LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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arcay
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por arcay »

Presidemente escribió:
Oscar Cigarrón escribió:Vamos acercándonos!!! Que ganas de llegar al número 1... :nerv: :nerv: :nerv:


No te imaginas las que tengo yo :D-: :D-: :D-: Llevo 536 páginas en Word :^^!: :^^!: :^^!:


Y el buen trabajo que estas hciendo?
Las cosas que estoy aprendiendo con este tema
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Presidemente
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

arcay escribió:
Y el buen trabajo que estas hciendo?
Las cosas que estoy aprendiendo con este tema


Me alegro :yuhu: A mí me pasa lo mismo: estoy aprendiendo y disfrutando con guitarristas que ni si quiera sabía que existían :¿8: , y de los que conocía, estoy descubriendo un montón de cosas que no sabía :o_0:



Por cierto, antes del mensaje de Arcay están los dos últimos guitarristas que acabo de poner hace un rato. Lo digo por si no miráis en la página anterior.
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

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Oscar Cigarrón
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Dicen que el orden de los factores no altera el producto. Todos los que estás poniendo son MUY GRANDES, y el orden es lo de menos. Cada uno tiene sus gustos y puede estar más o menos de acuerdo, lo que es indiscutible es que TODOS son ENORMES.
Estás haciendo un curre de cuidado!!!
MUCHAS GRACIAS!!!
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Presidemente
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 20


Carlos Santana


Es un guitarrista estadounidense nacido en Mexico, multiganador del Grammy y una de las primeras grandes estrellas en la historia de la música moderna que supo fusionar con éxito el jazz, el rock, la psicodelia y el blues con ritmos de procedencia latina, quien con su banda se convirtió en una de las más originales propuestas musicales surgida en la ciudad de San Francisco, a finales de la década de los 60.


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Carlos Humberto Santana Barragán nació el 20 de julio de 1947 en Autlán de Navarro, Jalisco, México. Entró en contacto con la música tradicional a partir de los cinco años, gracias a su padre, José, un experto mariachi violinista que le enseñó los principios básicos de la teoría musical. José era un perfecto ejemplo para Carlos y su hermano Jorge, quien terminó tocando la guitarra con el grupo de rock latino Malo.

El joven Carlos recibió una sólida enseñanza musical, aunque rápidamente descubrió las limitaciones de las formas tradicionales y buscó un nuevo rumbo, optando por dedicarse a tocar rock 'n roll. Su padre le enseñó lo básico del violín, pero para cuando la familia se mudó a Tijuana en 1955, Carlos, con sólo 8 años, había descubierto la guitarra y los blues de B.B. King, T-Bone Walker y John Lee Hooker, a quienes escuchaba en las poderosas estaciones de radio estadounidenses cuyas señales cruzaban la frontera. "Mi padre era músico", recuerda Santana en Down Beat, "su padre era músico y mi tatarabuelo también. Mi padre me dio lecciones de violín durante siete años pero por mucho que lo intentara no progresé con el instrumento"

El cambio drástico de la pequeña ciudad de Autlán a la gran urbe que era Tijuana, trajo esperanzas de una nueva vida para Carlos y su familia.

Siendo apenas un adolescente, se hizo musicalmente tocando en los bares de striptease de la zona; Carlos se podría haber pasado el resto de su vida tocando en esas casas de Tijuana. Mientras tanto tocaba con conjuntos locales como Los T.J.'s del cual era bajista, donde añadió su propio toque y sentido original a las canciones populares de rock 'n roll de la década de los cincuenta. Así fue perfeccionando su estilo y sonidos, que le auguraban un futuro prometedor.

A comienzos de los años sesenta su familia se mudó de nuevo, ésta vez a San Francisco, pero Carlos logró escaparse y volver a Tijuana para seguir tocando con su grupo, pero uno de sus hermanos mayores fue a por él y, definitivamente, se instaló en San Francisco.

Allí asistió a la high-school y se vio obligado a aprender inglés. San Francisco le abrió la mente a la nueva experiencia de los Estados Unidos. Era el lugar donde se formaron los espíritus libres de genios como Jack Kerouac y Neal Cassady y ahí Santana descubrió una escena cultural extraordinaria con una gran diversidad de estilos musicales, que incluían el jazz, blues, música folk internacional y salsa clásica interpretada por artistas como Tito Puente y Eddie Palmieri.

Mientras trabajaba lavando platos en un restaurante, Santana siguió tocando su guitarra, a veces en la calle por unas monedas, otras realizando jams con músicos de la zona. A medida que la contra cultura del área de la bahía fue evolucionando, también lo hizo él, mojándose de influencias tanto musicales como químicas.

Su estilo guitarrístico había evolucionado bastante cuando se le presentó la gran ocasión: un amigo le presentó a Michael Bloomfield, famoso guitarrista de blues, conocido por el espléndido álbum "Supersession", realizado con Al Kooper y Stephen Stills. Santana intervino en una jam session en la que el mismo Bloomfield quedó visiblemente sorprendido por su intrepidez, y otro guitarrista, Tom Frazier, le propuso formar una banda. Dicho y hecho: a finales de 1966 nació The Santana Blues Band.

Los miembros iniciales fueron Carlos Santana (guitarra), Tom Frazier (guitarra rítmica), Mike Carabello (percusión), Rod Harper (batería), Gus Rodriguez (bajo) y Gregg Rolie (teclados, voz).

Carlos fue designado como líder (el sindicato de músicos exigía una identificación para el grupo), y ganó reconocimiento en el área de San Francisco en los salones de música psicodélica, con un sonido que jamás ha abandonado a pesar de su evidente raíz hispana.

La fusión de soul de la costa oeste, las percusiones latinas de Mike Carabello, el magnífico órgano de Gregg Rolie y la guitarra solista estratosférica de Carlos Santana causaron sensación desde el primer instante. En 1967 se les conocía simplemente como Santana.

Michael Bloomfield no se olvidó de él y, en 1968, le invitó a tocar en el escenario del Fillmore West con el grupo de Al Kooper; el resultado está registrado en un famoso doble álbum en directo, "The Live Adventures Of Mike Bloomfield And Al Kooper" (1968), en el que se puede escuchar por primera vez en disco la lírica guitarra de Santana. Durante esa actuación, Carlos fue descubierto por el manager Bill Graham, director del Fillmore, que le propuso actuar como telonero de The Who.

El debut de la Santana Blues Band en el Fillmore West en junio de 1968 fue un rotundo éxito y pronto Graham los hizo virtualmente la banda de la casa. A lo largo del siguiente año, fueron contratados para telonear a numerosos grupos y artistas como Jimi Hendrix, Bob Dylan y Miles Davis, haciéndose famosos por cautivar y ganarse a las audiencias (otros decían "robar el show"), sin importar quien ocupara la cabeza de cartel.

La intensidad en directo de la banda quedó reflejada en el disco "Live At The Fillmore 1968", un trabajo que no vio la luz en su día y que fue publicado casi tres décadas después.

Bill Graham consiguió un contrato de grabaciones con el sello Columbia y, en mayo de 1969, empezaron la grabación de su primer disco "Santana". El álbum fue grabado en San Mateo, California y contiene una mezcla de rock y música latina, desarrollada en forma de jam session, repleta de improvisaciones individuales y colectivas, aunque por indicación del entonces manager, Bill Graham, se desarrollaron algunos de los temas de forma más convencional.

El álbum del debut, fue un éxito masivo que incluyó temas como "Evil Ways", "Soul Sacrifice" y "Jingo" y la crítica lo recibió con grandes alabanzas (la revista Rolling Stone, llegó a decir que Santana hacía por la música latina lo que Chuck Berry había hecho por el rock and roll).

En agosto de 1969 cuando todos sus integrantes tenían una edad en torno a los 20 años, en una gira para promover el álbum, la banda tocó en el mítico festival de Woodstock ante más de 500.000 personas. Esta presentación fue legendaria, ya que aumentó mucho su popularidad. Cuentan que ese día, el 6 de agosto, pensando que no iba tocar por un largo rato, Santana tomo ácido y se encontró siendo empujado sobre el escenario. El error en la organización le dio la divina inspiración: "Soul Sacrifice", un fuerte choque entre la guitarra pesada de Santana, la batería de Mike Shrieve de solo 16 años y la furiosa percusión de Carabello, está considerada como una de las mejores presentaciones en vivo del siglo XX.


[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=AqZceAQSJvc[/youtube]


En la grabación de "Santana" y en Woodstock ya no estaban en la formación Marcus Malone (encarcelado por homicidio) y Bob Livingstone, quienes fueron sustituidos por Michael Shrieve y José "Chepito" Areas, responsables de proporcionar ese aroma afrocubano tan característico de su propuesta musical, quedando la formación: Carlos Santana a la guitarra y voz, Dave Brown al bajo, Mike Carabello a las congas y percusión, Mike Shrieve a la batería, Gregg Rolie al piano, órgano y voz y José "Chepito" Areas a los timbales, congas y percusión.

Si con "Santana" había ocupado puestos de honor entre público y crítica, con su obra maestra "Abraxas" (1970), el grupo de Carlos Santana elevó a lo más alto su amalgama de influencias sonoras.

El motor sonoro del grupo se basaba en una sección rítmica endiablada, formada por Mike Shrieve y David Brown, sobre la que se apoyaban las fantasías percusivas de Areas y Carabello; el órgano de Gregg Rolie, y su voz teñida de soul, eran el contrapunto de la guitarra de Carlos.

El LP llegó al número 1, permaneciendo en ese puesto durante largo tiempo. Las memorables composiciones de Tito Puente ("Oye Como Va") y de los Fleetwood Mac de Peter Green ("Black Magic Woman"), junto a las estupendas aportaciones compositivas del propio Santana ("Samba pa ti"), Carabello ("Singing Winds, Crying Best"), Rolie ("Mother's Daughter") o Areas ("El Nicoya)", hacen de este álbum uno de los mejores discos en la historia de la banda de San Francisco y uno de los más interesantes de su efervescente período.

Santana consiguió, en su segundo álbum, un disco que iba más allá del rock y en el que su corazón latino bombeaba sangre hasta las extremidades del jazz y la salsa. El disco se editó con una espectacular portada doble, que reproducía el cuadro "Anunciación" (1961), de Mati Klarwein.

Sin embargo, a lo largo del año 1971, la banda sufrió numerosos cambios: tras la sustitución de David Brown por Tom Rutley, la formación incluyó al guitarrista Neal Schon (que también pasó por Journey) y al percusionista Pete Escovedo (su hija Sheila E. se consagrará en los años ochenta como batería de Prince). En esta época apareció el álbum "Santana III".

En el disco los músicos del grupo están acompañados por la sección de viento del grupo Tower of Power. Juntos, repasan algunos clásicos de la música latinoamericana como "Para Los Rumberos" de Tito Puente, sirviéndose de esas fórmulas expresivas para crear nuevos temas de "salsa" que pasarán a la historia, como el caliente "Guajira".

"Santana III" supuso la estabilidad de la buena marcha del grupo tanto a nivel artístico como comercial (volvió a alcanzar el puesto número 1) con temas como "Everybody's Everything", "No One To Depend On" o "Everything's Coming Our Way".

Poco después de este exitoso trabajo el grueso de Santana terminó por despedazarse, ya que problemas con drogas de varios de los miembros y las crecientes inclinaciones espirituales de Carlos que había abrazado las creencias del gurú bengalí Sri Chinmoy, a cuyas enseñanzas religiosas se convirtió el guitarrista, anteponiendo a su nombre el de Devadip (algunos de sus discos los firmó como Devadip Carlos Santana), provocaron un cambio radical en sus comportamientos, imagen y forma de ver la vida, con un talante mucho más reflexivo, místico y pacifista.

Pero Carlos Santana es un músico creativo e inquieto: un primer intento de cambio puede encontrarse en el álbum "Caravanserai" (1972), donde se aprecian notables influencias del jazz. Concede mucho espacio al percusionista y pianista James Mingo Lewis y al bajista y guitarrista Douglas Rauch que, de vez en cuando, acompaña o reemplaza a Neal Schon y Tom Rutley. La música propuesta integra, en un único "viaje" sonoro, imágenes musicales heterogéneas: del refinamiento jazz-rock de "Just In Time To See The Sun" hasta los desenfrenados y torrenciales ritmos de "La Fuente Del Ritmo" y "Future Primitive", pasando por el clásico de Antonio Carlos Jobim "Stone Flower".

Este disco supone una fuerte inflexión en la música de la banda de Carlos Santana, sepárandose de forma clara de la línea seguida en sus tres primeros álbumes. En 1971 dejó la banda su bajista original, David Brown, quien fue reemplazado por Doug Rauch y Tom Rutley, así como el percusionista Mike Carabello, sustituido por Armando Peraza. Por su parte, el teclista Gregg Rolie, que había tenido un enfrentamiento con Santana, fue reemplazado por Tom Coster en algunos temas. Al finalizar la grabación del disco, Neal Schon también dejó la banda, para incorporarse a Journey.

Al mismo año pertenece el álbum grabado en directo por Carlos Santana y Buddy Miles (ex batería de Jimi Hendrix), "Carlos Santana & Buddy Miles! Live!". Junto a ellos toca buena parte del grupo de Santana, y la música también refleja esta formación: contiene temas como "Evil Ways", ya presente en el primer álbum del grupo, o los veinticinco minutos de "Free Form Funkafide Filth", una especie de jam session que, junto a "Them Changes", de Miles, representa el plato fuerte del disco.

Carlos grabó en 1973 otro álbum a dúo, en este caso con el guitarrista John McLaughlin (seguidor asimismo de las corrientes religiosas de Sri Chinmoy) y su Mahavishnu Orchestra el disco "Love Devotion And Surrender", una gema de jazz-rock con base espiritual.

"Welcome" (1973) continúa la línea de jazz-fusión marcada por el disco precedente, "Caravanserai". Para este disco la banda sufrió algunos cambios de personal: se incorporó el vocalista Leon Thomas y como colaboradores, contaron con el guitarrista John McLaughlin, Jules Broussard (saxo soprano), Joe Farrell (flauta travesera) y Tony Levin (guitarra rítmica). "Welcome" también contó con la participación de la viuda de John Coltrane, Alice, como arreglista del tema que abría el disco, "Going Home", así como con Flora Purim, que había sido esposa del percusionista Airto Moreira, como cantante.

En el álbum "Borboletta" (1974), Santana deja mucho espacio a la percusión, al saxo y a los teclados ("Spring Manifestations"), combinados con solos de guitarra en clave funk ("Promise Of A Fisherman" o "Give And Take"). En esa época, Carlos Santana estaba interesado, por un lado, en la música devocional cristiana, por otro, en la moda orientalista que había en los Estados Unidos, especialmente en el área de San Francisco y por último, en el jazz-rock y, admirando la música que había estado haciendo Return to Forever, quería hacer algo parecido, y más si podía contar con algunos de los músicos de ese grupo.

Además de los músicos habituales entonces en la banda (el baterista Leon "Ndugu" Chancler, el bajista David Brown, Michael Shrieve, el percusionista cubano Armando Peraza especializado en los bongós, y el también percusionista nicaragüense José "Chepito" Areas, éste más dedicado a los timbales), participaron en el álbum el teclista Tom Coster, el bajista Stanley Clarke, el cantante y teclista de música cristiana contemporánea o gospel moderno Leon Patillo, el saxofonista Jules Broussard y el percusionista Airto Moreira, entre otros.

Los cambios en la formación marcaron el devenir de Santana en los siguientes años, época en la que publicaron el álbum en directo "Lotus" (1974), la colaboración de Carlos con Alice Coltrane en "Illuminations" (1974) o el aprovechable LP "Amigos" (1976).

Discos menores como "Festival" (1977), "Moonflower" (1977) un álbum en donde versionaba el tema de los Zombies "She's Not There", "Inner Secrets" (1978) y "Oneness: Silver Dreams Golden Realities" (1979), su primer álbum firmado en solitario, consiguieron mantener un alto estatus comercial pero el esparcimiento sonoro nunca sonó tan compacto y fascinante como sus tres primeros LPs.

En los años siguientes, el nombre Santana refiere mayormente el trabajo de Carlos y una banda de músicos contratados para interpretar el estabilizado "estilo Santana". Paralelamente, su líder se dedicó a participar en múltiples proyectos al lado de gente como Gato Barbieri, Jim Capaldi, Bob Dylan, José Feliciano, Aretha Franklin, John Lee Hooker, Jefferson Airplane, Willie Nelson, Flora Purim y Boz Scaggs, además de seguir adelante con su propia agrupación.

En 1985 Carlos publicó "Beyond Appearances" y compartió una gira con Bob Dylan, y en 1987 se reunió de nuevo con Buddy Miles para grabar "Freedom".

Ese mismo año, participó en el álbum de John Lee Hooker "The Healer" con sus fantásticos solos de guitarra. Durante el verano de 1993 la banda recorrió Latinoamérica y poco después se publica un álbum en directo de esta gira, "Sacred Fire: Santana Live In South America".

Carlos pone en marcha su propia compañía discográfica, Guts And Grace, con el lanzamiento de una recopilación de discos en directo de Jimi Hendrix, Bob Marley y Marvin Gaye, entre otros artistas.

En en 1994 actuó en Woodstock II rememorando su magnifico e incendiario concierto en la primera edición del festival. Un año después reclutó a Tony Lindsay como vocalista.

En 1998, junto a su mujer Deborah, crea la Fundación Milagro que ayuda a niños y jóvenes a través de becas y ese mismo año fue cuando el músico mexicano ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame.

En 1999 regresó a sus raíces musicales al firmar un contrato con Arista, cuyo presidente Clive Davis, había fichado en 1968 a la primera encarnación de la Santana Band para Columbia. Esa unión creativa culminó con la edición de un nuevo disco del guitarrista, "Supernatural", con grandes colaboraciones (Dave Matthews, Everlast, Rob Thomas, Lauryn Hill, Cee-Lo, Maná, Eagle Eye Cherry y Eric Clapton). El disco vio la luz en el mejor momento para la música latina en Estados Unidos.

El éxito del primer sencillo "Smooth", escrito e interpretado por Rob Thomas (Matchbox Twenty) impulsó las ventas del álbum y, en febrero del 2000, Carlos vio reconocido su talento y tantos años de trabajo con nueve premios Grammy. Además de los Grammy, "Supernatural" consiguió 3 Grammy Latinos y vendió más de 25 millones de copias en todo el mundo.

En 2002, lanzó al mercado "Shaman", que cuenta con la colaboración de grandes artistas como Dido, Seal, Michelle Branch, Macy Gray, POD, Ozomatli (teloneros de parte de su gira europea), Musiq o Plácido Domingo, entre otros.

En junio de 2003 anuncia oficialmente en Los Angeles su compromiso en la lucha contra el SIDA y dona todos los beneficios de su gira por Estados Unidos para combatir la epidemia en Sudáfrica.

En diciembre de 2003 ve la luz el álbum de remezclas y rarezas "Ceremony-Remixes And Rarities". Se trata de una edición limitada de tan solo 100.000 copias con canciones extraídas de las sesiones de grabación de sus dos últimos álbumes: "Supernatural" (1999) y "Shaman" (2002)

En la 5ª edición de los premios Grammy Latinos, celebrada el 1 de septiembre de 2004, Santana es nombrado "Personalidad de Año" por parte de la Academia de Grabación Latina por sus logros profesionales, sociales y culturales.

El 27 de febrero de 2005, interpreta junto a Antonio Banderas el tema "Al otro lado del río", en la ceremonia de los Oscar. Este tema, compuesto por Jorge Drexler, ganó en la categoría de Mejor Canción Original. Ese mismo año edita el álbum "All That I Am". Incluye artistas invitados como Big Boi (Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (Metallica), Steven Tyler (Aerosmith) y Robert Randolph.

En 2006, tuvo una colaboración con la cantante colombiana Shakira en el tema "Ilegal", del álbum "Oral Fixation Vol. 2". Al año siguiente, colaboró en la canción "Into The Night" de Chad Kroeger, vocalista de Nickelback.

El 25 de febrero de 2009, Santana realizó su primera presentación en la 50 edición del Festival de la Canción de Viña del Mar, en la cual sumió al público en un trance de su emotivo rock y ritmos tropicales durante dos horas, las cuales le valieron llevarse los tres trofeos que se entregan en esta cita: Antorcha de Plata, Antorcha de Oro y Gaviota de Plata.

En 2010 sacó al mercado el albúm "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time", con canciones de Led Zeppelin, Cream, The Rolling Stones, The Beatles, Van Halen, Def Leppard, Deep Purple, T.Rex, AC/DC, Jimi Hendrix, The Doors, Jeff Beck y Creedence Clearwater Revival, y artistas invitados como Chris Cornell, Rob Thomas, Nas, Joe Cocker y Scott Weiland, entre otros.

Su último disco hasta el momento es "Shape Shifter" (2012), trigésimo sexto álbum de estudio de su carrera y con el que vuelve a sus raíces instrumentales. El disco – editado a través de Starfaith Records – está compuesto por 13 canciones (algunas nuevas y otras que el músico guardó durante 10 años) que fueron grabadas por Santana junto a sus músicos: Chester Thompson, su hijo Salvador Santana y Karl Perazzo (teclados), Dennis Chambers (batería), Benny Rietveld (bajo), Raúl Rekow (congas) y Andy Vargas y Tony Lindsay, cantantes que sólo intervienen en "Eres La Luz", único tema con acompañamiento vocal.


[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=UPFlzOuxd-I[/youtube]


Acerca de "Shape Shifter", el guitarrista destacó en su Facebook una entrevista en la cual comentó: "es más una colección de historias que de canciones. Las canciones necesitan introducciones, estribillos, puentes, terminaciones y en este disco se trata más de cerrar los ojos y tocar. Siguen siendo canciones, pero no están dirigidas a la radio. Esta vez fui fiel a lo que sentí".

Mucho antes de que se inventara el término World Music, ya Carlos Santana lo venía trabajando. Hubo un momento en que la ejecución de la guitarra eléctrica en el rock 'n roll se inclinó a favor de la "invasión británica", en detrimento de los tradicionales patrones generados del rhythm-and-blues, alcanzando altos niveles de popularidad en el mundo de la música. Allí surgió la pericia del guitarrista Carlos Santana, infundiéndole al instrumento una fresca energía, mezclando la habitual rutina de los 12 compases del blues con fieros patrones del rock, y añadiéndole de paso un indudable sabor caribeño.

Ese apasionado e inolvidable estilo creado por Santana se mantiene con vigor -al igual que la larga extensión de las notas que marcan sus distintivos solos de guitarra-, 44 años después de que alcanzara altos niveles de popularidad a raíz de su presentación en el festival de Woodstock de 1969. Según los eruditos musicales, la escuela de la guitarra eléctrica se suscribe a partir de cuatro intérpretes omnipresentes en casi cualquier cultor de ese instrumento: Charlie Christian, Wes Montgomery, B.B. King y Jimi Hendrix. Carlos Santana bien podría alargar esa lista. Al igual que los nombrados, Santana cuenta con un sonido altamente personal, muy influyente entre otros guitarristas, que además le ha brindado innumerables distinciones, incluyendo su exaltación al Rock 'n Roll Hall of Fame en 1998.

Hoy, con más de 40 millones de discos vendidos y habiendo actuado ante más de 20 millones de personas, Carlos Santana se ha convertido en un icono universal de la música. Su arte continúa siendo un desafío constante ante cualquier frontera geográfica o cultural; es una música que trasciende barreras de lenguaje, en una celebración constante del espíritu del ser humano y de la hermandad universal que todos debemos compartir.


Sus guitarras y equipos

Sobre sus gustos, se sabe que sus guitarras favoritas son las Paul Reed Smith. Entre otras que ha usado se encuentra una Yamaha SG 2000 y Gibson SG con la que tocó en el famoso Festival de Woodstock. También se le llegó a ver durante los años 70`s con las famosas Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Telecaster , y también en el 92 en un concierto en Japón, interpretó !Blues For Salvador", con una Yamaha RGX que en aquel tiempo era un prototipo que sólo habían hecho para él. La Gibson SG roja que usó en Woodstock, se encuentra ahora expuesta en el Hard Rock Café de Marbella.

Guitarras
PRS (Paul Reed Smith) Modelos Santana SE, Santana I, II, III y ahora la MD teniendo siempre como favoritas las Santana I y II a nivel público.

Amplificadores
70’s Marshall 100w head with a single 4x12” cab
’65 Blackface Fender Twin
Mesa/Boggie Mark IV
VOX Dumble Overdrive Special 100w head trough single 1x12
Altec-Lansing cab (este último para solos)

Pedales
Mu-Tron Wah
Ibanez TS-9 Tube Screamer
ProCo Rat
Ibanez Digital Delay
Alesis Midiverb
Custom made 4-way cambiador para los amplificadores.


Set-up de Santana

Carlos Santana es usuario de los equipos Mesa/Boogie desde 1973. Es más, fue él quien bautizó al combo creado por Randall Smith con el nombre de Boogie. "Man, this amp really boogies..." fue lo que dijo Carlos al escuchar por primera vez el equipo, que en sus comienzos era básicamente un Fender Princeton mejorado.

Tiene tres sonidos en vivo: clean, crunch y lead. Para el sonido clean usa el canal 1 de un Mesa Boogie Heartbreaker Amp, cuya salida va a un bafle Boogie Rectifier con 4 x 12" Celestion Vintage 30 (mirando el escenario de frente, el de la derecha). La salida slave de este equipo va al canal A de un mesa Simul-Class stereo amp de 90 watts que alimenta a dos bafles Boogie Revolver.

El sonido crunch lo logra con el canal 2 del Mesa Boogie Heartbreaker Amp. La salida de este equipo va a un bafle Boogie Rectifier con 4 x 12" Celestion Vintage 30 (mirando el escenario de frente, el de la izquierda). En el loop de efectos se encuentra un procesador Alesis Quadraverb. La cuarta salida del selector de piso se usa como repuesto y va a un stack que a veces puede ser un Fender Twin. Existe en el rack otro Boogie MK-IV usado para los guitarristas invitados.

Para los solos, la señal va a un pedal Ibanez Modulation Delay y luego al Mesa Boogie MK-I Amp, cuya salida alimenta al pequeño bafle Boogie con un parlante Altec 417 de 12". Este es el sonido característico de Santana. Para su última gira, el guitarrista utilizó también cabezales Dumble y bafles Marshall.

La guitarra principal de Carlos es su PRS Carlos Santana Model. Esta es una reproducción de la que Paul Reed Smith le construyera durante los 80's. Dos de las tres guitarras originales tienen sólo un control de volumen, sin control de tono. La que trae volumen y tono es la guitarra de la cual se hizo la Santana Model y en su momento fue la única que quedó después del robo que sufrió Santana en 1994, aunque después las otras fueron encontradas.

Los mini-switches de las PRS funcionan así: pickup agudo (los dos hacia abajo); pickup grave (los dos hacia arriba); ambos pickups (switch cerca del pote hacia arriba y el otro hacia abajo); ambos pickups off (revertiendo la posición anterior). El pickup agudo tiene un control ajustable de sonido para las frecuencias altas que se modifica desde la parte trasera de la guitarra con un destornillador.

Santana posee también algunas versiones custom de este modelo, incluyendo un duplicado que tiene sólo un volumen, una roja con mango de palisandro, otra del mismo color con volumen y tono y una de color turquesa. ¿Cuerdas? D'Addario .009/.042

Santana enchufa su cable hecho a mano en un viejo wah wah Mu-Tron, para luego ir a un selector de canales hecho especialmente por Jim Dunlop. Este selector tiene cuatro salidas (Carlos usa sólo tres). Cada salida tiene un switch y también existe otro llamado “mute”. El switch “mode” selecciona entre dos formas de operación: modo single y modo combinado. En modo single, cada switch conmuta las salidas que van a los equipos, activando de a una por vez. En modo combinado, los switches encienden o apagan todas las salidas a la vez. Cada canal -Clean, Boogie & Crunch- alimenta su propia cadena de equipo y bafle.

Los otros pedales son un Ibanez Modulation Delay, un switch on/off para la Alesis QuadraVerb y ultimamente, a sugerencia de su asistente René Martinez (quien había trabajado con S.R. Vaughan), está usando también un Tube Screamer Ibanez para solos con el Drive en 5, Tone en 4 y Level en 5.



Discografía

Álbunes de estudio
Santana (1969)
Abraxas (1970)
Santana III (1971)
Caravanserai (1972)
Welcome (1973)
Borboletta (1974)
Amigos (1976)
Festival (1976)
Moonflower (1977)
Inner secrets (1978)
Marathon (1979)
Zebop! (1981)
Shangó (1982)
Beyond Appearances (1985)
Freedom (1987)
Spirits Dancing in the Flesh (1990)
Milagro (1992)
Supernatural (1999)
Shaman (2002)
All That I Am (2005)
Guitar Heaven ... The Greatest Guitar Classics of All Time (2010)
Shape Shifter (2012)

Álbunes en directo
Carlos Santana & Buddy Miles! Live! (1972)
Lotus (1974)
Sacred Fire: Santana Live in South America (1993)
Live at the Fillmore (1968) (1997)

En colaboración
Love Devotion Surrender, con Mahavishnu y John McLaughlin (1973)
Illuminations, con Alice Coltrane (1974)
Oneness: Silver Dreams Golden Realities (1979)
The Swing of Delight (1980)
Havana Moon (1983)
Blues for Salvador (1987)
Santana Brothers (1994)



Fuentes: elsiglodetorreon.com.mx, alohacriticon.com, rocknvivo.com, iwannamusic.com, guitarraonline.com.ar, los40.com, mtv.es, historiasderock.es.tl, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es y Wikipedia


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En el puesto número 19


James Burton


Es un guitarrista americano, pionero en el uso de la guitarra eléctrica en el rock and roll y acompañante de numerosos cantantes y grupos de éste género desde 1957, incluyendo a Ricky Nelson, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, The Everly Brothers, The Beach Boys, Sonny and Cher, Gram Parsons, Roy Orbison o Elvis Costello; de cantautores como Joni Mitchell o Emmylou Harris; y de estrellas del country como Johnny Cash, John Denver, Claude King o The 5th Dimension. Su sonido, conseguido generalmente con una Fender Telecaster, contribuyó a definir el rock and roll en la década de los 50.


Imagen


James Burton nació un 21 de agosto de 1939 en Minden, capital del condado de Webster, Louisiana, aunque su familia se traslada en 1949 a Shreveport, también en Louisiana. Desde pequeño es un niño prodigio y de forma autodidacta, empieza a tocar la guitarra.

Shreveport es por entonces sede de la emisora KWKH y del Louisiana Hayride, programa con actuaciones en directo que fue el primero en apostar por el rock. En 1953, con sólo 14 años y con su guitarra Fender Telecaster recién adquirida, Burton se convierte en músico de plantilla del programa, y coincide allí con talentos de la guitarra como Muddy Waters y Chet Atkins y el maestro de la steel guitar Sonny Trammell, que contribuyen a moldear su estilo.

Cuando no estaba tocando en el Hayride, lo hacía en clubs pequeños, junto a la banda de Dale Hawkins y en 1957, y con tan solo 18 años, compone el riff del tema "Suzie Q", un clásico del rock inmediato que da muestras de su talento precoz; tema al que Hawkings puso letra. "Suzie-Q" se convierte de inmediato en un éxito y con el tiempo en un clásico del rock and roll, que será el primero de una larga serie en la que interviene Burton.

Horace Logan, el manager del Louisiana Hayride, también lo era del cantante Bob Luman, por lo que escuchamos la guitarra de James en los primeros trabajos de Luman para el sello Imperial, en canciones como "Red Cadillac And A Black Moustache" o "Make Up Your Mind". Como cortesía de Logan, también aparecieron ambos en la película del prolífico Roger Corman "Carnival Rock" (1957), una de sus múltiples películas dirigidas para ser digeridas en cualquier autocine americano de la época.

De golpe, le llueven las ofertas y acepta acompañar, en 1958, como guitarrista a Ricky Nelson, por lo que se muda a Los Angeles durante varios años, momento además en el cual empieza una brillante carrera como músico de sesión.

En esta época, en la que Ricky se fue convirtiendo en uno de los ídolos juveniles de la época, es cuando se cansó de músicos de sesión profesionales que sabían poca cosa del emergente sonido del rock and roll, por ello decidió que le acompañase una banda formada por adolescentes, como él, con sus mismos gustos. James Burton fue el primero en enrolarse, fue una elección deseada por Ricky después de escuchar en las oficinas de Imperial a James tocando en la canción "Red Hot" grabada por Bob Luman.

Estuvo trabajando a las ordenes de Ricky desde 1958 hasta 1967, aunque dos años antes de dejar la banda comenzó a trabajar en un programa de variedades televisivo que se llamaba Shindig!, lo que significó un montón de trabajo adicional, no siempre reconocido.

Él fue el encargado de montar la banda del programa para dar respaldo a los artistas invitados, de este modo se formó el grupo que fue bautizado como The Shindogs. Estuvo tan ocupado, grabando también para artistas como Merle Haggard, The Monkeys o The Mama´s and the Papa´s, que tuvo que rechazar la invitación de ir de gira con Bob Dylan -su primera gira con banda-, e incluso no pudo participar en el famoso programa de TV de Elvis Presley "1968 Comeback Special", aunque un año después si fue contratado para tocar en la banda de Elvis en una actuación en Las Vegas.

Elvis, dándose cuenta de su maestría, le hace una oferta irrechazable tras una conversación telefónica de tres horas entre ambos en la que Elvis manifestaba su admiración y su interés porque James formase parte de su banda, la TCB Band (Taking Care of Business), que lo convierte en su tiempo en el músico de acompañamiento mejor pagado del mundo. De 1969 a 1977, esta presente en multitud de grabaciones en estudio y mas de 1100 conciertos de "El Rey" hasta que este falleció en 1977.


[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=sk28kAdCmz4[/youtube]


En los años 75 y 76, aun con Elvis, tuvo la ocasión de formar parte de la banda de Emmylou Harris, la llamada Hot Band, después del fallecimiento de Gram Parsons. Emmylou era una artista demasiado ecléctica para los puristas del country de la época, pese a ello Warner Brothers apostaba fuerte por ella, y le prometieron una grabación si conseguía una banda con pegada (una “hot band”), de ahí que Harris pujase por los servicios de James Burton o el pianista Glen Hardin, que también tocaba en la TCB de Elvis.

En 1977, tras una actuación junto a Jon Denver en un programa de televisión, Denver le preguntó a James si le acompañaría para tocar en una gira europea; James seguía siendo miembro de la banda de Elvis, por lo que manifestó su interés en tocar siempre y cuando no se solapasen las fechas.

Ese mismo año, fallecía Elvis Presley, por lo que las colaboraciones entre ambos fueron mas estrechas, formando parte de la banda de Denver junto a otros dos miembros de la banda de Elvis, Glen Hardin y Jerry Scheff.

James Burton colaboró con Denver durante 16 años, grabando 12 discos y realizando numerosas giras por todo el mundo, aún así, alternaba con colaboraciones para otros músicos; por ejemplo trabajó habitualmente con Elvis Costello desde mediados de los años 80, también colaboró con Roy Orbison -aparecía en el famoso concierto documental "Roy Orbison And Friends, A Black and White Night"-, también junto a Jerry Lee Lewis, Matt Lucas, Merle Haggard, Chet Atkins y un larguísimo etcétera.

Forma parte del Rock Hall Of Fame, del Rockabilly Hall of Fame y del Louisiana Hall of Fame; la revista Rolling Stone lo situó en en el puesto 20 de los mejores guitarristas de todos los tiempos, siendo el primero de los que no formaban parte de un grupo musical o eran solistas. Además, es homenajeado constantemente por otros músicos y estrellas del negocio, y ha tocado con muchísimos otros artistas en el escenario.

En el año 2005, inauguro el Festival Anual Internacional de Guitarra James Burton, celebrado en el Shreveport de su infancia, con el objetivo de recaudar fondos para proveer de instrumentos musicales y educación musical, tanto a los niños como a los jóvenes.

Ha recibido múltiples elogios y reconocimientos a su carrera, entre ellos un Grammy en el año 2009, en la categoría Mejor Canción Instrumental de Country por el tema "Cluster Pluck” incluída en el disco "Play" de Brad Paisley.

James, siempre ha tenido un peculiar sonido country, en el que hace gala de su estilo “Chicken Picking” en su eterna Telecaster. Pese a la enorme cantidad de intervenciones en discos y colaboraciones que son pilares de la música moderna, no ha sembrado mucho en solitario, tan solo un par de discos bajo su nombre: "Corn Pickin' And Slick Slidin’" en 1969 junto a Ralph Mooney , y dos años mas tarde "The Guitar Sounds Of James Burton", disco correcto pero poco imaginativo, que no hace justicia a su nombre, en donde en poco menos de una hora, nos muestra pacientemente el estilo híbrido púa-dedos que utiliza, así como algunos de sus licks mas conocidos en temas como "Mistery Train" o "Hello Mary Lou".


[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=Gbx8c8ta_I8[/youtube]


Hasta la fecha, su último trabajo en solitario es un álbum de gospel titulado "The Spiritual String of James Burton".


Su chicken pickin

Compañero inseparable de Elvis Presley y de otros grandes, fue el inventor de la técnica "chicken pickin" con su guitarra Fender Telecaster, técnica que destaca por sus notas percusivas y tensas a modo de staccato (el staccato hace referencia a un tipo de articulación en la que las diferentes notas afectadas quedan separadas entre sí por unas pausas, que son inexistentes en la notación pero reales en la interpretación musical. Por tanto, esta articulación no afecta a la intensidad del sonido sino a su duración).

James Burton nos descubrió a todos la técnica del "chicken pickin", utilizada normalmente por la guitarra solista y en la música country, aunque se está adaptando rápidamente a otros estilos de música.

Esta técnica consiste en tocar de forma simultanea con los dedos y la púa. Esto permite tocar un rango más amplio de cuerdas de forma rápida cuando con la púa resultaría más lento y complicado. Normalmente la púa se coge con los dedos habituales de la mano derecha, mientras que los dedos restantes son utilizados para hacer finger picking.

Las guitarras eléctricas tiene un componente crucial para amplificar su sonido: la pastillas. Las pastillas single coil (particularmente en la posición del diapasón) tiende a tener un sonido muy identificable, aunque difícil de describir. Algunos le llaman sonido "nasal" y los estadounidenses le llaman "Twang".

Este twang es particularmente acentuado en los modelos Telecaster. Normalmente se tiende a ver las single coils como pastillas no muy potentes ideales para sonidos de country, bluegrass, blues y también mucho para tocar acordes de funk o pop. Las humbuckers tienen un sonido en general más potentes, pero también su sonido es más oscuro con predominancia en la gama de los graves.

Sin embargo en esto tampoco hay leyes escritas, pues por ejemplo una pastilla single coil puede tener un sonido bastante agresivo. Por ejemplo, Stevie Ray Vaughan que tenía uno de los tonos y estilos más potentes en la historia de la guitarra eléctrica usaba casi siempre la pastilla single coil del diapasón.

Las guitarras Fender Telecaster y Stratocaster deben su tradicional sonido "nasal" y "twang" a las pastillas single coil.



Discografía

A parte de todos estos, ha grabado con mogollón de gente

En solitario
Corn Pickin' And Slick Slidin (1969)
The Guitar Sounds Of James Burton (1971)
The Spiritual String of James Burton (2010)

Con Elvis Costello
King of America (1986)
Out of Our Idiot (1987)
Mighty Like a Rose (1991)
Kojak Variety (1995)

Con Elvis Presley
Elvis In Person At The International Hotel, LV Nevada (1969)
That's the Way it Is (1970)
On Stage (1970)
Elvis Sings The Wonderful World Of Christmas (1971)
Love Letters (1971)
Country (1971)
Now (1972)
He Touched Me (1972)
Elvis As Recorded At Madison Square Garden (1972)
Aloha From Hawaii (1973)
Elvis (Fool) (1973)
Raised on Rock/For Ol' Times Sake (1973)
Good Times (1974)
Today (1975)
Promised Land (1975)
From Elvis Presley Boulevard Memphis, Tennessee (1976)
Elvis in Concert (1977)
Moody Blue (1977)

Con Emmylou Harris
Elite Hotel (1975)
Pieces of the Sky (1975)
Luxury Liner (1977)
Quarter Moon in a Ten Cent Town (1978)
Light Of The Stable - The Christmas Album (1979)
Blue Kentucky Girl (1979)
Cimarron (1981)
Evangeline (1981)
Songbird: Rare Tracks & Forgotten Gemss (2007)
Old Yellow Moon (2013)

Con Gram Parsons
GP (1973)
Grievous Angel (1974)
Sleepless Nights (1976)
The Last Whippoorwill; The Gram Parsons Notebook (2001)
The Complete Reprise Sessions (2006)

Con Hoyt Axton
My Griffin is Gone (1969)
Sessions (1973)
Life Machine (1974)
Southbound (1975)
Fearless (1976)
Road Songs (1977)
A Rusty Old Halo (1979)
Live (1981)
Pistol Packin' Mama (1982)
American Dreams (1984)
Spin of the Wheel (1990)

Con Jerry Lee Lewis
Jerry Lee Lewis (1979)
The Palomino Club Recordings (1989)
Rockin' My Life Away (1989)
Rocket '88 (1989)
Heartbreak (1989)
Live at the Vapor's Club (1991)
Young Blood (1995)
Mean Old Man (2010)

Con John Denver
I Want to Live (1977)
Live At The Sydney Opera House (1978)
JD (1979)
Autograph (1980)
Season of the Heart (1982)
It's About Time (1983)
Dreamland Express (1985)
One World (1986)
Higher Ground (1988)
Christmas Like A Lullaby (1990)
Earth Songs (1990)
The Flower That Shattered The Stone (1990)
A Christmas Together (recorded ca. 1979) (1990)
Different Directions (1991)
The Wildlife Concert (1995)
Sing Australia (In Concert) (2000)

Con Johnny Rivers
Realization (1968)
Slim Slo Slider (1970)
Home Grown (1971)
Wild Night (1975)
The Memphis Sun Recordings (rec. 1991) (1998)

Con Merle Haggard
Swinging Doors (1966)
Branded Man (1967)
I'm A Lonesome Fugitive (1967)
Sing Me Back Home (1968)
Mama Tried (1969)
Workin' Man Blues (1969)
Same Train, A Different Time (2 LP) (1969)
Pride In What I Am (1969)
In Concert (recorded in the early 70's) (2001)

Con Ricky Nelson
Love and Kisses (1965)
Best Always (1965)
Bright Lights And Country Music (1966)
Country Fever (1967)
Another Side of Rick (1967)
Perspective (1968)
American Dream: The Complete Imperial and Verve 1957-1962 (Compilation) (2001)
Rick's Rarities 1964-1974 (2004)

Con The Everly Brothers
Beat 'n' Soul (1965)
Rock 'n' Soul (1965)
In Our Image (1966)
Two Yanks in England (1966)
The Everly Brothers Sing (1967)
Roots (1968)

Con The Monkees
The Monkees (1966)
More of the Monkees (1967)
The Birds, The Bees & The Monkees (1968)
Instant Replay (1969)
The Monkees Present (1969)
Missing Links Vol.2 (1990)

Con The Tractors
Tractors (1994)
Have Yourself A Tractors Christmas (1995)
Farmers In A Changing World (1998)
Fast Girl (2001)

Bandas Sonoras
Baby Maker (1970)
Kent State (1981)
Heart Like a Wheel (1983)
The Flintstones in Viva Rock Vegas (2003)



Fuentes: guitarrista.com, elviscasti.blogspot.com.es, dirtyrock.eu, james-burton.net y Wikipedia
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y no llega a una libra en total,
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 18


Les Paul


Fue un guitarrista de jazz estadounidense y una de las más importantes figuras en el desarrollo de instrumentos musicales eléctricos y técnicas de grabación. Les Paul fue pionero en el desarrollo de las guitarras de cuerpo macizo con el diseño de los modelos Gibson Les Paul, que adoptaron su nombre, y en la grabación multipista. Su destreza en el manejo de la guitarra y las innovaciones técnicas que introdujo en el instrumento le hicieron ser conocido como "El mago de Waukesha".


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Lester William Polsfuss, mejor conocido como Les Paul, nació el 9 de junio de 1915 en Waukesha, Wisconsin, Estados Unidos. De ascendencia alemana, a los ocho años aprendió a tocar la armónica, y más tarde se interesó en el banjo, si bien, su pasión fue la guitarra. Comenzó su educación musical al mismo tiempo que descubrió la electrónica.

"Todo comenzó en una montaña donde decían que había un cementerio indígena. Estaba ahí jugando con varios amigos, cuando me giro y me encuentro a uno de ellos enrollando un alambre en un tubo de papel higiénico, 18, 19, 20 vueltas. Entonces le pregunté: “¿Harry, qué diablos estás haciendo?”, y Harry me contesta “Pues un receptor de radio, ¿no sabes lo que es un receptor de radio? Es lo último, puedes oír música con esto, sin baterías, sin nada”. Entonces la cosa me quedó dando vueltas en la cabeza hasta que construí mi propio aparato de esos y lo primero que me puse a escuchar, lógicamente, fue una guitarra. Necesitaba tener mi propia guitarra".

Con nueve años ya se había fabricado su primer receptor de radio y no tardó en hacerse con una guitarra: "Era muy pequeño cuando comencé a tocar. Mis dedos aún no me alcanzaban para tocar las seis cuerdas de la guitarra, así que le quité una y tocaba con las otras cinco. También tocaba la armónica, pero al revés, aspirando cuando debía soplar y viceversa. Desde ese momento, mi familia se dio cuenta de que yo era un soñador y que estaba realmente interesado en la música. Fue para esa época cuando me pusieron los apodos de "Red, hot Red" y "El mago de Waukesha".

Su primer invento fue un soporte para armónica, el cual se coloca en el cuello y le permite al intérprete tocarla al mismo tiempo que la guitarra. Su soporte para armónica, el cual fue patentado, todavía hoy se comercializa basado en su diseño original: "Como a los siete años me pasó algo que despertó mi interés por la música y la electrónica. Siempre he sido muy curioso para inventar toda clase de cosas para tocar: primero cogí un gancho de ropa y monté ahí la armónica para poder tocarla y tener las manos libres para la guitarra".

Muchas de sus actuaciones eran en el exterior y Les tenía que tocar con fuerza para hacerse oír. Resolvió el problema introduciendo un pick-up de fonógrafo en su guitarra y con un cable envió la señal al altavoz de su radio, que actuaba de amplificador: "Hacia 1928 yo tocaba la guitarra y la armónica en un asadero de hamburguesas al lado de la avenida, uno de esos negocios que atienden a los conductores por la ventana. Los clientes llegaban en sus coches a comprar hamburguesas pero por el ruido de los motores y de la calle no alcanzaban a escuchar lo que yo estaba tocando".

"Estuve pensando cómo hacer para que me pudieran escuchar desde los coches y así sacar algunas propinas, porque la cosa andaba dura. Lo que se me ocurrió fue coger el teléfono de mi madre, arrancarle el micrófono –mi madre me montó una buena bronca por eso–, y conectarla al aparato de radio de mi mamá. Todos dijeron que era fantástico: al fin escuchaban mi voz, pero aun no alcanzaban a oír la guitarra".

"Entonces agarré la punta de un cable de fonógrafo, lo incrusté en la guitarra acústica y la conecté por el otro extremo a la radio de mi papá, allí estaban las dos radios que le había robado a mis padres, uno al lado del otro, uno amplificando mi voz y la armónica y el otro amplificando mi guitarra. Todos quedaron felices, podían escuchar mi voz, la guitarra, la armónica y mis chistes. Y ese fue el comienzo. Así nació la guitarra electroacústica. Y mejoraron las propinas".

Con trece años ya tocaba en fiestas ganando unos 30$ semanales: "Cuando cumplí 13 años me uní a la Cowboy Band. Con ellos aprendí muchísimo en muy poco tiempo, no solo de música. Era un grupo grande y todos eran mucho mayores que yo. Yo tenía 13 y ellos estaban en sus veinte, sus treinta y algunos hasta en sus setenta".

"Yo sabía tocar el piano, la guitarra, el banjo, la mandolina y también cantaba. En la banda tocaba el piano y en algunas canciones hacía la voz principal. Éramos muchos músicos y no teníamos suficientes botas y sombreros para todos, así que cuando salíamos al escenario y alguien tenía un solo en el micrófono principal, yo le daba mis botas y mi sombrero, y cuando era mi turno de cantar me los devolvían para que pudiera pasar adelante".

Con diecisiete años se unió al grupo de música country Rube Ronson's Texas Cowboys y poco después dejó la secundaria para unirse a Wolverton's Radio Band en St. Louis (Missouri) en KMOX. Su estilo con la guitarra estaba poderosamente influenciado por Django Reinhardt, a quien admiraba y que mas tarde llegaría a conocer tras la segunda Guerra Mundial.

Insatisfecho con el sonido de las guitarras acústicas –igual que los jazzistas-, hacia 1933, Paul comenzó a darle vueltas a la idea de una guitarra de cuerpo macizo con micrófonos incorporados para lograr un mayor 'sustain' de las notas. La teoría era que si el cuerpo de la guitarra y los micrófonos permanecían fijos y quietos, ésto permitiría a las cuerdas vibrar durante más tiempo, produciendo el 'sustain'. En 1934 encargó a los hermanos Larsen la fabricación de una guitarra de estas características.

"A principios de los treinta, tocara lo que tocara, sentía que necesitaba una guitarra de cuerpo macizo. La guitarra que había inventado no me satisfacía plenamente: tenía mucho feedback y no me daba todos los sonidos que estaba buscando. Además, en las guitarras huecas la presión sobre las pastillas hundía la tapa y afectaba el sonido. Se supone que al tocar solo debe vibrar la cuerda, no las pastillas, ni la tapa, ni nada más. De ahí surgió la necesidad de crear una guitarra eléctrica sólida".

"Pasé un buen rato dándole vueltas al asunto, hasta que se me ocurrió la idea. Lo que hice fue agarrar un pedazo de metal de la vía del tren –sí, así como lo oyes, un pedazo de metal de la vía del tren–, extendí una cuerda a lo largo de esa pieza de acero, enrollé el otro extremo de cable de teléfono, el del auricular, bajo la cuerda para usarlo como pastilla y listo. Toqué la nota y el cable de fonógrafo conectado al radio de mi padre amplificó el primer acorde de la primera guitarra eléctrica maciza armada con ese pedazo de hierro de la vía del tren".

"Ese era el sonido que buscaba, pero ahora sí que tenía un problema: no había manera de imaginar a ningún cowboy montado en un caballo con un pedazo de hierro de la vía del tren en la mano. Tenía que trabajar en algo hecho de madera. Fue en 1941 cuando finalmente encontré la respuesta para terminar el diseño. Hice la guitarra con una pieza de madera de 4" x 4". Al principio todos se rieron al ver ese tronco, pero después, cuando le di la forma de alas, ya no parecía que esa madera no fuera parte de la guitarra. Era hermosa y les encantó."

Mientras tanto, en 1936, realizó su primera grabación bajo el seudónimo de Rhubarb Red y acompañó al cantante de blues George White. Por esta época adoptó su nombre artístico definitivo, Les Paul.

En 1937 Paul formó un trío con Jim Atkins (hermano de Chet) y Ernie Newton. Los tres se trasladaron a Nueva York y consiguieron un trabajo con Fred Waring and His Pennsylvanians, tocando en la NBC en programas de emisión nacional cinco noches por semana durante tres años. Con tal audiencia, muchos de los oyentes no se encontraban preparados para los sonidos de una guitarra eléctrica y en la radio se recibían llamadas para que la desenchufara.

"A finales de los cuarenta ya había cogido la carretera y estado en muchos escenarios. En Chicago me había acercado al jazz y había tocado con Louis Armstrong, Coleman Hawkins y otro montón de tipos increíbles. Entonces decidí dar el gran paso y convencí a Jim Atkins y a Ernie Newton de que teníamos que irnos para Nueva York. Les dije que Paul Eitman era un gran amigo mío. En realidad nunca había visto a Paul en mi vida, pero les juré que éramos como uña y carne".

"Recuerdo que estábamos en el Hotel Chesterfield, y Jim y Ernie me preguntaron: "¿Al fin vas a llamar a tu amigo?". Y se quedaron ahí, cerca del teléfono esperando a que yo hablara. Marco el número y me contesta una secretaria: “No estamos interesados en ningún nuevo talento”, cuelgo y estos dos me preguntan con sus caras de ansiedad: "¿Qué te dijo, Red?". "Dijo que fuéramos de inmediato".

"Llegamos al edificio en Broadway con la 55, sin nada, ni siquiera teníamos estuches para los instrumentos. Para resumirlo, nos dieron con la puerta en las narices. "Bueno, ¿y tú no eras amigo íntimo de Paul Eitman?", "Sí, sí, claro, pero sabéis como es de rara la gente aquí en Nueva York, tenéis que acostumbraros a esto. Cuando llegue el momento preciso, todo vendrá a nosotros".

"Dicho y hecho. Estamos ahí tirados cuando pasa al lado de nosotros Fred Waring. "¿Tú no eres Fred Waring?", le pregunto. "Sí, pero no ando buscando a nadie". "Ya que estás aquí, ¿qué pierdes con escuchar una canción?". "Bueno, tocar a ver qué tal". Tocamos y le gustó tanto que nos contrató enseguida. Tuvimos mucha suerte. Los cinco años siguientes los pasamos viajando de costa a costa, presentándonos en todos lados, cinco noches a la semana".

En 1940 Les volvió a Chicago para tocar con la banda de Ben Bernie y para trabajar como director musical de dos emisoras de radio locales, WJJD y WIND. Al mismo tiempo continuaba experimentando con su idea de cuerpo macizo para la guitarra y en 1941 fabricó un instrumento al que llamó "The Log" (el tronco), que consistía en una pieza de madera maciza con un puente y un par de pick ups a la que había ensamblado un mástil. Por estética añadió dos medios cuerpos de una Epiphone a los lados. "Podías salir a comer y cuando volvías, la nota seguía sonando" comentó Paul en una entrevista en la revista Guitars: "No sonaba como un banjo o una mandolina, pero sí como una guitarra, una guitarra eléctrica. Ese era el sonido que estaba buscando". Mientras experimentaba en su apartamento con su guitarra, sufrió una descarga eléctrica que casi lo mata. Tuvo que pasar dos años recuperándose, durante los cuales se instaló en Hollywood y formó un nuevo trio.

Allí, dos de sus vecinos también estaban desarrollando un tipo de guitarra eléctrica, Paul Bigsby y Leo Fender, los cuales se acercaron a comprobar el invento de Les. Paul trató de patentarlo y comercializarlo, pero cuando presentó su guitarra en Gibson, éstos le invitaron amablemente a desaparecer con él, burlándose de aquel "palo de escoba con micrófonos". Siete años después, cuando Fender presentó la Broadcaster, la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido, en Gibson se apresuraron a localizar a aquel "loco de la escoba".

Ante esto, el presidente de Gibson, James Verdon, aceptó la propuesta de Les Paul para fabricar la guitarra eléctrica que él diseñó y que se convertiría en la Gibson Les Paul. Así, Les Paul logró que Gibson fuera el principal competidor de Fender en la fabricación de guitarras eléctricas, si bien es importante destacar que las filosofías y los diseños de cada empresa son distintos y que han tenido altibajos en el mercado.

"Me llevó varios años convencer a la gente de Gibson de que éste era el camino a seguir. En 1951 recibí la visita de un ejecutivo de la empresa, venía a buscarme por orden directa de M. H. Berlin, el presidente de la junta directiva de Gibson. "Encuentra al tipo ese que toca el palo de escoba con pastillas atravesadas y contrátalo", le habían dicho. Acepté de inmediato, pero aún faltaba aclarar una condición: no querían usar el nombre Gibson para la guitarra. Entonces este tipo me pregunta si se me ocurre algo y lo único que vino a mi cabeza fue: "¿Por qué no le ponen guitarra Les Paul?".

"Desde ese primer momento hasta hoy he mantenido contacto permanente con la gente de Gibson para asegurarme de que la guitarra sea hecha exactamente como debe ser. La guitarra eléctrica maciza debe garantizar el menor feedback, el mejor sonido, y la ubicación de las pastillas debe ser precisa. Después de haber pasado siete días a la semana sentado en el suelo, sin dormir, durante 19 años trabajando en esa guitarra, analizando las cuerdas, tratando de entender cada problema, debo decir que no ha sido en vano: hemos hecho todo lo necesario, comprometidos para que ésta sea la guitarra eléctrica más deseada en todo el mundo, y lo hemos logrado".

Estando en California, Les Paul acompañó a artistas como Dinah Shore y las Andrews Sisters en grabaciones como "Rumors Are Flying" o "It's A Pity To Say Goodnight". También participó en 1944 junto a Nat King Cole y otros en el concierto inaugural de Jazz at the Philarmonic en Los Angeles. Ese mismo año, Les Paul y su trío aparecieron en el show radiofónico de Bing Crosby. Este, interesado en los inventos de Paul, financió varios de sus experimentos electrónicos para mejorar las grabaciones.

Tras grabar juntos "It's Been A Long Long Time", el cantante convenció a Paul para que se construyera su propio estudio de grabación. Paul siguió su consejo y en 1948 se instaló en su garaje con su maquinaria, grabando a otros artistas y sus propios temas, como "Lover", "Brazil" y "Goofus" y "Nola" en los que tocaba todas las partes de guitarra usando la técnica inventada por él de la grabación multipista.

"En 1943 Bing Crosby me pidió que grabara una canción con él, "It’s Been A Long, Long Time". Bing escucha la grabación y dice: "Suena bien, ¿cómo lo ves tú, Les?", y yo le digo "Hum, no me gusta". De todos modos Bing dice que está bien y que lo dejen así. Cuando subimos al coche me pregunta qué es lo que está mal con esa grabación, "Nada, solo cosas técnicas, cosas que no quisiera que sonaran ahí". "Tú deberías tener tu propio estudio", me dice".

"Nos fuimos por Sunset Boulevard a buscar un lugar para montar el dichoso estudio, hasta que lo detuve y le dije: "Bing, yo no quiero ningún estudio de grabación, yo solo quiero tocar la guitarra y no estar ahí amarrado". Cuando llegué a casa, mis amigos me preguntaron cómo me había ido con Bing, les conté todo lo de la grabación y el estudio y me dijeron: "Pero bueno, no está nada mal lo del estudio. Puedes construirlo aquí mismo en el garaje, solo saca ese viejo Cadillac y monta todo lo que necesites". Les hice caso y comenzamos con eso".

"El primer año todo era muy precario, ni siquiera teníamos una puerta para el estudio, había que entrar por la ventana. Una vez fueron a verme unos tipos de MGM, los invité a pasar y me dijeron: "Yo no voy a meterme por esa ventana para entrar a esa caja de galletas, vengo de MGM, uno de los mejores estudios del mundo".

"Lo que encontraron ahí les calló la boca: era completamente distinto a lo que conocían. Por un lado, en esa época cuando comprabas un micrófono venía con la advertencia de no usarlo a menos de una yarda de distancia, era una regla en ese momento, pero yo no sabía de reglas ni de nada, ni me importaba, y lo que descubrí fue un tremendo sonido al pegar el micrófono a la boca de los cantantes".

"Lo otro era la máquina de grabación multipista. Una máquina con ocho caseteras independientes, que permitía grabar cada instrumento individualmente. ¿Cómo explicar eso? Bueno, antes de eso solo se podía grabar una vez en la cinta, si querías volver a grabar, retrocedías, grababas encima y borrabas lo anterior. Por eso era necesario grabar todo en vivo, todo al tiempo y coordinando durante la grabación. La máquina que inventé permitía grabar encima de una cinta sin reemplazar lo anterior sino guardando todos los sonidos en diferentes capas. Para no confundirte con tecnicismos complicados, digamos que es como si grabaras una foto de una foto de una foto, pero guardando a cada momento todas las imágenes que has tomado. Bueno, esto suena todavía más confuso, creo que hasta a mí me está confundiendo".

"Después de crear esta tecnología lo que pasó fue que todo Hollywood estaba metido en ese pequeño estudio de mi casa para conocer ese “nuevo sonido”. Los ejecutivos de Capitol me habían llamado a preguntarme, "Bueno, Les, ya tienes tu grabación multipista y tus ecos y tu forma rara de grabar las voces pegadas al micrófono y las mezclas con fade... ahora, ¿cómo le ponemos a todo eso?". Y les dije, "¿Por qué no le ponemos ‘nuevo sonido’?".

En 1948, Paul sufrió un accidente automovilístico, hiriéndose el codo derecho de tal modo que sólo se podía restituir adoptando una postura fija, sin posibilidad de movimiento. La alternativa era la amputación. Finalmente, cirujanos especializados de Los Angeles ajustaron su brazo en una posición que le permitiría seguir tocando la guitarra. Tardó un año y medio en recuperarse.

"En 1948, en Oklahoma, tuve un accidente automovilístico que me mantuvo hospitalizado por casi dos años. Me rompí los dos tímpanos, tuve un infarto, mi brazo quedó destrozado. Lo primero que el doctor me dijo fue "Les, todo lo que tienes está roto". Entonces le pregunté "¿Y el brazo?". "El brazo debemos fijarlo en una posición". "Bueno, acomódelo hacia mi ombligo para que pueda tocar la guitarra".

"También quedé con artritis, desde el accidente no puedo tocar con ningún dedo de la mano derecha. Puedo mover todos los dedos juntos solo para cerrar la mano, pero no los puedo doblar independientemente. Así he tocado todos estos años, ¿y sabes qué? No hace falta más, solo tienes que tocar una nota, si es la nota perfecta te sentirás como en casa".

Mientras tanto había conocido a la cantante del grupo de Gene Autry, Coleen Summer, con la que se casó. Coleen adoptó el nombre artístico de Mary Ford y juntos, comenzaron a grabar una serie de éxitos como "Tennesee Waltz" y "Mockin' Bird Hill" (1951), que marcaron el comienzo del 'sonido Les Paul'. En ellos, Mary Ford también utilizaba el multipista grabando todas las voces.

"Un día le pregunté a Jim Atkins si conocía a alguna buena cantante de country y me contestó que tenía exactamente lo que yo estaba buscando. "En este momento ella canta en un trío y sería perfecta para tu programa", me dijo".

"Hice el show de country con ella, nos hicimos inseparables, fuimos juntos de ciudad en ciudad como un par de hippies con guitarras durante más de cinco años. Ella realmente sabía lo que yo hacía y lo que pasaba por mi mente. Estaba impresionado con su talento, vivía con ella, compartía todo y aún no me había dado cuenta de que era la persona que tanto necesitaba. Mary resultó ser no solo una excelente ama de casa, compañera y psiquiatra, sino también una gran cantante y una buena parte de mi éxito en la vida: nuestra música habla por sí misma".

"Estuvimos tocando desde 1945 hasta 1963. En el 49 descubrí que era la chica para mí y nos casamos, y en el 63 me dijo que ya había tenido suficiente, que no quería nada más de conciertos ni presentaciones. Y no la culpo, porque es duro para cualquier chica, para cualquier mujer, pelear esa batalla de ser una cantante, de dedicarse a la música".

En 1951 consiguieron su primer nº 1 con el tema "How High The Moon", que vendió un millón y medio de copias.


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En 1952 la empresa Ampex comercializó el primer grabador de ocho pistas, que Paul diseño años antes. Les Paul y Mary Ford sigueron grabando éxitos con su sonido característico como "Tiger Rag", "Meet Mr Callaghan" y "Bye Bye Blues". En 1953 lograron un nuevo disco de oro con el tema "Vaya con Dios (May God be with you)" que se mantuvo nueve semanas en el nº 1.

En 1954 la pareja protagonizó una serie de cortas piezas de cinco minutos en TV en las que Les y Mary interpretaban una o dos canciones desde su casa, como parte de su vida cotidiana. La serie, llamada "Les Paul & Mary Ford At Home" se emitió numerosas veces a los largo de 1954 y 1955.

En 1955 obtuvieron su último Top10 con "Hummingbird" y su última entrada en el Hot 100 fue en 1961 con "Jura (I Swear I Love You)". Continuaron actuando y realizando giras hasta que, en 1962, la pareja se separó. Seguidamente, Paul se retiró del mundo musical, concentrándose en sus inventos electrónicos. No volvió a grabar hasta 1968 año en el que se publicó un álbum para London Records, "Les Paul Now", en el cual actualizó algunos de sus más recientes éxitos.

En 1975 grabó para RCA junto a Chet Atkins y acompañado por los mejores músicos de sesión de Nashville, "Chester And Lester". En 1978, Les Paul y Mary Ford fueron presentados en el Salón de la Fama Grammy. Recibió un Grammy Trustees Award por sus éxitos en 1983. En 1988, Les Paul fue inducido en el Salón de la Fama del Rock por Jeff Beck.

En 1987 tuvo que ser intervenido quirúrgicamente del corazón. Tras recuperarse volvió a los escenarios y a pesar de su creciente artritis en las manos, siguió tocando con más de 80 años y aparecía cada lunes con su trio en un local cercano a Times Square.

"Entre el 83 y el 95 toqué cada lunes por la noche en Fat Tuesdays, un barcito de jazz al norte de Manhattan. Todo comenzó porque tuve problemas cardiacos y me hicieron un bypass quíntuple en 1981, en ese momento el doctor me pidió que le prometiera que trabajaría duro en algo. Llegué a mi casa, tomé papel y lápiz y escribí las cosas de mi vida que me gustaban y las que no. Ahí estaban, por supuesto, la electrónica y la música. Entre todas las cosas que encabezaban mi lista de prioridades estaba tocar en un pequeño club nocturno. Quería tocar en un lugar íntimo en vez de esas enormes extravaganzas de cincuenta mil personas, donde tocas sin saber para quién y te conviertes en una máquina".

"Entonces me puse a buscar un club así. Comencé en New Jersey, cerca de mi casa, pero dije "No, debo ir a tocar a Nueva York, allí es donde está la buena finca raíz, en el centro de la ciudad". Busqué en todos los clubes hasta que al final encontré Fat Tuesdays. Cuando llegué hablé con el gerente, le dije "Soy Les Paul" y él respondió "¿Les qué?". Repetí "Les Paul", pero no significaba nada para él. Le expliqué que solía ser guitarrista y que tenía una esposa con la que tocaba... y me dijo, "Bueno, probemos por dos semanas a ver qué pasa". "Pero tiene que ser los lunes por la noche, pero no abrimos los lunes por la noche". "Bueno, estoy dispuesto a tocar gratis". "Ok, entonces abriremos los lunes por la noche". No iba a tocar exactamente gratis, pero podíamos llegar a un acuerdo, de todos modos lo que quería era probar que esto podía funcionar, que el lugar se llenaría. Pasaron doce años y se llenó cada lunes. En el 95, cuando Fat Tuesdays cerró, pasé al Iridium".

"En los años treinta hubiera sido realmente raro tenerme enganchado tocando en un mismo sitio por tantos años, de hecho hubiera sido sorprendente que me hicieran tocar en el mismo lugar por un mes seguido. Me pasó en el Paramount, me pasó en Las Vegas: era una pesadilla tocar un mes seguido allá. En cambio, tocar en estos pequeños clubes es grandioso, puedo ver cada pie y darme cuenta de si está marcando el ritmo. Es raro, pero miro los pies o los ojos de los espectadores y me dicen tantas cosas con su reacción".

"Al final de cada presentación nunca salgo para mi camerino, siempre voy directo al bar a conocer a la gente, a hablar con ellos, y siempre tienen algo qué decirme, se me acercan y me hablan, pero no saben todo lo que significan para mí sus palabras, no saben que me están diciendo algo que me alegra tanto escuchar. Nunca me voy antes de que todos se hayan ido".


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En mayo de 2005 también ingresó en el National Inventors Hall of Fame por el desarrollo de su guitarra de cuerpo sólido y en 2006 en el National Broadcasters Hall of Fame. También en el año 2006 fue premiado con dos premios Grammy por el álbum "Les Paul & Friends: American Made World Played".

Les Paul falleció el 13 de agosto de 2009 en su casa, en Nueva York, a causa de una neumonía a la edad de 94 años. La música popular está en deuda con los aportes de Les Paul. En una entrevista otorgada al diario estadounidense USA Today en 2007, Les Paul dijo que su pasión en la vida era hacer feliz a la gente. Y ¡vaya que lo logró!

Aunque muchos relacionan su nombre directamente con el de la guitarra, es difícil definir cuál de sus aportes ha sido el más importante para la música. Necio desde pequeño, se pasó la vida entera metiéndole mano a todos los instrumentos y aparatos que encontraba a su paso en su búsqueda para perfeccionar el sonido. En la Gibson Les Paul convergen los dos lados del trabajo de su creador: perfección e innovación. No solo es un instrumento cuidadosamente logrado, con uno de los mejores diseños y sonidos del mercado, sino que es también la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo.

Para hablar de Les Paul con justicia es necesario sumar a la invención de esta guitarra la creación de efectos como el delay y el reverb, la experimentación con los micrófonos durante las grabaciones, el diseño de sistemas para modular el eco y la creación de la grabación multipista. Antes de Les Paul las guitarras eléctricas eran huecas, tenían mucho feedback y todo vibraba al tocar una nota. Antes de Les Paul era necesario grabar en vivo, todo al tiempo, manipulando las distancias entre los micrófonos y los instrumentos, y era poco lo que se podía hacer después de la grabación para balancear el sonido. Antes de Les Paul era mucho más amplia la distancia que separaba a la electrónica de la música, ese encuentro que ahora parece tan natural y necesario. Antes de Les Paul, el rock y el pop como los conocemos no hubieran podido existir.


La Gibson Les Paul por partes

No sería hasta el año 1950 cuando crearía por fin su mítica Les Paul.

Gibson Guitar Corporation quedó maravillado ante el modelo y ya en 1952 comenzó a producir la Gibson Les Paul. El trato con Gibson quedaría congelado cuando en 1961, y sin previo aviso, Gibson modificó el modelo que Les Paul había diseñado. El diseñador iba por la calle cuando observo en el escaparate de una tienda de instrumentos un modelo completamente distinto. Gibson no tuvo más remedio que renombrar su nueva creación como Gibson SG y así volver a contar con Les Paul entre sus filas.

Junto con la Fender Stratocaster, la Gibson Les Paul fue la primera guitarra de cuerpo macizo que se fabricó. A grandes rasgos, lo que destaca de la Les Paul son sus formas curvas y su clavijero con la campana incrustada.

Típicas son las dos pastillas dobles o “Humbuckers” que encontramos en el cuerpo de la guitarra, así como el selector de pastillas que podremos encontrar en lo alto del cuerpo. Es importante saber que la Gibson Les Paul no tiene caja de resonancia.

El mástil de la guitarra es encolado. ¿Qué quiere decir esto? Cuerpo y mástil son dos piezas distintas que luego se unen sin atornillar, es decir, se pegan. A diferencia de las Fender, cuyo mástil siempre es atornillado. También es característico el puente de la guitarra. No incorpora vibrato (salvo que la guitarra sea Custom). Y el propio puente también será el lugar por el que podamos pasar las cuerdas (nuevamente otra diferencia más respecto a Fender).

En la parte inferior del puente encontraremos los controladores de la guitarra. Dos por pastilla, se encargarán del volumen y la tonalidad de la guitarra. Jugar con ellos nos proporcionará distintos sonidos y luego nosotros mismos nos encargaremos de elegir cual es el que más va con nuestro estilo.

Modelos
Hay cientos. Desde los que comercializa la propia Gibson Corporation hasta los modelos Signature (modelos diseñados por distintos guitarristas). Dentro del modelo Les Paul encontramos dos gamas, Gibson y Epiphone. Epiphone es una marca de guitarras que pertenece a Gibson. Los mismos modelos que fabrica Gibson los podemos encontrar en Epiphone. La diferencia se encuentra en el precio.

Precio
La variedad es tal, que los más fácil es decir que abarca unas cantidades desde los 1.200 € hasta los 10.000 €. Aquí es donde entra en juego Epiphone, guitarras fabricadas por Gibson con otro tipo de componentes (maderas, circuitería, clavijas, etc.), cuyo precio no es tan elevado. Podemos encontrar Epiphone Les Paul desde 350 € hasta 800 €, pero como norma general los precios de Epiphone nunca pasarán de 1.000 €.

Sonido
Podría decirse que el sonido de la Gibson Les Paul es bastante cálido. Son guitarras fabricadas para poder ser más agresivo con ellas que con otros modelos o marcas. Suele ser un sonido más grave debido a que llegar a los agudos del mástil no es tan accesible como puede ocurrir con la Fender.

Músicos destacados ligados a Gibson
Grandes y destacados músicos están asociados a Gibson y más concretamente al modelo Les Paul. La mayoría de ellos leyendas del Rock con sus propios modelos Signature. Entre ellos destacan Slash (Guns N’ Roses, Velvet Revolver), Jimmy Page (Led Zeppelin), Zakk Wylde (Ozzy Osbourne, Black Label Society), Joe Perry (Aerosmith), Duane Allman (Allman Brothers), Billy Gibbons (ZZ Top), Ace Frehley (KISS), Steve Jones (Sex Pistols) o Gary Rossington (Lynyrd Skynyrd).




Discografía

Feedback (1944)
Les Paul Trio (1946)
Hawaiian Paradise (1949)
The New Sound (1950)
Les Paul's New Sound, Volume 2 (1951)
Bye Bye Blues! (1952)
Gallopin' Guitars (1952)
The Hit Makers! (1953)
Les and Mary (1955)
Time to Dream (1957)
Lover's Luau (1959)
The Hits of Les and Mary (1960)
Bouquet of Roses (1962)
Warm and Wonderful (1962)
Swingin' South (1963)
Fabulous Les Paul and Mary Ford (1965)
Les Paul Now! (1968)
Guitar Tapestry (196?)
Lover (196?)
The Guitar Artistry of Les Paul (1971)
The World is Still Waiting for the Sunrise (1974)
The Best of Les Paul with Mary Ford (1974)
Chester and Lester (1976) con Chet Atkins
Guitar Monsters (1977) con Chet Atkins
Les Paul and Mary Ford (1978)
Multi Trackin' (1979)
All-Time Greatest Hits (1983)
The Very Best of Les Paul with Mary Ford (1990)
Famille Nombreuse (1992)
The World Is Waiting (1992)
The Best of the Capitol Masters: Selections From "The Legend and the Legacy" Box Set (1992)
All-Time Greatest Hits (1992)
Their All-Time Greatest Hits (1995)
Les Paul: The Legend and the Legacy (1996)
16 Most Requested Songs (1996)
The Complete Decca Trios—Plus (1936–1947) (1997)
California Melodies (2003)
Les Paul – The Legendary Fred Waring Broadcasts (2004)
Les Paul & Friends: American Made World Played (2005)
Les Paul And Friends: A Tribute To A Legend (2008)



Fuentes: efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, etcetera.com.mx, refugioneuronal.wordpress.com, elmalpensante.com y Wikipedia
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y no llega a una libra en total,
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 17


Neil Young


Es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación. Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay.

En 1968, inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 35 álbumes de estudio hasta la fecha, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el swing, el blues y el rockabilly. Ingresó por partida doble, como artista en solitario y como miembro de Buffalo Springfield, en el Salón de la Fama del Rock and Roll, que lo describió como "uno de lo mejores compositores e intérpretes de rock and roll".


Imagen


Neil Percival Young nació en el Toronto General Hospital de Toronto el 12 de noviembre de 1945. Poco después de su nacimiento, la familia se trasladó a Omemme, una pequeña localidad de Ontario donde Neil pasó su infancia. A los pocos años de vida se le diagnosticó diabetes, y en 1951 contrajo poliomielitis durante uno de los últimos brotes epidémicos de la enfermedad en Ontario.

Teniendo en cuenta de que en Wikipedia en español podéis leer una biografía suya muy extensa, he decidido aprovechar el post para poner otros datos.


Sus años oscuros, por Enrique Martínez

Hace casi cuarenta años Neil Young se adentró en un lugar en el que todos hemos estado alguna vez, y del que algunos nunca retornan. No es un espacio físico sino más bien un estado mental. Entre 1972 y 1975, cuando el mundo parecía abrírsele de piernas, se tuvo que enfrentar a la oscuridad, y plasmó su itinerario por el lado más siniestro de su existencia en una trilogía de L.Ps que han cimentado su leyenda de artista sin compromisos ajenos a su necesidad expresiva.

Otros artistas de renombre han explorado este lado de su naturaleza. Algunos no han querido volver allí (como Van Morrison, que ha confesado que jamás hará otro "Astral Weeks"); otros sólo han podido habitar esas regiones de su alma, y sus biografías han quedado definitivamente marcadas por la tragedia. Pero pocos han logrado articular estas circunstancias en un discurso musical coherente de maneras tan divergentes y complementarias, sosteniéndolo por el periodo de tres obras consecutivas ("Time Fades Away" (1973), "On The Beach" (1974) y "Tonight´s The Night" (1975) ), y resultando tan sincero y esclarecedor en su expresión.

El propio Young se ha encontrado con otros periodos difíciles, y su obra se ha manifestado en este sentido. Los años ochenta los vivió atravesando inmensas dificultades, que decidió afrontar por medio de la anestesia emocional, rebajando su producción a obras de baja calidad y a impostados ejercicios de estilo. En los noventa "Sleeps With Angels" (1994) no resulta una estancia tan prolongada por estos derroteros; más bien es un empático homenaje a un viajero que no retornó y que citó a Young en su carta de despedida: Kurt Cobain. Toda la carrera de Young está repleta de canciones de profunda tristeza. Pero el trip que supone esta trilogía no se ha repetido.

En este caso el propio artista parece renegar de dos de las tres obras de este periodo: ni "Time Fades Away", ni "On The Beach" han sido reeditadas en CD de modo oficial. Preguntado al respecto, Young se ha mostrado elusivo, sin aclarar si es que le resulta demasiado doloroso enfrentarse a una nueva audición, o si le parecen obras de bajo nivel (algo que fue percibido así por la crítica en su momento). Puede ser que no ocupen el lugar de indiscutibles obras maestras que nadie le niega a "Tonight´s The Night", pero atesoran muchos más méritos de lo que siempre se ha considerado.

Naturalmente el poder de fascinación de la producción discográfica de Young en este periodo tiene que ver con una de las perversiones más ruines que tenemos los más apasionados aficionados al rock: si al gran público le chiflan los cadáveres exquisitos, los mártires, al buen gourmet le ponen los moribundos catatónicos, el artista al borde del abismo. Para nuestro disfrute de escasas horas de bizarra belleza, para encontrar solaz y acompañamiento en nuestras pequeñas crisis emocionales, nos valemos de sufrimiento real, y a ser posible permanente, de seres humanos de carne y hueso. No hay compasión con el auténtico doliente, ni tolerancia con el que percibimos como farsante. Señores, estamos de psiquiátrico.

Lo cierto es que existe un discurrir de acontecimientos que provocaron las emociones que inundan los discos de los que estamos hablando. En 1972 la vida de Neil Young irradiaba un brillo de color rosa que era terriblemente engañoso: su disco "Harvest" (1972), apoyado en el single más vendido de toda su carrera "Heart Of Gold", lo situaban como el artista de mayor éxito de los U.S.A, una figura para todos los públicos. A Young esta posición no le interesa: no quiere pagar el precio que sabe que se cobra un éxito de esta naturaleza. Esta resuelto a ponerse él mismo piedras en su camino al estrellato.

Tampoco la grabación de "Harvest" ha estado libre de dificultades: aquejado de una parálisis muscular parcial que le impide sostener una guitarra eléctrica, graba un disco con un sonido más blando de lo que pretendía. Finalmente se recupera de cara al final de la elaboración del LP, por lo que incluye "Words" y "Alabama", dos cortes de mayor contenido eléctrico.


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Pero una sombra, que posteriormente se tornaría inmensa, comienza a amenazar el entorno de Young: la adicción a la heroína de Danny Whitten, guitarrista original de los Crazy Horse. Ya entonces son evidentes los estragos que la droga está produciendo en su amigo, y Young los plasma en "The Needle And The Damage Done", incluida en una desnuda toma en directo en "Harvest".

El desarrollo de la gira de promoción del superventas resulta la antítesis de lo que cabría esperarse. Pese a que la audiencia responde llenando inmensos recintos hasta la bandera, la reacción anti-éxito del artista desconcierta al público: cantidades ingentes de nuevas y desconocidas canciones, conciertos repletos de electricidad salvaje, una plasmación musical de la tormenta interna que se sucede dentro del staff de la gira. La discográfica ha editado la banda sonora de la película "Journey Thru The Past": es una errática recopilación de material de toda la carrera precedente de Young para acompañar un extraño film biográfico. Young no considera el disco apto para la publicación, pero Reprise desoye su opinión: tanto la película como el disco son destrozados por la crítica.

Además la banda se rebela ante el éxito de "Harvest": pretenden más ingresos al estar acompañando a la máxima estrella del momento. Esto no es comprendido por Young, sorprendido por la codicia de sus músicos. Pero el acontecimiento que más impacto tiene en Young ya ha tenido lugar antes del comienzo de la gira.

Después de un intento de incluir a Whitten en los Sray Gators (la banda de acompañamiento para la gira), y ante la imposibilidad de extraer nada de valor del guitarrista por su deplorable estado físico y mental, es enviado de vuelta a Los Angeles con cincuenta dólares, que emplea en comprar la dosis de heroína que acaba con su vida. Por supuesto la noticia despierta en Young un fuerte sentimiento de culpabilidad.

Los conciertos, para espanto de una audiencia que espera asistir a una amable sucesión de grandes éxitos, bellos e impolutos, se convierten en una catarsis para un cada vez más deprimido Young. De hecho, su estado emocional resulta tan preocupante, que sus amigos Graham Nash y David Crosby deciden acudir al rescate, acompañándolo en las últimas fechas de la gira. En una decisión comercialmente suicida Young decide publicar un disco en directo representativo del tour, consistente exclusivamente de inéditas en su versión más cruda.

Sin ningún retoque de estudio, sin alterar las deficiencias de ecualización o de interpretación, "Time Fades Away", es un disco árido y sin concesiones, incomprendido en su momento. Young lo defiende en una entrevista de 1975: "Yo pensé que era válido. "Time Fades Away" fue un álbum muy nervioso. Y así era exactamente como estaba en aquella gira. Si alguna vez te sientas y escuchas todos mis discos, habrá un lugar para él. No cada vez que quieras disfrutar de música, pero si estás en un trip, es importante. Cada uno de mis discos es para mí como una autobiografía en curso. No puedo escribir el mismo libro cada vez. Algunos artistas pueden, pueden publicar tres, cuatro discos al año que suenan todos jodidamente igual. Eso es estupendo, alguien está intentando comunicarse con un montón de gente y darles el tipo de música que saben que quieren escuchar. No es mi rollo, mi rollo es expresar lo que está en mi mente. No espero que la gente escuche mi música todo el tiempo, a veces es demasiado intensa. Nadie esperaba "Time Fades Away" y no me arrepiento de haberlo publicado. No necesitaba el dinero, no necesitaba la fama".

Si bien como unidad "Time Fades Away" se sostiene muy precariamente, como repertorio es esencialmente brillante y sincero, consecuente con el momento vital de su autor. Hay varios discos de Young con peores canciones y que parecen enmascarar más al hombre responsable de ellas.

Se abre con la homónima "Time Fades Away" que, tan urgente como indica su nombre, es un rock´n´roll acelerado al estilo del "Highway 61 Revisited" de Dylan, con una letra muy sombría ("Catorce yonkis demasiado débiles para trabajar/ uno vende diamantes por lo que valen/ en la calle del dolor el desengaño acecha./ Hijo no llegues tarde a casa/ intenta volver a las ocho/ no esperes al anochecer/ porque sabes como se esfuma el tiempo"; en la última estrofa toda la letra coincide, a excepción del número de yonkis, que sintomáticamente se reduce a trece). Además la mezcla entierra a voces y guitarras por debajo del piano: un presagio de la crudeza del resto del disco.

Tanto la delicada pieza de piano "Journey Through The Past" como el eléctrico medio tiempo "Don´t Be Denied" son piezas autobiográficas, que frente a "Helpless" (incluida en el "Deja Vu" de CSN&Y) transmiten más amargura que nostalgia.

Las otras dos baladas del disco tienen cargas de profundidad en sus letras. En "Love In Mind" no termina de encontrar su lugar dentro de las normas sociales. En "The Bridge", intenta reconstruir el puente que le une a su amante, derruido por demasiadas mentiras, aunque es consciente de que la reconstrucción puede tardar mucho.

Los otros tres cortes eléctricos son progresivamente apocalípticos, pues si en "Yonder Stands The Sinner" y "L.A" ("Cuando las autopistas se atasquen/ y las montañas entren en erupción, y el valle sea tragado por las grietas del suelo/ ¿Seré finalmente escuchado por ti?."), Young suena como un poseso, en "Last Dance" su intensidad resulta tan brutal que sus acompañantes parecen por momentos incapaces de seguirlo. Es una canción que niega la posibilidad de alcanzar la felicidad llevando una vida convencional, pero sin transmitir en ningún momento la sensación de que la otra opción lleve a ninguna parte. El estallido final de Young, la tormenta eléctrica que desata, acompañada de una maníaca interpretación vocal, asusta. Su salud mental está claramente paseándose por el alambre, sin red.

Para paliar sus problemas se sumerge en un baño de tequila, acompañada de cantidades ingentes de hierba. De él emerge para recibir otra trágica noticia: Bruce Berry, roadie habitual de Stephen Stills y Young, y muy apreciado por todos, también ha fallecido a causa de una sobredosis.

Estos problemas hacen que se sienta incapaz de participar en la reunión con Crosby, Stills & Nash que se está fraguando. Decide abortarla y reclutar a los dos miembros supervivientes de los Crazy Horse: el bajista Billy Talbott y el batería Ralph Molina. También llama a Ben Keith para que se encargue de la steel guitar y a otro habitual, Nils Lofgren a la guitarra. Se encierran en un local de ensayo de los LA Studio Rentals, propiedad del hermano de Bruce Berry, y en un estado de ebriedad absoluta conjuran los fantasmas que atormentan a Neil, pero también a ellos: la pérdida de sus amigos Whitten y Berry.

En palabras de Young: "Tonight´s Is The Night" es una carta de sobredosis. Todo trata de vida, droga y muerte. Cuando nosotros tocamos esa música estábamos todos pensando en Danny Whitten y Bruce Berry, dos miembros de nuestra unidad perdidos por sobredosis de caballo. Las sesiones fueron la primera vez que los restos de Crazy Horse se juntaban desde la muerte de Danny. Teníamos que conseguir entre todos la fuerza para llenar el vacío que él dejó. El otro fallecido, Bruce Berry, fue roadie de CSNY por mucho tiempo. Su hermano Ken lleva Studio Instrumental Rentals, donde grabamos el disco. Así que había un montón de vibraciones entre nosotros. Había mucho espíritu en la música que grabábamos. Es divertido, recuerdo toda la experiencia en blanco y negro. Íbamos a los estudios a las cinco de la tarde y empezábamos a colocarnos, bebiendo tequila y jugando al billar. A medianoche, empezábamos a tocar. Y tocábamos por Bruce y Danny en su camino a través de la noche. No soy un yonki, y ni siquiera voy a intentar comprobar como es… pero nos colocábamos, justo en el límite donde nos sentíamos los suficientemente abiertos al ambiente. Era espectral. Probablemente sienta más este álbum más que cualquier cosa que haya hecho nunca".

En tan sólo dos noches registran en directo nueve de las canciones de "Tonight´s The Night". El concepto vuelve a ser el mismo que en "Time Fades Away", registrar en crudo la emoción del momento, sin pulir las aristas. El disco no sólo es un relato personal sobre las experiencias fatales de sus dos amigos con las drogas, sino también una reflexión más genérica sobre la cultura de la droga que los confusos años sesenta habían terminado por producir. El tránsito de la hierba y el ácido a la heroína se estaba cobrando víctimas, y Young (que debido a sus problemas de epilepsia se había mostrado muy cauteloso con respecto a las drogas duras) está asistiendo al deterioro de amigos como David Crosby, e incluso a la muerte de otros.

Cuando Reprise recibe el disco, tal y como lo había programado Young (conteniendo incluso las incongruentes charlas de los músicos entre canción y canción), se niega a publicarlo. Pero éste se decide a presentarlo en directo, en una serie de conciertos, que son recordados por la gente que asistió a ellos como los más extraños que jamás hayan visto. Un Young ataviado de blanco, con el pelo largo y grasiento, barbado, portando unas inescrutables gafas de sol, aparecía sobre un escenario decorado con una palmera de plástico y una bombilla que se encendía una vez Neil se presentaba pronunciando la frase "sean bienvenidos a Miami Beach, aquí todo es más barato de lo que parece" y solicitaba un poco de "sol", informando después que esa noche "no van a reparar en gastos". Y ante una estupefacta congregación los músicos interpretaban entero y sin descanso el disco pendiente de publicación. Sólo en los bises la audiencia recibía una pequeña dosis de material conocido, eso sí, interpretado por un Neil ebriamente desafinado.

Al retornar de la polémica gira Young comienza la grabación de un nuevo disco de estudio, más convencional y elaborado que el frustrado "Tonight´s The Night", aunque rescate dos temas de las sesiones de los Studio Rentals ("Walk On" y "For The Turnstiles"). El no grabar el disco con los paralizados Crazy Horse y la aparición de inhabituales colaboradores (Rusty Kershaw, Joe Yankee, George Whitsell, los productores Mark Harman y Al Schmitt) hacen de "On The Beach" una de las obras menos características de la carrera de Young en lo relativo al sonido. No aparece ninguno de los típicos registros de Young: ni la electricidad desbocada de los Crazy Horse, ni las tonadas al piano (la canción que más se aproxima a este registro, "See The Sky About To Rain" es subvertida al ser interpretada con un piano eléctrico), ni los cortes acústicos se acercan a su faceta country (en "For The Turnstiles" figuran en un sorprendente primer plano el dobro y el banjo en contraposición a la ausencia de la guitarra acústica). El propio Young canta algunos temas con un registro más grave de lo habitual.

Pero esto también aumenta la personalidad del disco. El inconfundible palpitar de la sección rítmica de The Band (Rick Danko al bajo y Levon Helm a la batería) hace de "Revolution Blues" uno de las canciones más dinámicas del repertorio de Young. La hiriente belleza del fiddle de Kershaw en "Ambulance Blues" recalca las cualidades evocadoras de la melodía. Y la utilización de las estructuras más ortodoxas del blues en varios cortes es una rareza muy ajustada al contenido lírico del L.P.

Para Young este es el disco más deprimente de su carrera, pero a uno no se le antoja tan desolado como "Tonight´s The Night". La portada nos muestra la ambivalencia de una obra cargada con humor sardónico y mala leche. Young está en una playa, al borde del mar, vestido pero descalzo y de espaldas a la cámara. Pero no es el típico día de playa: el cielo está muy nublado, resulta muy evidente el fuerte viento que hace y la playa está adornada con objetos sin sentido (un fragmento de uno de esos estrafalarios pero clásicos coches americanos, un periódico y un árbol en una maceta).

En este disco Young se ríe mucho, pero con una risa nerviosa, con el sarcasmo del que utiliza la estupidez de los demás para reforzar su autoestima. "On The Beach" está repleto de observaciones y críticas a diversos colectivos y personajes, que Young emplea para darse cuenta de que, aunque su vida sea un desastre absoluto, la de los demás tampoco le convence para nada, lo cual le está ayudando a abandonar el agujero en el que se encuentra. Se puede decir más alto, pero no más claro: "Toda esa gente, se cree que lo ha conseguido/ Pero yo no compraría, vendería prestaría o cambiaría/ nada de lo que tengo para ser como uno de ellos/ Prefiero comenzar de nuevo" ("Motion Pictures").

No es sólo en la utilización continuada del sarcasmo como medio expresivo, sino que este Young generacionalmente desconectado, sentimentalmente herido y anímicamente hundido está más en sintonía que nunca con Bob Dylan, con el de "Blood On The Tracks" (1975). Tal vez haya sido éste el momento de mayor convergencia de sus carreras.

Uno de los motores del descontento de Young es la industria discográfica de la que se encuentra muy harto después de los últimos acontecimiento. De este modo las letras se inundan de referencias a la industria y sus protagonistas. En "See The Sky About To Rain" ("Estaba en Dixie Land, tocando un violín plateado/ lo tocaba ruidosamente y entonces el hombre lo partió por la mitad") y en "For The Turnstiles" ("Todos los marineros con sus novias mareadas/ escuchan las sirenas en la orilla/ cantando canciones para chulos con traje/ que cobran diez dólares en la puerta") son los mercaderes discográficos los que reciben las andanadas). Pero hay para todos los eslabones de la cadena: "Vosotros los críticos os podéis sentar/ no sois mejores que yo por lo que habéis demostrado" ("Ambulance Blues"); "Fui a la entrevista en la radio y terminé sólo ante el micrófono" ("On The Beach").

El álbum se abre con un ajuste de cuentas generacional, "Walk On", en le que denuncia la inmadurez de sus colegas ante las sombras (como las muertes de Whitten y Berry) que sus modos de vida comienzan a proyectar: "Nena es difícil cambiar/ no les puedo decir como deben sentir/ Algunos se colocan, otros se vuelven extraños/ pero más pronto o más tarde todo se vuelve real/ Sigue caminando, sigue caminando". "See The Sky About To Rain" nos habla de lo impredecible e inevitable del destino ("Algunos están destinados a la felicidad, otros a la gloria/ Algunos están destinados a vivir con menos, ¿quién puede saber tu historia?"). "Revolution Blues" se ríe de las violentas y fanáticas sectas contraculturales como la de Charles Manson, aunque por momentos no sabes hasta que punto simpatiza con alguno de sus planes ("He oído que Laurel Canyon está repleto de estrellas famosas/ pero las odio más que a los leprosos y las mataré en sus coches"). Y es que en "For The Turnstiles" aparece realmente amargado con los juegos de la fama ("De verdad que puedes aprender mucho de ese modo/ te cambiará en mitad del día/ aunque tu confianza se resquebraje/ no importa."). Y en "Vampire Blues"transmite auténtico odio hacia los ricos petroleros ("Soy un vampiro, chupando vida de la tierra (bis)/ soy un vampiro y te vendo veinte barriles"). No parece que la perspectiva de asesinar a algunos ricos y famosos resulte tan extravagante para el amargado Young de esta etapa.

No va a ser ésta la primera vez que se diga que lo mejor de "On The Beach" se encuentra en su espléndida y sentida segunda cara, la tripleta formada por la intensa "On The Beach", la delicada "Motion Pictures" y la titánica "Ambulance Blues". "On The Beach" es un blues de académico y largo desarrollo, de marcado acento confesional, quizá la canción más introspectiva del disco: frases como "El mundo gira, espero que no descarrile (bis)/ todas las fotografías se caen de la pared en la que las puse ayer […]/ Necesito una multitud, pero no la puedo enfrentar todos los días (bis)/ Aunque mis problemas sean insignificantes, eso no los hace desaparecer" o "Seguiré la carretera aunque no sé adonde lleva", suenan terriblemente sinceras.

"Motion Pictures" está dedicada a su novia, la actriz Carrie Snodgrass. En ella reconoce su aislamiento, su ensimismamiento, pero de un modo parecido a en "The Bridge", se compromete a restablecer el contacto: " Todos esos titulares, ya tan sólo me aburren/ Estoy muy dentro de mí mismo, pero saldré de algún modo/ Y estaré delante de ti, y traeré una sonrisa a tus ojos".

"Ambulance Blues" se prolonga por espacio de casi nueve minutos. Es una confusa narración en desnudo formato acústico que remite a "The Last Trip To Tulsa", de su primer disco en solitario. En ella, y a modo de destilación de las esencias del álbum, reparte a diestro y siniestro, a la vez que se deja invadir por la nostalgia. Por ejemplo Richard Nixon sale mal parado: "Nunca supe que un hombre pudiese contar tantas mentiras/ Tenía una historia distinta para cada par de ojos". Pero el que más recibe es él mismo. "Es difícil saber el sentido de esta canción/[…] Es fácil quedar enterrado en el pasado/ cuando intentas hacer durar algo bueno", y la línea definitiva del disco: "No hay nada como un amigo/ para decirte cuando estás meando contra el viento".

Por extraño que parezca, una vez publicado "On The Beach" en 1974, se embarca en el barco de los sospechosos marineros de "For The Turnstiles": una nueva gira de Crosby, Stills & Nash. Pero la convivencia es tan mala que Young viaja de un concierto a otro separado de la faraónica corte que acompañaba a sus colegas. Cuando la gira termina, Young parece haberse olvidado que tiene algo pendiente, pero no tardaría en darse cuenta de que una cierta tarea que había iniciado permanece incompleta.

Es la publicación final de "Tonight´s The Night", que se fragua después de que Young invite a unos amigos a oír las mezclas finales de un nuevo (y definitivamente inédito) LP, "Homegrown". Cuando finaliza la cinta en la que éste está contenido, se puede escuchar una nueva versión del álbum proscrito, con un orden distinto en las canciones y con el añadido de tres temas nuevos, seleccionados por su proximidad al tono de las sesiones.

Todos los músicos presentes, que desconocían "Tonight´s The Night", le indican a Young que es mucho mejor disco que el nuevo, y Rick Danko le reta a conseguir que Reprise se lo publique. El periodista Allen Jones ha apuntado que es probable que Young se viese obligado por su conciencia a hacer público el contenido del disco como respuesta al asco que sintió durante la gira con Crosby, Stills y Nash, por los excesos típicos de los años setenta y propios de las decadentes rock-stars en que se habían convertido sus antiguamente idealistas amigos (ridículos lujos, drogas duras, groupies, servilismo generalizado hacia ellos, etc.). Lo cierto es que planta sus galones en Reprise y consigue por fin la aparición del disco. Puede ser que ayudase el hecho de que ese mismo año Young entrega "Zuma", un LP de contenido mucho más heterogéneo y vitalista, aunque también colocado entre lo más selecto de su producción.

Cuando "Tonight´s The Night" llega a manos del público, todo está preparado para que no se lleve a engaño: la carpeta, en un lúgubre blanco y negro, contiene una foto del grupo tocando, con los nombres de cada músico impresos a sus pies. El nombre de Whitten aparece, pero no su imagen: es su fantasma el que puebla el disco. Dentro figura una dedicatoria a Whitten y Berry, "que murieron por el espíritu del rock n' roll".

El contenido resulta tan oscuro, o más, que el envoltorio. Denso y claustrofóbico, la sensación que transmite es la de tristeza y desesperanza sin remedio. Este disco no plantea las soluciones, tan sólo muestra la magnitud del problema. En contexto con los otros dos discos de la trilogía, y a la vista del desarrollo posterior de la vida de Young, sabemos que lo relatado en este álbum es una fase de la vida de Neil Young. Al contacto único con "Tonight´s The Night", cuesta creer que el autor de este peligroso artefacto, capaz de arrastrarte en un mal día al agujero en el que fue creado, haya sido capaz de continuar con su vida de modo normal.

El tono del disco se construye sobre tres elementos: el primero es la voz de Young, que desafina y se rompe continuamente, pero que permanece embargada por la emoción a lo largo del disco. También destacan las típicas armonías vocales, más imperfectas que en ninguna de sus obras, pero que revelan el compromiso absoluto de los músicos con las canciones de Neil, que a fin de cuentas hablan de los que también eran amigos suyos. Y por último, la steel guitar, ese peculiar instrumento de origen hawaiano, que sorprendentemente ha unido su destino al de la música country, y que en unas manos expertas como las de Ben Keith, resuena envolvente y quejumbroso como un lamento surgido de lo más profundo, a lo largo de todo el álbum.

Es la homónima "Tonight´s The Night"" la canción que abre y cierra el LP, en dos versiones diferentes. Es un estremecido homenaje a la figura de Bruce Berry un hombre trabajador que "tarde en la noche/ cuando la gente se había ido/ cogía mi guitarra/ y cantaba una canción con su voz temblorosa/ que era tan real como largo es el día". Es por eso que "[…] sentí un escalofrío por mi espalda/ cuando cogí el teléfono/ y oí que había muerto/ de un pinchazo en la vena". Hasta Dave Marsh, habitualmente el crítico más duro con Neil Young, reconoce que estos fragmentos le estremecen aún veinte años después de su primera audición.

El substrato elemental del disco se compone de una extraña mutación del blues y de una minimalista recreación del sonido habitual de los discos de Young. La intensidad es progresiva, tanto de la música como de las letras. El Neil de "Speakin´ Out", el segundo corte, intenta reírse y no puede. Para el cuarto tema ("Borrowed Tune"), se ve forzado a robarle a los Rolling Stones la melodía de "Lady Jane" para escribir una canción que duda que le importe a alguien.

La inclusión de "Come On Baby, Let´s Go Downtown", un corte cantado por Whitten en una toma en directo, se debe a lo premonitorio de su letra ("Seguro que estarán vendiendo mierda cuando la luna comienza a levantarse/ Es chungo cuando trapicheas con el tipo/ y la luz brilla en tus ojos"). Después de solicitar el alivio de su amante en una de las mejores baladas de su carrera ("Mellow My Mind") decide utilizar la carretera como escape ("Roll Another Number", en la cual afirma su definitiva desconexión del hippismo de altostanding: "No creo que vuelva a Woodstock en una temporada"), para, partiendo de "Alburquerque" dirigirse a México, donde los rockeros de fama (como Dylan) se refugiaban en anonimato y tequila ("[…] y he estado muriéndome de ganas de estar sólo").

Después de considerar en "New Mama" ficticia su felicidad de padre en un mundo cuya virulenta realidad garantiza sufrimiento a su recién nacido hijo, y de afirmar en "Lookout Joe" (junto con"Borrowed...", la otra canción de estudio no perteneciente a las etílicas sesiones) que los buenos tiempos son aquellos que ya pasaron, en la definitiva "Tired Eyes" relata un asesinato múltiple producido durante un negocio de drogas, y continuamente le solicita a aquellos deseosos de prejuzgar a sus amigos con severidad y desprecio que "por favor, escuchad mi consejo/ abrid los ojos cansados". El retorno de "Tonight´s The Night"", en una toma aún más cruda y emocionante, sirve de cierre a cuarenticinco minutos de una intensidad brutal y desoladora.

Cuando público y crítica acceden por fin a esta extraña obra maestra y a un Young más comunicativo, que ofrece entrevistas en las que explica el proceso creativo de este disco y las circunstancias de los últimos años, se muestran mayoritariamente satisfechos, y comienza la rehabilitación, a partir de un mejor entendimiento de su naturaleza, de los dos anteriores LPs. Pero el impacto de "Tonight´s The Night"" y sus hermanos es aún mayor a largo plazo: poco a poco el grado de comprensión de esta trilogía se multiplica. Un análisis desde la perspectiva que da el tiempo transcurrido aumenta las posibilidades de encuadrarlo de modo ajustado dentro de la discografía de Neil Young. También se puede comprobar que el fenómeno de su progresivo crecimiento en el aprecio de la crítica es paralelo al que se produce en el oyente individual, pues estos tres discos son lo que se conoce en inglés por grower, discos que crecen con las escuchas, que se te adhieren poco a poco, que se van abriendo camino paulatinamente a través de ti, hasta encontrar su hueco, anidar en tu interior, y así transformarse en un recurso infalible para acompañar ciertos momentos.

Obras extrañas en su concepción y resultados, marcadas indeleblemente por las circunstancias en que fueron creadas, hoy por hoy resultan esenciales. No sólo para reconstruir y comprender la trayectoria del autor, sino para disfrutar de algo terriblemente escaso: música realmente sincera, prácticamente inalterada en el siempre largo trayecto que va desde sus motivos de inspiración al contacto con el oyente. No es fácil encontrar discos de esta naturaleza. Es por ello que conviene atesorar y conocer aquellos a los que nos es permitido el acceso.


Neil Young director

Bajo el seudónimo Bernard Shakey, Neil Young ya ha dirigido varios largometrajes que capturan contados momentos de su rica trayectoria musical. Si unos gustan del café, copa y puro, en 1979 Young luchaba contra el óxido que atacaba a los viejos rockeros de los años sesenta editando disco, doble álbum en directo y película documental del concierto "Rust Never Sleeps" (El óxido nunca duerme), en la que demostraba dotes de buen artesano filmando a su banda Crazy Horse sobre un escenario de enormes dimensiones, micrófono y amplificadores gigantescos incluidos, mientras unos hombrecillos encapuchados, que bien parecen haber sido sacados de "La Guerra de las Galaxias", pululaban de aquí para allá.

No fue su primera ni última película. Ya en 1973, después del éxito en aumento de sus primeros discos en solitario y su culminación en 1972 con el disco "Harvest", Young rodó el documental "Journey Through The Past", retrato de sus años mozos como estrella de rock y miembro integrante de los descafeinados Buffalo Springfield hasta el entonces presente, que hoy día es pasado, año de 1972; incluyendo tomas con su otro grupo, los anacrónicos Crosby, Stills, Nash & Young.

De ese mismo documental, publicó una banda sonora que, a diferencia de lo que acostumbra ser habitual, no incluye las tomas de estudio de las canciones, sino que éstas suenan tal cual lo hacen en la película, con ruido de fondo y diálogos, lo que supuso un suicidio discográfico que posteriormente Young explicaría en las notas del disco recopilatorio "Decade", en concreto en las del sencillo de éxito "Heart of Gold": “Esta canción me puso en medio del camino. Viajar por allí pronto se hizo aburrido así que puse rumbo a la cuneta. El viaje por allí era más duro, pero conocí gente más interesante”.

1982 fue el año de "Human Highway", disparatada película hizo perder dinero al propio Neil Young, que en 1991 revisaba aquello del óxido, para comprobar que en efecto nunca descansa, desentumeciendo los músculos, de nuevo junto a Crazy Horse, en "Weld", disco y película sacados ambos de un par de conciertos de una misma gira. Notable el esfuerzo de Young en la película por hacer protagonista del concierto al público y no a la banda.

En 2003 apareció "Greendale", adaptación del álbum del mismo nombre, que sigue las vidas de los miembros de una familia de pueblo, y en 2008 la que es hasta el momento su última obra, "CSNY Déjà Vu". "Déja Vu" es el documental de la gira de reunión de Crosby, Stills, Nash & Young, formación liderada esta vez por Young, que utiliza el icono hippie para combatir la política del entonces presidente de los Estados Unidos, George W. Bush.

Young consigue retratar con maestría la ideología sectaria de buena parte de su propia audiencia, que no duda en renegar e insultar al músico mientras éste expresa su mensaje en directo, un mensaje que va más allá de los colores de tus ojos o de un mundo extraño de ilusión. En particular es destacable la secuencia de un concierto de la gira celebrado en Atlanta, ciudad sureña, que narra una de las interpretaciones de la polémica "Let’s Impeach The President" (Impugnemos al Presidente), tonada inspirada por la entonces reciente invasión de Iraq:
"Impugnemos al Presidente por mentiroso/Por meter a nuestro país en una guerra con mentiras/Abusando del poder que le dimos/Haciendo pasar todo nuestro dinero bajo cuerda".

Parece como si siempre nos fuera a quedar el viejo Neil, y no sólo por sus discos.


Neil y Jonathan Demme

En la primavera de 2005 a Young se le diagnosticó un aneurisma cerebral potencialmente fatal. Fijada una fecha para la intervención quirúrgica, Neil se sentó a escribir galvanizado por la situación. En unas pocas semanas escribió y empezó a grabar el álbum "Prairie Wind", uno de los títulos más sentidos y personales de su carrera. "Prairie Wind" habla de la pérdida de los seres queridos y de la inspiración que se encuentra en los sucesos de la vida cotidiana. Young siguió grabando el disco hasta la misma víspera de su operación: "El álbum es un reflejo natural de lo que pasaba por mi cabeza durante ese período, un período de reflexión. La familia. La historia. La condición del alma. Contar historias es algo natural para mí. Contar historias es una tradición muy vieja, más antigua que la Biblia. Para mí es una forma de vida".

La operación se saldó con éxito y el disco se publicó recibiendo críticas entusiastas. Robert Hilburn escribió en Los Angeles Times: "Neil Young es el compositor que expresa con mayor elocuencia los vínculos esenciales que nos unen a todos".

Durante ese mismo período el director Jonathan Demme también estaba atravesando un momento de cambio en su carrera. Tras el éxito de crítica y público de "El Mensajero del Miedo" había decidido tomarse un año sabático. Concluido éste, Demme llamó a su viejo amigo Young para ver si estaba interesado en colaborar en algún proyecto cinematográfico. Ya habían trabajado juntos en el pasado. En 1993 Young aportó a la banda sonora de la película "Philadelphia" la canción homónima, que fue nominada para un Oscar. Un año después Demme filmó a Young y su grupo Crazy Horse en el proceso de grabación de cuatro canciones del disco "Sleeps With Angels"; el film resultante se tituló "The Complex Sessions".

Dice Demme: "Neil Young es un mago, hace magia sobre un escenario. Es un artista-poeta-trovador al modo antiguo que responde creativamente a la vida que ve en su torno. La música de "Prairie Wind" habla de cuestiones emocionales, sociales y vitales de una forma que a mí me resulta cargada de sentido".

Dice Young: "La sensibilidad musical de Jonathan es bien conocida y se ve reflejada en muchas de sus películas, desde la que hizo con los Talking Heads ("Stop Making Sense") hasta la banda sonora de sus largometrajes. Es alguien que sabe trabajar muy bien con músicos".

Demme y Young concibieron un "concierto de ensueño", no sólo en el sentido de que representara una culminación de la extraordinaria carrera del músico sino en el sentido de que supusiera literalmente la representación de un sueño. El concierto debía evocar la riqueza y complejidad de la visión del mundo de Young. La escenificación integra imagen y música apoyándose en personajes, instrumentos, visiones, tonos, colores y luces combinados con música, voces y silencios en un conjunto orgánico que desafía todo intento de ser etiquetado.

Fiel a este concepto de “experiencia onírica”, Demme nunca muestra imágenes del público o del exterior del Auditorium; nada interrumpe la experiencia privada de la música de Young. Demme colocó en el escenario ocho cámaras y una Steadycam. Desde un principio el director decidió no utilizar movimientos de cámara, prefiriendo que sus cámaras fijas estuvieran en una posición que le permitiera captar la interacción entre Young y los demás músicos.

Demme comenta: "Se abre el telón y aparece un hombre. Es nuestro guía. No nos cuenta ninguna historia concreta sino que nos guía en lo que viene a ser un trayecto emocional muy real y profundamente sentido". Young añade: "El espectador es una especie de fantasma capaz de flotar alrededor, por encima y por detrás del escenario; puede ver cosas que un espectador normal no vería nunca".

Dice Demme de su vieja amiga y colaboradora, la directora de fotografía Ellen Kuras: "Ellen tiene un enfoque puramente emocional respecto al tipo de color que debe acompañar a cada canción. Hace que cada tema que se oye tenga un distinto concepto visual y un color específico. Los colores que se ven en esta película no existen en ninguna otra, no se encuentran ni en una caja de Crayola".

Otro elemento clave de la atmósfera onírica de la película es el vestuario creado por el legendario diseñador de Nashville, Manuel, quien creó atuendos únicos para todas las personas que se ven sobre el escenario y hasta para los miembros del equipo técnico de Young. Manuel concibió un vestuario que es a la vez de "época" e intemporal y que contribuye al aspecto a la vez sobrenatural y artesano de la película.

El diseñador gráfico y escenográfico Michael Zansky creó en colaboración con Demme los telones de fondo de "Prairie Wind", inspirándose tanto en las canciones del disco como en la tradición del Grand Ole Opry de colocar a los artistas en el escenario dentro de un contexto visual específico. Zansky creó los fondos en un enorme salón del campus de SUNY Purchase, en Nueva York, y luego les dio los últimos retoques en el mismo escenario del Ryman Auditorium.

Demme concluye: "Neil Young: Heart of Gold" ha representado una experiencia muy pura, es lo más puro que el cine puede llegar a ser para mí. Se estaba interpretando una música sensacional y el reto para nosotros consistía en encontrar la mejor forma de representarla”.

Para Neil Young tocar en un escenario significa hacer música con los amigos y la familia. La música es el trabajo creativo de una comunidad de músicos, cada uno con un rol tan claro como si fuera un personaje de película. Su mujer Pegi canta y toca la guitarra con su grupo; tenerla junto a él en escena es un detalle especial que da mayor resonancia a los temas interpretados. Young es siempre el protagonista central de sus canciones, pero la elección de colaboradores como Emmylou Harris y otros compinches de toda la vida parece formar parte de cada canción tanto como las propias letras.

En esta ocasión Neil Young está acompañado por el teclista Spooner Oldham, el intérprete de guitarra steel a pedal Ben Keith, los baterías Chad Cromwell y Karl Himmel, el bajista Rick Rosas, el guitarrista Grant Boatwright, el violinista Clinton Gregory, Tom McGinley y Jimmy Sharp a los vientos, y las voces de Diana De Witt, Gary Pigg y Anthony Crawford. Luego están los invitados especiales de Young: Wayne Jackson de los Memphis Horns, los Jubilee Singers de la universidad de Fisk y la orquesta de doce músicos The Nashville String Machine (que cuenta con doce violines Stradivarius). Todos ellos llevan años tocando con Young, algunos desde hace más de 30 años, desde la época de las sesiones del álbum "Harvest". Así es como Young crea un aire de intimidad familiar sobre el escenario, algo necesario a la hora de trabajar con individualidades creativas. Dice Young: "Esta gente no se limita a reproducir algo, son creativos. Son incapaces de tocar lo mismo una y otra vez. El reto para mí consiste en darles espacio para que sean creativos. Y el reto para ellos consiste en tocar la canción de forma que evoque el arreglo con el que se escuchaba en el disco original".

La realización de Demme enfoca el trabajo de cada músico individual dentro de la composición general del grupo y observa cómo los distintos músicos cambian de un instrumento a otro en el curso del concierto. Esta dinámica pone en primer término el propio acto creativo y subraya el proceso de construcción de cada canción: el cuidado, la precisión y la habilidad musical necesarios para encontrar la interpretación adecuada.

Young permanece en el centro del escenario con un instrumento que "no le pertenece sino que sólo lo tiene para tocarlo un rato", por usar sus propias palabras. Esa vieja y gastada guitarra perteneció a Hank Williams, lo que para Young tiene un significado emotivo y profundo.

En los años 70 Young quería comprar una auténtica guitarra Martin y llamó a su amigo Grant Boatwright, que coleccionaba dicho modelo. No muy seguro del sonido exacto que andaba buscando Young, Boatwright le indicó varias tiendas de música de la zona de Nashville, diciéndole que probara distintos instrumentos y le dijera luego cuál le gustaba más. Además, le prestó -por una noche- su guitarra OM Martin de 1933 que había sido propiedad de Johnny Cash. Esa misma noche Young escribió el hoy clásico tema "Field of Opportunity", que aparece en el álbum "Comes A Time".

Boatwright quedó impresionado. Sabiendo ahora lo que estaba buscando Young, le llevó a visitar a Tut Taylor, con el que era co-propietario del Old Time Picking Parlor, de Nashville. Taylor les mostró una Martin D28 Herringbone de 1941; estaba perceptiblemente estropeada pero seguía sonando tan magníficamente como siempre. "Esta es la que quiero", comentó Young. Y entonces Boatwright le hizo la revelación final: esa guitarra había sido propiedad de Hank Williams. Los desperfectos que tenía podían apreciarse en varias viejas fotos de Williams tocándola. Young la compró en el acto. No necesitaba reparación alguna, "sólo hacía falta ponerse a tocarla", recuerda Boatwright.

Young bautizó a la guitarra con el nombre de "Hank". Al preparar los conciertos que serían filmados para "Neil Young: Heart of Gold", Young observó que iba a ser la primera vez que "Hank" sonara en el Ryman Auditorium desde que Hank Williams actuara en el Grand Ole Opry muchos años antes. Young escribió incluso una canción sobre su relación con esta guitarra.

Durante la actuación Young comenta que tocar en el escenario del Ryman es como tocar dentro de una guitarra. También ha comparado el auditorio con “una iglesia, una iglesia de la música”.

Sede del Grand Ole Opry durante más de 30 años, el auditorio de Nashville empezó siendo el Union Gospel Tabernacle. Fue construido por un juerguista capitán de barco fluvial que había venido en 1885 para alborotar y mofarse de los servicios religiosos que oficiaba en el centro de Nashville el reverendo Sam Jones. Pero la visita se saldó con una completa conversión y el capitán Ryman comenzó a financiar su edificación en 1889. A su muerte, el Union Gospel Tabernacle pasó a llamarse Ryman Auditorium por sugerencia del propio reverendo Jones.

Considerada una de las mejores salas de conciertos del Sur, el auditorio tiene una acústica casi perfecta y es utilizado por numerosos artistas. Sigue siendo también el templo de la música country; su veterano escenario tiene históricas "huellas de pisadas" de todas las estrellas de la música country desde los años 40 hasta los años 70.

Young observa que cerca del Ryman están construyendo un rascacielos que bloqueará la luz del sol que antes se filtraba a través de las famosas vidrieras del auditorio: "el lugar está literalmente cambiando ante nuestros ojos". El cambio está en la naturaleza de las cosas pero Young no puede evitar preguntarse si dentro de algunos años la gente recordará cómo era el mundo actual.

En "Neil Young Trunk Show: Scenes from a Concert" (2009), Young, acompañado por un quinteto que también lo apoyó en "Heart of Gold", en vez de su tradicional banda, combina temas acústicos y electrónicos donde se destacan éxitos de su catálogo clásico y otros temas más recientes. Temas como "Cinnamon Girl", "Old Man", "Like a Hurricane" y "Oh Lonesome Me" son presentados sin cortes, ofreciendo extensas tomas de Young acostado sobre su clásica guitarra acústica "Hank" o tocando con "Old Black", su guitarra eléctrica Gibson.

Si bien este documental de Demme puede que no exprese totalmente el punto mas sublime de la carrera de Young, el director ofrece otra contribución valiosa a la extensa obra del artista. Recordemos que el músico ya había sido protagonista de en otro documental con otro director famoso detrás: "Year Of The Horse", estrenado en 1997, donde el cineasta Jim Jarmusch registró una gira de Young junto a su banda de siempre, Crazy Horse.

En 2011 Demme vuelve a centrar su trabajo en la figura de Young en "Neil Young Journeys", una producción que formó parte de la selección oficial del Festival de Cine de Toronto y del Festival de Cine de Los Ángeles.

El documental lleva al espectador a mayo de 2011, una fecha en la que el músico viajó en un Crown Victoria de 1956, el mítico coche, desde la ciudad de Omemee, hasta el icónico Massey Hall en el centro de la localidad de Toronto, donde ofreció los dos últimos conciertos de su gira mundial en solitario, celebrados en la intimidad.

Durante este trayecto, Neil Young relató al cineasta algunas de las historias más curiosas, íntimas y reveladoras de su juventud, anécdotas que el director combinó con la música del mito del rock, incluyendo actuaciones en directo del disco de 2010 "Le Noise", versiones de clásicos como "Ohio", "Hey Hey, My My" o "I Believe In You" y las canciones inéditas "Leia" y "You Never Call".


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Además, este DVD también incluye material extra como el "Viaje a Slamdance: Una conversación con Neil Young y Jonathan Demme", "92Y habla con Neil Young y Jonathan Demme" y "Así se hizo Journeys".

Con "Neil Young Journeys" se completa la trilogía que Demme inició en 2006 con "Neil Young, Heart Of Gold y siguió en 2010 con "Neil Young Trunk Show".


10 motivos por los que admirar a Neil Young

- Porque fue, si no el primero, de los pioneros en reírse del playback en televisión en 1967. En mitad de una actuación con Buffalo Springfield en la que hacían el paripé mientras sonaba "For What It’s Worth", no tiene ningún reparo en levantar las manos de las cuerdas de su guitarra. El imponente atuendo y que le quite la gorra con el mástil de la guitarra a Dewey Martin, el batería, son minipuntos adicionales.

- Porque es el gurú rockero de lo rural. Se compró un rancho con 25 años en medio de California y sigue viviendo allí, alejado del ruido que genera lo urbano con total indiferencia hacia lo que que ocurre en la industria musical y con total sensibilidad hacia lo que ocurre en la música y en la sociedad que le rodea. Además, organiza junto a Willie Nelson y John Mellencamp el Farm Aid, un festival benéfico anual que recauda fondos para los granjeros con problemas para mantener sus explotaciones.

- Porque su integridad y el hecho de tener la hipoteca del rancho pagada le han permitido ciertas licencias que lo alejan de lo convencional. En la década de los 80 sacó tres álbumes ("Re-ac-tor", "Trans" y "Everybody’s Rockin’") tan difíciles de digerir para sus fans que David Geffen, el dueño del sello que los editaba, le llevó a los tribunales por hacer algo así como “música poco representativa de sí mismo”. A Geffen solo le importaba que las ventas fueron desastrosas, claro. Como contaba el propio Young, lo de las ventas es algo que le importaba entre poco y muy poco.

- Porque a pesar de abrazarse a sonidos clásicos y analógicos, cree que la tecnología bien desarrollada puede hacer de la música de siempre algo mejor. Por eso, está intentando desarrollar Pono, un sistema compuesto por un formato de audio digital, un reproductor de esos formatos y una plataforma de distribución musical que quieren que el sonido portátil sea de la mayor calidad posible. Puede que muera en el intento, pero Young siempre hizo lo que tenía que hacer.

- Porque cuando no hace música, Young se entretiene ideando sistemas de control accesibles para discapacitados para los trenes eléctricos Lionel, de los que es copropietario.

- Porque con 67 años unos puede ser ecologista, antimilitarista, activista político en pos del empoderamiento ciudadano y que no se le caigan los anillos por ello.

- Porque es el padre más molón del Bridge School, la organización educativa que ayuda a niños que, como dos de sus hijos -que tienen parálisis cerebral- sufren serios problemas de discapacidad física y comunicación verbal. Al Bridge School Benefit, el concierto que organiza para recaudar fondos, ya han ido músicos y bandas como Elvis Costello, Pearl Jam, Sonic Youth, Tom Petty, Beck, Bruce Springsteen, Metallica, Lou Reed, The Smashing Pumpkins, Green Day, The Who, R.E.M., Foo Fighters, Red Hot Chili Peppers, Ben Harper, Wilco o Paul McCartney. No hay nada tan guay como que papi frecuente ciertas compañías, ¿eh?

- Porque es capaz de captar y expresar la esencia de la indefensión humana con una delicadeza capaz de atravesar cualquier coraza. Porque esa versión tiene más de espiritual, místico e introspectivo que cualquier ceremonia o ritual religioso, sea cual sea su confesión.

- Porque le diagnosticaron un aneurisma, se fue a grabar un disco a Memphis, se operó después y casi muere. Porque al poco de casi morir, fue su padre el que murió y aún así se fue grabar este concierto con Jonathan Demme. El compromiso que uno contrae con su guitarra está por encima de las atenciones que uno se presta a sí mismo.

- Porque, a pesar de ser feo, epiléptico, diabético, tener el pelo estropajoso, haber superado ese aneurisma, tener una voz nada acorde a los cánones, dos hijos con parálisis cerebral y otro epiléptico cuyos cuidados le hacen la vida un poco más dura -aunque a él no le guste decirlo así-, el viejo e incansable Neil sigue queriendo rockear en un mundo libre.



Discografía

Con Buffalo Springfield
Buffalo Springfield (1966)
Buffalo Springfield Again (1967)
Last Time Around (1968)

Con Crosby, Stills y Nash
Déjà Vu (1970)
4 Way Street (1971)
American Dream (1988)
Looking Forward (1999)
Déjà Vu Live (2008)

Con The Stills-Young Band
Long May You Run (1976)

En solitario
Neil Young (1968)
Everybody Knows This Is Nowhere (1969)
After the Gold Rush (1970)
Harvest (1972)
Journey Through the Past (1972)
Time Fades Away (1973)
On the Beach (1974)
Zuma (1975)
Tonight's the Night (1976)
American Stars 'N Bars (1977)
Comes a Time (1978)
Rust Never Sleeps (1979)
Live Rust (1979)
Hawks & Doves (1980)
Re-ac-tor (1981)
Trans (1982)
Everybody's Rockin' (1983)
Old Ways (1985)
Landing on Water (1986)
Life (1987)
This Note's for You (1988)
Freedom (1989)
Ragged Glory (1990)
Weld (1991)
Harvest Moon (1992)
Unplugged (1993)
Sleeps with Angels (1994)
Mirror Ball (1995)
Dead Man (1996)
Broken Arrow (1996)
Year of the Horse (1997)
Silver & Gold (2000)
Road Rock Vol. 1 (2000)
Are You Passionate? (2002)
Greendale (2003)
Prairie Wind (2005)
Living with War (2006)
Chrome Dreams II (2007)
Fork in the Road (2009)
Le Noise (2010)
Americana (2012)
Psychedelic Pill (2012)



Fuentes: sysvisions.com, musicadefondo.wordpress.com, labutaca.net, otrastardes.com, etikmagazine.es, yorokobu.es y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

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Oscar Cigarrón
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Para mi UN HIMNO y toda una DECLARACIÓN DE INTENCIONES!!! Y con la inestimable colaboración de Pearl Jam...y un incombustible Neil Young en 2011...12:00 minutacos de temazo!!!
GRACIAS Presidemente!!!

ROCK EN UN MUNDO LIBRE!!! :=8): :=8): :=8):

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=hvtdbfI1sqQ[/youtube]
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arcay
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por arcay »

:¿8: que faltan los 16 primeros :¿8:
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Presidemente
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

arcay escribió::¿8: que faltan los 16 primeros :¿8:


Ya, ya lo sé. No me he olvidado, es que hasta hoy no he podido usar las dos manos, y todavía me cuesta un huevo. Pronto volveré. :=8): :=8): :yuhu: :yuhu:
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

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