LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

Voy a empezar por esta gente ¡ojo! he cogido la última lista de la revista, "mas prestigiosa de música", Rolling Stone, es del año 2011 y ya os anticipo que para mí no es la buena. He mirado en otras revistas y es prácticamente la misma, salvo raras excepciones y cambiando algunos puestos. Voy a ir poniendo dos cada día, empezando desde el último. Voy a procurar recopilar información de distintas fuentes y si no la hay, usaré la de Wikipedia.

En el puesto número 100

Lindsey Buckingham

Cantante, compositor e instrumentista estadounidense, más conocido por ser guitarrista de Fleetwood Mac. Fue considerado el guitarrista Nº 100 según la revista Rolling Stone en el año 2011.

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Su nombre completo es Lindsey Adams Buckingham. Nació en Palo Alto, California, el 3 de octubre de 1949. Fue el hermano menor de tres hermanos. Creció en el Área de la bahía de San Francisco, en Atherton. Lindsey junto con sus hermanos competían en eventos de natación. Lindsey Buckingham decidió dedicarse a la música y dejar la natación, a diferencia de su hermano Greg, el cual ganó una medalla de plata en los juegos olímpicos de 1968.

La primera guitarra que tuvo fue una guitarra de Mickey Mouse de juguete y posteriormente sus padres le compraron una guitarra de verdad, por 35$.

Buckingham nunca tomó clases de guitarra, aprendió de forma autodidacta. A la edad de 13 años comenzó su interés por la música folk, y a los 15 entra en una pequeña banda de folk, en calidad de vocalista y guitarrista.

Buckingham y su novia de aquel entonces, Stevie Nicks, grabaron siete temas en 1972 en una grabadora de 4 pistas, y viajaron a Los Angeles para conseguir un contrato discográfico.

En 1973, firman con Polydor Records. Su primer álbum, Buckingham Nicks, fue lanzado en septiembre de 1973 y recibió muy buenas críticas.

En 1974 ingresan en Fleetwood Mac, a tiempo para participar en su décimo álbum, llamado con el nombre de la banda, el cual se convirtió en todo un éxito. El siguiente álbum, Rumours, catapultó a la banda al estrellato. El single del disco, Go Your Own Way, escrito por Lindsey, alcanzó el Top Ten británico.

Su estilo de pop y sus arreglos contribuyeron enormemente al sonido de la banda y al éxito que lograron con “Rumours” y “Tango in the Night”, en los que contribuyó con muchas canciones y con el trabajo de producción.

Buckingham siempre fue identificado por ser uno de los principales generadores de ideas dentro de Fleetwood Mac, donde hacía las veces de arreglista y productor en cada uno de los discos que ejecutó con la banda, mostrando siempre inquietud por explorar nuevos sonidos, lo cual creaba tensiones dentro de la banda. De todas maneras, Buckingham como solista intentó explorar estos nuevos sonidos con técnicas de grabación sui-generis, instrumentación exótica y efectos vocales e instrumentales.

En 1981 abandonó la banda debido a su deseo de no hacer una gira y continuó con una breve carrera como solista, la que comenzó con el álbum “Law & Order”. El éxito mas destacable de este periodo es el tema Trouble, que alcanzó el puesto número 9 en el Billboard, prácticamente el único logro destacable de su carrera en solitario.

A continuado trabajando hasta el día de hoy. El último álbum que lanzó fue en 2011, llamado Seed We Sow, y posteriormente realizó una gira para promocionarlo.

Como curiosidad, Lindsey no toca con púa; usa sus dedos y uñas para rasgar las cuerdas. Cuando entró en Fleetwood Mac, usaba una guitarra Gibson Les Paul. Al salir de la banda, eligió la Fender Telecaster como guitarra principal. También ha usado alguna guitarra Ovation.

Como miembro de Fleetwood Mac fue incluido en 1998 en el Salón de la Fama del Rock.



Discografía en solitario
Law And Order (1981)
Go Insane (1984)
Out Of The Cradle (1992)
Under The Skin (2006)
Live At The Bass Performance Hall (2008)
Gift Of Screws (2008)
Seeds We Sow (2011)

Fuentes: Wikipedia, Flickr, Guitarra Fácil y Last.fm
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En el puesto número 99

Thurston Moore

Thurston Joseph Moore es un músico estadounidense conocido por ser vocalista, guitarrista, compositor y cofundador de la banda de rock Sonic Youth. Ha colaborado en numerosos proyectos musicales y ha grabado más de una decena de discos solistas, además es el fundador de la compañía discográfica Ecstatic Peace!.

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Moore nació en Coral Gables, Florida, pero creció en Bethel, Connecticut. Aunque se enlistó en la Universidad Estatal del Oeste de Connecticut, optó por mudarse a Nueva York atraído por la creciente escena post punk/no wave.

Una vez ahí Moore perteneció por un corto tiempo a la banda punk Even Worse. Después de abandonar la banda Moore y Lee Ranaldo aprendieron técnicas experimentales de guitarra en las "orquestas de guitarras" de Glenn Branca.

Moore y Ranaldo formaron Sonic Youth, siendo ellos los guitarristas, con Thurston de vocalista principal. La banda firmó en un inicio con Neutral Records para después cambiarse a la discográfica SST.

Él y Ranaldo son conocidos músicos experimentales, hacen uso extensivo de afinaciones poco usuales de guitarra, modificando sus instrumentos para darles entonaciones únicas. Para sus actuaciones en vivo llegan a tener listas alrededor de cincuenta guitarras para cada presentación, usando algunas para sólo una canción. Son famosos también por usar destornilladores y baquetas de batería para tocar sus instrumentos. En el 2004 la revista Rolling Stone enlistó a Thurston Moore y a Lee Ranaldo en el 33° y 34° lugar de su lista de Los 100 mejores guitarristas de la historia. Actualmente, se encuentra en el puesto Nº 99 según la revista estadounidense.



Discografía en solitario
Symphony No. 1 (con Glenn Branca, Lee Ranaldo y otros)
Psychic Hearts (1995)
Piece For Yvonne Rainer - con Yoshimi y Mark Ibold (1996)
MMMR - Loren Mazzacane Connors, Jean-Marc Montera, Thurston Moore y Lee Ranaldo (1997)
Legend of the Blood Yeti (1997) The Thirteen Ghosts, Derek Bailey y Thurston Moore
Root (1999)
Flipped Out Bride (2006)
Trees Outside the Academy (2007)
Mature, Lonely + Out of Control/Alternative Hair Styles (2008)
Built For Lovin (2008)
Sensitive/Lethal (2008)
Demolished Thoughts (2011)

Fuente: Wikipedia y Flickr
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Oscar Cigarrón
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Bien!!! Esperando más!!! Gracias Presidemente...

Unos cuantos solos de Lindsay Buckingham...

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Presidemente
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 98

Alex Lifeson

Músico canadiense, conocido por ser el guitarrista de la banda de rock progresivo Rush. Fundó Rush en el verano de 1968, y ha sido integrante de la banda desde entonces; es el guitarrista y además de tocar las guitarras eléctricas y acústicas, ejecuta otros instrumentos de cuerda. También hace los coros durante las presentaciones en concierto, y de vez en cuando toca el sintetizador. Lifeson, como los otros miembros de Rush, activa en tiempo real samplers de instrumentos no convencionales, mientras toca la guitarra. Aparte de la música, posee una pequeña compañía de su invención, “The Omega Concern”; es co-propietario del restaurante “The Orbit Room”, en Toronto; es aficionado al motociclismo y tiene licencia para pilotar aeronaves.

Junto con sus compañeros de banda Geddy Lee y Neil Peart, Lifeson fue condecorado con la Orden de Canadá, en el grado de oficial, el 9 de mayo de 1996, siendo el primer grupo musical en obtener dicho reconocimiento.

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Su verdadero nombre es Alexander Zivojinovich. Nació el 27 de agosto de 1953 en Ferni, Columbia Británica, Canadá. El nombre Lifeson viene de su apellido, que traducido significar “hijo de la vida”.

Con pocos años, su familia se muda a Toronto, y allí Lifeson inicia un periodo de aprendizaje de violin, el cual no llega a buen puerto. Con 13 años le regalan por navidad una guitarra acústica. Empieza a aprender a tocarla de forma autodidacta, tocando canciones de Jimi Hendrix, Jimmy Page y Eric Clapton.

Mas adelante comienza a trabajar en una gasolinera con el objetivo de comprarse una guitarra y fundar después una banda. Cumple sus propósitos y junto John Rutsey, batería, Mitch Bossi, Joe Perna y finalmente Lindi Young, bajistas, forman Hadrian, en 1968. Mas tarde cambian el nombre a The Projection y después a Rush, al mismo tiempo que entra al bajo Jeff Jones.

En sus comienzos, Rush estaba claramente influenciado por Cream y Led Zeppelin. El grupo no convence a Lifeson, el cual pide a un compañero de instituto, Geddy Lee, que se una a la banda como cantante y bajista (la banda que mas ha cambiado de bajista a lo largo de la historia, diría yo).

Pasó un tiempo hasta que la banda se asentó y consiguiese el sonido y estilo que buscaban. El álbum con el cual inician su subida a la fama es “2112″, publicado en 1976.

La guitarra de Lifeson toma especial protagonismo en el tema Xanadu, del álbum A Farewell to Kings, de 1977; en el tema La Villa Strangiato, del disco Hemispheres, grabado en 1978; y el tema Freewill, del álbum Permanent Waves, lanzado en 1980.

Debido al cambio de rumbo hacia un estilo más tecnológico y digital que toma Rush durante la década de los 80, la guitarra de Lifeson pierde gran protagonismo.

A partir de los 90, el papel protagonista de la guitarra vuelve a Rush. Se aprecia el cambio y el paso de los años en Lifeson, en cuanto a madurez musical y virtuosismo con la guitarra.

Alex Lifeson no solo ha trabajado en Rush, sino que ha desarrollado otra serie de trabajos y proyectos, aparte ha realizado gran número de colaboraciones con otros grupos y artistas.

Trabajos notables

El grueso del trabajo musical de Lifeson ha sido junto a su banda Rush, aunque también ha desarrollado una considerable cantidad de trabajo artístico fuera de ella:
En 1996, lanzó un álbum como solista, Victor. Sin embargo, en el mismo, Lifeson no utiliza su nombre artístico sino que el seudónimo Victor, de manera deliberada, para no provocar conflicto artístico con su trabajo en Rush. En este álbum participaron también su hijo Adrian, el bajista Les Claypool (de Primus) y el cantante Edwin (de I Mother Earth).
En 2006, junto a Geddy Lee y otros músicos, forma The Big Dirty Band, con la finalidad de proporcionar material para la banda sonora original de la película Trailer Park Boys: The Movie.
Como músico invitado, ha colaborado en los siguientes álbumes:
Alien Shores (1985), de la banda Platinum Blonde
Beyond Borders (1987) en la recopilación "Canadian Guitar Summit"
Greenway (1988) de Serious Business
Clean Slate (1988) de Clean Slate
The Big Picture, Dream on the Horizon: A Tribute to the Olympic Spirit (1988), junto a otros artistas
Smoke on the Water '90 (1990) contribución de varios artistas para Aid Armenia
Lost Brotherhood (1990) de Larry Gowan
Ragged Ass Road (1994) de Tom Cochrane
Scenery and Fish (1996) de I Mother Earth
Better Life (edición de 2001) de 3 Doors Down
Fear of a Blank Planet (2007) de Porcupine Tree

Compuso el tema musical de la primera temporada de la serie de TV Andrómeda, de Gene Roddenberry
Tocó regularmente con The Dexters (la banda habitual del local "The Orbit Room" entre 1994 y 2004)
La empresa Digitech solicitó a Lifeson la inclusión de su sonido característico en su nuevo sistema de efectos para guitarra "2120 Artist Studio", creando uno de los sonidos predeterminados, llamado "New Lerxst".



Equipo utilizado

Guitarras y amplificadores

En la primera etapa de Rush, Lifeson utilizó una Gibson ES-335 en la grabación de los primeros cuatro álbumes: "Rush"; "Fly by Night"; "Caress of Steel"; y "2112". Para la gira promocional de "2112", utilizó una Gibson Les Paul 1974 y amplificadores Marshall. Para las sesiones de grabación de "A Farewell to Kings", Lifeson comenzó a utilizar una Gibson EDS-1275 (de mástil doble, similar a la de Jimmy Page) para canciones como Xanadu, mientras que su guitarra principal se convirtió en la ya famosa Gibson ES-355 de color crema, con la mayor parte de su amplificación saliendo por amplificadores Hiwatt. Simultáneamente, utilizó varios pedales con efectos phaser, flanger y Wah-wah Cry Baby, junto con un amplificador Marshall Plexi Super Lead (que tiene un panel delantero hecho de plexiglás).

Ya a finales de los años 70, incorporó cada vez más la guitarra de doce cuerdas (acústica y eléctrica) y el efecto chorus (con el Boss Chorus Ensemble y, más adelante, el Roland Dimension C) en su sonido. En la época del álbum de 1982, Signals, la guitarra principal de Lifeson era una Stratocaster modificada con pastillas o micrófonos de doble bobinado Bill Lawrence Humbucker L-500 de alta potencia (un modelo más adelante hecho famoso por Dimebag Darrell) en la posición del puente, con un puente Floyd Rose.

A medida que los años 80 avanzaban, Alex Lifeson cambió sus micrófonos de pasivos a activos y de la amplificación por tubos de vacío a amplificación de estado sólido, con una cantidad cada vez mayor de procesamiento digital. Utilizó guitarras Stratocaster desde principios de los años 80 hasta 1986, en las grabaciones en estudio y en cada gira, desde "Permanent Waves" hasta "Power Windows". Para los álbumes "Moving Pictures" y "Signals", Lifeson utilizó hasta cuatro amplificadores marrones Marshall 4140 Club & Country, de 100 vatios, bastante poco comunes, que le daban a su guitarra el tono quizás más característico hasta hoy. Lifeson fue también, después, un patrocinante de la línea de amplificadores de estado sólido para guitarra Gallien-Krueger. A finales de los años 80, migró a amplificadores Carvin para grabar en estudio y a la ya extinta marca canadiense de guitarras Signature, tanto en concierto como en estudio.

Lifeson utilizó principalmente guitarras PRS (Paul Reed Smith) durante la grabación de "Roll the Bones" entre 1990 y 1991. Tanto en la grabación como en la gira promocional de "Counterparts" (1993), volvió a los amplificadores Marshall y continuó usando guitarras PRS. En una canción de ese álbum -Stick It Out-, Lifeson utilizó la Gibson Les Paul para crear un tono más profundo y más resonante en la frase principal, empleando la PRS únicamente para el solo de guitarra. Lifeson utiliza actualmente guitarras PRS, Gibson y Fender; amplificadores y gabinetes Hughes & Kettner Triamp MK II y zenTera. En 2005, Hughes & Kettner creó la serie de amplificadores Alex Lifeson y 50 dólares de cada amplificador vendido serán donados a UNICEF

Para la grabación del álbum "Snakes & Arrows", Alex Lifeson utilizó guitarras acústicas Garrison GGC-50-CE, OM-40 y GD25-12. Sin embargo, para la gira promocional del álbum, en 2007, ha instalado micrófonos Fishman Aura con sistema piezoeléctrico en sus guitarras Les Paul para simular el sonido de la guitarra acústica sin tener que cambiar de instrumento. Así mismo, sustituyó los cerebros de sus amplificadores zenTera y Hughes & Kettner por Switchblade (que, como los zenTera, incluyen efectos digitales programables, tales como chorus y delay, pero son alimentados por tubos en lugar de transistores), mientras que conserva su serie personalizada de amplificadores Hughes & Kettner. Los efectos que utiliza durante esta gira incluyen un rack multiefectos TC Electronics G-Force, un ampliador espacial TC Electronics 1210 y un delay/flanger Loft 440, así como los efectos incorporados en los cerebros Switchblade.

Otros instrumentos

Durante las presentaciones en vivo de Rush, Lifeson utiliza un controlador MIDI que le permite emplear sus pies para activar sonidos de samplers digitales, sin quitar sus manos de la guitarra (Lifeson utilizaba pedales Moog Taurus antes de que quedaran obsoletos y fuesen sustituidos por pedales MIDI en los años 80). Debido a que los tres miembros de Rush comparten el deseo de presentar sus canciones en concierto lo más fielmente posible con respecto a las versiones en estudio, a finales de los 80, la banda se equipó con un rack de samplers de gran capacidad. Rush utiliza dichos samplers para reproducir virtualmente todos los sonidos de instrumentos extraños, acompañamientos, armonías vocales y en general, todos los sonidos y secuencias complejas que anteriormente requerían de varias máquinas para producirse. Con la ayuda de esta tecnología, Lifeson y sus compañeros de banda se aseguran de que su sonido en concierto tenga la complejidad y fidelidad que los fanáticos esperan escuchar, sin la necesidad de utilizar pistas o agregar un músico invitado.

Además de las guitarras y efectos, Alex Lifeson también ha tocado mandolina y buzuki en la grabación de algunos álbumes de Rush.

Galardones

"Mejor Guitarrista Rock", por la revista Guitar Player en 1984
Primer finalista al premio "Mejor Guitarrista Rock", por la revista Guitar Player en 1982, 1983, 1985 y 1986
Exaltado al Salón de la Fama de "Guitar for the Practicing Musician" en 1991
Junto con Rush, exaltado al Salón de la Fama Juno, en 1994
Condecorado con la Orden de Canadá, en el grado de Oficial, junto con sus compañeros de banda Geddy Lee y Neil Peart, en 1996.
Mejor Concierto en Tour "Time Machine Tour 2010", Argentina. 2010


Fuentes: Wikipedia, Flickr y Guitarra Fácil
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En el puesto número 97

Steve Jones

Stephen Phillip Jones, mas conocido como Steve Jones, es un guitarrista británico reconocido mundialmente por ser co-fundador de Sex Pistols.

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Nació el 3 de septiembre de 1955 en Sheperd's Bush, Londres. Ha afirmado que su estilo de tocar la guitarra proviene de Johnny Thunders, Ron Asheton, Dave Davies, Mick Ronson y Pete Townshend, además sus primeras influencias fueron iconos del glam rock como David Bowie, T. Rex y Roxy Music. Es hijo único, de un boxeador amateur que abandonó a su familia cuando Jones tenía tan solo dos años.

Hasta los doce años se crio en Hammersmith con su madre, que trabajaba en una peluquería, y sus abuelos. Se mudaron a Benbow Road en Sheperd's Bush con su padrastro, donde vivían en un sótano con una habitación. Jones nunca tuvo una buena relación con su padrastro, que se ganaba la vida fabricando cocinas eléctricas. De adolescente Jones se volvió cleptomano, de hecho los equipos usados en las grabaciones de Sex Pistols fueron robados a Bob Marley durante su visita a Londres. Otras víctimas de Steve fueron Roxy Music, Rod Stewart y Keith Richards, entre otros. El propio Malcolm McLaren, quien fue manager de los Pistols, declaró que decidió representar al grupo por miedo a que Steve le robara. Jones es un autodidacta, su guitarra siempre fue una Gibson Les Paul Custom color crema que se la había robado a Mick Ronson en un concierto de David Bowie cuando él y sus compañeros de los Sex Pistols se hicieron pasar por los técnicos de la banda.

Por aquel entonces Steve y Paul Cook, que ya tenían su meta fijada, pasaban mucho tiempo en la tienda de Malcolm, viendo como desfilaban seres completamente idos.... Steve observando el panorama, le comentó a Malcolm sus intenciones y este último, que no se daba por vencido, quiso repetir experiencia de "inventar" un grupo y posible idealismo, e intentar ser profeta en su tierra. Así fue, Malcolm se preocupó de unir cuatro personalidades lo suficiente escandalosas para sus fines: Steve Jones, Paul Cook, Glen Matlcok, y Jhonny Roten ( parece ser que su "casting" fue cantar una canción de Alice Cooper frente al Jukebox de la tienda de Malcolm)

Todos ellos tomaron clases de guitarra. Llegaron a componer unas diez canciones, (la mayoria de Glenn Matlock, estupendo bajista por cierto), la "bomba" de Malcolm estaba a punto de estallar, tan solo pulir "el producto" y los lanzaría. Glenn tuvo que salir del grupo, por lo visto Glenn con su pinta de universitario no daba la imagen necesaria para tal efecto. -Adios Mr Glenn. ¿excusa? le gustaban demasiado los Beatles (excusa estrambótica, tanto como lo que más tarde ocurriría en el futuro del grupo). Para sustituir su ausencia echaron mano de otro tipo que merodeaba la tienda siempre intentado robar cualquier prenda, Sid Vicious.

Vamos a dar un gran salto (ya que la historia de los Sex Pistols por ahora no nos importa), y seguiremos las desventuras del genio que nos ocupa: Steve Jones.

Disuelta la banda, Steve y Paul se unen a miembros de Thin Lizzy para crear un grupo volátil y de escasa vida "The Greedie Bastards", también colaboran con Joan jett recreando el famoso "I Love R&R". Las drogas duras se cuelan en sus vidas, aun así tienen tiempo de formar "The Proffesionals", PowerPunk rudo y crudo, editan dos Lps, el primero con el mismo titulo que el nombre del grupo y un segundo titulado "I Didn't See It Coming", por cierto en busca y captura, las tiradas de los vinilos fueron sustanciosas pero no sus ventas.



A partir del cierre del grupo, Steve sigue con su particular acoso y derribo tanto a su vida personal como por el empeño de seguir en la brecha a costa de todo, se atreve a hacer una Jam (por decirlo de algún modo, ya que esta palabra parece ser de dominio de los grupos sureños) con nada menos que Jhonny Thunders, Mick Jones (The Clash) y Terry Chimes, Steve por aquel entonces (1982) esta inmerso totalmente en su infierno particular de heroína... no fue hasta el 86 cuando volvio a levantar cabeza. Definitivamente alejado de la "nieve", con su look totalmente cambiado, en la época que residia en Los Angeles y se paseaba con su Harley acompañado de tipos como Mickey Rourke y otros compañeros de carretera biker, colabora con Andy Taylor (ex guitarra de Duran Duran), en el Lp llamado "Thunder", pop pastoso con ciertos pasajes de guitarra Aol y dedide firmar con Rca la entrega de dos discos en solitario, "Mercy" y "Fire and Gasoline", muy distintos entre ellos. En "Mercy" se atreve a grabar voces, guitarra y bajo, diez canciones redondas donde el sonido hard sorprendentemente no predomina, es más, incluye alguna balada, entre ellas "Raining in my heart" que es mágica, como su titulo, el añadido de efectos de lluvia hace que te tranporte directamente al lastimero llóro de tu corazon. Como el disco tuvo escasa repercusión en ventas, dedice colaborar con Iggy Pop en el album de éste "Instintc". Fueron tiempos de hard rock, además de colaborar en este Lp , Steve le pone todas las guitarras, su eufórico estado de complacencia personal hace que llame a compañeros bikers para forjar un gran Lp, el segundo en solitario, "Fire and Gasoline", la lista de invitados es tan ilustre y dispar, que sale un Lp rotundo y macizo como pocos albumes de hard.

Repasemos a las figuras que colaboran en el proyecto "Fire and Gasoline": la parejita de The Cult, Ian Astbury y Billy Duffy, Axl Rose (si has leido bien), Nikky Sixx (bajo de Motley Crue), apuntar que en el formato Cd, se incluye un Bonus "Sufraggete City", si, si, la de Bowie, pero pasada de vueltas, realmente creo que mas que molestar a Bowie, creo que le ayudo a inspirar a "Tin Machine", otro grupo de Mr Bowie de corte Hard, si observáis, hay grandes nexos de union en esta fiebre "Hard Rock", Iggy amigo de Bowie, "Instintc" de Iggy grabado con Steve, los Cult que por aquel entonces grabaron "Sonic temple". Es realmente curiosa la posible coincidencia o influencia mutua entre todos ellos.

La compañía se deshace de Steve gustosamente por las escasas ventas de sus dos Lps. Steve mientras tanto sigue tocando en garitos de Los Angeles, se hace asiduo al local de Johnny Deep "Viper room" donde todas las noches sorprende ver a Iggy tocando junto a Steve, repasando clásicos de Iggy "Search and destroy", "Raw Power" y unirlos con "Anarchy in the Uk". Otros que se van haciendo asiduos son los Guns Duff y Matt Sorum, y siguiendo con las coincidencias entra a formar parte del gran círculo el hermano de Andy Taylor, Johnny el bajista de Duran Duran. De estas sesiones y ya situados en 1996, se unen Steve, Duff, Matt y Jhonn para formar una roca de grupo "Neurotic Outsiders", vaya pedazo de disco ¡!! Punk acelerado!!!, aún asi Steve tiene tiempo para dedicar una canción a sus viejos amigos Jhonny Roten y Sid Vicious en la emotiva "Union"

Hasta la fecha las sesiones en el "Viper room" no cesan; Mel C de las Spice girls subió a cantar hace poco con Steve, y durante todo este tiempo hasta la actualidad no podemos olvidar las colaboraciones y producciones de Steve en diversos grupos. Colaboró con el cantante de "Suicidal tendencies" en su album en solitario, produjo a "The Poor Boys", también echó una mano a "Buckcherry", y no olvidemos la triste reunión de Los Pistols por el 86 con la ironica frase "The FilthyLucre"

Discografia y Colaboraciones

-1977 -The Sex Pistols (Componente,Guitarra "Never mind the bollocks"
-1979/80 "-1979 ","The great Swindle of R&R)
-The Greddies (Guitarras,grupo paralelo a Thin Lizzy) 1 cancion grabada para el album recopilatorio "It´s Chisrtmas time"
-1979 - Colaboración de Steve y Paul con Sham 69 en directo
-1979 - Steve colabora con Avengers
-1980/81- The Proffesionals (Voz y Guitarras, "The Proffesionals", "I did´t see in cooming")
-1980 - Guitarras en 4 canciones de "Alone" de Johnny Thunders
- Bootleg (edición no autorizada) de Johnny Thunders, Steve y Paul tocan "Beboop a lula" y "Steapingg stone"
-1980 - Steve y Paul producen y tocan en un single para Joan Jett "You Don't Own Me", "Don´t abuse me"
-1980 - Steve toca en dos canciones en el album de Siousie "Kaleidoscope"
-1981 - Steve colabora con Genx y toca en "Dancing with myself", "Untouchables"
-1982 - Steve colabora con Kraut en varios singles.
-1983 - Steve y Paul junto a Joan Jet regraban "I love r&R"
-1984 - En un Lp tributo a Johnny Thunders Steve y Paul tocan "Leave me alone" de Patti Palladin.
-1984 - Colaboracion con Iggy Pop en la Bso "Repoman"
-1986 - Steve aporta la guitarra en Lps para Michael Des Barres
-1986 - Colaboración en el album de Iggy Pop "Blah, blah, blah"
-1986 - Colaboración con Andy Taylor, toca el sitar en "Angel eyes"
-1986 - Cede para la Bso de Sid Y Nancy "Pleasure and Pain", una versión distinta a la que aparecio en su album Mercy
-1987 - Edita en solitario el album "Mercy"
-1988 - Steve toca en el album de Bob Dylan "Down in the grove" en "Sally sue brown"
-1988 - Colaboracion con Megadeth en el single "So Far, So Good...So What"
-1989 - Colaboracion en el album de Don Jonson
-1989 - Colaboración con Iggy Pop en "Instinct", Steve pone todas las guitarras del album, mas dos composiciones junto a Iggy
-1989 - Edita en solitario "Fire and Gasoline"
-1993/94 - Colaboración con el grupo Pilsen (Argentino) en los albumes "Bajo otra bandera" y "Bestiario"
-1995 - Colaboración con Cyco Miko de Suicidal Tendencies en el album "Lost my brain"
-1995 - Colaboración en el album de Jhonn Taylor "Feelings Are Good And Other Lies"
-1996 - Edita el album "Neurotic Outsiders" junto a Duff, Matt Sorum y Jhonn Taylor.
-1997 - Colaboración con Insane Clow Pose, toca en "Piggy Pie" del album "The great milenko"
-1999 - Coproduce el album de Buckerry (mismo titulo)
-1999 - Toca la guitarra en la canción "I Want You Back" de Mel C
-1999 - Para el album de tributo a Alice Cooper, reune a Nuerotic Ooutsiders y graban "Elected"
-2000 - Colaboración con American Pearl en el Lp del mismo titulo, toca en "California"

En 2007, Jones se reunió junto a John Lydon, Glen Matlock y Paul Cook con los Sex Pistols, quienes continúan realizando ocasionalmente shows hasta la fecha.

En 2011, la revista Roling Stones ubicó a Jones en el puesto 97, en su segunda lista "Los 100 mejores guitarristas más grandes de todos los tiempos".


Fuentes: IndyRock, Flickr y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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En el puesto número 96

Bruce Springsteen

The Boss, es un reconocido guitarrista, cantante y compositor de rock estadounidense, ampliamente conocido por su música, vinculada a letras poéticas y a sentimientos tradicionales estadounidenses y relacionados particularmente con su Estado de origen, Nueva Jersey, uno de los más industriales de Estados Unidos.

Las grabaciones de Springsteen han tendido a alternar, a lo largo de cuatro décadas, entre el rock y otros trabajos orientados hacia el folk, así como el llamado heartland rock. Gran parte de su éxito deriva de su vinculación a la E Street Band, presente en una gran parte de sus grabaciones, y especialmente relevante por su particular sonido y su profesionalidad en el escenario, llegando a ofrecer conciertos de más de tres horas de duración.

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En su extensa trayectoria musical, Bruce Springsteen ha sido galardonado con numerosos premios, incluyendo veinte premios Grammy, dos Globos de Oro y un Premio de la Academia. Ha vendido 65 millones de álbumes en Estados Unidos y 120 en todo el mundo.

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli nació en Long Branch, New Jersey, EE UU, el 23 de septiembre de 1949 de padre irlandés (Douglas Springsteen) y de madre italiana (Adele Zirilli). Pasó su infancia y años escolares en Freehold, New Jersey. Asistió a un colegio católico. Su férreo carácter pronto se hizo notar y tuvo varios choques con el centro y con otros compañeros. Después se fue a otro centro, donde igualmente no se encontraba del todo cómodo, y mostró ésta disconformidad a lo largo de su estancia.

El motivo que le impulsó a estudiar música, Elvis Presley. Le vio actuar en un programa de TV y le llamó tanto la atención que decidió dedicarse a la música. Compra su primera guitarra a los 13 años y a los 16 su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba 60 dólares, evento que rememoraría años más tarde en su canción "The Wish". En 1965, ingresa en la banda The Castiles, en la cual interpreta los roles de guitarrista solista, aunque posteriormente asumiría también el papel de vocalista principal. El grupo llegó a grabar dos temas y dar algún que otro concierto, incluyendo el local Cafe Wha? de Greenwich Village.

A finales de los 60, Bruce Springsteen tocaba en una banda llamada Earth con la que dieron varios conciertos por los bares de Nueva Jersey. Durante este periodo, adquirió el sobrenombre de "The Boss" debido a su trabajo a la hora de percibir el pago en los conciertos y de distribuirlo entre sus compañeros. Desde 1969 a 1971, Bruce Springsteen toca, junto al guitarrista Steve Van Zandt, el organista Danny Federici, el batería Vini López y el bajista Vinnie Roslin, en la banda llamada Child, banda que luego pasa a llamarse Steel Mill con la adición del guitarrista Robbin Thompson. Con la posterior entrada del pianista David Sancious, el núcleo de lo que más tarde se convertiría en la E Street Band ya estaba formado, con ocasionales aportes de una sección de vientos, un grupo vocal femenino conocido como The Zoometes y Southside Johnny Lyon en la armónica..

Con Steel Mill vive una de sus épocas de mayor éxito. En cada concierto que realizaban, ganaban más y más fans. La cualidad que Bruce poseía para escribir canciones hizo que John Hammond, productor musical, le llamara en 1972 para realizar una audición. La audición sale bien y John Hammond contrata a Bruce Springsteen para Columbia Records.

El primer disco oficial de Bruce, editado en enero 1973, fue "Greetings from Asbury Park, N.J.". Se vendieron apenas 25.000 copias y tuvo poca acogida por la crítica. Su siguiente disco, "The Wild, the Innocent and the E street Shuffle", editado en septiembre del mismo año, tuvo una repercusión mayor. Estos dos discos se caracterizaron por canciones largas y densas con gran expresividad en las letras.

En 1975 se publica "Born to Run", álbum que contiene algunas de las mejores composiciones de su carrera y que llevó mucho trabajo a Springsteen y su E Street Band (14 meses en total de los cuales 6 fueron para la canción que da título al disco), pero el tiempo empleado no fue en vano, y dicho álbum se convirtió en el disco de mayor éxito de Bruce y uno de los mas importantes en la historia del rock. En la radio, "Born to Run", "Jungleland" o "Thunder Road", sonaban frecuentemente.

Debido a problemas con su ex-representante, Mike Apple, Bruce Springsteen no tuvo la posibilidad de continuar con su labor productora durante dos años, hasta que llega a un acuerdo con Apple. Estos dos años, entre 1975 y 1978, los aprovechó para promocionar con una gira por Europa y Estados Unidos el disco "Born to Run" y así forjar su leyenda, y la de la E Street Band como la mejor banda de rock que había pisado los escenarios después de los Stones.

En 1978 publicó “Darkness on the edge of town”, uno los discos más emblemáticos de su carrera, comienzo de su mejor etapa como poeta urbano, con historias desgarradoras de lucha y supervivencia protagonizadas por indivíduos viviendo en los márgenes del sueño americano. En éste album se aprecia la evolución y madurez de la conciencia política de Bruce Springsteen.

Dos años después, en 1980, llega a su madurez musical con "The River", que continúa con la temática de la vida obrera, álbum doble que le catapultó de nuevo al número uno. Un derroche de rock and roll y expresividad que lo llevó a la cima. Sin embargo, cuando todo el mundo esperaba continuidad en su música, Springsteen da un cambio en su estilo con el álbum "Nebraska", un álbum acústico grabado de forma casera con una máquina de 4 pistas en un cuarto de su casa, donde nuevamente el lado más amargo de la América profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social. Éste álbum no obtuvo la total aprobación de las masas, pero entre los críticos y amantes de la música si que es un álbum de referencia en la carrera de Bruce Springsteen.

Fue a mediados de los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos y de todo el mundo, gracias a su disco “Born in the U.S.A.” (1984), del cual lleva vendidas más de 40 millones de copias en todo el mundo. Después de este disco, abandonó la banda Steve Van Zandt, siendo sustituido por el antiguo "Crazy Horse" Nils Lofgren. Además se incorporó a la banda Patty Scialfa, su actual esposa, madre de sus tres hijos, y la causante directa de la ruptura posterior de la E Street Band por sus diferencias con Clarence Clemons, amigo de Springsteen desde 1967.



En 1987 saca a la luz “Tunnel of love” que nos presentaba a un Springsteen más romántico e íntimo, interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales. Fue número 1 fulgurante y en su elaboración ya se anunciaban algunos cambios en la trayectoria del Boss, ya que por primera vez no llamó a toda la E Street Band para su grabación sino que preparó, por su cuenta, las diferentes canciones llamando esporádicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en la finalización de las composiciones. Sería la última gira mundial con sus amigos de Jersey hasta 1999.

A partir de 1991 comienza una nueva etapa en la carrera del músico norteamericano, con dos álbumes que por primera vez no obtienen el apoyo de crítica y público que acostumbraba. “Human Couch” (1992) grabado en Los Angeles con diferentes músicos de estudio y “Lucky town” (1992), grabado por él mismo en el garaje-estudio de su casa. Éstos pasan por los dos trabajos más discretos del artista y la gira realizada a continuación, mostrada tímidamente en “MTV unplugged” en 1993, realizada con músicos desconocidos pero que no podían competir contra el espectro de la mítica E Street Band, fue una de las giras que menos apoyo recibió por parte de sus seguidores.

En 1994 obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción “Streets of Philadelphia” incluida en la banda sonora de la película “Philadelphia” (1992) y con ello comenzó a recuperar parte del prestigio puesto en duda en su última etapa musical.

En 1995 sorprendió al mercado con un movimiento similar al que hizo en 1982 publicando “The Ghost Of Tom Joad”, trabajo íntimo, principalmente acústico, basado en la novela de John Steinbeck “Las uvas de la ira” donde aparece el cantante de New Jersey en soliratio relatando historias nuevamente de aquellos personajes que son dejados de lado en la carrera por el sueño americano.

En 1998 publicó “Tracks”, una caja de 4 CDs que incluían una amplia selección de material descartado a lo largo de su carrera, un material que de una forma u otra no encajó en sus anteriores trabajos. Este álbum le sirvió, ahora si, para volver a los escenarios junto a la E Street Band en una gira mundial de la que salió “Live in New York City”, álbum y DVD en directo, grabados durante dos de las diez noches consecutivas que actuó en el Madison Square Garden, Nueva York, con las entradas agotadas y con la controversia en torno a la canción "American Skin (41 Shots)", compuesta tras la muerte de Amadou Diallo a manos de la policía neoyorkina en un caso de brutalidad policial y racismo a ojos de la opinión pública.

Ya en el nuevo siglo, se produce un giro importante en su carrera. Graba el álbum “The Rising” en 2002 con un nuevo productor, Brendan O’Brien. El cambio de sonido es evidente y vuelve a las raíces de su rock más puro y demoledor, incorporando nuevos instrumentos y armonías. Algunas de las letras están inspiradas en los atentados del 11 de septiembre Nueva York. El éxito fue rotundo y propició una nueva gira mundial (su gira más extensa desde “Tunnel of Love Express” en 1987), y un nuevo directo “Live In Barcelona” que recoge el concierto celebrado en el Palau Sant Jordi el 16 de Octubre de 2002.

En 2004, Springsteen anunció su participación en la gira “Vote for Change” junto a la E Street Band y otros músicos y grupos como John Mellencamp, John Fogerty, Dixie Chicks, Pearl Jam, R.E.M. y Jackson Browne. Los conciertos fueron programados en "estados clave" para beneficio de American Coming Together y con el fin de animar a la gente a ejercer su derecho al voto. Si bien previamente Springsteen había ofrecido conciertos en favor de causas benéficas como la lucha contra la energía nuclear o a favor de los veteranos de Vietnam, su participación en “Vote for Change” supuso la primera vez en la que Springsteen declaraba abiertamente su voto al Partido Demócrata, y especialmente al candidato a la Presidencia John Kerry. Durante la campaña electoral, Kerry usó el tema de Bruce "No Surrender" como canción principal, llegando incluso a contar con la participación de Bruce en los últimos actos electorales.

“Devils & Dust” se editó el 26 de abril de 2005 y se grabó sin la E Street Band. Es un álbum discreto, en su mayoría acústico, con un estilo muy parecido a “Nebraska” y “The Ghost of Tom Joad”, aunque con más instrumentación. Algunas canciones fueron escritas unos 10 años antes, durante la gira “The Ghost of Tom Joad”, o poco después. La canción que da nombre al disco trata de los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003.

Springsteen comenzó su gira en solitario “Devils & Dust Tour” al mismo tiempo que el lanzamiento del álbum, tocando tanto en grandes escenarios como en pequeños locales. A diferencia de la gira en solitario tras la publicación de "The Ghost Of Tom Joad" a mediados de los 90, Bruce tocó el piano, el piano eléctrico, el órgano, el autoarpa, el ukelele, el banjo, la guitarra eléctrica y el pedal steel, así como la guitarra acústica y la armónica, lo que aportó variedad al sonido en solitario. (En algunas canciones se hizo uso de un sintetizador, otra guitarra acústica y de percusión, aunque sin aparecer en el escenario.)

Tras finalizar la gira, Springsteen se involucró en la grabación de un disco folk homenaje a Pete Seeger y a la tradición americana, publicado en abril de 2006 bajo el título “We Shall Overcome: The Seeger Sessions”. El álbum fue grabado junto a una larga lista de músicos, entre los que figuran miembros de The Miami Horns, la violinista Soozie Tyrell y su propia esposa, Patti Scialfa, formando el grupo The Seeger Sessions Band.

En julio de 2007 se publica “Live in Dublin”, una selección de temas interpretados durante tres conciertos en el Point Theatre de Dublín.

El 2 de octubre de 2007 se publica “Magic”, primer trabajo de Bruce con la E Street Band en cinco años.

El 27 de enero de 2009 publica un nuevo trabajo de estudio, “Working on a dream”, dedicado a la memoria del teclista Danny Federici, fallecido en abril de 2008.

Tras la muerte del saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons, el 18 de junio de 2011, Springsteen comenzó a grabar un nuevo álbum de estudio producido por Ron Aniello y dedicado por Bruce a la memoria de Clemons, “Wrecking Ball” publicado el 6 de marzo de 2012.

Discografía
* Greetings from Asbury Park, N. J. (1973)
* The wild, the innocent, and the E street shuffle (1973)
* Born to run (1975)
* Darkness on the edge of town (1978)
* The river (1980)
* Nebraska (1982)
* Born in the U.S.A.( 1984)
* Live 1975-1985 (1986)
* Tunnel of Love (1987)
* Chimes of Freedom (1988)
* Human touch (1992)
* Lucky town (1992)
* In concert MTV unplugged (1993)
* Greatest hits (1995)
* The ghost of Tom Joad (1995)
* Tracks (1998)
* 18 tracks (1999)
* Live in New York City (2001)
* The rising (2002)
* The essential Bruce Springsteen (2003)
* Live in Barcelona DVD (2003)
* In concert MTV unplugged DVD (2004)
* Devils & dust ()
* Storytellers DVD (2005)
* Born to run - DVD 30th Anniversary Edition (2005)
* Hammersmith Odeon, London ‘75 (2006)
* We Shall Overcome: The Seeger Sessions (2006)
* Live In Dublin (2007)
* Magic (2007)
* Working on a Dream (2009)
* Wrecking Ball (2012)


Premios y reconocimientos

Premios Grammy
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina en 1985 por "Dancing in the Dark".
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal rock solista en 1987 por "Tunnel of Love".
Premio Grammy a la canción del año en 1994 por "Streets of Philadelphia".
Premio Grammy a la mejor canción rock en 1994 por "Streets of Philadelphia".
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina en 1994 por "Streets of Philadelphia".
Premio Grammy a la mejor canción escrita para una película, televisión u otro medio visual en 1994 por "Streets of Philadelphia".
Premio Grammy al mejor álbum folk contemporáneo en 1996 por The Ghost of Tom Joad.
Premio Grammy al mejor álbum de rock en 2002 por The Rising.
Premio Grammy a la mejor canción de rock en 2002 por "The Rising".
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina en 2002 por "The Rising".
Premio Grammy a la mejor interpretación rock de un dúo o grupo con vocalista en 2002 por "Disorder in the House" (con Warren Zevon).
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal rock solista en 2004 por "Code of Silence".
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal rock solista en 2005 por "Devils & Dust".
Premio Grammy al mejor álbum folk tradicional en 2006 por We Shall Overcome: The Seeger Sessions.
Premio Grammy al mejor video musical de gran formato en 2006 por Wings For Wheels: The Making Of Born to Run.
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal rock solista en 2007 por "Radio Nowhere".
Premio Grammy a la mejor canción de rock en 2007 por "Radio Nowhere".
Premio Grammy a la mejor interpretación rock instrumental en 2007 por "Once Upon ATime In The West".
Premio Grammy a la mejor canción de rock en 2008 por "Girls in Their Summer Clothes".
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal rock solista en 2010 por "Working On A Dream".

Premios de la Academia
Óscar a la mejor canción original en 1993 por "Streets of Philadelphia", de la película Philadelphia.

Premios Emmy
El especial de HBO Bruce Springsteen & the E Street Band: Live In New York City ganó dos Premios Emmy de los cuatro a los que estaba nominado.

Otros reconocimientos
Ganó un Globo de Oro a la mejor canción original en 1994.
Premio de la Música Polar en 1997.
Inducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999.
Inducido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1999.
Inducido en el Salón de la Fama de Nueva Jersey en 2007.
La canción "Born to Run" fue nombrada "himno juvenil no oficial de Nueva Jersey" por la legislatura estatal de Nueva Jersey, algo que Springsteen calificó de irónico al considerar que la canción trata sobre "su abandono de Nueva Jersey".
El planeta 23990, descubierto el 4 de septiembre de 1999 por I.P. Griffin en Auckland, Nueva Zelanda, fue nombrado Bruce Springsteen en su honor.
Ganó el Premio de la Crítica de la Broadcast Film Critics Association y el Globo de Oro a la mejor canción original con el tema "The Wrestler" en 2009, por las película homónima.


Fuentes: Wikipedia, Flickr, Last.fm y Guitarra Fácil

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En el puesto número 95

Roger McGuinn

James Roger McGuinn conocido artísticamente como Roger McGuinn, previamente como Jim McGuinn, y nacido James Joseph McGuinn III el 13 de julio de 19421 es un cantautor y guitarrista estadounidense. Es conocido sobre todo por haber sido el cantante y guitarra solista en muchos de los discos de The Byrds. Es un miembro del Rock and Roll Hall Of Fame por su trabajo con los Byrds.

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James Joseph McGuinn III nació en Chicago, Illinois, el 13 de julio de 1942. Sus padres, James y Dorothy, tenían trabajos relacionados con el mundo del periodismo y la publicidad. Cuando el pequeño Jim tenían cinco años, sus padres consiguieron un gran éxito con un libro escrito por ambos, titulado Parents Can’t Win (Los padres no pueden ganar). La familia McGuinn, que poco tiempo después aumentó en número, tras el nacimiento de otro hijo, Brian, se trasladó a Florida y luego a Nueva York, para, finalmente, recalar de nuevo en Chicago.

McGuinn acudió a la Latin School of Chigago. Se interesó en la música tras oír “Heartbreak Hotel”, de Elvis Presley, y les pidió a sus padres que le comprasen una guitarra. También recibió la influencia de grupos y artistas como Johnny Cash, Carl Perkins, Gene Vincent y The Everly Brothers.

Cuando Jim McGuinn tenía 15 años, tomó la firme decisión de dedicarse a la música tras asistir a una sesión en su colegio en la que el cantante Bob Gibson iba relatando historias tradicionales, a la vez que interpretaba algunas melodías con su banjo.

Jim se matriculó inmediatamente en la recién inaugurada Old Town School Of Folk Music de su Chicago natal, donde aprendió a tocar la guitarra y el banjo, además de hacerse con un vasto repertorio de música folk. Pronto empezó a deambular por los locales de la ciudad, como el Café Oblique o el Café Roué, intentando ganar unos dólares. Jim actuaba en solitario o en compañía de otros músicos, mientras sus oídos estaban muy atentos, no sólo a la música folk, sino también al rock and roll, estilo ante el que McGuinn, como tantos y tantos jóvenes norteamericanos, sucumbió. Elvis Presley fue entonces, y ha seguido siendo a lo largo de toda su vida, uno de sus grandes referentes.

Un trío folk, llamado Los Limeliters, se fijaron en las habilidades como instrumentista del joven McGuinn y le contrataron para que les acompañara en diversas actuaciones por California en el verano de 1960, además de grabar junto a ellos un álbum en directo "Tonight In Person" que se convirtió en uno de los discos más populares de toda la carrera de Los Limeliters, alcanzando el puesto número 5 en las listas norteamericanas.

Tras su colaboración con Los Limeliters, Jim McGuinn se trasladó hasta San Francisco, intentando labrarse un futuro como músico folk. Allí recibió una llamada para que se incorporara como músico de acompañamiento a The Chad Mitchell Trio, otro de los numerosos grupos que proliferaron en Norteamérica siguiendo la estela dejada por el éxito de Kingston Trio en particular y del revival folk en general. Jim McGuinn estuvo acompañando a The Chad Mitchell Trio durante dos años, lo que le permitió vivir de cerca la explosión folk que se estaba desarrollando en aquellos momentos en el Greenwich Village neoyorquino, recorrer Estados Unidos de costa a costa, además de realizar una gira por Centroamérica y Sudamérica y grabar junto a ellos un par de LPs, "Mighty day on campus" en 1961 y "At the bitter end" en 1962.

La habilidad de McGuinn tocando la guitarra acústica y el banjo tampoco pasó desapercibida para una de las grandes estrellas de la música norteamericana, Bobby Darin, quien le contrató para que le acompañara durante un apartado de sus shows que dedicaba a interpretar canciones con aire folk. Los problemas vocales que aquejaron a Darin a principios de los años sesenta, hicieron que McGuinn tuviera que dedicarse a trabajar como compositor a sueldo en la editora musical propiedad del crooner neoyorquino.

En 1963, un año antes de cofundar los Byrds, trabajaba como músico de estudio en Nueva York, grabando con Judy Collins y el dúo formado por Paul Simon y Art Garfunkel. En aquella época, cuatro jóvenes ingleses que se hacían llamar The Beatles, conquistaron Estados Unidos con una canción titulada "I want to hold your hand" y con una memorable aparición televisiva en el Ed Sullivan Show que ya forma parte de la historia de la música y de la televisión. McGuinn quedó prendado del sonido y la imagen de Los Beatles y enseguida se hizo con una copia de "Meet The Beatles", el primer álbum norteamericano del cuarteto de Liverpool. Se aprendió todas las canciones e incorporó a su estilo tradicional las influencias de sus nuevos ídolos, pero el purista público folk de Nueva York no parecía compartir aquellos aires renovadores.

En la primavera de 1964, Jim recibió una llamada desde Los Angeles de su amigo Bob Hippard, comentándole que en el Troubadour, uno de los más afamados locales de música folk de la ciudad, estaban buscando un cantante como telonero de los conciertos que iban a ofrecer en dicho club Roger Miller y Hoyt Axton. McGuinn decidió emigrar a California. Quizás en Los Angeles, una ciudad aparentemente más abierta que Nueva York, podría alcanzar el éxito que perseguía.

Una noche en la que estaba interpretando una canción de Los Beatles con su guitarra acústica en el Folk Den, un espacio dentro del Troubadour, se le acertó un tipo y le preguntó si podía cantar con él. Su nombre era Gene Clark. Así fue como empezó a forjarse la historia del mejor grupo norteamericano de todos los tiempos: Los Byrds.

Poco después se unió a ellos David Crosby, quien les puso en contacto con un productor de Los Angeles llamado Jim Dickson que tenía acceso gratuito a los estudios de grabación World Pacific. McGuinn, Clark y Crosby se bautizaron como Los Jet Set y todas las noches ensayaban y grababan bajo la supervisión de Jim Dickson, quien poco a poco fue dando forma al grupo que tenía en mente. La incorporación de Michael Clarke como batería y de un mandolinista de bluegrass llamado Chris Hillman como bajista, completaron la formación original de Los Byrds.



Damos un salto en su vida y nos vamos hasta después de la separación de los Byrds.

Durante el segundo semestre de 1973, período en el que murieron dos ex byrds, Clarence White, gran amigo de McGuinn, y Gram Parsons, Roger McGuinn estuvo promocionando en directo su álbum de debut con una banda reunida al efecto a la que bautizó como “Adventures of Roger McGuinn” y que estaba formada por el teclista Michael Wofford, David Vaught al bajo y John Guerin a la batería.

Roger decidió disolver su banda de acompañamiento, con la que se había decantado hacia sonidos próximos al jazz rock y, a principios de 1974, inició una larga serie de conciertos en solitario, acompañado tan sólo de su guitarra acústica, su banjo y, como no, su Rickenbacker.

Está actividad en directo se simultaneó con la grabación de su segundo álbum en solitario, "Peace on you", publicado en agosto e 1974 y para el que se rodeó de excelentes músicos, contando además con la colaboración en diversos temas de Tommy Tedesco, Dan Fogelberg, Al Kooper o los ex Turtles Mark Volman y Howard Kaylan (Flo and Eddie).

La banda que McGuinn reclutó para la promoción de "Peace on you" estuvo formada por músicos procedentes del country rock: Richard Bowden a la guitarra, Steve Love al bajo, David Lovelace a los teclados y Greg Ataway a la batería. Estos mismos músicos son los que colaboraron con McGuinn en la grabación de su tercer LP titulado "Roger McGuinn & Band", quizás el peor LP de toda su discografía.

El disco recibió muy malas críticas y terminó siendo un fracaso comercial. El propio McGuinn reconoció que era uno de sus peores trabajos hasta la fecha, al haberse grabado en una época en la que su cabeza más que en el estudio de grabación estaba en otros temas: sus problemas financieros, su adicción a las drogas o el divorcio de Linda, su tercera mujer.

El mundo alrededor de McGuinn parecía empezar a desmoronarse cuando una noche, mientras tomaba unas copas en el Botton Line de Nueva York, se encontró con Bob Dylan, quien le ofreció la posibilidad de que se uniera a él en una gira que iba realizar por Estados Unidos, llamada "Rolling Thunder Revue". McGuinn aceptó el ofrecimiento de Dylan y durante las dos partes de la gira (otoño de 1975 y primavera de 1976), McGuinn vivió una de las mejores etapas de su vida. Una experiencia de la que recuerda especialmente el compañerismo que se vivió entre los músicos. Allí estaban, entre otros, además de Dylan, Joan Baez, Ramblin' Jack Elliott, Kinky Friedman o Bob Neuwirth.

Roger McGuinn grabó entre medias de las dos tandas de la gira uno de sus mejores álbumes en solitario, "Cardiff Rose", acompañado por varios músicos que también estaban participando en la Rolling Thunder Revue: Mick Ronson, que además se encargó de producir el álbum, el guitarrista David Mansfield, Rob Stoner al bajo, y Howie Wyeth a la batería.

McGuinn decidió bautizar al grupo de acompañamiento que formó para promocionar Cardiff Rose, como The Thunderbyrd y actuó junto a ellos por Estados Unidos e Inglaterra durante la segunda mitad de 1976, pero no estaba contento con el sonido del grupo y reestructuró la banda, que pasó a denominarse Thunderbyrd II, presentando la siguiente formación: Rick Vito a la guitarra, Charlie Harrison al bajo y Greg Thomas a la batería. Con estos músicos, McGuinn inició la grabación de un nuevo álbum, el cual vería la luz en marzo de 1977 con el título de "Thunderbyrd".

En agosto de ese año, Roger McGuinn, Gene Clark y Chris Hillman empezaron a sopesar la posibilidad de unirse para grabar un disco y realizar una gira juntos y finalmente, en enero de 1978, iniciaron su andadura como trio. A mediados de año, el trío, acompañado por el batería de Poco, George Grantham, realizó una gira por Australia y Nueva Zelanda, tras la que firmaron un contrato con el sello Capitol con el compromiso de publicar seis LPs. El primero de ellos, se tituló simplemente "McGuinn, Clark & Hillman".

En enero de 1980 sale a la luz el segundo álbum del trío con el titulo de "City" y poco después abandona la formación Gene Clark. El dúo no duraría mucho, ya que en 1981 viendo el fracaso del tercer álbum "McGuinn - Hillman", los dos músicos decidieron retomar caminos separados.

Durante la década de los ochenta, McGuinn no publicó ningún otro álbum. Sin contrato discográfico, se centró en realizar actuaciones en directo por Estados Unidos y Europa, normalmente sin grupo de acompañamiento. Tras casi catorce años sin publicar un disco, McGuinn sorprendió a propios y a extraños, en 1991, con un LP que llevaba por título "Back from Rio".

Back From Rio es un disco excelente, el mejor de McGuinn en su etapa en solitario. El sonido de la Rickenbacker hace que el álbum resplandezca, y lo hace de una forma actual, sin caer en la relectura del estilo byrd. Para la ocasión, McGuinn se hizo acompañar de excelentes músicos compositores y cantantes, entre los que figuraban Elvis Costello, Tom Petty, David Crosby, Chris Hillman, Dave Stewart o Jeff Lynne.

En noviembre de 1996 se publicó el álbum "Live from Mars", un LP en directo en el que McGuinn da un repaso a su larga trayectoria como músico.

A mediados de la década de los noventa, Roger McGuinn puso en marcha un ambicioso proyecto, al que denominó Folk Den, destinado a preservar la música folk norteamericana, comprometiéndose a colgar una canción cada mes en una página web creada al efecto. En 2001, se publicó "Treasures from the Folk Den", un CD con 18 canciones y, en noviembre de 2005, diez años después del inicio del proyecto, se puso a la venta una caja recopilatoria "The Folk Den Project 1995-2005" con cuatro CDs en los que se incluyen 100 canciones que McGuinn ha ido incorporado al proyecto desde su creación.

En septiembre de 2004 McGuinn pasó por España, actuando en septiembre de 2004 en la jornada de clausura del festival Azkena Rock en Vitoria-Gasteiz. Dicha actuación vio la luz en un CD publicado en marzo de 2007 con el título de "Live from Spain".

Discografía
Roger McGuinn (1973)
Peace on You (1974)
Roger McGuinn & Band (1975)
Cardiff Rose (1976)
Thunderbyrd (1977)
McGuinn, Clark & Hillman (1978) (con Gene Clark y Chris Hillman)
City (1980) (con Chris Hillman, incluyendo a Gene Clark)
McGuinn - Hillman (1981) (con Chris Hillman)
Back from Rio (1990)
Born to Rock and Roll (1991)
Live from Mars (1996)
McGuinn's Folk Den (4 discos) (2000)
Treasures from the Folk Den (2001)
Limited Edition (2004)
The Folk Den Project (2005)
Live from Spain (2007)

Fuentes: Wikipedia, Flickr y Fernando López Chaurri
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y no llega a una libra en total,
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por furia »

ALAAAAAque desproporcionao :D-: ,ya tienes pa medio año :bravo:
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por brabolarra »

Presi, estupendo trabajo que nos estas presentando. Me lo he pasado en grande escuchandolos. :Y):
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waka
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por waka »

furia escribió:ALAAAAAque desproporcionao :D-: ,ya tienes pa medio año :bravo:

jeje, la verdad es que necesito tener un buen rato para digerirlo todo :): , buen trabajo presi
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 94

Peter Buck

Peter Buck músico estadounidense co-fundador y guitarrista principal de R.E.M., una de las bandas pioneras del denominado rock alternativo y más populares de las décadas de los años 1980 y los 90.

El estilo de guitarra de Buck es simple y distintivo al mismo tiempo. Utiliza ampliamente las cuerdas abiertas para crear pegadizas melodías pop. Su sonido, especialmente en la mitad de la carrera de R.E.M., cuando la banda tuvo su pico de popularidad, ha sido asociado con las guitarras Rickenbacker, particularmente una Jetglo negra modelo 360. Sin embargo, ha utilizado una amplia variedad de instrumentos a medida que el grupo continuaba experimentando. En lanzamientos más recientes, antes de Accelerate (2008), su guitarra era menos notable, debido en parte a el incremento del uso por parte de la banda de sintetizadores, cuerdas y otros atmosféricos.

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Peter Lawrence Buck nació el 6 de diciembre de 1956 en Berkeley, California, Estados Unidos. Creció en los suburbios de San Francisco, pegado a las músicas que llegaban a su transistor durante su infancia: los Beatles, las diosas de Motown The Supremes y las estrellas de la televisión los Monkees. Inmerso en el movimiento beatnik y después hippy que florecía en las calles y escuelas de su ciudad, cada centavo que conseguía de sus padres, acababa en la tienda de discos del barrio. El suele citar como acontecimiento que marcó su vida para el pop, una actuación de The Postmen, un grupo de 60's punk rock interpretando temas de los Beatles y los Byrds, en el salón de actos de su colegio.

Después de pasar un tiempo en Los Angeles y San Francisco, su familia se muda primero a Indiana, para asentarse finalmente en Roswell, Georgia, la cultura callejera y los conciertos gratis parecían cosa del pasado. Pero no, un Peter Buck adolescente y desarraigado, se refugia en sí mismo y endurece sus posiciones. Lee prensa rock seria, y se compra discos de The Kinks, The Move, Rolling Stones, Creedence Clearwater Revival, y otros. Su gusto por el pop de su período "sixties" le lleva a fijarse en las excelencias del "glam" británico del momento: T-Rex, Slade, Gary Glitter, Sweet, etc.

Aislado del mundo exterior que tanto le atraía, dos descubrimientos terminarán de definir su futuro inmediato en aquellos iniciales años '70: primero, el descubrimiento de un viejo disco de The Velvet Underground en el cajón de las rebajas, cuyo sonido simple y directo, crudo pero envolvente, enseñó al joven Buck el valor de la repetición psicodélica; segundo, colarse en un concierto de The New York Dolls, al que había acudido atraído por su pose "glam". Su salvajismo en escena, le persuadió de que la energía debe fluir sin impedimientos, cuando de rock de verdad se trata.

Con estas premisas firmemente implantadas en su cabeza, cuando en 1975, se licencia en el instituto y se matricula en la "Emory University" de Atlanta, la capital del estado de Georgia, su padre le dio dos consejos inevitables: "No te cases antes de los 30, pase lo que pase; y no te metas en el negocio del espectáculo, romperá tu corazón". Proféticas palabras. Lo primero lo cumpliría, y lo segundo... también, pero por un corto período de tiempo. Como tocar la guitarra siempre le había atraído, pese a los celos que sentía de su hermano pequeño, Kenny, mucho más dotado para aquella época, ahorró un poco de dinero y se compró por fin una guitarra decente que sustituyera aquella baratija con la que solía hacer sus primeras "jams" en compañía de sus amigos de instituto. Pero su vocación y gustos resultaban demasiado peculiares para su ambiente.

Hastiado de la monolítica Atlanta, los primeros días de 1977 contemplan a Buck experimentando en propia piel el método "beatnik" de Jack Kerouac, viajando en auto-stop hacia California lavando platos y haciendo mil trabajos, conviviendo con "hell angels" y supervivientes de la onda Grateful Dead en San Luis Obispo, California, hasta que los Sex Pistols le hicieron comprender que no podía huir indefinidamente por grande que fuera USA. En una tienda de importación encargó el Single "Anarchy in the UK". Cuando lo puso en la tienda y a sus amigos locales, todos quedaron horrorizados. "Creían que Kiss eran verdadero punk rock. Fuck'em".

Así que de nuevo en Georgia, y curado de espanto, se dedica a coleccionar todo lo que vagamente sonara a punk hasta hacerse habitual del rincón de novedades de "Wuxtry", la tienda más importante de Atlanta. Mark Methe, copropietario de la cadena de fijó en él y le ofreció un puesto. Buck consideraba que no más de 30 personas en toda la ciudad habían entendido el punk en aquella época. Lo mismos 30 que solían acudir a los conciertos de los pioneros locales The Fans. Uno de ellos era Danny Beard, propietario de otra tienda de discos, amigo del grupo, y a través del cual comenzará a oír hablar de un proyecto a años luz de la escena local: The B-52's.

Afincados en Athens, la ciudad universitaria, se convierte en una de su principales influencias del momento. Por eso cuando Mark Methe le propone a fines de 1977, trabajar como encargado de la sección de novedades en su tienda de Athens, no lo duda un momento. Alquila su piso en Atlanta, cambia su vieja Fender Stratocaster por la Telecaster de su jefe, y en compañía de su hermano Kenny, que ya estaba en la Universidad, comienza el nuevo año en una nueva casa en Lexington Highway, y en una nueva ciudad.

Pero naturalmente, está de vuelta en Atlanta para presenciar de priemra mano, la histórica apertura de la gira americana de Sex Pistols, el 5 de enero de 1978, en lo que era contemplado como "un provocativo ataque al corazón del reaccionario y profundo sur".

La experiencia solo duró para él, 10 inolvidables minutos. Cerca de 600 personas abarrotaban el reducido Great Southeast Music Hall, en su mayor parte curiosos. Buck, como uno de sus pocos genuinos fans, había reservado sus entradas. Pero cuando llegó se encontró conque sus tickets habían sido vendidos a las decenas de periodistas venidos de improviso desde New York. "Estaba lívido. "¿Así que esos imbéciles de periodistas tienen mis tickets?", pregunté. Y bueno, yo estaba con aquel tipo tan grande que venía conmigo, tan nervioso que bufaba, y que derribó el tipo de la puerta, se lió a patadas hasta que la abrió, y entró; nosotros cuatro entramos detrás", recuerda Buck. Duró poco, entre la excitación del escenario y el público, se pasó más tiempo corriendo para eludir la vigilancia del interior, que viviendo las andazas de Rotten, Vicious y compañía. Para su desgracia, terminó en el callejón con una monumental paliza. Todo por el Rock'n'Roll.

Aunque sus gustos musicales eran considerados excéntricos en Atlanta, en cambio en Athens, se había ido convirtiendo en una institución. Al final de su primer año en Athens, cuando ya había empezado a avanzar en su aprendizaje de la guitarra y hasta daba clases nocturnas, tendrá un feliz encuentro: a su mostrador de "Wuxtry" se asomarán visitantes desconocidos, un adolescente poco hablador pero con muy buen gusto para sus exigencias, y dos rubias imponentes, llamadas Lynda y Cindy. El chico era su hermano, John Michael Stipe.

En 1980 se forma R.E.M., la banda toca por primera vez en la fiesta del cumpleaños de un amigo el 5 de Abril. En 1981 se lanza su primer single en Hibtone Records, "Radio free Europe". El éxito fuen tan grande, que llevó a la banda a firmar con I.R.S. Records. Después de un relativo éxito en I.R.S. y tras la salida de 8 discos, firman con «Warner», lapso en el cual la banda terminaría por llegar a la cima, tanto musical, como popularmente.



Buck también tiene una carrera como productor. Ha producido varias bandas, incluyendo Uncle Tupelo, Dreams So Real, The Fleshtones, Charlie Pickett y The Feelies. Además de producir, también grabó como musico invitado en álbumes de otros músicos como The Replacements, Billy Bragg, The Decemberists, Robyn Hitchcock y varios álbunes de Eels. Al ser un referente para otros músicos nunca se aleja de la música y siempre se mantien ocupado con otros proyectos paralelos además de R.E.M. Su principal proyecto paralelo son los grupos que comparte junto a Scott McCaughey, músico en vivo de R.E.M., The Minus 5 y Tuatara, en los cuales muestra su creatividad pero tocando el bajo.

Buck co-escribió, produjo y grabó en el album "West" (1997) de Mark Eitzel. Además, en 2005, se unió al baterista de estudio de R.E.M., Bill Rieflin, el guitarrista Robert Fripp y otros tres músicos, para formar una banda de imporvisación llamada Slow Music. En R.E.M., su voz puede ser oída en "I Walked with a zombie" del álbum tributo a Roky Erickson, "Where the pyramid meets the eye". En 2006, Buck salió de gira junto a Robyn Hitchcock, McCaughey y Rieflin, como principal guitarrista de Robyn Hitchcock and the Venus 3. En 2008, después de que McCaughey y Steve Wynn decidiesen trabajar juntos, el dúo llamó a Buck como bajista de su nueva banda, The Baseball Project, junto a la baterista Linda Pitmon.

Ha escrito notas en los booklet de varios recopilatorios, reediciones y ediciones especiales de álbumes tanto de R.E.M. ("Eponymous", "In time, dead letter office" y la nueva edición de "New adventures in Hi-Fi") como de otros artistas ("Love You" de The Beach Boys).

En septiembre de 2008, inmediatamente después del concierto de R.E.M. en Helsinki, Finlandia, la guitarra Rickenbacker de Buck, usada en vivo y en el estudio desde Chronic Town en 1982, fue robada del escenario. Fue regresada nueve días después por una fuente anónima.

En marzo de 2012, seis meses después de la disolución de R.E.M. en septiembre de 2011, Buck anunció sus intenciones de trabajar en un álbum solista, ayudado por el cantante y compositor Joseph Arthur. El álbum, títulado Peter Buck, fue lanzado en octubre de 2012.

Discografía con R.E.M.
Murmur (1983)
Reckoning (1984)
Fables of the Reconstruction (1985)
Lifes Rich Pageant (1986)
Document (1987)
Green (1988)
Out of Time (1991)
Automatic for the People (1992)
Monster (1994)
New Adventures in Hi-Fi (1996)
Up (1998)
Reveal (2001)
Around the Sun (2004)
Accelerate (2008)
Collapse into Now (2011)


Fuentes: Wikipedia, Flickr y TuGuitarra.com.ar

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En el puesto número 93

Paul Simon

Paul Simon nació en Newark, New Jersey, el 13 de octubre de 1941. Fue criado en el seno de una familia judía de clase media. Sus pasiones eran el deporte y la música, gusto que había heredado de su padre Louis, quien era bajista en una banda de jazz.

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A los 9 años coincidió en la escuela con Art Garfunkel, con el que formaría uno de los dúos musicales más importantes de la historia. Ambos descubrieron que compartían su fanatismo por Elvis Presley, Bill Haley y el béisbol.

Simon estaba deslumbrado con la armoniosa voz de Art, y empezó a componer canciones a su medida, que fusionaran el rock’ n roll con las canciones que los negros cantaban habitualmente a capella, en las esquinas de su barrio.

Comenzaron tocando juntos a mediados de los cincuenta, con Simon en la guitarra, ofreciendo sus servicios en bares locales y fiestas escolares.

La perfecta dicción de Garfunkel y el talento de Simon como compositor eran la combinación perfecta, y pronto se encontraron golpeando a la puerta de las discográficas. Además, sus contínuas apariciones en bares y lugares bailables los convirtieron pronto en los favoritos del público adolescente, máxime cuando su primer single, grabado para Big Records, copó la programación de las radios. Convencidos aparentemente de que nadie compraría un disco de un dúo llamado Simon and Garfunkel, cambiaron su nombre por el de Tom and Jerry (Art and Paul, respectivamente), al igual que la pareja de los dibujos animados.

En 1957 graban un sencillo, titulado “Hey, Schoolgirl!” que vendió 100.000 copias y ganó el premio Revelación en el festival “American Bandstand”. Pero no lograron reeditar este éxito y el dúo se deshizo, Simon fue a la universidad a estudiar Literatura, y Garfunkel arquitectura.

En 1959, Paul Simon conoce a Carole Klein, una compañera del instituto con quien formó un dúo llamado The Co-Sines. Paul tocaba la guitarra y el bajo, y Carole el piano y a veces la batería. Carole también componía, y se dedicaban a grabar demos para los artistas de la época. Pero Carole, quien tuvo que cambiarse de nombre a Carole King, empezó a componer sus propios temas, con los que obtuvo un éxito rotundo, y continuó su carrera como solista. Esta experiencia le valió a Simon para familiarizarse con todo lo referente a los estudios de grabación, marcándole de manera positiva en sus posteriores publicaciones.

Más tarde se inicia en un frustrado intento como solista bajo el nombre de Jerry Landis. En aquellos años estuvo componiendo varios temas. En 1960 compuso “The lone teen ranger”, una parodia de una serie televisiva llamada El Llanero Solitario, con la que alcanzó el puesto 97 en las listas. En 1961 cantó con el grupo The Mystics, pero no tuvieron éxito. Después se une al grupo The Crew Cuts, que cambiaron el nombre por el de Tico & The Triumphs, pero los singles editados tampoco tuvieron éxito y dejó el grupo.

En 1963, Paul se reencuentra con Art Garfunkel con quien formó, influenciado por el auge del hipismo, un dúo folk ya bajo el nombre artístico de Simon & Garfunkel.

Tras firmar contrato con Columbia Records, el duo grabó su primer LP, “Wednesday morning, 3 A.M.”, que incluía el tema “The sounds of silence”.

El álbum fue un desastre comercial y, una vez más, Simon & Garfunkel se separaron. Paul se mudó a Inglaterra, donde grabó bajo el padrinazgo de Tom Wilson, productor de Bob Dylan, un disco solista, “The Paul Simon Songbook”, que a la larga será motivo de celos por parte de Garfunkel. Mientras tanto, Garfunkel volvía a la arquitectura.

En Londres, Paul conoce a Kathy, y se enamora de ella. Aquella mujer supuso un fuerte eje de apoyo para Simon, quien compuso muchas de sus canciones más famosas inspirándose en ella, y almacenando muchos de los temas que aparecerían después a lo largo de sus álbumes posteriores.

Durante su estancia en el Reino Unido, Simon se dedicó a tocar por algunos clubes de folk nocturnos de Liverpool, Londres, Cambridge, Widness y otras muchas ciudades, participando incluso en el Festival Folk celebrado en la ciudad escocesa de Edimburgo. Ese mismo año grabó un single con el sello discográfico Oriole Records. El single se componía de dos canciones, "Carlos Dominguez" y "He was my brother" y se publicó en Estados Unidos bajo el sobrenombre de Paul Kane.

Sin embargo, un año después, y con el desconocimiento tanto de Simon como de Garfunkel, un ejecutivo de Columbia, buscando temas folk para los Byrds y Bob Dylan, decidió adicionar una base de batería, bajo y guitarra eléctrica a la humilde performance del dúo en "The sounds of silence". El resultado fue el primer numero uno de Simon and Garfunkel, que se volvieron a reunir a partir del éxito del tema.

Este es el verdaero comienzo para el duo. A partir de este momento su carrera no deja de progresar con éxitos encadenados año tras año. Sin embargo, el desgaste de la relación de los dos amigos se va haciendo cada vez mayor. Empiezan problemas de celos y acusaciones que llevarán, en 1970 y tras el mayor éxito del duo con “Bridge over troubled waters”, a la disolución del duo.

Comienza así la carrera de Paul en solitario, donde se verá su constante preocupación por explorar nuevos territorios en busca de ritmos foráneos y nuevas experiencias. Pero la posición de Simon, esta vez, era mas sólida. No dependía ya de la aniñada voz de Garfunkel para alcanzar el éxito. Su debut como solista (se desestima el disco “The Paul Simon Songbook”, editado en 1972, pero solo en Inglaterra) fue disco de platino y su siguiente obra, “There goes rhymin” (1973), que incluía los éxitos “Loves me like a rock”, “American tune”, “Kodachrome” y “Take me to the Mardi Gras”, fue un éxito y se convirtió en un clásico.

Dos años mas tarde, en 1975, Simon lanzó su álbum más exitoso hasta la fecha, “Still crazy after all these years”, que contenía el single “50 ways to leave your lover, y “My little town”, en el que cantaba por primera vez con Garfunkel desde su separación. “Still crazy…” casi alcanzó el éxito de “Bridge over troubled water”, y se llevó un gran numero de Grammys al año siguiente.

Tras haber conquistado el mundo de la música pop sin la ayuda de nadie, Simon decidió que era el tiempo de darle una nueva oportunidad a Garfunkel. Tras la filmación de la película “One Trick Pony”, editada en 1980, y que Simon escribió, actuó y produjo, el dúo volvió a presentarse en concierto multitudinario en el Central Park, el 19 de septiembre de 1981.

Más de medio millón de fans (todo un récord de asistencia) contemplaron la reunión de las dos estrellas del folk, que, alentadas por el suceso, decidieron grabar un disco en vivo y salir nuevamente de gira. Su amistad parecía más fuerte que nunca, y la aparición de un disco conjunto fue anunciada. “Think too much”, el álbum en cuestión, se pactó para fines de 1982. Su aparición se produjo finalmente a mediados de 1983. Entonces el nombre había cambiado por “Hearts and Bones”, y no contaba tampoco con la voz de Garfunkel, que había sido borrada de la grabación original.



Decepcionado por la nueva ruptura, el público culpó al intolerante Simon, que además pasaba por un mal momento emocional a causa de su divorcio con la actriz Carrie Fisher (si, si, nada menos que la Princesa Leia en la saga de George Lucas, “La Guerra de las Galaxias”).

En el año 1985, Paul decidió explorar nuevas músicas y ritmos, y viajó hasta Sudáfrica, donde se enamoró de los sonidos de los barrios pobres de la ciudad. Paul encontró varios artistas de talento en Sudáfrica, entre ellos a Ladysmith Black Mambazo, y se influenció de ellos para publicar “Graceland”, su siguiente trabajo, en 1986, una obra maestra que probaba que la espera había valido la pena. El álbum recibió una buena acogida, tanto crítica como comercial, y consiguió, en 1987, el Grammy al Mejor Álbum, y Simon, alcanzó el status de visionario musical.

Desde entonces, Simon ofrendó su popularidad al servicio de causas nobles, como conciertos a beneficio y la lucha contra en apartheid en Sudáfrica, que lo llevó a estrechar lazos con Mandela y le valió en 1989, el reconocimiento de la Fundación de Colegios Negros, quien lo condecoró con el máximo honor. También recaudó dinero para refaccionar los hogares de niños desamparados de Manhattan, así como los hospitales infantiles.

Su próximo experimento, en el que fundía el rock con la música brasileña fue el disco “The rhythm of the saints” (1990). Acompañado por una banda multiracial, Simon rompió el récord de concurrencia que él mismo detentaba, convocando casi 800 mil personas en el Central Park en 1991, esta vez, sin la sombra de Garfunkel. Sin embargo, se alejó del mundo de la música y, por más de seis años, no editó trabajo musical alguno.

En 1997 volvía como compositor y productor de la obra musical “Capeman”, presentada en Broadway. El musical está basado en la vida de Salvador Agrón, un puertorriqueño de infancia difícil y juventud marginal que a los 16 años fue sentenciado a muerte tras haber asesinado a dos chicos blancos a los que confundió con miembros de una banda rival. Entre el staff de músicos/actores se encontraban Marc Anthony (Salvador Agrón joven), el panameño Ruben Blades (Salvador Agrón adulto), Frank Negron, y algunos de los músicos que habitualmente acompañan a Simon. Pérdidas finales de más de 11 millones de dólares ocasionaron su prematura clausura el 28 de marzo de 1998, tras apenas 68 representaciones.

En “Capeman”, el músico incursiona en la música latina, fiel a su estilo de probar siempre nuevas alternativas, demostrando una vez más que es capaz de trascender al icono pop-folk que fuera en los sesenta.

En un intento de lavar su imagen, recuperar parte del dinero perdido y pulsar su grado de aceptación entre el público inicia, en junio de 1999, una gira veraniega con Bob Dylan con la que recorre todo el país. El éxito es tal que, al finalizar en julio el tour se ven obligados, ante la demanda, a ampliarlo con varias actuaciones en septiembre, siendo la gira estival de más éxito en EE.UU. este año.

En 2000 publicó el álbum titulado “You're the one”, una auténtica nueva obra maestra que devolvió de nuevo al sitio donde se merece estar Paul Simon, ese sitio junto a los mejores compositores de la historia. El álbum fue nominado a los Grammys como mejor disco del año, que promocionó con una serie de conciertos por todo el mundo.

En 2001 gira junto a su viejo amigo Brian Wilson en un tour por Estados Unidos de gran éxito que llegó a su momento culminante cuando otra leyenda, Paul McCartney, subió al escenario por sorpresa e interpretó junto a Simon un tema.

En 2002 escribe una canción para la película de animación “The Wild Thornberrys” con el título de "Father and Daughter" que fue nominada al Oscar. Ese mismo año emprende gira europea.

Tras la gira que le reunió con su viejo colega Art Garfunkel y que le tuvo ocupado buena parte de 2003 y 2004, vuelve al estudio de grabación y en mayo de 2006 publica un nuevo álbum de estudio “Surprise”, una nueva demostración de imnovación por parte del cantante. Esta vez contó con la colaboración de Brian Eno, que proporcionó al disco un "paisaje sónico" de lo más vanguardista.

Discografía
The Paul Simon song book (1965)
Simon & Garfunkel': El cóndor pasa (1970)
Paul Simon (1972)
There goes rhymin (1973)
Paul Simon in concert: Live Rhymin (1974)
Still crazy after all these years (1975)
Greatest hits (1977)
One trick pony (1980)
Hearts and bones (1983)
Graceland (1986)
The rhythm of the saints (1990)
Concierto en el parque (directo) (1991)
Songs from the capeman (1997)
You're the one (2000)
Father and daughter (2002)
Surprise (2006)
The essential Paul Simon (2007)
So beautiful or so what (2011)


Fuentes: Wikipedia, Flickr, Last.fm, Guitarristas.info y debiografias.com.ar
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brabolarra
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por brabolarra »

Presi dime en que puesto esta Ted Nugent que me gustaba el copon en mis tiempos jajaja
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

brabolarra escribió:Presi dime en que puesto esta Ted Nugent que me gustaba el copon en mis tiempos jajaja


Pues te vas a llevar un chasco: en la lista de esta gente ni aparece :o: :o: :rojo2: :censored: :rojo: . No te preocupes, cuando se acabe la lista de los 100, pondré a los que no estén en ella que me vayáis diciendo.
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