LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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En el puesto número 42


Mike Bloomfield


Con un estilo virtuoso y muy melódico, fue uno de los músicos blancos de blues más apreciados por la crítica especializada. Perfeccionó un estilo que le ha asegurado un puesto de gran respeto en la historia del rock, con una particular referencia a ese movimiento musical definido como "blues blanco" de Chicago. A pesar de que la revista Rolling Stone, considerada por muchos una especie de biblia del rock, lo definiera en los años setenta como "una luz fundamental en el firmamento del rock", su muerte, acaecida el 15 de febrero de 1981 en San Francisco, pasó prácticamente desapercibida.


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Mike Bloomfield nació en el seno de una rica familia judía el 28 de julio de 1943. Mike y su hermano menor Allen se criaron en Chicago. Su padre, el próspero industrial judío Harold Bloomfield, había hecho su fortuna fabricando y vendiendo artículos y menaje de hostelería.

Descubre el blues, el rhythm’n blues y el rockabilly en las ondas de las radios del Sur de USA. En su “bar-mitzvah” recibe la primera guitarra y empieza a escuchar los blues eléctricos de los barrios del sur de Chicago.

Mike se sintió muy pronto atraído por ese sonido y cuando tenía la oportunidad, se acercaba por los clubs de blues de la zona sur, a ver en directo a músicos negros locales.

Allí, Mike y sus amigos del colegio y futuros compañeros de grupo, Barry Goldberg y Fred Glaser, conocieron a Muddy Waters y Little Walter, así como al armonicista Charlie Musselwhite.

¿Cómo aprendió a tocar la guitarra? Pues se dice que no fue ni fruto de la tradición familiar, ni a través de un colega (tal y como suele pasar muchas veces), ni nada de eso, sino ¡a golpe de talonario!... bueno, no exactamente de talonario, pero sí con mucha pasta. ...

Sus padres le montaron un garito en el que se sucedían actuaciones de los bluesmen del momento. Su "estrategia" consistía en que cada noche, después de la actuación, ya a punto de recoger y antes de que se fuesen los músicos, éste les decía que les daba el doble de dinero si se quedaban allí un rato más y le enseñaban a tocar lo que habían interpretado un rato antes en el escenario. Os podéis imaginar la respuesta de los pobres músicos, generalmente cortitos de pasta y dispuestos a ganarse un dinerillo extra.

Así, y con mucha dedicación, consiguió convertirse en uno de los mejores guitarristas de blues que ha dado la historia, de lo contrario no habría tocado con gente de la talla de Sleepy John Estes, Little Brother Montgomery o Muddy Waters.

En la Universidad de Chicago trabó amistad con Nick Gravenites, que estaba organizando el festival folk anual del ateneo con artistas blue-grass y country-blues, y cuartetos gospel. Bloomfield quedó inmediatamente fascinado por el gran valor poético del legendario country-blues, y encontró sus modelos en el guitarrista ciego Sleepy John Estes, de Tennessee, y en el también guitarrista Big Joe Williams, original de Mississippi. Bloomfield empezó a estudiar las partituras de blues, junto a su amigo Gravenites.

Había unos cuantos problemas para que el muchacho, empeñado una y otra vez en imitar las progresiones dolientes de los guitarristas de blues, fuera admitido en el club: era blanco, hijo de judíos y su familia tenía mucho dinero. “¿Cómo puede sentir el blues alguien con tanta miel sobre la tostada y todos los dientes en la boca?”, se preguntaban los negros de los clubes de Chicago al ver al chico.

Una años más tarde, Bloomfield respondió a su manera a la paradoja que le echaron en cara tantas veces: “En este país los negros sufren por fuera. Los judíos sufrimos por dentro. El sufrimiento es el puntal del blues”.

Mike Bloomfield era grande antes de que el mundo se enterase de la grandeza. Los viejos negros que vivían en Chicago y llenaban de bencina las noches de los clubes (Sleepy John Estes, Yank Rachell, Little Brother Montgomery, Muddy Waters…) le hicieron hueco sin mirar el color de la piel. Alucinaban con aquel chico judío que era capaz de emanar tristeza de cada yema de los dedos de las manos y no escatimaban piropos: "Este no es otro chico blanco de tantos. Es alguien que entiende claramente de qué va el blues".

Bloomfield comenzó a tocar en bailes universitarios y se apuntaba a las jams semanales que se realizaban en el Fickle Pickle, a las cuales acudían Big Joe Williams, Sunnyland Slim y otras leyendas del blues. Allí conoció también a los que serían sus compañeros, Paul Butterfield y Elvin Bishop.

En 1963, Bloomfield hizo su debut discográfico tocando la segunda guitarra en dos temas de Sleepy John Estes para la compañía Delmark.

En el verano de 1964, Mike estaba tocando con Musselwhite en el Big John's de Chicago y no les faltaba trabajo, pero ardía en deseos de grabar un disco. Para ello, se trasladó a Nueva York donde se encontraban los grandes sellos discográficos. Llevó sus demos a Folkways, el sello que consideraba más acorde con su música, pero jamás tuvo respuesta.

Seguidamente conoció al músico John Hammond Jr, hijo del famoso productor y descubridor de talentos, quien ofreció a Bloomfield y Musselwhite participar en la grabación de su tercer álbum, "So Many Roads". Hammond contó además con músicos de la futura The Band, como Levon Helm y Robbie Robertson en un álbum que tardó un año en publicarse y que supuso uno de los primeros álbumes de blues eléctrico interpretado por blancos. Para entonces, Bloomfield había vuelto a Chicago para formar una nueva banda, con la que actuó durante un año en Big John's.

John Hammond Sr, ante la insistencia de su hijo, fue a comprobar en persona el talento del guitarrista y se desplazó a Chicago para asistir, en el Big John's, a una de sus actuaciones. No le entusiasmó en exceso, pero accedió a realizar una sesión de grabación en los estudios Columbia de Chicago. Se grabaron seis temas de blues eléctrico y Mike firmó un contrato con Columbia esperando que su grabación se viera pronto materializada en vinilo.

Pero Hammond dejó la cinta olvidada en un cajón sin llegar a editar el disco. Una posterior sesión en los estudios de Nueva York, en la que Mike grabó nuevos temas de blues eléctrico con su recién estrenada Telecaster con la misma pasión que desplegaba en sus actuaciones en Big John's, tampoco resultó en nada positivo y Hammond seguía sin saber qué hacer con él.

En ese gran período Bloomfield también quedó fascinado por los guitarristas Scotty Moore, ya con la banda de Elvis Presley, y Cliff Gallupp, de los Blue Caps de Gene Vincent. Era un momento de gran excitación para los blancos devotos del blues.

Estaban naciendo nuevos astros como Paul Butterfield: su uso de la armónica amplificada era excepcional y estaba tan profundamente inmerso en el jazz como para ser comparable al legendario Little Walter Jacobs. Su banda de aquella época, The Paul Butterfield Blues Band, incluía a Elvin Bishop a la guitarra y al teclista Mark Naftalin, además de dos músicos tomados prestados de la banda de Howlin' Wolf, el bajista Jerome Arnold y el batería Sam Lay. Jacк Holzman, jefe de Elektra, viajó desde Los Ángeles para oírlos tocar, y los contrató inmediatamente para grabar un álbum.

Al mismo tiempo, Butterfield advirtió el gran talento de Bloomfield y le pidió que se uniera a su grupo. Bloomfield recordaba: "Butterfield había venido a verme, dijo que quería un guitarrista 'slide' para sus sesiones de grabación". Bloomfield grabó la mayor parte de los fragmentos de la guitarra solista y escribió tres de los temas del álbum, mientras que su amigo Gravenites puso su granito de arena en el tema "Born in Chicago", que abría el álbum homónimo de 1965.

En poco tiempo todo el mundo hablaba de The Paul Butterfield Blues Band y del particular sonido de la banda, fruto de la sabia mezcla de la tensa y vibrante guitarra de Bloomfield y la armónica estirada y trabajosa de Paul Butterfield. Chuck Berry también quedó impresionado, los contrató para las sesiones de grabación del álbum "Fresh Berry". Los dos tocaron en el tema inicial, "It wasn't me".

Tras haber grabado el álbum, Bloomfield y otros miembros de The Paul Butterfield Blues Band acompañaron a Bob Dylan, en el Festival Folk de Newport. Fue el 25 de julio de 1965, en un pase de cuatro canciones que, pese a lo escueto, merece una entrada en las enciclopedias como la controvertida electrificación de Bob Dylan.

La circunstancia es bien conocida; ese fue el día del juicio final. Las sesiones sumarísimas se celebraron en el parque Freebody de Newport, Rhode Island, y las más o menos 15.000 personas que formaban parte del jurado decidieron, por aplastante mayoría, condenar a muerte a quien, hasta antes de la actuación, era el dios del folk protesta. ¿Delito? Enchufarse y vestir una americana de cuero. Pero gracias a la bravura de Bloomfield y compañía, las críticas se convirtieron pronto en felicitaciones.

Algunas semanas después, Bloomfield recibió una llamada de Bob Dylan, invitándole a participar en Nueva York en las sesiones de grabación del álbum "Highway 61 Revisited", donde Bloomfield conoció al teclista Al Kooper. Kooper recuerda aquel día en su biografía, titulada "Backstage Passes": "Dylan entró violentamente por la puerta, y tras él estaba un chico raro que llevaba una guitarra Fender Telecaster sin funda. Era pleno invierno y la guitarra estaba toda empapada por la lluvia y la nieve. El chico no se apesadumbró: se fue a una esquina, la secó con un trapo y después se acercó a un amplificador. Enchufó la clavija y se empezó a oír una de las mejores guitarras jamás escuchadas en la historia del rock".

"Por entonces no tenía una funda para guardar la guitarra", reconoció Bloomfield, "solo mi Fender Telecaster. Y Bob me llamó y me citó en la casa donde vivía... me dio esas canciones, "Like A Rolling Stone", y todos esos temas de "Highway 61 Revisited", y me dijo: 'No quiero que toques ese plomo estilo B.B. King, nada de estereotipos del blues, quiero que toques cualquier otra cosa.' De modo que tonteamos y finalmente toqué lo que quería".

A finales de 1965 The Paul Butterfield Blues Band se trasladó a la Costa Oeste y debutó en el Whisky A Go-Gó de Hollywood. Posteriormente actuaron en el Fillmore de Bill Graham en San Francisco, donde llenaron la sala tres noches consecutivas.

En verano de 1966 actuaron unas semanas en Nueva York, donde Mike vio por primera vez a Jimi Hendrix (entonces todavía se hacía llamar Jimmy James) en el café Wha? y se quedó impresionado con el dominio del instrumento, el feedback y la distorsión del guitarrista de Seattle.

En agosto de ese mismo año, The Butterfield Blues Band grabó en los estudios Elektra el monumental "East-West", cuyo punto focal es el tema que le da título, de 13 minutos de duración (era una versión reducida de una improvisación que solía ejecutar la banda en sus directos la cual, en ocasiones, podía llegar a durar una hora), escrito por el teclista Naftalin y por Gravenites.

Aunque no fue un éxito comercial, el álbum y la banda comenzaron a ser tomados en serio por la crítica y otros músicos de blues y rock, en cuyas bandas se inició la costumbre de incluir largas improvisaciones instrumentales en sus shows. La reputación del grupo creció y Bloomfield fue considerado por la crítica especializada el mejor guitarrista eléctrico del momento en Estados Unidos.

En otoño de 1966 visitaron el Reino Unido donde tocaron en varios clubs londinenses, compartiendo escenario con Eric Burdon, Chris Farlowe, Georgie Fame y Eric Clapton, que para entonces ya estaba con Cream. A pesar de la excelentes críticas, la respuesta del público no fue la esperada.

De vuelta en Estados Unidos, Mike, que sufría insomnio desde niño, se encontraba exhausto de las numerosas giras y conciertos y decidió abandonar el grupo. Además tenía planes para una nueva formación tras haberse reencontrado en una de sus estancias en Nueva York con su compañero de colegio, el teclista Barry Goldberg. "Ha sido el mejor grupo en el que he estado", declaró Bloomfield años más tarde. "Pero Bishop quería a toda costa tocar la guitarra solista y, así, yo me marché y formé Electric Flag".

Convencieron al baterista Buddy Miles para que dejara a Wilson Pickett y se les uniese, y la banda, llamada Electric Flag se completó con Nick Gravenites a la voz solista y guitarra rítmica, Harvey Brooks al bajo, Peter Strazza al saxo y Marcus Doubleday a la trompeta dando lugar a algo inusual: una banda de rock con instrumentos de viento. Se establecieron en San Francisco y antes de que finalizaran sus ensayos, les fue ofrecida la posibilidad de componer la banda sonora para un film protagonizado por Peter Fonda, escrito por Jack Nicholson y dirigido por Roger Corman, llamado "The Trip" en el que se describía un "viaje" de LSD.

Fue Peter Fonda quien atrajo a Bloomfield para el proyecto, en sustitución de Gram Parsons, ya que Roger Corman no encontraba adecuada la música de éste para una película sobre experiencias con el LSD. Electric Flag ensayaba en esa época en la casa de Parsons.

La película fue prohibida en las salas de cine por su ambigüedad, y la banda sonora de Bloomfield y compañía pasó prácticamente inadvertida, a pesar de que incluía una de las mejores interpretaciones de Mike. Era el instrumental "Fine Jung thing", un tema que habría merecido una mayor audiencia: el potente sonido de la guitarra solista de Bloomfield alcanza cotas jamás escuchadas en sus anteriores actuaciones, mientras que Electric Flag lo acompañan con un carisma jamás oído.

La banda hizo su debut en el Festival Pop de Monterey en 1967, en el que además de bandas consagradas, iban a actuar nuevos valores de la música americana, por lo que estaba prevista la asistencia de renombrados productores y ejecutivos discográficos en busca de nuevo material para sus sellos. El sonido del grupo estaba orientado hacia una forma de blues-rock aun más intensa que la experimentada con Butterfield, con la batería de Miles potenciando el tránsito majestuoso de la banda hacia terrenos de rock duro. En 20 minutos de actuación levantaron al público de sus asientos y tuvieron que tocar un bis.



De los tres grandes guitarristas que actuaron aquel fin de semana, Jerry García, de Grateful Dead, sólo era conocido en California y el nombre de Jimi Hendrix no significaba nada fuera de los clubes londinenses. Mike, en cambio, era el "dios de la guitarra" americano del momento. Tras la actuación de Hendrix en Monterey, esa idea comenzó a cambiar. La impresión que causó Jimi en Mike se dejó sentir cuando unos meses después rechazó aparecer en un nuevo festival organizado por John Phillips en el Hollywood Bowl, para evitar volver a compartir cartel con Hendrix, que ya había confirmado su asistencia.

Para entonces Albert Grossman les había conseguido un contrato con Columbia Records, cuyo nuevo presidente, Clive Davies, había quedado impresionado con la actuación de Electric Flag en Monterey. En octubre de 1967 publicaron su primer single "Groovin' is easy" y se presentaron con él en los escenarios de Boston, donde causaron sensación con otro tema con largas improvisaciones en las que Blomfield seguía demostrando su maestría con su guitarra, fusionando jazz, rock y otros estilos experimentales, "Another country".

En noviembre debutaron con gran éxito en el prestigioso Bitter End de Nueva York, donde la crítica seguía ensalzando el talento de Bloomfield. Fue en Nueva York donde las drogas comenzaron a crear problemas en el grupo y Barry Goldberg abandonó la formación.

De vuelta en San Francisco y con un amigo de Miles, Michael Fonfara como sustituto a los teclados, siguieron llenando las salas de conciertos y Bloomfield comenzó a preparar el material para un álbum, cuando Susan, su mujer desde hacía cuatro años le solicitó el divorcio. Esta circunstancia, unida a las presiones del sello discográfico para que acabara el álbum, llevó a Mike a recurrir a las drogas; en la mayoría de ocasiones, a la heroína.

No obstante, el grupo siguió actuando por la zona de California y grabando las sesiones para su álbum debut, "A Long Time Comin", que finalmente se publicó en abril de 1968. Bloomfield aparece como único compositor de los temas, pero contó con el teclista Paul Beaver para añadir texturas a la banda sonora, utilizando el sintetizador Moog en el disco.

La crítica lo recibió con tibieza, habiendo esperado mucho más del anunciado y esperado "supergrupo". Aunque las ventas fueron satisfactorias, Mike no se sintió satisfecho con el resultado tras sus esfuerzos con la banda y comenzó a considerar abandonar el proyecto que había comenzado sólo un año antes.

Por aquella época apareció en la revista Rolling Stone una entrevista en la que el guitarrista se despachaba a gusto con sus colegas de la música, considerando a las bandas de San Francisco "unos aficionados" que "no hacen buena música", la música de Motown cursi y almibarada, y a los Rolling Stones "una banda de adolescentes que no hace música para hombres".

En el número siguiente de la revista se incluyó una entrevista con Eric Clapton en la que éste confesaba haber recibido influencias del estilo de Mike Bloomfield. También incluía una crítica demoledora del periodista musical de San Francisco, Ralph Gleason, en la que instaba a Bloomfield a dejar de copiar a los músicos negros y crear algo con su propio sonido. Fue la gota que colmó el vaso y en mayo de 1968, ante el disgusto de Grossman, Mike dejó la banda, que continuó actuando sin él, liderada por Buddy Miles. Sin embargo, al año siguiente se disolvió.

En este período Bloomfield se trasladó de Chicago a San Francisco, donde volvió a encontrar a Al Kooper, entonces comprometido como músico de estudio con el grupo psicodélico californiano Moby Grape, que lo invitaron a colaborar. El resultado final quedó incluido en el segundo álbum del grupo, "Wow/Grape Jam" (1968), e inspiró a Kooper y Bloomfield para la realización de un álbum juntos.

En junio de 1968, los dos se reúnen para grabar los cinco primeros cortes. Estas grabaciones desprenden blues y soul por los cuatro costados dando como resultado el magnífico "Super Session", que a la postre, sería su trabajo más vendido. Mike nos demuestra que una guitarra limpia sin distorsiones puede sonar a gloria. En este disco podemos disfrutar de dos grandes versiones, "Man´s Temptation" de Curtis Mayfield y "Stop" de Jerry Ragovoy. También son destacables los temas "Albert´s Shuffle" y el maravilloso blues "Really".

Sin embargo Bloomfield no pudo completar el resto del disco, su insomnio crónico (muchos piensan que era un eufemismo para el mono de heroína) le impidió aparecer el segundo día de grabación, por lo que Stephen Stills, con su singular estilo mezcla de country y rock & roll, se encargó de acompañar con la guitarra a Kooper en los últimos cuatro temas del disco.

Mike actuó de nuevo ese mismo mes de junio de 1968 con Electric Flag en el Fillmore East de Nueva York, para cuyo estreno habían sido contratados meses antes. Para entonces, todo el mundo sabía que sería su última aparición con la banda y ofrecieron un show memorable lleno de momentos emotivos y ejecuciones brillantes, que marcó un antes y un después en la carrera del guitarrista.

No volvería a liderar un supergrupo de la industria ni a ser considerado un "dios de la guitarra". Ante la sorpresa de todos, "Super Session" comenzó a escalar las listas tras publicarse y alcanzó el puesto 13. Columbia lo promocionó al máximo y logró un gran negocio: un álbum, cuya producción les costó únicamente 13.000$ y que vendió más de un millón de copias.

Al y Mike se embarcaron en una serie de conciertos en los cuales Bloomfield falló en alguno de ellos siendo sustituido por un jovencísimo Carlos Santana. Todo esto se vio reflejado en el disco "The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper", un álbum en vivo grabado a lo largo de tres sesiones de conciertos en el Fillmore West de San Francisco, en 1968. Curiosamente en uno de esos conciertos también participó Johnny Winter.

En 1969 se publicó otro álbum en directo, "Live at Bill Graham's Fillmore West" con Nick Gravenites, Taj Mahal y Mark Naftalin. El mismo año, Mike participó en tres temas del álbum "Kozmic Blues" de Janis Joplin y grabó su primer álbum en solitario, "It's Not Killing Me", que recibió críticas negativas y sería su último disco en un sello importante.

En los años setenta se retiró del primer plano y tocaba como Michael Bloomfield and Friends con viejos colegas y amigos en los clubes de San Francisco. La guitarra de Mike nunca había sonado mejor.

A mediados de la década el fisco norteamericano le reclamó impuestos de su época en Electric Flag y necesitado de dinero, se apuntó a una serie de "supergrupos", para hacer caja. Electric Flag se reunió de nuevo en 1974 y grabaron un nuevo álbum, "The Band Kept Playin" antes de separarse definitivamente. También colaboró con John Hammond y Dr John en el álbum "Triunvirate" (1973).

Pero el auténtico supergrupo, se formó en 1974 con el nombre KGB, que además de Bloomfield a la guitarra contaba con Ray Kennedy a la voz solista, Barry Goldberg a los teclados, Rick Grech al bajo y Carmine Appice a la batería. El álbum resultante, "KGB", es para muchos el mejor trabajo de Bloomfield.

El disco vendió medio millón de copias, pero Bloomfield lo rechazó: "Era un disco prefabricado", confesó más tarde; "Lo han grabado en Los Ángeles, después han hecho llegar las cintas a San Francisco y yo he superpuesto mi parte". Hay que tener presente que en aquella época, especialmente una banda de blues, debía grabar rigurosamente todo en directo, en una única sesión.

Aunque tuvo un buen éxito, la banda se deshace al poco tiempo. Mike Bloomfield y Rick Grech se van, siendo reemplazados por Greg Sutton y Ben Schultz respectivamente, aunque ya no grabarán. Appice se unirá a Rod Stewart, y Ray Kennedy seguirá como solista. A partir de KGB, Mike Bloomfield vuelve a su vida errática, colaborando en muchas aventuras sin quedarse en ninguna demasiado tiempo.

A pesar de que Bloomfield se convirtiera casi en un ermitaño, el público aún le recordaba a mediados de los años setenta: en 1976 fue elegido por los lectores de la revista especializada Guitar Player como mejor guitarrista eléctrico de blues, y dos años después alcanzó la cima también en la sección dedicada a los guitarristas acústicos.

Casi como un agradecimiento, Bloomfield grabó "'If You Love These Blues, Play 'Em As You Please", un álbum en el que demuestra las diferentes técnicas blues para guitarra y con el que, con su mágico estilo a la guitarra, rinde honores a sus héroes e inspiraciones musicales como T-Bone Walker, Howlin Wolf, Blind Blake, Guitar Slim y un largo etcétera. Un ardiente trabajo que refleja una gran pasión y que le confirma una vez más como uno de mejores guitarristas de blues blancos de la primera generación.

Contiene también piezas acústicas y cada una va precedida de una introducción de Mike explicando las técnicas para ejecutarlo. El álbum fue muy bien recibido y obtuvo una nominación a un Grammy. El último corte, "The Altar Song", es el homenaje a todos los guitarristas pasados y contemporáneos que influyeron en su carrera, los cuales Mike va recitando durante dos minutos.

Publicó algún trabajo más en pequeños sellos como "Analine", disco en solitario grabado en 1977. En él Bloomfield crea una gran colección de temas íntimos tomando como influencias las raíces del blues más profundo. Además de tocar las guitarras eléctrica y acústica, también toca el banjo, la mandolina, el ukulele y el piano. En otros cortes se sirve de la ayuda de grandes músicos y amigos como Nick Gravenites (voz y guitarra), Bob Jones (batería y voz) y Mark Naftalin (piano y acordeón), que ayudan a crear una atmósfera única.

En 1978 se edita "Michael Bloomfield", joya publicada por el sello Takoma. El guitarrista además de cantar en casi todas las grabaciones, está acompañado por Ira Karmin (piano), David Shorey y Doug Kilmer (bajo), Bob Jones (batería) y Kraig Kilby (trombón). En este disco presenta una colección de temas blues como sólo él es capaz de interpretarlos.

"Between The Hard PLace & The Ground" fue publicado en 1979 también por el sello Takoma. Mike y los demás músicos se liberan y graban estos temas en directo en el estudio. Tocan sin ningún tipo de presión, con el único objetivo de disfrutar y pasárselo bien. El resultado es un puñado de geniales canciones con un marcado sonido funky, R & B de Nueva Orleans, y blues.

Los solos que habían caracterizado su estilo en los años sesenta cedieron su lugar a poéticos giros armónicos exclusivamente acústicos. La colaboración con Woody Harris, guitarrista clásico, en "Bloomfield & Harris" testimonian este nuevo camino. Se trata de nueve cortes de carácter íntimo en los que Harris ejerce de guitarra de acompañamiento y Bloomfield se centra en sus expresivos solos. Este álbum es otro ejemplo de la habilidad de Mike de asimilar otros estilos y hacerlos propios. Una auténtica joya.

El último disco de Bloomfield es "Cruisin' For A Bruisin'', grabado a finales de 1980. Justo antes, con The Treves Blues Band, Mike se había presentado en Europa en una breve gira, testimoniada en el álbum "Live In Italy".

Las últimas horas de la vida de Bloomfield aún siguen siendo un misterio: fue encontrado muerto en el asiento trasero de su Mercury color crema de 1971, aparcado en la zona de Forest Hills, en San Francisco, el domingo 15 de febrero de 1981. A su lado había un frasco de barbitúricos. El veredicto oficial habla de muerte por sobredosis. Sin embargo, el día anterior Bloomfield había participado en una fiesta, y se rumorea que su muerte tuvo lugar al alba precisamente allí, pero que su cuerpo, para evitar una publicidad inútil, fue trasladado a la zona de Forest Hills.

Su última aparición en concierto, apenas unos meses antes de su muerte, tuvo lugar junto a Bob Dylan, en el Warfield Theatre de San Francisco. Fue memorable su versión guitarrística de "Like A Rolling Stone", aplaudida durante largo tiempo por un público delirante.

Su influencia entre los guitarristas contemporáneos sigue siendo ampliamente sentida, sobre todo en las técnicas de vibrato, sustain natural, y el tratamiento de las notas. Guitarristas como Joe Bonamassa, Arlen Roth, Carlos Santana, Slash, Jimmy Vivino, Chuck Hammer, Eric Johnson, Elliot Easton, Robben Ford, John Scofield, Jimmy Herring y Phil Keaggy, permanecen esencialmente influenciados por la primera obra grabada de Bloomfield.


Discografía

Con The Paul Butterfield Blues Band
The Paul Butterfield Blues Band (1965)
East-West (1966)
The Original Lost Elektra Sessions (Grabaciones inéditas de 1964)
East-West Live (Versiones en directos del álbum East-West)

Con Electric Flag
The Trip (film) (1967)
A Long Time Comin' (1968)
The Band Kept Playing (1974)

Con KGB
KGB (1976)

En solitario
It's Not Killing Me (1969)
Try It Before You Buy It (1973) (Permaneció sin publicar hasta 1980)
If You Love These Blues, Play 'Em As You Please(1976)
Analine (1977)
Michael Bloomfield (1978)
Count Talent And The Originals (1978)
Between A Hard Place And The Ground (1979)
Bloomfield-Harris (1979)
Crusin' For A Brusin'(1981)

Colaboraciones
Super Session - Bloomfield, Al Kooper y Stephen Stills (1968)
The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1968)
Al Kooper and Mike Bloomfield: The Lost Concert Tapes (1968)
Two Jews' Blues (1969), con Barry Goldberg. No aparece en los créditos, por razones contractuales.
My Labors (1969) con Nick Gravenites
Live at Bill Graham's Fillmore West (1969) con Nick Gravenites
Medium Cool (1969), Banda Sonora Original
Steelyard Blues (1973) Banda Sonora Original, con Nick Gravenites y otros.
Mill Valley Bunch - Casting Pearls (1973)
Triumvirate (1973), Mike Bloomfield, con John Hammond & Dr. John.

Como músico de sesión
Highway 61 Revisited - Bob Dylan (1965)
Wow/Grape Jam|Grape Jam - Moby Grape (1968)
Living with the Animals - Mother Earth (1968); aparece en créditos como "Makal Blumfeld" por razones contractuales.
Fathers & Sons - Muddy Waters(1969)
I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! - Janis Joplin (1969)
Weeds - Brewer & Shipley (1969)
Sam Lay In Bluesland - Sam Lay (1970)
Gandharva - Beaver & Krause (1971)



Fuentes: tabernablues.com, Flickr, discosrarosraros.blogspot.com.es, discosparaelrecuerdo.blogspot.com.es, llopdelblues.blogspot.com.es, historiasderock.es.tl, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, taringa.net y Wikipedia


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En el puesto número 41


Mick Ronson


Fue uno de los pioneros en su género, el Glam Rock o de su derivado, el Glitter Rock, al igual que Marc Bolan de T.Rex, Brian Ferry y Brian Eno de Roxy Music o el mismísimo Gary Glitter. Multi-instrumentalista, compositor, arreglista y productor, Ronson es mas conocido por sus años junto a David Bowie como guitarrista de su banda de acompañamiento The Spiders from Mars, cuando el cantante británico encarnaba el personaje Ziggy Stardust en medio de la movida glam de principios de los setenta.

Pero su currículo abarca mucho más y en ciertos círculos se le venera como una de las figuras más influyentes del rock británico, específicamente en cuanto a su desarrollo durante la década de los años setenta.


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Michael Ronson más conocido como Mick Ronson o Ronno, nació en la ciudad de Hull, Yorkshire, Reino Unido, el 26 de mayo de 1946. Se interesó por la música desde muy pequeño deseando originalmente ser chelista y llegando a tocar varios instrumentos, (piano, violín, armonio), pero decidió cambiarse a la guitarra cuando lo maravilló el sonido del guitarrista norteamericano Duane Eddy y de los Yardbirds.

Su desarrollo en el instrumento fue acelerado y en su adolescencia se convirtió en uno de los músicos más cotizados del área local. Se incorporó a su primera banda, The Mariners, en noviembre de 1963, a los 17 años. Al mismo tiempo, y recomendado por el bajista de The Mariners, se incorpora a The Crestas, otro grupo local con los que fue adquiriendo una sólida reputación.

Sus apariciones en los locales de la zona se hicieron regulares: los lunes en The Halfway House en Hull, los jueves en el Ferryboat Hotel, los viernes en el Regal Ballroom de Beverley y los domingos en el Duke of Cumberland en North Ferriby.

En 1965 dejó a The Crestas y se fue a probar suerte a Londres. Aceptó un trabajo a tiempo parcial como mecánico, y en poco tiempo, se unió a una banda llamada The Voice, reemplazando a Miller Anderson.

Después de un par de conciertos, el resto de la banda decide largarse a Bahamas y Ronson se queda en Londres y se asocia brevemente con una banda de soul llamada The Wanted, antes de volverse a Hull.

Ya en Hull, en 1966 se unió a The Rats, en donde estaban el cantante Benny Marshall, el bajista Geoff Appleby y el baterista Jim Simpson, (que posteriormente fue sustituido por Clive Taylor, y después por John Cambridge). El grupo tocaba el circuito local, y también hizo algunos viajes infructuosos a Londres y París.

En 1967 grabaron el tema psicodélico "The Rise and Fall of Bernie Gripplestone" y en 1968 se cambiaron de nombre brevemente por el de Treacle. Keith “Ched” Cheesman se unió a los Rats en sustitución de Geoff Appleby en el bajo y con Ronson, Marshall, y Cambridge grabaron "Guitar Boogie", "Stop and Get A Hold of Myself" y "Morning Dew". Cuando John Cambridge dejó a The Rats, entró Mick "Woody" Woodmansey. En noviembre de 1969, la banda grabó una sesión final con los temas "Telephone Blues" y “Early in Spring”.

Alrededor de este tiempo Ronno llama la atención del cantante folk Michael Champman, que lo llama para grabar con su banda de estudio, en 1969, el disco "Fully Qualified Survivor".

El primer paso decisivo en su futura carrera internacional lo dio en 1970, cuando le llamaron para que tocara la guitarra en la canción "Madman Across the Water", del álbum de Elton John "Tumbleweed Connection". Aunque la canción no aparecería en el álbum hasta que este fue re-editado en 1995, ya Ronson comenzaba a darse a conocer en círculos de mayor envergadura.

Pero su destino cambiaría a principios de 1970, cuando uno de sus viejos compañeros musicales, el baterista John Cambridge, lo convenció de que se uniera, como nuevo guitarrista, a una banda llamada The Hype. La nave no acababa más que despegar.

The Hype era el proyecyo creado para lanzar la carrera de un joven valor de la música, David Bowie, cuyos dos primeros trabajos, "David Bowie" en 1967 y "Space Oddity" en 1969 (aquí ya había colaborado Ronson en la canción que daba título al álbum), no habían tenido el éxito esperado, para desgracia de Tony Defries, manager de Bowie, al que chupó la sangre durante años. Siempre hay un malo en todas las historias.

Unos días después Ronson aparecería junto a Bowie, Cambridge y el productor Tony Visconti en el bajo, en una serie de presentaciones incluyendo el programa radial del influyente locutor John Peel en la BBC. Cambridge dejaría la banda poco después y sería sustituido por Mick Woodmansey, otro antiguo compañero musical de Ronno.

La nueva formación sería David Bowie a la voz, Tony Visconti, productor de "Space Oddity" y a la postre, su George Martin particular, al bajo. Por otro lado, Mick Ronson, a la guitarra y el nuevo integrante, Mick Woodmansey, a la batería; el núcleo de lo que más tarde sería Spiders from Mars, las "Arañas de Marte".

Tras varios conciertos, The Hype se metieron en el estudio para el que sería el tercer álbum de David Bowie, "The Man Who Sold The World", publicado bajo el sello Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos y en abril de 1971 en el Reino Unido. Probablemente, el álbum más infravalorado de toda de la carrera de Bowie, y en ocasiones eclipsado por la archiconocida versión que hizo Nirvana en su "Unplugged" del tema que da nombre al disco.

Mientras que los dos primeros trabajos de Bowie rezuman un aroma folk, en este nuevo trabajo se acercaba a un sonido más pesado, entre el blues y el incipiente hard rock, y sobre todo muy marcado por la mano de Ronson y Visconti.

Ciertamente Ronno era un excelente arreglista y sus dotes como multi-instrumentista le añadían nuevos matices al sonido de este álbum, como en "The Supermen", pero sobre todo apreciamos sus dotes como guitarrista en auténticos trallazos como "The Witch Of A Circle" o "Savior Machine", aunque sin duda es en "She Shook Me Cold" cuando se transforma en Jeff Beck, otro mito de las seis cuerdas y contemporáneo suyo, y nos regala uno de sus mejores solos. Pura genialidad.

Ronson fue quien acaparó mayor atención en la formación, siendo pieza clave en el sonido de la banda, debido a su técnica por el uso de pedales que conseguían transmitir diferentes sonidos extraños. La verdad es que lo borda y a partir de entonces su alianza con Bowie es básicamente esencial en la historia del rock.

Con Trevor Bolder en el bajo y Rick Wakeman en los teclados, Bowie editó "Hunky Dory" en 1971. Si Bowie ponía la estética, Ronson ponía la música: los arreglos de cuerda en temas como "Kooks", "Fill Your Heart" y sobre todo, en las grandiosas "Life On Mars" o "Changes", son enteramente suyos, dotando al disco de ese sonido particular.

Bowie se nutría de todo lo que le rodeaba, y de la admiración profunda que sentía por Andy Warhol y por la Velvet nacieron dos temas de este "Hunky Dory". Por un lado la propia "Andy Warhol" y por otro "Queen Bitch", con ese maravilloso riff interpretado por Mick y ciertamente inspirado en la no menos increíble "Sweet Jane" de la Velvet Underground.

En 1972 Bowie era un artista influenciado por Velvet Underground, Bob Dylan y Edith Piaf, curiosa mezcla para un chico que buscaba figurar en el ambiente cultural británico. Fue entonces que paulatinamente decidió aparecer como Ziggy Stardust, un personaje alienígena, andrógeno y colorido.

Ronson, Bolder y Woodmansey, tuvieron que transformar su imagen de forma radical y escandalosa para encajar en el nuevo proyecto sonoro de Ziggy. Es divertida la anécdota descrita en "Strange Fascination", libro de David Bucley, de cómo Bowie logro que Ronson se maquillara haciéndole creer que se veía muy pálido. Temía que el serio guitarrista no aceptara su idea de la estética Glam.

A Ronson nunca le llego a gustar del todo ese rollo de Ziggy, era demasiado extravagante para él. Ya ni hablemos de los trajes que debía llevar, rollo kabuki espacial o algo completamente bizarro, o de la vez en la que Bowie simulo que “le comía el mástil”, por decirlo de alguna manera.

No, ni mucho menos le gustaba, pero lo que realmente amaba era hacer música. A sus cuerdas e imaginación le debemos además la que es considerada por muchos la Biblia del Glam y uno de los mejores discos de la historia del rock: "The Rise & Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars", con su tremendísima e impactante intervención en directo de "Moonage Daydream", grabación hecha del concierto en el Hammersmith londinense, que ha sido editada posteriormente tanto en audio como en DVD. El majestuoso solo que toca Mick, jugando con el pedal de delay, consigue crear ese toque espacial que bien podría ser la banda sonora del viaje “psicodélico” de "2001 Una odisea en el espacio"

Es un disco tremendamente completo, sin fisuras, lo que se pide a un álbum conceptual como este, en el que se relata la historia de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imagen andrógina que viene a conquistarnos a todos y que se convierte en estrella del rock, con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. O quizás es el Mesías humano que nos anuncia la venida de un salvador. Como tantas cosas con Bowie, nunca han quedado del todo claras, aunque el afirmó que se trata más bien de lo segundo.

Ronson fue un factor crucial en la estructuración del disco, escribiendo arreglos para cuerdas, tocando varios instrumentos, incluyendo la guitarra, por supuesto. De hecho su trabajo en la guitarra en este disco influyó bastante en el sonido de futuras bandas punk.

Durante esa época, además, Ronson se encontraba en bastante demanda e hizo arreglos de cuerdas para la banda Mott the Hoople, en la que estaba Ian Hunter y fue co-productor, junto con Bowie, del álbum "Transformer" de Lou Reed, en el que también tocó la guitarra y el piano.

Lou había dejado la Velvet y tenía disco nuevo que no acabó de cuajar, así que pidió ayuda a David, y la diva Bowie le dijo que sí, pero que de la producción se ocuparía una de las arañas de Marte y que él ya lo supervisaría si acaso. Corría 1972 y Lou Reed se preparaba para parir el que tal vez es su mejor disco, "Transformer", mal llamado "el disco de Bowie donde canta Lou", vale, Bowie mete mano y hace unos coros divinos pero seamos realistas, ese sonido magnífico se lo deben a Ronson.

Dicen que él mismo explicó en sus memorias que estaba hasta los mismísimos de Lou y de David. Bowie no aparecía por allí ni de casualidad, y Lou tenía unas letras cojonudas y unas canciones inacabadas que sonaban como una chufla, es curioso que comentara que Reed estaba tan perjudicado que ni se daba cuenta de que la guitarra estaba desafinada. Así que Mick tomó el control y por eso "Transformer" suena como suena, a gloria bendita, a regalo divino..., ese final de "Walk On The Wild Side"... delicioso.

Ronson era el que armonizaba aquellas melodías muy pobres de Lou hasta convertirlas en maravillosas, con nuevos acordes y algo más ricas que las de Bowie. Se nota en los maravillosos arreglos de cuerda en "Perfect Day" y en "Satellite of Love". Es muy injusto como Lou y, sobre todo David, trataron a Ronno años después. Ahí están los discos de Lou y Bowie, con él y sin él. Ahí están para evaluarlos.

En 1973 Bowie se vuelve a reinventar para publicar "Aladdin Sane", conocido como el “Ziggy in America”. Un Bowie pasado de rosca a causa de las drogas, no solo la coca o la heroína, sino también la droga de la fama, como se ve en "Cracked Actor", documental de la BBC más que recomendable. Una producción más grandilocuente, con riffs de guitarra potentes ("Jean Genie", "Cracked Actor" o "Panic In Detroit"). Y por supuesto, las dos genialidades del disco, "Drive In Saturday" y "Time", con el Ronson más virtuoso.

Después de publicar en 1973 “Pin Ups”, un punto negro en una serie de discos prodigiosos, David Bowie y el guitarrista, pianista, arreglista y productor Mick Ronson rompieron amistosamente una relación profesional de al menos un lustro, desde que entro a formar parte de The Hype.

Tras su separación inicia una carrera en solitario publicando el recomendable "Slaughter on 10th Avenue" (1974). Slaughter..., supuso pues el debut en solitario de Ronson, en cuya grabación intervinieron también Bowie, como productor (y autor del tema "Growing Up And I'm Fine"), el bajista Trevor Bolder, Mike Garson (pianista de Bowie en sus dos anteriores discos y también en el "Diamond Dogs") y el experimentado baterista británico Aynsley Dunbar, que formó parte del equipo de Bowie a partir de 1973, y que también estuvo en el antes mencionado "Transformer".

En este LP podemos comprobar que el punto fuerte de Ronson no es la composición (casi todos los temas son versiones), pero también algo que ya sabíamos, que se trata de un excelente músico y arreglista. Da la sensación que es un disco inédito del Bowie de la etapa glam, a ello contribuye no solo la guitarra sino la voz de Ronson, muy similar a la de David hasta el punto de que hacía la segunda voz en los discos de su "jefe", con resultados similares.

Sobresalen la canción que da nombre al disco, un instrumental a todas luces maravilloso; una versión del "Love Me Tender" de Elvis; su mayor éxito como solista “Only After Dark” y "Growing Up And I’m Fine", con uno de los mejores estribillos jamás escritos y un piano que lo firmaría el mismísimo Freddie Mercury, tremendamente Chopin. En definitiva, uno de los últimos grandes discos de glam.

A partir de este disco, Ronson grabaría otro LP más, titulado "Play Don’t Worry" (1975), no tan brillante como el anterior, pero en el que sobresalen una versión del clásico "White Light/White Heat" de la Velvet (otra habitual en el setlist de Bowie) y "Angel nº 9".





Ese mismo año Ronson se unió a la trouppe "Rolling Thunder Revue" de Bob Dylan; grabó con éste y también con Roger McGuinn en Estados Unidos, y a partir de aquí continuó como músico de estudio y guitarra al servicio de quien le llamara, destacando sus trabajos con David Cassidy, Roger Daltrey y John Mellencamp.

Pero con quién más estrechamente trabajara fue con Ian Hunter, empezando con el álbum "Ian Hunter" en 1975, incluyendo una gira bajo el nombre The Hunter Ronson Band. En 1980, lanzan el álbum en vivo "Welcome to the Club", grabado a finales de 1979 durante su gira por los EE.UU. Siete noches colgando el cartel de "no hay billetes" en el mítico Roxy Theatre de Los Angeles, son la cuna de esta grabación intensa que te lleva a sentirte inmerso entre el devoto público que reverencia a Hunter/Ronson, como si se tratara de los mesías del rock.

El disco se abre con un enérgico "F.B.I.", el instrumental de los Shadows, que detona dinamita en manos de una banda en plena combustión guiada por las seis cuerdas de Mick; luego los inconfundibles acordes de "Once Bitten, Twice Shy" dejan claro que esto va a ser una verdadera celebración. Seguramente se trate de uno de los mejores discos en directo que uno se puede llevar a los oídos.

Lejos ya de los focos de la fama, no se sabría nada de Ronno hasta 1992. Por un lado, fue el productor de "Your Arsenal", tercer trabajo de Morrisey (ex líder de The Smiths), y posiblemente el mejor disco de este en solitario. Además, Mick volvería al olimpo del rock por una noche, la del 20 de Abril de ese año; una noche mágica en recuerdo de uno de los mas grandes, Freddie Mercury. Tras cantar "Under Pressure" con Annie Lennox, Bowie llamaría al escenario a un amigo, Mick Ronson.

Casi 20 años después de aquel último concierto juntos, David y Mick volvían reunirse, quién sabe si incluso llevaban 19 años sin verse. Junto a Ian Hunter y a los miembros de Queen, tocarían "All The Young Dudes", tema que Bowie compuso para Mott the Hoople y que sin duda es una de las canciones más increíbles de todos los tiempos, el himno glam por excelencia. En realidad fue concebida por Bowie como preludio de "Ziggy Stardust".

Ataviado con una simple camisa blanca y un Fender Telecaster azul, Ronson comenzaba el punteo introductorio de "All The Young Dudes" y con ello, cuatro de los minutos más maravillosos de la historia del rock, cuatro minutos que emocionan profundamente. Luego vendría una genial versión de "Heroes", otro himno imperdurable de la carrera de Bowie.

Aún colaboró de nuevo con Bowie en su álbum “Black Tie White Noise” de 1993. Ya en aquellos dias, se encontraba trabajando junto a muchos de sus amigos en su proximo disco, "To Hull And Back", pero desgraciadamente no conseguiría acabarlo.

Más tarde se supo que aquel Mick que salto al escenario de Wembley padecía un cáncer que se lo llevaría un año después, a los 46 años de edad. Dicen que Bowie no fue al entierro, y que Ian Hunter dijo “como vea a ese hijo de *** lo primero que voy a hacer será romperle la cara”. Quien sabe. En su memoria, fue construida en Queens Gardens, en su ciudad natal, Hull, el Mick Ronson Memorial Stage. Hay también una calle bautizada en su honor en Bilton Grange Estate, no lejos de donde él vivió.

Ese disco lamado "To Hull and Back", finalmente veria la luz bajo el nombre de "Heaven and Hull" en el 94, como homenaje a este gran guitarrista. Amigos como Joe Elliot, el propio Bowie, Ian Hunter, Phil Collen, Chrissie Hynde, Mellencamp, Brian May, John Deacon o Roger Taylor entre otros, dejaron su impronta en el último legado de Ronson, en diez temas que respiran rock and roll por todos sus poros.

El disco se abre con un tema compuesto a pachas con Joe Elliot, "Don't Look Down", donde la hiriente guitarra de Mick y voz del cantante de Def Leppard dejan un temazo increíble de hard melódico. No se puede contar la de versiones que se han realizado de "Like A Rolling Rtones", pero la que hace Bowie en este disco, seguro que esta entre las mejores, muy hard rockera, con un Bowie inmenso a las voces. "When The World Falls Down" es puro feeling. "Trouble With Me" tiene a Chrissie Hynde como protagonista, con el aire blues de la canción y ese tono arrastrado que tan bien le va a la voz de la Pretenders.

"Life's A River" es puro rock de raíces, con una magnifica interpretación de Mellencamp, que deja su impronta en el tema, junto a los fabulosos solos de Mick. "You And Me" es un emotivo y bello tema instrumental que Ronson compuso junto a su mujer, tres minutos llenos de sentimiento que afloran con cada acorde. "Colour Me" sigue dando muestra de la clase de Mick y su vision del classic rock. "Take A Long Line" muestra de nuevo la faceta mas hard rockera de Ronson, contando de nuevo con la voz de Elliot y unos riffs matadores.

"Midnight Love" es otro bello pasaje instrumental, que transmite paz, la que supongo que buscaría Mick, gravemente enfermo cuando compuso estos temas. Para terminar, aquella bestial interpretación en Wembley de "All The Young Dudes", en el homenaje a Mercury, con Queen como banda, y Mick compartiendo escenario junto a Bowie, Hunter y los Leppard, Elliot y Phil Collen.

En definitiva, un magnifico disco que recoge el ultimo grito de libertad de Ronson, antes de perder la partida con la muerte, y nos deja sus ultimas composiciones junto a grandes musicos y amigos. Posiblemente, haya muchos de sus discos en solitario o junto a Bowie y demás, que sean una mejor forma de descubrir o volver a escuchar los riffs y el sentimiento de Mick, pero este disco, no deja de ser un bonito homenaje a un tipo, que aun sabiendo que el fin estaba cerca, nunca quiso dejar de hacer aquello que amaba, tocar su guitarra.

Una de las cosas que llamaba la atención de Ronno, era su forma austera de tocar. Siempre con su Gibson Les Paul y una cantidad limitada de equipo. Era un guitarrista muy creativo, con la capacidad de encontrar el riff o el solo justo para un tema, sin necesidad de hacer fuegos artificiales, pero con el talento como para conmover. Ahí radica su virtuosismo, con un equipo limitado lograba una gran variedad de sonidos.

El estilo particular de Ronson y su manera de arreglar y tocar otros instrumentos, ha sido de gran influencia para otros guitarristas, entre ellos Ace Frehley de Kiss, Steve Jones de los Sex Pistols, Randy Rhoads de Ozzy Osbourne y Mick Mars de Mötley Crüe, entre otros.


Discografía

Con David Bowie
The Man Who Sold the World (1970)
Hunky Dory (1971)
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
Aladdin Sane (1973)
Pin Ups (1973)
Ziggy Stardust: The Motion Picture (1983)
Black Tie White Noise (1993) (solo en la canción "I Feel Free")
Bowie at the Beeb (2000)
Live Santa Monica '72 (2008)

Con Ian Hunter
Ian Hunter (1975)
You're Never Alone with a Schizophrenic (1979)
Welcome to the Club (1980)
Short Back 'n' Sides (1981)
YUI Orta (1990)
BBC Live in Concert (1995)

Con Lou Reed
Transformer (1972)

Con Bob Dylan
Hard Rain (1976)
The Bootleg Series Vol. 5: Bob Dylan Live 1975, The Rolling Thunder Revue (2002)

En solitario
Slaughter On 10th Avenue (1974)
Play Don't Worry (1975)
Heaven And Hull (1994)



Fuentes: plasticosydecibelios.com, Flickr, otralistadediscos.blogspot.com.es, grandes-guitarristas.blogspot.com.es, corazonderockroll.blogspot.com.es, discosparaelrecuerdo.blogspot.com.es, motelbourbon.blogspot.com.es, es.answers.yahoo.com, valiumandmorgue.blogspot.com.es, gibsonguitar.es, nikochanisland.com, revistaculturalsono.com, revolverrecords.es y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 40


Tom Morello


Músico estadounidense integrante de Rage Against the Machine y ex guitarrista del grupo de rock Audioslave. Actualmente lidera un proyecto en solitario llamado The Nightwatchman y una banda junto a Boots Riley llamada Street Sweeper Social Club. Fue galardonado con el Grammy Award al mejor guitarrista.

Tom Morello no es que sea un gran virtuoso de la guitarra pero sÍ que es apreciado por la maestría con la que toca, obteniendo sonidos inimaginables para un instrumento como es la guitarra.


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Thomas Baptist Morello nace el 30 de mayo de 1964 en Nueva York, aunque crece y pasa su infancia en Libertyville, un suburbio de la ciudad de Chicago. Mary Morello, la madre de Tom, de origen italo-irlandés es una de las fundadoras de la asociación Parents for Rock and Rap una organización contra la censura en el mundo musical. Su padre, Stephen Ngethe Njoroge, fue un militar que estuvo en la guerrilla Mau-Mau que liberaba Kenya de las órdenes británicas y fue el primer embajador de Kenia en las Naciones Unidas; su tío, Jomo Kenyatta, fue el primer presidente electo de Kenia.

Vivió desde niño sucesos racistas en su entorno: en la guardería a la que le llevaban en Libertyville, una niña blanca le decía constantemente negro y otras frases racistas, y aunque él no sabía que quería decir, cuando se lo contó a su madre, ella le habló de Malcolm X y de los conflictos raciales en Estados Unidos, algo que determinó su carácter. Al día siguiente la niña le dijo las mismas cosas de nuevo, él le contestó "¡Cállate blanquita!" y le pegó un puñetazo en la cara.

A los 13 años le compraron su primera guitarra eléctrica de la marca Kay. Quería tocar la canción "Black Dog" de Led Zeppelin, y asistió a dos clases de guitarra en las que en lugar de eso, le enseñaron la escala de Do. Disgustado, dejó las clases y abandonó el instrumento, ya que le parecía una pérdida de tiempo, y no lo retomaría hasta que cumplió los 16 años.

De adolescente se mostró muy interesado en política y escribió artículos para la revista de su instituto en los que hablaba sobre el racismo y el fascismo que soportaban los negros sudafricanos.

Formó una banda durante su estancia en el Libertyville High School junto al que sería, más adelante, el guitarrista de Tool, Adam Jones, al bajo. Los otros miembros de la banda eran el vocalista Chris George, Randy Cotton a los teclados y Ward "Yardstick" Wilson a la batería. El nombre de la banda, Electric Sheep, fue tomado del título de la novela de Phillip K. Dick, "Do Androids Dream of Electric Sheep?", más conocido por su versión cinematográfica, “Blade Runner”.

La única grabación hecha de manera formal por la banda es una versión del tema de Steppenwolf's, "Born to Be Wild", grabada durante el show de talentos de 1982 del Libertyville High School, llamado "All Shook Up". Pocos de los integrantes podían realmente tocar un instrumento al principio, pero la banda le daba motivación a Morello para mejorar sus habilidades. Al mismo tiempo, su gusto musical iba en dirección al heavy metal, particularmente Kiss, Alice Cooper, Led Zeppelin y Black Sabbath, pero después, su música fue influenciada por bandas de punk rock como The Clash, The Sex Pistols y Devo.

Se graduó en el instituto en 1982 y se matriculó en la prestigiosa universidad de Harvard, donde se graduaría en Ciencias Políticas, en 1986, con un brillante expediente académico. Fue durante esta época en la universidad cuando se interesó por la música como un modo de transmitir sus ideas políticas, así que se pasaba las horas practicando con la guitarra para perfeccionarse.

Después de graduarse en Harvard, se trasladó a Los Ángeles, ya que consideraba que allí tendría muchas más opciones a nivel musical, y pasó a formar parte de numerosos grupos que no tuvieron mayor trascendencia. Allí dio clases particulares de guitarra para poder sobrevivir y obtener algo de dinero, hasta que consiguió un trabajo como secretario del senador de California, trabajo del que le echaron después de tener un incidente con una persona que había llamado quejándose de la numerosa afluencia de negros en su vecindario, a lo que él respondió tachándola de racista.

Buscó gente interesada en formar una banda de música, hasta que en 1988 se une a un grupo de glam-rock llamado Lock Up. Esta fue la única banda con la que llegó a grabar un disco en aquellos años. Fue en 1989 (él tenía 25 años), y se llamó “Something Bitchin’ This Way Comes”. Luego, el grupo se disolvió.

Ese mismo año, descubrió a Zack de la Rocha, quien le dejó impresionado por su manera de rapear, y le propuso fundar una banda. Llamaron al baterista Brad Wilk (que había sido rechazado en una audición que hizo Lock Up para buscar baterista) y a Tim Commerford, bajista amigo de Zack.

Juntos formarían, en 1990, uno de los grupos más influyentes de la década, Rage Against the Machine, (RATM, “Ira contra la máquina”). Según Morello ”.. la máquina representa la globalización, el neoliberalismo, la alienación, el racismo, la brutalidad, la élite y la ignorancia…“. Su estilo era una sólida fusión de hip hop, rap, funk, punk, hardcore y hard rockera mezclada con letras antisistema llenas de rabia y furia. Más tarde a esta mezcla se le denominaría rapmetal o rapcore.

El sonido que Tom Morello obtiene de su guitarra es uno de los más inconfundibles, personales y originales del panorama musical. El uso creativo de efectos (algunos averiados) para la obtención de sonidos, digamos poco usuales en una guitarra, el increíble dominio del tempo y la fabulosa simplicidad de sus fraseos, son una gran porcentaje de la base del éxito de RATM.

La primera presentación del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim, en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, pero tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta.

Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un "caza-talentos". En 1992 firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco "Rage Against the Machine".

Le criticaron por firmar con una discográfica subsidiaria de Sony, ya que había quien consideraba su postura política un cliché, y no entendían que un grupo tan alternativo en su mensaje, luego trabajase para una empresa global como Sony. Al respecto contestó: “Cuando vives en una sociedad capitalista, la difusión de la información se rige por la moneda que marcan los canales capitalistas. ¿Acaso Noam Chomsky se opone a que sus obras se vendan en Barnes & Noble?. No, por que allí es donde la gente común compra sus libros. No estamos interesados en predicar nuestra música solo para aquellos que ya están convertidos. Es genial tocar en un lugar abandonado y que está ocupado ilegalmente por anarquistas, pero también es genial ser capaz de alcanzar a las personas con un mensaje revolucionario, desde Granada Hills hasta Stuttgart.”

“Rage Against the Machine” permaneció en el top 200 del Billboard durante 89 semanas. La revista Rolling Stone puso a este álbum en el puesto número 368 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y la revista Kerrang, catalogó a este disco en el puesto número 34 de su lista de "Los 100 álbumes que debes oír antes de morir".

Siguieron de gira y participaron en varios conciertos benéficos: por Mumia Abu-Jamal, Leonard Peltier, la Liga Anti-Nazi y Rock for Choice. En 1993, aparecieron en Lollapalooza de nuevo y en Filadelfia elevaron su notoriedad mucho más, cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center (PMRC) (Centro de Recursos Musicales de Padres).

El PMRC era un comité estadounidense formado en 1985 por las esposas de varios diputados. Su misión era educar a los padres sobre "modas alarmantes" en la música popular. Aseguraban que el rock apoyaba y glorificaba la violencia, el consumo de drogas, el suicidio, las actividades criminales, etc. mientras que abogaban por la censura o la catalogación de la música.

La protesta consistió en quedarse parados en el escenario completamente desnudos durante algo menos de 15 minutos, con acoples de bajo y guitarra zumbando. Pusieron cinta adhesiva sobre sus bocas, y las letras, “P” “M” “R” “C” escritas en el pecho de los cuatro miembros de la banda. Tom dijo que “Fue para mostrar que si los fans no actuaban por su cuenta, no podrían ver bandas como nosotros. Fue para despertar a la gente y mostrarle cual es la realidad que persigue a la comunidad artística".

En 1996 lanzan su segundo álbum, "Evil Empire", cuyo nombre, proviene de la denominación de la Unión Soviética durante el gobierno de Ronald Reagan. En el caso del disco de RATM, de acuerdo con su ideología, el Imperio del Mal es Estados Unidos. El disco entró en el top 200 en el puesto número uno, ganándole a "Jagged Little Pill" de Alanis Morisette. RATM encabezó su propia gira en EE.UU. en la primavera y el verano del 1996, y el video lanzado del tema que abre el álbum, "People of The Sun", fue censurado en la MTV por contenido violento. En la primavera, RATM salió nuevamente de gira, siendo banda soporte de U2 en su gira "Popmart". Todas las ganancias de estos conciertos fueron para el apoyo de organizaciones políticas y sociales.

"The Battle of Los Angeles", su tercer disco de estudio, fue lanzado el 2 de noviembre de 1999 y rápidamente alcanza el puesto número uno en el top 200 del Billboard. Fue el disco más popular de la banda y el que generó más interés internacional. La revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 426 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En diciembre realizan una gira por EE.UU. y a principios de 2000 realizan un tour por Europa junto a los ingleses de Asian Dub Foundation.

Tras la grabación de "The Battle of Los Angeles", Zack de la Rocha informó, a finales del 2000, que se separaba del grupo para iniciar una carrera como solista. Explicó que su decisión se debía a la falta de ideas creativas que sufría el grupo desde el álbum "Evil Empire"; según fuentes cercanas a los integrantes, las constantes discusiones habrían hecho imposible la convivencia dentro de la banda.

Tras el abandono de Zack, R.A.T.M sacó ese mismo año un disco de covers titulado "Renegades". Sería su penúltimo disco antes de la disolución definitiva. El disco es una colección de temas escritos por artistas como MC5, The Stooges, EPMD, Bob Dylan, Minor Threat, The Rolling Stones, Afrika Bambaataa, Devo, Volume 10, Erick B y Cypress Hill. También se incluyó una nueva versión alternativa y remezclada de “The Ghost of Tom Joad” de Bruce Springsteen (anteriormente sólo disponible como sencillo en el vídeo de 1997 de los RATM).

Después de "Renegades", el resto del grupo se unió con el ex vocalista de Soundgarden, Chris Cornell, para formar el rupo Audioslave. RATM tuvo de todos modos, otro disco, "Live at the Grand Olympic Auditórium", un disco póstumo que contiene las canciones de los dos últimos conciertos que realizaron como banda.

La cosa cuajó y dos años más tarde, en el 2002, editaron su primer disco, "Audioslave", con el que lograron tres discos de platino. La música desplegada en la grabación guarda un parecido característico con la de Rage Against the Machine, mezclado con la característica voz de Chris Cornell. Vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos y el sencillo, "Like a Stone", fue nominado a los premios Grammy de 2004 en la categoría de "Mejor Interpretación de Hard Rock". También hay que destacar en el álbum "Show Me How to Live", "What You Are", "I Am the Highway" y "Cochise".

Luego llegaría el disco “Out of Exile”, publicado el 23 de mayo de 2005 en Europa y un día después en los Estados Unidos. El disco llegó al nº 1 del Billboard, logrando también el disco de platino; es el único álbum de la formación en alcanzar el primer puesto en las listas de éxitos estadounidenses, extrayéndose cuatro sencillos: "Be Yourself", "Your Time Has Come", "Doesn't Remind Me" y "Out of Exile".

El disco fue recibido cálidamente por la crítica al considerar que la banda estaba buscando definir su propio sonido, separándose de las bandas de las que provenían sus miembros (Rage Against the Machine y Soundgarden). "Doesn't Remind Me" fue nominada en los premios Grammy de 2006 en la categoría de "Mejor interpretación de hard rock".

Posteriormente, vería la luz un año más tarde, "Revelations", un álbum con sonido un poco más experimental que los otros dos anteriores. Los otros fueron grabados al estilo: letra de Chris Cornell y música de Rage Against the Machine. En este se puede notar que el trabajo es más homogéneo y una mejor complementación entre los músicos (aunque fuera solo músicalmente). El grupo se disolvió un año más tarde debido a diferencias con Chris Cornell. Fueron el primer grupo norteamericano de rock que actuó de forma oficial en Cuba, y publicaron un DVD con lo que fue considerado un acontecimiento histórico.

En 2003, durante su estancia en Audioslave, Morello volvió al activismo político tocando música como cantautor de country alternativo en acústico, influenciado por artistas como Bob Dylan o Bruce Springsteen, en salas de California, con el seudónimo de The Nightwatchman. Sus letras trataban sobre temas políticos y de actualidad, debido a su desacuerdo con la administración de George W. Bush, desde un punto de vista izquierdista.

Morello explicó hace tiempo el origen de el apodo The Nightwatchman, que comenzó cuando él empezó a tocar sus canciones de protesta en los cafés. Cuenta que decidió usar este apodo y no su nombre para no condicionar al público y que pensasen que iban a escuchar los temas que se asocian a Tom Morello, además es el apodo que parece ajustarse a la música que estaba escribiendo y tocando

En el año 2006, grabó su primer álbum, "One Man Revolution", producido por Brendan O'Brien y publicado en abril del 2007. Todas las canciones fueron escritas por Morello. Después de publicarse, The Nightwatchman se fue de gira por los Estados Unidos a hacer el "The Nightwatchaman Tour".

Pero en 2006 no solo se centró en The Nightwatchman, también formó otro grupo, Street Sweeper Social Club. Tal vez el menos conocido aquí en España de todos los grupos de Morello. En este grupo Tom vuelve al rap metal, aunque ya de ''metal'' tiene poco, pero sí, podemos llamarlo así. Los ritmos de sus canciones son super pegadizos, bailables y las letras, como no, muy críticas, hablando de la sociedad desde un punto de vista mas satírico y burlesco.



El 14 de abril de 2007 Tom Morello y Zack de la Rocha tocaron juntos en Chicago canciones de RATM en versión acústica. El 29 de abril del mismo año, la banda se reunió por primera vez tras seis años de separación en el Festival de Coachella Valley en California. Zack comenzó presentando a su grupo como si fuera una banda nueva: "Buenas tardes, somos Rage Against The Machine, de Los Ángeles, California".

También en este mismo concierto se desató la polémica cuando tocaron "Wake up" y Zack dio uno de sus comunes discursos en la época de apogeo de RATM, citando a Noam Chomsky sobre los "Juicios de Núremberg", diciendo que si los políticos actuales de EE.UU. fueran juzgados con las mismas leyes que los nazis después de la Segunda Guerra Mundial, todos deberían ser ahorcados hasta la muerte, porque son criminales. Días después, la cadena de noticias Fox dijo: "RATM piensa que deberían asesinar a todo el gabinete de la administración de Bush".

El 28 y 29 de julio de 2007 tocaron en el festival Rock The Bells a su paso por Nueva York. En él, antes de la canción "Wake Up", Zack defendió a la banda de lo que dijo la Fox comentando: "Hace un par de meses, esos fascistas hijos de *** en la Fox News Network intentaron poner a esta banda en una esquina sugiriendo que dijimos que el presidente debería ser asesinado. No, lo que dijimos fue que debería ser llevado a un juicio como un criminal de guerra y después debería ser ahorcado y disparado. ¡Eso es lo que dijimos!. Y no nos echaremos atrás en nuestra posición porque los verdaderos asesinos son Bush y Cheney y toda la administración por las vidas que han destruido aquí y en Irak".

En enero de 2008, tocaron por primera vez fuera de Estados Unidos desde su reunión formando parte del Big Day Out Festival en Australia y en Nueva Zelanda. En agosto de 2008, encabezaron las noches de los festivales de Reading y de Leeds. La banda ha seguido desde entonces la gira alrededor del mundo, encabezando muchos festivales en Europa, Estados Unidos y también Sudamérica.

Una parte importante de su identidad como grupo la constituye su ideología política izquierdista, que les ha llevado a manifestarse en numerosas ocasiones contra la política interior y exterior de Estados Unidos. Ante todo RATM utilizaba su música como movimiento social, y como resultado se convirtió tal vez en la banda de protesta más famosa de los Estados Unidos.

El 30 de septiembre del 2008, publica su segundo trabajo como The Nightwatchman, álter ego de Tom Morello, "The Fabled City". Artistas como Serj Tankian (de System of a Down), Shooter Jennings y Perry Farrell (de Jane's Addiction), colaboran en la grabación, producida por Brendan O'Brien, que produjo el álbum debut de The Nightwatchman, "One Man Revolution", y que también había trabajado con Pearl Jam, Audioslave y Rage Against the Machine.

En julio de 2011 saca su tercer álbum, "Union Town" y unos meses mas tarde sale el que hasta la fecha es su último álbum "World Wide Rebel Songs". En el álbum cuenta con su compañeros de Street Sweeper Social Club Carl Restivo a la guitarra, Eric Gardner a la batería, y Dave Gibbs al bajo y a los coros.

Distante de cierto modo de la estridencia metalera de RATM, ahora como The Nightwatchman, Morello busca en otras sonoridades dar continuidad a una consistente carrera, como instrumentista y compositor."World Wide Rebel Songs", salvo contadas excepciones, es un disco que se inclina más hacia un carácter acústico, en canciones que más que innovar o sorprender al oído, desean dar continuidad a una tradición, en la que soul, blues y country resuenan detrás.

Pero el prestigio que Tom Morello ha conseguido como uno de los guitarristas menos ortodoxos del rock en la actualidad, lo ha hecho estar en fecha reciente en los discos de dos afamados compositores norteamericanos, "How To Become Clairvoyant", del canadiense que ya hemos visto anteriormente por aquí, Robbie Robertson, y "Wrecking Ball", del estadounidense Bruce Springsteen, haciendo de las suyas en “This depression” y “Jack of all trades”.

Ha tenido tiempo también para realizar numerosas colaboraciones y participar en diferentes proyectos. Grabó guitarras para un disco de la leyenda country Johnny Cash; tocó la guitarra en un tema de Macy Gray en la banda sonora de “Spider-man”; también participó en la banda sonora de la película “The Faculty”; colaboró con el grupo The Prodigy; aparece en el videojuego “Guitar Hero III: Legends of Rock”.

Su fama no sólo lo ha hecho una figura notable en el mundillo musical anglosajón, incluso lo ha llevado al cine, arte en el cual cuenta ya con una filmografía considerable como actor, participando en cintas del realizador Jon Favreau, sobre todo como "Made" y las dos "Iron Man".

Ha sido un activista político ampliamente reconocido a lo largo de su carrera. Con Serj Tankian de System of a Down, ha formado Axis of a Justice, una organización cuyo propósito es reunir a músicos, aficionados a la música, y las organizaciones de base política para luchar por la justicia social.


Sus diez mejores riffs

"Guerrilla Radio"
El mejor ejemplo del ya clásico sonido de Morello. Un riff rápido y poderoso, tan enojado como los gritos de protesta de Zack de la Rocha. Este sencillo del "Battle for Los Angeles" es una de esas canciones que debe ser escuchada al máximo de volumen, y todo gracias al riff de Morello.

"100 Little Curses"
El proyecto Street Sweeper Social Club (banda formada por Morello y Boots Riley de The Coop) no fue muy bien recibido ni por críticos ni por fans. Tal vez lo más memorable fue su cover a “Paper Planes” de M.I.A., en el que Morello recrea brillantemente la canción. Las reseñas no fueron buenas pero el guitarrista incluyó uno de sus mejores riffs dentro de este sencillo de su primer disco.

"Maggie's Farm"
Se podría hacer un libro sobre el arte de hacer covers a Bob Dylan. Si así fuera, Morello y el resto de Rage Against the Machine podrían escribir un capítulo. Esta reinterpretación del clásico de Dylan no sería nada sin el riff que Morello decidió agregar a esta nueva versión, que ya también puede ser considerada un clásico por sí sola.

"It Begins Tonight"
El proyecto solista de Morello, The Nightwatchman, se ha caracterizado principalmente por canciones folk que tratan sobre temas sociales y de protesta. Algo más parecido a Dylan que a Audioslave. A pesar de eso, Morello ha logrado incluir uno que otro riff dentro de su material solista. Un claro ejemplo de esto es esta canción, pensar en el característico sonido de Morello pasado por un filtro de rock clásico.

"Be Yourself"
Este riff es muy diferente a otros de Morello, aquí el rock agresivo es cambiado por lo melódico y nostálgico. Con el paso del tiempo éste se ha convertido en uno de sus riffs más emblemáticos. Lo mejor de la canción es cómo ha ido creciendo hasta convertirse en uno de los solos más imponentes de la carrera de Morello.

"Know Your Enemy"
El funk siempre ha tenido una fuerte influencia en el sonido de Morello y las bandas en las que ha tocado. Esta canción, del primer disco de la banda, parece ser una de las que tienen mayor influencia de dicho género. Sea en pleno slam o moviendo la cabeza al ritmo de la música, es innegable que los riffs de Morello siempre han tenido un ejemplo que hace que queramos mover cada parte del cuerpo.

"Cochise"
Audioslave tenía mucho que probar, después de todo era un súpergrupo formado de los remanentes de dos de las mejores bandas de principios de los noventa. Con su primer sencillo, nombrado igual que un jefe indio, probaron que tenían lo necesario. Seamos honestos, lo que hizo que esta canción se volviera tan popular fue Morello. La intro, en la que hace un efecto en la guitarra que suena como un helicóptero, es emblemática, pero nada como el pegajoso y energético riff que demostraba que Morello nunca perdió el toque.

"Bulls on Parade"
Uno de los mejores intros de todos los tiempos. Desde el primer segundo, el riff toma el control de toda tu atención y no te deja ir. Mezclando un sonido agresivo con sonidos funk, este riff es probablemente el más memorable de la carrera de Morello. Como extra, tiene un gran solo en el que el guitarrista logra que su instrumento suene como scratcheo de discos.

"Like a Stone"
La mayor parte de los riffs de Morello son frenéticos, llenos de energía y con cierto toques de funk, así que imaginarlo haciendo uno para una canción un poco más lenta parecía difícil. Morello demostró el error en el sencillo “Like A Stone” de Audioslave. La canción abre con el melancólico riff que, en conjunto con la voz de Chris Cornell, crearon una obra que podría hacer que cualquiera acabara en lagrimas.

"Killing in the Name"
Dicen que es el mejor riff de los noventa, para gustos los colores. La obra maestra de Morello, y en gran parte responsable de la fama de Rage Against the Machine. La canción ha sido incluida en numerosas listas de “lo mejor” en solos de guitarras, riffs y similares. Encima de todo lo anterior es la canción perfecta para headbangear.






Equipo

Guitarras
Mongrel Custom “Arm the Homeless”: Es la guitarra más famosa de Morello. La guitarra original fue fabricada por Performance Guitar para Morello según sus especificaciones. Tenía el cuerpo de una Stratocaster. Cuando la obtuvo, odió todo sobre ella y cambió todo. Lo único que conservó de la guitarra original fue el cuerpo. El cuerpo era azul. Tenía las palabras “Arm the Homeless” escritas en ella en rojo y negro, 4 hipopótamos pintados en la parte delantera y un hipopótamo gigante en la parte de atrás junto al símbolo de la Hoz y el Martillo. Fue y es la principal guitarra en Rage Against the Machine, y fue usada en todas las grabaciones y directos de Audioslave en la gira OOE. Además aparece en el videojuego "Guitar Hero III".

Fender Custom Stratocaster “Soul Power”: Blanca y negra, con las palabras “Soul Power” rayadas alrededor de la parte alta del cuerpo en plateado. Tiene micrófonos Fender Noiseless en las posiciones del cuello y medio, y la pastilla en la posición del puente es una Seymour Duncan Hot Rails. Fue la guitarra principal en Audioslave.

Fender Telecaster “Sendero Luminoso”: Es la guitarra que generalmente se afina en Drop-D (en Re) en Rage Against the Machine y Audioslave. Puede observarse en el vídeo de la canción "No Shelter" de Rage Against the Machine y en la canción "Out of Exile" en el concierto de Audioslave en Cuba. Es la de la foto.

James Trussart Steelcaster: Es básicamente una guitarra Telecaster con el cuerpo hecho en hierro, acabado con dibujos de estrellas rojas. Vista ocasionalmente en la gira reunión de Rage Against the Machine.

St. George “Creamy”: Comprada por 60 dólares en una venta de garage en Canadá. Generalmente se afina en Drop-B (en Si), una afinación bastante grave y "heavy". Fue usada en canciones como "Calm Like a Bomb" y "Tire Me" en RATM, y en "Shadow on the Sun" y "The Worm", en Audioslave, entre otras.

Ibanez Roadstar: Guitarra suplente de "Arm the Homeless".

Ibanez Talman: Tiene una pastilla que funciona "incorrectamente", pero Tom la utiliza para hacer sus típicos sonidos y emulaciones de DJ, como en la introducción de "Revolver". Tiene un dibujo de la bandera de Kenya, con rayas verdes, naranjas y negras y un escudo y lanza dibujados.

Ibanez Custom Artstar: Roja y negra, se puede ver en el video de "Guerilla Radio".

Ovation “Breadwinner”: Una rara Ovation Solidbody de los 70s. Usada en "Ashes in the Fall".

Gibson Les Paul Standard: Modelo 2002, Sunburst. Afinada en Drop-B. Usada en "Gasoline" y en "Shadow on The Sun", de Audioslave. También es la guitarra principal en el proyecto Street Sweeper Social Club.

Gibson Les Paul: Color rojo cereza, usada para covers de Soundgarden en Drop-D (Re), como "Spoonman". También fue usada en el concierto del '92 en Nomads en la canción "Wake Up".

Gibson EDS-1275 double neck SG: Rojo cereza, afinada en Re. Usada para la canción "The Ghost of Tom Joad" en vivo, de RATM.

Gibson “Budweiser” Les paul: Era la guitarra de promoción que aparecía en el autobús de la gira de Audioslave. Usada durante las grabaciones del tercer álbum, “Revelations”. Tom odiaba el símbolo de Budweiser en la guitarra y decidió quemarlo usando un mechero. Le gustó la nueva apariencia y le preguntó a su técnico si podía modificar la guitarra incorporando el nuevo símbolo como parte del nuevo diseño.

Gibson ES-335: Usada para grabar la canción "Revelations", del álbum de mismo nombre, de Audioslave.

Fender American Standard Telecaster: Usada en presentaciones en vivo de RATM para canciones como "Calm Like a Bomb", entre otras.

Ibanez Salvador “Whatever it Takes”: Guitarra acústica con cuerdas de nylon para sus presentaciones en vivo como The Nightwatchman. Dice "Whatever it Takes", junto con un dibujo de una estrella, a la izquierda del puente. Usada para grabar los dos álbumes de The Nightwatchman "One Man Revolution" y "The Fabled City".

Amplificadores
Cabezal Marshall JCM800 2205 de 50w
Gabinete Peavey 4x12

Efectos
Dunlop Cry Baby Wah-Wah
Digitech Whammy Wh-1
Ibanez DFL Flanger, que fue remplazado con el MXR Block Phase 90 Phaser cuando se formó Audioslave.
MXR Block Phase 90 Phaser
DOD FX40b Equalizer
Boss DD-2 Digital Delay
Boss TR-2 Trémolo


Discografía

Con Lock Up
Something Bitchin' This Way Comes (1989)

Con Rage Against the Machine
Rage Against the Machine (1992)
Evil Empire (1996)
Live & Rare (1998) (en vivo)
The Battle of Los Angeles (1999)
Renegades (2000)
Live at the Grand Olympic Auditorium (2003) (en vivo)

Con Audioslave
Audioslave (2002)
Out of Exile (2005)
Revelations (2006)

Con The Nightwatchman
One Man Revolution (2007)
The Fabled City (2008)
World Wide Rebel Songs (2011)

Con Street Sweeper Social Club
Street Sweeper Social Club (2009)
El Ghetto Blaster (EP 2010)



Fuentes: los-elegidos-elegidos.blogspot.com.es, Flickr, Last.fm, vanzguitars.wordpress.com, samuellevi.blogspot.com.es, hoypuedeserunmaldia.blogspot.com.es, guitarrasyconciertos.blogspot.com.es, chilango.com y Wikipedia


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En el puesto número 39


Steve Cropper


Steve Cropper, conocido por muchos como “El coronel”, es un guitarrista, compositor y productor norteamericano, conocido por ser el guitarrista de la banda residente de Stax Records, Booker T. & the M.G.'s, con los que ayudó a definir el sonido del soul de los sesenta.

Trabajador infatigable (pasaba una media de doce horas en el estudio de grabación), su guitarra está presente en todos los hits que el sello de Memphis publicó y es co-autor de clásicos como "In the Midnight Hour", "Knock on Wood" y "(Sittin' on) The dock of the bay". En los ochenta fue pieza fundamental de la banda The Blues Brothers y actualmente sigue actuando con renovadas formaciones de ambos grupos.


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Stephen Lee Cropper nació el 21 de Octubre de 1941 en una granja cerca de Dora, Missouri. En 1950, su familia se mudó a Memphis, Tennessee, donde Steve entró por primera vez en contacto con el soul y el rhythm and blues. Su interés por la guitarra empezó a la edad de 10 años cuando rasgaba la Gibson de su cuñado.

Consiguió su primer instrumento propio a los 14, con el que intentaba emular los sonidos de algunos de sus ídolos: Tal Farlow, Chuck Berry, Jimmy Reed, Chet Atkins, Lowman Pauling de The Five Royales y Billy Butler de la Bill Doggett Band, entre otros.

Junto con su compañero de colegio y futuro colega y amigo Donald "Duck" Dunn aprendió a tocar la guitarra y formó la banda, The Royal Spades, un divertimento de instituto que el propio músico definía como "un grupo de blancos intentando tocar rhythm and blues, quizás la primera en Memphis en hacerlo". Además de ellos, el grupo estaba formado por el saxofonista Don Nix, el saxo tenor Charles “Packy” Axton, el trombonista y trompetista Wayne Jackson, y el pianista y baterista, Terry Johnson.

El color de piel de muchos de sus miembros no fue impedimento para que la banda, que a finales de los 50 había cambiado el nombre por The Mar-Keys, grabara un tema instrumental llamado "Last Night", compuesto por él mismo y publicado en el sello Satellite en 1961. La canción fue un bombazo y conseguiría, de manera asombrosa, un tercer puesto en las listas de éxitos, siendo uno de los singles de rhythm and blues más vendido del año y un nombre dentro del circuito de músicos de Memphis de la época. A este le siguieron otros éxitos menores como "Pop-Eye Stroll", "The Morning After" y "Philly Dog".

De repente, apareció otro sello llamado Satellite Records, de California, que amenazó con demandar a la compañía de Memphis por la similitud en el nombre, y tuvo que cambiar el nombre por Stax; sería la cuna de lo que más tarde se vendría a llamar southern soul.

Tras este insospechado éxito Steve dejaría el grupo para trabajar como músico de estudio. Para entonces, ya tenía bastante experiencia en sesiones de grabación, por lo que al dejar de ser miembro de los Mar-Keys -durante el primer tour del grupo-, Jim Stewart, el cofundador de Stax, le nombró A&R (encargado de artistas y repertorio) del sello. Fue allí donde Crooper conocería a Booker T. Jones, futuro líder de la formación que le llevaría a ganarse la posición en la industria que hoy en día tiene.

Las cosas estaban yendo muy rápido, Steve tenía 20 años en 1962, y ya estaba consolidándose en el negocio. Ese año formó el grupo oficial de Stax Records, apareciendo en grabaciones legendarias del sello. Aparte de él estaban Booker T. Jones al teclado, Lewie Steinberg al bajo y Al Jackson Jr. a la batería.

El grupo Booker T. & the MG's nació cuando, en el verano del 62, los cuatro músicos fueron contratados para una sesión con el cantante Billy Lee Riley, un artista de Rock and Roll que había tenido cierta repercusión con sus grabaciones en Sun Records. Durante un descanso de una sesión de grabación, el grupo estaba improvisando alrededor de una progresión de blues en Fa, con un riff comandado por el órgano de Booker T. y los escuetos, rítmicos y atmosféricos acordes de la Fender Telecaster de Cropper; a Jimmy Stewart le gustó lo que estaba sonando y se puso a grabar. Esa zapada se convertiría en "Green Onions". La leyenda había comenzado.

Cropper comentó: "Yo sabía que “Green Onions” era un hit. Inmediatamente. Tan seguro estaba, que llamé a Scotty Moore, (guitarrsista de Elvis) para que lo escuchara. “Esta bastante bien -me dijo. Cómo se llama?” Le dije que no le habíamos puesto nombre todavía. Después fui a ver a Reuben Washington, un DJ amigo en la WLOK, la radio de Memphis. Y le dije “creo que tenemos un hit, quiero que lo escuches y me digas que te parece”. Mientras había otra cosa sonando al aire, lo puso para escucharlo dentro del estudio. Escuchó la intro y la mitad de la primera vuelta y lo detuvo sin decir nada. Cuando el disco que estaba al aire terminó, lo puso. Cuatro veces! Y me dijo “Cropper, esto es lo mas funky que escuché en mi vida”.

"Empezaron a sonar los teléfonos, la gente preguntaba de quien era el tema. Y el decía “No sabemos. No existe este grupo. La canción no tiene nombre”. Volví al estudio y los teléfonos sonaban ahí también, la gente preguntaba por lo que acababa de escuchar en la radio, querían saber adónde lo podían comprar. Nos reunimos con los muchachos porque queríamos editarlo, pero necesitábamos un nombre para el grupo y para el tema. Lewie Steinberg, dijo riendo “Llamemoslo “Onions” (Cebollas). Las cebollas son la cosa mas apestosa y esta es la música mas apestosa que escuché. “Lewie quiso relacionar tink (apestoso) con tank (sinónimo de funk o funky). Yo estaba de acuerdo, pero es un poco negativo, cierto? Cebollas? Que tal cebollas de verdeo (“Green Onions”)? A todos nos gusta un poco de cebolla de verdeo con la cena del domingo, no? Ahí tienes. "Green Onions".





Fue inmediatamente publicado como single junto a una canción llamada “Behave Yourself”, y así nació el grupo Booker T. & the M.G.’S. "Green Onions" tuvo un éxito arrollador; se convirtió en el himno instrumental para los jóvenes de Norteamérica tanto blancos como negros y consiguió ser disco de oro. Se vendieron mas de un millón de copias del single, que fue número 1 en las listas de rhythm and blues de la revista Billboard y número 3 en las listas pop. Por supuesto, aprovecharon el tirón y sacaron un LP llamado “Green Onions” que se completaba con versiones instrumentales de temas conocidos, algo que repitieron en varias ocasiones durante la década.

Fueron la “house band” del sello Stax. Junto a los vientos, conocidos como The Memphis Horns, eran la base rítmica de casi todos los cantantes que pasaban por el estudio, y también en las giras.

Steve seguía trabajando además en solitario con otros músicos en el estudio; por ejemplo con Otis Redding, con el que compuso varias canciones, entre ellas el éxito póstumo “(Sittin' On) The Dock of the Bay”. Según Steve, Otis tenía muchísimas ideas e iba anotándolas en un papel, luego, sobre esa base "el Coronel" aportaba mas ideas que luego acababan juntos. Según Cropper, en una entrevista en la radio: “Otis no solía escribir sobre si mismo, pero yo si que lo hacía por él. "Mr. Pitiful," "Sad Song (Fa-Fa)"; eran canciones sobre la vida de Otis. "Dock Of The Bay” decía: “Dejé mi casa en Georgia, y me dirigí a la bahía de Frisco " eso lo escribí yo, representando a Otis yendo a actuar a San Francisco”.

Durante los años 60, la carrera de Steve Cropper estuvo absolutamente ligada al sello Stax. En Stax compuso, grabó y tocó en vivo con artistas como The Mar-Keys, Albert King, Sam & Dave y Eddie Floyd. Es autor y co-autor de clásicos como "Soul Man" de Sam and Dave (donde se escucha el famoso grito "Play it, Steve!"), y de "Knock on Wood", con Eddie Floyd; y de varios otros junto a Wilson Pickett, como "In The Midnight Hour", que fue el primer éxito arrollador de Wilson en Atlantic Records, ambos la compusieron en el mismo motel en que fue asesinado dos años después Martin Luther King; también es co-autor de "Don't Fight It", "634-5789" y "Ninety-Nine and A Half (Won't Do)".

El sexteto formado por Steve Cropper, Donald “Duck” Dunn (había vuelto después de la salida de Steinberg), Isaac Hayes, Wayne Jackson, Booker T. Jones y David Porter fue conocido como los Big Six de Memphis, y ya sea como grupo de trabajo, en diferentes combinaciones o de forma individual, fueron responsables de producir casi todos los lanzamientos del sello entre 1963 y 1969. Hay un excelente documental llamado "Respect Yourself: The Stax Records History", dirigido por Robert Gordon y Morgan Neville, que cuenta la historia de Stax desde el principio.

Cropper comentaba:"Creo que la razón de que aquello que grabamos en Stax siga vigente durante tanto tiempo es porque todas las tomas fueron grabadas en vivo, con todos los músicos tocando juntos. Casi todos los hits que conoces fueron hechos en una sola toma. No había overdubs. Tal vez un poco de mezcla en la última época, cuando conseguimos los 4 canales".

Como Booker T and the MG'S grabarían unos cuantos trabajos más, destacando entre ellos un directo grabado en 1967 y llamado "Back To Back" (uno de los directos mas vendidos de la Stax) y "Hip Hug Her", también de 1967.

Ese año el grupo fue proclamado por la prensa especializada como la mejor sección rítmica del mundo, en gran medida, gracias a la impronta rítmica de Jackson, quien comandaba muchos de los arreglos de la banda. El grupo dejo de existir formalmente tras el asesinato de Al Jackson Jr. en 1975. La banda siguió tocando de forma esporádica con bateristas como Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts.

La fama de nuestro hombre y su Telecaster fue propagándose como la espuma y atravesó el Atlántico. Los Beatles se llegaron a plantear una sesión de grabación con Cropper y los demás en un estudio de Memphis, ya que les encantaba su trabajo en los discos de Otis Redding. No obstante, Brian Epstein desechó la idea por motivos de seguridad. En 1970 Booker T. & the M.G.'s publicaron el álbum "McLemore Avenue", en el que realizaban su propia versión instrumental del "Abbey Road" del cuarteto británico,

En otoño de 1970, Cropper dejó Stax Records, insatisfecho con la nueva dirección de la empresa, no sin antes publicar su primer álbum en solitario, "With A Little Help From My Friends" (1971), puro soul instrumental con temas del catálogo de Stax. Puso en marcha los estudios TMI junto con Jerry Williams y el ex Mar-Key, Ronnie Stoots. Allí tocó la guitarra y produjo, durante la década de los 70, trabajos de varios músicos como John Prine, Jose Feliciano, The Jeff Beck Group, John Lennon, B.B. King, Roy Orbison, Etta James, Jerry Lee Lewis, Rod Stewart, Robben Ford, Steppenwolf, Aretha Franklin y The Tower Of Power.

"Cuando miro atrás, no puedo creer con cuanta gente he trabajado. Alguien el otro día me preguntaba si tenía idea de cuantas sesiones de grabación hice. ¡No tengo idea!, le dije". Mas cerca en el tiempo, Cropper colaboró con Paul Simon, Ringo Starr, Buddy Guy, Elton John y Johnny Lang.

En 1975 intentó reformar Booker T. & the M.G.'s con Dunn y Al Jackson, "el mejor batería que ha pisado el planeta", según palabras de Cropper. Pero el asesinato de Jackson en su domicilio de Memphis dio al traste con el proyecto.

En 1977, Cropper y Dunn recibieron una llamada de dos actores del programa de TV Saturday Nigth Live: John Belushi y Dan Aykroyd. Los comediantes planeaban crear como sketch/tributo un dúo de soul y rythm and blues que, sin saberlo, se convertiría en toda una sensación. Con los músicos de la banda estable del programa, mas Cropper y Dunn, The Blues Brothers hicieron renacer al soul y el rythm and blues en las décadas del 70 y del 80, invitando a sus shows y películas a todos los baluartes vivos de la música negra, a saber: Aretha Franklin, Ray Charles, James Brown, Wilson Picket, Eddie Floyd, John Lee Hooker, B.B. King, etc.

Cropper dijo: "John y Dan nunca pensaron que los Blues Brothers podrían durar mas que un par de shows. Formaron la banda para “calentar” al público que asistía a ver el programa en vivo, antes de salir al aire. Lo hicimos un par de veces y a todo el mundo le gustó. Pero nunca los hubieran dejado hacer eso al aire. Una noche, se hizo un bache en el programa y quedaron unos minutos libres para el final, Entonces, el productor les dijo “Tenemos que hacer algo! Salgan y hagan eso de los Blues Brothers.” Fue un éxito total!".

Tras la muerte de Belushi, la banda se disuelve y Cropper permanece en Los Angeles hasta 1983, año en que se establece en Nashville.

Durante los primeros 80 graba dos discos en solitario: "Playin’ My Thang" en 1980 y "Night After Night" en 1982 aunque siempre se muestra reacio a ser protagonista, pues se considera un hombre de grupo mas que un solista.

The Blues Brothers Band volvió a reunirse en 1988, con Eddie Floyd o Jim Belushi en voces, para una gira mundial y la conmemoración del 40 aniversario de Atlantic Records y, de nuevo, en 1998 para el film secuela "Blues Brothers 2000", en donde se vuelven a rodear de estrellas y el gran John Goodman reemplaza dignamente a Belushi. The Blues Brothers Band siguen actuando de cuando en cuando por todo el mundo, siendo Cropper y Lou Marini los únicos miembros que quedan de la formación original.

En 1988 también compone parte de la banda sonora de la película "Vampiros", de John Carpenter y crea su sello Play It, Steve! Records y un estudio de grabación, Insomnia Studio.

En 1992, Bob Dylan pidió a Booker T. & the M.G.'s que fueran su banda de soporte en el concierto de su treinta aniversario en la música. Allí acompañaron a Dylan, Eric Clapton, George Harrison, Tom Petty, Johnny Cash, Chrissie Hynde, Sinéad O'Connor, Stevie Wonder, Neil Young y Eddie Vedder, de Pearl Jam. Neil Young les pidió a continuación que le acompañaran en su gira mundial del año siguiente.

La revista inglesa Mojo Magazine en 1996 realizó un ranking de los mejores guitarristas de todos los tiempos y colocó a Steve Cropper en el número 2, detrás de Jimi Hendrix, una exageración propia de estos estúpidos listados, aunque bien es cierto que debe ser tenido en cuenta como un grande, sobretodo por su trabajo para la música, mas que para el lucimiento personal. Ademas, el site de guitarras Gibson lo considera el numero uno entre los guitarristas de sesión.

"Chips Moman (productor de Stax Producer, fundador de American Records) me dio un consejo cuando empecé a grabar como sesionista. Me dijo “solo entra y escucha lo que te piden; escucha la canción y toca lo que sientas. Ellos te van a decir si no les gusta."

La banda volvió a trabajar con Young en su álbum de 2002 "Are you passionate?". Dos años más tarde fue Eric Clapton quien requirió sus servicios como banda para acompañar a sus invitados en el primer Crossroads Guitar Festival.

En 2005, Cropper fue presentado en el Songwriters Hall of Fame junto a Bill Withers, David Porter y Isaac Hayes. Como grupo, Booker T. & The M.G.'s había entrado al Rock and Roll Hall of Fame en 1992. Booker T. & the M.G.'s también siguen actuando en ocasiones especiales.

El año 2008 Cropper publicó el álbum "Nudge It Up A Notch" junto a Felix Cavaliere, a quien se une por primera vez como equipo creativo. Destacan en el sentido instrumental, "Full Moon Tonight" y "Jamaica Delight". Su música fluye en jams que nunca se van de control. Se les unen en este disco el batera Chester Thompson (John Fogerty, Frank Zappa, Genesis), el bajista Shake Anderson (Curtis Mayfield, Ray Charles) y dos coristas, Mark Williams y N’nandi Bryant. Todos ellos mantienen las cosas bien básicas, sin grandes trucos de producción. Suena lo que tocan.

Otro gran trabajo de Cropper es la producción y participación en el álbum de Guy Sebastian, ganador del reality show "Australian Idol". El titulo del disco lo dice todo: "The Memphis Album". El álbum ha ganado el triple platino en Australia y fue editado en EE.UU. en 2009.

En noviembre de 2009, Cropper tocó en el concierto tributo a Les Paul celebrado en el Ryman Auditorium de Nashville, Tennessee.





En 2011 se editó el album "Dedicated", su último álbum hasta la fecha. Un tributo al grupo que más lo influenció durante su juventud, The Five Royales, grupo que desarrolló sus momentos de éxito en la década de los 50s y especialmente a su guitarrista Lowman Pauling.

En este disco Cropper se rodea de grandes músicos y cantantes. El trabajo incluye las voces en los distintos temas de luminarias como Lucinda Williams, gran dama del country, BB King, Brian May, guitarrista de Queen, Steve Winwood, Sharon Jones, etc.

Pero además, Cropper se rodeó de una banda muy sólida conformada por Buddy Miller (guitarra), Sponner Oldham (teclados), Steve Ferrone (batería) y David Hood (bajo), además de Neal Sugarman y John Tiven que son los encargados de la sección de vientos.

El sonido es magnífico y la producción podríamos catalogarla de muy honesta, en el sentido que “respeta” la idea original de la canción, añadiendo el toque personal de un grupo de músicos de gran nivel. Música que puedes escuchar en cualquier momento y en cualquier situación, eso sí, sin poder impedir que los pies estén en continuo movimiento.

La guitarra de Cropper suena majestuosa desde el primer acorde en "Thirty Second Lover", en la que el cantante inglés Steve Winwood da rienda suelta a su costado más soul. Uno de los puntos más altos del disco es cuando B.B. King y su "Lucille" toman las riendas de "Baby Don’t Do It” y comparte la letra junto a Shemeika Copeland, la mejor cantante de blues actual, según las palabras del propio Cropper. "Dedicated To The One I Love" también es formidable gracias al dueto de Winwood y Lucinda Williams. Y la versión instrumental de "Think" suena como si los MG’s estuvieran en plena vigencia.

"Dedicated" es mucho más que un tributo. Es la revalorización histórica de un grupo que hace 60 años fue el puente entre los sonidos del ayer y la música de hoy.

Actualmente sigue residiendo en Nashville, donde dirige los estudios Insomnia. En mayo de 2012, mientras se encontraba de gira en Japón con Booker T., murió su compañero y amigo desde la infancia, el bajista Donald "Duck" Dunn.

Steve Cropper es ese gran guitarrista, ese del estilo correctísimo, ese que sabe en qué lugar de la canción tocar, donde solear, ese cuyos solos nunca se desubican, ni en volumen, ni en intensidad. Es ese que conoce a la perfección el lugar que un guitarrista debe ocupar cuando acompaña a un cantante (cosa que ha hecho mayormente durante su carrera).

Es ese que como guitarrista instrumental nunca aburre con solos eternos ni demostraciones innecesarias de virtuosismo. Cropper es ese que ha compuesto, co-compuesto y tocado en algunos de los temas más emblemáticos de la historia del soul. Steve Cropper es ese grandulón con manos gigantes, hombre modesto y bonachón, según dicen quienes trabajaron con él, muy serio y profesional, tanto en el estudio como en vivo. Por todas esas razones, ¡tenéis que escuchar a Steve Cropper!


Técnica y equipamiento según sus propias palabras

Generalmente se considera a Cropper como el mas conocido e influyente guitarrista de soul, además de por su habilidad a adaptarse a múltiples y diferentes estilos.

Según Booker T. Jones "Steve no solo es un gran compositor de canciones y arreglador. También compone sonidos. Tiene una conciencia del sonido muy especial, y es capaz de sacar una cantidad de sonidos de su Telecaster solo usando sus dedos y su púa”

Técnica y estilo:
"Toco con púa cuando es necesario y con los dedos cuando es necesario. Nunca cambio los seteos del amplificador. Se quedan donde están".

Solo o rítmica?:
"La principal razón por la que no hago muchos solos es que me pierdo cuando dejo de hacer rítmica. Cuando estoy en vivo en el escenario y es mi turno de solear, me gustaría que el otro tipo pudiera tocar detrás mío de la manera en que yo toco detrás de el cuando solea. Pero no puedo hacer que lo logren" (risas).

Pedales:
"No uso foot switch. Con Booker T. había un par de canciones, como “Groovin’,” y “Summertime,” que pedían tremolo. Es el único pedal que uso, un Voodoo Lab Tremolo. El sonido viene de la técnica. Ni siquiera toco los potes de la guitarra".

El sonido de Stax:
"Estaba afinado en acorde abierto. Casi todos los temas de Otis eran en acorde abierto de Mi. Hicimos algunas cosas en Re, pero casi todo en Mi. Tal vez no era tan correcto musicalmente, porque casi no tocábamos en menores en la música de Otis, principalmente debido a la afinación abierta. Sin embargo, aprendí como tocar menores ahí. Hoy en día, cuando los escucho, puedo oír un tono diferente en aquella manera de tocar. Cuando Otis se fue, digamos que “jubilé” este sonido".

Guitarras: entre Fender y Peavey
"Un viejo amigo mío y de Duck un día me trajo una guitarra Peavey al estudio. Era un poco pesada. La conecté y “Guau! Me olvidé de la Fender! Con todo respeto, se come a mi Telecaster” La construyó Jim DeLuca. Yo uso un prototipo construido por el (tengo 2), no la Peavey Cropper Classic que esta en la calle".

"Sin embargo, sigo tocando con Fender Telecaster. Tengo varias. Las amo. En general, las uso en el estudio, cuando necesito “ese” sonido. Pero en el escenario, las Peavey me permiten en cierta forma emular el sonido, algo que es muy difícil de lograr. Es difícil lograr en el escenario, el sonido que obtuviste en el estudio, con el micrófono correcto, el setup correcto, y el ingeniero correcto".

"También uso de vez en cuando una Gibson ES-335. Es una guitarra que amo, la he usado un poco en el estudio, pero después de usarla en un show en Atlanta en el 69, Al Jackson me dijo “la próxima vez, trae la Telecaster.” Y cuando Al te hablaba, tu lo escuchabas".

Amplificadores:
"En el estudio tengo un amplificador hecho a mano en Chicago. Es como un Tweed Twin. Es un Victoria. Para los shows tengo algunos muy especiales que me construyó Peavey. Un 5150, que usa Eddie Van Halen. Pero esta cableado en forma diferente, así que no es la misma matriz que sale a la venta. Es muy bueno. Es un poco pesado para transportar, porque va sobre un caja de bajos muy grande. Es ideal para grandes conciertos al aire libre. En la mayoría de los casos, podemos alquilar el Fender Twin. De vez en cuando saco mi viejo Fender Harvard que usé en “Green Onions,” “Loving You Too Long,” y “(Sitting On) The Dock of the Bay.” Tiene 2 entradas, un control de tono y un control de volumen, y nada mas".

Cuerdas y Púas:
"Últimamente uso una cuerdas laminadas Gibson .010-.046, que nunca llegaron al mercado. Me gustan porque mantienen el tono y puedo hacer 3 shows antes de tener que cambiarlas. Casi nunca rompo una cuerda en un solo. Es la vibración del puente lo que las puede romper. Uso púas custom con mi nombre y una foto mía. Son como las Fender Médiums".



Discografía

Con Booker T. & the M.G.'s
Green Onions (1962)
Soul Dressing (1965)
And Now! (1966)
In the Christmas Spirit (1966)
Hip Hug-Her (1967)
Back To Back (live album) (1967)
Doin' Our Thing (1968)
Soul Limbo (1968)
Up Tight (soundtrack) (1969)
The Booker T Set (1969)
McLemore Avenue (1970)
Melting Pot (1971)
The MG's (1973)

Con The Blues Brothers
Briefcase Full of Blues (1978)
The Blues Brothers: Music from the Soundtrack (1980)
Made in America (1980)
Best of the Blues Brothers (1981)
Dancin' Wid Da Blues Brothers (1983)
Everybody Needs the Blues Brothers (1988)
The Blues Brothers Band Live in Montreux (1990)
Red, White & Blues (1992)
The Definitive Collection (1992)
The Very Best of The Blues Brothers (1995)
Blues Brothers & Friends: Live from House of Blues (1997)
Blues Brothers 2000: Original Motion Picture Soundtrack (1998)
The Blues Brothers Complete (2000)
The Essentials (2003)

En solitario
With a Little Help from My Friends (1971)
Playin' My Thang (1981)
Night After Night (1982)
Jammed Together (with Albert King and Pops Staples) (1991)
This Is ... Steve Cropper & His Friends (2007)
Nudge It Up A Notch (2008)
Midnight Flyer (2010)
Dedicated - A Salute To The 5 Royales (2011)

Filmografía
The Blues Brothers (1980)
Satisfaction as Sal (1988)
Blues Brothers 2000 (1999)



Fuentes: 2120.cl, guitarrabarata.com, Flickr, diarioabierto.es, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, escuchateesto.blogspot.com.es, guitarrista.com, Taringa.net y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 38


The Edge


The Edge es el alma mater de la banda más célebre de Irlanda y el autor de los acordes más populares y fluidos de su era. En esencia, The Edge como guitarrista ha cultivado y elaborado un estilo minimalista basado en la textura sonora. Su uso del efecto del delay de forma rítmica provoca un sonido ambiental y particular que ha sido parte esencial y fundamental de la música de U2.

Es la guitarra emblemática de Irlanda, rítmica, resonante y afilada. Inconfundible por su agudeza y fineza, como por su estricto sentido de economía musical cuando de notas se trata. Dos o tres son suficientes para el acorde estrella. Ese elemento puramente punk, que en sus inicios reinaba, sumado a la construcción de melódicos acordes cuidadosamente tocados, se convirtió en la marca registrada del sonido de los irlandeses. Dejando su impronta en discos tan memorables y distintivos como “Boy”, “War”, “Unfurgettable Fire”; el grandioso e insuperable “Joshua Tree” o el brillante e influyente “Acthung Baby”.


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Dave Evans nació el 8 de agosto de 1961 en el hospital Barking de Essex, en el este de Londres, Inglaterra. Cuando tenía un año de edad, la familia -incluyendo a su hermana pequeña Gill, y a su hermano mayor Dick- se mudó a Dublín, concretamente a una localidad cercana, Malahide, debido a una promoción de trabajo ofrecida a su padre.

Dave creció como un niño callado, solitario y muy inteligente. Estudió en el St. Andrew's National School, donde coincidió con Larry Mullen. Fue bueno en la escuela y empezó a aprender piano y guitarra, y hasta que se encontró con quienes serían sus futuros compañeros, quería ir a la universidad y convertirse en doctor.

Posteriormente, fue al Mount Temple Comprehensive School (donde conocería al resto de los miembros de la banda) y allí, en el otoño de 1976, vio la nota que Larry Mullen había dejado en el tablón de anuncios buscando gente para formar un grupo. Larry en principio hizo que pasaran los guitarristas; Dave fue el tercero y el primero en ingresar, ya que Larry quedó convencido cuando Dave le mostró las habilidades que hacía con la guitarra, las cuales parecían ir más allá de su edad, la química entre ellos fue evidente desde un principio. También acudió al anuncio el hermano de Dave, Dick Evans, aunque abandonaría la banda antes de la grabación del primer disco, fundando posteriormente la banda The Virgin Prunes.

Luego fue el turno de los bajistas, donde Adam Clayton se ganó el puesto no sólo por un contundente talento, sino también por su experiencia en otras bandas anteriores. Por último, Larry quería una segunda guitarra y voz, y ahí llegó el turno de Paul Hewson. Paul comenzó tocando la guitarra, y lo hizo mal. Entonces, Larry pidió que cantara, y lo hizo peor. Larry siempre acusó a su olfato de lo que en ese momento parecía una locura: "Un cantante debe tener personalidad, y él la tenía", dijo años más tarde.

La banda sólo tenía la batería, la guitarra eléctrica de Edge y la guitarra acústica de su hermano, ambas sin amplificadores, y el bajo de Adam, con un amplificador bastante viejo. Comenzaron tocando temas de los Beatles, de los Rolling Stones, etc. Paul se cambió el nombre a Bono Vox, en honor a una marca de audífonos de Dublín, que en latín quiere decir "Buena Voz".

Muy pronto en la carrera de la banda, Dave Evans fue re-bautizado por Bono como The Edge. Este apodo al principio estaba inspirado en las facciones bien marcadas de su cara, pero también lo aplicó a su mente afilada y a la manera en que siempre observa las cosas desde el extremo. Larry agregó el "JR" a su nombre, ya que poseía el mismo nombre de su padre. La banda estaba formada por Bono, The Edge, Larry Mullen Jr., Adam Clayton y Dick Evans.

Cuando Edge terminó la escuela secundaria, le dijo a sus padres que se tomaría un año libre para ver qué camino tomaría la banda y su música. Se llamaron Feedback antes de cambiarse a The Hype en 1977, pero la llegada de U2 fue un poco bizarra, ya que Dick dejó el grupo en medio de un concierto por razones difíciles de definir, y ahí nació U2. Dick terminó tocando con los Virgin Prunes.

Se dice que el grupo se bautizó U2 en honor al avión espía Lockheed U-2, que fue derribado por los rusos en los días del nacimiento de Bono; en realidad, según reconocen los propios miembros del grupo en su autobiografía "U2 by U2", la elección del nombre fue más o menos provisional hasta encontrar otro más adecuado, pero su creciente fama y proyección internacional asentó el nombre. Steve Averill (diseñador de las carátulas de los álbumes y sencillos del grupo) fue quien sugirió el nombre. U2 también es un juego de palabras, ya que se pronuncia al igual que you too, ("tú también").

U2 dio su primer gran golpe en 1978, cuando ganaron un concurso en su último año de instituto. Para finales de año, el mánager de The Stranglers, Paul McGuinness, les vio actuar y les ofreció un contrato. Incluso con eso la banda tuvo problemas para seguir adelante, porque la CBS no les contrató finalmente. En otoño de 1979, U2 grabó su sencillo de debut, "U2 Three", lanzando 1500 ejemplares sólo para Irlanda, donde encabezó las listas. Después empezaron a actuar en Inglaterra en varios bares y teatros menores, pero no tuvieron demasiado éxito.

Junto con Bono y Larry, The Edge se unió a un grupo religioso cristiano llamado Shalom, a principios de 1980. Los jóvenes estaban en busca de espiritualidad y de la respuesta a la gran pregunta, y estas inquietudes se volvieron un problema dentro de la banda. Los tres miembros que asistían a un grupo de la Biblia tuvieron que elegir entre sus ideales cristianos y su estilo de vida de rock & roll. Larry y Bono escogieron a la banda rápidamente, pero Edge estaba indeciso.

Tenía muchas dudas, y casi abandona la banda, en 1982, durante la realización del álbum "War". Pero siguió el consejo de Bono, sobre seguir lo que dicte su corazón, y después de pasar un razonable periodo de tiempo examinando su alma, Edge escogió seguir con la banda. Se dio cuenta de que él no tenía un problema con sus creencias o su música y estilo de vida, eran otras personas quienes lo tenían.

Fuera de su trabajo con U2, The Edge también ha grabado con artistas como Johnny Cash, B.B. King, Tina Turner, Ron Wood, Jay-Z y Rihanna. The Edge colaboró con Brian Eno y el frecuente colaborador de Daniel Lanois, el guitarrista Michael Brook, en la realización de la banda sonora para la película "Captive" en 1986. De esta banda sonora la canción "Heroine" fue interpretada en la voz de una joven Sinéad O'Connor y fue lanzada como un sencillo.

También escribió con Bono la canción "She Is A Mystery To Me" para Roy Orbison, que fue incluida en su álbum de 1989 "Mystery Girl". En 1990, Bono y The Edge hicieron una versión de "A Clockwork Orange" para la Royal Shakespeare Company London.

En 1995 él y Bono escribieron la canción "GoldenEye" para el filme "GoldenEye" de James Bond que fue interpretada por Tina Turner.

Ya consagrado, en 2001, fue incluido en la lista "The top ten Guitar Heroes" del canal británico Channel 4, en la posición número 7, por encima de grandes figuras de la guitarra como Carlos Santana y Ritchie Blackmore.

En el 2009, junto a Jimmy Page y Jack White, protagonizó el documental "It Might Get Loud", en que cada uno habla de sus respectivos orígenes, estilos y técnicas en la guitarra y comparten estas entre sí.

Los dos también escribieron la música y la letra del musical de Brodway "Spider-Man: Turn Off the Dark" de 2011. Adicionalmente, The Edge creó la canción tema para las temporadas 1 y 2 de la serie de TV animada "The Batman".

Actualmente The Edge, colabora en campañas humanitarias, destacando, Music Rising, campaña creada para recaudar fondos para los músicos que perdieron sus instrumentos durante los huracanes Katrina y Rita. y que presentaron junto a Green Day en Nueva Orleans, interpretando "The Saints are Coming", canción de la banda de punk escocesa The Skids.


Aquí os dejo la opinión de un tío que es conocido en muchos foros de U2 y que es una auténtica enciclopedia edgeniana; sólo se que se llama Gery.

Aunque a alguien le pueda parecer extraño, The Edge es uno de los mejores guitarristas de la historia del pop y del rock. Como muchos comentan no es técnicamente uno de los más virtuosos, pero es uno de los más originales e innovadores de la historia. The Edge es el antihéroe, como el parafraseaba citando una canción de Neil Young que tiene un solo muy bueno, prácticamente con una sola nota: "si pudiese hacer una canción con una sola nota, la haría".

Hay canciones que son mejores con una sola nota que otras en las que hay un montón de notas con una rapidez tremenda. Por citar un ejemplo, puede transmitir mucho más el solo de "Sunday Bloody Sunday", que muchas canciones de Steve Vai o Malmsteen. Porque no se trata de las notas que pones cuando tocas la guitarra, sino de las que omites.

Lo importante es poner las notas correctas adecuadas en los sitios correctos. Lo cuál no quiere decir que por tocar rápido y poner muchas notas vayas a tocar mejor, sino fijaros en el blues, el blues es siempre muy lento, por ejemplo un solo de BB King es muy lento y con pocas notas, pero por ello no quiere decir que sea peor que uno de Joe Satriani, sino que aquí en el blues se escoge muy bien las notas y se juega más con ellas y hay más sentimiento.

Ha habido en la historia muchos guitarristas repetitivos que realmente solo están tocando cosas que han hecho otros y técnicamente son muy veloces y repetitivos. Pero aquí lo que importa es la innovación. Por ejemplo Tom Morello actualmente es de los pocos guitarristas innovadores y originales, que al igual que The Edge tiene un sonido propio, que cuando los oyes, ya reconoces enseguida que son ellos.

The Edge, puede ser mejor o peor, pero el está aportando algo nuevo al rock que es lo que hace falta, en cambio guitarristas como Richie Sambora o Slash, son muy buenos, pero no han aportado nada nuevo al rock, todo lo que han hecho, anteriormente ya se había hecho. Por ejemplo todo lo de Slash proviene del rock psicodélico con mezcla de blues que hizo Jimmi Page en Led Zeppelin, los power-chords (acordes poderosos) de Angus Young en Ac/Dc y algunas de las partes de Black Sabath que fueron los padres del heavy, por lo tanto aquí no hay nada nuevo aunque sean muy buenos guitarristas.

Como dice Bono, The Edge muchas veces encuentra acordes nuevos, no tienen nombre pero suenan bien, y el les pone un nombre. Es mítica ya la frase que define a The Edge y que una vez dijo él: "Cuando aprendía a tocar la guitarra lo que más me interesaba es que podía hacer con este instrumento lo que no hubiera hecho con ningún otro". Sus influencias provienen de Tom Verlaine (Television), Neil Young, Bob Dylan, John Cale (The Velvet Underground), Patti Smith o Carlos Alomar (guitarrista de David Bowie), The Clash o The Beatles, aunque su sonido y estilo no tiene que ver nada con casi ninguno de ellos.

Su guitarrista preferido es Tom Verlaine de Television, y concretamente su disco "Marquee Moon", como incluso también ha citado Bono fue muy influyente en el grupo, al igual que "Horses" de Patti Smith. The Edge aprecia a Tom Verlaine no por lo buen guitarrista que es, sino porque según él toca diferente a ningún otro, y analicemos porque es.

Tom Verlaine utiliza el modo dórico (para los que estéis empollados en música), y este es un modo de progresión de los acordes para nada utilizado en la música popular, proviene de los cantos corales antiguos, pero en el pop y en el rock apenas se ha utilizado, por lo que así Tom Verlaine da a Television un sonido diferente y particular. Normalmente en pop y rock se utilizan los modos mayor y menor y en menor medida otros. Incluso hay alguna canción de U2 en modo dórico, lo tendría que revisar pero creo que "I Will Follow". Otro ejemplo de la innovación de The Edge son otros modos exóticos no tan utilizados como es el mixolidio, en el que está si bien recuerdo "Gloria", de ahí ese toque tan original de la canción.

The Edge está muy bien considerado por muchos guitarristas, recuerdo que una vez Joe Satriani se quedaba asombrado del riff de "Pride", decía que este tipo era el futuro del rock. Hay una anécdota que dice que uno de los mejores grupos de grunge del mundo preguntó a Dallas Schoo, el técnico de The Edge, como conseguía su sonido, pero este no se los quiso decir. Nunca se supo el nombre, pero yo me decantaría que fue Pearl Jam.





Como dijo The Boss en la entrada rock n' roll of fame, U2 son los propietarios de la arquitectura de sonido más impresionante del mundo del rock. Y es que The Edge es precisamente esto, un arquitecto del sonido. Muchas veces con sus efectos y su tratamiento del sonido parece que en lugar de un guitarrista, estén tocando tres a la vez, cosa que es muy difícil de conseguir. Es evidente que el sondido de U2 es Edge, y que si cambiáramos de guitarrista pues ya no sería lo mismo. The Edge es la firma del sonido del grupo.

Características de The Edge:

- Normalmente nunca toca blues, huye de las escalas del blues, ya que para el es un terreno ya muy explorado, como únicas excepciones podemos citar "Bullet The Blue Sky" (aqui utiliza un tratamiento medio Jimmi Page y medio Hendrix) y "When Love Comes To Town".

- Omite en los acordes la tercera nota, tanto si es mayor o menor, de esta manera los acordes quedan ambiguos y muchas veces así no sabemos el oído cuando se escucha si es mayor o menor.

- Utiliza delay en casi todas sus canciones como hemos dicho.

- Los efectos y el sonido es su parte más importante. No utiliza como otros guitarristas los efectos para decorar una canción sino que los efectos son parte de él, de su sonido y de la canción (esto dicho por el mismo). El construye la canción a partir de los efectos.

- Utiliza cuerdas al aire (dronings, propios de la música celta), armónicos, acordes parciales, y palm-muttings, la mayoría de estas características impropias de músicos de pop y de rock.

- Su amplificador más utilizado y el sonido propio de U2 es el Vox AC-30 top boosting, es un amplificador antiguo de válvulas y no transistores, otros grupos que lo han utilizado y pertenecen también a su sonido característico son The Beatles y Queen. Ahora los ha comprado la marca Marshall.

- Normalmente para la distorsión utiliza el overdrive, en algunas canciones utiliza algún pedal como antes el boss sd-1+boss ge-7 (equalizador), ahora todo esto sustitudio por el ts-9 ibanez, pero muchas veces la gente piensa que hay overdrive distorsion con algun pedal y no lo hay. Lo que hace The Edge, que es muy inteligente, es conectar una salida de +4db que tiene el delay korg sdd-3000 al amplificador vox ac-30, de esta manera lo satura sobrecargándolo y así saca el overdrive (distorsión natural). Brian May en Queen hace algo parecido, pero satura el Vox Ac-30 con un pedal de aumento de ganancia boosting.



Su sonido

El sonido de la guitarra de Edge es una marca registrada de U2; los particulares e hipnóticos sonidos que él toca, así como la emoción que pone a través de ellos, lo convierte en uno de los más extraordinarios guitarristas dentro del mundo del rock and roll. A menudo a sido llamado un "héroe anti-guitarra", debido a su aversión a lo indulgente, al estilo solo de muchos contemporáneos.

Únicamente Edge podría capturar el dolor y la frustración de El Salvador en "Bullet a Blue Sky", o tocar la melancolía, arrebato del alma y el vuelo de la mente con cada riff en "One". Su estilo limpio, afilado e incisivo es inconfundible.





Su voz, prueba ser capaz de tener una monotonía interesante como en "Numb", y ablandarse o suavizarse como en "Sunday Bloody Sunday", en la gira del "PopMart". Esto es sólo una prueba más de que no hay límites para los talentos de este hombre.

Uno de los principales pilares del sonido de The Edge es el delay. El delay comenzó a utilizarse en los años 70 y se popularizo en los años 80. Guitarristas que usan el delay en las mismas dosis que The Edge son: Brian May (Queen), Andy Summers (The Police) y David Gilmur (Pink Floyd). Si piensas en la guitarra de alguna canción mítica de estos grupos oirás un delay. Ejemplos: “Every Breath you take” y “Walking on the moon”, de The Police, ” Brighton Rock” de Queen o en “Time” y “The wall” de Pink Floyd.

Para los que no sean guitarristas o no conozcan mucho de este efecto, decir que es un efecto de sonido que consiste en la multiplicación y retraso modulado de una señal sonora. Una vez procesada la señal se mezcla con la original. El resultado es el clásico efecto de eco. En cualquier módulo de delay sencillo se pueden encontrar los siguientes parámetros de control:

Delay: Es el tiempo que tarda en producirse un eco, suele medirse en milisegundos o estar sincronizado con un tempo.
Feedback: Es la cantidad de veces que se repite la señal sonora pudiendo ser cualquier valor entre una e infinito.
Mix: Es la cantidad de sonido retrasado que se mezcla con el original.

Los delays principales que ha utilizado The Edge son el Electro Harmonix Deluxe Memory Man, el Korg SDD-3000 y el TC-2290. El Deluxe Memory Man lo utilizo en los primeros discos ( "Boy", "October" y "War").


El Setup de The Edge

Lo que comenzó en los 80's con un simple pedal de eco llamado Memory Man de Electro-Harmonix, culminó con un set-up que encierra miles de sonidos, gracias a una inteligente combinación de equipos y tecnología. Es así como el guitarrista de U2 utiliza lo más nuevo y lo más viejo, lo primero y lo último.

Desde el primer día, The Edge usa casi exclusivamente equipos Vox AC30 Top Boost, y lleva de gira modelos que van del '64 en adelante. Según Dallas Schoo, quien viene trabajando como asistente de The Edge desde 1985, el guitarrista tiene como 60 de estos equipos. "Los otros equipos que usa son un par de Randall RG80-112C transistorizados de 1 x 12" que le regaló Joe Elliot de Def Leppard."

"En vivo, cada uno de sus equipos tiene una ecualización diferente. El tiempo del delay también es específico para cada uno. El Vox principal de The Edge es de los 60's. Varias veces se prendió fuego y también se le quemaron las válvulas, pero todavía sigue siendo su favorito. Lo usa en "Pride (In The Name Of Love)", "Where The Streets Have No Name" y en "New Year's Day". Ocasionalmente para un tema como "Love Is Blindness" ¡usa dos o tres Vox!"

En la rackera encontramos varias unidades de distorsión y de delay, junto con dos unidades de sustain (Infinite Guitar Sustain) usadas para "With or Without You". "Uno de los efectos irremplazables en el rack de The Edge es el delay digital Korg SDD-3000. Es uno de sus favoritos debido a la calidez de su sonido y es el que usa en la mayoría de las grabaciones."

Otros de los procesadores que se encuentran en el rack del guitarrista son el Roland SDE-3000 Digital Delay, el Yamaha SPX90, un Korg A3, el Rocktron Replifex, el DigiTech 2112 y el multiefectos Eventide H3000. Actualmente, el guitarrista usa un inalámbrico Sony UHF WRR37.

"The Edge lleva también a las giras una serie de pedales como el Fuzz Face de Dunlop, el sistema de wah wah de Bradshaw, varios distorsionadores Boss, un Big Muff Electro-Harmonix y el Big Cheese Distortion, el phaser Doppelganger y el filtro envolvente Meatball de Lovetone."

"En materia de efectos el asunto es bastante complicado", afirma Schoo. "Existen dos rackeras controladas por el sistema Bradshaw de switcheo (Custom Audio Electronics RS-10 ). Encima de las rackeras existe también una madera sobre la cual están sus viejos pedales de efecto: TC Electronics Dual Parametric EQ, Boss FA-1 Fet preamp, Boss OD-2 Turbo Overdrive, Boss SD-1 Super Overdrive, Electro-Harmonix Big Muff y un MXR Dyna-Comp. Algunos de estos pedales datan de la época de los discos "Boy" y "War"."

De acuerdo con Schoo, existen 48 efectos distintos y siete equipos en el set-up de The Edge. Para manejar todo esto, el guitarrista usa cuatro controladores Bradshaw, dos en el escenario y dos en el costado, desde donde son manejados por Schoo cuando The Edge se desplaza por el gran escenario de U2.

"Uno de los controladores o pedaleras le permite seleccionar entre sus equipos, mientras que con el otro maneja los efectos. Es asombroso ver cómo experimenta durante un show. Por ahí enciende un equipo con demasiada ganancia para esa canción, pero lo controla desde su pedal de volumen. Y mientras está experimentando, él va guardando los programas. Mientras yo estoy afinando sus guitarras, veo cómo se encienden las lucecitas de mi controlador."

"Sobre el escenario, a la derecha y a la izquierda de los controladores Bradshaw, The Edge tiene un controlador midi, un sistema de wah wah y un pedal Whammy DigiTech que usa por ejemplo para la intro de "Even Better Than The Real Thing". Actualmente, el efecto favorito del guitarrista de U2 es el Whammy DigiTech. "Lo usa hasta en temas que originalmente no lo llevaban. Intentamos usar los modelos nuevos pero The Edge se pasaba apretando el botón de bypass por accidente y apagaba el efecto. Así que conseguimos el viejo modelo WH1."

Además de cuidar de los equipos y de cambiar efectos, la rutina de Schoo incluye mantener las 32 guitarras que The Edge lleva de gira. "En un show puede usar entre seis y nueve, pero mi trabajo consiste en llegar a eso de las nueve de la noche del día anterior al show y cambiar las cuerdas de las 32 guitarras. Este trabajo me lleva entre tres y cuatro horas. The Edge suele llegar al mediodía y siempre me pregunta: "¿estas cuerdas son frescas?".

"En cuanto a las guitarras, actualmente usa una Rickenbacker 330-12 del '76, una Gibson Les Paul Custom cremita del '75, una Gibson SG del '66, una Les Paul Goldtop reedición '68, una Fernandes con un pickup Sustainer, una Gibson Explorer del '76, una Fender Telecaster, una Fender Stratocaster del '64, una acústica Taylor 914CE y dos Gretsch's Country Gentleman pertenecientes a Bono, una del '65 y otra del '67."


Sus guitarras

1976 Gibson Limited Edition Explorer. The Edge tiene varias de éstas. Actualmente su primera Explorer obtenida la deja sólo para ser usada en el estudio.
1973 Fender Stratocaster "Blackie #1". Usada en "Bullet The Blue Sky" y "Where The Streets Have No Name", entre otras canciones.
197x Fender Stratocaster. The Edge tiene varias Stratocasters de esta época, de modelos y acabados similares.
1973 Gibson Les Paul Custom en blanco con potenciómetros negros.
1975 Gibson Les Paul Custom en blanco con potenciómetros dorados. (The Edge donó esta guitarra para una subasta con fines caritativos de la fundación, de la que él es fundador, Music Rising).
1982 Gibson Les Paul 30th Anniversary Goldtop con micrófonos PAF reeditados.
2005 Gibson Les Paul Standard Music Rising (Probablemente posee más de un ejemplar de estas).
1966 Gibson SG con acabado heritage cherry. Usada en vivo para "Elevation".
1965 Gibson SG con acabado pelham blue. Como respaldo a la Heritage cherry SG.
Fender Telecaster Acabado en amarillo. Usada para "Vertigo", "Get on your Boots" y "I'll Go Crazy If I Don't Go Crazy Tonight (remix)".
1996 Fender Telecaster blanca con hardware dorado, edición 40 aniversario, hecha en Japón. Usada en vivo para "Sunday Bloody Sunday" en los tours "Elevation" y "Vertigo". Esta guitarra también puede ser vista en el video "Walk On".
1962 Fender Jaguar. Usada en el video "Electrical Storm".
Rickenbacker 330/12 Fireglo. Usada en vivo para "Mysterious Ways" y "Sometimes You Can't Make It On Your Own." Tiene varias de estas. La que utilizó en el tour "Elevation" (fabricada en 1967) fue destruida en el año 2002.
Rickenbacker 330/12 Mapleglo. Usada en vivo para "Mysterious Ways" en el tour "U2 360°".
1963 Gretsch G6122 Country Gentleman.
Gretsch Stereo Country Club. Usada para el tour "U2 360°" para "Moment Of Surrender"
Gretsch White Falcon. Usada principalmente en el estudio y en algunas de sus primeras presentaciones en TV para la canción "Trip Through Your Wires". No ha sido vista en ningún tour. Pudo ser vista en "Rattle and Hum" durante la canción "Desire".
2 Line 6 Variax 700 Acústica. Una es blanca con círculos rojos, usada para la canción "The Fly" durante el tour "Vertigo" en los años 2005/2006. La otra tiene detalles dorados y es utilizada en "Love and Peace (Or Else), durante el tour "Vertigo" en los años 2005/2006.
1962 Epiphone Casino acabado en tabaco. Utilizada en el tour "U2 360°" para las canciones "Breathe" y "No Line On The Horizon"
Epiphone Sheraton
2006 Epiphone Standard Music Rising
Gibson SJ-200 acabado en tabaco
Gibson SJ-200 acabado al natural
Gibson SJ-200 Modelo Pete Townshend (2) acabado al natural
199x Fernandes Decade Elite (2). Una en acabado "sea foam". Otra en acabado "orange"
2001 Fernandes Customized Native Pro. Metalica con acabado en verde. Los humbuckers originales de esta guitarra fueron reemplazados por unos Duncan Hot Rails. El mástil de fábrica fue removido de esta guitarra para ser reemplazado por un mástil Decade Elite.
2002 Fernandes Retrorocket Elite. Acabado en negro. Usada para "With Or Without You" por tener un pickup sustainer.
200x Fernandes Retrorocket Elite. Acabado en negro, con pickguard blanco. Usada para "UltraViolet (Light My Way" durante el tour "U2 360°".
1997 Gibson ES-175 acabado en azul (realmente pertenece a Bono). The Edge la utiliza en el video "The Ground Beneath Her Feet".
1953 Gibson ES-295. Aparece en el video clip de "Desire". Utilizada también durante el tour "Joshua Tree" y fue vendida en una subasta de Music Rising en el año 2007.
Gibson ES-330 acabado en tabaco. Vista en los videos "Who's Gonna Ride Your Wild Horses" y "One". Fue utilizada en la canción "One" durante los shows de "ZooTV" y "Zooropa".
Gibson ES-335 acabado en tabaco.
Gibson Sonex-180 Deluxe. Acabado en negro. Utilizada durante algunas presentaciones del álbum "October". Luego fue reemplazada por una Gibson Les Paul Custom de 1975.
Gibson Byrdland se piensa que pudo haber sido prestada. Vista en algunas fotos y videos de "Rattle and Hum"
Washburn/Taylor Acústicas, se hicieron famosas en las versiones en vivo de "Party Girl".


Discografía

Con U2
Boy (1980)
October (1981)
War (1983)
The Unforgettable Fire (1984)
The Joshua Tree (1987)
Rattle and Hum (1988)
Achtung Baby (1991)
Zooropa (1993)
Pop (1997)
All That You Can't Leave Behind (2000)
How to Dismantle an Atomic Bomb (2004)
No Line on the Horizon (2009)



Fuentes: fotorock.cl, Flickr, theedgesound.wordpress.com, u2spain.babelfm.com, gibsonguitar.es, guitarraonline.com.ar, rockthebestmusic.com, u2eastlink.com y Wikipedia


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En el puesto número 37


Mick Taylor


Mick Taylor es muchas cosas, y todas importantes. Ha sido un "Bluesbreaker", esa fábrica de instrumentistas creada por John Mayall; ha sido "Rolling Stone" en la época de oro 1969-1974; fue guitarrista de Bob Dylan en estudio y en vivo durante los 80s y ha tocado con algunos de los grupos de rock y blues más importantes de la historia.

Todo el mundo coincide en que es un gran guitarrista y que por donde pasó dejó su impronta. Su forma de tocar tiene el plus del carácter, de la personalidad. Muy amigo de la Gibson Les Paul (aunque le da a todos los palos), ha sido siempre un fino estilista, un virtuoso de la guitarra y un sólido mediador entre el blues, el jazz y el rock.


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Michael Kevin Taylor nació en Welwyn Garden City, una pequeña ciudad del condado de Hertfordshire, Inglaterra, el 17 de enero de 1949, pero pasó su niñez y adolescencia en Hatfield, una localidad cercana a su pueblo natal. Aprendió a tocar la guitarra a la temprana edad de 9 años y a los 15 ya tenía su propia banda de rock llamada al principio The Juniors y más tarde The Strangers. Llegaron a aparecer en televisión y a editar un único single.

En 1965, Mick fue con sus amigos a un concierto que daban en en su ciudad natal la banda John Mayall´s Bluesbreakers, banda que contaba entre sus filas con John Mayall y el mejor guitarrista de su generación, Eric Clapton, quien no pudo asistir al concierto.

Tras actuar la primera parte sin segundo guitarrista, Mayall decidió que para la segunda parte de la actuación subiera al escenario algún afortunado guitarrista local y esa fue la gran oportunidad de Taylor, que dejó impresionado a Mayall tocando la guitarra de Clapton, que había sido enviada junto con el resto de instrumentos de la banda pese a la ausencia del guitarrista.

Mayall acabaría reclutando a ese jovencísimo guitarrista un par de años después cuando Peter Green (que entró en la banda debido a la espantada de Clapton para formar el supergrupo Cream), abandonó la banda para formar la versión original de Fleetwood Mac.

Taylor hizo su debut con los Bluesbreakers en Manor House, un viejo club de blues del norte de Londres, y permaneció con Mayall de 1967 a 1969, más tiempo que cualquier otro guitarrista de los Bluesbreakers, con quien además compuso la canción "Snowy Wood", del disco de 1967, "Crusade".

En sus dos años con Mayall grabaron tres álbumes para London Records con una gran aclamación por parte de fans y critica: "Crusade" (1967), "Bare Wires" (1968) y "Blues From Laurel Canyon" (1968).

John Mayall incluyó en la portada interior del album "Blues From Laurel Canyon" la siguiente leyenda: "Dudo que hubiera una mejor opción que Mick Taylor, quien muestra lo brillante que realmente es en este nuevo disco. Él ha trabajado conmigo durante más tiempo que ningún otro guitarrista de los que he tenido y espero que sigamos juntos como equipo por mucho tiempo más.”

Los guitarristas que habían trabajado con John para ese tiempo eran nada menos que Bernie Watson, Roger Dean, Eric Clapton y Peter Green. Uno de los mejores solos en toda la discografía de John Mayall es el de "Vacation", canción con la que abre el mencionado disco; este solo de guitarra fue clave en la selección de Mick como candidato para los Stones.

En junio de 1969 los Rolling Stones despidieron, a su guitarrista y fundador Brian Jones, por sus continuas ausencias en los ensayos y sesiones de grabación, y por sus problemas con las drogas; necesitaban urgentemente a un guitarrista para emprender su nueva gira por Estados Unidos. Jagger dijo "necesitábamos a un guitarrista y él (Brian), nunca estaba ahí y cuando estaba casi no podía ni sostener la guitarra de lo colocado que estaba, por eso tuvimos que tomar la decisión de prescindir de él para que la banda avanzase".

Jagger quería a Clapton para sustituir a Jones, cosa que le fue imposible y pidió consejo a su amigo John Mayall, quien le sugirió el nombre de Mick Taylor al que Jagger apenas conocía. Taylor fue invitado a una sesión de grabación que acabaría convirtiéndose en una prueba y, tanto Jagger como Richards, quedaron anonadados con el talento del joven guitarrista hasta tal punto que al acabar de tocar le dijeron, “nos vemos mañana”.

En algunas de las sesiones del disco que estaban grabando, "Let It Bleed", el productor había tenido que llamar a un guitarrista mercenario porque Richards, efectivo con la guitarra rítmica, era un mal solista y no era capaz de dar cuerpo al sonido. Taylor, un prodigio de técnica y sentimiento los dejó boquiabiertos en los primeros ensayos y entró en el grupo con naturalidad, incorporándose a las grabaciones restantes del álbum. Su guitarra puede escucharse a partir de entonces y hasta 1974 brillando en los discos de la mejor etapa de los Rolling Stones.

Querubínico, impenetrable y callado, el guitarrista fue un elemento clave en la formación que comenzó a ser llamada, con justicia, “la mejor banda del rock and roll del planeta”.

Jagger estaba encantado con los contrapuntos de guitarra que Taylor construía para jugar con la voz y Richards se sentía liberado de la responsabilidad de hacer lo que no sabía. Los dos líderes, arteros, sagaces y contrarios a que en su empresa entrase alguien que pudiera robarles gloria —como Jones, que había muerto menos de un mes después de ser expulsado del grupo—, también sabían que Taylor era dúctil y seis años más joven que ellos, es decir, inocente e incapaz de levantar la voz.

La presentación de Mick Taylor con los Stones fue en el concierto gratuito que ofrecieron en Hyde Park, ante 250.000 personas, en julio de 1969; era el homenaje de la banda al malogrado Brian Jones. Varias veces, Mick Jagger ha dicho que se sentía cantando mejor con Mick Taylor -era más melódico- que con Ronnie Wood. Pero Keith Richards siempre estuvo celoso de la mejor técnica de Taylor y de que Jagger se llevara mejor con el pequeño Mick.

El de Hyde Park fue el primer concierto de los Stones en dos años y el comienzo de una nueva etapa en la que el grupo inglés firmaría algunos de los mejores trabajos de su carrera.

El joven Taylor era una de las grandes promesas de la guitarra y su nombre empezaba a circular en los círculos del blues como el de un maestro en potencia. Poco después de su primera actuación junto a los Stones, se convirtió en un miembro de pleno derecho y participó en la grabación, incluso en la composición, de los mejores discos que el grupo grabó durante los años setenta. La incorporación de Taylor ayudó a pegar los cimientos del grupo en una etapa convulsa y, tanto Jagger como Richards, entendieron que lo que el nuevo guitarrista podía aportar a su protagonismo en los siguientes trabajos, resultaría incuestionable.

"Mick parecía tener una habilidad natural para entrar en el momento justo de las canciones", recordaría años después Keith Richards en "Vida", su excelsa autobiografía. "Juntos hicimos cosas geniales, algunas de las mejores que han hecho los Stones. Mick lo tenía todo: el toque melódico, un sostenido maravilloso y una habilidad especial para leer la canción; sacaba un sonido magnífico, una movida que conmovía; llegaba donde quería ir yo incluso antes que yo. Había veces que me quedaba embobado escuchándolo, sobre todo cuando hacía slide, como por ejemplo en "Love In Vain". El tipo me encantaba, me encantaba trabajar con él, pero era muy tímido y muy distante", explica Richards en las páginas de su libro.





La fórmula funcionó a la perfección. Mick Taylor participó en la época dorada de los Stones grabando con ellos obras maestras como "Let it bleed" (1969), que incluía las maravillosas "You Can´t Always Get What You Want" o "Gimme Shelter". Su virtuosidad y un gran manejo del slide aportaron a su vez contundencia al directo de los Stones, como en el inmortalizado concierto de 1969 en el Madison Square Garden de Nueva York, publicado en 1970, con el nombre de "Get Yer Ya-Ya's Out! The Rolling Stones in Concert".

En 1971 se publica "Sticky Fingers" con canciones como "Brown Sugar", "Dead Flowers" o "Wild Horses", pero si hay una canción en la que se distingue el fino y virtuoso estilo de Mick Taylor, ésa es "Can't You Hear Me Knocking", cuyo largo tramo de guitarra es un homenaje al buen gusto y la técnica guitarrística. En la película "Casino" Scorsese respeta íntegramente la pieza en una escena en la que Joe Pesci repasa su vida, crímenes y miserias de mafioso. Además, ese álbum tiene mucha historia: entre otros acontecimientos nacen el sello Rolling Stones Records y la lengua «Stones» como símbolo del grupo.

En la primavera de 1971, después de terminar el "Sticky Fingers", los Stones abandonaron Inglaterra por consejo del príncipe Rupert Lowenstein, asesor financiero del grupo, amigo de Mick Jagger y descendiente de la familia Rothschild. Perseguían evitar de este modo la bancarrota debido a los impuestos elevados y a las importantes deudas que habían contraído con el fisco británico desde principios de 1970, durante el gobierno laborista de Harold Wilson.

El príncipe analizó los pros y contras de que la banda se quedase en el país y decidió recomendarles que por su bien se mudaran por dos años a Francia y en 1972 publican "Exile On Main St.", un disco extraordinario, grabado en la casa que Keith Richards alquiló en el sur de Francia. El trabajo de Mick Taylor en este disco es formidable y en él figura la única composición por la que consiguió un crédito de autor mientras estuvo en los Stones, "Ventilator Blues".

Después de esta secuencia de discos con gran aclamación crítica y buena aceptación del público entraron en una etapa de decadencia creativa propiciada por sus propios excesos: Keith Richards y su adicción a las drogas y Mick Jagger y su preocupación por destacar en la farándula. A finales de agosto de 1973, "Angie" comienza a trepar a la cima de las listas de popularidad.

El 31 de agosto de 1973 ponen a la venta "Goats Head Soup", que fue el resultado de unas tormentosas sesiones de grabación en la isla de Jamaica a mediados de ese año. De este disco destacan "100 Years Ago", fabulosa contribución de Mick Taylor con un solo que, tanto técnicamente como creativamente, es fantástico, y "Winter", con uno de los mejores solos de Mick de la era Stones. Después de la conclusión de su gira promocional por tierras europeas, Taylor decidió irse un mes y medio a Brasil en busca de nuevos sonidos.

En 1974, la banda empezó la grabación de su nuevo trabajo, "It´s Only Rock´N Roll" y Taylor se perdió las primeras sesiones de grabación debido a que había sido operado recientemente de sinusitis, pero acabó la grabación del disco junto a los Stones. De este álbum hay que destacar el tema "Time Waits For No One" que, además de componerlo, Mick Taylor toca el solo, uno de los mejores en todos los discos de los Stones.

A pesar del éxito comercial de la banda, Mick Taylor se sentía frustrado e insatisfecho profesionalmente por los constantes roces con Richards y la falta de créditos en las canciones, pese a que ayudó a Jagger con la composición y grabación de las canciones del disco anterior. Cerca del final de este año se mostraba impaciente por la falta de giras, no salían desde octubre del año pasado, y por el estancamiento de la banda.

Tras todo esto, el 12 de diciembre de 1974, anunció que abandonaba a The Rolling Stones: "Veía que el grupo no iba a ninguna parte, no habíamos salido de gira y estaba aburrido, además tenía mis problemas personales. Una de las cosas que más me molestaba era que los Stones estaban invariablemente rodeados de una cohorte que les decían lo grandiosos que eran, las drogas no eran el problema, no es un secreto que Keith Richards era un adicto a la heroína y yo me estaba convirtiendo en uno también, pero mis problemas se hicieron peores después".

El grupo, y en especial Mick Jagger, no recibió bien la noticia, estaban a punto de iniciar la grabación de un nuevo álbum. Tiempo después la oficina de prensa del grupo emitió un boletín informando que la ruptura con el ahora ex-guitarrista había ocurrido en "buenos términos".

La verdad es que Taylor nunca terminó de encajar en la banda y había decidido que probaría suerte en solitario apostando por una vida más tranquila y reposada. Richars dijo: "Mick nunca fue capaz de explicar por qué se marchó. Yo creo que ni él lo sabe. Siempre le he preguntado "¿por qué te fuiste?" y él siempre contesta "no lo sé". Sabía bien cómo me sentía con su marcha, porque yo soy de los que siempre quieren mantener el grupo unido. Te puedes ir en un ataúd o licenciado con honores tras largos años de servicio, cualquier otra razón no vale. No le puedo leer el pensamiento al tío, quizá tuvo algo que ver Rose, su mujer. Pero al final la prueba definitiva de que no encajaba del todo es que se marchó. Es más, creo que no quería encajar del todo".

Los Stones, sin embargo, no tardaron en encontrarle sustituto ya que durante la ausencia post-operatoria de Taylor habían contado con la inestimable colaboración del guitarrista de los Faces, Ronnie Wood, con el que tanto Jagger como Richards habían hecho muy buenas migas y acabaría convirtiéndose en el nuevo guitarrista de la banda.

Tras su paso por los Stones, Taylor dió bandazos y siguió inyectándose heroína. Mick decidió no crear su propia banda ni buscó el vender millones de discos gracias al tirón de ser todo un ex-Rolling Stone. Se mantuvo al margen, tocando en pequeñas salas y volviendo a sus raíces blueseras, algo que decepcionó a Keith Richards, ya que él esperaba que si había dejado plantada a la mejor banda de la tierra, fuera al menos para hacer algo realmente importante.

Jack Bruce lo invitó a formar una nueva banda con la teclista Carla Bley y el baterista Bruce Gary . En 1975, la banda comenzó a ensayar en Londres con fechas de sus conciertos programados para ese mismo año. El grupo viajó por Europa, con un sonido que se inclinaba más hacia el jazz , incluyendo una actuación en el Pinkpop Festival de Holanda , pero se disolvió al año siguiente. Una interpretación grabada el 1 de junio de 1975 (que fue finalmente editado en CD en 2003 como "Live at the Manchester Free Trade Hall" por The Jack Bruce Band) y otra actuación en el programa de la BBC, "Old Grey Whistle Test" parecen ser el único material disponible de esta breve colaboración.

En 1979 hizo su primer y mejor álbum en solitario para Columbia Récords, "Mick Taylor", que resultó ser una mezcla de blues y pop. Es un álbum de enorme calidad que, al final del disco, contiene un instrumental maravilloso basado en los acordes del "Concierto de Aranjuez". El tema se llama "Spanish In La Minor", una España en La menor, tal vez como él y nosotros estamos ahora; una pieza extensa donde Mick da rienda suelta a su lucimiento personal.

Enteramente compuesto por él mismo, tiene sus buenos momentos como la acústica "Alabama", con un sensacional trabajo al slide; la instrumental "Slow Blues", con ese sonido inconfundible de guitarra que le caracteriza; y esa tremenda "Broken Hands", que no desentonaría en ningún álbum de los Stones y que seguro ganaría con el tratamiento hecho por la pareja Jagger/Richards. Por lo demás, "Leather Jacket", fue el single elegido y suena un poco desfasado al escucharlo hoy en día; "S.W.5", se apoyada en una buena melodía que te atrapa enseguida, y "Giddy-Up", pone la nota jazzística del disco. En lineas generales, un buen trabajo que demuestra el enorme talento que atesoraba este hombre a las seis cuerdas y que seguro ningún fan de los Stones puede dejar pasar por alto.

Mick volvería a tocar con los Stones en su gira norteamericana de 1981 en una única ocasión, en la cual compartió escenario con Ron Wood y Richards, llegando en "Miss You" -junto a Jagger-, a juntar un total de cuatro guitarras en escenario.

En 1983 se unió a Bob Dylan para la grabación del álbum "Infields", el primer trabajo secular de Dylan tras una trilogía de álbumes, "Slow Train Coming", "Saved" y "Shot Of Love", marcados por una profunda temática religiosa después de su conversión al cristianismo. La relación con Dylan funcionó tan bien en el estudio, que Bob le pidió a Mick actuar con él y aceptó acompañarlo en su gira europea. Como resultado de esta gira surgió el álbum en directo "Real Live" donde Mick demostró ser un virtuoso guitarrista en todos los estilos. En el mismo estaban Ian McLagen, miembro de Faces, en los teclados, y Carlos Santana.

Taylor tocó con Grateful Dead el 24 de septiembre de 1988, en una actuación de fin de año en el Madison Square Garden de Nueva York, a donde se fue a vivir durante la década de los 80. Mientras tanto luchó contra sus problemas de adicción, antes de volver a la acción en la segunda mitad de la década. Después de mudarse a Los Angeles en 1990, se unió a la gira por Europa, América y Japón, de la banda de Max Middleton (ex Jeff Beck Group ), junto con Shane Fontayne y Blondie Chaplin.

Antes, en 1989, ingresó junto a su exgrupo en el Salón de la Fama del Rock and Roll. También cabe destacar una aparición especial con el grupo de su amigo, el actor Bruce Willis, Bruce Willis & the Accelerators, con quien tocó en marzo de 1996 con Bruce en la armónica, así como varias reuniones con los Bluesbreakers, incluyendo el festival de blues en Long Beach, en septiembre de 1998.

Adicionalmente, Mick Taylor ha contribuido significativamente en grabaciones, principalmente en estudio y también en vivo, para varios grupos famosos incluyendo a Black Sabbath, Donovan, el grupo de fusión de rock progresivo con psicodelia y locura extrema Gong, Keef Hartley Band y con Mike Oldfield, donde toca la lira en "Tubulars Bells", el tema de la película "El Excorcista".

También colaboró con Jack Nitzsche en "The Last Of The Finest" de 1990 y en 1991, junto a Junior Wells y Steve Jordan, The Bluesmakers, grabaron "Win Or Lose".

En 1990, publica "Stranger In This Town", un disco en directo en el que Mick nos presenta un set-list muy representativo de sus raíces musicales y su trayectoria como guitarrista de blues, de fusión y de rock."Stranger In This Town" y "Jumpin´Jack Flash" son dos claros ejemplos de buen rock, siendo esta ultima una de sus canciones favoritas de su paso por los Rolling Stones. "I Wonder Why ", "Laudromat Blues", "Little Red Rooster ", "You Gotta Move" y "Red House", son sus homenajes a Albert King, Howlin´Wolf , Fred McDowell y Jimi Hendrix ; mientras que en "Goin´South" fusiona el rock con la música latino americana.





Un álbum menospreciado pero un genial álbum de blues que se mantiene entre lo más destacado de su discografía. El disco fue lanzado en 1990 por Laberinto Registros y fue respaldado por un mini-tour, incluyendo la fiesta de lanzamiento del disco en el Hard Rock Cafe, así como conciertos en el Teatro Paraíso de Nueva York.

Tiene diversas colaboraciones también, tanto en directo como en estudio con Carla Olson, la ex The Textones, entre ellas "The Ring Of Truth" (2001).

En 2003, Taylor se reunió con John Mayall en el aniversario de su 70 cumpleaños, en Liverpool, junto con Eric Clapton. Un año más tarde, en el otoño de 2004, también se unió a John Mayall y los Bluesbreakers en una gira por el Reino Unido.

En 2007 realiza una gira por la costa este de EE.UU. con Hendrix Experience Group junto con Mitch Mitchell, Billy Cox, Buddy Guy, Hubert Sumlin y Robby Krieger.

El 1 de diciembre de 2010, Taylor se reunió con Ronnie Wood en un concierto benéfico organizado por el guitarrista de blues, Stephen Dale Petit, para salvar el Club 100 de Londres. Otros invitados especiales en el show fueron Dick Taylor (primer bajista de los Rolling Stones) y el trombonista de jazz-blues, Chris Barber. Taylor recorrió el Reino Unido con Petit, apareciendo como su invitado especial.

Aunque el rey Richars lo denigra como "aburrido" en su biografía, los Stones llamaron a Taylor para incorporarse a los muchos invitados con los que intentan hacer digeribles los indecentes conciertos de la gira de este año para celebrar el medio siglo del grupo (tenéis que ver la grabación hecha desde el público que circula por Youtube, de una versión pobrísima de "Midgnight Rambler" en la que cada uno va por su lado y Taylor es el único que no pierde el hilo).

Recientemente el grupo madrileño Pereza le pidió que colaborase con ellos en dos de los temas de su nuevo trabajo, "Aproximaciones" a los que este aceptó de buen grado tocando la guitarra en "Grupis" y "Superhermanas". Todo un lujazo para Leiva y Rubén.

Keith Richards dijo una vez que Mick Taylor era el guitarrista con más talento con el que había trabajado, pero que no tenía lo que había que tener para ser un Rolling Stone. Está claro que Taylor fue el mejor guitarrista que los pomposos Jagger y Richards han tenido a sus órdenes.



Discografía

Con John Mayall's Bluesbreakers
Crusade (1967)
Diary of a Band Volume 1 & 2 (1968)
Bare Wires (1968)
Blues from Laurel Canyon (1968)
Primal Solos (1969)
Back to the Roots (1971)
Return Of The Bluesbreakers (1985)
The 1982 Reunion Concert (1992)
Wake Up Call (1993)
Silver Tones - The Best of John Mayall & The Bluesbreakers (1998)
Along For The Ride (2001)
Rolling With The Blues (2003)
Essentially John Mayall (2007)

Con The Rolling Stones
Through the Past, Darkly (1969) (compilación)
Let It Bleed (1969)
Get Yer Ya-Yas Out! (1970)
Sticky Fingers (1971)
Hot Rocks, 1964-1971 (1972) (compilación)
Exile on Main St. (1972)
Goats Head Soup (1973)
It's Only Rock 'n Roll (1974)
Made in the Shade (1975) (compilación de éxitos 1971-1974)
Metamorphosis (1975)
Sucking in the Seventies (1981) (compilación de éxitos 1974-1981)
Tattoo You (1981)
Rewind (1971-1984) (1984) (compilación de éxitos 1971-1983)
Singles Collection: The London Years (1989) (compilación de singles 1963-1971)
Jump Back: The Best of The Rolling Stones (1993) (compilación de éxitos 1971-1989)
Forty Licks (2002) (compilación 1964-2002)
Rarities 1971-2003 (2005)
Brussels Affair (2011) 1973 en vivo
GRRR! (2012) (compilación 1963-2012)

Con Jack Bruce
Live on the Old Grey Whistle Test (1995).
Live at the Manchester Free Trade Hall (2003)

Con Bob Dylan
Infidels (1983)
Real Live (In Europe, 1984) (1984)
Empire Burlesque (1985)
The Bootleg Series Volumes 1961–1991 (1991)

Con Carla Olson
Too Hot For Snakes (Live at the Roxy) (1991) En vivo
Within An Ace (1993)
Reap The Whirlwind (1994)
Special - The best of Carla Olson (1995)
The Ring of Truth (2001)
Too Hot For Snakes plus (2008)

En solitario
Mick Taylor (1979)
Stranger in This Town (1990)
Arthur's Club-Geneve (1995))
Coastin' Home aka Live at the 14 Below (1995)
A Stone's Throw (2000)
14 Below (2003)



Fuentes: lne.es/asturama, Flickr, facebook.com, elmundo.es, lavanguardia.com, cadenaser.com, rocksoff.org, californiasound.wordpress.com, blogs.20minutos.es, rockland70.blogspot.com.es, myblog-blogspotcom.blogspot.com.es y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 36


Randy Rhoads


Aclamado por una legión de fanáticos a lo largo y ancho del mundo gracias a su impresionante habilidad con la guitarra, Randy Rhoads se ha establecido como una de las estrellas más firmes en el cielo de los guitarristas del metal. Después de formar el grupo Quiet Riot durante su adolescencia, Rhoads subió la apuesta cuando Ozzy Osbourne le solicitó que se presentara para una audición para su banda en 1979.

Se dice por ahí que es el rey de los solos de guitarra. Los solos de "Crazy Train" y "Mr Crowley" están en el puesto 9 y 28 de los 100 mejores solos de guitarra según la revista GuitarWorld, opinión que no comparte la revista Time Rock ya que según ellos, el solo de "Mr Crowley" es el mejor de la historia.

También, según Time Rock, es el segundo guitarrista al que tienes que escuchar antes de morir, por detrás de Jimmy Page (Led Zeppelin) y compartiendo honores con Tommy Iommi (Black Sabbath).


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Randall William Rhoads nació el 6 de diciembre de 1956 en el hospital St. John de Santa Mónica, condado de Los Angeles, California, y ya desde su nacimiento la música le acompañó en su vida. Era el menor de tres hermanos e hijo del saxofonista y ex profesor de música William Arthur Rhoads y de Delores Violet Kell, graduada en música por la universidad de UCLA y profesora del sistema educativo de Los Ángeles, hasta que fundó junto a su marido, en 1949, la escuela de música Musonia.

Randy comenzó muy pronto tocando una vieja Gibson acústica modelo Army de 1918 heredada de su abuelo materno, mientras su hermano Kelle tocaba el piano y aprendía a cantar, y a los seis años y medio comenzó a dar clases de música. No solo aprendió a tocar la guitarra, ya que su madre le instruyó en el piano y en solfeo, armonía y ritmo.

Influenciado por su hermano mayor, comenzó a escuchar a The Beatles y el rock and roll de los 50, y poco después cambió la guitarra acústica por la eléctrica y comenzó a dar clases con el profesor de guitarra que había en la academia, Scott Shelley. A partir de ese momento, Randy comenzó a practicar constantemente y a llevar su guitarra a prácticamente todos los sitios, hasta tal punto que, tras un año dando clases con Shelley, el profesor le dijo a la madre del joven guitarrista que no podía enseñarle nada más.

Randy nunca tuvo un guitarrista favorito ni estaba interesado en imitar o aprender el estilo de nadie, él quería conocer los fundamentos de la música y adaptarlos a su estilo, aunque esto cambió cuando comenzó él a impartir las clases. A partir de ese momento descubrió que aprendía más como profesor que como alumno, y tiempo después reveló que aunque intentaba aprender siguiendo las lecciones ocasionalmente, no era algo que le gustara demasiado. No obstante eso también cambió cuando la pasión por la guitarra clásica anidó en su interior.

Hay que remarcar que en aquella época, la primera mitad de los sesenta, la guitarra solista no había eclosionado aún, basando las primeras bandas de rock sus canciones más en la guitarra rítmica que en la solista. En aquel momento el blues era el género que más explotaba la guitarra a nivel solista, pero a Randy no parecía interesarle demasiado el estilo, y los restantes géneros en boga en aquella época, motown, folk y pop tampoco tenían cabida para la guitarra solista, por lo que el joven guitarrista no aprendió demasiado sobre solos en esos años.

Más o menos a los 8 años de edad, su madre le permitió dejar las clases temporalmente y le puso a tocar con los grupos de alumnos que cada semana daban conciertos en la academia como parte de su aprendizaje.

Tras ser inscrito en el instituto John Muir Junior High, conoció a Kelly Garni, con quien entabló una solida amistad. Fue aquí cuando, a pesar de ser un buen estudiante, comenzó a dejar de lado su educación y a centrarse casi exclusivamente en la música; sobre todo cuando empezó a tocar los fines de semana en pequeñas fiestas recibiendo la más que unánime aprobación de los asistentes actuación tras actuación.

Hacia finales de los 60 Garni decidió coger también un instrumento y visitar regularmente la casa/academia de Rhoads debido al ambiente musical que allí se respiraba, quedando muy a menudo con Randy a partir de ese momento. La primera intención de Garni, quien se interesó en tocar para no sentirse aislado en la casa del guitarrista donde todo el mundo tocaba un instrumento, fue aprender a tocar el teclado, pero Randy le sugirió el bajo ya que los teclados eran caros y difíciles de transportar.

Cuando tenía 14 años, comenzó a tocar en el garaje de su casa, con su hermano Kelle a la batería, Randy como guitarra rítmica y ocasionalmente Garni como bajista. Esta agrupación llamada con el nombre de soltera de su madre, Delores Violet Kell, transformado en Violet Fox, no duró más de cinco o seis meses, separándose debido a las diferencias de opinión entre Randy y su hermano. El segundo quería dejar la batería para cantar, algo que a Randy no le gustó nada, separándose el grupo aunque siguiendo Garni y Rhoads tocando juntos.

En aquella época tocaban temas como "Johnny B. Goode" o "Jumpin’ Jack Flash", pero en 1971, el guitarrista asistió a su primer concierto de rock; una actuación de The Alice Cooper Band que sin duda cambió su vida. Rhoads se quedó atónito por lo que presenció y desde aquel momento supo lo que quería hacer con su talento. Otras bandas que marcaron su adolescencia fueron Black Oak Arkansas, Silverhead, Kiss, Queen, Widowmaker, The Pretty Things o Iggy and The Stooges.

Garni y Rhoads llevaban una temporada faltando a clase para ensayar por las mañanas en casa del primero, hasta que les dieron un toque de atención y les enviaron a un instituto para los chavales con problemas de drogas, inconformistas y gente que no encajaba en general. A pesar de todo, esto no fue tan malo, ya que en el centro había muchos músicos y el profesor les dejaba llevar el equipo a clase y tocar. No obstante, Rhoads terminó el instituto debido sobre todo a la insistencia de su madre, ya que su falta de interés por los estudios se hacía cada vez más evidente.

Siempre acompañado por Garni, Randy había pasado por bandas como The Katzenjammer Kids, Mildred Pierce o The Horror, realizando con esta última su primer concierto en Los Ángeles en una sala llamada Rodney’s English Disco. Aunque su prioridad era sacar adelante una banda de rock, Rhoads seguía impartiendo clases en la academia de su madre, pero en 1973 el y Garnis decidieron intentar encontrar un cantante.

No está muy claro como encontraron al futuro cantante de Quiet Riot, Kevin DuBrow, ya que según Garni le conocieron por medio de una amiga en una fiesta. Ambos consiguieron su dirección y fueron a su casa, pero los vídeos que DuBrow les puso cantando con una banda que luego se convertiría en el grupo punk The Dickies, no les gustaron en absoluto. Ellos buscaban alguien como Alice Cooper, y DuBrow no era lo que querían.

Por otro lado, DuBrow contó que al volver de un concierto de Humble Pie que fue cancelado, se encontró un mensaje en su casa avisándole que le había llamado un tal Randy que no conocía personalmente pero de quien había oído hablar. Según el cantante, llamó a Rhoads y tras hablar del asunto, comenzaron a ensayar en el garaje de éste. DuBrow también reveló que fue Rhoads quien le sugirió que cantara en un tono un poco más alto.

Por último, Garni concluye su historia diciendo que accedieron a ensayar con él debido a la insistencia de DuBrow en hacer una prueba, y añade que el ensayo fue horrible, pero que como no tenían a nadie más, decidieron trabajar con él. Gracias a la confianza de Garni y Rhoads, DuBrow no solo aprendió a cantar, si no que se convirtió en el líder del grupo, sobre todo en lo que a temas burocráticos se refería.

En este momento Randy había conseguido su primera guitarra decente, una Gibson SG negra, pero no le duró mucho ya que poco tiempo después, tras ver a Mick Ronson, guitarrista de David Bowie, con una Gibson Les Paul blanca durante una actuación del cantante en Los Ángeles, se deshizo de su SG para comprar una Les Paul Custom de 1974.

DuBrow, Garni y Rhoads necesitaban un batería, e intentaron contar otra vez con el hermano de Randy, Kelle, pero como éste insistía en que quería cantar rechazó la oferta quedándose Drew Forsyth, un batería local de jazz, con el puesto. El primer nombre de la banda fue LIittle Women, pero DuBrow tuvo una mejor opción. El vocalista tenía la costumbre de colarse en los conciertos de Los Ángeles para charlar con los músicos, y durante una conversación con el guitarrista de Status Quo, Rick Parfitt, éste le dijo que si tuviera su propia banda la llamaría Quiet Right. Debido al acento inglés, DuBrow entendió Quiet Riot, bautizando así al nuevo grupo.

En 1975 Randy trabajaba como profesor de guitarra en Musonia y tocaba habitualmente con Quiet Riot en salas de Los Ángeles como el Starwood. En esta época tenía una agenda bastante apretada, enseñaba en la escuela prácticamente 6 días a la semana y tocaba otros tantos con la banda, banda que se había hecho muy popular en Los Ángeles y que como tantas otras, buscaba desesperadamente un contrato.

No obstante, Rhoads no se cansaba nunca de su instrumento, algo que le estaba convirtiendo en un músico absolutamente espectacular. Tenía una gran reputación no solo como guitarrista, también como profesor. Se relacionaba de tú a tú con los alumnos, y conocía todas las canciones que le pedían. Hacía solos en el bajo, tocaba jazz, guitarra clásica, disco, lo que fuera, e incluso a veces, le pedía a algún alumno que le enseñara algo que había tocado. La humildad es sin duda la característica que remarcan todos los que le conocieron.

Algunos de los guitarristas que interesaban a Rhoads en aquel momento eran Leslie West de Mountain, Jeff Beck, BB King, Al Di Meola, Gary Moore, Michael Schenker, Ritchie Blackmore, Ronnie Montrose o Steve Lukather de Toto, y salvo por su afición a las maquetas de trenes y a su novia Jody, pasaba la mayor parte de su tiempo libre tocando la guitarra.

Hacia 1976 era, junto a la gran novedad Eddie Van Halen, el guitarrista más reconocido y respetado de Los Ángeles, pero esto no bastó para que Quiet Riot consiguieran un contrato. La imagen del cuarteto: Randy salía con una enorme pajarita sobre un chaleco con lunares que llevaba sin camiseta, era algo que chocaba con el aspecto más sobrio y directo que empezaba a imponerse a finales de los setenta; también influyó el problemático carácter del cantante Kevin DuBrow, quien solía hablar mal de sus colegas músicos y era una persona difícil de tratar.

En 1977, Quiet Riot llevaban ya mucho tiempo tocando en el Starwood y otras salas de Los Ángeles y ya habían compuesto una aceptable cantidad de material propio. Randy se encargaba de la música con pequeñas aportaciones de DuBrow, quien escribía todas las letras.

Siguiendo los pasos de Leslie West y la estela de Blackmore, Rhoads comenzó a explotar la música clásica en la guitarra del heavy metal, utilizando acordes disminuidos y escalas menores para incorporar ese sonido en sus solos. Aunque los conciertos de Quiet Riot eran una atracción en Los Ángeles, la banda estaba luchando una batalla perdida en lo que a conseguir un contrato se refería.

En 1977 conocieron a un tipo llamado Dennis, un propietario de una empresa de fontanería que les dejaba ensayar gratis en su casa, y que les pagó su primera maqueta en los estudios Sound City de Venice. Grabaron tres canciones y pasaron a formar parte de la compañía de management GTO, empresa que organizaba piquetes con fans de la banda enfrente de las oficinas de las multinacionales pidiendo que firmaran al grupo. A pesar de esto, su país de origen siguió ignorándoles y fue CBS Japan quien se decidió por contratarlos.

Según DuBrow, el grupo estuvo a punto de fichar en 1976 por Casablanca Records, sello en aquel momento de bandas como Kiss o Angel, ya que al presidente, Neil Bogart, le gustó mucho la banda, pero una semana después decidió no llevar a cabo la firma. Tras unos días, Bogart cambió de nuevo de opinión, firmando con la banda e incluso comenzando la grabación del disco, pero a la mitad del proceso Bogart hizo gala de nuevo de su indecisión y Quiet Riot terminaron yendo a un sello llamado Buddha. Este sello aceptó al grupo pero quebró, lo que llevó al manager de la banda a contactar con CBS/Sony Japan.

El grupo grabó su debut homónimo en los estudios Wally Heider de Hollywood editándose en Japón en 1977. Aunque salta a la vista que hay un guitarrista más que bueno, ninguno de los temas del disco sacan partido de la guitarra de Randy. Aunque "It’s Not So Funny" promete, ofreciendo una especie de ataque controlado, en general el álbum es flojo y da la sensación de estar ante una banda a medio gas.

"Mama’s Little Angels" tiene un buen riff pero el estribillo no está demasiado logrado, algo que también sucede en "Tin Soldier" y en general a lo largo de toda la obra. En general es una colección de canciones que sin estar mal, son algo ramplonas y demasiado facilonas en ocasiones. Además de "It’s Not So Funny", también se salva "Look In Any Window", una canción más oscura que marca la diferencia en el disco, y "Demolition Derby", un glam más rápido y más directo que contrasta también con el resto del trabajo.

A pesar de todo, los solos y muchos de los riffs dejan claro que en ese grupo hay un guitarrista que tiene mucho que decir y que sobresale claramente por encima de la media. Es posible que la influencia de Alice Cooper pesara demasiado todavía sobre Randy, ya que se nota que es una banda que quiere sonar a eso con todas sus fuerzas, y la mayor parte del tiempo les pierde.

Aunque el álbum cosechó una notable respuesta en Japón, para el mercado americano seguía siendo como si el grupo no existiera. A finales de ese mismo año, 1977, volvían al estudio para grabar un segundo disco para CBS/Sony Japan. Esta vez el proceso se realizó en los famosos estudios The Record Plant de Hollywood, volviendo la banda a su habitual agenda de conciertos una vez concluida la grabación. No obstante, los conciertos también estaban empezando a decaer debido a un despegue que no llegaba nunca. Esta situación también estaba empezando a minar la moral de algunos de los miembros del grupo, sobre todo el bajista Kelly Garni.

Garni sentía que su amistad con Randy se resquebrajaba debido al liderazgo que compartían el guitarrista y el cantante Kevin DuBrow en la banda, y ese sentir comenzó a hacer una profunda mella en él. Sus discusiones con el vocalista eran más que frecuentes y la relación con Randy también empezaba a ser tensa. Tanto, que incluso un día cuando ambos estaban borrachos, Garni disparó al techo justo encima de la cabeza de Rhoads tras negarse éste a echar a DuBrow de la banda.

Esa misma noche, Garni salió decidido a matar a DuBrow, a quien consideraba el culpable de toda la tensión, pero iba tan borracho que la policía le paró descubriendo la pistola y deteniéndole. Garni recuerda vagamente la historia, pero relata que llamó a The Record Plant, donde el cantante se encontraba grabando las voces, y le advirtió que iba a matarle. No obstante, estaba tan borracho que no habló con Kevin y no se dio cuenta.

Al enterarse el cantante del incidente llamó al manager para convencerles de que Garni era demasiado peligroso para estar en la banda, algo que no le costó mucho, terminando el bajista fuera de la banda. El grupo se puso a buscar bajista, y tras probar a un joven Nikki Sixx que según palabras textuales de DuBrow no sabía tocar su instrumento, encontraron en el Starwood al cubano Rudy Sarzo.

En 1978 salió "Quiet Riot II" con el bajo grabado por Garni pero con una foto de Sarzo en la portada. Aunque contenía el clásico "Slick Black Cadillac", el disco tampoco les sacó de estatus de banda local. Este álbum no difiere demasiado de su predecesor; la banda mantiene su estilo y Randy sigue mostrando su maestría, pero la producción hace que el grupo suene más carente de fuerza aún. Según parece, la compañía quería llevar al grupo a un terreno más comercial, por lo que el productor atenuó las guitarras en la mezcla al máximo, restando fuerza a los temas y de alguna manera relegando al ostracismo al alma y principal atractivo de la banda.

El disco se abre con el clásico "Slick Black Cadillac", canción que se ha mantenido hasta hoy en el repertorio del grupo, pero que el segundo tema, "You Drive Me Crazy", sea una balada, corta la posible dinámica que pudiera tener el disco. "Killer Girls" y "Trouble" son sin duda lo mejor, teniendo el resto de los temas el mismo problema que en el debut: falta de fuerza, de originalidad en ocasiones y de gancho.

En general ambos trabajos suenan pobres y en ocasiones incluso a maqueta; fichar por CBS Japan no les hizo ningún favor, más bien todo lo contrario.

Aunque el grupo no avanzaba, Randy seguía ganándose la vida como profesor, y en verano de 1979 decidió hacerse una guitarra según sus propias especificaciones. A través de George Lynch (Dokken) y Van Halen, el otro guitarrista emergente de Los Ángeles en aquella época, Rhoads conoció al lutier Karl Sandoval, quien tocaba en una banda llamada Xciter y había hecho guitarras para Lynch y Van Halen. Rhoads le pidió una guitarra basada en la Flying V de Gibson pero con pastillas dobles y el cuerpo de una pieza como la Les Paul, añadiéndole también un trémolo de Stratocaster y poniéndole la entrada del cable en la parte baja del pico superior; el diseño se completaba con la guitarra pintada en fondo negro decorado con lunares blancos.

Mientras tanto la banda siguió ensayando para un tercer LP que les quedaba por contrato, pero todo quedó parado cuando el bajista, Dana Strum, llamó a Randy para decirle que hiciera una prueba de guitarra para un cantante inglés llamado Ozzy Osbourne, que estaba formando una nueva banda.

Era verano de 1979 y Black Sabbath había expulsado a su cantante, Ozzy Osbourne, porque estaba completamente loco debido al continuo abuso de alcohol y drogas. Don Arden, un infame Al Capone del rock y manager del grupo, lo recluyó en Le Parc Hotel de Hollywood, donde estuvo varios días consumiendo pizza, recibiendo a groupies y totalmente ido. La hija del manager, Sharon Arden, a sus 27 años ya teniá mucha mili con lo de estar al lado de las estrellas del rock desde los 18 años. Cuando visitó a Ozzy en aquella habitación de hotel se quedó totalmente anonadada con lo que se había encontrado: Un tipo con barba de varios días, latas de cerveza y cajas de pizza vacías por todos lados, olor nauseabundo y...le entró eso que le entran a las mujeres de ayudar al desvalido. "Si te lavas seré tu manager", le dijo la chica; más tarde sería su esposa.

Cuando Strum le informó de la prueba, Randy se mostró reacio, nunca le había gustado Black Sabbath y la imagen oscura y pseudo–satánica del grupo le parecía ridícula, por lo que probar para Ozzy Osbourne no era algo que le motivara demasiado. Aunque Strum insistió, fue su madre Delores la que le convenció para que asistiera, algo que hizo con bastante desgana.

Ozzy por su parte, aunque estaba cansado de probar guitarristas e iba a volverse a Inglaterra (Gary Moore hizo la audición sin éxito, tras abandonar Thin Lizzy), decidió esperar hasta las 2 de la mañana, persuadido por Strum, para probar a Randy. Cuando éste llegó se quedó muy sorprendido porque pensaba que iba a tocar con una banda y solo vio a Ozzy en la habitación sentado en un sofá.

El cantante le dijo que tocara algo, pero Randy solo llevaba un pequeño amplificador Fender diseñado para afinar, por lo que no sabía muy bien que hacer y se puso a calentar. Él recordaba así el momento: “Cuando bajé allí me dijo que los otros guitarristas que probaba tenían paredes de Marshalls Echoplexes. Yo había llevado un pequeño amplificador de prácticas. Empecé a afinar y me dijo:´Has conseguido el trabajo´. No había tenido oportunidad de tocar ni había hecho jam con ningún músico”. Así las gasta Ozzy, no se sabe si tuvo una premonición con Randy o es que no le apetecía seguir con las pruebas y lo eligió por puro azar, el caso es que al final lo contrató y acertó de pleno.

El guitarrista volvió a su casa confundido, todavía intentando entender como le habían dado el puesto en un grupo tras calentar solo dos minutos, y no se mostraba muy convencido, ya que le dijo a su madre que aunque le habían dicho que le llamarían en dos semanas, añadió que no creía que fueran a hacerlo: "No se lo que tengo, pero tendrías que ver como me han mirado todos, no se lo que tengo, pero tengo algo".

El estado de Ozzy por aquel entonces todavía seguía siendo patético; todo el día medio drogado y sin ser muy consciente de sus actos, al día siguiente de la audición de Randy, Ozzy le contó a un amigo que había soñado que había contratado a un guitarrista, su amigo le confirmó que eso había pasado realmente el día anterior, a lo que Ozzy respondió "Oh mierda!, ¿Qué he hecho? si lo he contratado yo seguro que no es capaz de tocar nada".

Pero dos semanas después, Ozzy llamó y Randy daría su último concierto con Quiet Riot, volando en noviembre hacia Inglaterra para unirse al prometedor proyecto del príncipe de las tinieblas, con quien tendría una química inmediata, la cual funcionó para comenzar a crear música desde el primer momento.

La marcha de Randy fue un duro golpe para Kevin DuBrow, vocalista de Quiet Riot, quienes realizaron su último concierto con el guitarrista el 29 de octubre de 1979; Kevin afirmó en una entrevista que "Era consciente de que esto iba a pasar, en la última actuación con Randy lo di todo para intentar convencerle de que se quedará, pero era normal, yo era un cantante mediocre, él era el mejor guitarrista que había visto en mi vida"

Cuenta la leyenda que Randy y Ozzy tuvieron algunos problemas al principio, pero no a nivel profesional ni personal, sino más bien a nivel de conocimientos; Randy tenía un amplio dominio de conceptos musicales, y al momento en que él componía la parte vocal, Ozzy no sabía como leer las partituras, puesto que en Black Sabbath, Iommi y compañía solo le decían que “cantara como pudiera”, pero jamás le enseñaron a leer música, cosa que Randy tuvo que enseñar a Osbourne.

Randy pasó dos meses en Inglaterra componiendo con Ozzy y con el ex de Rainbow, el bajista Bob Daisley, encargándose el tercero de las melodías, el segundo de las letras y los arreglos y Randy de la música. Cuando acabaron los primeros temas, se pusieron a buscar un batería, al que encontraron mediante el manager alemán Ossie Hoppe, quien llamó al batería de Uriah Heep, Lee Kerslake, para sugerirle que probara para el puesto.

En marzo de 1980 los cuatro entraron a los estudios Ridge Farm de Surrey para grabar el primer disco del grupo. Aunque el productor contratado en primera instancia fue Chris Tsangarides, la cosa no terminaba de funcionar y fue el ingeniero Max Norman quien terminó produciendo el disco.

Norman describe a Randy como un perfeccionista que, además de sugerir durante las sesiones de composición no hacer todas las canciones en la misma clave para no sonar como el resto de las bandas, triplicó prácticamente todas las guitarras del disco negándose a doblar las pistas y grabando sus partes una y otra vez las veces que hiciera falta. También añade que grabando con su Sandoval y con la Les Paul blanca, registró todos los solos en una sola toma, los que también triplicó obsesionado con sonar más brillante que Eddie Van Halen.

Después de un arduo pero divertido trabajo al que Ozzy describe como “un momento para divertirse”, el tan esperado debut de Randy Rhoads con Ozzy se dio, y el 20 de septiembre de 1980, el álbum "Blizzard Of Ozz", vio la luz en Europa a través de la filial de Epic Records, Jet, compañía que también publicaría el álbum en EE UU en marzo de 1981.

"Blizzard Of Ozz" es sin duda un clásico de la historia del heavy metal, incluye auténticos himnos como "I Don’t Know", "Goodbye To Romance" o "Mr. Crowley". Pero no son solo esos temas los que brillan con luz propia, "Revelation (Mother Earth)" es una extensa balada con un solo espectacular, "No Bone Movies" tiene un riff más roquero con un estribillo muy efectivo, y "Steal Away (The Night)" tiene un aire festivo que sirve como un colofón perfecto para el disco.

Pero sin duda el disco sería marcado por dos canciones, una a nivel mundial y musical a nivel de agrupación, y otra a nivel personal para Randy Rhoads. La primera sería la clásica “Crazy Train” la cual contiene, hasta la fecha, tanto uno de los riffs como uno de los solos más famosos e imponentes que el heavy metal haya jamás conocido. La segunda "Dee", la canción que Randy compusiera a la mujer que más amó en la vida, Dolores Rhoads, su madre; una canción elaborada únicamente con una guitarra clásica, la cual en 50 segundos, te lleva a sentir emociones tan bellas, indescriptibles para cualquier oyente, pero entendibles para cualquier alma.

El álbum se completa con la pieza "Suicide Solution", un gran tema con un riff rebosante de dinámica y clase que aunque carece de un estribillo propiamente dicho, engancha desde el comienzo. La canción fue muy polémica desde su edición. Casi a mediados de esta década, en 1984, un joven de Canadá llamado John McCollum de 19 años se suicidó. Al recoger el cuerpo, tenía unos audífonos puestos con un cassete de Ozzy Osbourne. El 13 de enero de 1986, Osbourne fue llevado a los tribunales. El padre de este joven le demandó por inducir a los jóvenes al suicidio, pues el joven se quitó la vida con una pistola mientras escuchaba la polémica canción "Suicide Solution".

La exuberancia de la guitarra brilla con luz propia a lo largo del todo el album, "I Don’t Know" llama la atención, pero solos como los de "Crazy Train", "Mr. Crowley" o "Revelation (Mother Earth)" eran algo de otro planeta en 1980, además del trabajo que realizaba el instrumento en los temas.





La salida del disco fue el comienzo de las fricciones entre Ozzy y Sharon y el bajista Bob Daisley y el batería Lee Kerslake, quienes pensaban que el grupo iba a llamarse The Blizzard Of Ozz y no Ozzy Osbourne en solitario. Aunque tanto Ozzy como Sharon niegan que tuvieran ninguna intención de llamar a la banda de esa manera, es cierto que en algunos festivales de la época en los que tocaron, la banda aparecía como The Blizzard Of Ozz.

Tras la publicación del disco se produjeron dos sucesos que convirtieron a Ozzy en leyenda del rock. El primero tuvo lugar en una fiesta que organizó la CBS, Ozzy acudió con tres canarios metidos en sus bolsillos, echó a volar los dos primeros como para llamar la atención y al tercero le arranco la cabeza de un mordisco, justo cuando todos los ojos estaban puestos en él. Gracias a esta brutalidad todos los medios de comunicación se hicieron eco de la noticia y pronto se ganó el lleno absoluto en todos los conciertos de la gira.

El segundo suceso que impulsó aun más su fama tuvo lugar en pleno concierto en un número en el que se arrojaban animales de goma como serpientes, ratas y demás. Ozzy, en pleno éxtasis del directo, agarró un murciélago real que alguien había lanzado y lo decapitó de un mordisco. Al día siguiente la prensa hablaba de satanismo en un concierto de rock y Ozzy sabiendo perfectamente que este tipo de basura vende discos declaró “Un murciélago es tan sabroso como un burguer de Mc Donnals”. Sin embargo, al cabo de unos años reconoció la verdad “Fue horrible, me dejé llevar por la excitación del show. Puedo asegurar que arrancarle la cabeza con los dientes a un murciélago no es algo divertido. Recuerdo que después del show, me llevaron al hospital y me metieron un montón de inyecciones contra la rabia. Fue una de las peores experiencias de mi vida”.

Entre septiembre y noviembre de 1980, el grupo comenzó a tocar en directo, convirtiéndose Randy inmediatamente en la principal atracción de los conciertos. Daisley y Kerslake eran músicos de sesión que hacían muy bien su trabajo pero de manera quizá algo fría, y Ozzy, como él mismo ha reconocido años después, no podía hacer mucho más que pedirle al público que se volviera loco y dar palmas, por lo que la imagen de Randy, la euforia que expresaba tocando y sobre todo sus espectaculares solos y formas en la guitarra capturaban inmediatamente a todo el mundo que presenciaba en directo al músico.

Aunque Randy era una persona tranquila nada aficionada a las drogas que pasaba el día tocando la guitarra, en este punto estaba disfrutando de su recién adquirida posición tras años de travesía en el desierto con Quiet Riot, lo que le hizo aflorar un lado bromista bastante "cabroncete" en ocasiones, y comenzó a sentirse en su elemento tanto en el escenario como fuera de él, recibiendo constantes halagos de los que le escuchaban. No le importaba que el grupo no estuviera haciendo dinero en aquel momento, se habían gastado todo el presupuesto en la grabación y vivían al día con lo que iban sacando de los conciertos, pero al contrario que con Quiet Riot, él había conseguido llevar su manera de tocar al máximo y podía demostrarlo delante de miles de personas. No obstante, siempre insistió en que él era un músico y no una estrella, dejando a Ozzy ese papel y considerándose un mero miembro del grupo.

Randy volvió a Los Ángeles en las navidades de 1981 y aprovechó para hacerse otra guitarra según sus propias indicaciones. Esta vez contó con Grover Jackson, quien en aquel momento trabajaba como ejecutivo para una nueva marca de guitarras llamada Charvel que no pasaba por su mejor momento.

Tras una conversación de doce horas, decidieron basarse en una Flying V pero le hicieron los picos más afilados y retocaron la pala. Jackson no quería hacerla a través de Charvel ya que además de pasar por dificultades económicas, todos los diseños de la compañía llevaban el mástil separado de la guitarra, y Randy quería que todo el instrumento fuera de una pieza, por lo que sugirió a Randy poner Jackson en lugar de Charvel en la pala. También influyó que los modelos de Charvel eran muy conservadores, la mayoría tenían forma de Stratocaster o Telecaster, llevando este cúmulo de factores al nacimiento de la marca Jackson.

Debido al éxito y a la tremenda química que existió entre los miembros de la agrupación, tan solo un año después, el segundo álbum de la mancuerna Ozzy/Randy estaría invadiendo los hogares de cualquiera que se considerara metalero. "Diary Of A Madman", en opinión de muchos el mejor disco de toda la historia de Ozzy, sería el nombre del tremendo álbum que el joven guitarrista y el príncipe de las tinieblas nos brindaría para deleite de nuestros oídos.

El álbum salió el 7 de noviembre de 1981 también con Jet, y aunque había sido grabado por Daisley y Kerslake, en la foto interior aparecían Rudy Sarzo y Tommy Aldridge. Según cuenta Ozzy, ambos fueron despedidos porque no hacían más que quejarse y pedir más dinero, pero si preguntas a Daisley, dirá que Sharon y Ozzy estaban intentando meter en la banda a Aldridge, que era la primera opción de Ozzy como batería y que estaba disponible en aquel momento, pero que él no iba a permitir que se libraran de Kerslake de esa manera, por lo que ambos fueron despedidos. El productor Max Norman corrobora que los dos músicos fueron echados por el propio Ozzy.

Además de Aldridge, también se incorporó a la banda el bajista Rudy Sarzo, ex-compañero de Randy en Quiet Riot que había sido recomendado por el guitarrista. Rhoads también sugirió a Frankie Banali, ya batería de Quiet Riot en aquel momento, pero ya habían firmado un contrato con Aldridge. Ambos músicos aparecieron en los créditos del disco a pesar de no haber tocado una sola nota, algo que molestó mucho a Aldridge que tuvo su primera discusión con Sharon.

La mejora que la guitarra de Rhoads había experimentado es obvia; "Diary Of A Madman" es un disco con más arreglos y una guitarra más oscura y heavy, pero al músico no le satisfizo su trabajo en la obra. Poco después explicó que la falta de tiempo para trabajar en al álbum y el cansancio acumulado por la gira no le dejaron grabar el disco como él quería. Ozzy quedó contento con los temas, pero la mezcla no le gustó echando también la culpa a la falta de tiempo. El disco también se grabó medio tono más bajo que el de debut, algo que según contó el propio Randy, sucedió por error al utilizar un afinador mal calibrado.

Aunque "Diary Of A Madman" no contiene tantos clásicos como su predecesor y no entra tan bien a la primera escucha, es un álbum muy envolvente a medida que se le van dando escuchas. La guitarra de Randy es más oscura e intrincada; la apertura de "Over The Mountain" con la batería y la posterior entrada de un riff impactante es uno de los mejores temas de Ozzy. "Flying High Again" es por decirlo de alguna manera un tanto más espesa, pero cumple a la perfección con su propósito, que es reforzar la letra. El tema tiene unos llenados sensacionales y el riff en el que se basa está muy, muy inspirado, creciendo la canción a medida que avanza.

"Believer" es otro medio tiempo pero mucho más atmosférico, sobre todo por el riff y la forma un tanto experimental en la que Randy mete los llenados y los armónicos, y "S.A.T.O." un tema muy cañero y poderoso que rezuma heavy metal por los cuatro costados.

"Diary Of A Madman" es una de las canciones más oscuras y terroríficas que jamás se hayan escrito. Las primeras notas de la entrada te sumergen hasta que la entrada con los teclados y la batería te pilla desprevenido desplegando un poderío salido directamente del más profundo averno. La letra es inmejorable describiendo a la perfección el sentir de un auténtico demente y las guitarras son perfectas, todo aderezado por una sección de cuerda y coros creando un ambiente muy, muy logrado.

Que decir de los solos, "Over The Mountain" es una nueva dimensión, la rapidez del de "Flying High Again" contrasta con el resto del tema, "You Can’t Kill Rock And Roll" es el ejemplo perfecto de solo espectacular marca de la casa, y "Believer" es más intrincado y enrevesado; todo un despliegue de guitarra eléctrica en su máxima expresión. La palma se la lleva "Diary Of A Madman", un solo un tanto escondido y en cierto modo breve, que ataca de forma épica hasta que va decayendo de nuevo en la psicótica letra.

Aunque no a nivel de temas, musicalmente "Diary Of A Madman" es un álbum superior a "Blizzard Of Ozz", además de mostrar de forma mucho más evidente el gran entendimiento que había entre Ozzy y Randy.

En otoño de 1981, Randy fue elegido mejor guitarrista del año, el premio más prestigioso con el que un guitarrista puede llegar a soñar, por la conocida revista Guitar Player. En un reportaje de MTV sobre el galardón Randy declaro: "Cuando me lo dijeron no podía creérmelo. Me siento muy orgulloso y muy honrado, aún me cuesta creerlo de hecho."

La banda comenzó la gira del nuevo disco con tanto o más éxito que la del anterior: estadios llenos, repeticiones de conciertos en el mismo lugar y escándalos que atraían a la prensa como carroña a los buitres. En Texas, Ozzy se meo en el monumento de la independencia tejana vestido de mujer con lo que se ganó no pocos enemigos conservadores mientras que fue muy bien recibido por los mejicanos.

La carrera de Randy acababa de empezar y ya era portada de magazines musicales, quienes no dejaban de alabar su increíble técnica. El éxito era mundial, con tan solo dos álbums Randy y Ozzy habían cambiado los parámetros del heavy metal, estaban vendiendo en números de 6 cifras sus producciones, las giras eran llenos seguros y los conciertos una locura total, pero en Randy había algo de inconformidad, estaba empezándose a cansar de todo el circo musical en el que se había metido y tenían en mente alejarse un tiempo para centrarse en la música clásica, su primer amor. Randy tenía en mente inscribirse en la universidad y sacarse el doctorado en música, de hecho su madre ya estaba buscando posibles destinos para su hijo.

Randy habló con Ozzy sobre la vida al estilo heavy metal, la cual era algo que no le llenaba, por lo cual la gira que se realizaba en ese momento, sería la última para él.

En enero de 1982 la banda se encontraba inmersa en la gira americana, y Randy, con sus primeros royalties, se había comprado una guitarra clásica que le habían hecho en España y que le había costado cerca de 50.000 dólares en aquella época. En este momento, Randy ya estaba considerando seriamente dar clases de guitarra clásica, tanto que empezaba a sopesar dejar el rock and roll para centrarse en aprender. Como relata Tommy Aldridge, "Rhoads estaba desilusionado y desencantado del mundo de las giras, quería volver a la pureza de la guitarra. Esto no quiere decir que le hubiera dejado de gustar el rock, simplemente no encajaba en todo lo que rodeaba a la música".

En las giras contactaba con maestros locales para que le dieran clases, aunque normalmente él era mejor que ellos y era Randy quien acababa enseñándoles cosas. También permaneció cercano a su madre, mientras que muchos padres no querían saber nada de sus hijos cuando lo dejaban todo por la música, Delores Rhoads apoyó a su hijo en todo momento. Ace Steele, uno de los mejores amigos de Randy conmentó tras su muerte: "Randy quería a su madre más que a nada en el mundo, era la única persona en la que sabía que podría confiar".

Otros factores influyentes en su deseo de abandonar la banda fueron sin duda, un contrato que se había firmado para grabar un disco en directo con canciones de Black Sabbath, algo que obviamente odiaba, y los constantes cambios de humor de Ozzy, quien despedía constantemente a sus músicos para luego no acordarse de nada al haber arreglado Sharon el desaguisado.

Con la gira bastante avanzada, Randy le dijo a Ozzy que quería dejar la banda, algo que no sentó nada bien a Ozzy. Aunque el cantante y su mujer Sharon han insistido a lo largo de los años que nunca presionaron a Randy para que permaneciera en la banda, Kelly Garni afirma que le presionaron amenazándole con los contratos que había firmado y sostiene que Ozzy llegó a darle un puñetazo el día que le comunicó su deseo de abandonar.

Bob Daisley corrobora esta historia afirmando que aunque él no se encontraba presente, Don Airey y Tommy Aldridge le contaron lo del puñetazo añadiendo que Ozzy llamó a Randy "pequeño mierda desagradecido." A partir de ese momento, Rhoads se sentía muy infeliz en el grupo, se sentía atrapado y resignado en la banda, no obstante, sus interpretaciones en directo seguían siendo excelentes escondiendo por completo su batalla interior.

Tras un breve descanso a comienzos de marzo, la gira fue retomada con un Randy convaleciente tras haber sufrido la extracción de una muela que se había complicado, el 17 de marzo en el Omni de Atlanta, Georgia, tras lo cual paró un día después en el Civic Coliseum de Knoxville, Tennessee. El grupo tenía un día libre antes del siguiente concierto, el 20 de marzo en el Tangerine Bowl de Orlando, Florida, junto a Foreigner y UFO, y se dispusieron a realizar los más de 3.000 kilómetros hasta la actuación en su autobús, conducido por Andrew Aycock.

El 19 de Marzo de 1982, el autobús de la gira realizó una parada en un taller de reparación de Leesburg (Virginia), a poca distancia de Orlando. El taller estaba situado en un pequeño aeropuerto junto a unas pistas de aterrizaje. En el taller el conductor del autobús, Andrew Aycock quería retirar algunas literas para hacer del vehículo un lugar más cómodo y espacioso. Por ello mientras lo reparaban Aycock, quien tenía licencia de piloto, se ofreció a dar una vuelta a la banda por los aires. Lo que nadie de la banda sabía es que le había sido cancelada su licencia debido a un accidente de helicóptero que sufrió años atrás y en donde murió un niño.

Rhoads entró en el bus, emocionado, donde estaba Rudy Sarzo durmiendo. Le despertó para que fuera con él a dar una vuelta en avioneta, pero Rudy le dijo que prefería descansar para el concierto del día siguiente. Unos minutos más tarde Rudy se despertó de golpe cuando notó como la avioneta pasaba por encima del autobús y acto seguido se escuchaba una explosión. Después...el silencio.

Rudy se levantó y abrió la puerta del bus, viendo ante sí asientos y cristales desperdigados a su alrededor. Ya en la zona del accidente, uno de los asistentes en la gira estaba de rodillas gritando y llorando: "Se han ido!! se han ido todos!!" era lo único que Rudy escuchaba. El avión tras pasar el autobús, impactó contra un árbol y al tocar el suelo explotó matando al instante a Aycock, Randy y Rachel Youngblood, encargada de vestuario durante la gira.

Los supervivientes pasaron dos horas de caos hasta que llegaron los bomberos y la policía, al encontrarse en medio de ninguna parte, tiempo que Aldridge empleó para intentar eliminar todas las drogas que pudiera haber en el autobús. El batería encontró una enorme bolsa de cocaína debajo del asiento del conductor que arrojó al bosque.

Al día siguiente se realizaron las autopsias a los cadáveres, descubriendo que Aycock tenía su licencia de piloto caducada y que había consumido cierta cantidad de cocaína. No se encontraron evidencias de que Randy Rhoads hubiese consumido esas u otras sustancias ilícitas, solo restos de nicotina en su cuerpo.

El funeral de Randy tuvo lugar en la Primera Iglesia Luterana de Burbank, y el cuerpo fue enterrado en el cementerio Mountain View de San Bernardino, llevando el ataúd Tommy Aldridge, Rudy Sarzo, Ozzy Osbourne, Kevin DuBrow y su amigo de la infancia y alumno Frank Santa Cruz.

La muerte de Randy alteró la vida de todos; Ozzy siempre ha dicho que cuando Randy murió una parte suya murió con él. Randy erá la unica persona que le había dado esperanzas en mucho tiempo. Además estaba su sentimiento de culpabilidad, muy grande tras lo sucedido ya que si él no lo hubiese contratado los hechos no habrían sido los mismos.

El sueño de Randy Rhoads era tocar en el Madison Square Garden, y su muerte sucedió dos semanas antes de que este hecho se produjese. Diez días después y en homenaje a Randy la girá continuó, primero con el guitarrista Bernie Torme, pero no tardó en sustituirle Brad Gillis (Night Ranger). Ozzy ha reconocido en multitud de ocasiones que si no fuera por Sharon Osbourne, quien le forzó a continuar con la gira, nunca más se hubiese subido a un escenario.

En 1987, cinco años después, Ozzy editó el disco "Tribute", un disco en vivo con Randy Rhoads grabado en el Music Hall de Cleveland, el 11 de mayo de 1981.

Aunque Randy permanece en el cementerio Mountain View de San Bernardino, su tumba fue trasladada a una especie de santuario vallado tras ser su emplazamiento original dañado por fans que se llevaban trozos de recuerdo u organizaban sus pequeños homenajes. No obstante, los devotos del músico siguen peregrinando cada 6 de diciembre, fecha de su cumpleaños, y el 19 de marzo por el aniversario de su muerte.

Su muerte, sin duda, fue una enorme tragedia, pero como dijo en su momento Max Norman, buen amigo y productor del "Blizzard Of Ozz" y "Diary of a Madman": "Randy había alcanzado el 80% de su capacidad en el momento en el que le llegó la muerte. Esa es la tragedia, nunca llegó a su máximo, hasta Jimmy Hendrix alcanzó su pico antes de que le llegara la muerte"

No hay que olvidar su valor humano, Ozzy Osbourne siempre ha reconocido que las únicas dos personas que de verdad le ayudaron a salir del pozo una vez fue expulsado de Black Sabbath fueron Sharon Osbourne por una parte y el bueno de Randy por la otra.

Especulando sobre los pasos de Randy si no hubiera sucedido el fatídico accidente, su hermano Kelle cree que al menos habría grabado otro disco con Ozzy, aunque piensa que podrían haber sido incluso dos. No obstante añade que no cree que hubiera accedido a seguir girando. Su hermana Kathy por otro lado piensa que habría seguido en el rock, pero intuye que se habría volcado en mezclar la música clásica con el rock.

Rudy Sarzo afirma que Randy había acordado con Ozzy grabar un disco más, trato que Ozzy aceptó confiado en que le convencería para quedarse más adelante.

Hay que recordar en este punto la gran afición que Randy sentía por la guitarra y la música clásica en general; algunos de sus compositores favoritos eran Vivaldi y Johann Pachelbel, y desde pequeño le gustaba tocar una composición titulada "Malagueña" escrita por Ernesto Lecuona.


Comentarios de otros músicos sobre Randy Rhoads

Phil Demmel (Machine Head): "Randy es posiblemente la razón por la que toco la guitarra. En directo poseía el escenario."

Karl Sanders (Nile): "El solo de "Mr. Crowley" era otro nivel en lo que a tocar la guitarra se refiere. Randy tenía una intensidad más allá de las notas, lo que no quiere decir que estuvieran mal ni mucho menos. Tenía una llama interna, enorme."





Tommy Aldridge (Whitesnake, Pat Travers, Black Oak Arkansas, Mars): "Yo había tocado con grandes guitarristas, Pat Travers, Pat Thrall, Gary Moore, pero Randy era el mejor músico con el que había tocado de lejos, posiblemente el mejor con el que nunca tocaré. Además de una gran persona. Me enseñó todo lo que debe ser un guitarrista, original, técnico y apasionado."

Jeff Waters (Annihilator): "Randy era uno de esos guitarristas que están en todas partes. Aunque era un músico de conservatorio, no había mucho de eso en él. Era un rítmica fenomenal y un compositor sorprendente, y los solos eran la guinda del pastel. Habría sido el mejor guitarrista del mundo si siguiera vivo; no hay discusión."

Alexi Laiho (Sinergy, Kylähullut, Inearthed): "Tardé en escucharlo debido a mi edad, pero cuando lo descubrí había algo en su sonido que me hizo querer tocar."

Dimebag Darrell (Pantera, Damageplan): "Era muy versátil y combinaba perfectamente el lado clásico con el sonido oscuro. El solo de "Diary Of A Madman" suena como si cayera del cielo. Randy era un tipo pequeño que rezumaba clase, tanto tocando como vistiendo. Nunca sabremos donde estaría la guitarra hoy si siguiera con nosotros."

Ralph Santolla (Deicide, Obituary, Iced Earth, Death, Sebastian Bach): "Randy fue una influencia que llegó a todos los sectores de la música dura. El Thrash Metal apareció justo después de los discos de Ozzy. Era un genio componiendo y tenía la habilidad de hacer solos bonitos e inquietantes a la vez. El solo de "Diary Of A Madman" es atonal, pero por algún motivo suena sensacional."

Joey Jordison (Slipknot, Korn, Rob Zombie, Ministry): "Cuando escuché "Blizzard Of Ozz" me quedé acojonado. Es uno de los guitarristas más inspiradores que jamás haya existido."

Pat O’Brien (Cannibal Corpse): "Cuando escuché por primera vez a Randy Rhoads aluciné. Tocaba con mucha melodía y podías recordar sus solos. También era muy versátil, pasaba de esos solos enloquecidos a partes más melódicas y clásicas sin inmutarse."

Steve Vai: "Lo curioso es que Randy y Ozzy eran personas muy diferentes, aunque esto no es extraño cuando se trata de química. Uno perpetuaba la grandeza del otro y viceversa. Randy tenía muchísima confianza en lo que hacía."

Tomas "Samoth" Haugen (Emperor, Zyklon B, Gorgoroth, Satyricon): "Randy Rhoads tenía un estilo diferente y muy característico de tocar. Es uno de esos guitarristas clásicos y míticos que vivirán para siempre inspirando a las generaciones venideras."

Bill Ward (Black Sabbath): "Una de las cosas que hizo Randy fue inaugurar una era. Realzó la voz de Ozzy y a toda la banda. No se parecía a ningún guitarrista que hubiera escuchado en aquel momento."

Marty Friedman (Megadeth, Cacophony): "Fui a ver la primera gira de Ozzy al Civic Center de Cleveland, todos los guitarristas de la zona estaban allí dispuestos a ver a ese nuevo prodigio llamado Randy Rhoads. Fue un soplo de aire fresco ver como alguien insuflaba vida a la guitarra. Van Halen lo hizo primero y luego Randy Rhoads subió un poco la intensidad. Era salvaje en escena con ese sonido alto y distorsionado, además del escandaloso tono de Heavy Metal, pero también dejó claro que había que tener algo de técnica si se quería tocar rock and roll. Todo el mundo salió encantado del concierto, y a mi personalmente me fascinaron esas guitarras ampulosas y espectaculares. Nunca he visto a nadie tocar con tanta distorsión, pero sonaba increíble. Tocaba con tanto entusiasmo y desprendía tanto carisma, además de ese manejo y control de la guitarra, que era imposible evitar su presencia en el escenario."

Ciaran "Dreadkey" Fahy (guitarrista inglés de Jazz): "Randy era un músico increíblemente versátil con una perfecta combinación de energía y precisión cuando tocaba en directo. Parecía una de esas personas que consiguen alcanzar un nivel superior de conciencia en alguna disciplina. Mientras la mayoría de los guitarristas actuales de Rhythm & Blues y Soul tienden a centrarse más en el Jazz y en el estilo del delta, se que muchos músicos de "gospel-chop" han adoptado muchas técnicas del metal y están al tanto de que Randy definió los puntos de referencia para cualquier guitarrista de metal que se precie."

Kevin DuBrow (Quiet Riot): "Era sorprendente verle tocar, y fue la primera persona que me dio un consejo a la hora de cantar."

Lee Kerslake (Uriah Heep): "No sabía lo que me iba encontrar cuando hicimos nuestra primera prueba, y de verdad me quedé impresionado con Randy."

Bob Daisley (Gary Moore, Ozzy Osbourne, Black Sabbath): "La música era él y él era la música. Tenía mucho estilo, y no solo tocando, también como persona."

Yngwie J. Mamsteen: "Lo que Randy hizo con la guitarra fue apartarse de las escalas de Blues que todo el mundo utilizaba, algo que me impresionó. También escribió grandes temas y sacaba un sonido de guitarra imponente. Cuando escuché "Mr. Crowley" por primera vez me quedé alucinado con el solo, me gustaba el rock y la música clásica y oír ese solo me dejó atónito, me gustó mucho. Nunca presto atención a otros guitarristas, pero Randy definitivamente tenía algo."

Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Whitesnake, Dio, Mars, Blue Oyster Cult): "La primera vez que le vi pensé que era un guitarrista excelente, absolutamente excelente, pero cuando descubrí lo bueno que era de verdad fue cuando ensayé con él por primera vez."

Zakk Wylde: "Siempre he dicho que el auténtico impacto de un músico no es cuando lo escuchas, si no cuando lo sientes. Randy tenía eso y mucho más. No solo parecía un héroe de la guitarra, lo respaldaba con una técnica sensacional y unas composiciones increíbles. Lo que consiguió en un par de años es lo mejor de lo mejor. Hizo en dos discos lo que la mayoría de la gente no consigue en 20. Gracias Randy por ser un profesor, un héroe, una inspiración y hacer nuestras vidas un poco más mágicas y especiales."

Ozzy Osbourne: "Randy era el músico más dedicado que jamás haya conocido. Era un maestro en su arte, no creo que la gente llegue nunca a darse cuenta de su auténtico talento. Llevo ya mucho tiempo en esto y si alguna vez he encontrado a alguien nacido para ser una estrella, ese era Randy Rhoads. Larga vida."

Siguiendo la estela de Jimi Hendrix, Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Tony Iommi y Eddie Van Halen, Randy Rhoads dio otro paso de gigante en la constante evolución de la guitarra eléctrica llevando hasta nuevas cotas lo que habían realizado sus predecesores. Rhoads inauguró la guitarra del Heavy Metal en los 80 y fue sin duda el referente para toda la corriente posterior de guitarristas neo clásicos, tanto para Yngwie J. Malmsteen como para los que salieron en la segunda mitad de los 80. Blackmore ya había incorporado música clásica a la guitarra eléctrica, pero Randy lo llevó más allá y sin duda lo hizo mucho más heavy. Un guitarrista que ha pasado a la historia por marcar un antes y un después en la historia de la guitarra eléctrica. Un grande entre los grandes cuyo legado aún perdura.


Equipo

Guitarras
1974 Gibson Les Paul Custom Ivory
Gibson Les Paul Custom Black Beauty
Karl Sandoval Polka Dot Flying V
Jackson Custom Randy Rhoads White w/tremolo bar
Jackson Custom Randy Rhoads Black Strings Thru Body
Guild acústica de 12 cuerdas
Fender Stratocaster 60s
Gibson Firebird eléctrica de 12 cuerdas
Martin acústicas de 6 y 12 cuerdas
Dean Hardtail de 6 cuerdas
Jeronimo Peña guitarra clásica española fabricada en Marmolejo (Jaén)

Amplificadores
Marshall vintage Super Lead Plexi 100w amp heads (2)
Marshall 4x12 White cabinets with Altec Lansing speakers (2)
Marshall 4kers
Peavey standard 130 watt amp
Fender Harvard 1x12 amp

Efectos
Roland FV-300H Volume Pedal o Roland FV-100 Volume
VOX 847 Wah Wah pedal o VOX 846 Wah Wah pedal
MXR Distortion plus pedal
MXR 10 band graphic equalizer
MXR Stereo flanger
MXR Stereo chorus
MXR Analog delay o Yamaha Analog delay
Roland Space echo unit o Korg Space echo unit
Maestro Phase Shifter


Discografía

Con Quiet Riot
Quiet Riot - 1977
Quiet Riot II - 1978

Con Ozzy Osbourne
Blizzard of Ozz - 1980
Diary of a Madman - 1981
Tribute - 1987 (en vivo en 1981)



Fuentes: guitarfiero.com, Flickr, cuero-y-cadenas.com, rafabasa.com, michaelorfeo.blogspot.com.es, desparramemental.blogspot.com.es, musicatranquila.blogspot.com.es y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 35


John Lee Hooker


Denominado el "cantante más grande de blues del mundo", John Lee fue mucho más que eso; con más de cien álbumes publicados y a menudo acreditado como co-fundador con Muddy Waters del blues eléctrico, Hooker influyó por lo menos en tres generaciones de músicos de blues y rock: Dr Ross le vio tocar en Detroit en los años cuarenta; The Animals, Yardbirds, Van Morrison y Canned Heat cayeron bajo su embrujo en los sesenta, y Stevie Ray Vaughan y Robert Cray compartieron escenarios con él en los ochenta.

Tras una larga carrera de más de medio siglo, tuvo su momento de mayor popularidad después de cumplir los 70. Diez años después aún seguía actuando y unas semanas antes de morir a los 83 años, tenía prevista una gira por Europa.


Imagen


John Lee Hooker nació el 22 de agosto de 1917 en una granja de Cohama County (Mississippi), muy cerca de la ciudad de Clarksdale; era uno de los once hijos del matrimonio William Hooker y Minni Ramsey.

Sus padres trabajaban como aparceros en una granja de Mississippi y siendo niño, su familia se trasladó a otra granja en una plantación bananera cercana, donde conoció a los bluesman Snooky Pryor y Jimmy Rogers. En 1921 sus padres se separaron y John fue el único hermano que quedó al cuidado de su madre. Su interés por la música surgió pronto y de niño se fabricó un instrumento con una sola cuerda.

Su madre se volvió a casar, esta vez con el músico local de blues William Moore. Hooker relató posteriormente que gracias a él conoció, de pequeño, a leyendas como Blind Lemon Jefferson o Charlie Patton, que iban de visita a su casa.

Su padrastro le regaló una guitarra y le enseñó a tocar cuando tenía trece años. Moore le enseño los primeros pasos y el pequeño John Lee absorbió el hipnótico estilo monocorde de su padrastro que, a la postre, se convertiría en una de las señas de identidad de su música.

A comienzos de los años treinta, siendo aun adolescente, Hooker dejó el hogar y se encaminó hacia el norte. "La zona del Mississippi de donde venía era como el infierno; Yo quería ser una estrella del blues y sabía que allí no iba a ser posible. Así que recogí mis cosas y puse rumbo hacia el norte".

Primero recaló en Memphis, donde vivió en casa de una tía y trabajó en cines locales; su juventud le ponía bastante difícil el acceso a los clubes y locales de la famosa Beale Street, centro del universo del blues en aquel momento, por lo que Hooker tocaba en la calle o en fiestas que se organizaban en su casa de huéspedes; desilusionado decidió emprender, en 1935, la aventura mas al norte.

Seguidamente se trasladó a Cincinatti, donde cantó en grupos de gospel, algo que le ayudó a ganar experiencia actuando frente a un público, aunque su corazón seguía anclado en el blues. Al contrario que otros músicos de blues, su transición de la música religiosa a la "música del diablo", no causó ningún problema de conciencia a Hooker.

A mediados de los años treinta, se instaló en Detroit, la ciudad más importante del norte junto con Chicago, donde consiguió un trabajo durante el día como portero de finca, mientras por la noche actuaba en pequeños clubes como el Aphex Bar o el Town Bar, donde poco a poco fue haciéndose un nombre. Aunque muy similar a los primeros blues del Delta, la música de Hooker carecía de métrica. Creó un género propio dentro del blues incorporando a veces un piano boogie-woogie y marcando poderosamente el ritmo con su estilo vocal y rasgueo únicos.

Cuando finalizó la Segunda Guerra Mundial, Hooker seguía en Detroit trabajando durante el día ensamblando coches en una de las factorías de Ford y tocando en los clubes de blues locales por la noche, cuando le surgió la primera oportunidad en su carrera hacia el estrellato.

Elmer Barbee, el propietario de una tienda de discos local, asistió a uno de los shows de John Lee. Impresionado, invitó al músico a su establecimiento, donde grabó algunos temas. Uno de ellos fue "Boogie Chillen", basado en una pieza que solía tocar su padrastro. Barbee estaba más que entusiasmado con él, seguro de que tenían un hit entre manos. Ayudó a Hooker a entrar en contacto con Bernard Bessman de Sensation Records, donde el guitarrista volvió a grabar la canción; como cara B del single estaba "Hobo Blues".





Se publicó en 1948 y, en efecto, fue un gran éxito. "Sonaba por todo el país. Dondequiera que fueras se oía mi canción. En las juke-boxes, los drug-stores y los centros comerciales. Y mientras tanto yo, trabajando en una fábrica. Así que me dije: 'No pienso trabajar más' y me despedí."

No había un blues más primitivo como ese en el mercado. La voz gutural de Hooker estaba acompañada solo por su guitarra fuertemente amplificada y un insistente golpe de tacón."Boggie Chillen" cautivó a todo el mundo y llegó a ser uno de los principales atractivos de los listados de rhythm and blues; consiguió vender un millón de copias.

Un año más tarde Hooker firmó contrato con Modern Records de Los Angeles y recibió un adelanto de 1.000$. Entre 1949 y 1951 grabó tres hits para el sello: "Hobo Blues", "In The Mood" y "Crawlin Kingsnake". Hooker se convirtió entonces en el punto de referencia para la creciente escena blues de Detroit durante su increíblemente prolífico periodo, llevando al guitarrista Eddie Kirkland como su frecuente compañero de dúo.

Otros sellos andaban tras él también y, cuando Modern Records dejó de pagarle sus royalties, comenzó a grabar en otras compañías bajo otros nombres: para King bajo el seudónimo Texas Slim; para Regent como Delta John; con Savoy se hacía llamar Birmingham Sam & His Magic Guitar; el nombre Little Pork Chops fue utilizado en Danceland; para el sello Staff era Johnny Williams; para Gone firmó bajo el nombre John Lee Booker; en Acorn fue conocido como The Boogie Man.

En 1955 acabó su contrato con Modern Records y fichó por la compañía de Chicago Vee-Jay Records, donde permanecería los siguientes diez años. En las grabaciones de esta época, abandonó su sencillo acompañamiento de guitarra por el sonido de una banda completa: Jimmy Reed a la armónica, Eddie Taylor a la guitarra y George Whitehead a la batería.

En 1956 surgieron dos de los temas mas clásicos de Hooker: "Baby Lee" y "Dimples". Sin embargo también se presentaron inconvenientes con los miembros de la banda, pues el sentido de los tiempos de Hooker era muy propio y, por ser marcado con los tacones de sus zapatos, requería que sus compañeros tuvieran grandes orejas.

El sello Vee-Jay presentó a Hooker en diferentes formatos durante los primeros años 60. El tema "No shoes" fue, sorpresivamente, un éxito en 1960 mientras que "Boom Boom" lo hizo en 1962. Estas interpretaciones se acercaban a las canciones bailables del rhythm and blues, beneficiándose por la presencia de algunos músicos pertenecientes a la casa Motown. Pero también había momentos acústicos para acercarse a la naciente fanaticada del folk-blues y también algunos intentos de actualizarse con el rhythm and blues, llegando hasta a presentar coros femeninos y estructuras que, en ocasiones, eran extrañas para Hooker.

Los años sesenta significaron la consolidación del blues tanto en los Estados Unidos como en Europa, donde una nueva generación de músicos buscó su inspiración en Hooker adaptando viejas canciones con ritmos trepidantes. En 1960 apareció en el Segundo Festival Folk de Newport donde grabó el disco "Concert At Newport". En 1962 llegó al viejo continente como integrante del American Blues Folk Festival, iniciando con ello una serie de visitas que le permitieron comprobar que muchos grupos europeos tocaban sus canciones llegando a grabar, en 1965, un disco con los Groundhogs de Tony Mc Phee, aunque antes, en 1964, The Animals realizó un cover de "Boom Boom" que hizo que las ventas de la grabación original se dispararan en los Estados Unidos

A esos años pertenecen canciones que han obtenido el galardón de "piezas maestras", llenas de reminiscencias africanas y de pasión amorosa, como "Don't Turn Me From Your Foor", "When My First Wife Quite Me", "I'm in the Mood", etc. En 1964 Hooker grabó una de sus joyas con Vee-Jay: "Big Legs, Tight Skirt", que fue uno de los últimos registros para esta casa.

Posteriormente hace un extenso recorrido por diversos sellos: Verve-Folkways, Impulse, Chess y BluesWay fueron su hogar entre 1965 y 1966. En 1966 se instaló en el sello ABC, donde grabó discos como "Live At The Café A Go-Go", "Urban Blues" (1968), votado como el mejor álbum de blues del año por la revista Jazz & Pop, y "Simply the Truth" (1969). La reputación de Hooker creció en los Estados Unidos, especialmente dentro del público roquero después del álbum "Hooker’n’Heat", de 1970, al lado de Canned Heat.

También durante esta década, Hooker trabaja cada vez más a menudo con jóvenes músicos de rock, que admiraban su música. En Inglaterra colaboró con John Mayall & The Bluesbreakers y un joven guitarrista llamado Eric Clapton.

En 1972 grabó con otro admirador, Van Morrison, el álbum "Never Get Out Of These Blues Alive". El resto de la década de los años setenta, su vida transcurrió tocando en festivales de jazz como Antibes, Niza, Jean-Les-Pins, Barcelona, etc., y editando algunos discos "Enlless Boogie" (1971), "Never Get Out of These Blues Alive" (1972), "Detroit Special" y "Don't Turn Me From Out Door" (1974).

En 1980 salió en la película "Blues Brothers", interpretando el tema "Boom Boom" en un suburbio. Sin embargo “el hijo del boogie” no se hallaba a sí mismo y durante esta década, sus actuaciones y grabaciones se hicieron más escasas, lo que no era de sorprender, ya que el músico, tras veinte intensos años de trabajo, había cumplido ya los 60.

Sin embargo, su figura volvió al primer plano en 1989 cuando, con 72 años, Hooker grabó un álbum que marcaría el comienzo de su etapa más productiva y de mayor éxito. "The Healer" fue concebido por su agente Mike Kappus e incluía una estudiada lista de insignes colaboradores, entre los cuales se hallaban Carlos Santana, Robert Cray, George Thorogood, Los Lobos, Charlie Musselwhite, Canned Heat y Bonnie Raitt, cuyo dueto con Hooker, "I'm In The Mood", generó el primer Grammy de la carrera de John Lee, tras haber sido nominado en repetidas ocasiones en los años sesenta y setenta.





Las grabaciones de "The Healer" tuvieron lugar en los Russian Hill Studios de San Francisco, y en The Plant, en Sausalito, Cafifornia. El disco obtendría los más altos elogios de la critica y público. Grabado y mezclado en cinta analógica de 15 pulgadas, el álbum posee mejor sonido que cualquier otro registro de Hooker; un gran sonido de guitarras y sobre todo, su inconfundible voz.

Paradójicamente, John Lee Hooker no conoció las ventas millonarias ni la fama hasta la última década de su vida, lo que explica su inusitada actividad en esos años. "The Healer", fue su disco más vendido, y desde entonces publicó otros cinco, el último de ellos "The Best Of Friends", publicado en 1998.

Algunos sellos importantes comenzaron a tener noticia de la creciente demanda de discos de blues y Pointblank firmó con Hooker para lanzar "Mr. Lucky", en 1991, que en esta oportunidad presentaba la colaboración de Albert Collins, John Hammond, Van Morrison y Keith Richards entre otros. Una vez más Hooker descansó en los laureles dejando que sus invitados pusieran la mayor parte en la grabación. Ante el éxito de "Mr. Lucky", otro álbum de Pointblank venía en camino: "Boom boom".

Hooker disfrutó de una buena vida en los años 90. Buena parte de ese tiempo fue en un semi retiro, adquiriendo muchas propiedades en la costa de California. En ocasiones prestó su venerable aunque dura imagen para varios anuncios publicitarios en Estados Unidos. Su rostro apareció también en sellos de Tanzania y su música sirvió de banda sonora para innumerables películas y anuncios televisivos de diferentes países.

En 1995 grabó "Chill Out", disco con el que ganó un Grammy el mismo año en que participó en el Festival por la Libertad del Tibet junto a jóvenes figuras como Smashing Pumpkins, Fugees o Red Hot Chili Peppers. En el disco colaboran junto al maestro: Carlos Santana, Booker T. Jones, Van Morrison y Roy Rogers.

La muerte sorprendió a Hooker pocos días después de su último concierto, en un local de Santa Rosa, California, confirmando el viejo mito del bluesman que se despide agarrado a su guitarra y cantando. "Esto ha sido totalmente inesperado. Tuvo a la audiencia a sus pies tres o cuatro veces el pasado sábado. Le gustaba el contacto con el público, y a pesar de su avanzada edad, no dejó de actuar hasta el final", declaró su agente, Rick Bates, a la agencia Rosebud.

"John Lee Hooker, uno de los más importantes bluesistas de todos los tiempos, falleció plácidamente mientras dormía en la mañana del 21 de junio de 2001, en su casa en San Francisco, a la edad de 83 años. Hooker influenció a incontables generaciones de músicos e inspiró a fanáticos musicales alrededor del mundo durante sus casi 60 años de carrera. Fue bien amado por millones de personas y lo extrañaremos enormemente. Agradecemos a todos por sus condolencias. Atentamente, la familia de John Lee Hooker."

Con este comunicado, algo escueto, la familia de John Lee Hooker anunció su fallecimiento.

La desolación que su pérdida causó en el mundo de la música la expresó como nadie uno de sus más rendidos admiradores, el cantante irlandés Van Morrison: "Es difícil acostumbrarse a un mundo sin él", dijo. Pocas semanas antes de su muerte, se había publicado su última grabación: una colaboración para el disco de tributo a los Doors, "Stoned Immaculate". En ella superpuso su voz al clásico "Roadhouse Blues", en una inverosímil reunión con otro mito irrepetible, Jim Morrison, conseguida gracias a la tecnología.

Tomado como referente dada su singular voz y su característico estilo para tocar la guitarra -martilleando las cuerdas insistentemente-, a la vez que utilizaba la suela de sus zapatos como percusión, se convirtió en símbolo y emblema del auténtico blues urbano. Él cantaba sobre los barrios aislados de la gran ciudad, sobre el asfalto y los coches que pasan por él, apartamentos en ruinas y cosas por el estilo. Sabía acerca del blues, el rhythm and blues y el funky como nadie. Lograba ser simple y dramático a la vez, con un rico e intenso sonido vocal de entonación profunda y grave.

Poseía una enorme habilidad para escribir las letras de sus canciones - dada la facilidad con la que improvisaba -, las cuales siempre estaban basadas en historias de la vida reales, tanto propias como de otras personas. Su particular modo de verso libre incorporaba estrofas irregularmente y no se preocupaba demasiado por la rima, sino que se apoyaba en el uso de compases recurrentes en su historial musical por su característico ritmo y fuerza electrizantes. A pesar de ello, en ciertas ocasiones recurrió a los modismos de la comunidad negra como el "slang" y las palabras con doble sentido, tan en uso para los músicos de blues del sur de los Estados Unidos.

Un músico que desafió los parámetros tradicionales del blues ya sea en banda o en solitario las estructuras básicas las salteaba como el mejor.

Trajes negros, gafas oscuras, sombrero de fieltro y camisas chillonas que enfundaban esa voz ronca y profunda, capaz de narrar las historias mas increíbles (haciéndolas creíbles), eran su carta de presentación, con el agregado de un rostro con secuelas de años difíciles en Detroit .

Eric Clapton dijo de él: "Cuando era joven, recuerdo haber escuchado a John Lee Hooker en disco, imaginé que era un hombre de dos metros de altura, que podía cargar el tronco de un árbol y que todos los días desayunaba un pollo entero; años después lo conocí y se trataba de un hombre, más bien, menudo; entonces lo vi tocar y me pareció más grande de lo que imaginaba años atras."


Discografía

I'm John Lee Hooker (1959)
Sings Blues (1961)
Burning Bell (1964)
Live at Newport (1964)
The Real Folk Blues (1966)
That's Where It's At! (1969)
Hooker'n Heat (1971)
The Cream (1978)
The Healer (1989)
Hobo Blues (1990)
Boom Boom (1992)
Mr Lucky (1992)
Chill Out (1995)
It Serves You Right to Suffer (1996)
Live at the Café Au Gogo (and Soledad Prison) (En vivo - 1996)
Don't Look Back (1997)
More real Folk Blues: The missing album (1999)
Rock with Me (2003)
Face to Face (2004)
Live 1964 in San Francisco (2004)

Recopilatorios
Blues Brother (1992)
Boom, Boom (1992)
The Very Best of (1993)
The Legendary Modern Recordings (1993)
Rock House Boogie (1999)
Too much Boogie (2002)
The Complete, Vol. 1 - Detroit 1948-1949 (2003)
The Complete, Vol. 3 - Detroit 1949-1950 (2003)
The Complete, Vol. 4 - Detroit 1950-1951 (2003)
Blues Kingpins (2003)
Classic American Voices (2003)
Boom Boom and Other Hits (2003)
Alone Vol. 2 (2003)
The Collection 1948-1952 (2003)
The Complete, Vol 5, Detroit 1952-1953 (2004)
Low Down Midnite Boogie (2004)
The Best of John Lee Hooker Vol. 1 (2004)
Jack'O'Diamonds (2004)
The Very Best of John Lee Hooker: I'm the Boogie Man (2004)
Down Home Blues (2004)
Rising Sun Collection: John Lee Hooker 1977 (2004)
The Best of John Lee Hooker: I Feel Good (2004)
I'm a Boogie Man: The Essential Masters 1948-1953 (2004)
Plays the Blues (2004)
Boogie and Blues (2005)
Blues from the Motor City (2005)
Legend: The Best of John Lee Hooker (2005)
The Complete John Lee Hooker Vol. 6 - Detroit, Miami, 1953-1954 (2005)
Bluesman: Collectors Edition (2005)
Black Cat Blues ( 2005)
Old Time Shimmy (2005)
My Dusty Roads (2005)
36 Blues Masterpieces (2005)
The John Lee Hooker Collection (2005)
Anybody Seen My Baby (2006)
Blues Biography (2006)
Story Songs and Voices of the Blues (2006)
Speciality Profiles (2006)
Mastercuts (2006)
John Lee Hooker and Friends (2007)
Down Child (2007)
Gold (2007)
18 Greatest Hits (2007)
Blues is the Color (2007)
Don't Turn me from your Door (2008)
The Intro Collection (2008)
Only the Best of John Lee Hooker (2008)
Anthology: 50 Years (2009)
Live at Soledad Prison - Never Get out of This Blues Alive (2009)



Fuentes: lacasadelblues.com.ar, Flickr, historiasdelblues.wordpress.com, badmusictv.blogspot.com.es, componemos.com, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, es.paperblog.com, lluviadeestrellasenlaloberia.blogspot.com.es, es.paperblog.com y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Vicman »

SACRILEGIOOOOOOOOOO
Por dios Mark Knopfler en el puesto 44 ????????'

Sacrilegioooooooooooooo


P.D. Enhorabuena por la currada, EXPECTACULARRRRRR
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

Vicman escribió:P.D. Enhorabuena por la currada, EXPECTACULARRRRRR


Muchas gracias!!! La verdad es que sí, es una currada :^^!: :^^!:
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 34


Curtis Mayfield


Curtis Mayfield fue el "Profeta del Soul", el poeta de la lucha por los derechos civiles, el portavoz de los desheredados del sueño americano. Sus canciones, soberbios himnos de compromiso, delicadeza y hermandad, arrullaron los sueños de quienes aún se sentían ciudadanos de segunda y luchaban por una sociedad sin fronteras raciales: piezas estremecedoras como "Keep On Pushing", "Choice Of Colors", "Gypsy Woman", "It’s Allright", "Move On Up" o la inmortal "People Get Ready".

Sus discos, al frente de The Impressions o en solitario, son una deslumbrante fantasía de sonrisas negras, que impregnaron de suaves tonalidades espirituales la banda sonora del amanecer de los derechos civiles del pueblo negro norteamericano.


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Curtis Mayfield Lee, nació el 3 de Junio de 1942 en Chicago, Illinois, en el seno de una familia humilde. Su infancia se fue desarrollando en la misma medida que crecía su amor por la música. Como muchos niños de su época que vivían en Chicago, su primer contacto con la música venía de las canciones gospel que se cantaban en la Iglesia, donde su abuelo había sido predicador. A los diez años comenzaba a tocar la guitarra de manera autodidacta y a escribir sus primeras canciones.

En 1957, Curtis terminaba sus estudios en el instituto y hacía sus pinitos como guitarrista y cantante del grupo The Alphatones. Jerry Butler, entretanto, acababa de abandonar The Quails para incorporarse a The Roosters, un trío vocal recién llegado de Chattanooga, Tennesse, e integrado por Sam Gooden y los hermanos Arthur y Richard Brooks. Convencido de que necesitaban un buen guitarrista/cantante que apoyara instrumentalmente al grupo, además de reforzarlo en la parte vocal, Butler recurrió a su viejo amigo del coro gospel, Curtis Mayfield.

Rebautizado como The Impressions por su manager Eddie Thomas y próximo a la mejor escuela gospel-doo-wop, el quinteto decidió llamar a la puerta del más importante de los sellos locales de música negra. Dicho y hecho, una gélida mañana de mayo de 1958, con las calles de Chicago cubiertas de nieve, Curtis, Jerry, Sam, Arthur y Richard dirigieron sus pasos, cargados con el amplificador y la guitarra, a las oficinas de Chess Records, dispuestos a interpretar en directo sus últimas creaciones, entre las que cabe destacar “For Your Precious Love”, una balada original de Butler y los hermanos Brooks,

Pero al llegar a la sede de la compañía Chess, una secretaria les dijo que en aquel momento no había nadie que pudiera atenderles, así que los cinco Impressions decidieron cruzar la calle y llamar a la puerta del 1149 de South Michigan Avenue, sede de Vee-Jay Records, dirigida por Eart Abner Jr., James Bracken y los hermanos Vivian y Calvin Carter. Este último recuerda que “poco después de que llegaran, ya habían interpretado cinco o seis números y todos eran muy buenos, aunque ninguno sonaba en mis oídos como dinero-en-el-banco. En un descanso, les sugerí que cantaran algo diferente a lo que habitualmente hacían en público, Uno de ellos dijo: ‘¡Hey!, ¿qué tal ese espiritual que hemos estado trabajando estos días?’. Los demás se lo pensaron un poco, pero al final se decidieron e interpretaron "For Your Precious Love", justo lo que yo estaba buscando”.

En junio de 1958, Vee-Jay publicó "For Your Precious Love" en la subsidiaria Falcon a nombre de Jerry Butler & The lmpressions. En menos de dos semanas, el single había vendido 150.000 copias y hoy es considerada la primera gran balada soul de la historia, el bautizo artístico y comercial definitivo de The Impressions. Por desgracia, también se convirtió en el primer gran motivo de discordia en el seno del grupo, descontento con el papel excesivamente protagonista asignado a Jerry Butler por los ejecutivos de Vee-Jay.

Así que, tras dos nuevos –y fallidos– singles ("Come Back My Love’ y "The Gift Of Love") en el subsidiario Abner de Vee-Jay, Jerry Butler abandonó el quinteto y fichó como solista por la compañía de Vivian Carter. En sustitución de Buttler, entra en el grupo Fred Cash, quién ya había sido miembro de The Roosters.

Sin Butler, y con Mayfield ocupando un discreto segundo plano, se planteó una crisis de identidad en el seno del grupo, que embarrancó, incapaz de encontrar una línea estilística definida, con mediocridades escritas por los hermanos Brooks, como "Love Me" y "Believe In Me".

A finales de 1958 abandonaron Vee-Jay y registraron el hoy buscadísimo single "Listen To Me" / "Shorty’s Gotta Go" en el pequeño sello Bandera. También grabaron otro single, "Don’t Leave Me" / "I Need Your Love", en la pequeña compañía Swirl, con idéntica (nula) repercusión comercial. Parecía que había llegado su fin cuando, felizmente, Curtis y Jerry se reconciliaron e iniciaron una corta pero fructífera colaboración –el primero como compositor y el segundo como intérprete–, que se tradujo en tres fantásticos singles editados entre 1960 y 1961 por Jerry Butler ("He Will Break Your Heart", "Find Another Girl" e "I’m A Telling You"): las primeras e inspiradísimas manifestaciones de la deslumbrante personalidad de Curtis Mayfield.

Recuperado comercialmente y reconocido por fin como líder indiscutible de The Impressions, Mayfield decidió llevar el grupo a Nueva York, en 1961, para probar fortuna en el sello ABC-Paramount con "Gypsy Woman", una hermosa y exótica composición de aire aflamencado –castañuelas incluidas– y textos infectados de misterio y poesía (“Ella se mueve encantadora, sus ojos parecen los de un gato en la oscuridad”), acariciada por su cálido e inconfundible falsete.

Acertó de pleno, colocó el single en número dos de las listas de rhythm & blues y situó a The Impressions en inmejorable posición para afrontar los siguientes pasos de su carrera. Pero después de registrar cuatro singles más en Nueva York, sin que ninguno de ellos consiguiera el impacto de "Gypsy Woman", los hermanos Brooks optaron por abandonar el grupo –realizaron su última intervención con el tema "I’m The One Who Loves You"– y afincarse en Nueva York. A fines de 1962, The Impressions, reducidos a trío (Curtis Mayfield, Sam Gooden y Fred Cash), regresaron a Chicago para ponerse a las órdenes del productor Johnny Pate y afrontar la que sería la edad de oro del soul de Chicago.

De nuevo en casa, Curtis dividió su talento entre los discos con The Impressions y las producciones para otros artistas nativos de Chicago o afincados en esta ciudad. Así, en enero de 1963 escribió y produjo para la vocalista de Mississippi Jan Bradley, el single "Mama Didn’t Lie", un oscuro clásico editado por Chess que llegó a entrar en el Top 10.

Al mismo tiempo, reclutado por Carl Davis –uno de los nombres importantes en el desarrollo del soul–, inició una celebrada carrera como compositor y productor para el sello Okeh, subsidiario “negro” de Columbia, que los responsables de la multinacional se habían empeñado en reflotar. Lo consiguieron mientas contaron con los servicios de Davis y Mayfield, que pivotaron un catálogo sensacional con artistas de la categoría de Major Lanxce, Walter Jackson, The Opals, The Artistics, Gene Chandler y Billy Butler & The Enchanters.

En mayo de 1963, The Impressions se pusieron de nuevo en manos del productor Johnny Pate y registraron el single "Sad Sad Girl & Boy", el primero de su nueva etapa en la ciudad del viento. No ocurrió nada, pero cinco meses después se hizo la luz con "It´s All Right", una de las obras maestras del gospel-soul espiritual y sensitivo, glorioso anticipo de la impresionante colección de gemas nacidas de la pluma de Curtis Mayfield y elevadas a los altares por The Impressions entre 1964 y 1969.

La primera de todas fue "I’m So Proud", inspirada en el clásico "That’s The Way Love Is", de Bobby Bland, e incluida en su fantástico segundo LP, "The Never Ending Impressions” (1964), en la que ya puede adivinarse el insobornable compromiso de su autor con el Movimiento por los Derechos Civiles del Dr. Martin Luther King.

El mismo año editarían otro álbum, "Keep On Pushing" en el que se destacaría la canción que da nombre al disco, basada en una vieja melodía gospel y con unos textos combativos que suplantan el carácter meramente religioso del original. En lugar de “Dios me dio su fuerza”, Mayfield escribió: “Haré acopio de todas mis fuerzas y juntos seguiremos empujando”, arengando a sus compañeros de raza para que no se dejaran vencer por las dificultades o la autocomplacencia y reclamaran con fuerza el lugar que les correspondía en la sociedad civil (este tema se convertiría en el tema insignia del movimiento de los derechos civiles liderado por Martin Luther King).

El disco contenía otros títulos como "Amen", viejo espiritual extraído de la banda sonora del film "Lilies Of The Field", de Sidney Poitier que llegó a la cima de las listas de éxitos americanas en 1965 y representó un cambio en la manera de escribir canciones de Mayfield: a través del gospel llegó la denuncia social; y "Talking About My Baby".

En 1965 llegaría un nuevo trabajo "People Get Ready"; la canción que bautizaría este álbum, se convertiría en el más maravilloso de los himnos en pro de la liberación del pueblo afroamericano: "La gente está preparada, hay un tren a punto de partir / No necesitamos ningún equipaje para subirnos a él! Lo único que nos hace falta es fe, para escuchar el ruido de los motores / No necesitamos billete, solo damos gracias a Dios."





"People Get Ready" además, en una de las canciones más recordadas y versionadas de todos los tiempos; ha sonado en las voces de artistas como Aretha Franklin, Bob Dylan, George Benson, Al Green, Rod Stewart y Alicia Keys (en la banda sonora de "Glory Road"). También destacan en el álbum temas como "You Must Believe Me" y "Woman's Got Soul", hermoso alegato por los derechos de la mujer.

Ese mismo año registrarían un nuevo trabajo, el álbum "One By One", integrado principalmente por covers.

La escena soul de Chicago –Chess, Vee-Jay, Okeh– recuperó el pulso al compás de los éxitos de Curtis Mayfield y The Impressions. El mismo Curtis fundó un par de sellos: Mayfield Records, cuyo mayor éxito fue el tema "Girls Are Out To Get You’, de The Fascinations; y Windy C., que publicó seis magníficos singles de The Five Stairsteps y uno de June Conquest –quien formaría con Donny Hathaway, en 1969, el dúo June & Donny, de nuevo bajo los auspicios de Curtis Mayfield–.

"Ridin' High" fue editado en 1966. Un gran disco, sin duda alguna. El LP empieza con una genial "Ridin' High", que sirve para engancharse con fuerza al álbum, le siguen el tema "No One Else", más suave que la anterior, y entonces es cuando llega uno de los dos temas mejores, el genial "Track Gotta Get Away" y "Too Slow".

A fines de 1967, tras la edición del álbum "The Fabulous Impressions", el trío ocupó de nuevo el número uno de las listas con "We’re A Winner", orgulloso grito de afirmación racial publicado ocho meses antes que el "Say It Loud-I’m Black And I’m Proud", de James Brown, y cuya emisión fue vetada en numerosas cadenas de radio norteamericanas.

En 1968 se publica "We're A Winner", con el que sin dejar de lado las canciones dulzonas, seguirían profundizando su compromiso social e instalando el sonido del Chicago Soul, por fuera del circuito y compitiendo con las propuestas de los sellos Motown y Stax, que se repartían la gran mayoría de los artistas afroamericanos de la época. "We're A Winner" fue el primero de sus discos que tuvo relación con la realidad afroamericana. Aunque ese primer comentario social no era nada agresivo (sobre todo comparado con los futuros trabajos de los años setenta) muchas emisoras americanas lo censuraron.

Mayfield declaró al respecto, algunos años más tarde, en la revista inglesa Melody Maker: "Cuando haces este tipo de declaraciones a la fuerza chocas con programadores radiofónicos que te explican que lo que estás diciendo no es lo que el público quiere oír. iA pesar de que tus declaraciones sean verdaderas!. Creo que "We're A Winner" es una canción en la que cada uno puede reconocerse, quien quiera que tenga un mínimo de orgullo humano al menos, y sobre todo las minorías que viven ese género de problemas". "We're A Winner" fue el último trabajo grabado por The Impressions para ABC.

Entonces Curtis Mayfield y su viejo colega Eddie Thomas fundaron el sello Curtom y aprovecharon la expiración del contrato de The Impressions con ABC para incorporarlos a su recién estrenado catálogo. En 1968 lanzan "This Is My Country" ya bajo el sello Curtom Records y con una de las mejores canciones de su líder, la memorable "Fool For You". Este es primer trabajo de Curtis como productor.

Al año siguiente registran "The Versatile Impressions", un último trabajo para cerrar su vínculo con Paramount Records. Liberados de su viejo contrato, grabarían a los pocos meses nuevamente para Custom Records. El resultado fue "The Young Mods' Forgotten Story" en el que se destaca el ritmo funk de "Mighty Mighty (Spade & Whitey)" y la bellísima "Choice Of Colors", rutilante banda sonora del amanecer de los derechos civiles del pueblo negro. Este sería el último trabajo que Curtis grabaría al frente del grupo.

En agosto de 1970, Curtis decidió abandonar The Impressions y continuar su carrera en solitario, aunque todavía siguió tutelando la carrera del grupo durante algún tiempo. En septiembre de 1970, en una entrevista concedida a John Abbey, editor de la revista británica Blues & Soul y futuro fundador del sello Ichiban, confesó. “En realidad no me fui de The Impressions; solo dejé de actuar en sus conciertos, pero continué grabando con ellos durante una temporada. Pensé que si Curtom iba a triunfar, como nosotros presumíamos, yo debía dedicar más tiempo al trabajo creativo en el sello y eso podría repercutir negativamente en el grupo. Por eso decidí apartarme”.

Curtis ya distanciado de The Impressions inicia su carrera solista, incrementando el contenido político-social en sus letras, incorporando un sonido más urbano, funk, psicodélico e incluso mostrando ciertos aires afro-latinos en su música, donde las percusiones y los bronces cobran un protagonismo especial, realzando aún mas el punzante y estilizado sonido de la guitarra de Mayfield.

Su álbum debut en esta nueva etapa llegaría en 1970 y se llamaría simplemente "Curtis", como si estuviera dando un manifiesto de todo lo que vendría de ahora en adelante en su música. Este álbum se registró a través de su sello Curtom Records. A partir de este momento su carrera tendría el control absoluto, dejando crecer aún más su rol de productor y arreglador que ya había mostrado en los discos finales con The Impressions.

Todo lo que significa el soul está en una canción como "Move On Up": pasión emocional, voces educadas, preciso andamiaje rítmico en la mejor tradición negra, vientos sincopados y cortantes, guitarras barrocas dibujando el mapa de los sentimientos, mensajes de orgullo racial: “Cállate, hijo mío, no llores. Tu gente tendrá que entenderte. Sigue adelante hacia tu destino, lucha contra las complicaciones que te encontrarás por el camino”.

Curtis abre el álbum dirigiéndose a todas las audiencias –”¡Hermanas!, ¡negros!, ¡blancos!, ¡judíos!”– y continúa arrojando su mensaje contundente al rostro de la sociedad norteamericana con la canción "(Don’t Worry) If There’s A Hell Below We’re All Gonna Go" -"(No te preocupes) si hay un infierno allí abajo, todos iremos a él"–. Es una canción que sorprende al público: un texto de ataque frontal, impensable para The Impresions, y una música igualmente agresiva con un bajo potente, una guitarra eléctrica "chillona" y el manto hipnótico de las congas de Henry Gibson.

La dureza formal da paso, enseguida, al borbotón lírico de "The Making Of You’, una bellísima declaración amorosa que recuperaría, años después, para la banda sonora de "Claudine" en las voces de Gladys Knight & The Pips. Otro de los temas inolvidables del álbum es "We People Who Are Darker Than Blue", un encendido llamamiento a la unión del pueblo negro en pos del objetivo común de la igualdad de derechos.

Pero "Curtis" es mucho más que una serie de alegatos más o menos poéticos o militantes: es la primera manifestación adulta del soul moderno, unos meses anterior al "What’s Going On", de Marvin Gaye, y la armoniosa declaración de principios de un hombre comprometido con su tiempo. Una sinfonía de sonrisas negras arrulladas por un luminoso enjambre de violines, guitarras, vientos y percusiones, el germen de la poesía y de la solidaridad abonado con la magia del soul: la materia de la que están hechos los sueños.

El éxito ya era un hecho, pero Mayfield quería evolucionar. Disminuyó las actuaciones en directo y se concentró en la búsqueda musical y al año siguiente, en 1971, edita un doble en directo, "Curtis/Live!", grabado en el Bitter End de New York, en el que están presentes viejos éxitos con The Impressions y temas nuevos. Precisamente con uno de estos, "Stone Junkie", Mayfield chocó de nuevo con la censura radiofónica. Pero el camino a emprender ya estaba decidido: Curtis Mayfield abandonó los arreglos demasiado enfáticos y sinuosos, en favor de la pura agresividad. Frente a las producciones sofisticadas habituales de Curtis, su directo resulta sencillo, cuenta sólo con su guitarra (ocasionalmente una segunda), bajo, percusión y batería. La mayoría de los singles del álbum se convertirán en sucesivos éxitos en las discotecas británicas, en las que el artista empieza a ser el ídolo del momento.

De vuelta en América tras una gira europea, Mayfield grabó su segundo álbum en solitario en 1971 utilizando casi todos los músicos que le habían acompañado en la primera aventura. El nuevo álbum, "Roots", es un paso adelante con respecto al soul hacia un extravagante híbrido de rock y funk. Sólo una de las canciones que forman el álbum dura menos de cuatro minutos, todo el resto refleja la tendencia del rock a las improvisaciones largas y libres. La guitarra distorsionada vuelve a ponerse en evidencia en temas como "Underground", donde además sustituye a las frases musicales del saxo, instrumento fundamental del soul.

Para "Roots" Mayfield llama al arreglista de The lnnpressions, Johnny Pate, y para los coros, a Leroy Houston, el cantante que lo había sustituido en el viejo grupo. A pesar de la espléndida música, el single extraído, "We Got To Have Peace", fue casi un fracaso. Cuando todo parecía complicarse, Curtis Mayfield se encontró con un comodín en las manos: en 1971 le encargaron la banda sonora "Superfly".

"Superfly" es su herencia artística, pieza clave en el canon del soul; es fervorosamente reconocida por una legión de fantásticos guitarristas, desde Ernie Isley hasta Vernon Reid, y por la práctica totalidad de los miembros de las comunidades del soul y el hip hop.

"Superfly" fue la primera banda sonora compuesta por el profeta del Soul y también su mayor impacto comercial. Soul-funk impresionista y con temas demoledores del calibre de "Freddie’s Dead", "Little Child Runnin Wild", "I'm Your Pusherman" y "Superfly". Música intensa y textos callejeros: “Tengo caballo hasta en los huesos. Lo siento. Hijo, pero te has quedado sin blanca. Por pagar tantos placeres estoy en las últimas. Creo que ya va siendo hora de emprender otro viaje… No se puede razonar con un camello, sólo entiende de dinero”.

La película y, sobre todo, la música, fueron un éxito: el justo equilibrio entre canciones y temas instrumentales, la introducción de elementos funk y los textos de Mayfield eran un acertado contrapunto a las violentas escenas de la película. Curtis también aparecía en la película, cantando "I'm Your Pusherman" en un night-club, y el single extraído "Freddie's Dead", obtuvo una nominación para el Oscar.

Sin embargo aunque el éxito estaba garantizado y la dirección parecía adecuada, en su nuevo álbum de 1973, "Back To The World", Mayfield parecía abandonar definitivamente los acentos rock en favor de melodías enriquecidas por secciones de viento y de arco. El funk era más dulce y la melodía más atrayente, aunque los textos seguían teniendo un gran interés: "Back To The World" narra el problemático regreso a casa de un veterano del Vietnam, y "Future Shock" desarrolla el tema preferido de Mayfield, el futuro de la población negra en América.

1974 sería un año muy prolífico para Mayfield. Arrancaría con su cuarto álbum de estudio, "Got to Find Away", luego produciría la banda sonora de la película "Claudine", en el que Gladys Knight & The Pips interpretarían sus composiciones. Finalizaría ese mismo año con la grabación de "Sweet Exorcist", que cuenta con la presencia del magnífico músico Donny Hathaway, y que incluye el inmejorable funky de "Kung Fu".

En 1975 produciría una nueva banda sonora, "Let's Do It Again", sus composiciones esta vez serían interpretadas por The Staple Singers. También grabaría un nuevo trabajo, "There's No Place Like America Today". En este álbum brilla la canción "Billy Jack" y la balada "Son in Love".





En 1976 publica "Give, Get, Take And Have". En el destaca de sobremanera el tema "Only You Babe", una canción que bien podría haber sido compuesto por el mismo Prince quince años después y "Party Night" mostrando un sonido que se acerca al sonido Disco. Dedica el resto de su tiempo a la producción del LP "Sparkle" con Aretha Franklin (que incluye una versión del tema de Mayfield, "Never Say You Can't Survive").

1977 fue otro año agitado para Curtis, que ya nos estaba acostumbrando a tanta productividad artística. Produce con diferencia de pocos meses dos bandas sonoras. La primera corresponde al film "A Piece Of The Action", y la encontraría produciendo a Mavis Staples. La otra pertenece a la película "Short Eyes", con la voz de Gladys Knight y en la que el cantante y guitarrista también interpretaba un pequeño papel.

En 1978 vuelve a producir un trabajo de Aretha Franklin, "Almighty Fire", y sale a las pistas y registra un disco decididamente influenciado por los sonidos disco que imperaban esos tiempos, hablamos de "Do It All Night". Este disco y el del año siguiente, "Heartbeat", constituirían un fracaso y Mayfield entró en crisis. Se lanzó a esporádicos flirteos con la música disco y después intentó un dúo con la cantante Linda Clifford en "The Right Combination".

Las dificultades del sello Curtom le llevan a la discográfica RSO que insiste en que utilice un productor para su nuevo álbum. Su relación con la RSO concluirá con la edición, en 1980, de "Something To Believe". Esta vez también le abandonó la crítica, Mayfield permaneció durante un cierto tiempo en silencio pero después regresó a lo grande con el rico álbum de 1982 "Honesty", grabado para la compañía Boardwalk. Disco que significará el final de su contrato con la discográfica, por la crisis de ésta.

Curtis parecía recuperar la brillantez de sus inicios: un intenso y sofisticado cantante soul con una visión particular de los temas sociales y, en 1983, se junta con los miembros originales de The Impressions (Buttler, Gooden y Cash) y realizan una mágica gira reunión donde pondrían en acción la cápsula del tiempo, para revalorizar sus viejas canciones.

Mayfield crea su propio sello, CRC, debido a la total desaparición de Curtom y edita en 1985, "We Come In Peace With A Message Of Love".

En 1987 graba con el grupo inglés The Blow Monkeys, "Celebrate", tema marginado por la BBC al contener en su letra ataques contra el primer ministro de las islas en plena campaña pre-electoral. Realiza giras por Inglaterra, Suiza, Australia, Alemania, Holanda y Francia en 1987, de las que sale el álbum "Live in Europe".

En 1990 después de cinco años de ausencia de los estudios, regresa para a registrar "Take It To The Streets". Ese mismo año se filma "The Return of Superfly", en el que Curtis Mayfield participa en su banda sonora.

En Agosto de 1990 la tragedia golpea la puerta de Curtis. Durante un concierto en Brooklyn, una ráfaga de viento le jugó una mala pasada derribando una torre de iluminación sobre él, dejando paralizado gran parte de su cuerpo. A partir de ese momento Curtis realizó un enorme esfuerzo sin resultados para tratar de rehabilitarse. A pesar de los magros resultados, su fe y entereza se mostraron inquebrantables, participando en fundaciones para ayudar a proyectos de investigación para la cura de la parálisis.

En 1994 su figura se agiganta y recibe un merecido álbum tributo de artistas de la talla de Eric Clapton, Phil Collins, Stevie Wonder, Aretha Franklin, B.B. King, Bruce Springsteen, Whitney Houston, The Isley Brothers y Lenny Kravitz, entre otros. En 1996, el sello Rhino saca a la venta un box set retrospectivo de Curtis, "People Get Ready!" que abarca parte de su período con The Impressions y lo más trascendente de su carrera solista. El tema "Let's Do It Again" -interpretado por The Repercussions- cuenta con la propia voz de Curtis, su primera intervención discográfica desde el accidente.

En 1997 entraría nuevamente al estudio para registrar su último álbum "New World Order". Si bien no pudo tocar la guitarra, se encargó de componer, arreglar y dirigir la grabación del mismo. Sus voces fueron grabadas minuciosamente, mientras estaba recostado sobre su espalda. En 1998 le amputaron su pierna derecha a causa de la diabetes. Ese mismo año, tuvo el gran reconocimiento a su labor como solista ingresando al Rock & Roll Hall Fame (ya había ingresado con The Impressions).

Un 26 de Diciembre de 1999 en Atlanta, Curtis abandona este mundo. Falleció a los 57 años, en el Hospital Regional North Fulton en Roswell, Georgia, debido a la disminución constante de su salud después de su parálisis.

La profundidad de sus sentimientos, la firmeza de sus convicciones, la elegancia de sus canciones, son el más digno pasaporte para la inmortalidad que pueda encontrarse en la historia de la música popular de las seis últimas décadas. Lo dijo Stevie Wonder y hoy sigue siendo una verdad transparente: “Mientras existan el amor y los sentimientos, el júbilo del orgullo racial, las canciones con melodías inolvidables y la lucha por los derechos humanos, todos necesitaremos la música de Curtis Mayfield”.

Curtis Mayfield se convirtió en el artista soul más trascendente en su discurso. Su constante búsqueda de un mensaje que invitara a la concienciación y al respeto de los derechos propios y ajenos, lo situó en el lugar de referente de toda una generación. Su obra musical fue la banda sonora de su ideología y su guitarra, su incondicional aliada.


Discografía

Con The Impressions
The Impressions (1963)
The Never Ending Impressions (1964)
Keep on Pushing (1964)
People Get Ready (1965)
One by One (1965)
Ridin' High (1966)
The Fabulous Impressions (1967)
We're a Winner (1968)
This Is My Country (1969)
The Versatile Impressions (1969)
The Young Mods' Forgotten Story (1969)
Check Out Your Mind! (1970)

En solitario
Curtis (1970)
Curtis/Live! (1971)
Roots (1971)
Super Fly (1972)
Curtis in Chicago (1973)
Back to the World (1973)
Got to Find a Way (1974)
Sweet Exorcist (1974)
Let's Do It Again (1975)
There's No Place Like America Today (1975)
Give, Get, Take and Have (1976)
Never Say You Can't Survive (1977)
Short Eyes (1977)
Do It All Night (1978)
Heartbeat (1979)
The Right Combination (1980)
Something to Believe In (1980)
Honesty (1983)
We Come in Peace with a Message of Love (1985)
Live in Europe (1987)
Take It to the Streets (1990)
BBC Radio 1 in Concert (1994)
Live in New York City (1994)
Live (1994)
Live at the Bitter End (1995)
New World Order (1996)
Live at Ronnie Scott's (2001)
Mayfield: Remixed (2005)



Fuentes: shockposttraumatico.blogspot.com, Flickr, efeeme.com, mcnbiografias.com, ilpollioqcacarea.blogspot.com.es, rtve.es, historiasderock.es.tl y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 33


Prince


Creo con toda determinación que uno de las razones por las que Prince no está considerado un auténtico guitar hero para la gran masa guitarrera, es precisamente su extraordinario talento con los más de veintisiete instrumentos que este músico puede tocar con la misma versatilidad, y porque nunca ha enfocado todos sus esfuerzos en nuestra amiga de las seis cuerdas. Pero su solo en "Purple Rain" es uno de los más reverenciados de la historia de la música -aunque no se por qué razón fue el de "Little Red Corvette" el elegido como uno de los cien solos de guitarra mas importantes de la historia, según Guitar World, pero bueno esto de las listas ya se sabe- y toda una lección en el control del timing, la resolución y el feeling. La película que llevaba el mismo título, fue la guinda a una carrera fulgurante que catapultó a Prince a la categoría de estrella.


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Con sólo 153 centímetros de altura pero la furia de un gigante, ha alcanzado la categoría de mito viviente, casi una leyenda: productor, compositor; músico capaz de tocar cualquier instrumento excepto los de viento y la guitarra, como casi nadie en la actualidad; renovador del género de la música de baile, que no fue la misma desde su llegada; inventor de técnicas de estudio y tratamiento del sonido de las que todos estaban pendientes para copiarlas; referencia incontestable durante los años ochenta y autor de una veintena de discos de estudio y muchos más proyectos que no cristalizaron o editó bajo seudónimos, es casi imposible reducirlo a un texto introductorio como pretende ser esta entrada.

Acaso en estos tiempos amnésicos hayamos olvidado los discos sorprendentes y narcóticos que Prince nos regaló entre 1981 y 1988. Tal vez nos hayamos quedado con las peloteras contractuales que le llevaron a adoptar un extraño símbolo como nombre, a actuar con la palabra “esclavo” pintada en la cara y a las risas que provoca la mención de sus seudónimos-disfraz: El Artista antes conocido como Prince (las siglas en inglés parecen pensadas para que no duerman los niños: TAFKAP) o El Artista.

Prince Rogers Nelson nació el 7 de junio de 1958 en el hospital Monte Sinaí en Minneapolis, Minnesota. Su padre, llamado John L. Nelson, músico aficionado, formaba parte de un grupo de jazz llamado Prince Rogers Trio, del cual tomó el nombre para su hijo. En él conoció a Mattie Shaw, cantante del grupo con la que se casó y que se convirtió en la madre de Prince.


Teniendo en cuenta de que en Wikipedia en español podéis leer una biografía suya muy extensa, he decidido aprovechar el post para poner otros datos.


Las guitarras mas usadas por Prince

Símbolo por excelencia de la música moderna, comenzó su evolución hace ya más de medio siglo. A lo largo de tantos años, hemos tenido la oportunidad de ver de todo: guitarras simples, excéntricas, fabricadas en serie como si de muebles se tratase, y otro tipo de instrumentos. Instrumentos cuidados, construidos lentamente, sin dejar nada al azar, para dar cabida a las necesidades de sus propietarios.

Estos instrumentos, podría decirse que tienen personalidad propia y que, como de hecho han demostrado, se merecen un espacio en la historia. Hablemos pues de las eternas compañeras de nuestro Artista; ellas han reflejado su evolución y han sido testigos de las más sorprendentes proezas musicales. Entramos en el amanecer púrpura de los instrumentos de Prince.

1976, Central High School, Un joven de color con barba y un llamativo peinado a lo afro, toma lecciones de música con Jim Hamilton, (ex-pianista de la banda de Ray Charles). Con dieciocho años de edad, Prince Roger Nelson se hacía con todos los instrumentos que tenía a su disposición. Toca a la perfección: batería, bajo, guitarra, teclados, diferentes percusiones y hasta veintitrés que afirma en su primer álbum "For You".

Las influencias musicales de nuestro artista: James Brown, Jimi Hendrix o Santana entre otros, nos dan las primeras pistas a la hora de elegir sus guitarras. En esta misma época es posible verlo ensayar con una Fender Stratocaster. Hasta la fecha, nos es imposible determinar si esta guitarra era de su propiedad o si por el contrario era del centro de estudios. Lo que sí podemos saber es que el número de escalas y riffs practicados sobre su mástil llega a ser abrumador.


Fender Stratocaster

Esta guitarra de la mítica compañía Fender comenzó a ser fabricada en 1954, diseñada por el propio Leo Fender y su colaborador Freddy Tavares. La firma Fender, instaurada en Fullerton, California, ya era pionera en la fabricación de guitarras eléctricas de cuerpo macizo con su modelo anterior, Telecaster. La Fender Stratocaster, recogía la línea aerodinámica que estaba de moda en los años cincuenta e insistía en la idea de fabricación en serie. Concepto empresarial por el cual los artistas se "adaptaban" a un instrumento y no al contrario. Lo cual ha promovido cierta "alienación" entre determinados guitarristas.

En este tipo de guitarras podemos encontrar un mástil de arce atornillado paralelamente a un cuerpo formado por tres secciones de fresno o aliso (en el caso que nos ocupa). Tres pastillas de bobinado simple, una de ellas en posición oblicua, son las responsables de su característico sonido. La novedad que encontramos en este modelo frente a su hermana menor, la Telecaster, a parte del número de pastillas, lo encontramos en el puente, pues este va dotado de una unidad de vibrato, diseñada especialmente por Fender, que tiene la virtud de bajar de tono las cuerdas mediante una palanca.

Podemos destacar de esta guitarra la longitud de escala, pues es superior a las de sus compañeras posteriores. (Longitud de escala es el término que hace referencia a la distancia entre el puente y el cuello de la guitarra: el largo de cuerda.) No podemos olvidar que esta guitarra ha conseguido la fama y el renombre hasta nuestros tiempos de la mano del Dios de la guitarra: Jimi Hendrix. Su predilección por esta guitarra no era por otra razón, sino por los recortes del cuerpo, pues, recordemos que era zurdo y que por aquel entonces no se encontraban fácilmente guitarras para zurdos y mucho menos a última hora, pues solía perderlas habitualmente.


Gibson L65 Deluxe

La segunda guitarra que tenemos la posibilidad de ver junto al artista en esta misma época, quizá un poco más adelante, es una bella a la par que austera (al menos en sus orígenes) Gibson L6S Deluxe. Esta guitarra, en su versión básica, fue diseñada y promocionada por el mismísimo Carlos Santana en 1973.

La compañía Gibson firma gran parte de la historia de la guitarra eléctrica. Remontándonos al siglo pasado, fueron los pioneros de la guitarra acústica de tapa arqueada y de la guitarra eléctrica de caja hueca. Sin embargo la inversión en las guitarras de cuerpo macizo la hizo un paso más tarde que Fender y se debió en gran parte al ilustre músico Les Paul. Basándose en la máxima de que un buen instrumento debería sostener naturalmente una nota durante al menos 20 segundos, se diseñó la Gibson Les Paul, pieza indispensable para la producción Gibson. Con el pasar de los años Gibson ha experimentado con diseños nuevos, pero no han pasado de ser minoritarios.

En la Gibson L6S de Luxe de Prince vemos todo lo contrario que en su antecesora la Stratocaster. En esta ocasión el mástil se encuentra inclinado y encolado al cuerpo. Tanto el mástil como el cuerpo son de arce. Este último se compone de dos piezas de arce con una capa de caoba en su interior. La anchura de la cintura así como la curva inferior, en este modelo, es particularmente superior al modelo Les Paul. El puente es un tradicional Tune O-Matic sin cordal, puesto que las cuerdas atraviesan el cuerpo. Los puentes Tune O-Matic, fueron diseñados por Gibson inspirándose en los tradicionales puentes de las guitarras de tapa arqueada que ya proliferaban a principios de siglo.

Las pastillas empleadas en este modelo son dos unidades Humbucker de color blanco con las piezas polares ajustables, ambas dentro de un marco color negro con una de los lados en forma trapezoidal. Los controles son del modelo Speed de Gibson en color negro translúcido. Con una longitud de escala significativamente más corta y el mástil con un diapasón de madera de Palo Santo de Indias, hace a esta lira muy cómoda y rápida. Punto característico de esta guitarra es su cabeza, en forma puntiaguda similar a las famosísimas guitarras Flying V de Gibson, pero inusual en este tipo de modelos.

Este modelo, así como las S1, Victory MVX, Corvus III y Artist RD, fueron fruto de una campaña de Gibson para modernizar su producción, pues se sentían anclados en los modelos tradicionales ( Les Paul, SG..) y veían en Fender un competidor que triunfaba con modelos como las Mustang, Jaguar o Jazzmaster. Pero esta campaña no fue bien aceptada por un público que, acostumbrado a la calidad Gibson, no asimilaba los modelos "decadentes" de esta marca.

La actitud de la empresa no varió hasta que la compañía cambió de propietarios a principios de 1986. A partir de entonces, Gibson a capitalizado la demanda de sus antiguos modelos, reeditando sus diseños clásicos a precios accesibles y evitando en general los diseños oportunistas o extravagantes.

Esta guitarra como tal, poco llama la atención (algo lejos de las intenciones de Prince) de los aficionados, a no ser por los paulatinos cambios efectuados por su propietario más adelante. El primer cambio se corresponde a la incrustación de leds rojos en todo el perímetro de la guitarra. Lo que desconocemos es si éstos se encendían o tan solo brillaban por efecto de los focos. En el video-clip de "I Wanna be Your Lover" tenemos la oportunidad de ver esta guitarra en las condiciones que mencionamos.

Más adelante, la customización total de la guitarra se corresponde con un recorte en la parte inferior del cuerpo, dotando a este de un aspecto totalmente diferente. La parte interior del cuerpo de la guitarra es tapizado con una piel de leopardo.

Sin duda alguna los buenos luthiers siempre han pensado que una buena guitarra, a parte de sus componentes y su fabricación, debe tener gran parte del propietario en sí misma. Es absolutamente necesario tener en cuenta el factor subjetivo del propietario. Resulta difícil de entender que un artista pueda expresarse completamente sin sentir ese afecto o interrelación con su instrumento.


Hohner Le Prinz

Fue comprada por Prince en 1980 en la tienda de instrumentos y constructores Knut Koupee, en Mineapolis. Según el encargado de la tienda, Karl Dedolph, Prince escogió esta guitarra por la textura de piel de leopardo que adquiere el carey en este modelo en concreto. (Nota: el carey, o la concha de tortuga normales, tiene un moteado totalmente diferentes, más homogéneo. Esto nos lo atestigua la misma reedición de esta guitarra por la fábrica Hohner, que sale de serie con un golpeador de concha normal, no el que todos conocemos por el Artista).

En 1857 Matthias Hohner fundó su empresa. Dedicada principalmente a la producción de harmónicas, que pronto exporta a nivel mundial. Gracias a los éxitos cosechados en poco tiempo, Hohner tiene la posibilidad de invertir en la construcción de diversos instrumentos musicales: acordeones, todo tipo de instrumentos de percusión y por supuestos guitarras, como en el caso que nos ocupa.

Hohner Te Prinz, fue el nombre que recibió el modelo tras la reedición en torno a 1993. El nombre de Te Prinz proviene de la abreviación de Telecaster y del alemán Prinz.

La Hohner posee un cuerpo en forma de Fender Telecaster, pero construido en su totalidad en arce y una franja de caoba que divide al cuerpo en dos. Llama la atención las vetas rizadas propias del arce tanto en la tapa como en la espalda de la guitarra, que parece ser provienen de unas chapas encoladas y no de la madera base. Todo el cuerpo lo encontramos enmarcado por una incrustación o fileteado de símil de concha. Respecto al hardware es básicamente Telecaster, salvo el puente, que en lugar de tener la típica chapa cromada enmarcando la pastilla, se ha efectuado también de concha.

El mástil, que esta vez está atornillado al cuerpo por medio de cuatro tornillos, es también de arce. Se puede decir que es un mástil standard de Fender Telecaster incluida la cabeza. No se puede decir lo mismo de la reedición posterior en la que Hohner sustituye la forma de la cabeza por una propia tal vez por motivos de copyright. Cambiando y arruinando por completo el diseño original.

No se puede decir mucho más de esta guitarra, la más simple del Artista pero a su vez la más carismática y amada por muchos de sus fans. Este instrumento aficionó definitivamente a Prince por las guitarras construidas completamente en arce. Esta madera es la reina en el mundo de la construcción de guitarras. Su densidad y relativo poco peso, imprime al sonido una compresión y brillantez inigualable. Las propiedades de esta madera han seducido a los constructores y a todos los allegados al mundo de la guitarra desde los orígenes de esta en torno al siglo XII.

Esta guitarra la podemos ver en muchos videos de Prince y en actuaciones desde los tiempos de "Dirty Mind" hasta la fecha de hoy.
La electrónica de la Hohner no es nada del otro mundo, sino todo lo contrario, de hecho es muy barata, solo dos pastillas de bobinado simple y un circuito pasivo. Llamamos circuito pasivo al que no necesita energía extra para funcionar, al contrario que los circuitos activos. Sin embargo estos últimos son los que más calidad de sonido nos ofrecen.

Aunque fue descatalogada en su día, en la actualidad la Le Prinz esta siendo fabricada nuevamente por la Honher.


The Cloud Guitar

Con este instrumento nos adentramos de pleno en el mundo de Prince, hecho por él y para él.

Nacimiento. Sobre el nacimiento de la guitarra se han encontrado dos versiones, hasta ahora. La primera es que fue diseñada por Prince, dicen que inspirado por una nube. La segunda es que en sus orígenes era un bajo eléctrico de Andre Cymone. La prueba existe en el video de "I Wanna Be Your Lover" una versión que incluye a la banda al completo incluyendo a Gayle Chapman. Lástima que finalmente no fuera editado. De una u otra manera fue construida por David Rusan y Barry Haugen para la tienda de Knut-Koupee en Minneapolis. Respecto a David Rusan sabemos que continúa ejerciendo su oficio de luthier en Savage, Minnesota.

Otro rumor respecto a la producción de la guitarra: tras la película de "Purple Rain" se construyeron cuatro guitarras más, todas ellas con terminación en perla blanca como la original y todas ellas numeradas del uno al cuatro en la placa de latón que cubre el ajuste del alma del mástil. Se dice que las favoritas del Artista eran la uno y la dos. Tras el desbordante éxito de "Purple Rain", el diseño fue patentado por Prince, después el resto de las copias fueron localizadas y destruidas. Tan solo una más fue construida para la promoción de "Around The World In A Day" en Londres.

Todo esto nos sugeriría que solo existen dos guitarras originales y que Prince solo posee una de ellas, pues la otra esta en posesión del Hard Rock Café. Bueno, sea cierto o no la distribución en la posesión de estos instrumentos, de lo que no hay duda es que la Cloud Guitar es escasísima. Si queremos ver una Cloud Guitar real, en este caso amarilla, podemos acceder a la web del Instituto Smithsoniano, el museo más grande de los Estados Unidos. También es posible verla en varios libros editados al respecto de las más célebres guitarras.

No obstante, los propios técnicos de Prince, han construido varias de estas guitarras y también las han repintado otras muchas veces. Por lo tanto estamos al descubierto para ni siquiera sospechar el número de guitarras existentes. Lo que si se puede atestiguar es que se diseñaron con el mástil atravesando el cuerpo, por la tendencia del Artista a dejarlas caer al final de su espectáculo, según el mismísimo Rusan ha comentado en varias ocasiones.

El diseño de esta guitarra, sea uno u otro su origen, es único y totalmente original. Tan solo en la cabeza podemos encontrar reminiscencias de guitarras construidas con anterioridad, como son las guitarras Danelectro (famosa compañía que comienza su andadura a finales de los años 40) y el modelo Special 64 de la compañía yugoslava Muzicka Naklada. Respecto al resto, resaltaremos a parte del pequeño tamaño del cuerpo, la construcción totalmente en arce de la guitarra. Este tipo de madera sumado a que el mástil es una prolongación del propio cuerpo atravesándolo, dota a esta maravilla la extraordinaria brillantez y compresión que la caracteriza. Por lo tanto queda claro que la guitarra se compone de tres piezas encoladas.

El hardware utilizado, es en su totalidad de la marca alemana Schaller Electronic, siempre en acabado dorado. Esta fábrica de hardware destaca por la gran calidad de todos sus artículos, en especial las clavijas de afinación que son famosas en el mundo entero. El puente utilizado en la totalidad de las guitarras Cloud es el modelo 457, el cual nos sorprende por la combinación de puente y cordal en dos piezas, aunque estos son anclados en el cuerpo mediante dos únicos postes de sujeción. Es posible el ajuste de la altura y de la longitud de escala de cada cuerda. Las clavijas de afinación se corresponden con el modelo M6, la gama más alta de Schaller. Tanto estas clavijas como el puente mencionado anteriormente son finalmente pulidos a mano en la misma fábrica.

Las pastillas utilizadas por el Artista en esta y en guitarras posteriores se corresponden siempre a los modelos 81 y S de la firma EMG, Inc. en Santa Rosa, USA. Ambas con acabado blanco, la EMG-81 se caracteriza por su poder. Esta pastilla es largamente usada en el mundo del heavy y el trash metal para conseguir sonidos potentes y comprimidos. La elección contrasta con la EMG-S, pues es mucho más suave, similar a lar utilizadas por Fender. Las dos pastillas llevan circuitos activos permanentes, los cuales deben ser potenciados por una pila de 9v.

El selector de pastilla es de estilo Gibson de tres posiciones, con el pin blanco. Permite seleccionar la pastilla más cercana al puente, al mástil o ambas a la vez. Los potenciómetros son de estilo mini y con los botones al estilo Jaguar de Fender. Nos encontramos con uno para el volumen y otro para el tono de ambas pastillas.

La cejilla y la chapa que cubre el acceso al alma del mástil son fabricados en latón por el propio constructor. Por último los anclajes de seguridad para la correa, uno en el canto trasero y otro a las espaldas de la guitarra son también un modelo patentado por la fábrica Schaller Electronic. Otros detalles técnicos a resaltar son las 12" de arco en el diapasón a igual que en el puente. Y por supuesto las tres tallas características del diseño de la Cloud, obviamente talladas a mano.

Respecto a los colores, podemos hacer referencia a una Cloud blanca, color Perla, de la era "Purple Rain". Una negra con el diapasón de arce sin pintar en 1986, en algunas actuaciones del "Parade Tour". Con "Sign O' The Times" vimos el modelo color melocotón en 1987 y la primera de color azul en 1988. Hubo también otra guitarra pintada enteramente de negro en 1989 en el vídeo "Batdance". Con la edición de "Diamonds & Pearls" (1991) nos enseñó las primeras Clouds amarillas. Desde entonces solo toca con Clouds de color azul oscuro metalizado, últimamente con reflejos púrpura bajo los focos. La primera Cloud azul aparece en el video de "I Wish U Heaven".


Auerswald Model C

Construida por completo en madera de cerezo de al menos 35 años de edad, su diseño es pura innovación.

El instrumento consta de un cuerpo con una prolongación en su parte inferior (sustain bow) que se une a la cabeza del mástil, y un mástil encolado por un lado y atornillado al sustain bow por otro. El objetivo de este patentado sistema es la creación de una autoalimentación del sustain de la guitarra. Todo esto, unido a que el cuerpo ha sido ahuecado para aumentar el sostenimiento. Curiosamente se dice que el Artista tocaba con una sola mano, solo con la fuerza del sustain, "The Question Of U".

El hardware de esta guitarra al igual que el resto de los instrumentos de Jerry Auerswald, es diseñado por él mismo. En este caso el puente de la guitarra dispone también del sistema de afinación pues en la cabeza del mástil se encuentra la unión con el sustain bow y la fijación de las cuerdas. La configuración de las pastillas de esta guitarra es la misma que la de la Cloud Guitar, solo que en este caso las pastillas están juntas próximas al puente.





El Modelo C también lo podemos ver en el video de "Alphabet St." y en las actuaciones de "The Nude Tour".


Auerswald Symbol Guitar

Construida también por el luthier alemán Jerry Auerswald. Está hecha totalmente en arce y su diseño está inspirado en el símbolo adquirido por el artista como nombre en esa misma época. Básicamente es similar a la Cloud Guitar: cuerpo de arce pintado, pastillas EMG81 y EMGS, circuitos idénticos.

Tan solo se diferencian en la forma y en que este modelo de guitarra se ha fabricado con diferentes tipos de puente. El diseño prototipo disponía de un puente estándar negro similar a las Fender sin unidad de vibrato. Posteriormente el diseño incorporó un puente con vibrato tipo Floyd Rose propio del constructor.

Lo que llama la atención de esta guitarra, a parte de su forma, es la proliferación de tallas a todo lo largo de su cuerpo. Hemos tenido la posibilidad de verla de color blanco, negro y la archiconocida dorada.

Como dato curioso podemos resaltar la demanda puesta por Prince en contra de uno de sus fans al construir una replica de esta guitarra.


Fernandes LSA-65

A todos nos vino a la mente cuando escuchamos por primera vez el disco "The Truth" la misma pregunta: ¿Que tipo de guitarra está sonando? No suena totalmente acústico, pero no puede ser eléctrica... El dilema continuó hasta la edición del video "Dinner with Delores". Muchos creen y así consta erróneamente por la red, que se trata de una Gibson Les Paul GoldTop, pero nada más alejado de la realidad. Prince se había hecho con una edición de la fabrica Fernandes, la LSA-65. Se Trata de una guitarra semi-sólida con un puente y un cordal de madera de palo santo que incorpora una pastilla piezoeléctrica ecualizada con un previo Fishman. El cuerpo es de madera de tilo con una tapa de arce. El mástil es de arce con el diapasón de palo santo e incrustaciones de nácar.


Ibánez George Benson GB10

Como el nombre indica es un modelo de Ibánez diseñado bajo las especificación del guitarrista de jazz George Benson. Se trata de una guitarra de cuerpo hueco, tapa arqueada de pino abeto. Las pastillas son flotantes y el puente de ébano. De ella habría mucho de lo que hablar, pero deberíamos remontarnos a los orígenes de las guitarras de jazz en torno a 1904.


VOX Series 77

Ultimamente también utiliza una VOX Serie 77 personalizada. Se trata de una guitarras semi-hueca con un diseño inspirado en las VOX Virage, ofreciendo el mismo corte profundo que permite acceder a los trastes superiores de forma rápida. Disponen de puente de aluminio MaxConnect y afinadores VOX Super Smooth para un tono más limpio y mejores armónicos. Al igual que las series 33 y 55, ofrece pastillas CoAxe con tonos diferentes y controles de volumen y tono maestro basados en circuitos analógicos.



10 razones para amar a Prince

En realidad con un par de ellas nos arreglamos, pero el eterno enfant terrible del funk se merece unas cuantas más.

1-Nunca se hunde. Es imposible determinar si está a punto de hundirse, porque parece haberlo estado muchas veces, tantas como giros ha intentado dar a su carrera. Claro que su carrera es exactamente ese cúmulo de giros, bandazos y venadas que le han ido dando año tras año. Y su capacidad para reinventarse, sin cambiar demasiado, es parte de su grandeza.

2-Es uno de los mejores guitarristas de rock de las últimas décadas. No se prodiga mucho para lo bien que toca y hay que desenmarañar sus guitarreos entre las múltiples capas sonoras de sus grabaciones, pero su discografía contiene solos extraordinarios. Su estilo muestra cierta influencia del primer Santana y, sobre todo, de Jimi Hendrix, pero es bastante personal. Incluso con esas guitarras horrendas que le gusta diseñar y con cantidades de distorsión exageradas, consigue sonar genial. En el concierto homenaje a George Harrison celebrado en el Royal Albert Hall de Londres, el 29 de noviembre de 2002, tocó un solo en una versión de “While My Guitar Gently Weeps” que dejó de piedra a compañeros de escenario como Tom Petty, Jeff Lynne o Steve Winwood; su forma de hacer llorar a la guitarra, fue espectacular.





3-Además, lo toca casi todo y lo toca bastante bien. Más de 30 instrumentos según él mismo y, aunque quizá sea una exageración, en sus discos se le puede escuchar tocando de manera muy solvente más de los que uno puede contar. Lenny Kravitz, que no deja de ser un discípulo (además de gran amigo), también lo intentó desde el principio y el resultado reflejaba una gran diferencia. Prince ha grabado prácticamente todos los instrumentos de la mayoría de sus discos, y suenan tremendos.

4-Si tan siquiera fuesen comparables, Prince le daría mil vueltas a Michael Jackson. Le duela a quién le duela, su obra es bastante más interesante que la de la desaparecida superestrella. Y es que durante los ochenta hubo un tiempo en el que parecía haber una rivalidad algo esotérica en el olimpo del soul/pop afroamericano. Jackson se llevó la mayor parte de la pasta pero, admitámoslo: sin Quincy Jones, el “Rey del Pop” se habría quedado en poca cosa. Prince no llegó tan lejos comercialmente, pero lo hizo por sí mismo. Además, el nivel creativo del de Minneapolis va mucho más allá de los hits de Jackson y su continua obsesión de reproducir el éxito de “Thriller”.

5-Es un antisistema. Lleva años siendo enemigo de las grandes discográficas, es un paradigma del "do it yourself" y hace lo que se le pone en las narices, desde denunciar que Google colabora con la piratería hasta regalar copias físicas de su último disco, “20ten”, sólo para demostrar que Internet está acabado y manifestar su desagrado por iTunes. Por deseo expreso del artista, se regalaron dos millones y medio de ejemplares de "20ten" con la compra de algunos diarios europeos. No es la primera vez que lo hace, pero sí la primera en que un álbum suyo se puede conseguir exclusivamente así.

6-Es fiel a sí mismo. Pasándose por el forro lo que haga falta cuando se tercie y dejando de lado las decisiones más lógicas y/o comerciales. Después del superéxito de “Purple Rain” lo normal hubiese sido intentar repetirlo o, al menos, seguir la misma línea, pero Prince decidió cambiar radicalmente y grabar “Around The World In One Day”, uno de sus discos más bizarros. Desafió a Warner sacando por su cuenta el triple CD “Emancipation” en 1996, y en 1998 hizo lo propio con una recopilación de material inédito de cuatro CDs. Estos son sólo algunos ejemplos en una carrera plagada de decisiones pasionales sin ninguna visión comercial, lo que demuestra que sólo se rinde cuentas a sí mismo.

7-Sus excentricidades, numerosas y en ocasiones sonrojantes, nunca han eclipsado el valor de su música. Algo que –no volvamos a Michael Jackson–, sí ha hecho mella en la carrera de otros. Uno puede criticar su enésimo delirio cósmico-religioso o su sentido estético, entre lo trasnochado y lo galáctico, pero la música de Prince nunca ha perdido credibilidad. Te gusta o no, pero es difícil de cuestionar o minusvalorar entre los géneros en los que se mueve.

8-Tiene en su discografía, al menos, una obra maestra. “Sign O’ The Times” empezó como un refrito de tres proyectos diferentes para convertirse en uno de los grandes discos de los 80. Además de éste, Prince tiene unos cuantos discos fabulosos como “1999”, “Purple Rain”, “Lovesexy” o “The Gold Experience”, y algunos muy buenos, como “Diamonds & Pearls”, “Love Symbol”, “Musicology” o “Lotus Flow3er”. Más que suficiente para ser uno de los grandes.

9-A pesar del paso del tiempo, sigue en forma y haciendo discos muy destacables. Con más de treinta años de carrera es normal haber tenido altibajos e incluso haber caído en una rutina mediocre y decrépita, pero álbumes como “Planet Earth”, “Lotus Flow3r” o “MPLSound” (todos ellos grabados en los últimos cinco años) demuestran que aún puede producir discos más que dignos.

10-Es Prince. Es él y sólo él, ya sea tocando funk, soul, pop o rock, llamándose Prince o lo que sea. Es un icono de la música popular del siglo XX como lo son los Beatles, los Rolling Stones, Michael Jackson, Bruce Springsteen o Ramones.



Discografía

For You (1978)
Prince (1979)
Dirty Mind (1980)
Controversy (1981)
1999 (1982)
Purple Rain (1984)
Around the World in a Day (1985)
Parade (1986)
Sign o' the Times (1987)
Lovesexy (1988)
Batman (1989)
Graffiti Bridge (1990)
Diamonds and Pearls (1991)
Love Symbol Album (1992)
Come (1994)
The Black Album (1994)
The Gold Experience (1995)
Chaos and Disorder (1996)
Emancipation (1996)
Crystal Ball (1998)
The Vault: Old Friends 4 Sale (1999)
Rave Un2 the Joy Fantastic (1999)
Rave In2 the Joy Fantastic (2000)
The Rainbow Children (2001)
One Nite Alone... (2002)
C-Note (2003)
Xpectation (2003)
N.E.W.S. (2003)
Musicology (2004)
3121 (2006)
Planet Earth (2007)
Lotusflow3r / MPLSound (2009)
20Ten (2010)



Fuentes: lanotaonline.com, Flickr, blogs.20minutos.es, guitarristas.info, blogs.elpais.com y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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En el puesto número 32


Billy Gibbons


Billy Gibbons es un guitarrista estadounidense de blues rock, rock sureño y boogie rock. Reconocido como uno de los más legendarios e influyentes de la historia del rock, es el tipo de persona que es irresistible para ver y escuchar hipnótico cuando está en el escenario con su guitarra eléctrica 1959 Gibson Les Paul, conocida en el mundo del rock como "Miss Pearly Gates".

Es el vocalista y guitarrista de la banda ZZ Top y también es conocido como "Reverendo Willie G.". Mientras que ha logrado su infamia a través de su música, también es un ministro ordenado con licencia para realizar bodas en 49 estados.


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William Frederick “Billy” Gibbons, nació en Houston, Texas, el 16 de diciembre de 1949. Billy creció rodeado de sonidos clásicos y country: su padre era un director de orquesta y concertista de piano que trabajaba para los estudios MGM y en el domicilio paterno, en Tanglewood, barrio residencial de Houston donde vivía, la única música que se escuchaba era country.

La cosa cambió cuando Billy vio a Elvis por primera vez en el Ed Sullivan Show, provocando en él un repentino interés por el rock. Gibbons comenzó a tocar la guitarra eléctrica tras escuchar a Muddy Waters, que fue determinante en su inclinación al blues:
"La primera vez que oí hablar de Muddy Waters fue a través de dos amigos míos, Walter Baldwin y Steve Roberts, en la secundaria en 1962 ó 63. Crecimos juntos y nos procurábamos cualquier muestra de locura musical que se nos cruzaba por el camino. La mayoría de la gente de mi generación tal vez haya descubierto a Muddy a través de los Rolling Stones, que se pusieron ese nombre a partir de una canción de Muddy. Yo lo escuchaba antes de que existieran los Stones, pero lo importante era descubrirlo, no importa si hacia atrás, hacia delante o hacia el costado."

En el año 1963, el día que cumplía 13 años, recibió su primera guitarra eléctrica, una Gibson Melody Maker y un amplificador Fender Champy. Con ese equipo comienza imitando a sus ídolos: Muddy Waters, Little Richard o Jimmy Reed.

Entre 1963 y 1965, Gibbons lideraría tres grupos locales: The Saints, The Coachmen, y Billy & The Ten Blue Flames, especializados en mezclar el blues con sonidos psicodélicos al estilo de Jefferson Airplane, Jimi Hendrix o el grupo tejano 13th Floor Elevators.

Con 18 años, Gibbons formó Moving Sidewalks, un grupo de blues-rock psicodélico con Don Summers al bajo, Dan Mitchell a la batería y Tom Moore a los teclados. El nombre de la banda (“Las veredas movedizas”) era, por supuesto, un chiste que hacía referencia a las alucinaciones provocadas por las drogas.

Muy populares entre los adolescentes de Houston, grabaron y publicaron dos singles en 1967 titulados "99th Floor", tema que llegó a ser número uno en las listas locales durante seis semanas, y cuyo título estaba inspirado en el nombre de la banda de rock psicodélico de su buen amigo Roky Erickson, 13th Floor Elevators; y "Need me". El tema "99th Floor" les valió para ser escogidos como teloneros para el tour de The Doors por Texas en el 67.

Al año siguiente, editaron "I Want To Hold Your Hand" y poco después, en 1969, su puesta de largo con el LP "Flash" que editó Tamtara Records. Su paso lento pero seguro les sirvió esa vez para actuar como teloneros de Jimi Hendrix en la primera gira americana de The Jimi Hendrix Experience.

El propio Hendrix quedó tan impresionado con el feeling que Gibbons ponía en la guitarra que le mencionó como "uno de los mejores guitarristas de América" en una entrevista televisiva en The Tonight Show With Eric Carson, y a su grupo como "la mejor banda de garaje". Durante la gira, le regaló a Gibbons una Stratocaster de color rosa diciéndole que "era demasiado bonita para quemarla en un escenario".

A pesar de todos estos buenos momentos, la banda no progresa como debiera y un cúmulo de circunstancias termina con una escisión dentro de Moving Sidewalks que da paso a ZZ Top, un nombre, por cierto, que se comenta que surgió como un juego de palabras al combinar los nombres de las marcas líder de entonces de papel de fumar: TOP y Zig-Zag.

El estado embrionario de ZZ Top incluía a los ex compañeros de Billy, Lanier Greig y Dan Mitchell, teclista y batería respectivamente, que decidieron marcharse con él. Los comienzos en la banda prometían, porque a pesar de lo incompleto de la formación, tenían un precontrato con London Records para un primer single de prueba. Sin embargo, en 1969, todo se tuerce debido al alistamiento en la armada de Mitchell y Greig, que deciden servir a su país combatiendo en Vietnam.

No era el primero al que le pasaba algo parecido, ya que por entonces otro buen grupo había terminado sus días tras un par de buenos discos. Se trataba de The American Blues, una banda donde militaban los hermanos Rocky y Joe M. Hill, guitarra y bajista respectivamente que se habían unido al grupo tras terminar una historia llamada The Warlocks.

The American Blues llegaron a grabar dos discos, como decía antes, uno en el 67 y otro en el 69 titulados "American Blues Is Here" y "Do Their Thing" en los que tocaba la batería un tipo llamado Frank Beard. Las circunstancias quisieron que una vez disuelta la banda, probara suerte con el proyecto de Gibbons, convirtiéndose así en el segundo miembro oficial de ZZ Top.

El problema más inmediato a solucionar era conseguir un bajista para completar la sección rítmica, así que Frank propone a su viejo compañero de The American Blues, Joe Michael Hill, apodado Dusty Hill, como bajista. Teniendo en cuenta que aparte de su técnica apabullante y de sus tablas (llevaba desde los trece tocando con grandes figuras del blues sureño), tenía una voz privilegiada para ese estilo, enseguida se percatan de que han tomado la decisión más acertada.

Ya con la formación establecida (que aun es la misma casi cuarenta años después), pasan los primeros tiempos tocando por la región y madurando los temas que iban componiendo en el tiempo que les quedaba libre entre actuaciones, hasta que se ven preparados y, en 1970, surge la oportunidad de firmar un contrato. Contrataron a Bill Ham, al que conocía de su época en Moving Sidewalks, como productor y manager, quien inicia rápidamente las conversaciones con el sello London Records para firmar el primer contrato.

En 1971 publicaron su primer álbum de estudio, "ZZ Top's First Album", el que obtuvo excelentes críticas gracias a su estilo influenciado en el blues y el rock sureño y por sus letras con el característico humor tejano. El álbum no puede decirse que tenga la típica canción rompedora que acapare las ondas durante meses (como ocurrió no mucho tiempo después) pero ojo, lo que seguro que no tiene es un solo tema mediocre.

Desde "(Somebody Else Been) Shakin' Your Tree" hasta "Backdoor Love Affair" nos presentan treinta y cuatro minutos de blues rock muy de su tiempo, capaz de aguantarle el pulso a muchas producciones actuales. Su nitidez unida a su contundencia le dan una personalidad que conservaron durante toda la década de los 70’s, al igual que la forma de cantar, aparentemente despreocupada de Gibbons o el espectacular estilo de Frank Beard en la batería, que es junto a Brian Downey de Thin Lizzy, uno de los músicos menos valorados de aquella época.

En aquel disco aparecían canciones que, como queda dicho, no eran hits históricos, pero sí supusieron puntos muy fuertes en su discografía, como por ejemplo "Brown Sugar" (nada que ver con la de los Stones) o "Squank" con un fantástico dueto de voces. También conviene recordar, por ejemplo, "Neighbour, Neighbour" muy cercana al estilo de las bandas hard rock de la época.

Estamos ante los primeros pasos de la banda, que en realidad no pasaron del éxito local con este debut y que no llamaron la atención de nadie en la compañía London. De hecho, Bill Ham pidió diez mil dólares por la banda y obtuvo sólo mil, a pesar de correr él con todos los gastos (London solo se encargaba de fabricar y distribuir).

Abrieron shows para todos aquellos que lo quisieron, desde Peter Frampton a Alice Cooper, así que puede decirse que no hubo realmente una gira, aunque si dos grandes eventos que supusieron una inyección de moral para la banda. Por un lado se les pidió que abriesen un show con Ike & Tina Turner como figuras estelares. Aquello no era muy habitual en la época, ya que los músicos y la audiencia de la pareja eran negros y las bandas de blues blanco no gozaban de excesiva simpatía, pero ellos se ganaron al público e incluso Ike les felicitó por su concierto.

El otro momento para el recuerdo en aquellos días fue su participación en el mítico Memphis Country Blues Festival, donde desde hacía años las figuras, principalmente negras, del blues más puro se daban cita. Su visión del blues rock, lejos de espantar a aquellos ortodoxos, dejó muy buen sabor de boca, como prueban las palabras del promotor del festival Randall Lyon: "ZZ Top salieron y se metieron al público en el bolsillo. Hicieron un tremendo show, sin fisuras de ningún tipo, cogiendo el viejo blues e insuflando una enorme energía. Nadie sabía quiénes eran, pero nadie olvidó quienes son”. Para unos chavales con ganas de comerse el mundo a guitarrazos, aquello era más que suficiente para mantener viva la ambición.

No tardaría en llegar su segundo trabajo de nuevo financiado por Bill Ham. En 1972 publicaron "Rio Grande Mud" y, aunque sigue por la misma senda que el primero, su sonido se acerca cada vez más al blues-rock británico. El tema estelar del disco es sin duda "Francine", con el que entraron por primera vez en la lista Billboard 200 obteniendo la posición 104 en el mismo año, y que era un primer paso en una carrera ascendente.

"Francine" la cantaba Dusty Hill y salió como single con una versión en español en la cara B. Es una canción enorme, pero ni mucho menos la única de ese disco. Hay otras joyas escondidas como "Just Got Paid" o "Chevrolet", también cantada por Hill, y muestras de lo cómodos que se movían por los diferentes palos del rock and roll.

Desde el clásico medio tiempo southern a lo Lynyrd Skynyrd de "Sure Got Cold After The Rain Fell", al blues más arrastrado como era "Mushmouth Shoutin", pasando por el boogie rock con la instrumental "Apologies To Pearly". Toda esta variedad, unida a la ausencia de los desarrollos instrumentales interminables a lo Allman Brothers, era lo que convertía a sus discos en trabajos muy dinámicos, para escuchar del tirón. La producción continúa siendo limpia y áspera a la vez e infinitamente mejor a la de otras bandas del año.

Con este disco subieron un peldaño más en cuanto a reconocimiento se refiere al abrir, como invitados, algunos de los conciertos en el sur de la gira del 72 de los Rolling Stones, la mítica "Stones Touring Party" , que les sirvió para acceder a un público masivo. Lo mismo puede decirse de su participación en Houston, en un festival junto a Blue Oyster Cult y Savoy Brown, donde actuaron ante treinta y ocho mil personas. Su trabajo comienza a dar frutos y el éxito definitivo no tardaría en llegar. Suele decirse que las grandes bandas se definieron en el tercer álbum (es el caso de KISS, AC/DC o Thin Lizzy por ejemplo) y a ZZ Top les ocurrió lo mismo.

1973 vio a la banda convertirse en estrellas gracias al álbum "Tres Hombres". Para él contaron con la ayuda de Terry Manning, ingeniero habitual en los controles para los discos de Led Zeppelin, y que tiempo después se convertiría en el productor de Molly Hatchet. Entre él y el imprescindible Bill, supieron crear una colección de canciones que de alguna manera dieron al grupo una credibilidad definitiva e hicieron justicia a los dos anteriores discos, preparando a la vez el terreno para nuevos trabajos.

El disco continuó con el sonido iniciado con "Rio Grande Mud", aunque este posee claros toques de rock and roll y ha sido considerado como el mejor trabajo del grupo en la década de los setenta. No hay ni un solo tema mediocre en este disco, aunque sí hay algunos que destacan sobre el resto de forma especial. "Waiting For The Bus", que abre el disco es uno de ellos, presente en cada recopilación del grupo, lo mismo que "Jesus Left Chicago" cuyó riff bien podría haber inspirado el "Ride On" de AC/DC.





Otro punto fuerte del disco es "Beer Drinkers And Hell Raiser", cantado a dos voces y que Motorhead versionó algún tiempo después; pero la canción que realmente les cambió las cosas fue "La Granje", canción que hasta el día de hoy es interpretado por la agrupación como uno de los temas finales (sospechosamente parecida a "Boogie Chillen" de John Lee Hocker) y que obtuvo el puesto cuarenta y uno en los Billboard Hot 100.

Resumiendo pues este álbum de manera global, puede decirse que continúa la trayectoria de los dos anteriores, es decir, los temas son completamente diferentes entre sí, guardando un conjunto completamente coherente al mismo tiempo, algo nada fácil de conseguir pero que ellos consiguen combinar a la perfección, saltando de los boggie rock acelerados a los blues más tranquilos, dejando impresa en todos ellos la huella del trío. Además en el mismo año recibió la certificación de disco de oro otorgado por la Recording Industry Association of America al superar las quinientas mil copias vendidas. En el 2003 fue puesto en el número 498 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

ZZ Top eran conocidos ya en todo el país gracias a los conciertos en los que habían sido teloneros de gente como Deep Purple, Alice Cooper o, de nuevo, los mismísimos Rolling Stones. El tour de "Tres Hombres" fue largo y funcionó bien, pero había una gran diferencia entre su éxito masivo en el Sur y el del resto del país, muchísimo más modesto.

Un ejemplo muy gráfico fue que ya en el 74 fueron cabezas de cartel en el Willie Nelson’s Rompin and Stomppin Bardance & Barbecue, el festival más grande jamás programado en Austin. Allí lideraron la noche, pasando por encima de estrellas como Santana, Joe Cocker y Bad Company (que se presentaban al público americano). Sin embargo, sus actuaciones en Nueva York, que tuvieron lugar pocos días días después, dejaron medio vacíos teatros con aforos de cinco mil personas. Ese era ahora su gran reto y para asumirlo, debían cargar su mejor arma, la del directo.

Para ello se pasaron los dos años que hubo entre "Tres Hombres" y el siguiente álbum "Fandango!" en una gira casi ininterrumpida por todo el país que les tuvo ocupados diez meses de cada uno de los años. Ni que decir tiene que el tour aumentó su popularidad en muchísimos enteros, y más aun teniendo en cuenta que llevaban su propio puesto con material para la venta, haciendo felices a aquellos que querían llevarse un recuerdo de aquellos orondos tejanos al salón de su casa.

De la citada gira, salieron los temas en directo que dan vida a una de las caras del nuevo disco que, bajo el título de "Fandango!", ofrecía una parte en estudio y otra en directo. Esta fue grabada en en el Warehouse de Nueva Orleáns. Una vez más, hacen una amalgama de los diferentes estilos por los que navegan dándoles su identidad y creando varios clásicos, de los que destacan, de su cara en estudio, "Mexican Blackbird", que trata sobre una prostituta afromejicana; "Hear It On The X" en la que hablan sobre una mítica radio libre de la frontera llamada X80; y, como no, "Tush", un blues rock que, aparte de convertirse en la sintonía de un programa en la TV, les catapultó directamente al Top 10.

Por lo que se refiere al lado en directo, cabe destacar el tema que abre el disco, "Thunderbird", y una versión del clásico de los 50, "Jailhouse Rock". Sea como fuere, el disco se convirtió en platino al poco tiempo y se mantuvo nada menos que ochenta y tres semanas en los charts. "Fandango!" terminó de consolidar su popularidad en Estados Unidos, compartiendo escenarios con Elvis Presley y Led Zeppelin.

Tras "Fandango!", todo se vuelve un poco confuso, ya que se mezcla la promoción del mismo con la del siguiente, "Tejas", en un megatour que llevó por nombre "World Wide Texas" y que tuvo lugar entre 1975 y 1976 (de ahí la confusión, ya que son fechas que bailan los dos discos). Comenzó el 29 de Mayo en el Graves Stadium de Wiston Salem, en Carolina del Norte, y fue uno de los más ambiciosos en la historia del rock.

Sobre el escenario había toda clase memorabilia tejana: desde cactus y herramientas de granjero, hasta un bisonte (real) y serpientes de cascabel. Por supuesto, estas no estaban sueltas si no encerradas en cajas de metacrilato y además duraron poco, ya que la excesiva vibración del escenario obligó a su retirada por parte del cuidador Ralph Fisher, que había pasado mucho tiempo intentando aclimatarlas sin resultados.

Incluso los trailer que transportaban el montaje servían como atrezzo, ya que estaban decorados con pinturas de paisajes tejanos. Esos trailers transportaban tal cantidad de material que eran necesarios no menos de tres días desde que se levantaba el escenario en una ciudad, hasta que se desmantelaba en la siguiente. El éxito comercial de la gira fue espectacular, desbancando en las ventas de entradas al mismísimo Elvis Presley y a Led Zeppelin e igualando las ventas de discos de los Rolling Stones, algo que poco tiempo antes no se hubieran atrevido a imaginar.

Bien, y ¿qué hay de "Tejas", el disco que promocionaban? Bien, pues fue un álbum un poco apartado de la linea que solían seguir y con tintes experimentales, en el que probaron una orientación novedosa sobre sus raíces de siempre. Esto salta a la vista en canciones como "El Diablo" o "Enjoy And Get It On" donde cargan sobre los efectos de guitarra el peso de la nueva trayectoria. Gibbons utiliza toda suerte de ecos y reverbs para dar a las canciones un aire diferente, algo así como lo que hace Frank Beard, quien complica su trabajo como nunca hasta ahora. Cambios de ritmo de auténtica locura, extraños contratiempos y cajas dobladas son constantes en este álbum. El que menos brilla es Dusty Hill, cuyo trabajo está bastante cercano al de Dee Dee Ramone, limitándose a completar la base rítmica sin demasiados adornos.

Exitos, giras masivas, discos de platino…ZZ Top habían llegado a un punto en el que se hacía necesario tomarse un descanso que, de paso, les sirviese también para replantearse un poco la forman en la que iban a hacer las cosas en el futuro.

Las vacaciones se alargaron casi hasta los tres años, en los que cada uno de ellos anduvo a lo suyo. Frank Beard se ocultó en el Caribe, Dusty Hill en las Islas Caiman y Gibbons estuvo parte del tiempo en Madagascar. Quien no descansó tanto fue Bill Hamm que les consiguió pasar de London Records a la Warner con un millón de dólares de la época de por medio, mil veces más de lo que le ofrecían ocho años atrás, amen de reservarse los derechos de sus viejas obras, lo que quería decir que temas como "Tush", "Fancine" o "La Granje", entre muchísimos otros, seguían generando muchísimos miles de dólares para el grupo. London Records cerró el asunto editando un grandes éxitos que entretuvo la espera de los fans a pesar de que no aportaba nada nuevo.

La vuelta vendría con "Degüello" y curiosamente con un distintivo que, dicho por ellos, fue involuntario y totalmente casual, ya que Gibbons y Hill se reencontraron después de tanto tiempo con sendas pedazo de barbas!. Su imagen ya no es la de cowboys, y su sonido, a pesar de estar más orientado a sus primeras obras que al de "Tejas", tenía ciertos tintes pop que les acercaban a algo más radiable y comercial aunque paradójicamente mas agresivo que nunca, que de alguna forma hacía presagiar el cambio definitivo que tuvieron en los ochenta.

Canciones como "Cheap Sunglasses" o "She Loves My Automobile" (imprescindible) así como el hit "I’m Bad, I’m Nationwide" hacían este disco asequible a un espectro mucho más amplio de público, sin por ello perder nada de su credibilidad, que era lo que llevaban buscando tanto tiempo.






En 1981 editan "El Loco" y en 1983, "Eliminator", con el que el grupo alcanzó nuevos niveles de popularidad, en buena parte gracias a los espectaculares vídeos musicales de canciones como "Gimme All Your Lovin" , "Legs" y "Sharp-Dressed Man", en los que siempre aparecía un pequeño bólido rojo Ford'34, ocupado por mujeres hermosas que viajan en él de un lado para otro ayudando a la gente. El álbum también presentaba un distintivo sonido de sintetizadores, toda una rareza en el blues rock, lo que añadió un toque moderno a su música y ayudó al éxito del disco. Hasta la fecha "Eliminator" ha sido el disco más exitoso del grupo.

"Afterburner" salió en 1985 y "Recycler" en 1990, con temas como "Concrete and Steel", "My Head's in Mississippi" y "Doubleback", incluida en la película "Regreso al futuro III", en la que ellos mismos interpretan una versión acústica. Fue en esta época cuando la marca de cuchillas de afeitar Gillette, ofreció a Gibbons y Hill un millón de dólares por dejar afeitarse las barbas para un anuncio de TV; declinaron la oferta.

En 1994 ZZ Top firmó un contrato de cinco discos con RCA Records. Muchos fans consideran que las grabaciones de esta etapa están artísticamente por encima de los trabajos anteriores del grupo, pero se muestran descontentos con la promoción que RCA dio a estos lanzamientos.

Sus trabajos posteriores, "Antenna" (1994), "Rhythmeen" (1996) y "XXX" (1999) tuvieron una acogida más discreta. Sin embargo siguen en la brecha y lanzan, "Mescalero", publicado en 2003 por el sello RCA. Este es el último trabajo por dicho sello, ya que al año siguiente ponen fin al contrato. El sonido del disco se apega al ya conocido hard rock y blues rock propios de la banda, aunque también se aprecian sonidos del country y la música tejana. Además este es uno de los pocos trabajos del grupo, en dónde Gibbons participa como único compositor en la gran mayoría de los temas.

Para promocionar el disco, se lanzó el single "Piece" como sencillo, sin éxito relevante. También y como parte de la gira promocional, son invitados a participar en el festival benéfico de Eric Clapton, Crossroads Guitar Festival, celebrado en el Estadio Cotton Bowl de la ciudad de Dallas, en junio de 2004.

En 2008 lanzan "Live From Texas", un álbum en vivo publicado por el sello Eagle Rock. Fue grabado el día 1 de noviembre de 2007 en el Nokia Theatre de la ciudad de Grand Prairie en Texas, durante la gira "Hollywood Blues Tour"

En 2011 Gibbons anunció la grabación de un nuevo trabajo. "Está lleno de fallos, como a nosotros nos gusta". "La Futura" apareció en septiembre de 2012, con diez nuevos temas, recibiendo magníficas críticas. El álbum está producido por Rick Rubin y el primer single, "I Gotsta Get Paid", debutó en una campaña publicitaria de la marca de whiskey Jeremiah Weed y forma parte de la banda sonora de la película "Battleship".

Gibbons, además de su trabajo en ZZ Top, ha colaborado con otros músicos como Queens of the Stone Age, Raconteurs, B.B. King, John Mayall, Jeff Beck y hasta Depeche Mode. Fuera del mundo musical, Billy también es actor, interpretándose a sí mismo en la serie "Bones", apareciendo de vez en cuando como el padre de Angela, una de las protagonistas.


Curiosidades sobre Billy Gibbons

El característico sonido denso y espeso de su guitarra lo obtiene usando una pesada moneda (de un peso mexicano, para más datos) en lugar de púa, con la cual consigue los inimitables armónicos que condimentan sus frases. Obviamente que su colección de viejos amplificadores valvulares y guitarras de todo tipo –muchas de ellas codiseñadas por el propio Billy junto al brillante luthier y artesano John Bolin– es una gran ayuda. Incluso su legendaria guitarra Nº 1, una Les Paul de 1959 a la que denominó "Pearly Gates", mereció el honor de que Gibson lanzara un modelo especial con ese nombre.

La "Pearly Gates" llega a sus manos a través de una serie de eventos y circunstancias extrañas. Según el: " En los primeros días de ZZ Top, compramos un automóvil Packard de los años 30. Este coche nos venia al pelo. Era grande, pintón y bajo, pero no intencionalmente, sino que así era como venia. Poco tiempo después de comprarlo, una de nuestras amigas decide ir a California a hacer un casting para una película. Le dimos el Packard para que pudiera llegar allí. No solamente llegó, sino que consiguió el papel. Por ello nombramos al auto "Pearly Gates" (se llama así en ingles a las puertas del cielo), porque pensamos que debería tener alguna conexión divina".

Segun Gibbons, la amiga vendió el coche a un coleccionista y les envió el dinero de vuelta a la banda. Su decisión no podría haber sido mejor: "el mismo día que llego el dinero, un tipo me llamo queriéndome vender una vieja guitarra" dice Gibbons. "Era una Les Paul Sunburst del 59. Compre la guitarra y llame a mi amiga para agradecérselo. Ella dijo: parece que el coche se vendió por una buena causa. Ya que la guitarra llego gracias al cohe, deberíamos llamar también a la guitarra "Pearly Gates". Ahora podréis hacer música divina". "Y por mas que trate, no pude encontrar otra guitarra que suene igual a esta".

Los gafas negras, inmortalizados en uno de sus temas más conocidos, "Cheap Sunglasses", son sólo uno de los aspectos más salientes de su indumentaria, que incluye todo tipo de artículos para la cabeza (incluyendo gorras de béisbol, bandanas, sombreros de cowboy y algo que se parece bastante a una gorra de baño), ropas negras, pañuelos de cuello, botas de motociclista y por supuesto, su larguísima barba.

Durante un concierto en New York, el guitarrista apareció con una Telecaster que llevaba embutido un iPad Mini. Según Gibbons, el objetivo era rememorar los efectos psicodélicos que se proyectaban detrás del escenario durante las actuaciones de la banda en los años sesenta, pero sin tener que usar pantallas que distraigan a la audiencia de los músicos. Así que acudió a su luthier de confianza, John Bolin, para que midiera el iPad Mini, y vieron que había suficiente espacio entre la pastilla del puente y el mástil para insertar el tablet de Apple. Y en cuestión de unos días, Billy Gibbons ya tenía en sus manos esta Telecaster lista para tocar.

También es un apasionado de los coches customizados y cada una de sus creaciones tiene un nombre. Uno de los más populares es "Cadzzilla", un hot-rod basado en un Cadillac Series 62 Sedanette de 1948 que diseñó Larry Ericson y construyó Boyd Coddington. El nombre de este impactante vehículo es la unión de Cadillac, ZZ Top y Godzilla, el ficticio dinosaurio mutado por pruebas nucleares en el Pacífico. Por esto último, la matrícula tiene la inscripción "I8Tokyo" ("I hate Tokyo", es decir "Yo odio Tokyo").

Ese amor de Gibbons por los coches customizados se aprecia claramente en la discografía de los ZZ. Así lo dejaron ver en las portadas de los discos "Eliminator" (1983) y "Afterburner" (1985). Ambos tienen en la portada a un mismo protagonista: un Ford Cupé de 1933, que también es propiedad del guitarrista. En este caso el trabajo fue realizado por Don Thelen de Buffalo Motor Cars. Fue bautizado como "Eliminator Cupe". El Ford aparece en todo su esplendor en "Eliminator" y hasta se ve en varios vídeos del disco. Mientras que en "Afterburner" sale volando por el espacio como si fuese una nave intergaláctica.

La hermosa colección de Gibbons se completa con el "Slampala", un Chevrolet Impala de 1962 que tiene, además de un motor acorde a las exigencias de su dueño, ruedas a medida con neumáticos Toyo Zamalloa con un sistema de bolsa de aire Firestone, mandos Solenoid electrónicos, freno de disco ECI y un equipo de sonido con CD y con enormes altavoces.

La lista sigue con "The Mambo Coupé", un Ford de 1936 que encontró en una tienda de Idaho. "Allí estaba, negro, brillante y duro al máximo", según recordó alguna vez Gibbons. También es dueño de un Pontiac Silver Streak Leapin’ Limo de 1948 que fue descubierto oxidado en un rancho de Texas; un Ford Highboy Roadster de 1932 muy elegante, dotado con un poderoso motor V8 y un Rad-Bad Cadillac de 1961 que su dueño usa para "emprender un viaje sin destino"



Discografía

Con The Moving Sidewalks
Flash (1969)

Con ZZ Top
ZZ Top's First Album (1971)
Rio Grande Mud (1972)
Tres Hombres (1973)
Fandango! (1975)
Tejas (1977)
Degüello (1979)
El Loco (1981)
Eliminator (1983)
Afterburner (1985)
Recycler (1990)
Antenna (1994)
Rhythmeen (1996)
XXX (1999)
Mescalero (2003)
Live from Texas (2008)
La Futura (2012)



Fuentes: metal80.wordpress.com, Flickr, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, pagina12.com.ar, guitarrista.com, e-driver.com.ar, foroguitarrista.com.ar, es.prmob.net y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

Socio 104
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