nueva York abriendo el concierto del músico canadiense Bryan Adams, con Hammond, Mick Jagger, John McEnroe, Rick Nielsen, Billy Gibbons y Johnny Winter entre el público.

El mánager Robert Brandenburg describió esta presentación como "blasfema": "Nunca había escuchado a Stevie tocar tan fuerte como ese día". Esta exitosa actuación le valió a Vaughan una reseña positiva publicada en el New York Post, donde se afirmó que Double Trouble superó a Adams. "Por fortuna, Bryan Adams, el rockero canadiense que está abriendo fechas en estadios para Journey, no encabeza conciertos con demasiada frecuencia", escribió Martin Porter, quien afirmó que después de la actuación de Double Trouble, el escenario había presenciado un espectáculo más explosivo y original que el del canadiense.

Después de una breve gira por Europa, Hodges organizó un compromiso para Double Trouble para abrir los conciertos de The Moody Blues durante una gira de dos meses por América del Norte. Shannon describió esta gira como "gloriosa": "Nuestro álbum aún no había tenido tanto éxito, pero estábamos tocando en coliseos a reventar. El sonido resonaba en esos grandes coliseos como un monstruo. La gente se estaba volviendo loca, ¡y no tenían idea de quiénes éramos!".

Después de aparecer en la serie de televisión Austin City Limits, la banda tocó en un concierto con entradas agotadas en el Beacon Theatre de la ciudad de Nueva York. Variety escribió que su presentación de noventa minutos en el Beacon "no dejó dudas de que este joven músico de Texas es de hecho el 'héroe de la guitarra de la era actual'" .

En enero de 1984, Double Trouble empezó a grabar su segundo álbum de estudio, “Couldn't Stand the Weather”, en los estudios Power Station, con John Hammond como productor ejecutivo y con el ingeniero de sonido Richard Mullen.

Layton se refirió más tarde a la experiencia de trabajar con Hammond de la siguiente manera: "Era como sentir una mano amistosa en tu hombro".

Al iniciar las sesiones de grabación, la versión de la canción de Bob Geddins "Tin Pan Alley" fue grabada mientras se estaban revisando los niveles de audio. Layton recuerda: "La grabamos inicialmente y parecía muy lenta y tranquila. Hammond nos dijo que era la mejor versión de la canción. Intentamos grabarla de nuevo unas cinco, seis o siete veces. Pero nunca sonó como la primera vez".

Durante las sesiones, Vaughan incluyó a otros músicos como Fran Christina y Stan Harrison, que tocaron la batería y el saxofón respectivamente en la canción de jazz instrumental "Stang's Swang". Jimmie Vaughan tocó la guitarra rítmica en "The Things That I Used to Do" y en la canción homónima.

“Couldn't Stand the Weather” fue publicado el 15 de mayo de 1984 y dos semanas después había superado las ventas de "Texas Flood". El disco se ubicó en la posición número 31 y pasó 38 semanas en las listas.

Un álbum cargado de muchas fusiones de estilos musicales. Este álbum cuenta con una pequeña dosis de pop, sus primeros dos sencillos "Couldn't Stand the Weather" y "Cold Shot" fueron los primeros en contar con vídeo musical, el primero hace alusión a los enfrentamientos que Stevie tuvo con su esposa con la cual ya no se entendía.

En el vídeo vemos la representación de los conflictos alrededor del mundo (Israelíes y palestinos, blancos y negros y algunos choques de la sociedad como los punks y la sociedad establecida).

En el segundo vídeo "Cold shot" vemos un vídeo con un toque humorístico en el cual Stevie demuestra que el mayor amor en su vida es su guitarra, dejando de lado a una esposa algo caricaturizada, por la que no siente ninguna admiración y debido a eso lo golpea y crea situaciones por las cuales Stevie siempre termina en un hospital.

El álbum incluye un cover de la canción de Jimi Hendrix "Voodoo Child (Slight Return)", lo que provocó comparaciones inevitables de Vaughan con Hendrix. De acuerdo con el editor de Allmusic, Stephen Thomas Erlewine, “Couldn't Stand the Weather” "confirmó que el aclamado debut no fue una casualidad, al tiempo que igualaba, si no mejoraba, las ventas de su antecesor, consolidando así el estatus de Vaughan como un gigante del blues moderno". Según Patoski y Crawford, el álbum "fue un punto de inflexión importante en el desarrollo de Stevie Ray Vaughan".






Cabe resaltar que en este álbum Stevie realiza solos muy certeros y como punto aparte de este álbum se encuentra "Stang's Swang" una canción de corte jazzístico, algo que nunca se le había visto al guitarrista, quien de manera muy elegante crea una sobria pero impecable obra de jazz.

Ese mismo año, en el 4 de octubre, Stevie acaba de cumplir 30 años, y los festeja con un enorme recital en el Carneghie Hall de New York, con algunos músicos invitados. Stevie le dice al público que es el mejor cumpleaños de su vida.

En la segunda mitad de la presentación su hermano Jimmie se unió a la banda como guitarrista rítmico. También subieron al escenario el batería George Rains, el teclista Dr. John y la vocalista Angela Strehli. El conjunto ensayó menos de dos semanas previo a la actuación y, a pesar de la sólida dinámica de Double Trouble en la primera mitad de la actuación, según Patoski y Crawford, el concepto de conjunto nunca pudo tomar forma.

Presentado por Hammond como "uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos", Vaughan abrió el concierto con "Scuttle Buttin'", usando una vestimenta estilo mariachi.

Luego la banda tocó las canciones "Testify" de The Isley Brothers, "Voodoo Child (Slight Return)" de The Jimi Hendrix Experience, "Tin Pan Alley", "The Sky Is Crying" de Elmore James y "Cold Shot" de W. C. Clark, seguidas de cuatro composiciones originales: "Love Struck Baby", "Honey Bee", "Couldn't Stand the Weather" y "Rude Mood".

Durante la segunda parte de la presentación, Vaughan interpretó versiones de Larry Davis, Buddy Guy, Guitar Slim, Albert King, Jackie Wilson y Albert Collins. El recital finalizó con las canciones "Lenny" y "Rude Mood".

El Dallas Times-Herald escribió que la actuación estuvo "llena de pisotones y cuerpos balanceándose, niños con jeans colgando de los balcones, cuerpos bailando que obstruían los pasillos".

El New York Times afirmó que, a pesar de la acústica "turbia" del lugar, la actuación de la banda estuvo "llena de entusiasmo" y la interpretación de Vaughan fue "hermosamente exhibida".

Jimmie Vaughan comentó más tarde: "Me preocupaba que la multitud estuviera un poco rígida. Resultó que son como cualquier otra cervecería". Vaughan comentó: "No nos limitaremos solo al trío, aunque eso no significa que dejaremos de hacer el trío. Estoy planeando hacer eso también. No me quedaré en un solo lugar. Si lo hago, soy estúpido".

La actuación fue grabada y en 1997 Epic Records lanzó "Live at Carnegie Hall" , que finalmente obtuvo la certificación de oro.

Tras la presentación, Vaughan asistió a una fiesta privada organizada por MTV. El día siguiente la banda realizó una aparición en una tienda de discos en Greenwich Village, donde firmaron autógrafos para los fanáticos.

En octubre de 1984, la banda realizó una gira por Oceanía, apareciendo en varios programas de televisión en Australia. El 5 y el 9 de noviembre realizaron presentaciones con lleno total en la Ópera de Sídney.

Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre, Stevie gana dos National Blues Award por "Best Entertainer" y "Mejor instrumentalista de blues". Es la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

De regreso a los Estados Unidos, Double Trouble realizó una gira por California. El mes siguiente, voló a Japón, donde aparecieron en cinco presentaciones, incluso en el Kōsei Nenkin Kaikan en Osaka.

En marzo de 1985, comenzó la grabación del tercer álbum de estudio de Double Trouble, "Soul to Soul", en el Dallas Sound Lab.

A medida que avanzaban las sesiones, Vaughan empezó a frustrarse cada vez más con su propia falta de inspiración.
También se le permitió un ritmo relajado en la grabación, lo que contribuyó a una falta de concentración debido a los excesos con el alcohol y las drogas. Roadie Byron Barr afirmó más tarde: "La rutina era ir al estudio, drogarse y jugar ping-pong".

Vaughan, a quien le resultaba cada vez más difícil tocar las partes de guitarra rítmica y cantar al mismo tiempo, quería agregar otra dimensión a la banda, por lo que contrató a un virtuoso teclista llamado Reese Wynans, convirtiéndose este en pieza clave del álbum.

Durante la producción del disco, Vaughan realizó una aparición en el Houston Astrodome el 10 de abril de 1985, donde tocó una versión en guitarra slide del himno nacional estadounidense, "The Star-Spangled Banner" recibiendo algunos abucheos de parte del público.

Los críticos relacionaron su actuación con la interpretación de Jimi Hendrix en Woodstock en 1969, pero a Vaughan no le gustó esta comparación: "Me di cuenta que incluso escribieron sobre eso en una de las revistas de música e intentaron poner las dos versiones paralelamente. Odio esas cosas. Su versión fue genial".

Publicado el 30 de septiembre de 1985, “Soul to Soul” llegó a la posición número 34 en la lista Billboard 200 y logró la certificación de disco de oro. El crítico Jimmy Guterman de Rolling Stone escribió: "Queda algo de vida en su blues rock, pero también es posible que la banda se haya quedado sin energía".

Vaughan se refirió al disco, argumentando: "En cuanto a las canciones, me gusta mucho el álbum. Significó mucho para nosotros, pues pasamos por muchas situaciones para obtener este disco. Había muchas probabilidades y aún nos manteníamos fuertes. Aprendimos mucho y estuvimos más unidos. Por eso el disco se llama Soul to Soul".

Ese mismo año Stevie Ray Vaughan y su grupo se encaminaron a una gira por todo Texas y después de nueve meses y medio, Epic solicitó un cuarto álbum de Double Trouble como parte de su obligación contractual.

En julio de 1986, Vaughan decidió que grabarían el LP, “Live Alive” , durante tres apariciones en vivo en Austin y Dallas. El 17 y 18 de julio, la banda realizó conciertos con entradas agotadas en la Ópera de Austin y el 19 de julio en el Starfest de Dallas.

Utilizaron grabaciones de estos conciertos para montar el LP, que fue producido por Vaughan. Shannon estaba detrás del escenario antes del concierto de Austin y le predijo al nuevo mánager Alex Hodges que tanto Vaughan como él estaban siendo "dirigidos a una pared de ladrillos".

El guitarrista Denny Freeman asistió a las actuaciones de Austin. Llamó a los espectáculos un "desastre musical, porque entraban en estas improvisaciones caóticas sin control. No sabía qué estaba pasando exactamente, pero estaba preocupado".

Tanto Layton como Shannon comentaron que su horario de trabajo y las drogas estaban causando que la banda perdiera el enfoque. Según Wynans: "Las cosas se estaban volviendo ilógicas y locas".

Todo iba bien hasta que en septiembre del 86 el padre de los hermanos Vaughan, Big Jim Vaughan muere a causa de su avanzado estado de Parkinson. Stevie Ray rápidamente entra en depresión profunda haciéndose todavía más adicto a las sustancias psicodepresivas y en especial al alcohol.

El álbum “Live Alive” fue lanzado el 17 de noviembre de 1986 y fue el único LP oficial en vivo de Double Trouble disponible comercialmente durante la vida de Vaughan, aunque nunca apareció en la lista Billboard 200.

Aunque muchos críticos afirmaron que la mayor parte del álbum estaba sobregrabado, el ingeniero Gary Olazabal, quien mezcló el álbum, afirmó que la mayor parte del material se grabó mal.

Vaughan admitió más tarde que no fue uno de sus mejores trabajos; recordó: "No estaba en muy buena forma cuando grabamos “Live Alive”. En ese momento, no me di cuenta de lo mal que estaba. Hubo más trabajos de reparación en el álbum de los que habría hecho. "Me gustó. Parte del trabajo suena como si fuera el trabajo de personas medio muertas. Surgieron algunas notas geniales, pero yo simplemente no tenía el control; nadie lo tenía".

Su adicción a drogas y alcohol

Su adicción empezó primero por el alcohol hacia 1960, cuando Vaughan tenía seis años, y robaba la bebida de su padre. Atraído por sus efectos, comenzó a hacer sus propias bebidas y esto lo llevó a la dependencia.

El músico explicó: "Ahí fue cuando comencé a robar las bebidas de papá. Cuando mis padres se iban, me preparaba una bebida. Pensé que era genial... pensé que mis amigos en la calle pensarían que era genial. Ahí es donde comenzó, y desde entonces soy un adicto al alcohol".

Según Joe Nick Patoski y Bill Crawford los autores de “Stevie Ray Vaughan: Atrapado entre dos fuegos”: "En los veinticinco años siguientes, se había abierto camino a través del Physicians' Desk Reference antes de encontrar sus venenos preferidos: el alcohol y la cocaína".

Tommy Shannon dijo: “Stevie y yo llegamos a este punto en el que teníamos que consumir drogas y alcohol todo el tiempo. Si el teléfono sonara por la mañana y nos despertara, no podríamos contestar el teléfono antes de tomar un poco de alcohol”.

Si bien Vaughan afirmó que experimentó por primera vez los efectos de la cocaína cuando un médico le recetó una solución líquida que la contenía en forma de aerosol nasal, según Patoski y Crawford, la primera vez que se sabe que Vaughan la usó fue en 1975, mientras actuaba con los Cobras.

Antes de eso, había consumido brevemente otras drogas como cannabis, metanfetamina y Quaaludes, la marca de metacualona .

Después de 1975, bebía whisky con regularidad y consumía cocaína, sobre todo mezclando las dos sustancias. Según Hopkins, en el momento de la gira europea de Double Trouble en septiembre de 1986, "su estilo de vida de abuso de sustancias había alcanzado un pico, probablemente mejor caracterizado como el fondo de un profundo abismo".

En el apogeo del abuso de sustancias de Vaughan, bebía casi un litro de whisky y consumía siete gramos de cocaína cada día. El asistente personal Tim Duckworth explicó: "Me aseguraba de que desayunara en lugar de despertarse bebiendo todas las mañanas, que era probablemente lo peor que estaba haciendo". Según Vaughan: "llegué al punto en el que, si intentaba decir "hola" a alguien, simplemente me desmoronaba llorando. Era como una condena absoluta".

La cúspide de su adicción ocurre en septiembre de 1986. Double Trouble viajó a Dinamarca para una gira de un mes por Europa. Durante las últimas horas de la noche del 28 de septiembre, Vaughan colapsa totalmente en la habitación de su hotel, después de una actuación en Ludwigshafen, Alemania, sufriendo una deshidratación cercana a la muerte.

Inmediatamente, gracias a la pronta acción de sus compañeros y de su hermano Jimmie, es internado en una clínica de rehabilitación en Londres bajo el cuidado del Dr. Victor Bloom, quien le advirtió que de continuar con su estilo de vida no duraría más de un mes.

Después de permanecer en Londres durante más de un mes, regresó a los Estados Unidos y se internó en el Hospital Peachford en Atlanta, donde pasó cuatro semanas en rehabilitación. Por su parte, Shannon hizo lo mismo en una clínica de Austin.

En noviembre de 1986, tras su salida de rehabilitación, Vaughan regresó a la casa de su madre en Glenfield Avenue en Dallas, donde había pasado gran parte de su infancia. Durante este tiempo, Double Trouble comenzó los ensayos para la gira "Live Alive".

Aunque Vaughan estaba nervioso por actuar después de alcanzar la sobriedad, recibió un consuelo positivo.Wynans recordó más tarde: "Stevie estaba muy preocupado por tocar después de estar sobrio... no sabía si le quedaba algo que ofrecer. Una vez que volvimos a la carretera, estaba muy inspirado y motivado".

La gira comenzó el 23 de noviembre en la Universidad Estatal de Towson, y fue la primera actuación de Vaughan con Double Trouble después de la rehabilitación. El 31 de diciembre ofrecieron un concierto en el Teatro Fox de Atlanta compartiendo escenario con el legendario Lonnie Mack.

A medida que la gira avanzaba, Stevie componía material para su siguiente álbum, pero en enero de 1987 su esposa Lenny le pidió el divorcio, lo que lo retiró de realizar cualquier proyecto hasta que finalizó el papeleo.

Esta situación le impidió escribir y grabar canciones durante casi dos años, sin embargo, Double Trouble escribió la canción "Crossfire" con Bill Carter y Ruth Ellsworth. Layton recordó: "Escribimos la música y nos reunimos, pero Stevie no podía estar allí en ese momento. Estaba en Dallas haciendo algunas cosas, y simplemente nos reunimos y empezamos a escribir algunas canciones. Esa fue la primera que escribimos".

Ese mismo año, Stevie apareció en la película “Back to the Beach” tocando la canción "Pipeline" con Dick Dale y en un especial de televisión para Cinemax titulado "A Blues Session: B.B. King and Friends" junto con Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.






El 6 de agosto de 1987, Double Trouble apareció en el Austin Aqua Festival, donde tocaron ante una de las audiencias más grandes de su carrera. Según el biógrafo Craig Hopkins, al concierto asistieron más de 20.000 personas.

Después de una gira de un mes abriendo para Robert Plant en mayo de 1988, que incluyó un concierto en Maple Leaf Gardens de Toronto, la banda fue contratada para una etapa europea, que incluyó 22 conciertos y terminó en Oulu, Finlandia el 17 de julio. Este sería el último concierto de Vaughan en Europa.

En 1988 Stevie realiza una presentación con Stevie Wonder en un especial de MTV llamado "Characters" en el cual sobresalía la interpretación de Stevie Ray de la cancion "Superstition" escrita por Stevie Wonder.

En enero del 89 Stevie Ray y Double Trouble lanzan al mercado "In Step", el cuarto y último álbum de estudio del grupo, en los estudios Kiva en Memphis, Tennessee, con el productor Jim Gaines y el compositor Doyle Bramhall.

Inicialmente, Vaughan tenía dudas sobre sus habilidades musicales y creativas después de alcanzar la sobriedad, pero ganó confianza a medida que avanzaban las sesiones. Shannon recordó más tarde: "In Step fue, para él, una gran experiencia de crecimiento. En mi opinión, es nuestro mejor álbum de estudio, y creo que él también sintió lo mismo". El batería Doyle Bramhall, que también había salido de rehabilitación, escribió canciones con Vaughan sobre adicción y redención.

Según Vaughan, el álbum se tituló "In Step" porque "finalmente estoy en sintonía con la vida, en sintonía conmigo mismo, en sintonía con mi música". Las notas del álbum incluyen la cita; "'Gracias a Dios que el ascensor está roto", en referencia al programa de doce pasos propuesto por Alcohólicos Anónimos (AA)”.

Después de que las sesiones de grabación de “In Step” se trasladaron a Los Ángeles, Vaughan incorporó a los trompetistas Joe Sublett y Darrell Leonard, quienes tocaron el saxofón y la trompeta respectivamente en "Crossfire" y "Love Me Darlin".

Poco antes de que se completara la producción del álbum, Vaughan y Double Trouble aparecieron en una fiesta inaugural presidencial en Washington, DC para George HW Bush .

“In Step” fue lanzado el 13 de junio de 1989 y certificado como disco de oro ocho meses después. Se convirtió en el trabajo más exitoso comercialmente hablando de Vaughan, además de hacerle ganar un premio Grammy. Se ubicó en la posición número 33 en la lista Billboard 200, permaneciendo allí durante 44 semanas.

La canción "Crossfire", incluida en el álbum, se convirtió en el único número uno de la banda en las listas. El álbum también incluyó una de sus primeras grabaciones que incluyó el uso de Fuzz Face en la versión de Vaughan de la canción de Howlin' Wolf, "Love Me Darlin".

En julio de 1989, Neil Perry, escritor de la revista Sounds , escribió: "el álbum se cierra con el relajante desmayo de “Riviera Paradise”, un lento y largo ejercicio de guitarra y piano que demuestra por qué Vaughan es a la guitarra lo que Nureyev al ballet”.

En octubre de 1989, el Boca Raton News describió los solos de guitarra de Vaughan como "determinados, lúcidos y francamente punzantes" y sus letras como "alegorías llenas de tensión".

Para completar la gira del álbum "In Step" Stevie Ray y Double Trouble hicieron dos shows más en el Alpine Valley Music Theatre en Alpine Valley Resort en East Troy, Wisconsin, en este tour iba acompañado de Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan y la última canción que cantaría Stevie Ray Vaughan con sus compañeros de gira fue "Sweet Home Chicago".






Para viajar a su siguiente destino el mánager de la gira reservó cuatro helicópteros para evitar el congestionado tráfico, la forma más común para que los artistas entren y salgan del lugar, ya que solo hay una carretera de entrada y salida, muy utilizada por los fanáticos.

Se especula que los helicópteros no estaban certificados bajo las leyes de vuelo de U.S.A. Fue entonces cuando Stevie Ray sin pensarlo subió a uno de estos helicópteros junto con el agente Bobby Brooks, el guardaespaldas Nigel Browne, el promotor de gira Colin Smythe y el piloto Jeff Brown.

El piloto según reconocerían sus compañeros más tarde no estaba familiarizado con la zona en donde volaba elevándose a muy poca altura, fue así como el 27 de agosto a las 12:40 A.M. no vio una montaña que se encontraba en frente de su vuelo estrellando su helicóptero contra esta. Todos los ocupantes murieron. Stevie tenía 35 años.

Según los resultados de una investigación llevada a cabo por la oficina del forense en Elkhorn, Vaughan sufrió "lesiones internas y craneales masivas", además de traumas graves y fracturas de costillas. El forense teorizó que las cinco víctimas murieron instantáneamente, dada la gravedad de sus heridas. Al principio hubo noticias falsas informando que Eric Clapton se encontraba en el helicóptero al momento del accidente.

Según determinó la investigación posterior la aeronave despegó en condiciones de niebla con una visibilidad supuestamente inferior a 3,2 km (2 millas), según un pronóstico local.

El informe de la Junta Nacional de Seguridad en el Transporte decía: "Cuando el tercer helicóptero partía, permaneció a una altitud menor que los demás y el piloto giró hacia el sureste hacia un terreno elevado. Posteriormente, el helicóptero se estrelló en un terreno montañoso aproximadamente a tres quintos de una milla desde el punto de despegue".

Los registros de la Administración Federal de Aviación (FAA) mostraron que Brown estaba calificado para volar en un avión de ala fija, pero no en un helicóptero.

La investigación también determinó que las pruebas toxicológicas realizadas a las víctimas no revelaron rastros de drogas o alcohol en sus cuerpos.

El 31 de agosto Stevie Ray Vaughan fue velado en el Laurel Land Memorial Park en Oak Cliff, Dallas lugar donde nació. Su hermano Jimmie, su madre Martha y su novia Janna se encargaron del funeral.

Su cuerpo fue colocado en un ataúd de madera que rápidamente se adornó con ramos de flores y que se transportó en un coche fúnebre blanco. Aproximadamente cerca de 3000 personas asistieron a la procesión. Entre los asistentes a la ceremonia pública estaban Jeff Healey, Charlie Sexton, los músicos de ZZ Top, Colin James, Stevie Wonder, Bonnie Raitt y Buddy Guy.

La lápida de Vaughan dice: "Gracias... por todo el amor que nos transmitiste".

La muerte de Stevie Ray Vaughan fue una enorme pérdida en el mundo del rock y del blues como las de Ottis Redding o Jimi Hendrix. Vaughan fue el catalizador de un revival masivo del blues en los 80, con un tono distintivo de guitarra y una serie de sencillos que llegaron muy alto en las listas del rock. Esto fue en detrimento de su imagen de guitarrista puro de blues y su éxito hizo mucho daño a su autenticidad sobre todo con su público purista. Pero los años posteriores a su muerte, su música se ha convertido en la piedra angular que representa la música de Texas y el Blues moderno.

Nota de Presidemente: Mañana continuo en el siguiente, he sacado tanta información de Stevie que no me cabía en este.


Fuentes: last.fm, escuelamusicapipolopez.com, indyrock.es, guitarristas.info, flickr y wikipedia

[Presidemente]

En el puesto número 12


Stevie Ray Vaughan (Segunda Parte)

Estilo musical

La música de Vaughan tenía sus raíces en el blues, el rock y el jazz. Fue influenciado por Johnny Winter, Jimi Hendrix, Albert King, Lonnie Mack, BB King, Freddie King y Chuck Berry entre otros.

Según Clifford Antone, el propietario del club nocturno Antone's, Vaughan tocó con Albert King en Antone's en julio de 1977 y casi "lo asustó hasta la muerte", diciendo "fue lo mejor que he visto en mi vida, Albert".

Si bien Albert King tuvo una influencia sustancial en Vaughan, Jimi Hendrix fue su mayor inspiración. Vaughan declaró: "Amo a Hendrix por muchas razones. Era mucho más que un simple guitarrista de blues; tocaba muy bien cualquier tipo de guitarra que quisiera. De hecho, no estoy seguro si siquiera tocaba la guitarra, tocaba música".

También fue influenciado por guitarristas de jazz como Django Reinhardt, Wes Montgomery, Kenny Burrell y George Benson.

En 1987, Vaughan incluyó a Lonnie Mack en el primer lugar entre los guitarristas que había escuchado, tanto de joven como de adulto. Vaughan observó que Mack estaba "adelantado a su tiempo” y dijo: "Obtuve mucha de rapidez de Lonnie".

En otra ocasión, Vaughan dijo que había aprendido a tocar el trémolo y el vibrato de Mack y que Mack le había enseñado a "tocar la guitarra desde el corazón".

Mack recordó su primer encuentro con Vaughan en 1978: “Estábamos en Texas y salimos a ver a los Thunderbirds. Jimmie decía: “Hombre, tienes que escuchar a mi hermano pequeño. Él toca todas tus canciones. Estaba tocando en un pequeño lugar llamado Rome Inn, y fuimos allí y lo vimos. De hecho, cuando entré por la puerta, él estaba tocando '¡Wham!' Y yo dije: 'Papá'. Esto suena muy bien. Yo lo había estado tocando mal durante mucho tiempo y necesitaba volver atrás y escuchar mi disco original. Eso fue en el 78, creo”.

La relación de Vaughan con otra leyenda del blues de Texas, Johnny Winter, fue un poco más compleja. Aunque se reunieron varias veces y, a menudo, tocaron en sesiones con los mismos músicos o incluso interpretaron el mismo material, como en el caso de “Boot Hill”, Vaughan siempre se abstuvo de reconocer a Winter de ninguna forma.

En su biografía, "Raisin' Cain", Winter dice que se puso nervioso después de leer a Vaughan afirmando en una entrevista que nunca conoció a Johnny Winter. "Incluso tocamos juntos en la casa de Tommy Shannon una vez".

Vaughan resolvió la cuestión en 1988 con motivo de un festival de blues en Europa donde tanto él como Winter estaban en el cartel, explicando que lo habían citado erróneamente y que "todos los músicos de Texas conocen a Johnny y han aprendido algo de él". Cuando se le pidió que comparara sus estilos en una entrevista en 2010, Winter admitió que "creo que el mío es un poco más crudo".

Legado

A lo largo de su carrera Vaughan revivió el blues rock y allanó el camino para muchos otros artistas. Su trabajo continúa influyendo en numerosos artistas de blues, rock y alternativos, incluidos John Mayer, Kenny Wayne Shepherd, Mike McCready, Albert Cummings, Los Lonely Boys y Chris Duarte, entre otros.

Stephen Thomas Erlewine, de AllMusic, describió a Vaughan como "la luz principal del blues estadounidense que desarrolló un estilo singularmente ecléctico y ardiente, que sonaba como ningún otro guitarrista, independientemente del género".

En 1983, la revista Variety llamó a Vaughan el "héroe de la guitarra de la era actual".

En los meses que siguieron a su muerte, Vaughan vendió más de 5,5 millones de álbumes en Estados Unidos.

El 25 de septiembre de 1990, Epic lanzó "Family Style”, un LP que los hermanos Vaughan grabaron en Ardent Studios en Memphis, Tennessee. El sello lanzó varios sencillos y videos promocionales.

En noviembre de 1990, CMV Enterprises lanzó “Pride and Joy”, una colección de ocho vídeos musicales de Double Trouble.

Sony firmó un acuerdo con el patrimonio de Vaughan para obtener el control de su catálogo anterior, así como permiso para lanzar álbumes con material inédito y nuevas colecciones de trabajos publicados.

El 29 de octubre de 1991, “The Sky Is Crying” fue lanzado como el primer álbum póstumo de Vaughan con Double Trouble, y contó con grabaciones de estudio de 1984 a 1985 y tiene como "extra" una cancion co-escrita con su hermano Jimmie que nunca salió en ningún otro álbum titulada "Six Strings Down". También se han lanzado otras compilaciones, álbumes en vivo y películas desde su muerte.

Bonnie Raitt dedicó el álbum "Dawn of The Draw" enteramente a Stevie Ray, y muchos otros artistas como Eric Johnson, Buddy Guy y Steve Vai dedicaron canciones en honor a SRV.

El 3 de octubre de 1991, la gobernadora de Texas, Ann Richards, proclamó el "Día de Conmemoración de Stevie Ray Vaughan", durante el cual se celebró un concierto conmemorativo en el Texas Theatre .

A partir de 1992 Fender lanza la "Stevie Ray Vaughan Stratocaster" guitarra inspirada en la "Number One", la guitarra más famosa de Stevie y a partir del 2004 lanzan la réplica de esta, con todos los rasgos característicos de la "Number One", una guitarra realizada en la "Custom Shop" de Fender, y en el año 2007 lanzaron la réplica de "Lenny", una pieza que incluso siendo observada muy de cerca es casi imposible distinguir que es una réplica.

En 1993, Martha Vaughan estableció el Fondo de Becas en Memoria de Stevie Ray Vaughan, otorgado a estudiantes de la escuela secundaria WE Greiner en Oakcliff que tienen la intención de asistir a la universidad y ejercer las artes como profesión.

En 1994, la ciudad de Austin, Texas, erigió el Monumento a Stevie Ray Vaughan en la ruta de senderismo junto al lago Lady Bird.

En septiembre de 1994, se llevó a cabo en Dallas una carrera en memoria de Stevie Ray Vaughan. El evento fue a beneficio de la Fundación Ethel Daniels, establecida para ayudar a quienes se recuperan del alcoholismo y la drogadicción y no pueden pagar el tratamiento.

En 1999, el Programa de Asistencia a Músicos (más tarde rebautizado como Fondo MusiCares MAP) creó el "Premio Stevie Ray Vaughan" para honrar la memoria de Vaughan y reconocer a los músicos por su devoción a ayudar a otros adictos que luchan con el proceso de recuperación. Los destinatarios incluyen a Eric Clapton, David Crosby, Steven Tyler, Alice Cooper, Ozzy Osbourne, Pete Townshend, Chris Cornell, Jerry Cantrell y Mike McCready, entre otros.

Equipo

Guitarras

Vaughan poseyó y utilizó una variedad de guitarras durante su carrera. Grababa sus iniciales ("SRV") en los golpeadores de sus guitarras.

1962/63 Fender Stratocaster "Number One"

Esta era la guitarra principal de Stevie. La obtuvo en la tienda de música Heart of Texas de Ray Henning en 1973 y rápidamente se convirtió en su principal compañera. La "Number One" originalmente tenía un golpeador blanco que fue reemplazado por uno negro con el logo “SRV”, y una barra de trémolo para diestros, cambiada por otra chapada en oro para zurdos.

La guitarra se construyó con un cuerpo Stratocaster de 1963 y un mástil de 1962, aunque Stevie creía que era una Stratocaster de 1959. Se rumorea, aunque no se ha demostrado, que creyó que era un modelo de 1959 porque una vez quitó las pastillas y se dio cuenta de que eran del año 1959, por lo que sacó esa conclusión. No fue hasta 1980 que su técnico de guitarras, René Martínez desarmó toda la guitarra y vio estampado el año 1963 en el cuerpo y 1962 en el mástil.

Explicó por qué prefería esta guitarra en una entrevista de 1983: "Me gusta la fuerza de su sonido. Cualquier guitarra que toque tiene que ser bastante versátil. Tiene un tono grande y fuerte y aguantará cualquier cosa que le haga".

La "Number One" de Stevie tiene un acabado en rayos de sol y su mástil original tiene un perfil grueso en forma de D con un ancho de tuerca de 1-5/8″ (41 mm). El radio del diapasón era originalmente de 7,25 ″, pero finalmente se redujo a 10 ″. Esto fue consecuencia de innumerables trabajos en los trastes realizados por René Martínez, quien utilizó principalmente trastes Dunlop 6100. El clavijero estaba equipado con clavijas de afinación Fender Schaller Elite Gold.

El mástil finalmente se dañó sin posibilidad de reparación, por lo que Rene decidió ponerle el mástil de la Stratocaster roja de 1962 de Stevie. Desafortunadamente, ese mástil se rompió en pedazos en un show en Holmdell, Nueva Jersey, cuando una pieza del equipo del escenario cayó sobre varias de las guitarras de Stevie. Después de eso, "Number One" tuvo un nuevo mástil Fender hasta que Stevie murió, cuando se le reinstaló el mástil original.

La "Number One" está actualmente en posesión de Jimmy Vaughan.






1963 Fender Stratocaster “Lenny”

Otra guitarra favorita fue una Stratocaster un poco posterior a la que llamó “Lenny” en honor a su esposa, Lenora.

Esta guitarra llamó la atención de Stevie por primera vez alrededor de 1979, cuando fue con un par de amigos a una casa de empeño en Austin, Texas. Allí la vio, una Stratocaster de 1965 que había sido reacabada en rojo, con el acabado original en forma de rayos de sol asomando.

La guitarra era originalmente un modelo de mástil de arce sunburst de 3 tonos con diapasón de palisandro. El propietario anterior lo restauró con un color natural oscuro y tenía incrustaciones artísticas detrás del puente.

La casa de empeño pedía 300 dólares por ella, que era mucho más de lo que Vaughan tenía en ese momento. Lenny vio lo mucho que deseaba esta guitarra, así que pidió a seis de sus amigos que contribuyeran con 50 dólares cada uno y se la compraron.

La guitarra le fue regalada en su cumpleaños, el 3 de octubre de 1980 en Steamboat Springs, club nocturno en el que tocaba a menudo y esa noche, después de llevarse a las dos "Lenny" (la guitarra y su esposa) a casa, escribió la canción "Lenny".

Stevie decidió reemplazar el mástil por un mástil de arce de mediados de los años 50 que le regaló Billy Gibbons. Mantuvo el brazo del trémolo, las pastillas y los trastes en su estado original, pero añadió su firma e iniciales en la placa del mástil y el golpeador.

Esta guitarra también tiene el autógrafo de Mickey Mantle en la parte posterior del cuerpo, quien la firmó el 10 de abril de 1985, cuando Stevie fue invitado a tocar el himno nacional en el partido inaugural de la temporada de los Houston Astros en el Houston Astrodome.

Stevie grabó con esta guitarra muchas de sus más sinceras canciones de amor, incluida “Riviera Paradise” y, por supuesto, “Lenny”.

La guitarra se subastó en el Eric Clapton Crossroads Guitar Festival el 24 de junio de 2004 y se vendió a Guitar Center por 623.500 dólares.







1959 Fender Stratocaster “Yellow”

Esta guitarra anteriormente era propiedad de Vince Martell, el guitarrista principal de Vanilla Fudge, quien la vendió a Charley Wirz de Charley's Guitar Shop en Dallas.

El propietario anterior había ahuecado el cuerpo para montar cuatro humbuckers, pero Wirz los quitó e instaló un nuevo golpeador en el que colocó una pastilla Fender de bobina simple en la posición del mástil. También pintó todo el cuerpo de amarillo e instaló un sistema de trémolo de latón Charvel.

Luego, Charley le dio la guitarra a Stevie a principios de 1981, quien agregó calcomanías SRV donde normalmente se colocarían las dos pastillas, justo debajo de las cuerdas.

Esta era supuestamente la guitarra que Stevie tocó en las versiones del álbum de “Honey Bee” y “Tell Me”, y en vivo en el DVD “Live at Montreux” para la última canción del set: “Collins Shuffle”.





Fue robada en 1985 en el Aeropuerto Internacional de Albany en Nueva York, pero luego fue recuperada y ahora se exhibe en el Hard Rock Café de Las Vegas.

Hamiltone Lurktamer Stratocaster “The Main”

Esta era una guitarra estilo Stratocaster personalizada hecha para Stevie por James Hamilton de Hamiltone Guitars en Buffalo, Nueva York. Fue un regalo de Billy Gibbons de ZZ Top.

Gibbons había encargado a Hamilton la construcción de la guitarra en 1979. Hubo algunos retrasos, incluido el hecho de tener que rehacer la incrustación de nácar del nombre de Vaughan en el diapasón cuando cambió su nombre artístico de Stevie Vaughan a Stevie Ray Vaughan.

Jim Hamilton le regaló la guitarra el 29 de abril de 1984. Hamilton recuerda que Stevie Ray Vaughan estaba tan contento con la guitarra que la tocó esa noche en el Springfest en el campus de la Universidad de Buffalo. Siguió siendo una de las principales guitarras que utilizó en el escenario y en el estudio.

Esta guitarra presenta un cuerpo de arce de 2 piezas y un diseño de "cuerpo pasante" de 3 piezas. Originalmente también tenía pastillas preamplificadas EMG, pero a Stevie no le gustaron las pastillas que contenía.

Vaughan hizo también otras modificaciones, incluido el reemplazo de las perillas Gibson de color bronce por perillas Fender blancas, ya que prefería las nervaduras en las perillas Fender. Las pastillas tuvieron que cambiarse después de que la guitarra se usara en el video "Could't Stand the Weather", en el que Stevie estaba empapado de agua y las pastillas se estropearon.





1962 Fender Stratocaster “Red”

A finales de 1983, Vaughan compró una Fender Stratocaster sunburst de 1962 en Charley's Guitar Shop, aunque Fender la repintó en rojo fiesta como una opción de color personalizada, y simplemente llamó a la guitarra "Red".

La guitarra permaneció original hasta diciembre de 1985, cuando se instaló un mástil para zurdos.

En 1989, el mástil de "Number One" no pudo soportar más trabajos de re-traste, reemplazándolo por el mástil original de esta"Red".

Al año siguiente, después de un concierto en el Garden State Arts Center en Holmdel, Nueva Jersey, un montante cayó sobre el estante de guitarras de Vaughan, partiendo el mástil de "Red" que estaba instalado en "Number One".

El mástil fue reemplazado a tiempo para el concierto de la noche siguiente.





1961 Fender Stratocaster “Scotch”

"Scotch" es una Fender Stratocaster de 1961 utilizada por Vaughan durante los últimos 5 años de su vida. Adquirió esta guitarra en el otoño de 1985 y se dice que la compró en Baltimore o en The Boathouse en Norfolk, Virginia.

Iba a ser un premio en uno de los shows de Stevie, pero a él le gustó tanto la guitarra que regaló otra de sus guitarras.

Esta guitarra tiene un acabado de color caramelo y originalmente tenía un golpeador blanco liso, que luego fue reemplazado por un golpeador no original con rayas de tigre fabricado por René Martínez.

La guitarra era todA original excepto por el golpeador con rayas de tigre que se parecía al mismo golpeador que Buddy Guy tenía en su guitarra color mantequilla en ese momento.

La guitarra, con el golpeador original, se puede ver en la portada del álbum "Live Alive".

Stevie usó esta guitarra cuando tuvo problemas con su "Number One", o independientemente de eso, en vivo para canciones como “Leave My Girl Alone” y “Superstition”.







1983 Custom Strat-style Guitar “Charley”

Esta guitarra fue fabricada por Charley Wirz, propietario de Charley's Guitar Shop en Dallas, en 1984. Tiene un cuerpo estilo Stratocaster blanco con mástil de palisandro, dos controles (volumen y tono) y pastillas tipo lápiz labial Danelectro.

En la parte posterior del cuerpo hay una pegatina de una chica hula y la placa del cuello tiene grabadas las palabras “Para Stevie Ray Vaughan, más en el 84”.

Stevie tocó esta guitarra en “Life Without You” (que fue el tributo de Stevie a Charley después de su muerte en 1985) y en vivo en el video “Live at Montreaux”.

En 2003, Charley's y René Martínez hicieron 23 réplicas de edición limitada de esta guitarra, vendiéndolas por 2500 dólares





Vaughan compró muchas Stratocasters y regaló algunas. Compró una guitarra estilo Diplomat Strat sunburst y se la dio a su novia Janna Lapidus para que aprendiera a tocarla.

También fue fotografiado tocando una Rickenbacker Capri, una National Duolian, una Epiphone Riviera, una Gibson Flying V y varios otros modelos. Vaughan usó una Gibson Johnny Smith para grabar "Stang's Swang", y una acústica Guild de 12 cuerdas para su actuación en MTV Unplugged en enero de 1990.

También fue famoso por el calibre de sus cuerdas. Usaba 0.13 en la primera cuerda y en algunos casos la sexta; después usaba en las demás el equivalente a un encordado del 0.12.

En conclusión, usaba un conjunto personalizado de cuerdas inusualmente pesadas, de calibres .013, .015, .019, .028, .038 y .058. El calibre más ancho se debía a que Vaughan utilizaba una afinación medio tono debajo del estándar (afinaba todas las cuerdas medio tono más abajo para mantener un sonido grave). Con estos tamaños de cuerdas pesadas, no era raro que se rompiera la uña debido a su rápido movimiento a lo largo de las cuerdas.

El propietario de un club de Austin recordó que Vaughan entraba a la oficina entre sets para pedir prestado superpegamento, que usaba para evitar que una uña partida se ensanchara mientras seguía tocando. El superpegamento fue sugerido por René Martínez, su técnico de guitarras.

Martínez finalmente convenció a Stevie para que cambiara a cuerdas un poco más ligeras. Prefería un mástil de guitarra con un perfil asimétrico (más grueso en la parte superior), que era más cómodo para su estilo de tocar con el pulgar por encima.

El uso intensivo de la barra de vibrato requería reemplazos frecuentes; Vaughan a menudo hacía que su roadie, Byron Barr, obtuviera barras de acero inoxidable personalizadas hechas por el padre de Barr.

En cuanto al uso de púas, Vaughan prefería las púas de guitarra de calibre medio Fender, utilizando uno de los bordes más redondos de la púa en lugar de la punta puntiaguda para puntear y rasguear las cuerdas.


Amplificadores y efectos

Vaughan fue un catalizador en el resurgimiento de los amplificadores y efectos antiguos durante la década de 1980. Su alto volumen requería amplificadores potentes y robustos.

Utilizó dos Fender Super Reverbs de cara negra, que fueron cruciales para dar forma a su claro sonido saturado. A menudo mezclaba otros amplificadores con los Super Reverbs, incluidos Fender Vibroverbs de cara negra, y marcas como Dumble y Marshall, que usaba por su sonido limpio.

Mientras que un Ibanez Tube Screamer y un pedal Vox wah-wah eran sus efectos principales, Vaughan experimentó con una variedad de efectos.

Usó un Fender Vibratone, diseñado como un altavoz Leslie para guitarras eléctricas que proporcionaba un efecto de coro gorjeante; se puede escuchar en el tema "Cold Shot".

Usó un Dallas Arbiter Fuzz Face antiguo que se puede escuchar en “In Step”, así como un Octavia. El sitio web https://guitar.com/rig-diagrams/rig-dia ... ghan-1985/ proporciona una ilustración detallada del equipo de Vaughan configurado en 1985 basándose en entrevistas con su técnico de guitarra y constructor de efectos.

Premios y distinciones

Vaughan ganó cinco premios WC Handy y fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Blues en 2000.

En 1985, fue nombrado almirante honorario de la Armada de Texas.

Obtuvo un sencillo número uno en la lista Hot Mainstream Rock Tracks con la canción "Crossfire".

Las ventas de sus álbumes en los EE. UU. ascienden a más de 15 millones de unidades.

“Family Style”, lanzado poco después de su muerte, ganó el premio Grammy de 1991 al Mejor Álbum de Blues Contemporáneo y se convirtió en su álbum de estudio más vendido, no perteneciente a Double Trouble, con más de un millón de copias en los EE. UU.

En 2011, Rolling Stone lo clasificó en el puesto 12 entre los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos", con una actualización de 2023 que lo sitúa en el puesto 20.

También fue elegible para el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2008, pero no apareció en una lista de nominaciones hasta 2014.

Fue incluido en el RRHOF junto a Double Trouble en 2015.

La revista Guitar World lo clasificó como el número uno en su lista de los mejores guitarristas de blues.

Discografía

Estudio
Texas Flood (1983)
Couldn't Stand the Weather (1984)
Soul to Soul (1985)
In Step (1989)
Family Style (1990)
The Sky Is Crying (1991)

En vivo
Live Alive (1986)
In The Beginning (1992)
Live at Carnegie Hall (1997)
In Session (con Albert King) (1999)
Live at Montreux 1982 & 1985 (2001)
Live in Tokyo (2006)
The Fire Meets the Fury (2012)

Recopilatorios póstumos
Greatest Hits (1995)
The Real Deal: Greatest Hits Vol. 1 (1999)
Blues At Sunrise (2000)
The Essential Stevie Ray Vaughan (2002)
Martin Scorsese Presents The Blues: Stevie Ray Vaughan (2003)
The Real Deal: Greatest Hits Vol. 2 (2006)
Solos, Sessions & Encores (2007)
The Best of Stevie Ray Vaughan (2007)

Con David Bowie
Let's Dance (1983)

Fuentes: last.fm, escuelamusicapipolopez.com, indyrock.es, guitarristas.info, flickr, wikipedia y srvarchive.com

[arcay]

esperando que llegue el uno, gracias por seguir con el tema

[Presidemente]

En el puesto número 11


George Harrison

George Harrison fue un músico, cantante y compositor inglés que alcanzó fama internacional como guitarrista principal de The Beatles.

A veces llamado "el Beatle tranquilo", Harrison abrazó la cultura india y ayudó a ampliar el alcance de la música popular mediante la incorporación de instrumentación india y una espiritualidad alineada con el hinduismo en la obra de los Beatles.

Aunque John Lennon y Paul McCartney fueron los principales compositores dentro del grupo, la mayoría de los álbumes de los Beatles a partir de 1965 contenían al menos dos composiciones de Harrison.

Sus canciones para el grupo incluyen "Taxman", "Within You Without You", "While My Guitar Gently Weeps", "Here Comes the Sun" y "Something".

Las primeras influencias musicales de Harrison incluyeron a George Formby y Django Reinhardt y las posteriores fueron Carl Perkins, Chet Atkins y Chuck Berry.






George Harrison nació el 24 de febrero de 1943 en Wavertree, suburbio de Liverpool, ciudad por entonces devastada por los bombardeos nazis, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre, Louise. Fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres.

Su padre, Harold Harrison, había sido marino hasta que abandonó su puesto y desempeñó el de conductor de autobús, y su madre, Louise, ama de casa, intentó educar a sus hijos (tres niños y una niña) en el catolicismo.

Louise era una entusiasta fanática de la música y era conocida entre sus amigos por su voz fuerte al cantar, que a veces sorprendía a los visitantes al hacer vibrar las ventanas de los Harrison.

Cuando Louise estaba embarazada de George, escuchaba a menudo la transmisión semanal Radio India. El biógrafo de Harrison, Joshua Greene, escribió: "Todos los domingos ella sintonizaba los sonidos místicos evocados por sitares y tablas , con la esperanza de que la música exótica trajera paz y calma al bebé en el útero".

Harrison vivió en el número 12 de Arnold Grove durante los primeros cuatro años de su vida. Una casa adosada en una calle sin salida que tenía un baño al aire libre y su único calor provenía de un único fuego de carbón. Años más tarde, a la familia le ofrecieron una casa municipal y se mudaron al 25 de Upton Green, Speke.

Acudió a la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon, aunque por la diferencia de edad no se conocieron. Fue un mal estudiante, era la peor época de su vida. De Dovedale guardaba tres recuerdos: el olor a col hervida, una niña rubia y la casita de Peter Pan hecha por todos los niños.

A los once años, tras pasar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, edificio hoy en día convertido en el Liverpool Institute for Performing Arts. En el autobús a la escuela, Harrison conoció a Paul McCartney, quien también asistió al Instituto Liverpool, y la pareja se unió por su amor compartido por la música.

Aunque el instituto ofrecía un curso de música, Harrison estaba decepcionado por la ausencia de guitarras y sintió que la escuela "moldeó a los estudiantes para que tuvieran miedo de ese instrumento".

Las primeras influencias musicales de Harrison incluyeron a George Formby, Cab Calloway, Django Reinhardt y Hoagy Carmichael; y en la década de 1950, Carl Perkins y Lonnie Donegan fueron influencias significativas.

A principios de 1956, tuvo una revelación: mientras andaba en bicicleta, escuchó "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley sonando desde una casa cercana, y la canción despertó su interés por el rock and roll.

A menudo se sentaba al final de la clase dibujando guitarras en sus libros escolares, y luego comentó: "Me gustaban mucho las guitarras". Harrison citó a Slim Whitman como otra de sus primeras influencias: "La primera persona que vi tocando una guitarra fue Slim Whitman, ya sea en una foto suya en una revista o en vivo en la televisión. Las guitarras definitivamente estaban llegando".

Al principio, Harold Harrison estaba preocupado por el interés de su hijo en seguir una carrera musical. Sin embargo, en 1956, poco antes de dar inicio el curso, mientras estaba convaleciente después de ser ingresado en el hospital debido a una nefritis, le regaló a una guitarra acústica holandesa Egmond de tapa plana, que le había comprado a un compañero de Dovedale de George, Raymond Hughes, por 3 libras y 10 chelines.

Con ella aprendió los principios básicos de todo guitarrista (rasgueos, acordes, notas, cómo poner una cuerda) y tiempo después, consiguió su primera guitarra 'decente', una Hofner President.

Uno de los amigos de su padre le enseñó a tocar "Whispering", "Sweet Sue" y "Dinah". Inspirado por la música de Donegan, Harrison formó con su hermano Peter y un amigo, Arthur Kelly, The Rebels.

The Rebels era un grupo de skiffle, una especie de rockabilly en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.

La banda no duró mucho, pero sus ganas y las energías le hacían tratar de mejorar su forma de tocar la guitarra escuchando a guitarristas como Chet Atkins y Duane Eddy; formó otra banda Les Stewart Quartet.

Tras abandonar la escuela en 1959, alternó durante poco tiempo a su afición a la música con un trabajo de aprendiz de electricista en Blacklers, unos grandes almacenes locales.

Su formación ayudó a hacer de Harrison el miembro más eficaz del grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y de arreglar equipos. A mediados de los 60, fue el primero en equipar su casa de Esher con un estudio personal donde podría componer y trabajar con mayor eficacia.

Paul McCartney formaba entonces parte de The Quarrymen, un grupo liderado por un joven llamado John Lennon. George vio a la banda por primera vez durante un concierto el 6 de febrero de 1958 en el Wilson Hall.

La amistad entre ellos llegó a tal punto que Paul invitó a George a presenciar algunos ensayos de la banda y en marzo de 1958, Harrison hizo una audición para los Quarrymen en el Morgue Skiffle Club de Rory Storm, tocando "Guitar Boogie Shuffle" de Arthur "Guitar Boogie " Smith.

En la mente de Paul se fue forjando la idea de contar con George para el grupo, pero Lennon pensaba que Harrison, que acababa de cumplir 15 años, era demasiado joven para formar parte de la banda, por lo que McCartney organizó otro encuentro en el piso superior de un autobús de Liverpool, durante la cual Harrison impresionó a Lennon interpretando la parte de guitarra principal del instrumental "Raunchy".

Gracias a la insistencia de McCartney, Lennon accedió y Harrison, con solo quince años, comenzó a socializar con el grupo, reemplazando la guitarra según fuera necesario y, después de que Eric Griffithes abandonara la banda, fue aceptado como miembro.

The Quarrymen consiguieron una formación estable compuesta por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Colin Hanton. Más adelante, John Lowe, otro amigo de McCartney se unió a la banda ocupando el lugar de pianista en el verano de 1958.

Poco a poco los Quarrymen fueron abandonando el skiffle, para orientarse decididamente hacia el rock and roll, a la vez que comenzaron a interpretar temas propios, algo completamente inusual en la música pop de ese momento.

El 12 de julio de 1958 realizaron una grabación histórica de un único disco simple, interpretando "That'll Be the Day" de su admirado Buddy Holly y sorprendentemente, una de las primeras canciones compuestas por McCartney, "In Spite of All the Danger", pero acreditada también a Harrison.

Tres días después, la madre de John Lennon, Julia, falleció trágicamente en un accidente de automóvil, lo que llevó a John a la tristeza. El hecho produjo un impasse en la banda, y acercó emocionalmente a John y Paul, que también había perdido a su madre dos años antes.

Ambas circunstancias y una seria enfermedad de Nigel Walley, a cargo de la representación, provocaron que la banda quedara reducida a un trío de guitarras, con Harrison en la guitarra solista, y Lennon y McCartney en las guitarras rítmicas, aunque en los hechos la banda se encontraba virtualmente disuelta.

En 1959 George Harrison logró reunir nuevamente a The Quarrymen, con Ken Brown como cuarto guitarrista, para tocar en The Casbah Coffee Club, un improvisado sótano musical para adolescentes recién abierto por Mona Best, madre de quien al año siguiente se convertiría en el primer baterista de The Beatles.

Se relacionaron con Allan Williams, propietario del Club Jacaranda, quien se convirtió en mánager del grupo.

En octubre de 1959, con el nombre de Johnny and The Moondogs, Lennon, McCartney y Harrison participaron en las audiciones realizadas en Liverpool, para el programa televisivo de nuevos talentos, que dirigía Carroll Levis. Se clasifican para la serie final, realizada el 15 de noviembre en Mánchester, pero resultaron eliminados por un "aplausómetro".

En la primera mitad de 1960 aparecería el nombre definitivo de la banda. The Quarrymen había mostrado ser un nombre precario, siendo reemplazado por otros nombres como el anterior, Johnny and The Moondogs.

La versión tradicional sobre el surgimiento del famoso nombre sostiene que la iniciativa partió de Stuart Sutcliffe, íntimo amigo y compañero de habitación de John Lennon que en enero de 1960 se había unido al grupo como bajista.

Siempre según la versión tradicional, Sutcliffe y Lennon se encontraban solos cuando empezaron a pensar nombres para la banda, a partir de la admiración que sentían por Buddy Holly, cuyo grupo se llamaba The Crickets («Los Grillos»). Después de pasar por diferentes tipos de insectos, Sutcliffe propuso The Beetles («Los Escarabajos»), y Lennon por su parte, aportó un decisivo juego de palabras, cambiando la sílaba "beet", por "beat", que en inglés suenan igual, en referencia al movimiento beat liverpulense que integraba la banda.

Tras la consolidación de los Quarrymen a The Beatles después de que varios miembros abandonasen la banda y con la llegada de Stuart Sutcliffe en el bajo y Pete Best en la batería, el promotor Allan Williams hizo arreglos para que la banda tocara en los clubes Indra y Kaiserkeller de Hamburgo, ambos propiedad de Bruno Koschmider.

Durante la estancia en Hamburgo, Harrison perfeccionó su estilo. Allí en noviembre aceptaron la oferta de actuar en el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider. Despechado por la decisión de The Beatles, Koschmider informó a las autoridades alemanas que George sólo tenía 17 años y que era demasiado joven para para trabajar en clubes nocturnos. La banda se vio obligada a regresar a Inglaterra.

Con los permisos ya en regla la banda regresó a Alemania y continuaron tocando.

De regreso a Liverpool comienzan a tocar en un pequeño club, The Cavern. Allí Brian Epstein el propietario de una tienda de discos los ve tocar y les ofrece ser su mánager. Los chicos aceptan y logran una prueba con Pharlophone.

El productor George Martin queda contento con el trabajo del grupo, aunque les pide que si quieren triunfar deben cambiar de batería. Prescinden de Pete Best y se une Ringo Star, a quien ya conocían de su etapa en Hamburgo. Ringo se convertiría en uno de los mejores amigos de George hasta el final de sus días.






Cuando Brian Epstein se convirtió en su mánager en diciembre de 1961, pulió su imagen y luego les aseguró un contrato de grabación con EMI .

El primer sencillo del grupo, "Love Me Do", alcanzó el puesto 17 en la lista Record Retailer, y cuando su álbum debut, “Please Please Me”, fue lanzado a principios de 1963, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña y comienza la historia de la banda más importante de la historia de la música moderna.

Harrison escribió su primera canción, "Don't Bother Me", durante un día de convalecencia en cama, en 1963, con el fin de probar, como declararía posteriormente, "si era capaz de componer una canción", pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde.

Aparece publicada en el álbum “With the Beatles” de 1963 y en su versión estadounidense, “Meet the Beatles”, de 1964.
Su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva. Sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las armonías de John Lennon y Paul McCartney fueron sus señas de identidad más características.

Harrison fue el primero de los Beatles en viajar a los Estados Unidos con el fin de visitar a su hermana, Louise, en Benton (Illinois), en septiembre de 1963, cinco meses antes de la aparición del grupo en The Ed Sullivan Show.






Durante la visita, George visitó una tienda de discos y compró varios sencillos sin que el dueño lo reconociera debido al escaso conocimiento que tenían los estadounidenses de la música pop británica; nadie pudo venderle un disco de los Beatles.

A su regreso a Inglaterra, comentó a sus compañeros de grupo que sería difícil cosechar el éxito en Estados Unidos.

Si bien para el siguiente álbum del grupo, “Beatles For Sale”, también había compuesto un tema, este fue descartado, olvidando la composición hasta que contribuyera al álbum “Help” con los temas "I Need You" y "You Like Me Too Much".

A menudo serio y concentrado mientras estaba en el escenario con la banda, Harrison era conocido como "el Beatle tranquilo".

Ese apodo surgió cuando los Beatles llegaron a los Estados Unidos a principios de 1964, y Harrison estaba enfermo con un caso de faringitis estreptocócica y fiebre y se le aconsejó médicamente que limitara el habla tanto como fuera posible hasta que actuara en The Ed Sullivan Show según lo programado. Como tal, la prensa notó la aparente naturaleza lacónica de Harrison en las apariciones públicas de esa gira y el apodo posterior se quedó, para diversión de Harrison.

Durante el viaje de The Beatles a los Estados Unidos, Harrison adquirió un nuevo modelo de guitarra eléctrica y con doce cuerdas, el 360/12 de la compañía Rickenbacker, que usaría en futuros álbumes del grupo. Roger McGuinn, interesado en el sonido, adoptó como modelo propio el 360/12, dando lugar al sonido característico de las canciones de The Byrds.

Harrison sirvió como buscador de los Beatles para nuevos lanzamientos estadounidenses, siendo especialmente conocedor de la música soul.

Un importante punto de inflexión en su carrera musical tuvo lugar durante la gira americana de 1965, en la que David Crosby, de The Byrds, introdujo a Harrison en la cultura india a través de la música de Ravi Shankar.

Muy pronto quedó fascinado con el especial sonido de su música, permitiendo la lenta introducción de esta en la cultura occidental. Tras comprar un sitar poco después de dar por finalizada la gira de 1965 fue, antes que Dave Davies, guitarrista de The Kinks, uno de los primeros músicos de la cultura pop en introducir el instrumento en un álbum de estudio.

Otro importante momento de su vida tuvo lugar durante el rodaje de la película “Help!” en las islas Bahamas, al entregarle un hindú un libro sobre la reencarnación.







En "Rubber Soul" de 1965, había comenzado a guiar a los otros Beatles hacia el folk rock a través de su interés en los Byrds y Bob Dylan, y hacia la música clásica india a través de su uso del sitar en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña). Más tarde dijo que “Rubber Soul” fue su "álbum favorito de los Beatles".

En 1966 se casó con la modelo y actriz Patti Boyd. Ese mismo año, los Beatles abandonaron los escenarios para consagrarse al trabajo en estudio, y Harrison entró en su fase más productiva en la banda.

En “Revolver “(1966) incluyó entre sus composiciones "Taxman", seleccionada como tema de apertura del álbum. Inspirada en el abusivo sistema tributario británico de entonces, que quitaba hasta el 95% de las ganancias a las personas (como los Beatles) que poseían grandes ingresos.

La canción abre el disco que es considerado, por muchos, el mejor de los Beatles; el de los experimentos sonoros, la psicodelia y el rock ácido. Musicalmente, la canción posee uno de los más aguerridos solos de guitarra contenidos en alguna canción de la banda, aunque éste fue realizado por Paul McCartney.

También estaban "Love You To" y "I Want to Tell You” y siguió experimentando con instrumentos inéditos en el mundo del pop.
Su parte de tambura en "Tomorrow Never Knows" de Lennon ejemplificó la exploración continua de la banda de instrumentos no occidentales, mientras que "Love You To", basada en sitar y tabla, representó la primera incursión genuina de los Beatles en la música india.

Según el etnomusicólogo David Reck, esta última canción sentó un precedente en la música popular como un ejemplo de cultura asiática representada por los occidentales con respeto.

El autor Nicholas Schaffner escribió en 1978 que tras la creciente asociación de Harrison con el sitar después de "Norwegian Wood", se hizo conocido como "el maharajá del raga-rock ".

A finales de 1966, los intereses de Harrison se habían alejado de los Beatles. Enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD, participó activamente en el álbum “Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band” (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el fogonazo de salida al «verano del amor», al hippismo y a la psicodelia. Esto se reflejó en su elección de gurús orientales y líderes religiosos para incluirlos en la portada.

Su única composición en el álbum fue "Within You Without You", de inspiración india, en la que ningún otro Beatle contribuyó. Tocó el sitar y el tambura en la pista, respaldado por músicos del London Asian Music Circle en dilruba , swarmandal y tabla.

Más tarde comentó sobre el álbum “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”: "Fue una piedra de molino y un hito en la industria musical. Hay aproximadamente la mitad de las canciones que me gustan y la otra mitad que no soporto".

En enero de 1968, grabó la pista básica de su canción "The Inner Light" en el estudio de EMI en Bombay, utilizando un grupo de músicos locales que tocaban instrumentos tradicionales indios.

Publicada como cara B de "Lady Madonna" de McCartney, fue la primera composición de Harrison que apareció en un sencillo de los Beatles. Derivada de una cita del Tao Te Ching, la letra de la canción reflejaba el interés cada vez más profundo de Harrison en el hinduismo y la meditación.

Harrison continuó desarrollando su interés en la instrumentación no occidental, tocando swarmandal o arpa india en "Strawberry Fields Forever" en el álbum “Magical Mystery Tour”.

En 1968 arrastró a los otros tres Beatles y sus respectivas esposas a unas jornadas de meditación en la India con el Maharishi Mahesh Yogi, un gurú espiritual que había conocido a través de Patti.

La idea de George no llegó muy lejos, y en lugar de unir más al grupo tras la muerte del mánager Epstein, acentuó las discrepancias entre los cuatro, en especial desde las sesiones de grabación de "The White Album", llegando a intentar dejar el grupo en aquel momento. Incluso Ringo Starr renunció brevemente.

Las cuatro contribuciones de Harrison como compositor al álbum doble incluyeron "While My Guitar Gently Weeps”, en la que Eric Clapton, íntimo amigo de George, ejecutó un solo de guitarra que, sin duda, es el eje de la composición. “Piggies”, “Long, Long, Long” y "Savoy Truffle", con trompeta, fueron las otras tres.

Durante una visita a Woodstock a finales de 1968, entabló amistad con Bob Dylan y se sintió atraído por el sentido de la banda de hacer música comunitaria y por la igualdad creativa entre los miembros de la banda, que contrastaba con el dominio de Lennon y McCartney, que eran la composición y dirección creativa de los Beatles.

Esto coincidió con un período prolífico en su composición y un creciente deseo de afirmar su independencia de los Beatles. Entre 1967 y 1969, McCartney expresó en más de una ocasión su insatisfacción con la forma de tocar de Harrison.

Las tensiones entre el grupo surgieron nuevamente en enero de 1969, en los estudios Twickenham , durante los ensayos filmados que se convirtieron en el documental de 1970 “Let It Be”, donde Harrison acaba por decir con sorna: "Bien, no me importa. Tocaré lo que quieras que toque o no tocaré nada si no quieres que toque nada. Todo lo que sea por complacerte, lo haré".

Descontento con las pobres condiciones en las que se desarrollaban las sesiones, aletargado por las horas de trabajo, por la desconexión creativa de Lennon con los Beatles y por lo que percibía como una actitud dominante por parte de McCartney, Harrison acabará por abandonar el grupo el 10 de enero, si bien retornará a su trabajo el 22 del mismo mes, tras dos reuniones de negocios y después de que sus compañeros de banda acordaron trasladar el proyecto cinematográfico a su propio Apple Studio y abandonar el plan de McCartney de regresar a las presentaciones públicas.

El 30 de enero de 1969, la banda británica comenzaba el llamado "Concierto en la Azotea". El cuarteto de Liverpool, acompañados del teclista Billy Preston, se reunió de forma sorpresiva en la azotea de los Apple Corps –el estudio de grabación de la banda– en Londres, y tocaron durante unos 40 minutos en el que sería su último concierto en vivo.





Las relaciones entre los Beatles eran más cordiales, aunque todavía tensas, cuando la banda grabó su álbum “Abbey Road” en 1969. El LP incluía dos contribuciones clásicas de Harrison, "Here Comes the Sun" y "Something", que lo vieron finalmente alcanzar el mismo estatus como compositor que Lennon y McCartney.

Durante la grabación del álbum, Harrison tuvo más control creativo que antes, rechazando sugerencias de cambios en su música, particularmente de McCartney.

"Something" se convirtió en su primera cara A cuando se publicó en un sencillo de doble cara con "Come Together"; la canción fue número uno en Canadá, Australia, Nueva Zelanda y Alemania Occidental, y las caras combinadas encabezaron la lista Billboard Hot 100 en los Estados Unidos.

En la década de 1970, Frank Sinatra grabó "Something" dos veces (1970 y 1979) y más tarde la llamó "la mayor canción de amor de los últimos cincuenta años". Lennon la consideró la mejor canción de “Abbey Road” y Paul McCartney aseguró que era la mejor composición que Harrison había hecho para los Beatles. Se convirtió en la segunda canción más versionada de los Beatles después de "Yesterday".

La última sesión de grabación de Harrison con los Beatles fue el 4 de enero de 1970, cuando él, McCartney y Starr grabaron sobregrabaciones de la canción "Let It Be" para la banda sonora del álbum del mismo nombre.

En mayo de 1970, la canción de Harrison "For You Blue" se combinó en un sencillo estadounidense con "The Long and Winding Road" de McCartney y se convirtió en el segundo éxito de Harrison en las listas.

Su mayor productividad significó que en el momento de su ruptura había acumulado una reserva de composiciones inéditas, suficiente material para desarrollar una carrera musical en solitario bastante exitosa y larga.

Esta carrera daría comienzo a partir de la última sesión junto al resto del grupo el 4 de enero de 1970, con casi 27 años.

Carrera en solitario

Antes de la ruptura de los Beatles, Harrison ya había grabado y lanzado dos álbumes en solitario: “Wonderwall Music” y “Electronic Sound”, los cuales contienen principalmente composiciones instrumentales.

“Wonderwall Music”, una banda sonora de la película “Wonderwall” de 1968, combina instrumentación india y occidental, mientras que “Electronic Sound” es un álbum experimental que presenta de manera destacada un sintetizador Moog.

Lanzado en noviembre de 1968, “Wonderwall Music” fue el primer álbum en solitario de un Beatle y el primer LP lanzado por Apple Records. Los músicos indios Aashish Khan y Shivkumar Sharma tocaron en el álbum, que contiene el collage sonoro experimental "Dream Scene", grabado varios meses antes de "Revolution 9" de Lennon.

En diciembre de 1969, Harrison participó en una breve gira por Europa con el grupo estadounidense Delaney & Bonnie and Friends. Durante la gira, que incluyó a Clapton, Bobby Whitlock, el baterista Jim Gordon y los líderes de la banda Delaney y Bonnie Bramlett, Harrison comenzó a tocar la guitarra slide y también comenzó a escribir "My Sweet Lord", que se convirtió en su primer sencillo como solista.







Poco después de la separación oficial de la banda, publicó “All Things Must Pass” (1970), con material acumulado durante años. Alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200.

"All Things Must Pass" supuso una entrada triunfal para la carrera musical en solitario de Harrison, Junto al álbum "John Lennon/Plastic Ono Band" de John Lennon, "Ram" de Paul McCartney y "Ringo" de Ringo Starr, "All Things Must Pass" es considerado uno de los álbumes más trabajados por un Beatle en su carrera en solitario.

Un álbum triple con dos discos de sus canciones y el tercero de grabaciones de Harrison improvisando con amigos. El álbum fue considerado por muchos como su mejor trabajo y encabezó las listas en ambos lados del Atlántico.

Este álbum contó con la participación de varios músicos, entre ellos Ringo Starr a la batería y Eric Clapton a la guitarra. La producción estuvo a cargo del mismo George Harrison y Phil Spector, quien trabajó junto a los Beatles en el álbum “Let It Be”.

En su lanzamiento fue recibido con elogios de la crítica, acallando así las voces discrepantes que auguraban una mala carrera para él.

Ben Gerson de Rolling Stone lo describió como "de proporciones clásicas spectorianas, wagnerianas, brucknerianas , la música de las cimas de las montañas y los vastos horizontes".

El autor y musicólogo Ian Inglis considera la letra de la canción que da título al álbum "un reconocimiento de la impermanencia de la existencia humana... una conclusión simple y conmovedora para la antigua banda de Harrison".

Fue considerado una obra maestra y contenía el éxito “My Sweet Lord”, una oda al Hare Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado por un beatle en solitario. En 1971, Bright Tunes demandó a Harrison por infracción de derechos de autor sobre "My Sweet Lord", debido a su similitud con el éxito de Chiffons de 1963 "He's So Fine".

Cuando el caso se conoció en el tribunal de distrito de los Estados Unidos en 1976, negó haber plagiado deliberadamente la canción, pero perdió el caso, ya que el juez dictaminó que lo había hecho inconscientemente, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum “Thirty Three & 1/3”.

Las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles, Allen Klein, denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, Harrison acabaría poseyendo los derechos de ambos temas.

En 2000, Apple Records lanzó una edición del álbum por el trigésimo aniversario y Harrison participó activamente en su promoción. En una entrevista, reflexionó sobre el trabajo: "Es algo que fue como mi continuación de los Beatles, en realidad. Fue una especie de salida de los Beatles y simplemente siguiendo mi propio camino... fue una ocasión muy feliz".

Comentó sobre la producción: "Bueno, en aquellos días era como si la reverberación se usara un poco más de lo que yo haría ahora. De hecho, no uso reverberación en absoluto. No puedo soportarlo... Sabes, es difícil volver a algo treinta años después y esperar que sea como te gustaría ahora".

El año siguiente Harrison respondió a una petición de Ravi Shankar organizando un evento benéfico, el Concierto para Bangladesh, que tuvo lugar el 1 de agosto de 1971. El evento atrajo a más de 40.000 personas a dos espectáculos en el Madison Square Garden de Nueva York.






El objetivo del evento era recaudar dinero para ayudar a los refugiados hambrientos durante la Guerra de Liberación de Bangladesh. Shankar abrió el espectáculo, que contó con músicos tan conocidos como Bob Dylan, Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston y Leon Russell.

Fue el primer concierto benéfico de la historia de la música rock y precursor de eventos benéficos como Live Aid.
Apple lanzó un álbum triple, “The Concert for Bangladesh”, en diciembre, seguido de una película de concierto en 1972.

Acreditado a George Harrison and Friends, el álbum encabezó las listas del Reino Unido y alcanzó el puesto número 2 en los Estados Unidos, y ganó el premio Grammy al Álbum del Año.

Los problemas fiscales y los gastos cuestionables inmovilizaron posteriormente muchas de las ganancias, pero Harrison comentó: "Principalmente el concierto fue para llamar la atención sobre la situación... El dinero que recaudamos fue secundario, y aunque tuvimos algunos problemas de dinero, obtuvimos mucho... a pesar de que era una gota en el océano. Lo principal fue que difundimos la voz y ayudamos a poner fin a la guerra".

En octubre de 2005, Apple Corps. reeditó el concierto en CD y DVD, siendo el dinero recaudado por las ventas destinado a UNICEF.

El siguiente álbum de Harrison, “Living in the Material World”, publicado en 1973, ocupó el puesto número uno en la lista de álbumes de Billboard durante cinco semanas, y el sencillo del álbum, "Give Me Love (Give Me Peace on Earth)", también alcanzó el número uno en Estados Unidos. En el Reino Unido, el LP alcanzó el puesto número dos y el sencillo alcanzó el número 8.

La canción "Sue Me Sue You Blues" serviría de mofa al proceso judicial que estaba desarrollando McCartney para disolver de forma oficial The Beatles.

El álbum fue producido y empaquetado lujosamente, y su mensaje dominante eran las creencias hindúes de Harrison. En opinión de Greene, "contenía muchas de las composiciones más fuertes de su carrera".

Stephen Holden, escribiendo en Rolling Stone, consideró que el álbum era "muy atractivo" y "profundamente seductor", y que se mantenía "solo como un artículo de fe, milagroso en su resplandor". Otros críticos se mostraron menos entusiastas y describieron el lanzamiento como incómodo, mojigato y demasiado sentimental.

En septiembre de 2006, una reedición del álbum con "Deep Blue" y "Miss O'Dell" como temas extra, así como con DVD, alcanzaría el puesto 38 del Billboard Pop Catalog Chart.

A mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo abandonó por su amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa, aunque ambos nunca abandonarían su amistad).

En 1974, publicó “Dark Horse”, y se convirtió en el primer ex Beatle en realizar una gira por América del Norte cuando comenzó su gira “Dark Horse” de 45 conciertos.

La gira fue duramente criticada por la duración del acto principal, a cargo de Ravi Shankar, y por la voz ronca de Harrison debida a una laringitis. Aun así, el álbum alcanzó el puesto 5 en las listas de éxitos estadounidenses, si bien las críticas desfavorables y el poco interés suscitado provocarían que “Dark Horse” no entrara en las listas de éxitos británicas. El sencillo "Dark Horse" alcanzaría el puesto 15 en las listas de Billboard.

Robert Rodríguez comentó: "Si bien la gira “Dark Horse” podría considerarse un noble fracaso, hubo varios fanáticos que estaban atentos a lo que se estaba intentando. Se fueron extasiados, conscientes de que acababan de presenciar algo tan edificante que nunca podría repetirse". Simon Leng calificó la gira de "innovadora" y "revolucionaria en su presentación de la música india".

Ante el periodo de preparación para la gira estadounidense, abrió oficinas en La Brea Avenue de Los Ángeles para su futuro sello discográfico, Dark Horse Records. Al abrir esta nueva división, trabajó en conjunto con A&M Records en donde trabajaba su futura esposa, Olivia Trinidad Arias.

Establecieron primero una relación por teléfono, teniendo en común muchas cosas, entre ellas la pasión por la meditación y la cultura india. Poco después Olivia se cambió a trabajar en el sello junto a Terry Doran de Apple y Jack Oliver.

Teniendo una relación oficial a partir de 1974, fue su acompañante en la gira Dark Horse Tour. Harrison estaba pasando por una vida de adicción desde algunos años antes, y dice haber sido salvado de esta vida por ella. Tomando la decisión de poner su vida en orden.

El último álbum de estudio de Harrison para EMI y Apple Records, “Extra Texture (Read All About It)” (1975), inspirado en la música soul, alcanzó el puesto número 8 en la lista de Billboard y el número 16 en el Reino Unido.

Harrison lo consideró el menos satisfactorio de los tres álbumes que había grabado desde “All Things Must Pass”. Simon Leng identificó "amargura y consternación" en muchas de las pistas. Su viejo amigo Klaus Voormann comentó: "Él no estaba dispuesto a hacerlo... Fue un momento terrible porque creo que había mucha cocaína circulando, y fue entonces cuando salí de escena... No me gustó su estado de ánimo".

Lanzó dos sencillos del LP: "You", que alcanzó el top 20 de Billboard, y "This Guitar (Can't Keep from Crying)", el último sencillo original de Apple.

Tras la salida de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr del sello EMI (Paul McCartney permanecería en él hasta que en 2007 fichara por Hear Music), la compañía discográfica tuvo libertad para editar el trabajo del grupo y de sus componentes en solitario en un mismo álbum, utilizando a Harrison como experimento en “The Best of George Harrison”, en la que se combinaban sus éxitos compuestos en The Beatles y en solitario.

Al mismo tiempo, Harrison se vio envuelto en problemas con la industria discográfica. Durante la grabación de “Thirty Three & 1/3”, se vio aquejado de hepatitis, retrasando su publicación e incumpliendo una cláusula del contrato firmado previamente con la distribuidora A&M. Tras ser denunciado, Warner Bros. Records se hizo cargo de la distribución de su sello, permitiéndole suficiente tiempo para recuperarse de la enfermedad y grabar el álbum.

“Thirty Three & 1/3” (1976), fue el primer álbum de Harrison lanzado en su propio sello Dark Horse Records. Supuso un considerable éxito tras sus dos álbumes anteriores, alcanzando el puesto 11 en las listas de éxitos estadounidenses.

Con énfasis en la melodía y la musicalidad, y un tema más sutil que el mensaje piadoso de sus trabajos anteriores, “Thirty Three & 1/3” le valió a Harrison sus críticas más favorables en los EE. UU. desde “All Things Must Pass”.

El álbum alcanzó su punto máximo justo fuera del top diez allí, pero vendió más que sus dos LP anteriores. Como parte de su promoción para el lanzamiento, Harrison actuó en Saturday Night Live con Paul Simon.

El primer sencillo, "This Song", supone una sátira del proceso judicial por el "plagio inconsciente" de "He's So Fine" de The Chiffons, mientras "Crackerbox Palace" sería posteriormente publicado como segundo sencillo.

El humor surrealista de "Crackerbox Palace" reflejó la asociación de Harrison con Eric Idle de Monty Python, quien dirigió un video musical cómico para la canción.

Tras su matrimonio con Olivia Trinidad Arias y el nacimiento de su primer y único hijo Dhani Harrison, Harrison emprendería la grabación de su álbum homónimo, “George Harrison”, publicado en 1979.

Coproducido por Russ Titelman, el álbum y el sencillo "Blow Away" llegaron al top 20 de Billboard . El álbum marcó el comienzo de la retirada gradual de Harrison del negocio de la música, con varias de las canciones escritas en el entorno tranquilo de Maui, en el archipiélago hawaiano. Simon Leng describió a George Harrison como "melódico y exuberante... pacífico... el trabajo de un hombre que había vivido el sueño del rock and roll dos veces y ahora abrazaba la dicha tanto doméstica como espiritual".

Ese mismo año impulsó la productora cinematográfica Handmade Films, nacida para sacar adelante la película "La vida de Brian", de los Monty Python, tras ser rechazado el proyecto por EMI Films.

Handmade Films se convirtió en una importante referencia del cine alternativo británico en la década de los ochenta, iniciando un listado de películas entre las que figuran “Mona Lisa”, "Time Bandits", "Shanghái Surprise" y "Withnail and I". En algunas de ellas, Harrison llegó incluso a realizar cameos, como en el caso de "Shanghái Surprise" como cantante de un club nocturno, y caracterizado como Mr. Papadopolous en "La vida de Brian".

Uno de los cameos más memorables fue como reportero en la parodia de The Beatles "The Rutles", creada por Eric Idle. Pese a todo, Handmade Films entraría en quiebra debido a la mala administración y a las demandas que aquejaron las finanzas de Harrison.

En 1980, Harrison se convierte en el primer Beatle en escribir, una autobiografía, titulada "I Me Mine". El publicista de The Beatles, Derek Taylor, le ayudó en la ardua tarea de escribir el libro, publicado inicialmente por Genesis Publications. Si bien la biografía de Harrison cuenta algunas anécdotas de su etapa con los Beatles, se centra en su mayoría en los hobbies del artista, desde la jardinería hasta la Fórmula 1.

Tras el asesinato de John Lennon el 8 de diciembre de 1980, Harrison sufrió una grave conmoción. Después del asesinato, Harrison comentó: "Después de todo lo que pasamos juntos, tenía y sigo teniendo un gran amor y respeto por John Lennon. Estoy conmocionado y atónito".

La muerte de Lennon forzó a Harrison a rodearse de medidas de seguridad en su mansión de Friar Park, en Henley-on-Thames.

Poco después, modificó la letra de "All Those Years Ago", canción que había compuesto en un principio para Ringo y que posteriormente sirvió de tributo a Lennon en su álbum “Somewhere in England”. Con Ringo Starr en la batería y con Paul y Linda McCartney en los coros, tanto el álbum como el sencillo, publicados en 1981, recibieron buenas reseñas por parte de la crítica musical, alcanzando el puesto 2 en las listas de éxitos estadounidenses.

Tras la publicación en 1982 de “Gone Troppo”, George Harrison se vio apartado del mundo de la música un total de cinco años para dar prioridad a otras aficiones. Durante este tiempo, aparecería públicamente en 1985 en un homenaje a Carl Perkins titulado “Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session” con Ringo Starr y Eric Clapton entre los invitados, y grabaría una canción para la banda sonora de "Porky's Revenge" y el tema "I Don't Want To Do It" de Bob Dylan.







En marzo de 1986 hizo una aparición sorpresa durante la final del Birmingham Heart Beat Charity Concert , un evento organizado para recaudar fondos para el Birmingham Children's Hospital.

Al año siguiente, apareció en el concierto de The Prince's Trust en el Wembley Arena de Londres, interpretando "While My Guitar Gfully Weeps" y "Here Comes the Sun".

En febrero de 1987 se unió a Dylan, John Fogerty y Jesse Ed Davis en el escenario para una actuación de dos horas con el músico de blues Taj Mahal. Harrison recordó: “Bob me llamó y me preguntó si quería salir por la noche a ver a Taj Mahal... Así que fuimos allí y nos tomamos unas cuantas cervezas mexicanas... y nos tomamos unas cuantas más... Bob dijo, 'Hey, ¿por qué no nos levantamos todos y tocamos, y tú puedes cantar?' Pero cada vez que me acercaba al micrófono, Dylan se acercaba y empezaba a cantarme esas tonterías al oído, intentando despistarme".

Volvió a la actualidad musical con el gozoso “Cloud Nine” (1987), uno de sus álbumes más loados por la crítica. Coproducido con Jeff Lynne de Electric Light Orchestra (ELO), el álbum incluía la interpretación de Harrison de "Got My Mind Set on You" de James Ray, que alcanzó el número uno en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Billboard Adult Contemporary.

El vídeo musical que lo acompaña recibió una importante difusión, y otro sencillo, " When We Was Fab ", un tema retrospectivo de su etapa con The Beatles, supuso también un notable éxito. Obtuvo dos nominaciones a los MTV Music Video Awards en 1988.

Grabado en su finca en Friar Park, la forma de tocar la guitarra slide de Harrison ocupó un lugar destacado en el álbum, que incluía a varios de sus colaboradores musicales de toda la vida, incluidos Clapton, Jim Keltner y Jim Horn. “Cloud Nine” alcanzó el número ocho y el número diez en las listas de EE. UU. y Reino Unido respectivamente, y varias pistas del álbum lograron ubicarse en la lista Mainstream Rock de Billboard.

Durante la grabación del tema "Handle With Care" reuniría en el garaje de Bob Dylan a Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison. Lo que en un primer momento sería la cara B del sencillo "This Is Love" acabaría convirtiéndose en la primera canción grabada por The Traveling Wilburys, al considerar la compañía discográfica que el tema era demasiado bueno para relegarlo a un segundo plano.






El primer álbum del grupo, grabado en apenas dos semanas antes de que diera comienzo la gira de Bob Dylan, fue publicado en octubre de 1988 con el nombre de “Traveling Wilburys Vol. 1” y con los nombres de los músicos ocultos tras seudónimos.

Alcanzó el puesto 16 en el Reino Unido y el número 3 en los EE. UU., donde fue certificado triple platino. El seudónimo de Harrison en el álbum era "Nelson Wilbury"; usó el nombre "Spike Wilbury" para su segundo álbum.

A comienzos de 1989, George Harrison, Lynne y Ringo Starr participaron en la grabación del tema "I Won't Back Down", de Tom Petty, donde George toca la guitarra eléctrica.

En octubre de ese año tiene lugar la publicación del segundo recopilatorio de la carrera musical de Harrison, “Best of Dark Horse 1976-1989”, con los éxitos de su etapa bajo el sello Dark Horse Records. El álbum incluye dos temas grabados para la ocasión, "Poor Little Girl" y "Cockamamie Business", así como el tema de la banda sonora de “Arma Letal 2”, "Cheer Down".

Tras la muerte de Orbison en diciembre de 1988, los Wilbury grabaron como cuarteto. Su segundo álbum, publicado en octubre de 1990, se tituló traviesamente Travelling Wilburys Vol. 3 . Según Lynne, "Esa fue idea de George. Dijo: Confundamos a los cabrones".

Alcanzó el puesto 14 en el Reino Unido y el 11 en los EE. UU., donde fue certificado platino. Los Wilbury nunca actuaron en vivo y el grupo no volvió a grabar juntos después del lanzamiento de su segundo álbum.

En diciembre de 1991, Harrison se unió a Clapton para una gira por Japón. Fue el primero de Harrison desde 1974 y no siguieron otros.

Tras una docena de conciertos, en 1992 vería la luz el álbum “Live in Japan”, acreditado a George Harrison, Eric Clapton & Band. Este sería su último disco en solitario aparecido en vida.

El 6 de abril de 1992, Harrison celebró un concierto benéfico para el Natural Law Party en el Royal Albert Hall, su primera actuación en Londres desde el concierto de los Beatles en la azotea en 1969.

En octubre de 1992, actuó en un concierto tributo a Bob Dylan en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York, tocando junto a Dylan, Clapton, McGuinn, Petty y Neil Young, interpretando tres canciones: "If Not for You", "Absolutely Sweet Marie" y "My Back Pages".

En 1994, Harrison inició una colaboración con McCartney, Starr y el productor Jeff Lynne para el proyecto “Beatles Anthology”. Esto incluyó la grabación de dos nuevas canciones de los Beatles basadas en cintas de piano y voz solista grabadas por Lennon, así como largas entrevistas sobre la carrera de los Beatles.

Harrison comentó sobre el proyecto: "Espero que alguien haga esto con todas mis demos de mierda cuando esté muerto, que las convierta en canciones exitosas".

Lanzado en diciembre de 1995, "Free as a Bird" fue el primer sencillo nuevo de los Beatles desde 1970, pero por enésima vez se descartó el regreso de la banda. Con su característico sarcasmo, Harrison declaró: “Los Beatles no se reunirán mientras John siga muerto”.

En marzo de 1996, lanzaron un segundo sencillo, "Real Love". También intentaron terminar un tercer sencillo, "Now and Then", pero no lo terminaron porque la calidad de audio del cassette era, según Harrison, "jodidamente basura".

Más tarde, McCartney y Starr terminaron la canción y la lanzaron en 2023.

Después del proyecto “Anthology”, Harrison colaboró con Ravi Shankar en “Chants of India” de este último.

En 1996, grabaría y produciría junto a Carl Perkins el tema "Distance Makes No Difference With Love" para el álbum de Perkins “Go-Cat-Go”.

En enero de 1998, Harrison asistiría al funeral de su ídolo de juventud, Carl Perkins, en Jackson, Tennessee, donde interpretó una versión de la canción "Your True Love" durante la ceremonia.

Poco después, a Harrison le diagnosticaron cáncer de garganta; fue tratado con radioterapia, que en ese momento se pensó que tenía éxito. Públicamente culpó a sus años de fumador por la enfermedad.

El 30 de diciembre de 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en Oxfordshire, en el sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho. Pudo escapar a la muerte gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara.

El autor del ataque, Michael Abram, de 35 años, declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison y que era una misión concebida por Dios el matarle. Más tarde fue trasladado a un sanatorio mental. Tras el suceso, Harrison quedó relativamente traumatizado y limitó aún más sus apariciones públicas.

En 2002 se le concedió a Abram libertad condicional autorizada por el Tribunal de Revisión de la Salud Mental.
Al ser dado de alta, Abram dijo: "Si pudiera retroceder el tiempo, daría cualquier cosa por no haber hecho lo que hice al atacar a George Harrison, pero mirando hacia atrás "Ahora he llegado a comprender que en ese momento no tenía el control de mis actos. Sólo puedo esperar que la familia Harrison de alguna manera encuentre el valor para aceptar mis disculpas".

Las heridas infligidas a Harrison durante el allanamiento de morada fueron minimizadas por su familia en sus comentarios a la prensa. Habiendo visto a Harrison tan saludable de antemano, aquellos en su círculo social creyeron que el ataque provocó un cambio en él y fue la causa del regreso de su cáncer.

En 2001, Harrison apareció como invitado en el álbum “Zoom” de Electric Light Orchestra. Tambien tocó la steel guitar en las canciones "Love Letters" para Bill Wyman's Rhythm Kings, remasterizó y restauró canciones de Traveling Wilburys.

En mayo de 2001, se reveló que Harrison había sido sometido a una operación para extirpar un crecimiento canceroso de uno de sus pulmones, y en julio, se informó que estaba siendo tratado por un tumor cerebral en una clínica de Suiza.

Mientras estaba en Suiza, Starr lo visitó, pero tuvo que acortar su estancia para viajar a Boston, donde su hija estaba siendo sometida a una cirugía cerebral de emergencia. Harrison, que estaba muy débil, bromeó: "¿Quieres que vaya contigo?".

El 22 de noviembre los médicos le confirmaron su carácter terminal. Decidieron aplicar entonces tratamientos únicamente paliativos, que le permitiesen pasar sus últimos días en familia, con amigos y dar las últimas indicaciones de algunos proyectos a ser terminados por su hijo Dhani y su esposa Olivia.

Organizó un último encuentro absolutamente privado con Paul y Ringo, de quienes pudo despedirse en paz, así como con su hermana Louise, con quien había tenido enfrentamientos en el pasado.

En sus últimos días, George no dejó de crear música. Grabó su última canción un mes antes de su muerte, “A Horse to Water", coescrita con su hijo Dhani.

Fue interpretada originalmente por la Rhythm and Blues Orchestra de Jools Holland. Grabada el 2 de octubre de 2001, la canción es la última interpretación de Harrison en un disco. Harrison solo cantó en la canción, ya que estaba demasiado débil debido a la lucha contra el cáncer para tocar la guitarra.

Harrison estaba preocupado por facilitar esos últimos días a su familia y evitar que su casa se convirtiese en un lugar de culto para melómanos. Por ello contrató al asesor Gavin de Becker, que le recomendó pasar sus últimos días en Los Ángeles.

Olivia recordó que Paul McCartney poseía una villa en Hollywood Hills, Los Ángeles, y este se la ofreció de inmediato. Allí fue donde finalmente falleció, el 29 de noviembre de 2001, a la edad de 58 años. Su muerte fue atribuida al cáncer de pulmón que padecía y sus metástasis.

Posteriormente fue incinerado en el cementerio Hollywood Forever y su funeral se llevó a cabo en el Santuario Self-Realization Fellowship Lake en Pacific Palisades, California. Si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas habían sido depositadas en el río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique.

La reina Isabel II de Inglaterra, el presidente George W. Bush y los primeros ministros británico y francés, Tony Blair y Lionel Jospin, entre otros, expresaron sus condolencias, y los dos Beatles que le han sobrevivido, Paul McCartney y Ringo Starr, lamentaron emocionados la pérdida de su amigo.

Mientras el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados se reunían en lugares emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey Road, en Londres, los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en Liverpool-, los medios de comunicación recordaban la poco reconocida contribución creativa de Harrison, durante mucho tiempo, a la música de los Beatles y su influencia en géneros como la psicodelia. También, su introducción de temas espirituales en el mundo del pop y su devoción por las causas humanitarias.

Tras la muerte de Harrison, su familia emitió el siguiente comunicado: "Abandonó este mundo como vivió: consciente de Dios, sin miedo a la muerte y en paz, rodeado de familiares y amigos". En ocasiones Harrison decía: "Todo lo demás puede esperar, pero la búsqueda de Dios no; ámense los unos a los otros".

Harrison hizo historia en las listas de éxitos británicas al convertirse, hasta la fecha, en número uno tras el fallecimiento del artista, con la reedición de "My Sweet Lord" alzándose hasta lo más alto de las listas el 20 de enero de 2002.

El álbum póstumo de George Harrison, “Brainwashed”, fue completado por su hijo Dhani Harrison y Jeff Lynne y publicado el 18 de noviembre de 2002, recibiendo críticas positivas y alcanzando el puesto 18 en las listas de álbumes de Billboard.

El tema promocional "Stuck Inside a Cloud", fue radiado con frecuencia en las emisoras americanas, mientras el primer sencillo, "Any Road", publicado en mayo de 2003, alcanzó el puesto 37 en las listas de éxitos británicas.

Al año de su muerte, en noviembre de 2002, Olivia y Dhani junto con Clapton le hicieron un homenaje en el Royal Albert Hall en el cual se reunieron todos sus amigos con un resultado emotivo.

En septiembre de 2021 la editorial Libros del Kultrum reedita en castellano su biografía “I Me, Mine”, obra de 1980 de la que solo se publicaron 2000 copias. En ella, Harrison cuenta alguna anécdota de su etapa musical en The Beatles pero sobre todo se centra en sus hobbies y en su tormentosa vida de artista.

El músico describe sus angustias, admite sentirse “taponado” e “ignorado” por Lennon y McCartney y confiesa que “Los Beatles estaban condenados”. “Tu propio espacio, amigo. Es algo muy importante. Por eso estábamos condenados, porque no lo teníamos. Es lo que pasa con los monos en el zoológico. Se mueren. Sabes, todos necesitan que los dejen en paz”, escribe en dicho relato.

Nota de Presidemente: Mañana continuo con la 2ª parte, he sacado tanta información de Harrison que no me cabía en este.


Fuentes: multisononline.com, lahiguera.net, last.fm, biografiasyvidas.com, radionica.rocks, Wikipedia y Flickr