LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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Oscar Cigarrón
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Buen viaje!!!
Y si...yo también he picado!!! Grrrrrr...danos una pista de los dos siguientes...anda...se bueno!!!
Jejeje...
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Nitirito
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Nitirito »

:o_0: :o_0: nos estas acostumbrando mal ... hasta el dia 14 sin nada mas.... :(:

Ojo por esas tierras, parece que están algo revueltas.
Un saludo y buen viaje.
Experiencia es el nombre que todos dan a sus propios errores.
Oscar Wilde.
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yagüe
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por yagüe »

Presidemente escribió:¡¡Has picado!! :D: :D: :D: :D:



















































He intentado dejar otros dos pero, con el curro que tiene, no me ha dado tiempo, tengo que hacer la maleta. :D: :D: :D:
Esto se corta hasta el día 14 que vuelvo de tierras turcas, o sea que ya sabéis, a leer otra vez todo lo que hay.
Sed buenos :))((:


a turkia en estos momentos ??? que huevos presi
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Presidemente
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

:hola: :hola: :hola: :hola: Ya estoy de vuelta y hay que seguir con esto


En el puesto número 66


Leslie West


Al gran Leslie West puede que muchos lo hayan olvidado o no lo hayan llegado a conocer. Es el gran guitarrista y voz de los míticos Mountain y un auténtico privilegiado del hard rock. Su voz es una maravilla, de tesituras negras, es un amante del blues y es pura leyenda.


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Leslie Weinstein es un guitarrista y vocalista norteamericano nacido en la ciudad de New York el 22 de octubre de 1945.

Después del divorcio de sus padres, decidió cambiarse el apellido por el de West, con este nuevo nombre es como lo conocemos, Leslie West.

Este virtuoso de la guitarra comenzó a brillar a los 15 años con su primera banda, The Vagrants. La música que hacían al principio tenía raíces de R&B e influencias soul tipo The Rascals, pero con el paso del tiempo, las pequeñas giras les permitieron adquirir experiencia en directo y el estilo del grupo derivó poco a poco hacia un "rock garage" más propio de la zona de New York donde vivían.

Tuvieron un par de exitos menores titulados "I´can´t make a friend" (1969) y una versión de "Respect" de Otis Redding.

La producción estaba a cargo de Félix Pappalardi, el cual había producido y colaborado tocando el bajo en la grabación del álbum "Disraeli Gears" (1969) de la banda Cream.

Parece bastante evidente que esta conexión entre Cream y The Vagrants fue determinante para que surgiera uno de los grupos de rock más importantes que ha habido, y que por desgracia no ha tenido el reconocimiento que merecía, Mountain.

Al principio la banda estaba formada por Steve Knight (teclados), N.D. Smart (batería), Felix Pappalardi (bajo) y Leslie West (guitarra). En su momento se les catalogó como una versión más "hard rock" de Cream (que se había disuelto hacía poco tiempo), sus influencias más evidentes eran Jimi Hendrix y Eric Clapton. Grabaron el primer álbum con el título "Mountain" en 1969.

La popularidad de Mountain se ensanchó con su aparición en el Festival de Woodstock, en donde interpretaban la sensacional canción “Blood of the Sun” (escrita por West y Pappalardi con letra de la esposa de éste último, Gail Collins, quien también diseñaba las portadas de sus discos) y un tema que aparecería en su siguiente LP, “Theme for an Imaginary Western”, canción escrita por Jack Bruce y el letrista Pete Brown que iba a tener un primer destino para un disco de Cream antes de su separación pero que finalmente no fue grabado por el grupo inglés.

Después de aparecer en el festival, Smart dejó la banda siendo sustituido por Corky Laing ( ex-batería de Energy) y editaron un nuevo trabajo denominado "Climbing!" (1970), producido y arreglado por Pappalardi, que consiguió una excelente acogida comercial, principalmente por el gran éxito “Mississippi Queen”, un tema boogie rock de vigorosa instrumentación subrayando la narración sobre una sensual bailarina del vapor Mississippi Queen. En el álbum, probablemente el mejor de su carrera, también se encontraba el apreciable single “For Yasgur’s Farm”.





Junto a sus grabaciones en estudio, las enérgicas actuaciones de Mountain en vivo, con extensas jams, conseguían acrecentar su talento instrumental (en especial de Felix Pappalardi y Leslie West) y su fortaleza sónica, que en los años 70 terminó por producir una pequeña sordera a Pappalardi debido al excesivo volumen de sus interpretaciones en directo.

Después de “Climbing!”, Mountain publicaron “Nantucket Sleighride” (1971), destacado LP que fue presentado con el single “The Animal Trainer and the Toad”.

El disco continuaba con los vibrantes sonidos blues-rock de su predecesor, poniéndose de manifiesto en sus vertientes en estudio y en directo en “Flowers of evil” (1971), valioso álbum que sin embargo no contó con el respaldo popular, lo que provocó la primera decepción en el seno de la banda.

Un nuevo y disfrutable disco en directo, “Mountain Live” (1972), puso el punto final a esta primera etapa de Mountain, conjunto que se separó poco después de la publicación del álbum, cuando se encontraban en plena gira por el Reino Unido.

Tras esta ruptura, Leslie West y Corky Laing se unieron a Jack Bruce para formar el power trío West, Bruce & Laing, debutando con el disco grande “Why dontcha” (1972); este disco es de obligada escucha para los amantes de los tríos de rock, seguramente Cream sean los mejores, pero no los únicos.

En 1974 Pappalardi volvió a reunir a Mountain pero con algún cambio en la formación, ahora con Alan Schwartzberg (batería), Bob Mann (teclados) y Leslie West (guitarra). Realizaron una pequeña gira por Japón editando un nuevo álbum en directo grabado en Osaka, su titulo "Twin Peaks" (1974).

Mientras en paralelo, la actividad del trío formado por West y Pappalardi continuaba grabando su segundo trabajo llamado "Avalanch" (1974), un nuevo LP que contenía una versión del clásico de los Rolling Stones “Satisfaction”. Esta doble actividad acabó provocando la disolución de Mountain y Leslie West formó su propia banda, la Leslie West Band.

Comienza a editar por su cuenta, contando sus primeros discos con la presencia de Mick Jagger y Mick Jones, pero debe retirarse temporalmente de la música para rehabilitarse del abuso de substancias.

En los años 80 retomó de nuevo el nombre de Mountain para grabar y girar en directo con la ausencia de Felix Pappalardi, que fue asesinado por su esposa, la compositora Gail Collins (co-autora de muchos temas de Mountain y algunos de Cream), quien le disparó mortalmente en el mes de abril de 1983 tras conocer la relación de su esposo con la atractiva starlet y groupie Valerie Merians.

También participó en diferentes colaboraciones, como la grabación del albúm "Who´s Next" de The Who, inicialmente el tema en el que tocó no fue incluido en la edición original del disco, pero si años después en la reedición.

Su prestigio como guitarrista fue en aumento y músicos como Bo Diddley, Joe Bonamassa, Warren Haynes y Ozzy Osbourne, han solicitado su colaboración para conciertos, grabaciones y actos benéficos.

Ha seguido grabando hasta nuestros días con diferentes formaciones en Mountain, quizá la más llamativa sería la de 1993 con Noel Redding ( ex- Jimi Hendrix) y otro gran guitarrista como Elvin Bishop.

Por desgracia, en el año 2011 se le tuvo que amputar una pierna por los problemas derivados de su diabetes provocada por el exceso de peso durante toda su vida, pero eso no consiguió frenar a West, que en ese mismo año editó "Unusual Suspects" con la colaboración de, entre otros, Billy Gibbons, Zakk Wylde, Steve Lukather y Joe Bonamassa. Poco después actuaba de nuevo sentado en una silla.

Un gran guitarrista sin el reconocimiento que merece, pero que debe estar en nuestras estanterías sin lugar a dudas.


Discografía
1969 Mountain
1975 The Great Fatsby
1976 The Leslie West Band
Theme 1988
Alligator 1989
Night of the Guitar- Live! 1989
Live 1993
Dodgin' the Dirt 1994
As Phat as it Gets 1999
Blues to Die For 2003
Guitarded 2005
Got Blooze 2005
Blue Me 2006
Unusual Suspects 2011



Fuentes: last.fm, Flickr, alohacriticon.com, Blog lamejorguitarra, Taringa.net, themetalcircus.com y Wikipedia


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En el puesto número 65


Slash


Un sombrero de copa, una botella de Jack Daniels, su cigarro y una Gibson dorada con la que saca los riffs mas agresivos y las estupendas baladas con las que Guns And Roses se han hecho mundialmente famosos, son las caracteristicas con las que se podria definir a Saul Hudson alias Slash, el elemento que mas claramente ha mantenido la personalidad Hard-Rockera de los Guns y que mas credibilidad y carisma le ha aportado a la banda.


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Slash nació el 23 de julio de 1965 en Store-on-Trent, Staffordshire, Inglaterra, bajo el nombre de Saul Hudson, dentro de una familia multirracial ya que su padre era un típico inglés blanco, y su madre una americana de color. Desde muy pequeño estuvo relacionado con el mundo de la música, dado que sus padres trabajaban para dicha industria. Su padre, Anthony Hudson, diseñaba portadas de discos para artistas como Joni Mitchell. Entre sus numerosos trabajos puede destacarse la original portada del álbum “Court and Spark” de Joni Mitchell.

Su madre, Ola Hudson era diseñadora de ropa, y de esa manera fue como el joven Slash conoció a David Bowie a finales de los 70's; ella había hecho el vestuario que llevaba Bowie en “The Man Who Fell To Earth”.

Al comenzar los 70s, sus padres se separaron, y Slash se fue a vivir a la casa de su abuela. Poco tiempo después, cuando tenía sólo 11 años, se mudó con su madre a Los Angeles, California, Estados Unidos, mientras su padre permaneció viviendo en Inglaterra.

Una vez instalados en la ciudad de Los Angeles, Slash comenzó a estudiar en la escuela secundaria de Beverly Hills, donde conoció a varios amigos que en el futuro llegarían a ser reconocidos artistas al igual que él, tales como Lenny Kravitz y Nicolas Cage.

A la edad de 14, recibió de su abuela, una guitarra acústica de una cuerda con la que aprendió a tocar. Sus influencias fueron desde muy temprano Led Zeppelin, Pink Floyd, Rory Gallagher, Eric Clapton, Rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper, Aerosmith, AC/DC y Jeff Beck.

En una entrevista para Rolling Stone dice: "Mi gran despertar vino a mi cuando tenia 14, trataba de estar con una chica mayor que yo, y un día finalmente me dejó entrar a su casa. Estuvimos ahí un rato, fumamos un poco de marihuana y escuchamos el disco de Aerosmith "Rocks", me pegó muy fuerte. Me senté ahí y lo escuché una y otra vez. Me olvidé por completo de aquella chica. Recuerdo ir en bicicleta de vuelta a la casa de mi abuela sabiendo que mi vida había cambiado. Ahora me identificaba con algo."

La primera canción que aprendió fue "Smoke on the Water" de Deep Purple, Slash dedicaba hasta 12 horas diarias a tocar la guitarra, lo que afectó mucho en su rendimiento escolar, por lo que a los 17 años abandonó la escuela en primer grado, y fue entonces cuando se empezó a enamorar de la escena musical en el Sunset Strip. Comenzó a recorrer el circuito musical angelino en busca de un lugar para él. Participó en bandas como London y Road Crew, y se presentó en cuanta audición le fuera posible para poder realizar el sueño de ser guitarrista de un grupo de rock and roll.

En una oportunidad se presentó en una audición para la agrupación glam Poison, de la cual fue rechazado por su apariencia y su estilo demasiado blusero. Aunque llegó a ser uno de los elegidos como finalista para ocupar el puesto de guitarrista, la banda decidió contratar a C.C. DeVille.

Posteriormente, Slash conoció al baterista Steven Adler, con quien no tardó en entablar una gran amistad. Juntos participaron en la banda Road Crew, pero este grupo solía tener problemas constantemente, puesto que los miembros que pasaban por la agrupación en poco tiempo abandonaban sus puestos.

Mientras tanto, Adler había trabado amistad con Axl Rose e Izzy Stradlin, quienes se encontraban trabajando con su banda Hollywood Rose, en una posible futura gira que los llevaría a Seattle.

En ese momento, el guitarrista Tracii Guns y el baterista Rob Gardner, ambos miembros de Hollywood Rose, dejaron la agrupación ya que no podían realizar aquella pequeña gira, debido a otros proyectos pendientes que tenían dichos músicos.

De esta manera, Slash y Steven Adler entraron a formar parte de Holllywood Rose sustituyéndolos, y así comenzó a consolidarse Guns N´ Roses.

Durante su trabajo en Guns N´ Roses, Slash logró consagrarse como uno de los más importantes y mejores intérpretes de rock de los 90, lo que le llevó a participar como guitarrista invitado en innumerables grabaciones de artistas como Michael Jackson, Iggy Pop, Bob Dylan, Lenny Kravitz, Mötorhead, Alice Cooper, Duff McKagan, Gilby Clarke y Blackstreet and Insane Clown Posse.

Tratando de salvar los restos de Guns N' Roses (que había entrado en una crisis mayor tras la salida del disco “The Spaghetti Incident?”), en 1994 Axl despide a Gilby Clarke y contrata a Paul Huge sin avisar a nadie. Esto enfada a Slash, que dice que no se merece estar en un grupo tan grande como Guns N' Roses. En el cover que grabaron, "Sympathy for Devil", Paul Huge sobregraba los solos que había hecho Slash y este se enoja.

Entre 1994 y 1995, época en la que la banda en un receso, Slash fundó su propio proyecto paralelo, una banda llamada Slash´s Snakepit.

Según se sabe, el nombre del grupo surgió a raíz de que los músicos se reunían a tocar en la casa de Slash, quien como buen aficionado a las serpientes, poseía gran cantidad de estos animales, y todos decían que el lugar parecía una cueva de serpientes. Además, se sabe que el guitarrista quería llamar a su banda sólo Snakepit, pero la compañía discográfica insistió en que llevara el nombre del músico para impulsar las ventas.

Para ello, Slash se reunió a trabajar junto al guitarrista Gilby Clarke, el baterista Matt Sorum, el bajista Mike Inez de Alice in Chains, y el vocalista Eric Dover de Jellyfish. Se dice que juntos escribieron más de doce canciones en menos de dos semanas.

Después de algunos retrasos, Snakepit editó su álbum debut en abril de 1995, bajo el sello de Geffen Records, titulado "It's Five O'clock Somewhere", para el que también colaboraron Duff McKagan, Dizzy Reed y Tedd Andreadis.

Este nombre fue dado al álbum debido a una anécdota: Slash quería conseguir whisky pero no se podía vender alcohol hasta las cinco de la tarde. Después de buscar a un camarero le dijo: "It's five O'Clock Somewhere" (Son las cinco de la tarde en algún lado) y se lo vendió. De ahí salió el nombre. El disco no obtuvo el éxito que realmente merecía debido a que el hard rock había perdido fuerza en el panorama musical frente al grunge.

Mientras tanto, Slash continuaba trabajando para Guns N´ Roses, aunque varias veces confesó en público que disfrutaba más de los pequeños shows de Snakepit, realizados en reducidos locales, que de las monstruosas giras de los Guns, que para esa época se había transformado en la banda de rock más grande de todo el planeta.

Después de varias idas y vueltas, y debido a su disconformidad con la metodología de trabajo de la agrupación, el 30 de octubre de 1996, Slash abandona definitivamente Guns N' Roses después de declarar que no podía trabajar con Rose. Supuestamente había grandes diferencias en la dirección musical que quería darle Slash y él.

A partir de ahí, el guitarrista se dedicó a enfocar su trabajo en Snakepit, realizando una pequeña gira durante ese año, hasta que decidió disolver la agrupación.

En 1995, Slash fue invitado a participar en el "festival de la isla" (Sziget Festival), en la isla Obuda en Hungría, donde le surgió la idea de formar una banda llamada Slash Blues Ball, cuyo repertorio consistía en interpretar covers de grupos de blues. Tocaron frente a 206.000 personas, junto a Iggy Pop, Sonic Youth, Stone Roses, Prodigy y otros músicos variados.

Este proyecto estuvo formado desde el principio con los mismos integrantes: Slash (en la guitarra), Teddy Andreadis (en voz, armónica y órgano), Johnny Griparic (en el bajo), Alvino Bennet (en la batería), Bobby Schneck (en la guitarra de acompañamiento), y Dave McClarem (en el saxofón).

Los dos años siguientes, estuvieron de gira, pero extrañamente nunca sacaron un álbum. Slash dijo, que disfrutó los grandes lugares y el tiempo que pasaba con sus fans, antes y después del show. Entre el repertorio de la banda, estaban temas como "Stone Free", "Born Under A Bad Sign", "Hoochie Coochie Man", "Suspicious" y algunos temas de Bob Dylan, como "Knockin' on Heaven's Door".

En 1998, volvió a fundar Snakepit con una nueva formación, integrada por el cantante Rod Jackson, el bajista Johnny Griparics, el baterista Matt Laug, y el guitarrista Ryan Roxie, quien posteriormente fue reemplazado por Keri Kelli.

Con esta formación, Snakepit editó su segundo disco en octubre de 2000, titulado "Ain't Life Grand". Para promocionarlo, Slash se embarcó en un extenso tour durante el verano con AC/DC.

No obstante, a pesar de su relativo éxito, Slash decidió disolver Snakepit en 2001, según se dice por las presiones que el músico tenía de parte de la compañía Geffen Records, por la organización de giras y futuras producciones discográficas.

Cabe destacar, que desde su renuncia a las filas de Guns N´Roses, además de llevar adelante su propia banda, y crear diferentes proyectos, Slash participó como invitado en diversos álbumes de diferentes artistas.

Finalmente, en 2002, el guitarrista se reunió con Duff McKagan y Matt Sorum, para tocar en un concierto benéfico para el baterista Randy Castillo y en ese momento es cuando decidieron formar una banda.

Cuando Izzy Stradlin (ex-guitarrista de Guns N' Roses) no aceptó la invitación para unirse a la banda, reclutaron a Dave Kushner, quien había tocado en Wasted Youth junto a Dave Navarro. Kushner había estudiado con Slash y trabajado con Duff en la banda Loaded. El cuarteto se llamó The Project mientras encontraban un mejor nombre.

El grupo hizo audiciones para buscar vocalista, entre los que participaron estaban Todd Kerns (Age of Electric), Josh Todd (Buckcherry), Sebastian Bach (Skid Row), Kelly Shaefer (Atheist), y Travis Meeks (Day of the New), pero ninguno se quedó. Scott Weiland escuchó el material de la banda y se ofreció como vocalista, pero la banda no quería generar controversia con su actual grupo, Stone Temple Pilots.

Transcurrió un tiempo y dicha banda se desintegró por problemas internos, y fue entonces cuando Weiland se volvió a ofrecer y fue aceptado. Slash sugirió el nombre Revolver para la banda, y Weiland propuso Black Velvet, juntaron los dos pero luego quitaron Black ya que Black Velvet Revolver sonaba parecido a Stone Temple Pilots, además porque sería más fácil de recordar un nombre más corto.

Mucha gente cree que el nombre es un juego de palabras con el nombre de Guns N' Roses, Revolver es como Guns (armas) y Velvet (terciopelo) es un material suave como las rosas (Roses).

La banda grabó su primer tema "Set me Free" para la banda sonora de la película “Hulk” en 2003, y también hicieron un cover de la canción "Money" de Pink Floyd para la película “The Italian Job”.

Su primer concierto fue en Los Ángeles en junio de 2003 y el primer álbum de la banda, “Contraband”, fue grabado a finales del mismo año y alcanzó el puesto 1 en la lista Billboard de álbumes, el 11 en las listas británicas y 2 en las australianas.

El segundo álbum titulado "Libertad" salió a la venta el 3 de julio de 2007. En su portada el disco tiene la reproducción de la imagen de un ángel rompiendo las cadenas, que aparecía en la moneda de 10 pesos que circuló en Chile durante el régimen dictatorial del general Augusto Pinochet.

El 1 de abril de 2008, Slash, Duff McKagan, Matt Sorum y Dave Kushner anunciaron que el vocalista Scott Weiland estaba despedido de la formación. "Esta banda está dedicada sólo a sus fans y a la música, y Weiland no está involucrado al 100%", dijo Slash. "Entre otras cosas, su cada vez más errático comportamiento en escena y sus problemas personales nos han forzado a movernos". Además, el guitarrista dijo que habrá un tercer álbum de la banda, pero que no sabía "ni cómo ni cuándo, pero que el núcleo de los cuatro músicos continuará".

Durante los meses de marzo a noviembre del 2009, Slash estuvo metido de lleno en la grabación de su primer álbum en solitario, “Slash”. El guitarrista informó a sus fans de los pormenores de la grabación a través de Twitter y Facebook. Este disco contó con la participación de numerosas estrellas entre las cuales figuran Iggy Pop, Steven Tyler ( Aerosmith), Dave Grohl (Foo Fighters), Chris Cornell (Soundgarden), Ronnie Wood (Rolling Stones), Alice Cooper, Fergie (Black Eyed Peas), Ozzy Osbourne, Lemmy Kilmister (Motörhead), M.Shadows (Avenged Sevenfold), Nicole Scherzinger, Adam Levine (Maroon 5), Travis Barker, Josh Freese, Flea (Red Hot Chili Peppers) y también el antiguo baterista de Guns N' Roses y amigo de infancia Steven Adler que toca en uno de los temas. También participaron los antiguos miembros de Guns N' Roses, Izzy Stradlin y Duff McKagan.

Un primer single titulado "Sahara" con Kōshi Inaba de cantante salió en Japón el 11 de noviembre de 2009. La cara B de este single es una versión de "Paradise City" con Fergie y Cypress Hill. El segundo single estaba interpretado por Ozzy Osbourne y salió en febrero de 2010 en todo el mundo.

En el 2009, Slash aparece en la canción "Rockstar 101" del álbum de Rihanna, “Rated R”. El 7 de noviembre aparece en los premios EMA de MTV presentando la categoría de mejor presentación en vivo.

Además de su reciente participación junto a los Black Eyed Peas, en la Super Bowl XLV en febrero del 2011 (interpretó "Sweet Child O' Mine" junto a Fergie) también colaboró en la película "Sid & Nancy" como Punk Rocker (papel secundario).

Su segundo álbum de estudio, “Apocalyptic Love”, salió a la venta en mayo del 2012. Para este trabajo, Slash eligió de entre muchos músicos a Myles Kennedy (Alter Bridge) para que fuera su vocalista en la gira promocional de dicho álbum. Kennedy también participó en dos de los temas del álbum llamados "Starlight" y "Back Form Cali". Cabe destacar que Slash eligió a Kennedy por el impresionante desempeño que ha llevado hasta ahora en su carrera como vocalista de Alter Bridge.

Slash ha colaborado con Michael Jackson, Brian May, Travis Barker, Bob Dylan, Iggy Pop, Lenny Kravitz, Chester Bennington, Queen, Steven Tyler, Joe Perry, Chris Daughtry, Ozzy Osbourne, Zakk Wylde, Alex Blaze, Elán, Jerry Lee Lewis, Carole King, Lemmy Kilmister, Dave Grohl, B.B.King y Rihanna entre otros muchos.

También ha colaborado con las bandas Alice Cooper, Exodus, ZZTop, AC/DC, Avenged Sevenfold, entre otros.

También ha tocado junto a artistas hispanos como Mercedes Sosa, Paulina Rubio (en "Nada puede cambiarme", donde Slash aparece tocando un solo de salida de dicha canción) y junto a la cantante de pop español, Marta Sánchez con la que hizo un tema para el disco “Azabache” de la española y juntos realizaron un tema para la banda sonora de una película producida por Quentin Tarantino, “Tú asesina, que nosotras limpiamos la sangre”.





En cuanto a su vida privada, el 10 de octubre de 1992, mientras la banda se encontraba en plena gira, Slash contrajo matrimonio con la modelo y actriz Renee Suran, pero lamentablemente el divorcio llegó en 1997.

El 15 de octubre de 2000 el guitarrista se volvió a casar, esta vez con la actriz Perla Ferrer, con quien tuvo dos hijos, el primero llamado London, y el segundo Cash Anthony. En el año 2006, Slash volvió a divorciarse.

Como guitarrista, Slash pertenece a ese grupo de guitarristas que no destacan por tener una técnica muy depurada, o por ser virtuosos como instrumentistas. Es mas un guitarrista de feeling, de sangre caliente, que transmite ese tipo de sensación a la hora de aplicarse en cada uno de sus temas.

Ejemplos muy claros los tenemos en canciones como “November Rain”, donde toca unos solos tan soberbios que solo hay una palabra para describirlos: geniales!; también esta la clásica “Sweet Child O´Mine” o incluso en temas mas acelerados como la heavy “You Could Be Mine”, “Dont´Damn Me” o también “Paradise City”, temas donde pega unos guitarrazos formidables haciéndolo hoy por hoy un músico de un carisma inmenso y enormemente influyente en el entorno del rock y sobre todo de la guitarra de nuestra época.


Equipo habitual

Sus guitarras

Gibson
1958 Les Paul Replica: es de la misma signature de Joe Perry, Standard y Custom Les Paul
1959 Standard (Copia)
1969
2004 Signature (Velvet Revolver)
1963 & 1965 Melody Makers
1960s Gibson SG
Gibson EDS-1275
Gibson FROSE-1293
1959 Gibson Flying V
1958 Gibson Explorer
Gibson Snakepit
2006 Gibson HD.6x-Pro Digital LesPaul
ES-335
Firebird VII
J-100

Yamaha
1987 Yamaha Bubu EDS-2685

Fender
1952 Telecaster
1956 Stratocaster
1965 Stratocaster
2006 JagMaster

Ernie Ball/Musicman
Silhouette

Guild
1999 Crossroads Doubleneck (Godzilla)
12-string Acoustic Guitar

B.C. Rich
Mockingbird
10-string Bich

Martin
D-28 Acoustic Guitar

Ramirez Bubu
An Acoustic guitar

Travis Bean
Travis Bean Electric (La usa como slide guitar)

First Act
2006 GarageMaster (La usa en un anuncio de Volkswagen)


Sus amplificadores

Slash es el primer musico en tener una línea de amplificadores creada por Marshall

JCM-800 Head
JCM 900 Head
JCM Silver Jubilee (original 2555 JS, white/silver Marshall head)
2555SL Signature Head
1960BV 4x12 Cabinet
70 Watt Celestion "Vintage 30" Speakers
2003 PEAVEY rage 125 transtube 40W


Sus efectos

Slash recientemente colaboro con Dunlop en su primer pedal signature: "The Slash Wah". Es un pedal híbrido Crybaby wah/distorsión. Últimamente se le vio en una de sus presentaciones en vivo utilizando una BOSS GT3 EFFECTS PROCESSOR

Dunlop DCR-1SR Cry Baby Rackmount Wah Wah
Rocktron Hush II CX
DBX 166 Compressor
Yamaha SPX 900 Multieffect
Boss DD-3 Delay
MXR 10-band graphic EQ
Heil Talkbox


Discografía

Con Guns N' Roses
Live ?!*@ Like a Suicide (1986)
Appetite for Destruction (1987)
G N' R Lies (1988)
Use Your Illusion I (1991)
Use Your Illusion II (1991)
The Spaghetti Incident? (1993)
Live Era: '87-'93 (1999)
Greatest Hits (álbum de Guns N' Roses) (2004)

Con Slash's Snakepit
It's Five O'Clock Somewhere (1995)
Ain't Life Grand (2000)

Con Velvet Revolver
Contraband (2004)
The Melody And The Tyranny (2007)
Libertad (2007)

En solitario
Slash (2010)
Live in Manchester (2010)
Made In Stoke 24/7/11 (2011)
Apocalyptic Love (2012)
2011/2012 (2012)


Fuentes: tuguitarra.com.ar, Flickr, Blog guitarristasdelmar, Blog miguitarrablusera, guitarraonline.com.ar, guitargurumagazine.com y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 64


Duane Eddy


El considerable éxito de Duane Eddy durante los últimos cincuenta y primeros sesenta, demuestra que no se necesita una técnica deslumbrante para ser un buen guitarrista de rock’n'roll. En aquella época, todos los clubes y salas de baile vibraban con el sonido de guitarras que imitaban su estilo. Tal era su popularidad, que en 1960 los lectores de la revista New Musical Express le votaron “personalidad musical mundial del año”.


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Duane Eddy nació en Corning, Nueva York, el 26 de abril de 1938, pero se crió en Phoenix, Arizona. Eddy desarrolló de manera autodidacta su propia técnica de guitarra, ya que su familia, de humilde posición, no podía costearle lecciones o estudios superiores de ningún tipo.

Empezó a tocar a los cinco años de edad, aprendiendo con una vieja Martin acústica. Al cumplir trece años le regalaron una Gibson Les Paul, y a los 16 años dejó los estudios y comenzó a tocar en los clubs locales. En aquellos días su guitarra era una Gretsch modelo Chet Atkins que utilizaría durante años.

Tocó con el guitarrista Al Casey y recibió lecciones de guitarra de jazz de Jim Wybele. Entre sus influencias hubo guitarristas de jazz, de country y de blues, como Chet Atkins, Les Paul, Charlie Christian, B.B. King y Barney Kessel, al que admiraba de manera especial.

En 1957 un disc-jockey local, Lee Hazlewood, le consiguió un contrato discográfico y produjo su primer single. Formo una banda llamada The Rebels con Al Casey, Larry Knechtel y Steve Douglas y se publicó "Movin' 'n' groovin", un tema instrumental en el que aparecía por primera vez su sonido twang, que conseguía tocando la melodía en las cuerdas graves y pasando el sonido resultante por un efecto de eco. Como el estudio de Phoenix carecía de cámara de eco, Hazlewood adquirió un depósito de agua de 7.500 litros en el que consiguieron el efecto deseado. El riff de entrada fue copiado años después por los Beach Boys en su hit “Surfin' USA”.

Sin embargo, para lograr su éxito inicial, tuvo que limitar considerablemente sus posibilidades, amoldándose al concepto que tenía Lee Hazlewood de lo que era un producto sencillo y vendible. El éxito comercial de Duane Eddy se basó principalmente en el sonido, el sentimiento y las melodías básicas. Esta disciplina forzada le reportó grandes beneficios, convirtiéndole en el instrumentista más comercial de su época.

Mucha gente empezó a darse cuenta de que su guitarra no estaba afinada de manera normal. En realidad, Eddy componía y tocaba la mayoría de sus temas en La y en Mi, dejando resonar las notas básicas con las cuerdas al aire, pero estos tonos no resultaban adecuados para el saxofonista Plas Johnson, cuyos vibrantes solos formaban una parte importante de la grabación. Así pues, Eddy afinaba la guitarra la guitarra un semitono más bajo, de manera que con las mismas posturas pudiera tocar en La bemol y Mi bemol, o bien la afinaba un semitono más alto para tocar en Fa y en Si bemol. Más adelante amplió sus experimentaciones.

Su siguiente grabación "Rebel rouser" (1958), alcanzó el puesto nº 6 de las listas y se convirtió en su tema más conocido. Alcanzó la condición de disco de oro en un tiempo relativamente corto y les brindó la oportunidad de aparecer en el programa de TV American Bandstand, presentado por Dick Clark.

Al acabar el programa, Clark le pidió a Eddy otro tema para cerrar el show a lo que respondió: "Bueno, podríamos tocar "Ramrod", un tema que grabamos pero no llegó a publicarse". Duane y The Rebels interpretaron el tema mientras aparecían los títulos de crédito en la pantalla y el lunes siguiente había más de 150.000 pedidos de la canción en el buzón de la compañía discográfica que, naturalmente, se apresuró a publicarlo.

Les siguieron "Cannonball", "The lonely one" y "Yep" (1959). Ese mismo año publicó su segundo Top10, "Forty miles of bad road", al que siguieron "Bonnie came back" y "Some kind-a earthquake", tema que posee la particularidad de ser el de menor duración (1:15) de la historia que ha figurado en las listas de éxitos.

En 1960 grabó otro de sus temas más conocidos, "Shazam!". Su popularidad llegó a Inglaterra donde la revista musical New Musical Express le eligió la personalidad pop más importante del año. Eddy rompió con Hazlewood y decidió hacerse cargo de la producción de sus discos.

Al mismo tiempo comenzó su carrera en el cine. Protagonizó el film "Thunder of Drums" y la serie de TV "Have Gun, Will Travel" y escribió la canción "Because they're young" para el film del mismo título, con el que logró un Top5, su mejor posición en las listas americanas. Otros temas de éxito en 1960 fueron sus versiones de "Peter Gunn" de Henry Mancini y "Pepe", el tema de la película protagonizada por Cantinflas.

Mientras crecía su fama en las pantallas, sus producciones discográficas como "Ring of fire" o "Drivin home" iban a menos, por lo que Eddy volvió a trabajar con Hazlewood y publicó "(Dance with the) Guitar man" (1962), uno de sus últimos hits en Estados Unidos.

Para 1964 Duane Eddy había publicado diez álbumes en los sellos Jamie y RCA. Los miembros de su banda, The Rebels, acabaron formando, entre otros, el famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew.

A finales de la década, Eddy también trabajaba como músico de sesión, haciendo alguna gira que otra y grabando ocasionalmente un álbum. En una gira por Inglaterra descubrió que allí seguía manteniendo una sólida base de fans y se trasladó a Londres donde permanecería varios años.

En los años setenta produjo trabajos de Phil Everly y Waylon Jennings. En 1975, su colaboración con los autores Tony Macauly y Keith Potger generó un hit internacional, "Play me like you play your guitar".

En 1986 grabó con el grupo Art of Noise un remake de la versión que grabó en 1960 de "Peter Gunn", el tema de Mancini. El disco fue Top10 en numerosos países y logró ganar un premio Grammy por mejor tema instrumental de rock.





Un año más tarde publicó el álbum "Duane Eddy" bajo el sello Capitol. Contó con productores de la talla de Paul McCartney, Jeff Lynne, Ry Cooder y Art of Noise y entre los músicos invitados se encontraban John Fogerty, George Harrison, Paul McCartney, Ry Cooder, James Burton, David Lindley, Steve Cropper y los antiguos Rebels, Larry Knechtel y Jim Horn.

En 1994 fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y contribuyó, junto con Carl Perkins, al álbum benéfico "Red Hot + Country" con el tema "Matchbox".

En octubre de 2010 ofreció un concierto en el Royal Festival Hall de Londres, en el que fue recibido con una ovación de diez minutos antes de que tocara una sola nota con su guitarra y en junio de 2011 actuó en el Festival de Glastonbury.

A pesar de su estrellato relativamente corto, Eddy tuvo un impacto inestimable en la música rock; John Fogerty comentaba en Musician: "En mi opinión, Eddy transformó el rock dándole una importancia al músico instrumentista, poniéndolo al frente del show".

Su legendaria técnica con la guitarra se convirtió en un standard y muchos productores pedían a los guitarristas que sonaran "como Eddy". Y no sólo en el rock se encuentran sus influencias, las bandas sonoras que Ennio Morricone compuso para los "spaguetti-western" están inspiradas en su sonido.

Preguntado por cómo se sentía habiendo influido en varias generaciones de músicos, Duane comentó: "Es un como un premio inesperado que me hace sentir más importante. Es una confirmación, varios años después, de que tomé el camino correcto. Y entonces no teníamos ni idea ni referencias en las que basarnos. Esa fue la primera alegría y un gran motivo de satisfacción. Entonces, tiempo después, cuando ya creías que aquello se quedó como parte del pasado y el recuerdo, te llega un chaval y te dice: 'Tú hiciste que yo empezara con esto', y esa es la mayor satisfacción de todas"


Su sonido especial

Según el propio guitarrista, el sonido y el concepto fueron una creación conjunta de Hazlewood, Casey y él. Las sencillas melodías, tocadas en las cuerdas bajas, quedaban perfectamente realzadas por las técnicas de grabación de Hazlewood.

La utilización de la palanca de vibrato para producir trémolos y notas arrastradas formaba parte integral del sonido, así como el uso de un vibrato electrónico bastante lento, probablemente incorporado al amplificador.

Eddy siguió usando su guitarra Gretsch Chet Atkins durante la mayor parte de su carrera, a pesar de que colaboró con Guild en la creación de un modelo “Duane Eddy”. Sin embargo, lo usó muy poco, porque no le gustaban las pastillas que Guild empleaba en los primeros modelos, y perdió el interés por el asunto.

En sus primeros tiempos, Eddy utilizaba un amplificador Magnaton reforzado. Más adelante, le construyeron un modelo especial de 100 watios, que utilizó durante el periodo principal de su carrera discográfica. En las giras que realizó a mediados de los setenta, utilizaba amplificadores de estado sólido, por razones de comodidad.


Discografía

Have twangy Guitar-Will Travel (1958)
Especially for You (1959)
The Twang's the Thang (1959)
Shazam [EP] (1960)
Songs of Our Heritage (1960)
Girls! Girls! Girls! (1961)
Twangy Guitar, Silky Strings 1962)
Twistin' & Twangin' (1962)
Twistin' Duane Eddy (1962)
Duane Eddy in Person (1963)
Surfin' (1963)
Twang a Country Song (1963)
Twangin' Up a Storm (1963)
Lonely Guitar (1964)
Water Skiing (1964)
Duane A-Go-Go (1965)
Duane Does Dylan (1965)
Twangin' the Golden Hits (1965)
Twangsville (1965)
The Biggest Twang of Them All (1966)
The Roaring Twangies (1967)
Duane Eddy [1979] (1979)
Duane Eddy & the Rebels (1987) junto con Paul Mc Cartney, Ry Cooder, Jeff Lynne, Jim Keltner, George Harrison y Steve Cropper



Fuentes: guitarrabarata.com, Flickr, Blog efemeridesdelamusica, Blog rockandrollandsurf y Wikipedia

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En el puesto número 63


Johnny Winter


En una época, a finales de los 60, en la que todo el mundo dentro y fuera del artisteo buscaba innovar y ser algo especial, apareció rompiendo moldes un guitarrista único: un blanco desgarbado y con albina melena al viento que logró hacerse un hueco en la escena musical negra -en un momento en que la tensión racial era muy patente-, practicando un blues-rock que aún hoy todavía tiene como estandarte la fiereza de su voz y la rotundidad vertiginosa de su guitarra.


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John Dawson Winter nació en Leland, Mississippi, el 23 de febrero de 1944, pero creció en Beaumont, cerca de Austin, Texas. Nacido en una familia con inclinaciones musicales (su padre tocaba el saxofón y el banjo y había cantado en los coros de la iglesia; la madre aporreaba el piano en las fiestas familiares) comenzó con el clarinete a los 5 años, el banjo y el ukelele y la armónica a los 9 años.

“De niño empecé a tocar el clarinete, pero enseguida el dentista me detuvo diciéndome que podría tener problemas con los dientes. Me gustaba mucho la música: por casualidad encontré un ukelele y mi padre me enseñó algunos acordes. Me hice bastante bueno y, con mi hermano Edgar, tocábamos canciones como "Bye bye blackbird" y "Ain't she sweet". Mi padre insistía en que aprendiera a tocar la guitarra, aunque era demasiado grande para mis pequeñas manos. Me convencí definitivamente cuando el rock'n'roll empezó a convertirse en una cosa tan importante: dondequiera que mirara, en los grupos de rock, no veía músicos con ukelele, sólo guitarristas " .

De esta manera recuerda Johnny Winter sus inicios en el mundo de la música, estos primeros pasos caracterizados por el dulce sonido del ukelele antes de que el rock-blues arrastrara hasta el centro de la música a uno de los más dotados, viscerales y pintorescos personajes de los años sesenta y setenta

Paso buena parte de su infancia pegado a la radio devorando todo el blues que por entonces se radiaba en la década de los 50, principalmente del legendario sello de Chicago Chess Records, se impregnó de toda aquella música negra y quedó cautivado de por vida con aquellos ritmos.

Al cumplir los 14 años, en 1958, formó Johnny Macaroni and the Jammers, su primera banda junto a su hermano Edgar. Esta agrupación luego cambió su nombre por el de Johnny and The Jammers, y así grabó su primer disco, "School Day Blues"-, como premio por ganar un concurso de nuevas bandas en Texas; como no ganaban mucho, Johnny para ayudar en casa, trabajaba como cultivador de coles.

Ciertamente, al principio impresionaba un poco ver a un muchacho con la tez muy blanca y los cabellos rubísimos de sólo veinte años tocar blues con aquella voracidad. Otro episodio, contado por el mismo Winter, aclara los contornos de su personalidad: "Una noche, a finales de 1962, mi hermano y yo fuimos a ver tocar a B. B. King a Raven. Eramos los únicos chicos blancos entre un millón de negros y no pasábamos precisamente desapercibidos. Algunos de nuestros amigos sabían que mi gran aspiración era tocar por lo menos una vez con B. B. King. Así que le hablaron y él pareció muy sorprendido: me pidió que le enseñara el carnet del sindicato de músicos, yo se lo enseñé y entonces él aceptó, pero advirtiéndome: "Sin duda tú no conoces mis canciones". "Oh, no, respondí. Conozco todas sus canciones". De esta manera empezamos a tocar y creo que lo hice bien; el público aplaudía y B. B. King me dijo que me convertiría en un músico importante en el transcurso de poco tiempo. Algunos años más tarde lo encontré de nuevo y él se acordó de mí, me felicitó por mi carrera y por mis discos. Realmente, es un gran personaje".

Enseguida desarrolló un gran amor por la música negra: escuchaba muchos discos y compuso sus primeros blues. Muchos lo tomaban por loco, ya que, siendo blanco, más bien albino, tocaba un repertorio genuinamente negro.

Pero él no se dejó desmoralizar y con 18 años, en 1963, se trasladó a Chicago, allí se encontraba en ese momento toda la escena blues de primera división compuesta por gente como Little Walter, Muddy Waters, T-bone Walker y Howlin´ Wolf, sus héroes de infancia.

Pero la ciudad, que ya contaba con los héroes genuinos, no tenía cabida para imitaciones y menos si venían de un joven blanco. Curiosamente el rechazo por ver a un tipo albino tocando blues era mayor en los clubes de blancos que en los clubes para negros. Su mayor hazaña en la ciudad fue hacer algunas actuaciones en la banda de Mike Bloomfield.

Decepcionado y ante la falta de disposición de la escena blues en Chicago hacia su figura, en menos de un año se ve obligado a regresar a casa.

A su vuelta decide unirse de nuevo a su hermano Edgar y forman J.W & The Black Plague (nombre irónico para la banda ya que su hermano también era albino). En esa época graban “Eternally”, un single que les hace Atlantic Records y con el que consiguen cierta notoriedad en Texas y Lousiana.

Tras numerosas giras por todo el sur de Estados Unidos, Winter decide formar un trío llamado Winter junto a Tommy Shannon (bajista) y “Uncle” John Turner (batería). Es con este trío con el que comienza a obtener una mayor repercusión en el resto del país logrando con ello llamar la atención del periodista de la revista Rolling Stone, Steve Paul, el cuál en un artículo define a Winter como "un albino bizco de unas 138 libras y de larga pelambrera, capaz de tocar los más explosivos y fluidos guitar blues que hayas podido escuchar. Se llama Johnny Winter, y Mike Bloomfield dijo que era el mejor guitarrista blanco de blues. Yo lo confirmo". Este artículo le posibilita entre otras cosas que Imperial Records, un pequeño sello de la época, le grabe su primer disco en 1968, “The Progressive Blues Experiment”, aunque no saldría a la venta hasta el año siguiente.

1969 es el año en el que su carrera estalla definitivamente. Arropado por una emergente escena británica en la que una nueva generación de jóvenes estaba llevando el blues-rock otra vez a las listas de éxito (Clapton, Savoy Brown, Ten Years After, etc), todo se pone de cara para un joven Winter al que en ese año le ocurren una serie de hechos trascendentales que marcarán el resto de su carrera.

Primero marchó a San Francisco, polo creativo fundamental en la época; allí tocó con Janis Joplin, Quicksilver Messenger Service y otros grupos históricos. Después se trasladó de nuevo a Nueva York donde graba una sesión en The Record Plant junto a Jimi Hendrix; allí conseguiría ascender en su carrera artística al ser contratado como estrella permanente del club The Scene

Pero, si duda, el hecho mas relevante fue firmar, con la asistencia del manager Steve Paul, con CBS (Columbia) un contrato de 300.000$ al año con el que se convierte en el artista en solitario mejor pagado de la época.

Mientras tanto sigue recorriendo festivales por los Estados Unidos, tal como venía haciendo desde hacía un año. Algunos de los eventos en los cuales participó durante aquella época fueron: Woodstock, Festival de Newport (en California), Festival de Pop de Dallas, Recital en el Estadio de Denver ante 50.000 personas, Festival de Jazz de Rhode Island, Festival pop de Atlanta y Festival Antibélico de Nueva York (con Janis Joplin, Paul Simon, Steppenwolf y muchos más)

Johnny Winter engrosó el grupo de músicos blancos que estaban dando vida a un filón blues de sabor eléctrico: Al Kooper y Mike Bloomfield, entre otros, había superado la limitada concepción del blues como música racial y difundían este sonido también entre el público blanco.

Tomando como modelo a seguir a artistas musicales de la talla de Muddy Waters y Howling Wolf, ese año comenzó su actividad discográfica oficial al editarse su primer disco, "Johnny Winter", que incluía tanto temas eléctricos como acústicos. En la grabación de éste estuvo acompañado por Edgar (teclados), John Turner (batería) y Tommy Shannon (bajo) y también por algunos bluesmen "históricos" como Willie Dixon y Sharkey Horton.

Con una detonante repercusión, en 1970 lanza al mercado su segundo álbum oficial, "Second Winter", un doble álbum que sólo lleva grabadas tres caras. Aquí, además del blues, Winter demuestra amar toda la música popular de aquellos años: interpreta temas de rock'n'roll de Chuck Berry y Little Richard, y realiza una personal versión de "Highway 67 Revisited", de Bob Dylan.

También por ese entonces, Edgar dejaría de tocar junto a él; razón por la cual Johnny Winter convocó a nuevos músicos para formar otra banda. Entre ellos se encontraba Rick Derringer de los McCoys.

La nueva formación llamada Johnny Winter And poseía un sonido más cercano al hard rock, y en 1971 publicó "Johnny Winter And" (considerado por muchos como su obra maestra), con rápidas e hirientes incursiones en el repertorio de artistas famosos: "Johnny B. Goode" clásico de Chuck Berry, "Jumpin' Jack Flash" perteneciente a los Rolling Stones y "No time to live", de Winwood/Capaldi.

Esta primera fase discográfica se cerró con un álbum en directo titulado "Jony Winter And-Live"', grabado en el Fillmore East de Nueva York y en el Pirate's World de Florida. El disco está considerado uno de los mejores directos de la historia del rock. La época con la banda de Rick Derringer le dió todo y casi se lo quita todo.

Este álbum en directo se publicó cuando ya Winter había decidido retirarse al campo, necesitaba someterse a una cura de desintoxicación de los excesos que había cometido con la heroína en las noches que lo habían llevado en tan poco tiempo a convertirse en una leyenda de la guitarra.

La cura surtió efecto, como lo testimonia su participación improvisada en un tema incluido en el álbum "Roadwork", publicado por su hermano (que en ese tiempo había mantenido en alto el nombre de la familia albina): su versión "conjunta" de "Rock and roll hoochie koo" es uno de los momentos más aplaudidos.



Después de esta etapa negra en su historia personal, ya desintoxicado y con la ayuda de su amigo guitarrista (y también productor) Rick Derringer, Winter puede volver a lo grande con el álbum "Still alive and Well", que contiene temas de nivel excepcional, como el fulminante "Rock'n'roll" (escrita por el mismo Winter) y el inédito firmado por Mick Jagger y Keith Richards "Silver train", además del ya famoso "Let it bleed". El disco del gran regreso de Winter escaló a gran velocidad las listas de éxitos y volvió a llevar al cantante al corazón de los fans.

Más tarde llegarían al mercado los álbumes "Saints and Sinners" en 1974 y "John Dawson Winter III", primer disco con su nueva compañía discográfica, Blue Sky. Para este álbum, John Lennon le ofreció un tema memorable, "Rock'n'roll people", y el productor Alien Toussaint el bello "Mind over matter".

Entre 1975 y 1976 Winter llevó a cabo una gran gira por Estados Unidos con su hermano Edgar, y en 1976 (al cabo de pocos meses) publicó dos álbumes como testimonio de aquellos espectáculos: "Johnny and Edgar Winter together Live" y "Captured Live".

En 1977 graba "Nothin But The Blues", en el que se acompaña de la banda de Muddy Waters, otro momento crucial en la vida y carrera de Winter, su encuentro con su héroe e icono de toda la vida. Winter produce para él 4 discos con varios premios Grammy. Aunque en la época de trabajo con Muddy Waters aún graba un par de discos más, "White Hot And Blue" (1978) y "Raisin’ Cain" (1980), Winter estuvo entregado por completo a él y dejó aparcada su propia carrera para estar al lado de su héroe de infancia hasta que este falleció en 1983.

Después, el guitarrista albino frecuentó durante un tiempo el circuito menor, lejos de los grandes escenarios y de los grandes contratos discográficos. Pero, de esta manera, reencontró su viejo amor por el blues que la tentación de abarcar a un público más amplio le había hecho olvidar un poco.

Winter retoma su carrera en 1984 fichando por la compañía Alligator Records con la que graba tres discos espectaculares, "Guitar Slinger" (1984), "Serious Business" (1985) y "Third Degree" (1986). Todos ellos con nominaciones a Grammy y en los cuales la guitarra de Winter dispara como una ametralladora riffs y licks salvajes en el mejor estilo de blues tejano que uno halla podido oír.

Difícilmente puedes encontrar en otros guitarristas solos con slide como los que aparecen en estos tres discos. Blues eléctrico, crudo, exagerado y generoso. Según el propio Winter reconoce nunca ha sido un gran compositor, de hecho la mayoría de su carrera esta basada en versiones y composiciones de otros artistas, sobre todo de su hermano Edgar y de Rick Derringer, pero es un gran improvisador.

Capaz de hacer solos de guitarra interminables y mantenerte atento sin respiración, tratando de asimilar cada frase y cada giro, dejándote al terminar el solo como si una manada de búfalos te hubiera pasado por encima. Es en estos tres discos donde puedes encontrar al mejor Winter guitarrero, una enciclopedia de tres tomos de guitarra blues “texas style” y slide.

En 1988 graba "The Winter of 1988" un álbum que pasa desapercibido pero es uno de los más eléctricos de su carrera y que merece la pena tener en vinilo aunque sólo sea por la portada y contraportada.

En 1991 regresa al estudio y da a luz a uno de los mejores trabajos de su carrera, "Let Me In"; un disco en el que se acompaña de gente como Dr. John y Albert Collins. Una grabación excepcional y un perfecto resumen del estilo de Johnny. Este disco supone el primero con la compañía Pointblank.

Al año siguiente lanza el disco "Hey, Where’s Your Brother?", nominado a los Grammy. También en 1992 sale a la venta el álbum de recopilaciones "Scorchin' Blues".

Cuatro años después, ya durante algunos meses de 1996, graba con su hermano el disco "The Real Deal" manteniendo las giras y recitales. Producto de ello, al año siguiente, sale a la venta el disco grabado en vivo "Live In NYC '97" recopilando cinco años de conciertos.

Tras algunas recopilaciones, Winter regresó en 2004 con su primer álbum de estudio en ocho años, "I’m a Bluesman", con el que logró su nueva nominación a los Grammy Awards.

En mayo de 2009 hizo el lanzamiento de su nuevo recopilatorio "The Johnny Winter Anthology" distribuido esta vez por Sony Music Entertainment y, más cerca, en 2011 editó el disco "Roots", con Megaforce Records.

La discografia de Winter es tan extensa que está plagada de decenas de recopilatorios, sesiones de estudio y directos no oficiales imposibles de listar.

A día de hoy sigue girando por el mundo llevando su blues tejano a todos los rincones. Con una salud muy debilitada debido a los excesos con las drogas y prácticamente ciego debido a su problema congénito, además de padecer Síndrome del Túnel Carpiano y problemas de cadera, apenas se tiene en pie. Toca sentado en un taburete y está lejos de ofrecer los directos incendiarios y salvajes a los que nos ha acostumbrado a lo largo de su carrera.

Johnny Winter representa el amor y la lealtad al blues como pocos artistas del género han sabido mantener. Toda su carrera se ha mantenido fiel a ese blues que escuchaba en la radio de su casa y que ha sido compañero de viaje en su enorme y prolífica trayectoria. Únelo junto con la era rock que le ha tocado vivir y tendrás uno de los mayores legados de la historia de la música contemporánea. Una auténtica leyenda... de las de antes.

Como él mismo decía en una de sus entrevistas hace años: "Tío, una de las cosas que más fascinado me tiene y no logro entender porqué, es lo mucho que me gusta el blues. Hay un hueco en mi vida que solo llena el blues. Es para mi una necesidad".


Discografía

Álbumes oficiales
The Progressive Blues Experiment (1968)
Johnny Winter (1969)
Second Winter (1969)
Johnny Winter And (1970)
Live Johnny Winter And (1971)
Rock N' Roll (1972) - con Edgar Winter
Roadwork (1972) - con Edgar Winter's White Trash
Still Alive and Well (1973)
Saints & Sinners (1974)
John Dawson Winter III (1974)
Thunderhead (1975)
Captured Live! (1976)
Together (1976) con Edgar Winter
Nothin' But the Blues (1977)
White, Hot and Blue (1978)
Raisin' Cain (1980)
Guitar Slinger (1984)
Serious Business (1985)
Third Degree (1986)
The Winter of '88 (1988)
Let Me In (1991)
Hey, Where's Your Brother? (1992)
Scorchin' Blues (1992)
Live In NYC '97 (1998)
I'm A Bluesman (2004)
The Johnny Winter Anthology (2009)
The Woodstock Experience (2009)
Roots (2011)



Fuentes: last.fm, Flickr, componemos.com, loslocosdelblues, blog grandes-guitarristas, cutawayguitarmagazine.com y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 62


Robert Fripp


En los años sesenta surgieron muchos de los grandes guitarristas de rock. La mayoría de ellos siguieron un desarrollo más o menos paralelo, basado principalmente en la música de los guitarristas de blues norteamericanos. Sin embargo, Robert Fripp adoptó una dirección totalmente diferente a la de sus contemporáneos.

Aunque utiliza guitarras eléctricas y acústicas para producir una gran variedad de texturas musicales, son sus poderosos solos eléctricos los que le han procurado su reputación como guitarrista. Su sonido, frecuentemente distorsionado y saturado, se combina con un estilo fluido, adquirido a base de años de estudiar las escalas, las estructuras de acordes y las armonías de muchas culturas musicales. Su trayectoria, elegida deliberadamente, le ha permitido abrir constantemente nuevos terrenos.

Es quizá uno de los guitarristas más innovadores y disciplinados de los últimos 40 años, conocido por la creación y manejo del grupo King Crimson. Fripp es para muchos un semidios de la música, para otros tantos un personaje que inspira terror por la exigencia en la interpretación y conocimiento musicales, además es una personalidad que transita libremente en las fronteras de la genialidad y las enfermedades mentales.


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Nació el 16 de mayo de 1946 en Bear Cross, Wimborne, Dorset, en el sur de Inglaterra. Empezó a tocar la guitarra a los once años. En la Nochebuena de 1957 su madre le regaló una guitarra modelo Egmond con las cuerdas tan duras, que para afinarla necesitaba la ayuda de unos alicates. El mismo Fripp ha comentado que tardó más de quince años en abandonar los malos hábitos adquiridos al aprender a tocar con esa primera guitarra.

Después de practicar durante tres semanas, se dio cuenta de que eso era lo que quería hacer el resto de su vida. Inició clases de musica con su profesora Mrs.Gartels, que era pianista y que al poco tiempo, viendo el progreso de su joven alumno, le recomendó que se buscará un profesor específico de guitarra. El elegido fue Don Strike, que más que enseñarle la técnica lo que le mostró es como relacionarse con el instrumento, introducirse en la fuerza del mismo, la experiencia que representa interpretar, en resumen a entender a la guitarra.

Fripp pronto se dio cuenta que no tenía buen oído para tocar y decidió suplir estas carencias con esfuerzo y práctica; ensayaba horas y horas. Otro punto importante para su desarrollo era estar cerca de buenos instrumentistas, aprender una buena técnica para evitar que los sentimientos dominen la manera de tocar e influyan en la calidad de la interpretación.

Su familia le apoyó en sus estudios musicales pagándole las lecciones y llevándole a Westbourne, para tomar clases prácticamente cada semana durante dos años. La primera canción que tocó con su guitarra fue "My Bony, lays over the Ocean”.

El guitarrista ha citado como sus primeras influencias a Scotty Moore y Chuck Berry. Ya con once años compró el sencillo de Elvis, "Don´t be Cruel". Esta conexión con el primer rock´n´roll encontró un eco posterior a través de sus colaboraciones con grupos punk, o de la nueva ola neoyorquina, como The Damned, Talking Heads y Blondie. Hay ejemplos de rock´n´roll en su discografía en solitario y él mismo participó, en 1980, en la grabación del tema "Hound Dog", para un disco del violinista Walter Stedding.

Fripp dejó de estudiar a los dieciséis años. Desde los catorce estuvo vinculado a grupos musicales y una de las primera bandas a la que se unió era Cremation actuando por las tardes en un hotel de la pequeña localidad de Bournemouth.

Antes de volver a estudiar en un College para pagar los gastos de los estudios teniendo claro que no iba a seguir la carrera de subastador de su padre, tocó en dos grupos de rock semiprofesionales del área de Bournemouth llamados The Ravens y The League of the Gentlemen, con Gordon Haskell (bajo), Tino Lucinio (Guitarra), Stan Levy (Batería) y Reg Matthews (Voz); años después, en la década de los ochenta, rescató un nombre parecido para una de sus formaciones.

Tras esta experiencia Fripp pasó tres años en la Majestic Dance Orchesta, donde sustituyó a Andy Summers. Este trabajo le permitió pagar los gastos del College.

Nos encontramos en el año 1967, año en el que las piezas de lo que sería King Crimson empezaban a encajar.

Fripp decidió dejar sus estudios y dedicarse a la música exclusivamente; mientras tanto los hermanos Giles habían abandonado su banda y buscaban un organista para su nuevo grupo. Fripp no era organista, pero decidió presentarse a la prueba, quería un grupo estable y esta era una oportunidad. Se hicieron muchas grabaciones de prueba en el Hotel Beacon pero los hermanos Giles no confirmaron a Fripp como miembro estable de la banda.

En agosto de ese mismo año se fueron los tres juntos a Londres, los habían contratado como trío de acompañamiento para un cantante italiano llamado "Hot Lips" Moreno. El nombre del trío era Giles,Giles & Fripp y solo grabó un álbum titulado "The Cheerful Insanity of Giles, Giles and Fripp". Esta propuesta duro una semana, no era hacia donde querían ir y lo dejaron lo más rápido que pudieron.

En Londres se hablaba en aquellos momentos del nuevo albúm de The Beatles titulado "The Sargeant Peppers Lonely Hearts Club Band", de la llegada de Jimi Hendrix a Inglaterra, la experimentación musical, los nuevos albúmes conceptuales, etc..

Con las cintas grabadas mientras estaban afincados en la localidad de Bournemouth, decidieron presentarse en una discográfica; eligieron una de las más progresistas de aquella época, Deram. Uno de los managers de la compañía era Tony Waddington, como curiosidad comentaremos que había formado parte del cuarteto de Pete Best (uno de los originarios Beatles). Consigueron grabar su primer single "One in a Million", pero las ventas fueron mínimas.

Poco después se les unio Ian MacDonald con lo cual teníamos la base formada de lo que sería en breve King Crimson. También se incorporó al grupo Pete Sinfield, que se encargaría de las letras, luces y cierta parte de sintetizadores.

A partir de aquí encontramos a un guitarrista que empezó a innovar, capaz de aglutinar a diferentes músicos para obtener una serie de álbumes que ya son clásicos del rock progresivo.

En 1968 la banda se componía de Robert Fripp (guitarra), Greg Lake ( bajo y voz), Pete Sinfield (letras, puesta en escena, etc), Michael Giles ( bateria y percusiones) e Ian McDonald (teclados, flauta, guitarra, etc). Con esta formación grabó su primer álbum realmente importante "In the Court of the Crimson King" (1969). Cuando se publicó tuvo críticas encontradas, pero el tiempo lo ha puesto en su lugar como una de las obras maestras de la música de los 60 y 70.

El impacto de King Crimson fue inmediato y considerable. En la vanguardia del “rock progresivo“, combinaron conceptos clásicos y sinfónicos con elementos de rock. El estilo experimental de Fripp, acentuando por la insistencia de su sonido crudo y distorsionado, era uno de los puntos fuertes del grupo.

Posteriormente junto con diferentes formaciones editó diferentes albumes como líder de King Crimson, "In the Wake of Poseidon" (1970), "Lizard" (1970), "Islands" (1971), "Earthbound" (1972), "Larks´Tongues in Aspic" (1973), "Starless and Bible Black" (1974),"Red" (1974) y por último "USA" (1975). Todos ellos en la primera etapa del grupo.

En 1973 Fripp se asoció con el músico electrónico Brian Eno para grabar el importante LP "No Pussyfooting", un álbum de solos de guitarra procesados electrónicamente.

King Crimson se disolvió, en teoría para nunca mas volver, a finales de 1974, agobiados por los frecuentes cambios de personalidad y por los problemas derivados de la actitud dictatorial de Fripp.

"En 1974 dejé King Crimson por varias razones. A nivel profesional fue, sobretodo, el resultado de la posibilidad decreciente de un contacto real entre la audiencia y los músicos. Me pareció que eran tres las causas: Primero, los crecientes aforos en los acontecimientos de rock; segundo, la aceptación general de la música rock como deporte de espectador; tercero, la relación vampírica entre la audiencia y los músicos." Robert Fripp (1980)

Desencantado con todo el circo del rock y las giras, decidió que quería dar clases de guitarra dedicándose sobre todo a estudiantes de grado medio y avanzado. En una entrevista dejo claro su objetivo diciendo " Prefiero empezar por el cono que no por la base de la pirámide" refiriéndose a sus alumnos.

Para entender su técnica al tocar os adjunto un extracto de una entrevista que le realizaron hace unos años "Como guitarrista lo más notable de mi estilo es que tengo dos manos y me he esforzado durante trece años en desarrollar la técnica de la púa de mi mano derecha.Sin embargo la mayor parte de los guitarristas de rock no saben usar la púa y casi todos sus movimientos los hacen con la mano izquierda.Eso no te permite tener un control real sobre el instrumento...".

A mediados de los setenta, se retiró de los ambientes musicales para “seguir una educación alternativa”. No obstante, tuvo tiempo de grabar una segunda colaboración con Brian Eno, “Evening star“.

Siguió colaborando en 1976 en la gira de Peter Gabriel y en 1977, Brian Eno le llamó para que participara en la grabación del álbum "Heroes" de David Bowie; la guitarra de Fripp era al elemento dominante en el single del mismo título.

Cuando reapareció, emprendió una estrategia cuidadosamente planeada. En una serie de artículos que escribió para Musician, Player and Listener en EEUU y para Sound International en Inglaterra, expresó sus puntos de vista personales acerca de la música y la industria musical. Asimismo, anunció que en el futuro se proponía actuar como “una pequeña unidad móvil de inteligencia”.

A partir de entonces colaboró con diferentes músicos como Daryl Hall, de nuevo con Gabriel, Peter Hamill, Phil Collins, Tony Levin, etc. Todos ellos también compartieron sus habilidades con Fripp, lo que le permitió obtener suficiente material para su primer albúm en solitario "Exposure" (1979). El nombre del disco coincide con uno de los temas que había cedido anteriormente a Peter Gabriel; en él aparecen por primera vez los "frippertronics".

En 1980 realizó un gira de presentación del disco y después, de manera lúdica, se unió a la que realizaron Talking Heads y Blondie. Fripp empezaba a tener curiosidad por el "punk" que estaba en su mejor momento por aquellos años.

En 1981 editó dos discos "The League of Gentlemen" y "Let the Power Fall", dos discos difíciles de escuchar y entender, pero que nos siguen mostrando un ansia incontenible de experimentación.

Durante ese período, trabajó en dos discos con su amigo Andy Summers, "I Advance Masked" en el que Fripp y Summers tocaron todos los instrumentos, y "Bewitched" que estuvo más dominado por Summers, además de que tuvo la participación de varios músicos más.

En 1984 formó una nueva banda junto con Tony Levin al bajo, Bill Bruford a la batería y Adrian Belew, que había tocado con Frank Zappa y con Talking Heads, a la guitarra. La intención era realizar un trabajo donde cada músico aportara su idea y realizara sus solos en los temas de manera creativa. Grabaron un álbum llamado "Discipline", el nombre del grupo no estaba claro pero finalmente durante una actuación Brian Ferry les comentó que sonaban a King Crimson, y así renació de nuevo la banda hasta nuestros días.



Los nuevos Crimson obtuvieron tan buena acogida como los originales, y realizaron largas giras por Europa, grabando otros dos álbumes, “Beat” y “Three of a perfect pair”, antes de disolverse de nuevo.

Fripp considera que sus mejores trabajos como guitarrista los ha realizado a partir de 1980.

Después de esto ha desarrollado múltiples facetas como músico y productor. Una de ellas es un método de aprendizaje e interpretación de la guitarra, Guitar Craft (Habilidad con la Guitarra ), dirigiendo y coordinando más de cien cursos desde 1985 hasta la actualidad. El movimiento ha generado varios grupos con identidad propia: California Guitar Trio, Los Gauchos Alemanes, Robert Fripp & The League of Crafty Guitarists, The Robert Fripp Quintet, etc..

Ha grabado varios discos y producido varios trabajos de diferentes músicos colaborando como instrumentista en algunos de ellos: Brian Eno, Cheikha Rimitti, Theo Travis, David Sylvian (Ex-Japan), Andy Summers (Ex-Police), Steven Wilson (Porcupine Tree), Jeffrey Fayman, Jhon Paul Jones, etc.. Ha creado una especie de imperio empresarial de la música llamado Discipline Global Mobile, donde se concentran cientos de músicos relacionado con él, o no, en algunos casos, como Jethro Tull o Led Zeppelin.

Siempre ajeno a las demandas del mercado, Robert Fripp sigue su propio camino, ya sea como productor, guitarrista “invitado”, intérprete solista o director de banda. Su notable obra como guitarrista y sus provocativas opiniones sobre la música han servido de inspiración a una nueva generación de guitarristas. Su técnica de “Frippertronics” -a la que ha dedicado varios álbumes- y su LP “Exposure” le han convertido en uno de los guitarristas más influyentes de los últimos 30 años.

No olvidemos tampoco el desarrollo de los "Soundscapes" (música gravada y modificada posteriormente mediante sintetizadores y procesamiento digital) que Fripp sigue investigando y ofreciendo nuevos caminos a este instrumento maravilloso que es la guitarra.



Los Frippertronics

A principios de los años 70, en los albores de la música electrónica, Rober Fripp tuvo una idea.

Encadenó dos magnetófonos de la época de modo que la cinta, después de pasar bajo la cabeza magnética del primero se guiaba a la del segundo y la cinta se recogía en el carrete de éste. El primero se ponía en modo grabación y el segundo en modo reproducción, de manera que lo grabado en el segundo podía ser reproducido en el primero con cierto retardo, dependiendo de lo separados que estuvieran físicamente los aparatos.

El sonido reproducido en el segundo se realimentaba al primero con un cable de audio, es decir, la salida de audio del segundo se conectaba en la entrada de línea del primero.

Finalmente enchufó un guitarra al primer magnetofón y se puso a tocar.

¿Qué sucedió? Pues que el sonido de la guitarra era grabado en la cinta, marchaba hasta la segunda máquina –donde era reproducido con un retardo entre 3 a 5 segundos– y se reinsertaba en el primero.

Después del primer bucle, teníamos dos guitarras sonando. Tras el segundo bucle tres, después cuatro, y así sucesivamente. Naturalmente esto hubiera generado un caos de mucho cuidado de no ser porque el sonido realimentado se atenuaba un poco con respecto al nivel de la guitarra.





La técnica en sí no hubiera dado resultados especialmente espectaculares de no haber sido inventada y utilizada por uno de los mayores guitarristas y músicos de la historia del rock: el propio Robert Fripp.

En colaboración con Brian Eno grabó varios discos basados en esta tecnología (aunque añadiendo otros elementos como el editado y procesado de la señal).

El sonido puede gustar o no, pero creativo si que es. En 1979 editó "God Save the Queen", los "frippertronics" incluidos en la grabación pertenecen a actuaciones en directo. En la cara B encontramos los "Discotronics", mezcla de "frippertronics" y música disco.



Discografía

The Cheerful Insanity of Giles, Giles, and Fripp (1968)
(No Pussyfooting) (1973)
Evening Star (1975)
Exposure (1979)
God Save the Queen/Under Heavy Manners (1981)
League of Gentlemen (1981)
Let the Power Fall (1981)
I Advance Masked (con Andy Summers) (1982)
Bewitched (con Andy Summers) (1984)
Network (1985)
God Save the King (con the League of Gentlemen) (1985)
The League of Crafty Guitarrist Live (1986)
Show of Hands (1991)
The First Day (with David Sylvian) (1993)
Darshan (with David Sylvian) (1993)
Kings (with David Sylvian) (1993)
1999 Soundscapes: Live in Argentina (1994)
The Bridge Between (1994)
Damage: Live (con David Sylvian) (1994)
Redemption-Approaching Silence (con David Sylvian) (1994)
FFWD (with The Orb) (1994)
Intergalactic Boogie Express: Live in Europe 1991 (1995)
A Blessing of Tears (1995)
Radiophonics (1995)
Thrang Thrang Gozimblux (1996)
That Which Passes (1996)
November Suite (1997)
Pie Jesu (1997)
The Gates of Paradise (1998)
Lightness: for the Marble Palace (1998)
The Repercussions of Angelic Behavior (con Bill Rieflin y Trey Gunn) (1999)
The Equatorial Stars (2004)
Love Cannot Bear (2005)
The Cotswold Gnomes (with Brian Eno) (2006)
At the End of Time (Churchscapes Live in England and Estonia) (2007)
Beyond Even (1992 - 2006) (con Brian Eno) (2007)
Thread (con Theo Travis) (2008)
A Scarcity of Miracles (con Jakszyk y Collins) (2011)



Fuentes: dawn.kingcrimson-mp.com, Flickr, Blog lamejorguitarra, milenio.com, guitarrabarata.com, Volumen11.com y Wikipedia

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En el puesto número 61


Dickey Betts


Forrest Richard Betts: segundo guitarrista, vocalista y miembro fundador de la Allman Brothers Band, mítico grupo de Rock Sureño que se caracterizaba por destacar sobre los demás en cuanto al gran nivel de todos sus miembros, por la calidad de sus composiciones, las inventivas recreaciones de clásicos del Blues y sobre todo por sus legendarios directos –lugar en el que desplegaban insuperables y grandiosas improvisaciones-.

Conocido en el mundo de la música por Dickey Betts, conformó junto a Duane Allman –genio del que hablaremos mas adelante, su puesto está bastante mas arriba-, uno de los dúos guitarreros más interesantes del Rock, impactando ya desde el primer disco homónimo editado en 1969.


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Nacido el 12 de diciembre de 1943 en West Palm Beach, Florida, Betts se crió en un entorno musical; en su casa se escuchaba bluegrass, country y Western Swing. Comenzó a tocar el ukelele a los cinco años pero, como sus manos eran demasiado grandes, se cambió a la mandolina, al banjo y a la guitarra.

A los dieciséis años y con la necesidad de algo "un poco más rápido", tocó en una serie de bandas de rock en el circuito de Florida, la costa este y en el medio oeste antes de formar la Second Coming con Berry Oakley en 1967.

En 1969, Duane Allman se había ganado una muy buena reputación como músico de sesión con un contrato con el ex manager de Otis Redding, Phil Walden. Walden planeaba crear un power trio con Allman, que debía reunir al resto de la banda.

Cuando Duane estaba organizando las jam sessions para reclutar músicos, le ofreció a Oakley entrar en la banda. Este a cambio le puso como condición que con él entrase el guitarrista Dickey Betts. Duane aceptó tener una sesión con él y pudo comprobar el feeling que tenían los dos; no obstante han sido uno de los mejores dúos de guitarras de la historia del Southern Rock.

Al final, el power trío se convirtió en sexteto y formaron Allman Brothers Band con Duane Allman a la guitarra, su hermano menor Gregg que se ecupaba del órgano y de la principal parte vocal, Dickey Betts a la segunda guitarra, Berry Oakley al bajo y la pareja Butch Trucks y Jaimoe Jai Johanny se encargaban de sus respectivas baterías.

Betts y Oakley procedían del grupo Second Coming, Butch Trucks de Thirty first of February y Jaimoe era un amigo de Duane, que había trabajado como músico de sesión en "Fame".

Su primer disco fue el homónimo "The Allman Brothers Band" (1969), publicado en el sello de Phil Walden, Capricorn Records y producido por Adrian Barber.

El resultado fue un gran trabajo debut repleto de blues y rock distinguido por la sabia interactuación guitarrera establecida entre Duane y Dickey, y la buena capacidad en la escritura de Gregg Allman, también un magnífico vocalista y teclista.

Si "The Allman Brothers Band" había sido un espléndido comienzo, el sexteto grabaría una continuación aún mejor, "Idlewild South" (1970), un sensacional disco producido por Tom Dowd. Este fue el primer álbum de los Allman Brothers en el que Betts comenzó a destacar por su habilidad en la composición, siendo el autor de una pieza instrumental de aire Jazz que se convirtió en una de las más queridas en los conciertos, tanto por los seguidores como por el mismo grupo, pues se convertía en el vehículo idóneo para las improvisaciones y la abrumadora libertad creativa de esta gente….

El tema del que estamos hablando es “In Memory Of Elizabeth Reed”.

Según se cuenta, el nombre de esta composición está tomado de la inscripción de una lápida que estaba en el cementerio Rose Hill de Georgia, lugar preferido por algunos de los miembros de la banda para componer y buscar la inspiración… Aunque también se dice que iban allí a hacer otras cosas menos musicales ¿Quién sabe?

En 1971 publicaron su trabajo más popular y uno de sus cimas como grupo, el doble álbum en directo grabado en Nueva York, "At The Fillmore East" (1971).

Sus excitantes conciertos, plagados de largas pero nada pesadas jams, pueden ser paladeados en este gigantesco disco de blues rock con querencia jazz que cuenta con temas de la talla de "Statesboro blues" o "Whipping post". Este trabajo consolidó a los Allman Brothers como una de las mejores formaciones de los Estados Unidos en su época y logró unos estupendos resultados comerciales.

Esta situación feliz duró poco para la banda, pues unas semanas después de la publicación del disco, Duane Allman fallecía a causa de un accidente de moto el 29 de octubre de 1971.

Tras este durísimo golpe el grupo regresó al año siguiente con el álbum “Eat A Peach” (1972), dedicado a la memoria de Duane; otro magistral doble álbum con partes en estudio y partes en directo en el cual se puede escuchar todavía la llorada guitarra de Duane; el disco fue un gran éxito en ventas, alcanzando el puesto número 5 en listas de Lps.

Con este emotivo trabajo, Dickey Betts ganó más protagonismo y vio aumentar el número de aportaciones propias, entre la que destaca una romántica composición dirigida a la que era por entonces su novia y más tarde esposa, una nativa americana llamada Sandy, “Blue Sky”.

Después de la muerte de Duane, Betts se convirtió en el único guitarrista de la banda y también adquirió un mayor papel de liderazgo.

Como las cosas pueden ir siempre de mal a peor, la tragedia recayó de nuevo sobre el grupo a finales de 1972 cuando, el bajista Berry Oakley, falleció también en un accidente de tráfico muy similar al de Duane, durante las sesiones de grabación de "Brothers And Sisters".

El disco volvió a dedicarse a un hermano caído y supuso otro gran trabajo del conjunto sureño. Se caracteriza por el ascenso al liderazgo del grupo de Betts. Fue su álbum más vendido, alcanzando el puesto número 1 en las listas de Lps y algunas de sus piezas, compuestas por él, se convirtieron en clásicos de primer orden, como el instrumental "Jessica", dedicado a su hija y "Ramblin Man", con el que alcanzaría el numero 2 de las listas.

Esta borrachera de éxito comenzó a provocar disensiones internas, en especial entre Betts y Gregg, quienes iniciarían en esos años sus respectivas carreras en solitario: Betts publicaría el magnífico "Highway call" (1974) y Gregg Alman presentaría el también sobresaliente "Laid back" (1973).

La boda entre Gregg y Cher, supuso otro inconveniente para el buen futuro de la banda, pues el rubio teclista y vocalista adoptó un ritmo de vida muy de estrella, al gusto de la popular cantante.

El liderazgo de Betts era cada vez más claro, lo que alejaba también el interés de Gregg por la formación y su distanciamiento con los demás miembros, apartados de la vorágine estelar.

"Win, Lose or Draw" (1975), el nuevo trabajo en estudio de Allman Brothers Band supuso un paso atrás en su carrera y una decepción para público y crítica.

La culminación de estas tensiones fue el juicio por drogas a Gregg Allman, en el cual testificó en contra de un roadie del grupo, con la posterior condena para éste. Esta declaración supuso la ruptura del espíritu comunero que alentaba a la formación y la reacción de sus compañeros fue el abandono total de relaciones con su antiguo amigo y compañero de fatigas musicales. Corría el año 1976 y los Allman Brothers decidieron romper como grupo.

Dickey se centra totalmente en su banda The Great Southern; con ellos grabaría dos discos "Dickey Betts & Great Southern", en 1977 (en este disco aparecía la canción "Buganvilla", co-escrita con la futura estrella de Hollywood, Don Johnson) y “Atlanta's Burningn Down”, en 1978.





A pesar de que Betts dijo que nunca volvería a trabajar con Gregg, los dos líderes de la formación y los baterías Butch Trucks y Jaimoe se reunieron para grabar "Enlightened rogues" (1979), un buen disco con Dan Toler incorporado como nuevo guitarrista; de este disco salió otro éxito "Carzy Love", llegando al puesto numero 2 de las listas.

Posteriores esfuerzos como "Reach for the sky" (1980) y "Brothers on the road" (1981) supusieron una decepción artística y comercial, lo que les condujo de nuevo a la ruptura en 1982.

Betts volvió a su carrera como solista, tocando en pequeños conciertos en vivo y lanzando el álbum "Pattern Disruptive" en 1989.

Ese mismo año The Allman Brother Band vuelven a la actividad; Betts grabaría dos discos más con la banda, "Shades of two worlds" en 1991 y "Where it al begins" en 1994.

En el 2000 Betts deja definitivamente el grupo, aunque la ruptura no sería muy amistosa, el propio Betts demandó a sus antiguos compañeros, y vuelve a formar The Great Southern.

En el 2001 vería la luz su nuevo trabajo en estudio, "Let's Get Together", y en el 2002 sacaría una colección de temas folk, homenajeando a grandes músicos y estructurando algún tema suyo; el álbum se llamaría “The Collectors”.

En 2005 lanzó el DVD "Live at the Rock and Roll Hall of Fame" y en 2006 el directo, “The Official Bootleg”.

En 2008 sale a la luz “Rockpalast: 30 Years of Southern Rock,”, su último disco hasta la fecha.

En 2009, Betts anunció durante una actuación el 17 de diciembre en la ciudad de Nueva York, sitio de muchos de sus mayores logros, que esa sería la última gira que haría: "No me estoy retirando. Seguramente habrá algunos grandes eventos especiales en los que estaré en el futuro. Pero por ahora, quiero despertar mañana con mi agenda vacía".

Actualmente Betts se encuentra centrado en tocar por todo el mundo, algunas veces incluyendo a su hijo Duane Betts, honor que ha compartido junto con Charlie Daniels Band, Lynyrd Skynyrd o Bob Weir entre otros.


Guitarras

En los primeros tiempos de Allman Brothers, Betts tocaba con una Gibson SG 1961, que luego cambió a Duane Allman en 1971 por una Gibson Les Paul 1957 Goldtop, a la que llamó "Goldie" y que recientemente pintó de rojo.

En 1974 Betts adquirió una guitarra personalizada Alembic con su nombre "Richard Betts" escrito en el diapasón.

A partir de abril de 2009, Betts utiliza una Fender Telecaster roja con golpeador perlado y ocasionalmente una Fender Stratocaster. También es endorser de PRS Guitars y a veces se le puede ver con una Gibson ES-335 1961 Cherry Red.


Discografía

En solitario
Highway Call (1974) (Richard Betts)
Dickey Betts & Great Southern (1977) (Dickey Betts & Great Southern)
Atlanta's Burning Down (1978) (Dickey Betts & Great Southern)
Night (Unreleased Country Album) (1982) (Dickey Betts)
Pattern Disruptive (1989) (Dickey Betts Band)
Let's Get Together (2001) (Dickey Betts Band)
The Collectors #1 (2002) (Dickey Betts & Great Southern)
Back Where It All Begins: Live at the Rock and Roll Hall of Fame & Museum (DVD) (2005) (Dickey Betts & Great Southern)
The Official Bootleg (Live) (2006) (Dickey Betts & Great Southern)
Rockpalast: 30 Years of Southern Rock, 1978 - 2008 (DVD) (Dickey Betts & Great Southern)



Fuentes: blog grandes-guitarristas, Flickr, alohacriticon.com, blog 101bluesllegar, inzona.es y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Slash en el 65??? Madre mía...vete avanzando que esto promete!!! :wink:
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por pokemon »

Yo creo que hay un gran guitarrista, algo mas modesto pero por ello de menor calidad.

:#||: :#||:

http://youtu.be/PRR_dMwQepU

Aqui durante su carrera en solitario.

http://youtu.be/q9Q-DaVfVzI
Todos deberiamos creer en algo. Yo creo que tomaré otra copa.

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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 60


Ron Asheton


La guitarra de Ron Asheton fue clave en el sonido y vida de los Stooges, soltando a raudales un sonido denso y arrebatador que casaba a la perfección con la actitud y forma de ser e interpretar del por entonces menudo Iggy Pop, básica y salvaje. El resultado de todo esto era simplemente una música ejecutada sin compasión, arrolladora.

Para muchos su trabajo en los Stooges puede considerarse como el punto de despegue de lo que diez años más tarde se llamaría punk rock.


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Ron Asheton nació el 17 de julio de 1948, en Washington D.C., aunque vivió siempre en Ann Arbor, Michigan. Comenzó a tocar la guitarra con diez años, cansado quizás del acordeón que sabía tocar desde los cinco.

Cuando cumplió dieciocho se fue a vivir a Ann Harbor. En el libro "Please Kill Me", el propio Ron describía así su adolescencia: “Yo era el tío raro. En la escuela era el completo bicho raro, el idiota, o el freak, y siempre me llamaban el beatle gordo, porque solía llevar trajes de beatle como ropa de vestir. No tenía muchos amigos y me interesaba, sobre todo, el rollo nazi (…). Llevaba a la escuela pins de las SS, dibujaba esvásticas en mis libros, dibujaba bigotes de Hitler en las fotos de todo el mundo y me dibujaba pequeños símbolos de las SS en el brazo”.

Iggy Pop, que estuvo viviendo en el gueto de Chicago hasta que entendió que no tenía sentido imitar a los gigantes del blues, a su regreso a Ann Arbor, convocó a varios instrumentistas elementales para fundar un grupo que conjugara la pegada del rock de garaje con cierto aliento vanguardista: admiraba a jazzmen como John Coltrane y Albert Ayler.

Allí estaban Ron y su hermano Scott, y junto con David Alexander y Pop, formaron los Stooges, que a la larga, resultarían los más influyentes por su impacto sobre el punk rock de los setenta.

Hasta el nombre parecía una provocación: hacía referencia a los Three Stooges (Tres Chiflados), desquiciados humoristas cinematográficos que ganaron un nuevo público con la televisión infantil. Muy pronto la banda adquirió gran renombre en los alrededores de Detroit gracias a sus agresivas interpretaciones y las impactantes apariciones de Iggy en escena.

En este punto hay que recalcar que aún corrían los años sesenta, en los que su oferta musical devastadoramente ruidosa y el estilo vocal desafiante de Pop, eran tragos difíciles para los oídos de la generación Woodstock.

Pero el origen del salvaje estilo de esta banda puede rastrearse tanto en sus influencias musicales como en la vida de cada uno de sus integrantes. Scott Asheton era un delincuente juvenil que se hizo expulsar del colegio para poder llevar el pelo largo; Iggy trabajaba como empleado de una tienda de discos mientras soñaba con convertirse en un bluesero negro; Ron Asheton era un joven solitario que decidió vender su motocicleta para viajar a Inglaterra y estar cerca de los Beatles. Quizás uno de los momentos que acabaron por definir la estética de los Stooges, haya ocurrido justo en ese viaje, mientras Ron escuchaba a los Who en un pub de Liverpool.

"Dave (Alexander) me propuso que fuéramos a Inglaterra -confesarí­a el guitarrista-. Vendí la moto, una Honda 305, y nos fuimos. Fuimos a The Cavern a escuchar a The Who. El local estaba lleno de gente pero logramos acercarnos al escenario justo cuando Townshend rompí­a su Rickenbacker contra el suelo. Fue mi primera experiencia de un caos absoluto. El público no aplaudía, solo hacía ruidos bestiales, como una jauría de perros que no ha probado bocado y se topa con un trozo de carne. Nunca antes había visto a la gente correr hacia el lado salvaje de la vida por culpa de la música. Fue entonces que me di cuenta de lo que quería hacer".

El primer disco de la banda se llamó como el propio grupo, y fue editado en 1969, por Elektra. Danny Fields, que trabajaba para esta compañía, descubrió a The Stooges en un show en el Michigan Union Ballroom, en el que eran teloneros de MC5 ( banda de la que por cierto se dice que nunca tomó en serio a los de Iggy). Fields convenció a Elektra de que los Stooges eran una bomba a punto de estallar y que había que atarlos a toda costa a la compañía.

Inicialmente iban a contratar únicamente a MC5, y acabaron firmando también con unos incrédulos Stooges, que se vieron con un contrato sin haber compuesto prácticamente una canción como banda.

Así que, después de mentir vilmente a su compañía diciendo que existía un repertorio propio, Iggy y Ron Asheton procedieron a componer clásicos de la talla de "I Wanna Be Your Dog" o "Real Cool Time" a velocidad de vértigo. La primera tanda de canciones que compusieron no completaban el espacio necesario para completar un álbum. En una segunda tanda, Dave Alexander sorprendió con un tema como "We Will Fall", cuya melodía compuso en un estado de sumo relax.

La intención del grupo era abarcar en su música la infinidad de influencias que cada uno de ellos tenía, que abarcaban cosas tan variopintas como los Rolling Stones, The Who, The Beatles, The Doors (clara referencia a ellos en la portada del disco), pasando por Harry Partch o Ravi Shankar, e incluso cantos gregorianos(¿¿¿??).

Supongo que esa intención de mostrar tantas cosas, junto con una experiencia inexistente en la composición de temas, es la que provoca un resultado como este disco, lleno de clásicos de tres acordes, con un sonido que no se había escuchado hasta entonces, y derrochando una actitud que pronto se agenciaría la generación punk.

"Es el sonido más sucio y crudo que se haya escuchado en una banda de rock. Estamos en 1969 y The Stooges, un cuarteto de delirantes de Detroit, acaba de inventar el punk rock. Frente al micrófono se sacude, frenético, un escuálido muchachito llamado James Osterberg, pero al que todos conocen como Iggy Pop. Desde la batería vienen machaques primitivos, viscerales, a cargo de Scott Asheton, que marcan el pulso con los graves del bajo de Dave Alexander. Ron Asheton, el guitarrista, apenas se mueve, pero se ve cool con su pelo largo y lentes. Y cuando toca los acordes asesinos de "I Wanna Be your Dog" con el Marshall en 10, el impacto de su sonido primitivo y crudo le cambia la cara al rock para siempre. Pero, en este momento, son muy pocos los que se dan cuenta", así describían algunas revistas de la época la música de los Stooges.

El productor John Cale les repetía continuamente que los amplis tan altos no sonaban bien. En palabras de Ron: "(...) no sabíamos tocar si no era a ese volumen (...) Al final, llegamos a un acuerdo. Bajamos los amplis al nueve".

Muchas bandas han inspirado su sonido en el de los discos de los Stooges, pero el sonido de estos sigue siendo único. Suena a topicazo, pero pocas veces ha sido tan cierto: fue el estilo de Asheton a la guitarra el que ayudó a definir un sonido que fue característico en bandas como Sex Pistols, Clash, Ramones, etc.

Al año siguiente, pese a las escasas ventas y las numerosas críticas negativas, Elektra confió en ellos y el grupo grabó su segunda obra maestra, "Fun House", plástico que junto al anterior debut de éstos y con el paso del tiempo, se nos han revelado como dos álbumes imprescindibles en la historia del Rock.

Esta vez compusieron los temas con tiempo, además eran mejores músicos, lo que dio como resultado un disco más jazzy, improvisando en algunos temas (incluso hay uno totalmente improvisado, "L.A. blues", que sería lo que entienden por caos sónico los de Detroit). De todas formas, la producción y el sonido eran una evolución lógica del primer disco, sustituyendo las canciones de tres acordes por canciones un poco más sofisticadas, pero tampoco en exceso. Incluyeron en este disco en varios temas el saxo de Steve MacKaye.

Las guitarras de Ron Ashenton, al igual que los colores de la portada de la carpeta, parecen sacadas del mismo infierno, son un exorcismo de distorsión pasadas por “Wah-Wah” generadoras de una música tan radical como primaria. Así lo describió Asheton: "la paz y el amor tenían poco que ver con aquellas canciones. Nos daba igual que la gente se sintiera bien. Nos interesaba más lo que estaba pasando en realidad, lo aburrido que era todo, cómo te tratan en realidad. La palabra perfecta para describir nuestra actitud era “Basura”. Que les den por saco, somos basura, nos da igual".

Después de publicar su segundo álbum, la convivencia en el grupo era cada vez más difícil, y la entrada de las drogas duras no ayudaron a mejorar la situación. A pesar de todo hay anécdotas divertidas que el mismo Asheton relató: "cada vez que tocábamos en Nueva York, venía un tipo y nos daba un frasquito lleno de cocaína. Una noche estábamos sentados en el camerino con Miles Davis, y al final llega el tío y tira un buen montoncito sobre la mesa. Imaginad la escena; la cabeza de Miles Davis junto a la de los Stooges, todos esnifando. Allí no quedó nada. Más tarde Miles Davis diría de nosotros: “Los Stooges son originales, tienen alma”.

Al poco tiempo expulsan del grupo al bajista Dave Alexander y entra en su lugar James Williamson. Ron lo describió así: "(...) Empezamos a probar a gente, y James Williamson se presentó a la prueba. Yo tocaba todo acordes potentes, mientras que él utilizaba acordes más melódicos, iba un poco más allá de mi estilo Stooge. Nos pareció bien, era un tipo que ya conocíamos, y era buen guitarrista".

Los problemas de adicción a la heroína entre algunos miembros del grupo se acrecientan, los Stooges son una máquina de quemar dinero y la discográfica pronto se cansa y les echa a la calle. Iggy Pop viaja a Nueva York y coincide con David Bowie y su manager Tony DeFries, resultado: al día siguiente Iggy firma un contrato con la CBS y viaja a Londres con James Williamson para grabar un nuevo disco. Ron Asheton cuenta la incorporación de su hermano y él al resto del grupo: "Iggy y James se fueron a Inglaterra, y al cabo de tres meses, típico de Iggy, me llama y me dice, “Hemos probado cien baterías y cien bajistas, y no encontramos a nadie suficientemente bueno. ¿Por qué no venís tú y tu hermano a tocar la batería y el bajo?”

Los hermanos Asheton aceptaron, por que no gozaban de una situación muy buena en los States. Grabaron "Raw Power" (1973), mezclado por el propio Iggy Pop y David Bowie.

Por las circunstancias en las que fue grabado, muchos lo consideran el primer álbum en solitario de Iggy, y razones no faltan para pensarlo. El grupo pasó a llamarse Iggy and the Stooges, y en la gira de reunión no tocan un sólo tema de este lp, mientras Iggy en solitario siempre toca "Raw power" y "Search and destroy" como mínimo, entre otros temas de los Stooges.

La banda no duró mucho más, vivieron unos meses como rock stars, y llegó la irremediable separación, ya que era cuestión de tiempo que Iggy comenzara su andadura en solitario. Eso sí, la historia pronto los convertiría en leyendas, unos años más tarde con la explosión punk hasta nuestros días se les reconoce precursores de una actitud y un estilo que sobrevive a todas las edades del rock´n roll.

Precavido con la heroína, Ron Asheton no fue el más damnificado de los Stooges: el bajista original, Dave Alexander, fallecería en 1975. Mientras Iggy ascendía a peculiar icono global, Ron a mediados de los 70 formó The New Order (no confundir con New Order), con otros ilustres nombres de la escena de Detroit. También tocó con Destroy All Monsters a finales de los 70, o con New Race a principios de los 80, este último grupo formado por miembros de los australianos Radio Birdman, enormemente influidos por el sonido de los Stooges.



En 1998 unió su talento con los de Mark Arm (Mudhoney), Mike Watt (The Minutemen) y Thurston Moore y Steve Shelley (Sonic Youth) en la grabación del sountrack de "Velvet Goldmine". En el año 2000 decide reunirse con su hermano Scott y con Mike Watt para hacer varios shows bajo el nombre de The New Stooges. En seguida, Iggy también se les une y vuelven a ser The Stooges.

Comienzan a hacer conciertos desde 2003 y llegan a grabar un nuevo álbum de estudio en 2007 llamado "The Weirdness".

El 6 de enero de 2009 fue encontrado sin vida en su domicilio de Ann Harbor, en Michigan (EE UU) a los 60 años. Estaba tendido en el sofá y, al parecer, llevaba varios días muerto. La Policía desveló que "su asistente personal" les alertó a medianoche después de llevar casi una semana intentando contactar con Asheton sin éxito. "No creemos que haya nada ilegal", apuntó el sargento Brad Hill, encargado de la investigación, quien habló de un posible ataque al corazón. El problema de Asheton con el corazón no era nuevo. Últimamente, estaba demasiado gordo y eso propició aún más sus problemas vasculares.

Tras su muerte se creó la Fundación Ron Asheton, una fundación de caridad que hace recaudación de fondos a través de conciertos y donaciones para apoyar la atención veterinaria para los animales en los hogares pobres, y los departamentos de música para las escuelas públicas, entre otros.


Equipo habitual

Guitarras
Reverend Ron Asheton Signature guitar (Custom Volcano 390)
Reverend Jetstream guitar
Gibson Les Paul
Gibson Flying V
Fender Stratocaster
Gibson SG Jr.
Guild X-79

Efectos
Vox Wah
Reverend Drive Train
Mosrite Fuzzrite
Ibanez Tube Screamer
Vox Tone Bender

Amplificadores
Vox Super Beatles Amp
Marshall 1959
Marshall JCM 800
Marshall JCM 900
Sunn 2000S


Discografía

Con The Stooges
The Stooges (1969)
Fun House (1970)
Raw Power (1973)
The Weirdness (2007)

Con The New Order
New Order (1977)
Victim of Circumstance (1989)
Declaration of War (1990)

Con Destroy All Monsters
November 22, 1963 (1989)
Bored (1999) - recorded in 1978

Con New Race
The First and Last (1982)
The First To Pay (1989)
The Second Wave (1990)

Con Dark Carnival
Live - Welcome to Show Business (1990)
Greatest Show in Detroit (1991)
Last Great Ride (1996)
HOTBOX Greatest Hits 6 Disc set (2006)

Con The Empty Set
Thin Slim & None/Flunkie (1996)

Con Powertrane
Ann Arbor Revival Meeting (2003)



Fuentes: taringa.net, Flickr, rockrepublik.net, blog grandes-guitarristas, blog busmagico, elpais.com, blog efemeridesdelamusica, elcorreo.com, cucharasonica.com y Wikipedia

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En el puesto número 59


Robbie Robertson


Jaime Robert Klegerman, más conocido como Robbie Robertson, es un músico, compositor y productor musical canadiense, célebre por su trabajo como guitarrista del grupo de rock The Band y por su asociación al músico Bob Dylan en su primera gira eléctrica en 1966.


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Jamie Robert nació el 5 de julio de 1943 en Toronto, Ontario. De padre judío y de madre mohawk. Cuando murió su padre biológico, Mr. Klegerman, jugador de cartas profesional asesinado mientras cambiaba un neumático en la calle Queen Elizabeth, entre Toronto y Niagara Fall, su madre, Rosemary Crysler, se trasladó a vivir con una tía a Toronto, donde dio a luz. Su madre se casó al poco tiempo con otro hombre, de quien Jamie tomó su apellido.

Pasó gran parte de los veranos en la reserva Six Nations, al norte del Lago Erie, donde su madre había nacido. Allí, rodeado de familiares que tocaban violines, mandolinas y guitarras, empezó a sentir pasión por la música. A los diez años comenzó a recibir clases de guitarra y se vio influido por la música blues y rock and roll que escuchaba en la radio WLAC de Nashville (Tennessee).

En el colegio formó con trece años su primera banda, Little Caesar and The Consoles, que rebautizó al poco tiempo como Robbie Robertson and The Rhythm Chords, y posteriormente como Robbie and The Robots, influido por la película de ciencia ficción "Planeta prohibido".

Tras abandonar los estudios, Robertson logró hacerse un hueco en la escena local de Yonge Street como guitarrista junto a su grupo, integrado por Pete Traynor y Scott Cushnie, y comenzó a componer sus primeras canciones. Una noche actuaron como teloneros de The Hawks. Según comentó Robertson en relación a The Hawks: “Tocaban el rock and roll más rápido y violento que jamás escuché. Era excitante. Los solos podían ser realmente ruidosos, Ronnie Hawkins entraba y aullaba, luego se relajaba, y luego volvía a cantar alto”.

The Hawks se formó como banda de apoyo al cantante de rockabilly Ronnie Hawkins. El primero en unirse a Hawkins fue Levon Helm, que comenzó tocando la batería ; le siguieron Jimmy Ray «Luke» Paulman, Fred Carter Jr. y Willard «Pop» Jones.

Tras una audición, Robertson entró en el grupo. Según Levon Helm, batería y líder del grupo en ausencia de Hawkins: “Una tarde entré en el club y Robbie estaba tocando para Ronnie un par de canciones que había escrito. Esa noche Ronnie me dijo: «Hijo, ¿conoces a ese niño que ha venido a pasar el rato? Tiene tanto talento que me pone enfermo. Quizás deberíamos cogerle”.

Robbie Robertson entró en el grupo como bajista, y a posteriori como guitarrista principal tras la marcha de Fred Carter Jr.; en mayo de 1961 entró Rick Danko en sustitución de Rebel Paine, contratado apenas un año antes para suplir el puesto de bajista dejado por Robertson. Finalmente, Richard Manuel sucedió a Williard Jones al piano y por último Garth Hudson como organista. Todos ellos unos multiinstrumentistas y músicos de primera, con los que más tarde formaría The Band.

Con The Hawks, Robertson consiguió una importante reputación como guitarrista en la escena musical de Toronto y la Costa Este de Estados Unidos, debido a extensas jornadas con conciertos y ensayos bajo la tutela personal de Hawkins. Sin embargo, la perseverancia y el carácter dictatorial de Hawkins, capaz de multarles si llevaban chicas a los conciertos o fumaban marihuana, llevó a The Hawks a separarse de Hawkins en 1964.

Al respecto, Robertson comentó: «Con el tiempo, [Hawkins] nos fue construyendo hasta el punto de que superábamos su música y tuvimos que dejarle. Se disparó en el pie, gracias a Dios, al convertirnos en un grupo tan completo que tuvimos que ir a nuestro mundo, porque sabíamos cuál era su visión personal, y nosotros éramos jóvenes y ambiciosos».

Tras separarse profesionalmente de Hawkins, Robbie y el resto de sus compañeros iniciaron el camino en solitario bajo nombres tan dispares como The Canadian Squires o Levon Helm And The Hawks,... logrando tan sólo publicar algunos singles sueltos, sin mucho éxito; finalmente se decantaron por The Hawks.

Bajo el nombre de The Canadian Squires grabaron dos canciones compuestas por Robertson, «Leave Me Alone» y «Uh Uh Uh», y como Levon and The Hawks otros dos temas a comienzos de 1965, «He Don't Love You» y «The Stone That I Throw».

A finales del verano de 1965, Bob Dylan estaba buscando una banda de respaldo para su primera gira «eléctrica» por Estados Unidos, tras dar un salto desde la música folk habitual en sus primeros trabajos hasta la música rock. Levon and The Hawks fueron recomendados por el cantante John P. Hammond, con quien Helm, Hudson y Robertson habían trabajado a comienzos de año en su álbum “So Many Roads”.

Al mismo tiempo, Mary Martin, secretaria del representante de Dylan, Albert Grossman, y amigo del grupo, recomendó a Dylan que viera a The Hawks en directo en el club Tony Mart's Nite Pot de Nueva Jersey.

Tras escuchar al grupo y reunirse con Robertson, Dylan le invitó a él y a Helm a unirse a su grupo, convirtiéndose en un elemento importante en la evolución de Dylan hacia la amplificación sonora y hacia posturas más Rock, dando un enorme paso hacia delante en la cultura musical popular, aunque ello significara romper los esquemas de los pobres puristas folkies.

El propio Dylan llegó a comentar al respecto sobre Robertson que era “el único genio matemático de la guitarra que no ofende mis nervios intestinales con su sonido”. Tras dos conciertos en Forest Hills y en Los Ángeles, Dylan contrató al resto del grupo para acompañarlo en una gira por Estados Unidos que comenzó el 24 de septiembre en Austin (Texas).

La entrada de The Hawks en el escenario fue recibida en la mayoría de los conciertos con abucheos y silbidos, comunes en el set eléctrico por ser considerado, bajo el punto de vista de los tradicionalistas del folk, como un insulto. Robertson comentó sobre la gira: “Dondequiera que fuésemos nos silbaban. Era un proceso muy interesante llegar a una ciudad, montarlo todo y tocar. La gente llegaba. Te silbaba. Nosotros lo recogíamos todo y nos íbamos a la siguiente ciudad. Tocábamos. Nos silbaban. Y así seguíamos adelante”. La presión ejercida por el público llevó a Levon Helm a abandonar el grupo y a ser sustituido por Bobby Gregg.

Con Dylan tocaron una serie de conciertos entre septiembre de 1965 y mayo de 1966, marcando su cambio musical del folk al rock. La gira, una de las más documentadas en la historia del rock, estuvo marcada por el frecuente uso de anfetaminas, en la que cayeron algunos de los miembros de The Hawks.

En febrero de 1966, Robertson viajó a Nashville (Tennessee) para participar en la grabación del álbum de Dylan “Blonde on Blonde”, aprovechando fechas en las que no tenían conciertos. La cercanía con Dylan, que usó a Robbie como mensajero de The Hawks, y la ausencia de Helm durante la época, favorecieron un acercamiento entre Robertson y Albert Grossman, representante de Dylan y posterior manager de The Band. La proximidad a Dylan hizo que los otros miembros en The Hawks le llamaran sarcásticamente «el percebe». Según comentó Mickey Jones: “Robertson andaba siempre pegado a Bob. Era como si estuviese allí por si acaso Bob fuese a mear”.

Tras el regreso de Levon Helm, el grupo comenzó a componer su propio material y alquilaron un chalet, llamado afectivamente “Big Pink” por su color, al oeste de Saugerties, cerca de Woodstock, New York. Al entrar en el estudio de grabación, el grupo aún no tenía nombre.

Las historias sobre el origen del nombre de The Band varían según el autor: por ejemplo, Richard Manuel relató en “The Last Waltz” que querían llamarse The Honkies o The Crackers, pero fueron vetados por el sello discográfico. Por su parte, Robertson sugirió que durante las giras con Dylan y en el pueblo de Woodstock se referían a ellos simplemente como «la banda», y permaneció así.

Representados por Albert Grossman, grabaron su primer álbum, “Music from Big Pink”, en julio de 1968, y a pesar de lograr un éxito comercial moderado, obtuvo buenas reseñas por parte de los críticos musicales. El álbum incluye tres canciones coescritas con Dylan (“This Wheel's on Fire”, “Tears of Rage” y “I Shall Be Released”), además de “The Weight”, una de sus canciones más conocidas y usada en las películas “Easy Rider” y “The Big Chill”.

Aunque sigue una línea continuista con respecto al trabajo realizado con Dylan, en “Music from Big Pink” el grupo hizo uso de una amplia variedad de estilos musicales, incluyendo un acercamiento al rock psicodélico en “Chest Fever” que abandonaron después. Además, en contraste con el modo de tocar la guitarra con Hawkins y Dylan, Robertson optó por un estilo tenue y orientado a riffs puntuales, a menudo dispuestos como fondo de las canciones y no como elemento dominante.

Tras el éxito de crítica de su primer disco, The Band salió de gira y participó en el Festival de Woodstock, a pesar de no salir en el documental homónimo por problemas legales, y en el Festival de la Isla de Wight junto a Dylan. El grupo también abandonó Woodstock y se trasladó a Los Angeles para grabar su segundo álbum, “The Band”, también conocido como “The Brown Album” y publicado en 1969.

Tras publicar “Stage Fright” en 1970, bajo la producción de Todd Rundgren y grabado en el escenario de un teatro de Woodstock, The Band participó en el Festival Express, una gira por Canadá con Janis Joplin y Grateful Dead. Durante esta época, debido al deterioro psicológico de Richard Manuel y los problemas con el alcohol de Rick Danko, Robertson se convirtió en la principal cabeza visible de The Band.

El dominio de Robertson sobre la dirección musical de The Band supuso una fuente de enfrentamientos entre Robertson y Helm, quien acusó a Robbie en su autobiografía “This Wheel's On Fire” de actuar con autoritarismo y codicia. Por su parte, Robertson argumentó que sus esfuerzos por guiar al grupo se debió a la incapacidad de autocontrol de sus compañeros. En particular, Robertson dijo que hizo todo lo posible por animar a Manuel a componer, pero que su talento se vio superado por la adicción.

A pesar de los crecientes problemas internos, The Band siguió adelante con su siguiente álbum de estudio, “Cahoots”, publicado en 1971 y un año después se editó “Rock of Ages”, un álbum en directo grabado en un concierto ofrecido en la víspera de año nuevo de 1972 con la adición de una sección de vientos cuyos arreglos fueron escritos por Allen Toussaint. Bob Dylan apareció al final del concierto para interpretar cuatro canciones, incluyendo “When I Paint My Masterpiece”.

Tras editar varios discos entre 1972 y 1975, en 1976, el grupo estaba cansado de 16 años de giras. Tras cancelar varios conciertos debido a una lesión de cuello de Richard Manuel en un accidente de navegación, Robbie Robertson instó al grupo a retirarse de las giras y convertirse en un grupo de estudio.

Preparó un masivo concierto el 25 de noviembre de 1976 en el Winterland Ballroom de San Francisco (California), donde el grupo hizo su debut como The Band en 1969. El concierto incluyó la formación original, una sección de vientos dirigida por Allen Toussaint y una larga lista de invitados, entre los que figuraron los principales responsables de su fama, Ronnie Hawkins y Bob Dylan, y artistas a los que admiraban y con los que trabajaron con anterioridad, como Neil Young, Joni Mitchell, Muddy Waters, Dr. John, Van Morrison, Ringo Starr, Eric Clapton, Ron Wood, Paul Butterfield y Neil Diamond.

El concierto fue filmado por el director Martin Scorsese y posteriormente combinado con entrevistas y grabaciones en el estudio. El documental y la banda sonora resultante, publicada en un set de tres discos, vieron la luz en 1978 bajo el nombre de “The Last Waltz”. Aunque el documental fue elogiado como uno de los mejores largometrajes musicales, también recibió críticas incluso del propio Levon Helm por el enfoque que Martin Scorsese hizo en Robbie Robertson como cabeza de The Band.

Tras la disolución, y a pesar de que sus compañeros iniciaron respectivas carreras en solitario, en especial Rick Danko y Levon Helm, Robertson centró su actividad en la industria cinematográfica. En 1979, coprotagonizó con Gary Busey y Jodie Foster la película “Carny”, además de producir y componer música cinematográfica para el filme.

En 1980, volvió a trabajar con Martin Scorsese componiendo y produciendo la banda sonora de “Toro salvaje”, estrenada en dicho año y basada en el libro homónimo del boxeador Jake LaMotta.

Desde “The Last Waltz”, Robertson y Scorsese establecieron una fuerte relación de amistad que les llevó a colaborar juntos en numerosos proyectos cinematográficos. Según Scorsese: “Siempre tuvimos esa relación que va y viene. Empezamos una especie de relación en la que contactábamos para cada película que estaba haciendo y el tipo de música que estaba usando”.

Tres años después, Robertson volvió a trabajar con Scorsese en “El rey de la comedia” como productor y supervisor musical, usando canciones de The Pretenders, Talking Heads, Ray Charles y Rickie Lee Jones para la banda sonora. También contribuyó a la película con una composición propia, “Between Trains”, y una canción de Van Morrison, “Wonderful Remark", producida por Robertson.

En 1986, Scorsese estrenó “El color del dinero”, cuya banda sonora incluye la canción “It's In The Way That You Use It”, coescritra entre Robertson y Eric Clapton. Además, firmó un contrato discográfico con Geffen Records para publicar su primer álbum, titulado “Robbie Robertson” y publicado en octubre de 1987. Coproducido por Daniel Lanois y el propio Robertson nos encontramos ante un trabajo en el que quedan muy pocas de las raices de The Band. En él colaboran U2, Peter Gabriel y Billy Dillon y también contó con la colaboración de Danko y Hudson.

El crítico Rob Bowman escribió para Allmusic: “Si el álbum tiene una debilidad, es el departamento vocal. Su voz fantasmagórica puede ser muy efectiva, pero se desgasta un poco a lo largo de un álbum. En última instancia, es una queja menor, ya que la composición, los arreglos y los cuadros retratados son excelentes”.

Robertson ganó en 1989 el premio Juno al disco del año, mientras que Lanois fue premiado como productor del año y Robertson como mejor vocalista masculino. El mismo año, The Band ingresó en el Salón de la Fama de la Música Canadiense, y Robertson se reunió con sus compañeros sobre un escenario (salvo Helm) tocando “The Weight”. También contribuyó a la banda sonora del filme “Scrooged” con una versión de la canción de The Band “Christmas Must Be Tonight”, y coescribió el tema “Nobody's Child” para el álbum homónimo de Maria McKee.

“Storyville” su segundo álbum de estudio, fue publicado en 1991; la exploración musical es una constante en la obra de Robbie Robertson y siguiendo esta premisa, este es un album conceptual, más agresivo que su primer disco en solitario, que suena diferente a cualquier cosa anterior hecha por él.





Fue grabado en Nueva Orleans con miembros de Neville Brothers, Mardi Gras Indians, The Meters y The Zion Harmonizers, y fue coproducido por él mismo, Stephen Hague y Gary Gersh; se compone de diez canciones con relatos sobre el distrito Storyville de Nueva Orleans entre los siglos XIX y XX. El material fue nominado a los premios Grammy en las categorías de mejor interpretación vocal de rock solista y mejor arreglo para álbum.

“Music for the Native Americans” es su tercer álbum de estudio, publicado por Capitol Records en octubre de 1994. El álbum incluye música nativa americana grabada y recopilada por Robertson y varios colaboradores, agrupados bajo el nombre de Red Road Ensemble, y usada como banda sonora del programa de televisión “The Native Americans”.

Supone la primera incursión de Robertson en la composición de música específicamente inspirada en su herencia mohawk, y está acompañado en el álbum por su propio hijo, Sebastian Robertson, que toca la batería en las canciones “Golden Feather”, “Skinwalker”, “It Is a Good Day to Die” y “Words of Fire, Deeds of Blood”. Su hija Delphine Robertson canta los coros en “Coyote Dance”. También comparte protagonismo con amigos de sangre india, como Pura Fe, Rita Coolidge y el dúo canadiense Kashtin.

Una instrumentación muy a lo World Music hacen de este trabajo un cambio en su trayectoria rockera, aunque su guitarra sigue apareciendo con mucha frecuencia, sobre todo en las canciones menos "ancestrales", como "Ghost Dance", "Vanishing Breed", "It is a Good Day to Die" y "Skinwalker".

El mismo año, The Band ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll, y Robertson se unió -otra vez sin Helm- de nuevo a sus ex-compañeros Hudson y Danko, para interpretar “The Weight” durante la ceremonia.

En 1995, retomó su colaboración con Scorsese en la película “Casino” como asesor musical para la banda sonora, así como su carrera de actor actuando junto a Jack Nicholson y Anjelica Huston en la película “The Crossing Guard”. Un año después, ejerció como productor ejecutivo en la banda sonora de “Phenomenon. El mismo año fue galardonado con el premio a toda una carrera profesional por la Academia Nacional de Compositores de Estados Unidos.

“Contact from the Underworld of Redboy" (1998), fue su cuarto álbum editado cuatro años después del “Music for the Native Americans” y en la misma línea de éste. Está compuesto por música nativa americana e incluye cánticos tradicionales de nativos americanos, además de géneros como rock y electrónica a menudo integrados con la música nativa.

Decía Anthony Decurtis en su reseña para la revista Rolling Stone : "Robertson está decidido a lograr que la música indígena norteamericana ocupe un lugar esencial dentro de la herencia cultural de los E.E.U.U. Pero como "Contact..." es un viaje personal, se toma la libertad de incorporar elementos de todas las vertientes musicales que fueron importantes para él, desde el perdurable rock básico que creó con The Band hasta la atmósfera de sus álbumes solistas, pasando por los modernos artilugios de programación imaginados por los técnicos de mezcla Howie B. y Marius de Vries, con los que trabajó en "Contact". El resultado es una amalgama impresionante, rica en texturas, de espiritualidad ancestral, guitarras que hacen temblar paredes y beats hipnóticos".

A principios del año 2000, se unió a DreamWorks Records como productor ejecutivo. Robertson, que fue responsable de la contratación de Nelly Furtado para la compañía, estuvo involucrado en proyectos cinematográficos y en el desarrollo de nuevas carreras musicales, entre las que figuran Daniel DeBourg y Dana Glover, hasta la compra de DreamWorks por Universal Music Group en 2003. El mismo año participó en la remasterización y reedición de la discografía de The Band desde “Music from Big Pink” a “Islands”.

Dos años después, volvió a trabajar con Martin Scorsese como supervisor musical en la película “Gangs of New York” y en la reedición en DVD de “The Last Waltz”, conmemorando el 25 aniversario de su estreno, así como en la publicación de una caja recopilatoria de cuatro CD con el concierto completo. El 9 de febrero de 2002, interpretó el tema “Stomp Dance (Unity)” en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Invierno en Salt Lake City (Utah).

El 28 de julio de 2007, Robertson participó en el Crossroads Guitar Festival en Bridgeview, Illinois, junto a Eric Clapton, interpretando el tema “Who Do You Love”. Varios meses después, aceptó una invitación para participar en el disco tributo a Fats Domino “Goin' Home”, versionando la canción “Goin' To The River”.

Su participación en el Crossroads Festival con Clapton le sirvió para salir de su inactividad musical y crear nuevas canciones. El resultado fue “How to Become Clairvoyant”, que fue publicado tres años después, el 5 de abril de 2011, y supuso su primer trabajo en solitario en once años. Fue acogido muy bien tanto en críticas como en ventas, llegando al puesto 13 en el Billboard americano.

En abril de 2013, participó en la cuarta edición del Crossroads Guitar Festival e interpretó las canciones “I Shall Be Released”, “He Don't Live Here No More” y una versión del tema de Joe Cocker, “High Time We Went”.


Discografía

Con The Band
Music from Big Pink (1968)
The Band (1969)
Stage Fright (1970)
Cahoots (1971)
Rock of Ages (1972)
Moondog Matinee (1973)
Before the Flood (1974)
Northern Lights - Southern Cross (1975)
The Basement Tapes (1975)
Islands(1977)
The Last Waltz (1978)

En solitario
Robbie Robertson (1987)
Storyville (1991)
Music for The Native Americans (1994)
Contact from the Underworld of Redboy (1998
How to Become Clairvoyant (2011)



Fuentes: blog lasgalletasdemaria, Flickr, blog grandes-guitarristas y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 58


Peter Green


Hoy empezamos con una de las figuras más destacadas del rock de finales de los 60 y principios de los 70, el guitarrista, cantante y compositor Peter Green, autor del tema “Black Magic Woman“, que equivocadamente muchos asocian al también guitarrista Carlos Santana.

Peter Green fue el fundador de Fleetwood Mac, la banda inglesa que años después y ya sin su presencia vendería millones de discos. Su progresión como guitarrista de blues se vio truncada en el momento que sufrió graves trastornos psicológicos ocasionados por el consumo de ácido lisérgico y por una serie de brotes esquizofrénicos que nunca le abandonaron. A cambio, Peter Green, llevó la experiencia musical hacia caminos desconocidos en su época (que ya es bastante decir) y marcarían el camino de otros músicos más jóvenes durante la inagotable década de los 70.


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Peter Allen Greenbaum, más conocido como Peter Green, nació el 29 de octubre de 1946 en Bethnal Green, un barrio obrero del este de Londres, en el seno de una familia judía. Con diez años empezó a tocar la guitarra española cuando uno de sus hermanos le trajo una que había comprado en un mercadillo. Le enseñó unos cuantos acordes y Peter aprendió rápido canciones judías y temas de Hank Marvin de The Shadows y los bluesmen Muddy Waters y B.B.King.

A los quince años se dio a si mismo un apodo, “Greenbaum“, y comenzó a tocar el bajo en algunas bandas amateur como Bobby Denim and the Dominoes, The Muskrats o The Tridents. En esa época fue invitado por el teclista Peter Bardens a unirse a su banda, Peter B´s Looners, a principios de 1966, donde también estaba un baterista llamado Mick Fleetwood.

Ya con el nombre artístico de Peter Green, a mediados de los años 60, decidió convertirse en guitarrista tras ver actuar a Eric Clapton con los Bluesbreakers del maestro John Mayall.

Estuvo tan solo tres meses con los Looners; su dominio del instrumento fue tan vertiginoso, que cuando Clapton decidió tomarse unas vacaciones para viajar a Grecia y dejó colgado a Mayall, Green vio la oportunidad de convertirse en el sustituto de su ídolo en los Bluesbreakers.

Recibió la llamada de John Mayall para unirse él y no se lo pensó dos veces. Él era un gran fan del grupo, y sobre todo de Eric Clapton, al que tendría que sustituir y tuvo claro que era una enorme responsabilidad. Su “fichaje” no fue algo repentino, fue mas bien premeditado ya que Green iba a los conciertos de la banda y le gritaba a Mayall: “Eh, qué hacéis con Clapton todavía, yo soy mucho mejor que él, dejarme demostrarlo”.

Así, tras acosar repetidamente a Mayall en sus conciertos londinenses, consiguió convencer al gran bluesman británico de que atesoraba un talento mucho mayor que los guitarristas que había probado, tras la espantada de Clapton. Así que, le dejó demostrarlo.

Green comenzó a tocar con los Bluesbreakers en algunos conciertos a partir de septiembre de 1965, con tan solo 19 años y sólo dio tres conciertos con ellos, pero dejó impresionado al público con su virtuosidad. Por desgracia, a los tres meses, Mayall tuvo que despedirlo cuando el “dios de la guitarra” del momento regresó de su descanso; Green tuvo que volver al banquillo de suplentes.

Frustrado, de momento, su sueño como guitarrista, Green volvió al grupo del teclista Peter Barden y grabó un sencillo. Al poco tiempo, los Peter B´s Looners se convirtieron en Shotgun Express, con la incorporación como cantantes de Rod Stewart y Beryl Marsden, aunque la estancia de Green en este nuevo experimento musical fue fugaz y ya estaba fuera del grupo cuando se publicó el único disco sencillo del grupo, que pasó desapercibido.

Tras dejar Shotgun Express, Green fue invitado a reincorporarse a los Bluesbreakers como guitarrista oficial después de que, en julio de 1966, Eric Clapton decidiera abandonar definitivamente a John Mayall para formar el power-trio Cream con Jack Bruce y Ginger Baker.

La nueva oportunidad era demasiado tentadora para Green, y tras superar el despecho por haber sido desplazado con anterioridad y rechazar una oferta de Eric Burdon para unirse a The New Animals, acabó aceptando la propuesta.

Los comienzos con los Bluesbreakers no fueron fáciles, ya que el joven talento sufrió las comparaciones de público y crítica con Clapton, pero pronto el dulce y melancólico sonido de su guitarra Gibson Les Paul 1959 y sus brillantes solos llenos de feeling, merecieron el respeto de los aficionados británicos al blues.

Peter Green completó la nueva formación de los Bluesbreakers como guitarra solista, junto al bajista John McVie y el baterista Aynsley Dunbar. Los tres ofrecerían un respaldo perfecto a John Mayall que, como líder y creador de la banda, era el principal compositor y cantante, además de tocar la guitarra y la armónica. El primer registro de Green con Mayall fue un sencillo grabado con el sello Decca que salió a la venta en octubre de 1966 con los temas "Looking Back" y "So Many Roads", en los que el guitarrista dejó patentes sus poderes y su estilo personal.

Ese mismo mes, los Bluesbreakers grabaron un segundo sencillo con las canciones "Sitting in the Rain" y "Out of Reach", aunque no se publicó hasta enero del año siguiente. Enseguida, comenzaron la grabación del disco "A Hard Road", que salió a la venta en febrero de 1967, con una portada dibujada por el propio Mayall.

Era el tercer disco de John Mayall´s Bluesbreakers, y aunque venía precedido del histórico registro con Eric Clapton del año anterior que había llegado al número 6 de las listas británicas, sorprendió a crítica y público al repetir el impresionante nivel musical de su predecesor, e incluso superarlo, con un destacado papel a la guitarra.

No en vano, los críticos musicales de prestigiosas revistas como Rolling Stone o Melody Maker consideraron esta obra como el mejor disco de blues británico que se había publicado hasta entonces. En "A Hard Road", Green no solo se permitió emular a Clapton con un tema instrumental de Freddie King, "The Stumble" (Clapton interpretó "Hideaway"), sino que presentó un instrumental propio, "The Supernatural", que mostró un prometedor talento como compositor y sus famosas y envolventes notas sostenidas que tanto influenciarían a guitarristas como Santana o Gary Moore. Además, Green compuso para el disco el tema "The Same Way" y cantó en "You Don´t Love Me", dejando la guitarra slide a Mayall en la revisión de Elmore James "Dust my Blues".

Justo después de terminar la grabación de "A Hard Road", los Bluesbreakers se juntaron en los estudios de West Hampstead con el armonicista norteamericano Paul Butterfield, que se encontraba de gira por Gran Bretaña con su banda, la Paul Butterfield Blues Band. Juntos grabaron algunas canciones que fueron publicadas por Decca en un EP en enero de 1967, "John Mayall´s Bluesbreakers with Paul Butterfield".

También por aquel entonces grabaron un par de temas para un recopilatorio de blues producido por Mick Vernon que se tituló "Raw Blues" e incluía el tema de Mayall y Green "Evil Woman Blues". Ya en enero de 1967, los Bluesbreakers registraron en vivo cuatro canciones para la habitual sesión de la emisora estatal BBC. En meses siguientes, grabaron nuevos sencillos, aunque Mayall se distanció un tanto de su banda para acometer proyectos en solitario, como su elogiado disco "Blues Alone".

Mientras aguardaban al jefe, Peter Green y el resto de Bluesbreakers aprovecharon para grabar por su cuenta, con la incorporación del tallo de casi dos metros Mick Fleetwood en la batería, que había sido readmitido en el grupo para sustituir a Ansley Dunbar. En estas sesiones, se registró un tema de Green en homenaje a sus compañeros Fleetwood y McVie que nunca llegó a editarse, "Fleetwood Mac", pero que daría meses después nombre al nuevo grupo liderado por Peter Green.

En marzo de 1967, los Bluesbreakers volvieron al estudio para grabar un par de nuevas canciones, "Please Don’t Tell" y "Your Funeral and My Trial", y participaron además en unas sesiones con el bluesman americano Eddie Boyd para su álbum "Eddie Boyd & His Blues Band (featuring Peter Green)", también producido por Mike Vernon.

En el mes de junio, Green decidió abandonar finalmente el grupo de Mayall, al parecer por su desacuerdo con el rumbo jazzístico que estaba tomando el veterano artista, y comenzó a reclutar su propia banda de blues. Antes de completar su nueva formación, grabó un par de canciones junto a sus ex-compañeros Aynsley Dunbar y Rod Stewart y el bajista Jack Bruce para el nuevo sello Blue Horizon creado por el productor de Decca, Mike Vernon. Solo la excelente versión del tema de Buddy Guy "Stone Crazy" saldría a la luz en el recopilatorio "History of British Blues Vol.1" en 1973, mientras el tema "Fly Right Baby" quedó inédito.

Para su nuevo proyecto musical, Green llamó en primer lugar a Mick Fleetwood, que había sido nuevamente expulsado de los Bluesbreakers por sus excesos etílicos. Además, trató de convencer al bajista McVie, que en principio no quiso unirse al grupo. Más tarde, Green completó la formación con el virtuoso de la guitarra slide Jeremy Spencer y el bajista Bob Brunning.

En agosto de 1967, el talentoso guitarrista presentó a su nueva banda, bautizada como Peter Green and Fleetwood Mac, en el Festival de Jazz y Blues de Windsor. Poco después, McVie cambió de opinión y se incorporó al grupo sustituyendo a Brunning, que pasó a formar parte de Savoy Brown. De este modo, la primera formación original de los míticos Fleetwood Mac (el nombre procedía de los apellidos de la sección rítmica del grupo Mick Fleetwood y John McVie), quedó definitivamente estructurada a finales de 1967. Por su parte, John Mayall fichó al joven guitarrista Mick Taylor para sustituir a Green, aunque a pesar de todo contaría con su anterior guitarrista para colaborar en su disco "Blues from Laurel Canyon", de 1968.

Fleetwood Mac alcanzó enseguida una gran popularidad con sus conciertos en directo, en los que revisaba la tradición del blues americano en versiones o canciones propias. El productor Mike Vernon confió desde el principio en el nuevo proyecto musical y les consiguió la grabación de un primer álbum para su sello, Blue Horizon, en los estudios de la compañía CBS en Londres. Con el título homónimo de "Peter Green´s Fleetwood Mac", el debut discográfico del nuevo grupo salió a la venta en febrero de 1968 y alcanzó un notable puesto en las listas musicales.

El disco fue aclamado por público y crítica, quienes escribieron que “eran los nuevos cruzados del movimiento blues británico”. Peter, que fue encumbrado como el líder de ese movimiento blues, se sentía algo frustrado por no tener todavía un amplio repertorio, pero vio en Spencer a un socio a la hora de componer.

Al margen de las versiones de los clásicos "Shake Your Money Maker", "No Place to Go" y "Got to Move", el repertorio se dividía a partes iguales entre las canciones de Peter Green y las de Jeremy Spencer, que compensó el tono más profundo de Green con su guitarra slide a lo Elmore James.

El objetivo de Fleetwood Mac era reflejar en disco una interpretación musical espontánea y auténtica, por lo que las canciones se grabaron prácticamente en vivo. Además de tocar la guitarra, Green cantó todos sus temas, acompañándose a la armónica en muchos de ellos. En el disco, aparece también el primer bajista del grupo, Bob Brunning, que todavía estaba en la formación cuando se grabó la canción "Long Grey Mare".

De las canciones de Green destacan "Merry Go Round", donde emula los solos del maestro B.B.King, "I Loved Another Woman", un preludio de los ritmos latinos de "Black Magic Woman", y su recreación de los pioneros del blues del Mississipi en la acústica "The World Keep on Turning".

Tras el éxito de su álbum de debut, que llegó al número 4 en las listas británicas, Fleetwood Mac publicaron dos sencillos para satisfacer a su cada vez mayor grupo de seguidores, con una estupenda versión del "Need Your Love so Bad" de Little Willie John y la legendaria canción de Green "Black Magic Woman", que años después se haría archifamosa en la versión de Carlos Santana.

En agosto de 1968, salió a la venta el segundo álbum del grupo, "Mr. Wonderful", que mantenía la línea clásica de blues del primero, aunque con alguna novedad, como la introducción de una sección de viento en varios temas, a cargo de los Amboy Dukes (Johnny Almond, Dave Howard y Roland Vaughan). También participó como teclista en la grabación Christine Perfect, cantante de gran éxito en Gran Bretaña como miembro de Chicken Shack y que poco después se casaría con John McVie.

"Mr Wonderful" no alcanzó la misma repercusión del primer disco, a pesar de colocarse en el número 10 de las listas, quizás por repetir la fórmula del primero y no ofrecer demasiadas sorpresas. Spencer continuó con sus numerosas -quizás demasiadas- recreaciones de Elmore James y Green parecía estancarse en el blues más tradicional, aunque su guitarra sigue llegando a lo más hondo en temas como "Stop Messin´ Round", "Rolling Man" o "If You Be my Baby".

Con ánimo de renovarse y ampliar sus horizontes musicales, poco después de la publicación del segundo álbum, Fleetwood Mac incorporó un nuevo guitarrista que ayudaría además a descargar de responsabilidad a Peter Green. El elegido fue Danny Kirwan, un joven talento de apenas 18 años que contribuyó a enriquecer y consolidar el sonido del grupo con su brillante guitarra y sus melódicas composiciones. Con Kirwan en la formación, se publicó un sencillo que incluía el que fue primer número uno de Fleetwood Mac en las listas, "Albatross", otra de las joyas compuestas por Green; el sencillo se completaba con la primera composición de Kirwan en la cara B, el breve instrumental "Jigsaw Puzzle Blues".

En enero de 1969, el sello Epic publicó en Estados Unidos "English Rose", que reunía la mitad de las canciones de "Mr Wonderful", los sencillos de éxito "Albatross" y "Black Magic Woman" y algunas canciones inéditas compuestas por Kirwan para el nuevo disco que se preparaba. Casi al mismo tiempo salió a la venta en Gran Bretaña "The Pious Birds of Good Omen", una colección de sencillos, caras B y algunas de las canciones grabadas en 1968 por Green, Fleetwood y McVie junto al bluesman Eddie Boyd, no incluidas en el disco de éste "7936 South Rodes", publicado por Blue Horizon el año anterior.

Las colaboraciones con músicos de blues americanos continuaron durante la gira de Fleetwood Mac por Estados Unidos a principios de 1969, y el grupo grabó un par de sesiones en los estudios del legendario sello Chess con figuras como Willy Dixon, Buddy Guy y Otis Span, que fueron publicadas en dos ediciones paralelas en Gran Bretaña y Estados Unidos, "Blues Jam in Chicago" y "Fleetwood Mac in Chicago".

De vuelta en Europa, el grupo continuó evolucionando musicalmente hacia un sonido más elaborado y rockero. Así, tras dejar Blue Horizon, publicaron con el sello Inmediate un nuevo sencillo de éxito compuesto por Green, la preciosa "Man of the World", que llegó al número 2 de las listas, aunque finalmente firmaron con Warner Brothers.

Con la subsidiria Reprise de su nueva discográfica, Fleetwood Mac editó su tercer disco de estudio en septiembre de 1969, "Then Play On", que dejaba atrás el blues más clásico y presentaba un sonido más cercano al rock y el folk. El contenido de este magnífico disco se fundamenta en las guitarras y composiciones de Green y Kirwan, alternando potentes blues-rock eléctricos y sentidas baladas.

Fleetwood y McVie aportaron además un tema instrumental cada uno, mientras Spencer apenas participó en las grabaciones, sumido en sus personales experimentaciones musicales. No obstante, la intención del grupo, que funcionaba como una hermandad, era publicar con el álbum un EP con varias canciones que Spencer había creado por su cuenta y en las que parodiaba diferentes clásicos de la música americana, desde el doo-woop y el blues hasta el country-rock. Finalmente, la idea no fue aprobada por la discográfica y estas canciones no salieron a la luz hasta que fueron publicadas en la década de los noventa en el recopilatorio "The Vaudeville Years".

En cualquier caso, "Then Play On" es una obra maestra de principio a fin y un clásico del rock de la época que llegó al número 6 de las listas británicas, con Green imprimiendo un sonido más energético al blues clásico en temas como "Showbiz Blues" y "Rattlesnake Shake". Además, en noviembre de ese mismo año, se publicó otro sencillo de gran éxito compuesto por las dos partes del fantástico tema "Oh Well" de Peter Green, que comienza con una potente intro de hard-rock interpretado mano a mano por Green y Kirwan, para después volver a la habitual introspección musical de Green, que toca el resto del tema acústicamente, con resonancias de la guitarra flamenca y un acompañamiento orquestal memorable. "Oh Well" sería incluido en la posterior edición americana de "Then Play On".

El éxito de Fleetwood Mac alcanzó en esta época su culmen, rivalizando con los mismísimos Beatles en ventas y popularidad, pero al mismo tiempo aparecieron las drogas, sobre todo el LSD. La personalidad de Green cambió por completo al engancharse al ácido. Se mostraba cada vez más extravagante en su comportamiento y más defraudado con el negocio del mundo de la música. Su abuso de las drogas no contribuyó a templar su personalidad y su salud mental se vio quebrada definitivamente con un mal viaje con el LSD durante una gira por Alemania, que le provocó un problema de esquizofrenia del que ya no se recuperaría.

Al principio, las rarezas de Green se limitaban a dejarse una larga barba y a aparecer en los conciertos con crucifijos y túnicas religiosas, pero su comportamiento sufrió un cambio dramático; él, que "solía ser impetuoso y arrogante, se convirtió de pronto en pasivo y retraído. Empezó a odiar la fama, y comenzó a deshacerse de su fortuna tratando de convencer a los otros miembros del grupo para que hicieran lo mismo. Perdió todo el interés que hubiera tenido en su carrera. Se evaporó toda su autoestima como músico", publicó una revista británica en 1996.

Finalmente, tras ver rechazadas sus propuestas y firmar su último gran tema, "The Green Manalishi (With the Two Prong Crown)", que tuvo en la cara B el instrumental "World in Harmony", compuesto a dúo con Kirwan, Green decidió abandonar el grupo, con el que actuó por última vez en mayo de 1970.

Una vez sin Green en la formación, los restantes miembros de Fleetwood Mac prosiguieron su carrera, con Kirwan y Spencer al mando en la composición e interpretación. Mientras tanto Green publicaría un par de sencillos ("Heavy Heart/No Way Out" y "Beasts of Burden/Uganda Women") y su primer disco en solitario, el inclasificable y experimental "The End of the Game", editado en noviembre y que no tuvo demasiado éxito. Su carrera se estaba yendo al garete.

Después de este álbum Peter colgó la guitarra y solo la sacó cuando, en febrero de 1971, Spencer desapareció del mapa durante una gira por Estados Unidos e ingresó en un grupo religioso cristiano de California llamado The Children of God. Frente a este contratiempo, el resto del grupo convenció a Green quien completó la gira con ellos y participó en el nuevo trabajo de la banda, "Penguin", en una sola canción llamada "Night Watch".

Cumplido el favor, el guitarrista volvió a sus actividades propias, que incluyeron colaboraciones con los bluesmen B.B.King, Memphis Slim y Country Joe McDonald.

Durante casi una década, la odisea caótica de Green incluyó rumores acerca de que se había convertido en sepulturero, que era un cantinero, que lo habían internado en un hospital o que era miembro de una comuna en Israel. Tuvo que ser ingresado en una clínica mental y sometido a terapias de electroshock para curar su enfermedad mental e incluso ingresó en prisión por amenazar a su asesor, Clifford Davissu, con una escopeta. El motivo es hoy una leyenda de la Historia del Rock: al parecer Green estaba muy enfadado con su agente por mandarle dinero, su gran enemigo.

A finales de la década, el músico volvió a la carretera firmando con la discográfica PVK Records y encadenando tres discos de éxito: "In the skies", "Little Dreamer" o "White Sky", pero su inestable personalidad lo condenó a un nuevo periodo de reclusión familiar.

Pero ésta es una historia con final feliz. Pasada esta década tortuosa, Green fue rescatado por su hermano Len y su mujer. Nunca ha dejado de sentir alucinaciones y brotes psicóticos pero fundó una nueva banda en los 90, Peter Green Splinter Group, con músicos amiguetes como Nigel Watson o Cozy Powell, con la que grabó 9 discos entre 1997 y 2004 y pareció recuperar la estabilidad personal y musical.





En 1996, el guitarrista irlandés Gary Moore, realizó un disco de homenaje a Peter Green titulado "Blues for Greeny", para cuya grabación utilizó la mítica guitarra Gibson Les Paul del 59 que en los años 70 le compró a su ídolo de la adolescencia.

En 1998, Fleetwood Mac fue introducido en el Salón de la Fama del Rock’n’Roll y Peter Green tuvo la oportunidad de tocar, en la ceremonia, "Black Magic Woman" junto a Carlos Santana.

En 2003, Green volvió a reunirse con el veterano John Mayall en el disco "Along for the Ride" y, cuando se canceló una gira y la grabación del que iba a ser el nuevo trabajo de Peter Green Splinter Group en 2004, Green decidió abandonar la banda y marcharse a Suecia. En poco tiempo se uniría a The British Blues All Stars, pero también se cancelaría la gira del grupo en 2005.


Discografía

Con Fleetwood Mac
Fleetwood Mac (1968)
Mr. Wonderful (1968)
Then Play On (1969)
English Rose (1969) USA
Penguin (1973) Track 8 "Night Watch"
Tusk (1979) Track 13 "Brown Eyes"

En solitario
The End of the Game (1970)
In the Skies (1979)
Little Dreamer (1980)
Whatcha Gonna Do? (1981)
White Sky (1982)
Kolors (1983)
A Case for the Blues (with Katmandu) (1984)

Con Splinter Group albums
Peter Green Splinter Group (1997)
The Robert Johnson Songbook (1998)
Soho Session (1998)
Destiny Road (1999) Snapper Music SMACD 817
Hot Foot Powder (2000)
Time Traders (2001)
Me and the Devil (2001) Snapper Music SMBCD 844 (limited edition box set, 3 CDs, 1 of Robert Johnson recordings)
Blues Don't Change (2001)
Reaching the Cold 100 (2003)
The Best of Peter Green Splinter Group (2006 compilation)

Con John Mayall
A Hard Road (1967 álbum)
John Mayall's Bluesbreakers With Paul Butterfield (1967)
Blues From Laurel Canyon (1968)
Thru the Years (collection)
Looking Back (albm) (collection)
Along For The Ride (2003)

Con Eddie Boyd
Eddie Boyd and His Blues Band featuring Peter Green (1967)
7936 South Rhodes (1968)

Con Duster Bennett
Smiling Like I'm Happy (1968)
Bright Lights (1969)
12 Dbs (1970)
Out in the Blue (1995)
The Complete Blue Horizon Sessions (Duster Bennett 2005)

Con Gordon Smith
Long Overdue (1968)

Con Otis Spann
The Biggest Thing Since Colossus (1969)
Blues For Hippies/Bloody Murder (1972)

Con Brunning Sunflower Blues Band
Trackside Blues (1969)
I Wish You Would (1970)

Con Clifford Davis
Come On Down And Follow Me/Homework (1969)
Man Of The World/Before The Beginning (1970)

Con Jeremy Spencer
Jeremy Spencer (1970)

Con Peter Bardens
The Answer (1970)
Write My Name In The Dust: The Anthology (2005)

Con Gass
Gass (1970)

Con Memphis Slim
Blue Memphis (1971)

Con B.B. King
B.B. King In London (1971)

Con Dave Kelly
Dave Kelly (1971)

Con Country Joe McDonald
Hold On It's Coming (1971)

Con Toe Fat
2 (1971)

Con Richard Kerr
From Now Until Then (1973)

Con Duffo
The Disappearing Boy (1980)

Con Mick Fleetwood
The Visitor (1981)

Con Brian Knight
A Dark Horse (1981)

Con SAS Band
SAS Band (1997)

Con Dick Heckstall-Smith
Blues And Beyond (2001)

Con Chris Coco
Next Wave (2002)

Con Peter Gabriel
Up (2003)



Fuentes: historiasdelblues.wordpress.com, clasicosdelrock.wordpress.com, californiasound.wordpress.com, ensayosjendrix.wordpress.com, Flickr, blog descubriendomitos y Wikipedia


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En el puesto número 57


Rory Gallagher


Rory Gallagher es tan grande que se merece un puesto de honor en la historia del Rock. Desconocido para el gran público, y sin embargo casi una deidad para los que nos gusta el blues-rock. Quizá ese desconocimiento del gran público viene inducido por su propio carácter sencillo, introvertido, amable, lejos del afán egocéntrico y exhibicionista a los que no tienen acostumbrados las estrellas del Rock.

Está considerado como uno de los guitarristas irlandeses de blues mas influyentes de la historia. Además de guitarrista, era cantante, saxofonista y sabía tocar la armónica, el sitar y la mandolina.


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Nació en Ballyshannon, condado de Donegal, en la República de Irlanda, el 2 de Marzo de 1948, aunque toda la familia se trasladó primero al condado de Derry, donde su hermano menor Dónal nació en 1949, y luego a la portuaria ciudad de Cork, donde la familia se estableció definitivamente, cuando Rory tenía ocho años.

Su padre Daniel tocaba el acordeón y cantaba con la banda Tir Chonaill Ceile en Donegal, y su madre, Mónica, fue cantante y actuó junto con otros actores en el teatro de la Abadía de Ballyshannon; ese teatro ahora se llama Teatro Rory Gallagher.

A los nueve años obtiene su primera guitarra debido a su interés por los músicos americanos de blues que escucha en la radio y principalmente del rey del skiffle, Lonnie Donegan, muy popular en las islas británicas por esas fechas. Sin profesor, con la ayuda de algunos libros, Rory fue aprendiendo temas de folk, rock´n´roll y sobre todo de blues.

Al no tener modelos a seguir en Cork, pasó a depender por completo de los programas de radio y televisión. En ocasiones, en los programas de jazz de la BBC aparecían músicos de Blues haciendo sus actuaciones, de las que se nutria. Escuchaba y al mismo tiempo aprendía con muchos músicos de la altura de Woody Guthrie, Leadbelly, Chuck Berry, Muddy Waters y Jerry Lee Lewis; con muchos de los cuales grabaría más tarde.

Gallagher se introdujo en la guitarra slide utilizando una púa de metal y un slide en su dedo meñique. Dicho slide estaba echo a partir de una botella de América Coricidian; al igual que muchos de sus contemporáneos, tales como Duane Allman, Rory se decantó por usar slides de vidrio en vez de los típicos de metal.

Comienza entonces a tocar por locales parroquiales y escuelas en Cork y alrededores, ganando un concurso de talentos con 12 años. Es sobre esta edad cuando se cambia el nombre (su nombre de bautizo era Liam) por Rory (Rory O´Connor era el nombre del último rey irlandés antes de la invasión inglesa de la isla) y se compra su primera eléctrica.

Al año siguiente leyó un anuncio en The Cork Examiner en que se buscaba guitarrista para orquesta, y así comenzó a tocar amenizando pequeñas fiestas por Cork, Kerry y Limerick con The Fontana Showband (las showbands estaban de moda en Irlanda en esa época; se trataba de orquestas que amenizaban fiestas de todo tipo).

A los quince, se compró la Fender machacada con la que lo hemos visto en mil fotos, una Stratocaster del 61, de segunda mano, de la que se dice que es la primera que llego a Irlanda. Le costó 100 libras esterlinas de las de entonces y había pertenecido a un músico de orquesta, que la cambio por un modelo en rojo, al estilo de Hank Marvin (The Shadows).

Con 16 años ya tocaba cuatro noches a la semana con Fontana. La formación de Fontana Showband era: Rory Gallagher, guitarra solista; John Lehane, saxo; Eamon O´Sullivan, batería; Declan O´Keeffe, guitarra rítmica; Oliver Tobin, bajo y Bernard Tobin, trombón.

La Fontana Showband recorre el circuito irlandés y actúa en Londres, donde Rory ve a los Rolling Stones en concierto. Viendo a su vez que The Beatles triunfan con temas propios, propone un cambio de estilo: deshace la Fontana (de la que ya era líder) y forma un nuevo grupo, The Impact, con miembros de la extinta Showband.

Vienen a la base aérea militar norteamericana de Torrejón y tocan durante varios días, de aquí marchan a Hamburgo y recorren todos los clubs en los que pueden tocar. En aquel tiempo, iban vestidos como los Beatles, e incluso tocaban varios temas de éstos. Hubo cambios en el seno de la banda y entraron Michael Lehane al organo y Johnny Campbell a la batería.

En su visita a España Rory comenzó a pensar en abandonar la orquesta al ver que los militares les pedían las canciones que de verdad a él le gustaba tocar, pues sólo pedían rock´n´roll y blues.

Se establecieron en Hamburgo, pero Rory no estaba muy satisfecho musicalmente con su nueva agrupación y decidió recortar el grupo de seis integrantes a un trio, quedandose solo con Oliver Tobin al bajo y Johnny Campbell a la batería.

En 1966, a su vuelta de Hamburgo, Rory forma con Norman Damery y Eric Kitteringham el trío Taste, tocando temas propios además de versiones personalizadas de clásicos del Blues, sin que éstas fuesen mayoritarias en su repertorio. Días de riesgo, pues tocando temas propios con Taste, se cobraba mucho menos que con versiones en una orquesta. En el inicio de Taste, cobraban 30 libras esterlinas por noche.

En los meses siguientes giran sin mucho éxito, volviendo a los agotadores pubs de Hamburgo y de Irlanda, hasta que el bajista de la Dave Glover Showband, George Jones, quien anteriormente había tocado con The Monarchs Showband al lado de Van Morrison, quedó impresionado y habló con ellos recomendándolos ir a Belfast.

Van Morrison y los Them habían convertido al público de Belfast en fanáticos del Rythm´n´Blues. Así Taste apareció en el Maritime Hotel de Belfast, un antiguo salón de baile convertido en un club de Rythm´n´Blues, tocando numerosas noches y llamando la atención de conocidos y extraños.

Entre estos extraños se encontraba Eddie Kennedy, que los ve tocar en un local que co-regentaba, el Rado Club en Belfast, con Marvyn Solomon, que junto con su hermano, controlaban la distribución de discos en el norte de Irlanda y poseían un sello discográfico. Además, Kennedy poseía contactos en Londres, entre los que se encontraba la empresa Nems, propiedad de Brian Epstein (manager de The Beatles) y Robert Stigwood (representante de Cream). Con estas credenciales y su interés por la banda, a Kennedy no le resultó difícil pasar a ser manager de Taste.

l comienzo, el nuevo manager consiguió numerosas actuaciones, siendo teloneros de importantes bandas del momento como Peter Green´s Fleetgood Mac o los Bluesbreakers de John Mayall (con Mick Taylor a la guitarra ), y de Cream en sus conciertos de despedida en el Royal Albert Hall de Londres.

En 1968, Kennedy consigue un contrato con Polydor para grabar un disco, pero exige que se cambie la sección rítmica; Rory discrepa, pero acepta ante el talento de los nuevos componentes (el batería John Wilson y el bajista Richard “Charlie” McCraken) y la oportunidad de grabar. Así, nace el primer album, "Taste", y el grupo se traslada permanentemente a Londres, donde se hace un sitio en el famoso Club Marquee.

A comienzos de 1969 editan su segundo álbum, "On the Boards", que deja mudos a los críticos, quienes ya califican a Rory como a uno de los mejores guitarristas del momento; en éste se aprecia un giro al jazz (incluidos dos solos de saxo de Rory).

Comienzan a actuar por Europa con éxito y a comienzos del verano de ese año giran por EEUU como teloneros de Blind Faith, pero la gira, planeada más como unas vacaciones de su manager, es un fracaso.

Las tensiones provocadas por Kennedy enfrentando a Rory por un lado y a John y Richard por el otro hacen mella y en 1970, después de la actuación en el Isle of Wight Festival, el grupo se deshace con innumerables denuncias por ambas partes. Pasaría mucho tiempo antes de que los miembros del grupo se dieran cuenta de la estafa que su manager había realizado, quedándose con la mayor parte del dinero y los derechos de autor.

Rory, defraudado y desolado, lleva el asunto a los tribunales (al igual que sus compañeros) y emprende un nuevo reto donde sea él el que decida.

A finales de 1970, Rory recluta al jovencísimo Gerry McAvoy al bajo y al batería Wilgar Campbell para su nuevo proyecto (ambos formaban parte de una banda que había sido telonera de Taste), y sitúa a su hermano Noel, que hasta el momento había sido road manager de Taste, como manager a todos los efectos de la que pasaría a llamarse Rory Gallagher`s Band.

Sin esperar más tiempo, se graba el primer disco de esta nueva etapa, el homólogo "Rory Gallagher", en que se destilan las influencias remanentes de Taste, siendo un álbum con influencias de jazz palpables, eso sí, combinadas con el habitual blues-rock del irlandés.

Colabora en los discos de Muddy Watters "London Sessions" y de Mike Vernon "Bring It Back Home" y edita su segundo disco, "Deuce", con el que deja atrás las influencias más refinadas del jazz dando como resultado un disco más directo; en este álbum se aprecia su gran técnica con la guitarra, apreciable en las canciones "Used to Be" y "Crest of Wave".

De la gira de este último LP se extrae el material para el tercero, "Live in Europe", que lo pone en lo más alto de las listas de ventas y popularidad. En el Melody Maker es el guitarrista elegido como número uno entre sus lectores por delante de Eric Clapton y Alvin Lee durante 1971 y 1972.

Miles de entrevistas, apariciones en TV y una interminable lista de conciertos, preceden a las nuevas sesiones en estudio, gestando y sacando al mercado el aplaudido álbum “Blueprint”, con nuevos miembros: se va Wilgar para entrar Rod DeAth a la batería, y el genial Lou Martin a partir de entonces tendrá un puesto fijo en el grupo por su increíble dominio de todo tipo de teclados.

Realizan dos giras por Europa y otra por EEUU, siendo un gran éxito ambas y reportando a Rory de nuevo el título de guitarrista del año concedido por la nombrada Melody Maker. Este mismo año, 1973, además de no parar de tocar por todo el globo, colabora con Jerry Lee Lewis, arrasa en el Festival de Reading y engendra otro Top Ten: el genial "Tatoo".

Con este en el mercado, comienza en navidad su "Irish Tour", con actuaciones por todo el país, destacando las de Belfast (navidad), Cork (año nuevo) y Dublín (epifanía), que se convertirían en habituales a lo largo de la vida del guitarrista y que el director Tony Palmer filmó ese año, dando vida al documental homónimo.

Con la base de estos conciertos, se edita el disco de directo "Irish Tour´74", el disco más famoso de Rory y puede que también el más espectacular.

Más y más conciertos, más y más apariciones en televisión preceden a la grabación de “Against the Grain” (1975), un álbum no tan galardonado como los que le preceden, pero con canciones super trabajadas, llenas de arreglos y en las que recoge influencias de los intérpretes que en aquel tiempo fueron la actualidad, sin perder su identidad y sonido.

Siempre presente Lou Martin con su Hammond y su piano creando una atmósfera rockera inigualable en "Souped-up Ford", una de las mejores realizaciones de Rory en estudio que podría pasar por un tema en directo perfectamente, por la soltura, frescura, espontaneidad y "desenlatamiento" con la que lo ejerció el grupo al completo.

En 1975 los Rolling Stones lo eligen como sustituto de Mick Taylor, pero Rory se toma las sesiones de Rótterdam como un jam y nada más salir de Holanda comienza una gira mundial que lo llevará, junto a su inseparable banda, hasta Japón, EEUU, Australia Nueva Zelanda o Canada. De vuelta a Europa, actúa en Madrid y es invitado al Festival de Jazz de Montreux.

En estos momentos, Rory se encuentra en su época dorada: sus discos se venden bien, es reclamado en todo el mundo para tocar, graba directos en festivales y actuaciones (hoy material para dvd´s) y se pasa, literalmente, todo el año de gira. Un año después se lanza a la aventura de grabar en Alemania su próximo álbum, "Calling Card", donde se nota la mano del productor: el bajista de Deep Purple, Roger Glover.

Huele a los Purple a ratos (escuchar el siguiente tema, "Secret agent"), la guitarra suena más agresiva y el órgano Hammond está más presente que en discos anteriores, con más garra. Las canciones en sí, siguen siendo 100% Rory Gallagher, pero con un ingrediente extra.





Inicia otra nueva gira, durante la cual colabora con Lonnie Donegan en “Puttin´ On The Style” y con Joe O’Donnell en “Gaodhal’s Vision”.

Se encuentra en el Festival de Jazz de Montreux con Albert King, el cual le invita a tocar con él en su show en el Gran Casino de Montreux, concierto que fue publicado como "Albert King Live". Y siguen las exitosas giras mundiales y las colaboraciones, pues en 1978 también aportó su granito de arena arreglística en la obra de Mike Batt, "Tarot Suite".

Ese mismo año, en Mayo, vuelve a haber cambios en la banda, entrando a la bateria Ted Mckenna al salir Rod DeAth. También Rory prescinde de los servicios de Lou Martin, al componer material de hard rock en el que no había cabida para teclados. Corren los tiempos de "Photo Finish", un álbum crudo, fuerte, lleno de garra, donde la dureza del nuevo batería y el interés de Rory por los sonidos duros crea su disco más alejado del blues.

A este le sigue "Top Priority", el calificado como más duro de Rory Gallagher. Su guitarra suena realmente heavy, aunque el conjunto no llega tan lejos y, después, otro LP en directo en 1980, "Stage Struck", el directo oficial del Rory Gallagher más salvaje conocido hasta ahora.

Extraído de su gira mundial entre Noviembre de 1979 y Julio de 1980, emite de sus surcos una furia sin igual. En los años de gloria del rock duro, nos aparece un Rory rabioso, incontenible, vertiginoso en sus solos, afilado en su sonido, potente en su ritmo, claro rival de los Schenker, Iommi, Tipton ó Blackmore que combatían a su alrededor; es rock en estado sólido, sólo rock.

En Marzo de 1981, Ted Mckenna abandona la banda para ponerse a órdenes de otro héroe de la guitarra, Michael Schenker, y es sustituído por Brendan O’Neill. Con él graba “Jinx”, un disco que, sin dejar de ser hard rock, rezuma efluvios de sus viejas raíces por todas partes.

Las ventas de discos ya no son tan numerosas como antaño, pero en contra de lo que se pueda pensar, los recitales de Rory siempre estuvieron llenos a rebosar. Había salido de las listas de los más vendidos, pero aún seguía inalterable su fama de ser fabulosos sus conciertos. Su reputación como guitarrísta nunca dejó de considerarse como “más que excelente”. La prueba está en que todos los artistas querían su colaboración (Box of Frogs, The Fureys & Davey Arthur, Davy Spillane Band, Phil Coulter, Gary Brooker, etc.) realizando en todos sus discos arreglos, lo mismo con guitarra eléctrica que con acústica.

Edita un nuevo LP ya en 1987, en el que vuelve a defender el blues, “Defender”, acompañado de un video, “Messin´with the Kid”, en el que se resume el recital que dió en el Cork City Hall, ante sus paisanos, aunque éste no vio la luz hasta 1990, año en el que publica su último vinilo “Fresh Evidence”. Es sólo blues; grandes canciones que nos muestran a un Rory más intimista, más buscador de sus raíces.

La salud de Rory empeoraba a raíz de un consumo excesivo de alcohol y la combinación de éste con fármacos que le habían prescrito para superar su miedo a volar. Desde finales de la década de los 1980's, fue agravando sus problemas de salud, sin embargo, continuó de gira aunque antes la banda le abandona, y tiene que alistar a nuevos miembros: Jim Levaton a los teclados, David Levy al bajo y Richard Neuman a la bateria.

Dedicado en exclusiva a los shows en directo, intervenciones en televisión, a colaborar en los álbumes de sus amigos (Samuel Eddy, Energy Orchard, Dubliners, etc.), Rory Gallagher llega enfermo a 1995. El 10 de enero, en los Países Bajos, salió a escena visiblemente enfermo por lo que meses más tarde fue necesario trasplantarle el hígado. La operación fue un éxito, pero en el postoperatorio y pocos días antes de ser dado de alta, una infección (SAMR) acabó con su vida en Londres el 14 de junio de 1995; tenía 46 años.

Multitud de homenajes en su honor se han realizado por todo el mundo, se ha puesto su nombre a calles, plazas, bibliotecas, colegios, y artístas de fama internacional han reconocido su mérito e influencia, lamentando enormemente su pérdida. Rory Gallagher ha sido uno de los pocos artistas de blues-rock, que nunca se retiraron, que nunca descansaron en toda su carrera, habiendo actuado en todos los rincones de este mundo.

Gallagher llevó el modelo power trío hasta su máxima expresión como hicieron sus contemporáneos Clapton con Cream, y Jeff Beck con Beck, Bogert and Appice. Explosión de fuerza, frescura y sobre todo sentimiento y sencillez.

En sus últimos años de vida, en la década de los noventa, se quejaba de que no se le había reconocido lo suficiente en el blues y se sentía olvidado por todos teniendo en cuenta el resurgimiento del blues americano y británico con nombres como Gary Moore y Stevie Ray Vaughan o Robert Cray.

Si no lo conocéis os recomiendo que escuchéis alguno de sus discos en directo como "Live in Europe" o "Irish Tour", o sus discos de estudio "Calling Card" o "Tattoo" para introducirse en su discografía.


Equipo

Guitarras
- Fender Stratocaster. (S/N 64351, Nov 1961) adquirida en Michael Crowleys Music Centre, en Cork, en 1963 por 100 £. El mástil fue substituido varias veces. Primero por uno Fender y luego por uno Mighty Mite. Schaller y Sperzel la mecánica. Puente marca "Star" de plata. Trastes Gibson. Llave selectora de 5 posiciones. Encordado: .010, .012, .015, .026, . 032, .038 (.040).
- Fender Stratocaster, 1957. Con Mástil de Maple. Sólo usada para trabajos de estudio.
- Fender Telecaster.
- Fender Duosonic. Con mástil MusicMaster
- Gibson Meloy Maker, 1960.
- Gibson Les Paul Junior. 84374, 1958. Pastilla P 90, Schaller M6 en la mecánica y puente Bad Ass.
- Burns Bison Guitar. 3 PU (62-64, Londres)
- Gretsch Corvette, 1957. Comprada por solo $80 en una tienda de segunda mano. Rory sustituyó las pastillas que llevaba por defecto por unas P90.
- Coral Electric Sitar.
- Dan Electro Silvertone. Comprada por $15 en una casa de empeño de EE.UU. Utilizada para "A Million Miles Away" y "Cradle Rock".
- Silvertone / Teisco.

Acústicas
- Martin D-35, Ibanez PU
- National Duolian (1932)
- Takamine, single cutaway
- Stella Harmony

Mandolina
- Martin Mandoline

Amplificadores
- VOX AC 30
- STRAMP Power Baby TYP K-85, 80 W, 2 x 12``
- Ampeg VT 40 MK I
- Ampeg VT 40 MK II
- Fender Bassman 1954
- Fender Twin 1954
- Fender Concert 1961
- Marshall Combo
- Marshall Top and 4 x 12`` (Solamente para grandes auditorios)

Efectos
- Rangemaster (Con el Vox AC 30 solamente)
- HAWK II Tonal Expander
- Rory Gallagher HAWK. Clonado del Rory Gallagher 70's Hawk® booster original.
- Phaser MXR Phase 90
- MXR DynaComb (Compresor)
- Boss Octave (Octavador)
- Ibanez Tube Screamer (Vieja version)
- Boss Graphic Equalizer
- Boss Flanger
- DOD Analog Delay (Slap-Back-Echo)
- Synconics Noise Gate (19``)


Discografía

Con Taste
Taste (1969)
On The Boards (1970)
Live Taste (1971)
Live at the Isle of Wight (1972)
In the Beginning, an early Taste of Rory Gallagher (1974). Disco no autorizado. Se editó en la discográfica propiedad de Phil Solomon, amigo de Eddie Kennedy. El material pertenece a la época en la que tocaban Eric Kitteringham y Norman Damery. Editado también como Taste First (1974)) o Take It Easy Baby (1976)

Como Rory Gallagher
Rory Gallagher (1971)
Deuce (1971)
Live In Europe (1972)
Blueprint (1973)
Tattoo (1973)
Irish Tour '74 (1974)
Against The Grain (1975)
Calling Card (1976)
Photo Finish (1978)
Top Priority (1979)
Stage Struck (1980)
Jinx (1982)
Defender (1987)
Fresh Evidence (1990)



Fuentes: blog dissidentsaggressors, Flickr, rorygallagher.es, taringa.net, guitarristas.info, alohacriticon.com y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

Socio 104
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