LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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En el puesto número 31


Ry Cooder


Guitarrista estadounidense conocido por su interés por la música de las raíces de Estados Unidos y, más recientemente, por sus colaboraciones con músicos tradicionales de muchos países, está considerado como uno de los mas notables musicólogos del mundo.

Desde mucho antes de que se pusiera de moda la fusión del rock con los más variados estilos musicales, él ya utilizaba en su trabajo un amplio abanico de influencias musicales tradicionales. En manos de Ry Cooder, la guitarra se vuelve una maquina del tiempo; además del característico uso de la técnica de guitarra llamada slide, propia de la música de blues, junto con las armonías vocales del gospel y los ritmos sureños con toques funk, han impregnado también sus álbumes los sabores regionales del tex-mex, el cajun, el ritmo hawaiano, el country e, incluso, la música reggae.



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Ryland Peter Cooder nació el 15 de marzo de 1947 en Los Ángeles, California y allí se expuso a la diversidad de influencias, culturas y personajes que luego sostendrían su inquietud musical. Su oficio ha sido básicamente autodidacta y, pese a la diversidad de géneros que ha abarcado con su trabajo, fue el blues su base inicial de interés y preparación.

Nació prácticamente con una guitarra en las manos: a los tres años ya jugaba con instrumentos más grandes que él. Su padre, apasionado guitarrista y gran coleccionista de discos de canciones románticas y baladas de Woody Guthrie, le enseñó las primeras nociones. Después, el pequeño se dedicó a escuchar sistemáticamente la radio, en especial las emisoras que retransmitían country & western las veinticuatro horas del día. Cuentan las crónicas que con apenas cuatro años ya sabía tocar la guitarra y que practicaba escuchando viejos discos de blues.

Se convirtió así en un jovencísimo maestro de la guitarra, profundizando también estilos particulares, como el "bottleneck" (el característico dedal de acero que, originariamente, era sacado de un cuello de botella roto, de donde procede el nombre) para la guitarra "slide". Con catorce años ya era famoso en los garitos de su zona.

A los 16 años era el mejor guitarrista del área de Los Ángeles. Como vivía en Santa Mónica, cerca del aeropuerto, pedaleaba en la bici para tocar bajo el bramido de los grandes aviones. A veces iba más lejos y se acercaba a la costa del Pacífico. Un niño, el golpe arrítmico de las olas, una guitarra y las canciones de Bob Wills y Kitty Wells que ponían en la radio cuando la radio era radio: así de fácil se escriben las leyendas.

A mediados de los años sesenta formó grupos amateur con los que tocaba versiones instrumentales de los éxitos de la época. Después firmó un primer contrato profesional para una serie de actuaciones en el Ash Grove, un local de Los Angeles. Precisamente allí tuvo la posibilidad de conocer a muchos músicos de soul y country a los que "robó" pequeños, pero útiles secretos.

Para un muchacho introvertido y entusiasmado por la guitarra, el hecho de haber crecido en Los Angeles en la década de los sesenta fue sin duda una suerte. "Toda aquella revolución que provocaron los Beatles propició que fuera realmente posible trabajar en y vivir de la música -afirmaba el propio Cooder-. Antes de aquello, todos los músicos que conocía estaban acabados, hambrientos, muertos, perseguidos y completamente excluidos del mercado laboral imperante. Estoy hablando de los cantantes de blues, los músicos de jazz, los músicos country, etc. Después de los Beatles, sin embargo, hubo muchísima actividad. Todas las compañías discográficas, los propietarios de locales nocturnos y las agencias se preguntaban qué era lo que estaba a punto de suceder, por dónde iba a estallar todo aquello. La gran erupción se produjo al fin y el resultado fue que yo encontré trabajo. Estaba en el instituto y, repentinamente, me encontré ganando dinero a cambio de tocar la guitarra. Fue una cosa increíble."

Durante un tiempo, formó un dúo con la cantautora Jackie DeShannon, que no desembocó en nada concreto. El músico de rock-blues Taj Mahal le llamó para formar parte del grupo Rising Sons como guitarrista fijo. Con él, entró por primera vez en un estudio de grabación: de aquel trabajo sólo publicaron un par de singles. La desilusión por el disco fallido no duró mucho.

Durante unos años, Cooder se dedicó a un intenso, remunerativo y útil trabajo como músico de estudio. De esta manera tuvo oportunidad de profundizar en el conocimiento de las técnicas de grabación, de acumular experiencias y de conocer personas importantes. El elenco de sus colaboradores de aquella época es realmente largo: Randy Newman, Phil Ochs, la banda sonora de la película "Candy", Captain Beefheart, y el músico y arreglista Jack Nitzsche. Era el inicio de una carrera como como guitarrista mercenario que le ha llevado en las últimas cinco décadas a colaborar y participar en los discos de decenas de figuras del rock y del blues.

A los 20 nadie le tosía, especialmente con la guitarra steel y, a finales de los años 60, se habló incluso de él como sustituto del fallecido Brian Jones en los Rolling Stones, ya que en esa época estaba muy ligado a ellos. De hecho dicen que fue Ry Cooder quien, en 1968, enseño a Keith Richards la afinación abierta en Sol, que hizo que éste cambiara para siempre su forma de tocar la guitarra. También se dice que los Stones le robaron el riff de "Honky Tonk Woman". Cooder les acusó de plagio, pero el asunto se resolvió fuera de los tribunales.

Los tiempos ya estaban madurando para emprender una actividad en solitario y gracias a sus contactos, firmó un buen contrato con Reprise, y en 1970 grabó y publicó su primer álbum, titulado simplemente "Ry Cooder", una buena tarjeta de presentación de la potencialidad de este artista. Algunas ingenuidades en la producción y un sonido aun verde no lograron ocultar la casta de Cooder. La crítica lo recibió con simpatía y Cooder obtuvo incluso comentarios positivos de Paul Simon.

"Ry Cooder" es un trabajo donde cuenta con numerosos amigos como respaldo entre los que se encuentran Randy Newman, Van Dyke Parks y un elenco de los mejores músicos de la época: Chris Ethridge al bajo y procedente de los Flying Burritos Brothers; Richie Hayward de Little Feat a la batería; Max Bennett bajista de Peggy Lee, Ella Fitzgerald y Joni Mitchell entre muchas mas; John Barbata batería de CSN&Y, Clapton y Jefferson Airplane; el gran Roy Estrada bajista de Frank Zappa y de Little Feat; y Milt Holland recusionista que tocó con Frank Sinatra, Leonard Bernstein, Quincy Jones y Nat King Cole, entre otros.

Con semejante banda, ¿que podemos esperar? Pues eso, un delicioso disco, repleto de matices y de buen rollo. Para abrir la cara A, "Alimony", un tema de Tommy Tucker, un "blues singer-songwriter" de autentico lujo. También destacan "France Chance" de Joe Callicott, "Do Re Mi" del gran Woody Guthrie, "Old Kentucky Home" de Randy Newman y "How Can A Poor Man Stand Such Times And Live?", un temazo compuesto en la gran depresión por Alfred Reed, y un pedazo de historia de la música americana en una versión de Ry que recuerda a The Band en época de gran cosecha.





Ningún tema propio de Ry en esta cara A, pero justamente el talento de compositor de Cooder se demuestra en el primer corte de la cara B con "Avaible Space", único tema suyo en todo el disco, y como no con una brutal demostración de como hay que tocar el slide. "Ry Cooder" es un trabajo que cualquier amante de música sin artificios debería tener, antes de hablar de Ry Cooder.

La originalidad y la sensibilidad cultural de Cooder tuvieron oportunidad de ser apreciadas cuando, en 1972, el guitarrista publicó su segundo álbum, "Into The Purple Valley", fruto de un atento trabajo de búsqueda sobre temas sociales y melodías del período de la gran depresión americana en los años treinta. En él sigue con el blues como protagonista, solo que ahora ya no da prioridad a los sonidos del delta, sino que ofrece una amplia gama que va desde el country blues rural –"Hey Porter" de Johny Cash, "Vigilante Man" de Woody Guthrie– hasta las ramificaciones caribeñas –incluso hay un proyecto de calipso– descubiertas con la ayuda de un bluesman de Bahamas, Joseph Spence.

Ese mismo año, en septiembre, Cooder homenajeó la gran tradición blues con el álbum "Boomer's Story", tercer y último LP de su etapa blues; esta vez con ribetes políticos, y con un "María Elena" instrumental que prueba los aires mejicanos.

A estas alturas, se podría suponer que el músico ya es famoso: lo conocen en los mejores estudios de grabación del mundo, las críticas de los discos fueron óptimas, etc, etc, etc. Nada más lejos de la realidad. Son años de trabajo mal dirigido, grabando sus propios discos como si de un pasatiempo se tratase al finalizar la jornada laboral tocando para otro artista. Colabora en un montón de discos de gente con proyección (los primeros de Terry Melcher, Claudia Lennear, Maria Muldaur, Rita Coolidge) y en algunos de personajes ya curtidos de la casa como Doobie Brothers ("Stampede", 1975), John Sebastian ("Tarzana Kid", 1974) y Arlo Guthrie ("Last Of The Brooklyn Cowboys", 1973).

Todo eso está bien, el nombre aparece en cientos de créditos de discos, los músicos le aprecian, pero su carrera está quedando estrangulada y hace falta replantear su dirección musical, apoyar su tendencia a la esencia con un poco de pop rock comercial; en definitiva, "abrir" su música.

Con "Paradise And Luch" (1974) sintetiza de forma inmejorable la búsqueda llevada a cabo hasta entonces. Portada más alegre, arreglos orquestados, en él se nota una intención –consciente o no, pero probabilidades hay de comprobarlo– de sonar más accesible que en los anteriores, con versiones de autores conocidos del pop como "Mexican Divorce" (Burt Bacharach) o "It’s All Over Now" (Bobby Womack). Sus arreglos de temas tradicionales siguen siendo tan brillantes como siempre, aunque ahora por fin saca a flote cualidades compositoras, como demuestra en "Tattler". Tanto por el color de la funda y el letrerito de la contraportada, como por las dos canciones de melodías fronterizas, se puede intuir un acercamiento a este género.

Lo confirma "Chicken Skin Music" (1976). En este soberbio álbum, Cooder se divierte mezclando rock con canciones tex-mex (melodías que son fruto de la fusión entre la población anglosajona de Texas y la hispana de México) y con sonidos hawaianos. El mestizaje entre culturas se completa con la presencia del famoso acordeonista Flaco Jiménez.

Empieza y acaba con dos canciones de Lead Belly. Entre ellas, desarrolla con instrumentación tex-mex la clásica "He’ll Have To Go" y una apreciada versión de "Stand By Me" de Leiber, Stoller y Ben E. King. La sorpresa verdadera la ponen "Yellow Roses" y "Chloe", legados de su colaboración con los músicos hawaianos Atta Isaacs y Gabby Pahinui (los invitados exóticos de Ry suelen funcionar como alicientes para dotar de credibilidad a sus experimentos).

Fruto de esta nueva aventura es el directo "Show Time" (1977), donde nuestro hombre demuestra con cruces insólitos la universalidad de la música en su ambiente idóneo: ahí es nada tocar un blues como "The Dark End Of The Street" acompañado por el acordeón de Flaco Jiménez. Hasta en el espiritual "Jesus On The Mainline" encuentra un hueco. Aromas de verbena chicana para uno de sus discos con menos pretensiones y más calor.

Pero la fantasía de Cooder no tiene límites: en 1978 concluyó su personal relectura de la historia musical popular americana con el álbum "Jazz", en el que afronta composiciones de Bix Beiderbecke y Jelly Roll Morton. Con "Jazz" vuelve a poner a prueba nuestra capacidad de asombro, aunque él diga que no quedó precisamente contento de los resultados. Es un repaso personal al panorama musical de la América de los años veinte y treinta, la del cruce cultural que se traducía en jazz embrionario, vodevil, swing y ragtime. Vuelve a recurrir a su tutor caribeño Joseph Spence para que le arregle tres temas tradicionales, así como al bueno de David Lindley.

Es un disco que va bien cuando a uno le acaban de tomar el pelo con un nuevo grupo/disco/montaje, cuando se siente harto de pagar mucho y recibir poco, y ve que la música se ha convertido en algo que nunca debió llegar a este punto. En "Jazz" no hay codicia, ni ambición económica, ni revisionismos académicos, aquí solo hay música de un pueblo y una época tocada por un hombre en otra época, y un desprecio total por las reglas que rigen el mundo del disco.

Pero esto tiene un precio, sobre todo si las sesiones ya no son tan frecuentes y los discos se venden poco. Tanto dinamismo tuvo como consecuencia negativa una escasa caracterización de la imagen de Cooder ante el público. Su figura no encontraba manera de brillar hasta el fondo y el público permanecía desorientado.

"Bop Till You Drop" (1979) supone un cambio de enfoque, además del cambio de estilo habitual, con especial atención a los demás instrumentos. Hasta entonces, todo se basaba en la guitarra –sobre todo en los tres primeros discos– mientras los demás músicos apoyaban sin las mismas posibilidades de lucimiento. Ahora, se investiga el sonido –primer LP digital de rock–, se cuidan las voces –fabulosa Chaka Khan en "Down In Hollywood" y "Don’t You Mess Up A Good Thing"– y se busca un espíritu más en contacto con el mercado, como lo prueba la versión de "Little Sister" (tema secundario del repertorio de Elvis Presley).

Esos bocetos variados de R&B tienen su continuidad en "Borderline" (1980), tal vez el LP más completo de su carrera. En él se preserva la credibilidad del músico pero a la vez Warner Bros ha comprendido su potencial comercial e invierte en promocionarlo. Hay temas para todos los gustos, desde los rebosantes de melodía "Down In The Boondocks", "Why Don’t You Try Me" y "The Way We Make A Broken Heart", hasta los que destilan ese tipo de humor que solo aflora en música de comunidades oprimidas ("Crazy ‘Bout An Automobile", "The Girls From Texas").





Y a partir de entonces, la cuesta abajo. No se sabe si porque a Ry le decepcionan las pocas ventas o porque le llueven cada vez más ofertas para hacer bandas sonoras, lo cierto es que el R&B negroide de "The Slide Area" (1982) no cuaja –versiones pobres de "I Need A Woman" de Dylan, "Gypsy Woman" de Curtis Mayfield y "Bue Suede Shoes" de Carl Perkins– y se convierte en su último LP formal por el momento. El cine lo acogió con los brazos abiertos, pero eso viene más abajo.

Su éxito se hallaba ya relativamente consolidado a principios de los ochenta y se prolongó también durante esa década. Prueba de ello es el hecho de que en 1982, en el contexto de la gira europea que emprendió en aquel año, tocó durante ocho noches consecutivas en el Hammersmith Odeon de Londres, con capacidad para 3.600 personas, y en 1988 llenó durante dos noches el Wembley Arena, con una capacidad de 10.000 personas por aquel entonces, junto con su banda Moula-Banda Rhythm Aces.

Después de la gira de 1982, Cooder volvió a su hogar en Santa Mónica y pasó los siguientes cinco años de su vida trabajando en el negocio de las bandas sonoras, aunque en 1986 se editó "Why Don't Yoy Try Me Tonight", un disco recopilatorio que, dada la carencia de grandes éxitos en la carrera de este músico, resulta un tanto subjetivo, al tiempo que pone de manifiesto cuán poco de su material más conocido ha sido escrito por el propio Cooder.

De cualquier forma, nadie habría podido objetar la inclusión en este disco de temas como "Little Sister", "How Can a Poor Man Stand Such Times and Live?" o las magníficas versiones instrumentales de "I Think it's Gonna Work Out Fine" y "Dark End of the Street". Curiosamente, el disco no incluye ningún tema de "The Slide Area", a pesar de haber sido éste el disco de Cooder que más alta posición alcanzó en las listas.

Tras este período de "desintoxicación" Ry Cooder estaba listo para volver a la primera fila, y en otoño de 1987 publicó el espléndido "Get Rhythm", en el que reúne a sus viejos amigos, como Flaco Jiménez y el batería Jim Keltner; el álbum incluye temas de Elvis Presley, Johnny Cash y Chuck Berry y el resultado es un extraordinario trabajo de rock-blues perfumado con sentimiento.

Por otra parte, Cooder tiene uno de los curriculum vitae más prestigiosos del ámbito de la música rock como músico de estudio. Pero a pesar de haber colaborado en álbumes de músicos tan prestigiosos como los Rolling Stones, Johnny Cash, Little Feat, The Doobie Brothers y Van Morrison, por nombrar sólo algunos, lo cierto es que cuando mira hacia atrás y juzga su pasado en esta profesión manifiesta escasa satisfacción: "No prosperé como músico de estudio. Mi educación me llevó allí, pero es un trabajo que enseguida te quema, y actualmente se ha convertido también en algo muy técnico. Tienes que ser realmente bueno y saber hacer trucos de magia con los sintetizadores y todo ese equipo de alta tecnología. No podría tocar en un estudio moderno. No sabría cómo."

A pesar de su éxito notorio en directo, Cooder nunca ha pasado de ser un músico de culto y nunca ha conseguido convertir su música en un producto atractivo para el gran mercado, como obviamente deseaba. Reapareció en 1992 como miembro de Little Village, una especie de supergrupo de música de rock y de raíces, integrado además por John Hiatt, Jim Keltner y Nick Lowe, y que publicaron un álbum titulado también "Litte Village".

A mediados del año 1996 tres sesiones de grabación en los estudios Egrem de La Habana reunieron a varias generaciones de músicos cubanos incluyendo a Rubén González, Compay Segundo voz y guitarra; Eliades Ochoa, guitarra; Orlando "Cachaíto" López, bajo; Manuel Guajiro Mirabal, trompeta; Amadito Valdés, timbales; Carlos González, congas y bongos; y Manuel Puntillita Licea e Ibrahim Ferrer, en la voz.

De esas sesiones salieron "Introducing", "Afro Cuban All Stars (A toda Cuba le gusta)" y "Buena Vista Social Club". Esta trilogía se ha transformado, sin lugar a dudas, en un hito en la música cubana y el punto de partida de este despertar de finales de siglo de cara al público mundial. Ry Cooder formó parte del equipo de producción -junto a Nick Gold y Juan de Marcos González- y es el responsable del álbum "Buena Vista Social Club", donde participa activamente como guitarrista.

Es un disco dedicado a la música tradicional cubana, sin que se deba ver, en palabras de Cooder, "como una fría pieza de museo para admirarla, sino como un disco actual con parte de la música que se oye hoy en las calles de La Habana".

En 2005 Cooder volvió a trabajar en un proyecto completamente personal, lanzando ese año el primer disco de lo que vendría a ser una trilogía de discos conceptuales dedicados a su California natal.

En junio de ese año presentó un nuevo trabajo, "Chavez Ravine", cuyo nombre hace referencia a un barrio del este de Los Ángeles cuyos residentes, en su mayoría chicanos, abandonaron en 1959 con las promesas de una remodelación que jamás tuvo lugar, fue demolido para construir el Dodger Stadium.

"Chávez Ravine" estaba poblada a mediados del siglo pasado principalmente por inmigrantes mexicanos y Cooder, sabiamente, decide darle gran espacio a voces mexicanas, algunas de las cuales, como la del padre de la música chicana Lalo Guerrero, vivieron en Chávez Ravine antes de su destrucción. Por lo tanto, el lenguaje tanto vocal como musical del disco en su mayoría es el español por lo que se repasan géneros originados al sur del Río Grande como los corridos, los guaraches, el boogie y la rumba.

Con el segundo disco de la trilogía, lanzado en 2007 bajo el titulo de "My Name Is Buddy", Cooder pone su atención en las primeras décadas del siglo XX, época fértil para lo que fue el inicio de la organización laboral estadounidense y sus luchas por mejores condiciones de trabajo. Estados Unidos, siendo una sociedad liderada por magnates a los que siempre les fue más conveniente exaltar el mito del éxito individualista, le pasó el bulldozer por encima a estos tiempos de rebelión sindicalista pero, al igual que con "Chávez Ravine", Cooder lo rescata de los escombros para relatar la historia de una Norteamérica ahora desconocida.

"My Name is Buddy" nos lleva por un viaje musical que nos recuerda el folk, blues, country y bluegrass que hizo famosos a artistas como Pete Seeger (el cual, a sus ochenta y pico de años, aparece en el disco). Musical y líricamente es un disco menos exuberante que el "Chavez Ravine" pero no por eso menos nostálgico, en una época en que la solidaridad y la hermandad eran una prioridad para gran número de estadounidenses.

El ultimo capitulo de esta trilogía es "I, Flathead", el cual se enfoca principalmente en la vida y milagros de Kash Buk, un corredor de automóviles en los desiertos salinos de California (el “flathead” del título es un tipo de motor para un Ford). Manteniéndose fiel a sus costumbres, Cooder nos recuenta esta vez también a una subcultura olvidada de corredores de automóviles que viajan hasta las temperaturas inaguantables del desierto con el único motivo de darle rienda suelta a su adrenalina.

Musicalmente no es tan interesante como los anteriores dos discos, sigue un mapa musical relativamente predecible con roots rock, folk, country, música tex-mex, etc. Pero es un más que disfrutable punto final para esta trilogía californiana (además de que incluye una de las mejores canciones en estos tres discos, "5000 Country Music Songs").

Su último álbum "Pull Up Some Dust And Sit Down" (2011) no es un álbum conceptual, pero está conformado por canciones que son crónicas actuales de la debacle económica de los Estados Unidos y sus consecuencias. Elocuente en ese sentido es el track que abre el disco, "No Banker Left Behind", con un ritmo que rememora a sus primeros años. El álbum, obviamente, es un collage de estilos: hay baladas ("Dirty Chateau" y "Baby Joined The Army"), corrido mexicano ("El corrido de Jessie James"), gospel ("Lord Tell Me Why"), rumba rock ("I Want My Crown"), reggae ("Humpty Dumpty World") y tex-mex ("Dreamer").

También hay blues, claro. "John Lee Hooker For President" es un tema exquisito, tal vez el mejor del disco, no sólo por el ritmo de boogie cadencioso, sino por la ingeniosa y sarcástica letra. Así pues, "Pull Up Some Dust And Sit Down", es un disco excelente y conmovedor que ratifica que Cooder no ha perdido la creatividad ni la sensibilidad para escribir grandes canciones.


Ry Cooder en el Cine

Sus primeros contactos con el cine son como instrumentista. La guitarra de Cooder se puede escuchar en películas como "Performance" o "Deliverance". En 1980 el director Walter Hill le convence para que componga su primera banda sonora. Se trata de la película “Forajidos de leyenda”, un western inspirado en las andanzas de la banda de Frank y Jessie James. En ella Ry ya deja patente su estilo melancólico y fronterizo que se hunde en lo más profundo de la cultura americana. La película no es muy afortunada y se reveló como uno de los grandes fracasos de la historia de Hollywood, pero se salva por las canciones compuestas e interpretadas por Cooder.

Con Walter Hill el músico establecerá una fructífera relación que les llevará a colaborar en una decena de títulos como, "La presa", "Johnny el Guapo", "Calles de Fuego" o "Cruce de Caminos" una película en torno al mundo del blues que Ry Cooder tanto adora. En esta película Ry era quien realmente tocaba la guitarra en las escenas en las que supuestamente lo hacía Ralph Macchio.

Ry Cooder ha colaborado con otros directores como Louis Malle en "Bahía del Odio", con Michelle Manning en "Blue City" o con Tony Richardson, para el que compuso otra de sus mejores bandas sonoras como es la de "La Frontera". Pero sin duda el trabajo más recordado del compositor llegó de la mano de Win Wenders. La guitarra árida y triste de Ry Cooder ambientaba magistralmente "Paris,Texas" cuya melodía principal se hizo muy popular en España como sintonía del programa televisivo Documentos TV. La película ganó el festival de Cannes y esto benefició también a Cooder, que vivió un período de gran popularidad.

Con Win Wenders volvería a colaborar en "El final de la violencia" y sobre todo en un documental que cuenta uno de los episodios más conocidos y exitosos de la carrera de Ry Cooder: Wenders quiso hacer un documental con la historia de "Buena Vista Social Club", y en él se ve a Ry Cooder grabando con los músicos o actuando con ellos en Ámsterdam y en el Carnaggie Hall de Nueva York.

Aunque el prestigio de Ry Cooder estaba en lo más alto por entonces, curiosamente su carrera en la música de cine se estancó ese mismo año. Su última banda sonora completa la grabó en 1998 para la película "Primary Colors". Desde entonces solo ha compuesto para el cine tres temas para la banda sonora de "My Blueberry Nights", de Won Kar Wai.

Ry Cooder explicaba en una entrevista que si no ha vuelto a crear bandas sonoras es simple y llanamente porque no ha recibido desde entonces ningún encargo que merezca la pena. Sea como sea, seguiremos atentos a sus discos en cualquiera de los géneros que practica o a su música de cine si en el futuro retoma su carrera en este campo porque, como decía su amigo el director Walter Hill, a Ry Cooder hay que seguirle siempre la pista porque se trata de uno de los más grandes y genuinos artistas norteamericanos.



Discografía

En solitario
Ry Cooder (1970)
Into the Purple Valley (1972)
Boomer's Story (1972)
Paradise and Lunch (1974)
Chicken Skin Music (1976)
Showtime (1977)
Jazz (1978)
Bop Till You Drop (1979)
Borderline (1980)
The Slide Area (1982)
Get Rhythm (1987)
Chávez Ravine (2005)
My Name Is Buddy (2007)
I, Flathead (2008)
Pull Up Some Dust and Sit Down (2011)

Recopilatorios
Why Don't You Try Me Tonight (1986)
River Rescue – The Very Best Of Ry Cooder (1994)
Music by Ry Cooder (1995)
The Ry Cooder Anthology: The UFO Has Landed ( 2008)

Colaboraciones
Tanyet (1967) (con The Ceyleib People)
Ry Cooder and the Moula Banda Rhythm Aces: Let's have a ball (1988)
Rising Sons featuring Taj Mahal and Ry Cooder with Rising Sons (grabado 1965/66, editado 1992)
Little Village (1992)
A Meeting by the River (1993) (cnon Vishwa Mohan Bhatt)
Talking Timbuktu (1994) (co Ali Farka Touré)
The Long Black Veil (1995) (con The Chieftains)
Buena Vista Social Club (1997)
Hollow Bamboo con Jon Hassell y Ronu Majumdar (2000)
Mambo Sinuendo (2003) (con Manuel Galbán)
San Patricio (2010) (con The Chieftains)
Live in San Francisco (2013) (con Corridos Famosos)

Bandas Sonoras
Performance (1970)
The Long Riders (1980)
Southern Comfort (1981)
The Border (1982)
Streets of Fire (1984)
Paris, Texas (February 1985)
Music from Alamo Bay (1985)
Blue City (1986)
Crossroads (1986)
Cocktail (1988)
Johnny Handsome (1989)
Trespass (1993)
Geronimo: An American Legend (1993)
Last Man Standing (1996)
The End of Violence (1997)
Primary Colors (1998)



Fuentes: angelicaol.blogspot.com.es, Flickr, tsi-na-pah.blogspot.com.es, lachopshop.blogspot.com.es, anapapaya.com, mcnbiografias.com, blogs.cadenaser.com, historiasderock.es.tl, 20minutos.es, rockdelux.com y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
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En el puesto número 30


Elmore James


Legendario guitarrista y cantante de blues, poseedor de un estilo único rebosante de intensidad y emoción, Elmore James es sin duda un bluesman de referencia en el Delta del Mississippi, a la altura de Robert Johnson, Sonny Boy Williamson II, Muddy Waters o Howlin' Wolf.

Elmore es el mejor ejemplo de carrera consistente, aunque no haya podido confirmarlo ni con el éxito ni con unas ventas apreciables. Sin embargo, su influencia en los continuadores del blues a partir de los años sesenta, ha sido decisiva. Si Robert Johnson fue el maestro del slide con la guitarra acústica, Elmore James es el máximo exponente de esa técnica con la guitarra eléctrica y uno de los más imitados. En Johnson encontró su mayor inspiración y de hecho, su carrera se basó fundamentalmente en su técnica y forma; amplificó su sonido partiendo de las raíces del Delta y modernizó el blues del Mississippi .


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Elmore James, también conocido como Elmo o Joe Willie, nació el 27 de enero de 1918, en Richland, Mississippi. Hijo ilegítimo de Leola Brooks, tomó el apellido de su padrastro, Joe Willie James y creció en varias granjas de los alrededores. A los 12 años de edad aprendió a tocar bottleneck en un instrumento casero hecho con un palo de escoba y una lata de grasa, y en 1932 ya se presentaba en algunos juke joints de la zona bajo nombres como Cleanhead o Joe Willie James.

En 1934 tuvo su primera guitarra auténtica y tres años mas tarde, se mudó a las plantaciones cerca del pueblo pesquero de Belzoni, Mississippi, donde conoció a Robert Johnson, Robert Jr. Lockwood y al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson II), que por entonces era presentador de un programa de radio llamado King Biscuit Time, en la emisora KFFA de Helena, Arkansas, a los cuales acompañó con regularidad.

La influencia de los dos Roberts se hizo patente en su estilo: voz con un falsete estridente y utilización del slide de una manera furiosa y chirriante. Como la cosa no daba para más, a finales de los años treinta llegó a montar un pequeño negocio, una tienda de reparación de aparatos de radio.



Por esa época formó su primera banda, pero el comienzo de la segunda guerra mundial interrumpió su trabajo, debido a que fue llamado al ejército. Después de la Segunda Guerra Mundial, donde sirvió en el ejército un par de años en el Pacífico, volvió al Delta y formó una de las primeras bandas de blues de la zona.

Luego se fue a Memphis, donde estuvo con Eddie Taylor y su primo Homesick James. Por esa época empezó a usar la guitarra eléctrica y a descubrir con pasión las nuevas posibilidades que le ofrecían la amplificación y la distorsión.

En 1947, James hacía de soporte a Sonny Boy en el programa de radio King Biscuit Time (el show se transmitía inicialmente desde el Mercado Central de Frutas y Verduras interestatal). Durante su período en la KFFA, James calló bajo el hechizo del guitarrista Robert Nighthawk, refinando su estilo para reflejar el sonido fluido de este.

A pesar de estar inseguro de sus habilidades, Elmore fue grabado a escondidas por Lilian McMurray, de la discográfica Trumpet, al final de una sesion con Sonny Boy con la complicidad de éste. En esa grabación estaban Sonny Boy a la armónica y Odie Johnson al bajo como acompañantes. Lilian grabó solo "Dust My Broom" (uno de los temas que Robert Johnson había registrado en 1936).





La leyenda dice que James salió del estudio una vez que se había grabado y que no escuchó como había quedado la canción, así que mucho menos hizo un segundo tema. El sencillo, que tenía al otro lado al cantante Bobo "Slim" Thomas, fue éxito en 1951, entrando al Top 10 de las listas Billboard de rhythm and blues, a pesar de conservar el viejo sabor del blues rural. Esto lo convirtió de inmediato en una estrella.

Gracias al éxito de este disco, Elmore recibió varias ofertas. Finalmente aceptó la del sello Meteor y se mudó a Chicago.

Después de eso, el guitarrista grabó para Flair y Meteor y luego grabó una sesión rápida para Chess. Con estas credenciales, los hermanos Bihari le ofrecieron un contrato con su compañía, la Modern Records, y volvió a Chicago para grabar, junto con J. T. Brown al saxo tenor, Johnny Jones al piano y Odie Payne a al batería, "I Belive" (continuación de "Dust My Broom"), "Baby What's Wrong", "Sinful Woman" y "I Held My Baby Last Night". Esta banda, conocida como The Broomdusters, un conjunto de excelentes músicos ensamblados a la perfección, acompañaría a James hasta 1960, con la colaboración esporádica del guitarrista Homesick James.

Hasta finales de la década alternó actuaciones y grabaciones de temas que se convertirían en un modelo para sus imitadores, aunque casi todos tenían la misma base repetitiva basada casi siempre en su primer éxito: "Hawaian Boogie" y "Can't Stop Loving" en 1954; "Wild About You" y "Dust My Blues" en 1956 e "Its Hurts Me Too" (un original de Tampa Red) en 1957. Alguna de estas grabaciones llegaron a los primeros lugares de las listas y se convirtieron en clásicos del blues.

James logró establecerse como cabeza de cartel en los principales clubs de Chicago y sus discos sonaban constantemente en la radio. En 1957, una vez finalizó su contrato con Modern, grabó para Chief registros que luego fueron publicados por Vee-Jay Records.

Algunos problemas cardíacos y la recesión que en aquella época sufrió el blues, le obligaron a volver a Jackson, Mississipi, donde dejó a una lado sus presentaciones en clubes para trabajar en la radio como disc-jockey o en su antiguo trabajo, reparando aparatos de radio dañados.

Sin embargo, poco después, el productor y admirador suyo Bobby Robinson, decidió devolverlo al lugar que le correspondía. Arropado por nuevos músicos volvió a Chicago por la puerta grande, grabando en esta época algunos de sus mejores temas: "The Sun Is Shining", "Madinson Blues" y "The Sky Is Crying" en 1959; "Calling The Blues" en 1960"; Done Somebody Wrong", "Fine Little Mama", "Look On Younder Wall" (viejo tema de James Clarke); "Shake Your Moneymaker" en 1961 y "Stranger Blues", "Bleeding Heart" y "Anna Lee" en 1962.

A pesar de todo, estos trabajos no se vieron reflejados con el éxito y las ventas que se merecían y descorazonado, en 1962, regresó una vez mas a Jackson, aunque poco después el disc-jockey Big Bill Hill, en cuyos programas había participado ocasionalmente, le convenció de que volviera a Chicago para grabar.

James aceptó, pero esas sesiones nunca llegarían a celebrarse, porque en la madrugada del 24 de mayo de 1963, mientras estaba preparando su primera gira europea, su frágil salud (sumado a los problemas con el alcohol) se resintió y, en la madrugada de ese día, sufrió un ataque cardíaco y murió en casa de su primo y amigo Homesick James, con quien entonces tocaba en el club Copacabana de Chicago. Posiblemente con el boom del blues en los años sesenta llegaría a ser una estrella internacional. Sus restos mortales descansan en el cementerio de su Durant natal, Mississippi.

Su cuerpo fue acompañado hasta su última morada por cerca de 400 luminarias del blues. Aunque no vivió para disfrutar de la recompensa del blues revival, su música e influencia siguen resonando.

Elmore James siempre permanecerá asociado a la "slide guitar", pero sería una injusticia no admitir que fue un artista mucho más creativo y complejo. Su música osciló entre la continuidad y la evolución, y su peculiar técnica en el uso de la amplificación alta anticipa el posterior estilo de la guitarra de rock duro. Además aderezó todo esto con una personalidad enigmática y misteriosa. Todas estas "virtudes" le permitieron ingresar en 1980 en el Blues Foundation Hall of Fame y en 1992 en el Rock & Roll Hall of Fame.

Aunque nació, creció y vivió una larga temporada en el sur, James puede ser considerado un bluesman de Chicago, la ciudad en la que desarrolló y grabó su estilo tan peculiar y su inconfundible sonido. Su manera de tocar era apasionada, agresiva y excitante por su forma de generar tensión en los desarrollos armónicos; su voz emitía gruñidos salvajes a la manera sureña, con una intensidad y fiereza que cultivó aprendiendo a destacar sobre el griterío de la gente reunida en los lugares donde actuaba.

En su vida existieron tres hombres influyentes: Robert Johnson (su maestro, como ya hemos apuntado), Homesick James Williamson (su primo, ocho años mayor que él) y Sonny Boy Williamson II. Se casó tres veces (con Josephine Harris en 1937, con Georgianna Crump en 1947 y con Janice en 1954) y tuvo tres hijos, uno de los cuales, Elmore James Jr., se ha dedicado a la música. Nuestro héroe siempre padeció del corazón, y esta dolencia, junto con el intenso ajetreo en el que se movía y su afición por el alcohol, le llevó a la tumba.

Aunque su corazón le impidió llegar a vivir el renacimiento del blues de los 60 junto a sus pares Muddy Waters y Howlin' Wolf, Elmore sigue hasta hoy teniendo una influencia decisiva en cualquier guitarrista de blues que decida ponerse un slide en el dedo.

Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por su sonido característico, que puede apreciarse en canciones como "Dust My Broom", "I Believe" o "It Hurts Me Too".





Como técnico de radio que era, le gustaba reformar sus amplificadores consiguiendo sonidos que sólo resurgirían a fines de los 60 con el advenimiento del rock 'pesado', lo cual combinaba con una fuerza emocional que no se ha repetido en ninguna grabación de blues posterior, y se dice que Elmore daba el 100% en todas y cada una de las tomas que hacía. Paralelamente, pocos cantantes de blues podían competir con la voz alta y poderosa de Elmore.

La lista de músicos sobre los que ha ejercido su influencia es muy larga: J. B. Huto, Hound Dog Taylor, Earl Hooker, Jhonny Winter, Jimmy Hendrix, John Mayall, Jeremy Spencer, Duanne Allman, Ry Cooder, Lowel George, Mike Wilhem, Freddie King, Paul Butterfield, Stevie Ray Vaughan, Lil' Ed & The Blues Imperials y George Thorogood, que es un auténtico seguidor y copista del estilo de James, como lo demuestran las innumerables versiones que ha realizado del su repertorio.

El propio Mayall dedicó su tema "Mr. James" como tributo a tan significativo guitarrista. También es nombrado por los Beatles en la canción "For You Blue" del disco "Let It Be".

Muchas de sus canciones fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues: "Dust My Broom" fue grabado por Fleetwood Mac, "Bleeding Heart" por Jimi Hendrix, "Rollin´n´Tumblin" por Canned Heat y Eric Clapton entre otros, y "Shake your money maker" por Jimi Hendrix, Fleetwood Mac y ZZ Top.

Desgraciadamente no abundan los discos de James en el mercado, pero sí numerosas recopilaciones, como la editada en 1961 por el sello Crown, "Blues After Hours". En 1964, y gracias a la discográfica Kent, puede disfrutarse de "Original Folk Blues". La recopilación póstuma de 1966 "The Elmore James Memorial Album" o la editada en 1992 "Elmore James Box Set", son también muy buenas grabaciones para adentrarse en el blues más auténtico de la mano de este genial músico.



Discografía

Albunes
Blues After Hours (1960)
The Best Of (1965)
The Sky is Crying (1965)
Memorial Album (1965)
The Blues In My Heart, The Rhythm In My Soul (1966)
Original Folk Blues (1967)
I Need You ((1967)
The Late Fantastically Great (1968)
Tough (Chess recordings + tracks by John Brim) (1968)
Something Inside of Me (1968)
The Legend Of Elmore James (1969)
Elmore James (1969)
Whose Muddy Shoes (+ tracks by John Brim) (1969)
The Resurrection Of Elmore James (1969)
To Know A Man double album (1969)

Recopilatorios
Charly Blues Masterworks Volume 28: Standing at the Crossroad (1993)
The Sky Is Crying: The History Of Elmore James (1993)
Rollin' And Tumblin' (1999)
The Very Best Of Elmore James (2000)
Legends Of Blues, Pickin' The Blues ; The Greatest Hits (2002)
King of the Slide Guitar: The Complete Trumpet, Chief and Fire Sessions (2005)
A Proper Records Introduction to Elmore James: Slide Guitar Master (2006)
The Final Sessions: New York - February 1963 (2006)
The Best Of Elmore James (2010)
The Best Of Elmore James Volume 2 (2010)



Fuentes: lacasadelblues.com.ar, Flickr, mcnbiografias.com, taringa.net, bibliotecaymasmusica.blogspot.com.es, historiasdelblues.wordpress.com, elguitarrista.net, acarondoblues.blogspot.com.es y Wikipedia


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En el puesto número 29


Scotty Moore


Es un guitarrista estadounidense, mas conocido por haber sido el guitarrista de Elvis Presley, desde los inicios de la carrera de éste (al fichar por la discográfica Sun Records) hasta los primeros años de la etapa hollywoodiense del cantante.

Sin duda, uno de los guitarristas de la historia del rock que más ha influenciado a las actuales generaciones ha sido, es y será Scotty Moore. Su estilo sencillo, efectivo y elegante de caballero sureño tuvo mucha más importancia en los primeros éxitos de Elvis de lo que muchos creen. La presencia silenciosa y tímida de Scotty dio a Elvis el sonido que millones de jóvenes estaban buscando.



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Winfield Scott Moore III nació en en una granja situada a pocos kilómetros de la población de Gadsden, Tennessee, EE.UU., un 27 de diciembre de 1931. Era el más pequeño de una familia de cuatro hermanos y a los 8 años empezó a tocar la guitarra aprendiendo, de manera autodidacta, emulando a sus ídolos de la música country, blues y jazz que escuchaba en la radio y en los discos.

En 1948, a la edad de 16 años, se alistó en la US Navy (era la edad mínima para poder ingresar); la Segunda Guerra Mundial estaba en su máximo apogeo y fue destinado a Korea y China hasta que se licenció en el año 1952. Tras licenciarse, se trasladó a Memphis, tocando en formaciones amateur cuando terminaba su jornada laboral en una lavandería.

En 1954 se incorporó a la banda The Starlite Wranglers de estilo country, en la que destacaba un vivaracho y jovial contrabajista llamado Bill Black. Durante su estancia en la banda grabaron un single con la discográfica de Sam Phillips, Sun Records, que no obtuvo el éxito esperado. Poco después el grupo se disolvió, pero Scotty y Bill Black siguieron con su amistad y empezaron a trabajar como músicos de sesión, para Sun.

El 5 de julio de 1954, un joven y delgaducho camionero de Memphis con el pelo grasiento llamado Elvis Presley, había sido convocado por Sam Phillips recomendado por su secretaria para lo que inicialmente estaba pensado simplemente como una sesión de ensayo. Phillips quería escuchar cómo sonaba la voz de Presley una vez puesta en cinta y convocó a un par de músicos, el guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black, para que lo acompañaran.

La historia, ya transformada en leyenda, cuenta que la sesión no estaba dando los resultados esperados, después de realizar múltiples intentos para registrar la balada "I Love You Because". Durante un descanso, mientras los músicos estaban charlando y tomando gaseosas, según Scotty Moore: "Estábamos haciendo un descanso y Elvis destilaba esa típica energía nerviosa. Simplemente empezó a "acariciar" la guitarra y a cantar, Bill comenzó a seguirle golpeando el contrabajo y yo cogí la guitarra y empecé a tocar detrás de él un ritmo del tipo pulgar más tres dedos. Entonces Sam dijo: ¿Tíos, qué estáis haciendo? Yo contesté que simplemente estábamos haciendo el tonto, y nos dijo que volviéramos a tocarlo al micrófono, y así después podríamos escuchar de nuevo lo que teníamos. Entré al estudio e intenté añadir unas pequeñas notas muy marcadas a lo que había estado tocando. Estaba utilizando la Gibson ES-295 dorada con el amplificador Fender Champ".

Tocaron una brillante mezcla de blues y música country -que más tarde se le llamaría rockabilly- en una versión de "That’s All Right Mama", del blusero negro Arthur "Big Boy" Crudup, que se convertiría en el primer single de Elvis para Sun, acompañado en la cara B por "Blue Moon Of Kentucky", originalmente un bluegrass del cantante country Bill Monroe, que en las manos de Presley y sus músicos atravesó por una transformación similar. Esa mezcla étnica escandalizó a los conservadores blancos, pero los jóvenes rebeldes de la posguerra comprendieron el mensaje y entonces nació de forma oficial el rock’n’roll.

Fue el comienzo de una relación que duraría 14 años, Scotty se convirtió en el guitarrista principal de Elvis, fueron grandes amigos y a la vez se convirtió en su primer manager.

Durante 1954 y 1955 los tres músicos grabaron cinco sencillos y otras muchas canciones que se recuperarían después, que constituyen uno de los momentos mágicos de la historia del rock; la piedra angular de este género musical y el detonante que hizo explotar la bomba, ya que la enorme popularidad que Presley alcanzaría en los meses siguientes, permitiría que muchos otros músicos del estilo –anteriores, coetáneos o posteriores a él– pudieran difundir su labor y realizarse profesionalmente.

Realizaron giras por todo Estados Unidos con el nombre de The Blue Moon Boys, la banda la formaban Elvis Presley (vocal), Scotty Moore (guitarra), Bill Black (bajo) y eventualmente D.J. Fontana ( batería). En esta época todos los miembros de la banda tenían la misma importancia dentro de la formación, incluso Moore era un poco más líder al ser a la vez quién les representaba.

A lo largo de sus cinco singles para Sun, Elvis fue definiendo el sonido característico del rockabilly. Se tornaba evidente que Elvis era un artista con potencial de superestrella y comenzó a atraer el interés de sellos grandes y de un astuto empresario de espectáculos conocido como "Colonel" Tom Parker, que mas tarde se convertiría en su manager.

Es en estas primeras grabaciones en la Sun, y en las inmediatas realizadas tras el paso de Elvis a la RCA a finales del 55, donde se puede apreciar mejor la maestría y el arte de Scotty Moore, que despliega una amplia gama de recursos, técnicas e influencias para sostener buena parte de las canciones en las que –recordamos- sólo intervienen tres personas.

Básicamente, Scotty tocaba con todos los dedos de la mano y con una púa en el pulgar; una modalidad del fingerpicking -frente al flatpicking, técnica más común en los guitarristas de rock que consiste en tocar con una púa entre el índice y el pulgar-, formando así acordes, arpegios o frases y licks, y recurriendo a todos sus conocimientos previos en los campos del country y del jazz.

Hay que ser muy obtuso para no darse cuenta de que Moore, Presley y Black forjaron un sonido especial y diferente en esos meses en que comenzaron. Aunque mayoritariamente hicieran versiones, la versatilidad de Scotty, la originalidad de Presley y la contundencia de Bill, dieron un nuevo aire a sus temas. Atención a los impresionantes solos de Moore en "Just Because", los recursos blueseros en "Baby, Let´s Play House", el evocador acompañamiento de "Harbor Lights" o el curioso cambio que los chicos hicieron a "Blue Moon", con el guitarrista imitando los cascos de un caballo con su instrumento. Y en aquellos tiempos se grababa todo en directo: no hay trucos ni efectos aparte del eco que a Sam Phillips tanto le gustaba, y para el que solía utilizar una de las dos únicas pistas de que disponían por entonces.

Sam Phillips, urgido por la necesidad de dinero para expandir el alcance de su sello, vendió el contrato de Presley a RCA (incluyendo los masters de las grabaciones para Sun) en una suma que en su momento pareció astronómica: 35.000 dólares, a lo que hay que sumar otros 5000 para el cantante.

En 1956, Elvis comenzó a grabar para RCA, Scotty realizó algunas tareas de supervisión en el estudio de grabación. La dimensión y la fama de Elvis empezaban a ser demasiado grandes para Moore, y decidió dejar de ser su manager.

Entraron en escena dos nuevos representantes: primero Bob Neal y posteriormente Tom Parker. En este nuevo escenario, el resto de miembros de la banda se convirtieron en asalariados del cantante.

Con el paso de Elvis a la RCA, su sonido se fue acaramelando en una clara estrategia de los directivos de la discográfica y del representante del cantante, el infame Coronel Parker, de hacer la música de la nueva estrella más blanda y comercial, y aunque Scotty todavía destacaría en algunas de las primeras canciones dentro de su nuevo sello, pronto su labor se vería reducida a elementales líneas de boogie woogie o solos y acompañamientos simplistas, recursos demasiado básicos y limitados para un virtuoso de la talla de nuestro hombre.

Su primer single para RCA, en 1956, "Heartbreak Hotel", un relato pleno de angustia amorosa cuyo efecto dramático era realzado por una interpretación vocal casi teatral, fue directamente al N° 1, convirtiendo instantáneamente a Elvis en una superestrella. El single "Hound Dog/Don’t Be Cruel" se convirtió en uno de los más vendidos de toda la historia hasta ese momento, y también los LP y EP se ubicaban al tope de los rankings en el mundo entero. Sus grabaciones de 1956 para RCA se encuentran entre las mejores y más influyentes de la primera época del rock’n’roll.

"Greatest Hits Live", es un vívido documento de los comienzos de la leyenda, un álbum esencial del primer rockabilly. Conocido también como "The Louisiana Hayride Recordings" y "Elvis Live: The Hayride Shows", fue grabado en vivo entre 1954 y 1956 en el Louisiana Hayride, famoso show de música country que se emitía desde Shreveport, Louisiana, los sábados por la noche, ante una audiencia que invariablemente llenaba el lugar (algunos temas provienen de actuaciones en Gladwater y Houston, Texas).

Además de Elvis, Scotty y Bill, el grupo había sido aumentado con el baterista D. J. Fontana, conformando el cuarteto clásico de su primera época. Este registro documental permite asomarse a las épocas en que el rock’n’roll estaba en su infancia y comprobar la excitación que generaba este cantante que sólo contaba con 19 o 20 años. Un griterío incesante conforma el marco donde Elvis interpreta un repertorio esencialmente rockero, que se completa con algunos cándidos diálogos.

El repertorio es un buen resumen de los múltiples afluentes que Presley sintetizó en sus años iniciales, con temas que integraron sus singles en Sun ("That’s All Right Mama", "Blue Moon Of Kentucky", "Baby", "Let’s Play House"), junto a los que iban a aparecer en sus históricos primeros singles y LPs para RCA ("Heartbreak Hotel", "Blue Suede Shoes", "Hound Dog", sus versiones de "Long Tall Sally" de Litlle Richard, y "I’ve Got A Woman" de Ray Charles), e incluso algunos que no cuentan con versión de estudio, como "Tweedle Dee" de Lavern Baker, y "Maybellene "de Chuck Berry.

En la coda de "Hound Dog" es palpable la anticipación de la gente cuando Elvis hace un alto y cambia el tempo para hacer su famoso movimiento de piernas. También es notable la empatía con sus músicos, especialmente el influyente trabajo de Scotty Moore. No hay más que escuchar a Presley introducir sus solos, como cuando dice "hit it!" (¡agarralo!) en "Baby, Let’s Play House", y Scotty entra con la marcha de un tren expreso.







Lo más irónico, triste y lamentable de nuestra historia viene en este momento: y es que, conforme la fama y la riqueza del Elvis Presley crecían, Scotty y Bill, que habían comenzado el grupo con él, eran simplemente unos asalariados con un sueldo miserable en comparación con el del cantante, y ni siquiera eran acreditados en los discos; incluso en algunas de las películas y grabaciones que realizó posteriormente Elvis, no intervienen ninguno de ellos. El Coronel Parker intentó desde un primer momento sustituir a The Blue Moon Boys por músicos profesionales, aunque afortunadamente Presley se negó.

Sin embargo, sus dos amigos acabaron finalmente por abandonarle, hartos de su situación, en 1957. Elvis se enfrentó una vez más al Coronel, se renegociaron los contratos, y el trío volvió a estar junto, aunque fue por poco tiempo: en 1958 surgieron los mismos problemas económicos y los viejos compañeros se separaron de nuevo. Bill Black nunca volvió a tocar con Elvis. Formó un grupo instrumental, The Bill Black Combo, con el que gozó de cierta fama hasta su triste muerte en 1965, a los 39 años, debido a un tumor cerebral.

Scotty y Bill crearon el sello discográfico Fernwood, en 1958, y produjeron un single de éxito titulado "Tragedy" para Thomas Wayne Perkins, hermano de Luther Perkins guitarrista de Johnny Cash.

Cuando Elvis volvió del servicio militar en el año 1960, Moore participó en algunas sesiones junto con él; Bill Black estaba con su banda, con la que tenía un relativo éxito y se mantuvo al margen. Ni el sello discográfico ni las colaboraciones le aportaban muchos ingresos, por lo que Scotty decidió trabajar para Sam Phillips como director de producción.

Cuatro años después grabó un albúm instrumental titulado "The Guitar That Changed The World" (1964); este álbum estaba compuesto por versiones de éxitos de Elvis de los años 50, pero se vendieron pocas unidades. Fue despedido por Sam Phillips y se trasladó a Nashville a trabajar para City Records Music como ingeniero y productor.

Vuelve a colaborar con Elvis en el mítico "Comeback Special" de 1968, para la cadena NBC en California, donde es un gustazo verle tocar, hasta que Elvis rompe el hechizo del concierto cuando decide quitarle a Scotty su guitarra eléctrica para ponerse a tocarla él mismo. Después de esta colaboración, Elvis optó por incluir en su banda al no menos prestigioso guitarrista James Burton, y Scotty y él nunca volvieron a verse.

En 1970 participa como ingeniero de sonido en la grabación del albúm "Beacoup Blues" de Ringo Star. En 1973 deja City Records Music y decide trabajar como "freelance", colaborando con Carl Perkins en el albúm "EP Express" de 1975 y en un documental sobre Elvis Presley en 1978.

El músico continuaría básicamente como productor e ingeniero de sonido durante muchos años, hasta que, a finales de los 80, parece que por fin el tiempo empezó a poner las cosas en su lugar: personalidades de la música del momento empezaban a hablar de Scotty y a alabar su trabajo; guitarristas del renombre de Keith Richards, Eric Clapton o Mark Knopfler, reconocían su admiración por él.

Desde entonces, ha tocado como invitado de honor en infinidad de conciertos y homenajes y ha grabado varios CDs; ha sido invitado a muchos programas y entrevistas, interpretado en el cine y en la televisión por varios actores, ha publicado una autobiografía, y parece que su nombre, aunque todavía desconocido por el gran público, empieza a ser respetado al menos entre los guitarristas y amantes de la música rock. Irónicamente, Scotty ha sido el único del trío original que formara con Elvis y Bill en poder disfrutar del impacto y la trascendencia que la música del grupo ha conseguido.

En 1992 vuelve a los Sun Studios para colaborar en el albúm de Carl Perkins llamado "706 Reunion: A Sentimental Journey". En agosto de ese mismo año actúa en directo como parte de "Good Rockin´Tonight", espectáculo basado en la formación rítmica que acompañaba a Elvis, poco después realizan una pequeña gira por Inglaterra. Aparece en algunos programas de televisión y es requerido para algunas grabaciones esporádicas como músico de sesión.

En 1997 se reúne con D.J. Fontana para grabar un disco homenaje titulado "All The King´s Men", en esta ocasión colaboran Keith Richards, Ron Wood, Jeff Beck, Levon Helm, y la banda que fundó su gran amigo Bill, The Bill Black Combo. Los temas del álbum son éxitos de Elvis; es un pequeño homenaje al "Rey".

Los reconocimientos empiezan a llegar y se le incluye en el Guitar Center Rockwalk junto a leyendas como Chet Atkins. La compañia Gibson edita su modelo de guitarra Scotty Moore Signature ES-295 y en al año 2000, se le incluye en el Rock and Roll Hall of Fame.

Colabora en el album "Ten Years After" (2003) junto Alvin Lee a la guitarra, D.J. Fontana a la batería, Pete Pritchard al bajo y Willie Rainsford a los teclados. Los honores siguen llegando y Gibson le homenajea de nuevo en el 50th aniversario de la compañia y en agosto de 2005, vuelve a realizar una pequeña gira por Noruega y Reino Unido. Hasta la fecha sigue recibiendo homenajes.





Después de más de cinco décadas como profesional (suponemos que debido a su salud y a su respetable edad), Scotty se retiró de la música en agosto de 2007. Desde hace años, tiene su propia web, de obligada visita para conocer más sobre este monstruo de las seis cuerdas: http://www.scottymoore.net/

Haber trabajado con uno de los mitos del rock and roll puede provocar que este a su sombra para siempre. Es injusto, pero no es la única vez que ha sucedido en la historia de la música. Es necesario reconocer la aportación de Scotty Moore. No es un solista espectacular, pero su estilo queda reflejado en todas sus obras. Quizá él tampoco haya sabido elegir el camino necesario para tener una carrera que le aportara el reconocimiento que merece. Pero al final aquí está, porque en ocasiones se habla del "estilo Scotty Moore".

Que habría sido de los temas de rock and roll sin la guitarra de Scotty Moore, ¿sería lo mismo "Hound Dog" sin su guitarra?, ¿perdurarían en el tiempo como ha ocurrido?, ¿que debe Elvis Presley a este gran guitarrista?......

En los tiempos en que Scotty Moore se convertía en músico profesional y su trabajo empezaba a oírse públicamente (mediados de los 50) no existía el culto al guitarrista que hay hoy en día. Se idolatraba ya desmedidamente a algunos cantantes, pero los músicos que les acompañaban en sus grabaciones y conciertos eran sistemáticamente ignorados o incluso totalmente desconocidos; poco más que "complementos" o "adornos", como si estos artistas no contribuyeran de manera importante al sonido y al resultado final de una canción. Y, sin embargo, seguro que los vocalistas que tuvieron a su servicio el talento de gente como Cliff Gallup, Grady Martin, Hank Garland, James Burton o el propio Moore, no hubieran sido lo mismo si hubiesen registrados sus míticas canciones con músicos menos innovadores y originales.

La música rock era un terreno sin explorar que estaba entonces dando sus primeros pasos y, con la excepción de nombres como Les Paul o Chet Atkins (que en realidad venían de otros estilos), nadie parecía fijarse en los virtuosos instrumentistas que comenzaban a situar la guitarra eléctrica en el lugar en el que merecidamente está hoy en día: como instrumento rey de la música moderna.

Se le admire o se le deteste, guste o no guste, se prefiera el estilo que se prefiera, es innegable que Elvis Presley cambió la música popular. Puede que no inventara nada nuevo, que simplemente remodelara y reconvirtiera (como tantos otros), pero su influencia en toda la música que nació en los años posteriores a su aparición no puede ignorarse ni despreciarse. Con él, sus instrumentistas, entonces prácticamente anónimos, marcaron también a generaciones de músicos, y a la cabeza de todos ellos, y sin ánimo de despreciar a los demás, estaba el virtuosismo y la destreza de Scotty Moore, uno de los guitarristas a la vez más influyente en la música moderna y paradójicamente más ignorado y desconocido. Todo un ejemplo de lo injusta que puede ser la vida y de cómo muchos se llevan la fama sin apenas esfuerzo (y, a veces, sin siquiera merecerlo) y otros pasan totalmente inadvertidos para el gran público a pesar de un legado ciclópeo.



Discografía

En solitario
The Guitar That Changed the World (1964)
All the King's Men (1997)

Con Elvis Presley
Elvis Presley (1956)
Elvis (1956)
Loving You (1957)
Elvis' Christmas Album (1957)
Elvis Is Back! (1960)
G.I. Blues (1960)
Something for Everybody (1961)
Blue Hawaii (1961)
Pot Luck (1962)
Roustabout (1964)
The Sun Sessions (1976)
ELV1S: 30 Nº 1 Hits (Recopilatorio, 2002)
The King (Recopilatorio, 2007)

Colaboraciones
Tracy Nelson Country (Tracy Nelson, 1969)
Billy Swan (Billy Swan1975)
Original (Jerry Lee Lewis, 1976)
Your Ok I'm Ok (Billy Swan, 1978)
Tribute to the King (Ronnie McDowell, 1979)
Classic (Jerry Lee Lewis, 1989)
All Killer, No Filler: The Anthology (Jerry Lee Lewis, 1993)
Big Blue (Lee Rocker, 1994)
Oh! Suzy Q: The Best of Dale Hawkins (Dale Hawkins, 1995)
Sonny Burgess (Sonny Burgess, 1996)
Four (Billy Swan, 1997)
Elvis: A Tribute to the King (Ronnie McDowell, 1997)
Great Guitars (Joe Louis Walker, 1997)
Farmers in a Changing World (The Tractors, 1998)
Big Night (The Tractors, 2002)
Not for Beginners (Ron Wood, 2002)
Once Upon a Time (Charlie Taylor, 2003)
InTennessee (Dale Hawkins, 2004)



Fuentes: pagina12.com.ar, Flickr, castilloruthwen.blogspot.com.es, lamejorguitarra.blogspot.com.es, rockers.es, scottymoore.net y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

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En el puesto número 28


Johnny Ramone


Guitarrista estadounidense, fue el co-fundador y único guitarra de la banda de punk rock Ramones, desde su formación en 1974 hasta su concierto final en 1996. Fue el único junto a Joey que permaneció en el grupo durante sus 22 años de existencia y el último en fallecer del trío principal, tras un inicio de siglo demoledor para los neoyorquinos, que vieron desaparecer a Joey en 2001 y a Dee Dee en 2002.


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John William Cummings nació el 8 de Octubre del año 1948 en Long Island, Nueva York. Se crió como hijo único en una familia obrera de Forest Hills, un barrio de clase media de Queens, Nueva York, donde creció absorbiendo la música rock.

La educación autoritaria de su padre -albañil de profesión-, tendría bastante que ver en su formación, ya que la disciplina adquirida con él sería la que aplicaría más tarde dirigiendo a la banda. Sus primeras experiencias musicales las tuvo a mediados de los años sesenta como bajista del grupo escolar Tangerine Puppets. Aquí conoció a Tamás Erdélyi, un húngaro de nacimiento que llevaba inmerso en el mundo de la música desde mucho antes que sus futuros compañeros y era el guitarrista de la banda escolar. Tamás sería, bajo el nombre de Tommy Ramone, el futuro productor y batería de los Ramones.

También en la misma escuela (a la que según sus propias palabras no faltó ni un sólo día) conoció a Douglas Colvin, más tarde conocido como Dee Dee Ramone. Colvin (Dee Dee), y Cummings (Johnny), rápidamente se hicieron amigos, ya que ambos eran parias sociales en su barrio de clase media.

Cuando terminó los estudios anduvo varios años mezclado en todo tipo de actividades delictivas, una época que años más tarde comentaría de este modo: "Era un chico malo; cada minuto del día. Desde que me levantaba hasta que me acostaba a dormir." Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, cambió de la noche a la mañana; abandonó el alcohol y las drogas y se propuso, haciendo acopio de toda la autodisciplina de que fue capaz, llevar una vida recta, para lo que comenzó a trabajar de albañil, como su padre.

La siguiente vez que Johnny y Dee Dee se encontraron fue en la calle 66 mientras John trabajaba en una tintorería y se encargaba de repartir la ropa limpia por el barrio. Empezaron a hablar de guitarras y amplificadores y cosas así. Era la época en la que The Who, grupo que admiraba John, acababa de tocar en Central Park

Dee Dee le contó que había hecho una prueba sin éxito para ser guitarrista de Television y Johnny le convenció de formar una banda con el baterista Jeffry Hyman (más tarde Joey Ramone). Joey paso a ser el vocalista después de que Dee Dee decidió que no podía ser la voz principal. Sin embargo continuo contando el tempo de cada canción que la banda interpretaba con su firma característica al grito de "one-two-three-four!"

Fue Dee Dee quien sugirió nombrar a la banda Ramones, después de leer que Paul McCartney a menudo firmaba en hoteles bajo el alias de Paul Ramon. Añadió una 'e' al final de ese apellido y los miembros de la banda estuvieron de acuerdo en adoptar el apellido "Ramone" con el fin de transmitir unidad.

John era una persona tenaz y con mucha fuerza de voluntad. Fue el primer amigo que hizo Dee Dee a su llegada a América, y su amistad se basaba en la música. Era significativo que un habitante de Forest Hills pudiera tener a un grupo como The Stooges en lo alto de su lista, y además, los originales, con Iggy, los hermanos Ron y Scott Asheton, y Dave Alexander. Increíble, un milagro.

Se puede decir que John siempre estuvo adelantado a su tiempo. No era nada parcial con respecto a la música, ni tampoco predispuesto, le daba una oportunidad a casi todo. Pero tenía sus gustos. Le gustaba el rock escandaloso, decibélico y soez. Era el mayor de la tropa, y como mayor, sabía muchas más cosas también. Le gustaba contar historias de mal gusto y fantasmadas que los demás se llevaron a la tumba como verdaderas (algunas lo serían) como por ejemplo: había estado viendo a los Yardbirds en el Anderson Theatre y a los Beatles en el primer concierto. Les había tirado piedras a los Rolling Stones cuando estos tocaron en el Shea Stadium y muchas más.

Entre otros grupos le gustaban Ted Nugent, The MC5 y Black Sabbath. Y respecto a estos últimos había estado en el primer show que dieron en el Steve Paul Scene de Nueva York. Otro ídolo al que vio tocar fue Jimi Hendrix en el Café Wha, allá por 1966 o 1967, "toda una experiencia" según sus palabras.

Johnny Ramone solía ir a mirar las guitarras a la calle 48. También hay que decir que nunca rompió una guitarra. Él pasaba de esa estupidez psicodélica. Finalmente encontró una de su agrado y siempre tocó la misma. Una Mosrite como la que usaban The Stooges. Quitando los Strobe Turners que se compró, Johhny Ramone nunca se dio un capricho. Hacía lo máximo con lo que tenía. Y eso era lo que más admiraban los demás de su faceta musical. De todas formas, era un poco raro tocar música agresiva con una Mosrite que en realidad estaba destinada a ser una guitarra surfera.

John siempre hacía las cosas a su manera. Tenía un viejo amplificador de válvulas, y una grabadora minúscula de Sony y de algún modo, eso era su estéreo. Richie Stern y él tenían muchas cintas (pasaban a escondidas grabadoras a los conciertos y hacían grabaciones de los grupos). El los pirateaba para todos, ya tocaran MC5 o The Stooges.

Cuando empezaron, la gente de Forrest Hills decía que no sabían tocar. Años después Johnny se reiría de gente como Doug Scott, un guitarrista del barrio, que sabía tocar "Dazed and Confused" de Led Zeppelín a los 16 años, y nunca pudo llegar a nada. Pero era imposible incluso para una persona como Johnny no sorprenderse de las cosas que estaban pasando en Nueva York por esas fechas.

Un día, en vez de ir a comer al Metropole, John y Dee Dee fueron a la tienda de instrumentos Manny en la 48 a mirar guitarras. Fue ahí cuando acabó con su guitarra azul Mosrite en las manos, tras confundir al dueño con una serie de preguntas sobre precios de guitarras que llevaron a la confusión del desafortunado. Johnny compró esa guitarra por 50 dólares cuando el dependiente se equivocó en el precio, que originalmente era de 90 dólares, según contó el propio músico en un testimonio recogido en el libro "Los Ramones. Demasiado duros para morir" del periodista argentino Marcelo Gobello.

Y con esa guitarra empezó a tocar en los Ramones. En los primeros tiempos, Johnny tenía que enseñarle las partes del bajo de las canciones a Dee Dee; el vínculo entre ellos siempre fue especial. Más tarde cuando empezaron a hacer tours por Europa, la tensión entre los miembros, especialmente entre Jonnhy y los demás iría en aumento.

La duración y consistencia de los Ramones se debieron en parte a la manera de ser de Johnny; era muy disciplinado y estricto. Antes de conocerse, Johnny, Joey, Dee Dee y Tommy, vivian todos en Nueva York. A Dee Dee y a Johnny les gustaba juntarse con alguien que estuviera loco. Les parecía cool. Joey era un hippie consumado, andaba descalzo y se había ido a San Francisco, donde tenía muchos amigos hippies. Johnny ni siquiera quería hablarle: odiaba a los hippies. Pero a Johnny le gustaba juntarse con gente rara, todo lo que fuera demente le parecía alucinante. Joey incluso había estado un tiempo internado en un manicomio, allí tuvo varias novias y se divirtió, aumentando su reputación de tipo raro.

Las diferencias entre ambos pronto fueron puestas a un lado cuando Dee Dee y Johnny descubrieron que había una afición que podían compartir con Joey: les gustaba beber, y mucho. Se pasaban tardes enteras tomando whisky en sus habitaciones. Claro que Johnny y Dee Dee también usaban todo tipo de drogas, cosa en la que Joey nunca pudo acompañarlos. "Nunca aspiré pegamento o Carbona", solía contar Joey, "nunca me enganché con las bolsitas de papel. Lo hacía de vez en cuando, pero nunca como los chicos. Nunca pude manejar las drogas demasiado bien".

Johnny Ramone les gritaba a todos cuando volvían al backstage. Cuando finalmente Tommy abandonó el grupo, y llegó Marky, las peleas llegaron a su punto más álgido. John se reía del extravagante comportamiento de Marc y alimentaba la hostilidad de este hacia Dee Dee.

Y comenzaron las supuestas mentiras. Quizá John tenía el peor papel en el grupo como figura autoritaria, alguien tenía que asumirla y parecer tan desagradable. O quizás (y lo más probable) simplemente estaba haciendo el trabajo sucio de los demás. En el negocio de la música es cierto que no se llega a ningún lado si no es por medio de gritos, amenazas, peleas, y ese tipo de comportamiento.

Johnny Ramone fue el que respetó más el uniforme de los Ramones, el que nunca se cortó el pelo, el que siempre uso la desgastada campera de cuero y el que siempre llevó vaqueros rasgados. Siendo el más firme en sus principios: se molestaba si Joey hacía una actuación en solitario o si querían introducir elementos que no iban acordes con la idea musical del grupo, y tarde o temprano, todos se convertían en esclavos ante sus caprichos.

Durante la carrera de los Ramones, la tensión entre Johnny y Joey fue patente. Tenían ideas políticas contrarias, siendo Joey un liberal y Johnny un conservador. Sus personalidades también chocaban: Johnny provenía de una familia que le inculcó valores de autodisciplina, mientras Joey padecía trastorno obsesivo compulsivo. Johnny, que sentía fascinación por el nazismo y Adolf Hitler, en ocasiones atormentaba a Joey con comentarios antisemitas.

A principios de los 80, Johnny empezó a salir con la novia de Joey, Linda, con quien más tarde se casaría. Joey descargó su rabia en el tema "The KKK Took My Baby Away" ("El Ku KLux Klan se llevó a mi chica", haciendo referencia a la filiación política de Johnny). Como consecuencia y a pesar de que siguieron tocando juntos, dejaron de hablarse. Johnny no volvió a llamarle hasta el día de su muerte. En un documental posterior dijo que la semana después de la muerte del vocalista fue la peor de su vida.





Aparte del conflicto principal, el trastorno bipolar de Dee Dee y su frecuente adicción a las drogas también causaron numerosos roces. Tommy dejó la banda por haber sido amenazado por Johnny, despreciado por Dee Dee, e ignorado por Joey. Conforme se fueron uniendo nuevos miembros, los asuntos de dinero y actuaciones fueron fuente de conflicto. En 1997 Marky y Joey protagonizaron una discusión en la radio sobre sus respectivos problemas con el alcohol.

Las últimas relaciones personales de John con el resto fueron tristes y vacías. La interacción ya chirriaba desde hacia mucho. Según Johnny Ramone su ultimo tour fue una pesadilla. Habló con Dee Dee por teléfono para convencerlo de que no podía faltar a la última actuación de los Ramones. En la última prueba de sonido no estuvo presente Johnny, en la cual si estuvo Dee Dee y el promotor. Jonnhy se sentía demasiado miserable a la sombra de Joey y Mark, así que se fue con Eddie Vedder de Pearl Jam y sus amigos. Cuando llegaron al estadio, se descubrieron tocando ante 90.000 personas, para el último: "one-two-three-four!".

Tomaron posiciones y empezaron. El grupo impresionó a la gente, estuvieron bien pero ya habían perdido su gracia, su punto, mucho tiempo atrás. Johnny Ramone parecía más un tenista que un guitarrista. Se hablaba de John como el tipo de persona entrometida en vidas ajenas, que te dice en qué creer y qué hacer, pero probablemente sin su postura de sargento, los Ramones no hubieran sido los Ramones.

Y aunque una historia de los Ramones nunca puede llevar final feliz, ellos sí que estuvieron felices de su final de historia, aunque buena parte de ella, fuera en el fondo divertida. Los Ramones no volverían a tocar juntos (tampoco se lo permitió el destino). Pero pese a quien le pese, fueron historia, o más bien, una historia y sus recuerdos. Aquella actuación en nochevieja, Dee Dee liándose un porro en el asiento trasero, Joey dándole a una guitarra de dos cuerdas, y sonando como una de siete. Y el más importante para John Cummings, el recuerdo de un público que lo arropó hasta el final. Porque como él decía hasta la saciedad, los fans de los Ramones son los mejores del mundo. Y debe ser verdad...

A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 álbumes y un total de 212 canciones. A pesar de su fama actual, el grupo sólo consiguió un disco de oro gracias al recopilatorio "Ramonesmania" en 1988, y sólo dos de sus álbumes, "Rocket To Russia" (1977) y "End Of The Century" (1980) consiguieron sobrepasar el top 50 en el Billboard estadounidense. Ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial. La banda se disolvió en 1996

Empuñando siempre su eterna guitarra Mosrite, desarrolló una técnica veloz a la cual llamaba "de serrucho", basado en los famosos y multimencionados "tres acordes" con los cuales creó cientos de canciones con la banda. La tecnica de Johnny Ramone es un continuo downstroke en todas sus notas desde que empieza hasta que acaba la canción si bien downstroke significa "golpe hacia abajo" es decir de la cuerda 6 a la cuerda 1 de la guitarra. Fue inventado por el, y creó la corriente punk...toda la guitarra que suene punk utiliza esta técnica.

Johnny intento mantenerse "fiel" al estilo de los primeros discos adoptando esta aparente sencilla técnica de acordes de quinta en los directos, en donde rara vez se le veía ejecutar punteo alguno. Otro de los motivos que le hacían adoptar esta "filosofía" de no progresar técnicamente (o al menos no lo hizo en público durante la gran mayoría de los conciertos), era que quería conservar el estatus de la banda ideal de punk, su pose con la guitarra baja y las piernas separadas es imitada continuamente.

Siendo un ferviente nacionalista toda su vida al separarse la banda se dedicó a causas conservadoras, como apoyar la candidatura del presidente estadounidense George W. Bush. "Dios bendiga al presidente Bush y Dios bendiga a Estados Unidos", dijo al recibir en 2002 el homenaje en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

A primeros de septiembre del 2004 se realizó un concierto en Los Ángeles para celebrar el 30 aniversario de los Ramones, al que Johnny Ramone no pudo asistir debido a la grave enfermedad que padecía y que se dio a conocer a la prensa hacía tan sólo cinco meses. A pesar de todo, Johnny dirigió a sus seguidores unas palabras por teléfono. Después de luchar contra el cáncer de próstata, Johnny falleció en su casa de Los Angeles el 15 de septiembre de ese mismo año, rodeado de algunos músicos amigos de él. A su lado se encontraban su esposa Linda y estrellas de rock como el cantante de Pearl Jam, Eddie Vedder, acompañado de su mujer Jill; el guitarrista de Red Hot Chili Peppers, John Frusciante; y Rob Zombie y su mujer Sherie.

Unos días después fue incinerado y se levantó una estatua en homenaje al guitarrista.

Johnny siempre fue consciente de no ser un virtuoso de la guitarra... y no sólo eso... nunca pretendió serlo. La música se había vuelto demasiado elaborada, demasiados solos de guitarra, solos de batería... Música interesante para escuchar una vez, incluso para quedarse de piedra y pensar "qué buen tema… que pedazo de solo… que gran guitarrista…"... pero acaban aburriendo a base de ser escuchados una y otra vez... La mayoría de las bandas contemporáneas a la época de The Ramones parecían tener una competición entre ellas para ver quién era la más perfecta, quien era el mejor guitarrista, el bajista más hábil, quién hacía los mejores solos de batería... y se olvidaban de lo más importante... tocar PUNK.





Patty Ramone, colaboradora de Calzada News y fan de Ramones escribió esto de ellos:

"La gente que se une a un grupo como Ramones no viene de una formación ni de una clase estable, no es una forma de arte tan civilizada. El punk rock viene de niños enfadados a los que les apetece ser creativos. Creo que es por eso que Johnny y los demás miembros de los Ramones eran conocidos por arrojar televisores desde los tejados de los edificios a la gente de a pie. Tenían un odio especial por la viejas con sus carritos de la compra que iban a casa desde el supermercado. En Forrest Hills, los porteros dejaban árboles de navidad secos en los sótanos, que Johnny and company se dedicaban a quemar, para después salir corriendo y reír durante un buen rato. Johnny era un "chico malo", y todos sus amigos debían serlo, no es de extrañar que la fuerza de gravedad lo arrastrara hacia Dee Dee, Tommy y Joey, los delincuentes del barrio.

Los Ramones eran la élite de la clase rebelde de Queens durante finales de los setenta y principios de los ochenta. Desde luego no eran buenos estudiantes, ni futuros universitarios, preferían meter la pata y vivir de fantasías. Eran maleducados y supersticiosos. Pensaban que los lisiados eran graciosos y que acariciar la cabeza de un enano, especialmente calvo, traía buena suerte. En fin, nadie los vinculaba a ningún éxito vital.


Equipo

Guitarras
Johnny se caracterizó por usar en toda su carrera guitarras Mosrite, por lo que se convirtió en uno de los principales rostros de la ya extinta compañía.
Mosrite - Blue Ventures II - Primera guitarra de Johnny. Comprada en 1974, le fue robada en 1977.
Mosrite - White Ventures II - Comprada en 1977 para reemplazar la guitarra robada. La conservó hasta la separación de la banda en 1996 - después fue vendida al productor Daniel Rey.
Mosrite - Sunburst Ventures II - Comprada a mediados de los 70. Terminó en una tienda de musica junto con unos "jeans" de Johnny.
Mosrite - Blue Ventures II - Nunca fue tocada, ya que la tenía como guitarra de reserva, comprada por Johnny en 1988. Fue vendida y autografiada a un fan de la banda quien la donó para ser vendida en Northern Guitars en Queens, NY, para luego ser comprada por otro fan en 2000. Actualmente se encuentra en Nueva Jersey.
Mosrite - Red Ventures I/V1 - Propiedad de T.bags de los Deadones
Mosrite - Brown Ventures II - Segunda guitarra principal de Johnny de 1984 a 1989, después fue pintada color dorado.
Mosrite - White 1 pickup - Hecha por un amigo de la banda y usada como reserva durante los shows.
Mosrite - Sunburst 1 pickup - Usada en el video "Time Has Come Today" (1983).
Mosrite - White Ventures - Hecha personalmente para Johnny, por el fundador y dueño de Mosrite, Semie Moseley al final de los 80's.
Rickenbacker - 450 - Usada en el "Don Kirshner's Rock Concert", después fue robada.
Rickenbacker - Fireglo 450 - Después vendida por una Mosrite.
Fender - White 1970s Stratocaster - Usada en la canción, "I Wanna Be Your Boyfriend". Brevemente usada antes de ser robada.
Fender - Black 1970s Stratocaster
Fender - Red 1970s Stratocaster - Usada en un show de Johnny en 1985.
Hamer - Guitarra personalizada - Johnny tenía dos. Una fue cambiada en los 80 por una Mosrite color café la cual se convirtió en guitarra de reserva.

Amplificadores
Marshall - JMP Super Lead 100W Head
Marshall - JCM 800 100W Lead Series Head2



Discografía

Ramones (1976)
Leave Home (1977)
Rocket to Russia (1977)
Road to Ruin (1978)
End of the Century (1980)
Pleasant Dreams (1981)
Subterranean Jungle (1983)
Too Tough to Die (1984)
Animal Boy (1986)
Halfway to Sanity (1987)
Brain Drain (1989)
Mondo Bizarro (1992)
Acid Eaters (1993)
¡Adiós Amigos! (1995)



Fuentes: taringa.net, Flickr, unionpunk.123guestbook.com, blogs.lainformacion.com, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, theramones.s5.com, y Wikipedia


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En el puesto número 27


Bo Diddley


Fue un compositor, cantante y guitarrista estadounidense que tuvo una gran influencia en el rock and roll. Se le suele considerar como la figura predominante en la transición del blues al rock and roll, creador de ritmos básicos con un sonido duro y afilado de su guitarra. Por ello tenía el sobrenombre de "The Originator" (El Autor).

Referencia inexcusable en la historia del rock and roll y figura clave en el desarrollo del género, Bo Diddley supo construir su propia leyenda en torno a una innovación sónica y rítmica que rompía los límites de lo establecido. Creador de magníficas composiciones, ya clásicas del rock como “I Am A man”, “Who Do You Love”, “Road Runner” o “Not Fade Away”, el gran Bob Diddley es al rock and roll lo que Albert Einstein a la física.


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Otha Ellas Bates hijo único de Ethel Wilson y Eugene Bates, nace en una granja algodonera entre McComb y Magnolia, Mississippi, el 30 de diciembre de 1928. Sus padres eran demasiado pobres para criarlo, y una prima de su madre, maestra temporal en Chicago, se ocupó del pequeño Ellas, dándole también el nuevo apellido de McDaniel. De pequeño, Bo estudió violín y conoció, tocando en la orquesta de la iglesia baptista Ebenezer, a Leroy Jenkins, aquel muchacho que años más tarde se haría un nombre como músico de jazz de vanguardia en el Art Ensemble of Chicago.

Empezó a mostrar su talento musical desde que era muy pequeño, pero fue en 1933, año en el que por razones familiares se mudó a Chicago, cuando se dió cuenta de que la música docta no iba con él y tras escuchar el "Boogie Chillen" de John Lee Hooker, decide pedir una guitarra para Navidad.

Cuando cumple doce años, su hermanastra Lucille le hizo el tan preciado regalo, una barata Harmony acústica, hecho no sólo significativo para el propio Ellas, sino también para el devenir de la música rock.

De adolescente, aunque se consideraba un hombre muy religioso, no era un chico que sólo fuera de casa a la iglesia y de la iglesia a casa. Al atardecer actuaba por las esquinas de las calles para ganar algo de dinero. Precisamente en esta época empezaron a llamarle Bo Diddley, sobrenombre que ni el mismo sabe bien de donde salio, aunque se cree que estaba inspirado en el Diddley Bow, un instrumento de cuerda, de origen africano, usado en los campos del sur principalmente por los músicos negros.

Su madre adoptiva y sus tíos, que eran predicadores y diáconos, consideraban el blues que Bo tocaba como "música diabólica", y un día lo presionaron para que dejara de tocar aquella música "malvada". Por toda respuesta, Bo dijo que el diablo nunca le había pagado y se fue de casa.

Gradualmente comenzó a copiar lo que hacía con el arco del violín, chasqueando las cuerdas de su guitarra. Batería frustrado, afirmaba que tocaba la guitarra como si tocase la batería, así que inventó un estilo de guitarra-percusión, único, diferente. Seguía sin pensar dedicarse profesionalmente a la música hasta que un día cae en sus manos una guitarra eléctrica. El flechazo es instantáneo.

Poco tiempo después de dejar la escuela, forma su primer grupo, un trío llamado The Hipsters, mas tarde conocido con el largo nombre de The Langley Avenue Jive Cats. Después de graduarse tiene varios empleos todos ellos mal pagados, incluyendo camionero, albañil y boxeador, de donde también dicen que viene su nombre de guerra: Bo Diddley. También toca con su grupo para sacarse unos dólares extra.

Por aquella época, en 1946, se casa con Louise Woolingham, pero su matrimonio no dura y un año después se vuelve a casar con Ethel Tootsie Smith, con la que estaría algo más de una década. Mientras tanto, desde 1946 es el líder del The Washboard Trio. En 1950 se asoció con el armonicista Billy Boy Arnold, y los dos, acompañados Jerome Green a las maracas y un músico de "washboard", la famosa tabla de lavar, empezaron a actuar por las calles y en el 708, un famoso club de la época. Las principales influencias de Bo eran Louis Jordan, Nat King Cole, John Lee Hooker y Muddy Waters.

En 1954 llegaron a tener trabajo en otros clubs de Chicago como el Sawdust Trail y el Castle Rock. Tomando ciertos acordes de una vieja pieza del folk llamada "Mockingbird", el guitarrista escribió "Uncle John" de la que grabaron una maqueta para llevarla en primer lugar a United Artists y después a Vee-Jay. Nadie quería ese estilo, hasta que los hermanos Chess lo ficharon.

Una vez que le enseñó la canción a los dueños de Chess Records, en Febrero de 1955, estos simplemente la rechazaron por encontrarla poco comercial, y con un pasaje directo al fracaso en las listas. De hecho, esos productores rechazaron la canción simplemente por su letra, ya que la encontraron "demasiado sucia para los auditores blancos y los conservadores".

Pero esto en vez de deprimir al músico, le hizo sacar nuevas fuerzas creativas y en tan sólo una semana llegó nuevamente a los estudios de Chess Records, con su criticada canción pero con una letra renovada y titulada simplemente como "Bo Diddley", lo cuál llamó de inmediato la atención de los productores.

Una vez que le dieron el "sí", el 2 de Marzo de 1955 Diddley grabaría con la compañía Checker, una subsidiaria de Chess, su canción con los emblemáticos músicos de sesión que tenía el sello: de esta manera nació la mítica "'Bo Diddley", con "I'm A Man" por la otra cara.





Pero el músico también se dio un lujo en este, que sería su primer single oficial de su carrera como solista, e invitó a su viejo amigo Jerome Green para que tocara las maracas y apoyara en los coros. Además, juntos hicieron el llamativo efecto de sonido de la percusión utilizando varias cajas de resonancia que estaban puestas alrededor del estudio y que llamaron la atención de los demás músicos (el cantante y armónica Billy Boy Arnold, el pianista Otis Spann, Frank Kirland a la batería y Lester Davenport a la armónica).

Una vez que la publicaron, la canción empezó a sonar de inmediato en las emisoras de radio, y ya el 30 de Abril contaba con dos versiones instrumentales, ademas la revista Billboard informaba que las ventas del disco eran millonarias y que de seguro sería uno de los más vendidos del año (y lo logró!). El single llega al número 2 de las listas de Rhythm & Blues.

No hay dudas en que su canción mas reconocida es esta. Dueña de una estructura musical sacada del "Hambone", una variedad de danza muy usada por la gente de raza negra (en especial por los esclavos llegados del África) y que fue descrita como una "forma artística de golpeo de los muslos", Diddley hizo que su guitarra sonara siempre como un instrumento de percusión, o como el latido de un corazón salvaje.

Pero la canción no sólo sería un éxito en 1955, sino que también marcaría con el paso de los años a otros artistas, en especial el riff de guitarra que a sido utilizado por muchos y en canciones muy famosas. Por ejemplo podemos mencionar a "Not Fade Away" de Buddy Holly, "Cannonball" de Duane Eddy, "Hey Little Girl" de Dee Clark, "I Want Candy" de Strangeloves, y la popular "Faith" de George Michael.

Diddley va a ir sacando unas canciones salvajes, de un ritmo penetrante y enfático. Este mismo año de 1955 graba, entre otras, "Run Diddley Daddy" y "Pretty Thing". También se convierte en el primer afroamericano en aparecer en el programa de televisión The Ed Sullivan Show, el 20 de noviembre de 1955, aunque fue una situación bastante incomoda para Diddley ya que el mismo Sullivan solo le dio seis meses de vida musical.

En 1956 graba "Who Do You Love", "Cops And Robbers" y Before You Accuse Me" y toca la guitarra en el tema de Billy Stewart "Billy’s Blues". Al año siguiente graba "Mona" y coescribe con Mickey y Sylvia el éxito de la pareja "Love Is Strange".

En 1958, la Chess edita su primer LP, "Bo Diddley", un disco imprescindible que contenía esenciales clásicos de su carrera como los citados "I'm A Man", "Bo Diddley" o canciones inmortales del estilo de "Before You Accused Me", "Diddy Wah Diddy", "Who Do You Love?" (con sus referencias al alambre de púas, a las serpientes cobra y a las calaveras, es quizás uno de los textos más mágicos y violentos de rock'n'roll, y la versión realizada por Ronnie Hawkins es probablemente la mejor de todas), o "Pretty Thing", pieza que sirvió para bautizar a la banda británica The Pretty Things.

Gran importancia en el impactante sonido sonido del disco la tenía la banda que le acompañaba: Jerome Green (maracas y respuesta vocal); Billy Boy Arnold, Little Walter, Lester Davenport o Little Willie Smith (armónica); Jody Williams (guitarra); Franz Kirkland o Clifton James (batería); Otis Spann o Lafayette Leake (piano y coros). En esta formación podemos observar dos cosas: es un esquema bastante más complicado que el típico de guitarra-contrabajo-batería, lo que le va a conferir un sonido especial y propio, y también podemos observar el papel destacado de las guitarras, elemento muy característico del sonido de este álbum.

Al año siguiente, publica "Go Bo Diddley" en el que el tema "Say Man, Back Again" alcanza el Top 20, su mayor éxito en las listas pop; y "l'm Sorry", es una de las baladas estilo doo-wop más bellas de todos los tiempos. La década de los ’60 comienza con grandes cambios para él: se va a vivir a Washington DC, donde construye su propio estudio de grabación en su casa y publica "Have Guitar-Will Travel" "Bo Diddley In The Spotlight" y "Bo Diddley Is A Gunslinger".

En 1961, su tema "Hey Bo Diddley" (retitulado "I’m Going Home") entra en el Top 40 británico, interpretado por Gene Vincent. Este año se edita su LP “Bo Diddley Is A Lover”. En 1962, es invitado a tocar en una fiesta privada en la Casa Blanca, evidentemente ante el presidente Kennedy y su esposa. Chess Records edita el tema de Billy Stewart "Fat boy", coescrito por Bo.

En 1963, Bo Diddley hace su primera gira por el Reino Unido, junto a los Rolling Stones, Little Richard y los Everly Brothers. El éxito es aplastante. No importa que la escena musical esté cambiando: Bo Diddley es insumergible. "Pretty Thing" alcanza el Top 40 británico, su mayor éxito en las listas pop del Reino Unido. Este año, Buddy Holly obtiene un póstumo (había muerto en 1959) Top 5 británico con "Hey Bo Diddley". En 1964 graba con Chuck Berry el LP "Two Great Guitars".

Curiosamente cuando sus discípulos The Rolling Stones o Animals comenzaron a triunfar en los Estados Unidos en los años 60, su música comenzó a declinar a nivel artístico y comercial.

Diddley sigue dando caña en los ’70. Su discográfica sigue editando sus LP’s: "The Black Gladiator "(1970) y "Another Dimension" (1971) prueban que Diddley no ha perdido ni pizca de sus facultades. En 1971 se vuelve a mudar, esta vez, cumpliendo sus sueños de la infancia, a un rancho en Los Lunas (New Mexico), donde, alucina vecina, le nombran Sheriff Delegado. El cargo no le resta actividad: en 1972 se graban las películas "Let The Good Times Roll" y "The London Rock’n’Roll Festival", apareciendo en ambas. También toca ese año en el Festival de Jazz de Montreux. El siguiente año se edita la banda sonora de "Let The Good Times Roll".

En 1974 se cierra una época de su vida, abandonando la Chess. Posteriormente diría que esta discográfica le estafó, no pagándole nunca royalties. Diddley sigue en activo, haciendo en 1975 una triunfante gira por Australia. En 1976, RCA edita su LP "The 20th Anniversary Ff Rock’n’Roll" con una formación "all stars" que comprende a Billy Joel, Roger McGuinn, Joe Cocker y Keith Moon. El año siguiente es MF Productions la que edita su doble LP en directo "I´m A Man".

Y sigue con las mudanzas nuestro culo negro de mal asiento: en 1978 se traslada cerca de Hawthorne (Florida). Diddley se apunta a todas: en 1979 se va de gira con The Clash en el primer tour de los punkarras ingleses por USA.

En 1981, la Chess británica publica el doble LP "Bo Diddley Chess Masters", seguido de un volumen 2 el siguiente año. En 1984, New Rose publica su LP "Ain’t It Good To Be Free". En 1985 participa en el Live Aid Concert de Philadelphia y aparece en la película "30th Anniversary Of Rock’n’Roll All-Star Jam". Empiezan los reconocimientos a su carrera.

En 1986 es introducido en el Hall of Fame de la Asociación de la Música del Área de Washington; en 1987 entra en el Rock’n’Roll Hall of Fame y en 1989 es admitido, junto con Willie Dixon, en el Hollywood RockWalk. En 1990 recibe el Editor’s Lifetime Achievement Award de la revista Guitar Player. Chess sigue aprovechando sus archivos y edita "The Chess Box". Mientras tanto, Triple X Records saca su CD "Breakin’ Through The B.S."

En 1991 la revista Vox incluye su "Hey Bo Diddley" como uno de los “100 discos que estremecieron al mundo”. Este año (en octubre) toca en los conciertos de Leyendas de la Guitarra, en Sevilla, junto a gente de la talla de B.B. King, Albert Collins, Robert Cray, Dave Edmunds o Steve Cropper.





En 1992 aparece en la convención nacional del Partido Demócrata y Rhino publica un CD tributo, el "Bo Diddley Beats".

Pero que le hagan homenajes no quiere decir que esté acabado: en 1993 publica en Triple X su CD "This Should Not Be", en 1994 New Rose saca su CD en directo "Bo Diddley & Co. Live" y en 1995 Triple X hace lo propio con su CD "The Mighty Bo Diddley". Siguen los premios: en 1996 se lleva el Lifetime Achievement Award de la Fundación de Rhythm’n’Blues. Code Blue Records publica su CD "A Man Amongst Men". En 1998 recibe un Lifetime Achievement Award de la Recording Academy en la ceremonia de los Grammy. El Rock’n’Roll Hall of Fame aclama su canción "Hey Bo Diddley" como una de las 500 canciones que formaron el Rock & Roll.

En el 2002, recibió sendos premios de la National Association of Black Owned Broadcasters y de la Broadcast Music Incorporated en reconocimiento a sus múltiples contribuciones a la música contemporánea. En el 2003, en la Cámara de Representantes de los Estados Unidos, John Conyers Jr. de Míchigan, rendía un tributo a Bo Diddley al describirlo como uno de los verdaderos pioneros del rock and roll, que ha influenciado a generaciones.

En 2005, Bo Diddley celebró su quincuagésimo aniversario en el mundo de la música con exitosas giras por Australia, Europa y de costa a costa por toda Norteamérica. En el vigésimo aniversario de la creación del Rock and Roll Hall of Fame interpretó su canción "Bo Diddley" con Eric Clapton y Robbie Robertson. En el Reino Unido, la revista Uncut incluyó su álbum de 1958 en la lista 100 Music, Movie & TV Moments That Have Changed The World (Las 100 canciones, películas y programas de televisión que han cambiado el mundo).

Diddley muere el 2 de junio de 2008, en su casa de Archer (Florida), a los 79 años, debido a que el 2007 sufrió una serie de ataques cerebrales y cardíacos en Iowa, tras una actuación, que lo dejaron muy debilitado.

Nunca su música resultó tan comercial como la de otros grandes nombres de su contexto temporal y geográfico, pero el áspero proceder rítmico de su rectangular guitarra, de diáfana ascendencia africana, dejó huella en las huestes de jóvenes músicos amantes del blues y el rock'n'roll, que a comienzos de los 60 idolatraban e imitaban los riffs distorsionados y pujantes, de substancia étnica, que destilaban las seis cuerdas de Bo Diddley.

No sólo los Pretty Things cayeron en las redes del sonido de Bo Diddley, multitud de grupos y solistas versionaron a este maestro del rock'n'roll y el R&B: The Rolling Stones, Manfred Mann, The Yardbirds, Ronnie Hawkins, The Animals, Bob Seger, The Remains, Tim Hardin, la Creedence Clearwater Revival, The Sonics, Eric Clapton o el mismísimo Buddy Holly, quien realizó una versión de "Bo Diddley".

Sus seis cuerdas traspasaron las generaciones, y su música es parte fundamental para la historia del rock and roll. Por eso, todas las estrellas del rock de verdad han tomado influencias de este gran personaje, que supo dela fama y también del fracaso y que además experimentaba sonidos en el estudio, algo que después sería influencia pura para otros artistas que querían ir contra la ola de la moda musical comercial.

Su ritmo sincopado y vicioso ha sido posiblemente el más copiado de la historia del rock. Y seguirá así hasta que exista alguien con ganas agarrar una guitarra y producir sonidos excitantes, que celebren sin reservas la liberación individual y colectiva. El rock'n'roll siempre estará en deuda con Bo Diddley.



Discografía

Bo Diddley (1958)
Go Bo Diddley (1959)
Have Guitar-Will Travel (1960)
Bo Diddley In The Spotlight (1960)
Bo Diddley Is A Gunslinger (1960)
Bo Diddley Is A Lover (1961)
Bo Diddley's A Twister (1962)
Bo Diddley (1962)
Bo Diddley & Company (1962)
Surfin' with Bo Diddley (1963)
Bo Diddley's Beach Party (1963)
Bo Diddley's 16 All-Time Greatest Hits (1964)
Two Great Guitars (con Chuck Berry) (1964)
Hey Good Lookin' (1965)
500% More Man (1965)
The Originator (1966)
Super Blues (con Muddy Waters y Little Walter) (1967)
Super Super Blues Band (con Muddy Waters y Howlin' Wolf) (1967)
The Black Gladiator (1970)
Another Dimension (1971)
Where It All Began (1972)
Got My Own Bag of Tricks (1972)
The London Bo Diddley Sessions (1973)
Big Bad Bo (1974)
20th Anniversary of Rock & Roll (1976)
I'm A Man (1977)
Ain't It Good To Be Free (1983)
Bo Diddley & Co - Live (1985)
Hey...Bo Diddley in Conce rt (1986)
Breakin' Through The BS (1989)
Living Legend (1989)
Rare & Well Done (1991)
Live At The Ritz (con Ronnie Wood) (1992)
This Should Not Be (1993)
Promises (1994)
A Man Amongst Men (1996)
Moochas Gracias (con Anna Moo) (2002)



Fuentes: alohacriticon.com, Flickr, historiasderock.es.tl, detrasdelacancion.blogspot.com.es, cultura.elpais.com, rockandrollismyaddiction.wordpress.com, elmundo.es, rockandwrestling.com, woody-jagger.blogspot.com y Wikipedia
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Gracias Presidemente!!!

Y ya sabes:

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=7Z4PGufCTqA[/youtube]
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

Oscar Cigarrón escribió:Gracias Presidemente!!!

Y ya sabes:


:=8): :=8): :=8): :=8):
Y me pilla la noche, cantando en el metro
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 26


Brian May


Miembro fundador de Queen, es uno de los mejores guitarristas del mundo; compositor, productor e intérprete, también doctor en astrofísica, y un apasionado defensor de los derechos de los animales.

Brian May es Queen, bueno, todos son Queen, pero en un sentido muy determinado Brian May es el alma de Queen, su corazón musical. En realidad es una paradoja que sólo comprenden los que conocen bien a Queen: Brian es de los cuatro, el que menos temas de éxito ha compuesto, pero nadie duda de que musicalmente, Brian es la pieza clave. Y no sólo por el sonido de su guitarra, la legendaria Red Special que se ha erigido en la etiqueta inconfundible de Queen. Es algo más, Brian parece destinado a vivir para Queen. Un penetrante escritor especializado en Queen señaló: "Brian May es el cerebro silencioso, el que hace que las cosas funcionen".


Imagen


Nacido el 19 de julio de 1947 en Hampton, en el distrito londinense de Richmond upon Thames, Brian Harold Mayes el único hijo de Harold May y de Ruth Irving Fletcher. Su padre era un cockney (habitante de los bajos fondos del East End londinense), que sirvió en la Royal Air Force durante la Segunda Guerra Mundial, y su madre era escocesa, al servicio de la Women's Royal Air Force.

Desde niño Brian mostró gran interés por la música y la astronomía. A los 5 años, sus padres le apuntaron en una escuela de música para que aprendiera a tocar el piano. Al siguiente año le regalaron un ukelele, instrumento que su padre tocaba muy bien, que hizo que Brian se entusiasme con los instrumentos de cuerda. Por esta razón le compraron una guitarra española, la cual tuvieron que modificar para que un niño de 6 años la pudiera tocar.

A los 7 años recibió de regalo su primera guitarra acústica. Al percatarse de que la guitarra era demasiado grande para él, el joven Brian con la ayuda de su padre y un serrucho, la transformó en un instrumento que podía tocar con sus diminutos dedos. Además, utilizando hilos de cobre y unos imanes, consiguió que su guitarra sonara de forma similar a una verdadera guitarra eléctrica.

Fue alumno de la Hampton School, donde obtuvo altas notas en Física y Matemáticas. Inspirado por Lonnie Donegan, The Shadows, The Ventures y Buddy Holly, Brian empezó a tocar la guitarra con varios grupos locales a la edad de quince años.

En 1963, se dio cuenta de que con su guitarra acústica no podía interpretar las canciones que escuchaba en la radio y que trataba de emular. Así que decidió cambiar su guitarra acústica por una eléctrica. Pero en esa época no disponía de dinero para comprarse las caras Gibson Les Paul y Fender Stratocaster que hacían furor en el mercado.

Así que con la ayuda de su padre, decidieron embarcarse en un difícil proyecto: fabricarse su propia guitarra, trabajo que comenzaron en agosto del 63 en un dormitorio de su casa convertido en taller.Tras dieciocho meses de duro trabajo, estuvo por fin terminada; esta guitarra sería conocida como la Red Special o The Fireplace.

Durante su época en la Hampton, conoció a Tim Staffel, con quién formó la banda 1984, por la novela de George Orwell del mismo nombre. La banda estaba formada por Brian a la guitarra, Dave Dilloway al bajo, John Sanger al piano, Richard Thompson a la batería y Tim Staffell en las voces y armónica. Llegaron a mucho, ya que pudieron ser teloneros de uno de los conciertos de Jimi Hendrix, pero después de un tiempo se disolvió por diferencias musicales entre los miembros de la banda.

En 1965 Brian fue aceptado en el Imperial College de Londres para estudiar astronomía, lo cual siguió haciendo mientras realizaba sus giras como músico. Brian ha explicado que lo hacía como una "segunda opción", por si no llegaba a tener éxito con la música.

Mientras terminaba sus estudios de astronomía, estuvo trabajando una temporada en Tenerife estudiando distintos fenómenos astronómicos desde Izaña, en las Cañadas del Teide, donde escribió en equipo dos trabajos sobre sus investigaciones y resultados, que se publicaron en Monthly Notices of the Royal Astronomic Society. Obtuvo su licenciatura en Ciencias en la especialidad de Física y continuó como postgraduado trabajando en Astronomía en el Imperial, materia que enseñó durante algún tiempo a los alumnos de bachillerato.

En 1968, a pesar de la separación de 1984, Tim Staffell y Brian May querían seguir tocando juntos, por eso colocaron un anuncio pidiendo un baterista. Tras varias pruebas, seleccionaron a Roger Taylor. Junto a él, formaron un nuevo grupo llamado Smile; volviendo la mirada hacia el pasado, Brian está convencido de que gran parte del sonido de Queen se originó con Smile. Llegaron incluso a telonear a Pink Floyd y a Yes y grabaron un álbum, "Gettin' Smile", pero sólo fue editado en Japón en 1982.

Tras dos años, Staffel dejó la banda en 1970 con un repertorio de sólo nueve canciones. Finalmente, como como cantante Brian y Roger escogieron a alguien que les había acompañado en las giras y había aportado muchas ideas sobre el look de Smile: Farrokh Bulsara o sea Freddie Mercury. Finalmente, fue Freddie quien convenció al grupo para que se llamase Queen. Después de tener a varios bajistas, comenzaron a buscar uno permanente y, tras una audición, incorporaron a Deacon a la banda. El cuarteto debutó como tal el 25 de noviembre de 1971 y cosechó éxitos hasta 1991, cuando muere Mercury víctima de Sida.

Desde los primeros tiempos de Queen, la guitarra de Brian May se ganó el aplauso general y la admiración de miles de aspirantes a guitarristas. La banda se pasó muchos años desarrollando y refinando su música, demostrando la musicalidad y la riqueza de armonías que se pueden lograr con una formación de voz, guitarra, bajo y batería.

Una de las características más notables del estilo de May es la superposición de armonías de guitarra: "Era algo que siempre me había interesado, y quería ser el primero en hacerlo y el mejor. Siempre me gustó ese efecto, desde que oí a Jeff Beck en "Hi Ho Silver Lining", donde se doblaba la guitarra e incluso había un momento en el que se hacían armonías. Pensé que si podías llegar a controlar aquel sonido, sería un sonido asombroso. Y lo tuve siempre en la cabeza, desde el primer momento. Con Queen nos empeñamos en hacerlo, y lo conseguimos. Desde entonces, lo único que hemos hecho ha sido utilizar arreglos cada vez más complejos. Así se pueden construir orquestas enteras, ¿por que no?".

Junto a Freddie Mercury, ha formado uno de los mejores duetos de la historia del rock, tal como Jimmy Page y Robert Plant de Led Zeppelin, Joe Perry y Steven Tyler de Aerosmith, David Lee Roth y Eddie Van Halen de Van Halen o Bon Scott y Angus Young de AC/DC.

La banda llegó a su mayor éxito con la canción "Bohemian Rhapsody", del disco de 1975 "A Night At The Opera". "Bohemian Rhapsody" presenta una estructura inusual, más similar a una rapsodia clásica que a la música popular. La canción no posee estribillo y consiste en seis secciones: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y una coda que retoma el tempo y la tonalidad de la balada introductoria. El solo de guitarra de esta canción ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos.





Que sirva también como homenaje al gran Freddie, ya que queda poco mas de un mes para el aniversario de su muerte :dios: :dios: :dios:

Durante las siguientes cuatro décadas, la banda disfrutó de un éxito en todo el mundo con un catálogo musical que siempre encabezaba las encuestas de popularidad y veía a Queen como el grupo con los álbumes más exitosos en la historia de listas del Reino Unido.

Muchos éxitos de Queen fueron compuestos por él ("We Will Rock You", "I Want It All", "Save Me", "Who Wants To Live Forever", "Tie Your Mother Down", "Hammer to Fall", "White Queen (As It Began)", "The Show Must Go On", "Now I'm Here", o "No One But You (Only the Good Die Young)" entre otros).

Después de la trágica muerte de Mercury, su futuro se vio más que incierto, pues cayó en un fuerte estado de depresión; aun así se las ingenió para salir adelante y emprender camino como solista.

Su primer intento fue antes de la muerte de Freddie. "Star Fleet Project" (1983), un mini EP resultado de una jam session que duró dos días junto al guitarrista Eddie Van Halen (Van Halen), el teclista Fred Mandell (Elton John, Queen), el bajista Philip Chen (Rod Steward) y el batería Alan Gratzer (Reo Speedwagon). El álbum incluía una canción del mismo título (la sintonía de una de las series de televisión predilectas de su hijo), una improvisación al ritmo de blues dedicada a Eric Clapton y un tema de Brian titulado "Let Me Out". En 1986 colaboró con Ramoncín tocando la guitarra en la canción "Como un susurro" del disco "La vida en el filo".

"Back To The Light" (1992) fue su debut discográfico formal, que incluyó cortes de su autoría escritos durante cinco años atrás; uno de ellos, "Driven By You", está considerado como el mejor de su carrera en solitario en cuanto a lírica e interpretación. También destaca "Last Horizon", un tema instrumental que May toca desde entonces en todos sus conciertos. En el disco se acompañó de Cozy Powell a la batería; Gary Tibbs, Neil Murray y John Deacon al bajo; Mike Moran al piano y Don Airey a los teclados.





Más tarde, grabó en directo "Live At The Briston Academy" (1994), recital en cuyo repertorio figuraron algunas canciones del extinto Queen. En 1997, compuso "No-One But You", una pieza en honor a todos los personajes que murieron jóvenes, encabezados por su entrañable amigo Freddie Mercury.

Su segundo material en estudio fue "Another World" (1998), del cual se desprendieron "Why Don"t We Try Again", "Wilderness" y "All The Way From Memphis". El baterista Cozy Powell murió en un accidente de coche antes de que el álbum fue terminado.

Con un nuevo proyecto bajo el brazo, del cual John Deacon no quiso formar parte, se reunió en 2000 con Roger Taylor para grabar una nueva versión del clásico "We Will Rock You" al lado del quinteto juvenil Five, el cual fue un rotundo éxito para las nuevas generaciones y mal visto por los aferrados fans de Queen.

En 2001, esta vez junto con el intérprete Robbie Williams, revivieron "We Are The Champions", corte que integró la banda sonora del filme "Corazón de caballero", de Brian Helgeland.

Un año después, May y Taylor se juntaron con el actor Robert de Niro para realizar la ópera-rock "We Will Rock You", con guión de Ben Elton, la cual fue un éxito sin precedentes, vista por más de 15 millones de personas en 17 países.

Después, Brian May fue nombrado doctor Honoris Causa en Ciencia por la Universidad de Hertfordshire. En ese tiempo, se editó el DVD "Greatest Video Hits 1" (2002), una recopilación de los audiovisuales de Queen entre 1973 y 1980. A este se sumarían "Live At Wembley Stadium" y "Greatest Video Hits 2" (ambos de 2003), así como "On Fire Live At The Bowl" (2004), que contiene el mítico concierto que el grupo dio el 5 de mayo de 1982.

A finales de 2004, May y Taylor anunciaron que se unirían al cantante Paul Rodgers, ex de Free y Bad Company, para desarrollar el proyecto Queen + Paul Rodgers, el cual obtuvo un gran recibimiento del público. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado "The Return of The Champions" (El regreso de los campeones) en el año 2005; un triunfante tour con 55 conciertos en una gira mundial. Fue tal la respuesta de los fans que editaron un CD doble y dos materiales en formato DVD, uno que recoge la presentación en Reino Unido y otro la de Japón.

Sin embargo, dado que esta reagrupación sólo cuenta con dos de los integrantes originales del cuarteto, los seguidores más tradicionalistas aún no terminan por aprobar la idea, pues muchos conciben, incluido John Deacon, que es impensable un Queen sin Freddie Mercury.

En el año 2006 May decidió culminar su doctorado en astrofísica y el 23 de agosto de 2007 aprobó el examen de doctorado en el Imperial College, con su tesis titulada "Radial velocities in the zodiacal dust cloud", grado que le fue otorgado oficialmente en mayo de 2008. El 19 de julio de ese mismo año fue nombrado Rector Honorífico de la Universidad John Moores de Liverpool, y desde 2008 asiste asiduamente a los actos solemnes de esta universidad británica como máxima autoridad académica.

El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+Paul Rodgers, titulado "The Cosmos Rocks"", y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de "Made In Heaven". El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single "Say It's Not True". A finales de 2008 finalizó el tour mundial "The Cosmos Tour", que los llevó por Europa, Asia, América del Norte. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.

En noviembre de 2009, May apareció en el "reality" titulado "The X factor", junto a Roger Taylor como Queen para apoyar a los concursantes e interpretar el tema "Bohemian Rhapsody".

En 2011 se estrenó el libro "40 years of Queen" (40 años de Queen). La publicación se presentó en Reino Unido, Alemania, Canadá, España, Estados Unidos, Francia e Italia y posteriormente llegó a Australia y la República Checa. El lanzamiento es en ocasión de las cuatro décadas de la formación del grupo y del 20 aniversario luctuoso de su ex líder y vocalista Freddie Mercury. El volumen cuenta la historia de la banda mediante imágenes y textos.

Brian se enorgullece de ser un embajador de la Mercury Phoenix Trust, la organización benéfica creada en memoria de Freddie Mercury, que ha canalizado más de 15 millones de dólares para apoyar proyectos globales de lucha contra el SIDA.

Brian May es sin duda uno de los mejores guitarristas del mundo, y ésa es también la opinión de Eric Clapton. "Viniendo de él, eso significa mucho para mí", dijo Brian. "Eric Clapton fue una de las personas que tuvieron una influencia más obvia e importante en mí. Clapton es uno de los tipos que más me ha motivado para tocar en la época del Crawdaddy Club, en la que la gente garabateaba "Clapton es Dios" en las paredes".



El Set-Up de Brian May

El guitarrista de Queen logró a través del tiempo hacerse de una identidad sonora, gracias a la utilización de un equipamiento muy particular. El siguiente set-up muestra los ingredientes mas utilizados por Brian May a lo largo de los años .

Guitarras
Burns Double Six
Washburn Flying V
Gibson Flying V
Gibson Les Paul
Parker Fly
Fender Stratocaster
Fender Telecaster
Tokai
Ovation
Guild
Red Special

La Red Special fue construida entre 1963 y 1964 por el propio Brian con la ayuda de su padre, Harold May, ingeniero electrónico. El motivo para hacerlo fue doble: en primer lugar, no podía costearse una de las entonces codiciadas Fender Stratocaster o Gibson Les Paul; y en parte lo tomó como un desafío, con la intención de diseñar desde cero un instrumento con las características propias de lo que él consideraba la guitarra perfecta.

Para su construcción utilizó los restos de una chimenea antigua, un trozo de una mesa, un muelle de una motocicleta, o las agujas de coser de su madre, entre otros objetos. Sirviéndose de herramientas también muy simples, tardó 18 meses en terminarla con un gasto inferior a 18 libras de la época. Se trata por tanto de un modelo único, aunque con posterioridad varios luthiers han construido un número limitado de réplicas del original, y marcas de instrumentos como Guild o Burns han fabricado modelos comerciales de serie.

Una de sus características reside en el circuito, ya que mientras la mayoría de las guitarras tienen el suyo en paralelo, la de May trae tres pickups de simple bobina conectados en serie. De esta forma, al switchear dos pickups se obtiene el sonido del humbucker.

Cada pickup tiene un switch de on/off y otro para cambiar de fase cuando se usan dos o tres pickups al mismo tiempo. El mástil de la "Red Special" es de caoba con 24 trastes, el bloque central y la trastera son de roble, mientras que el frente y la parte trasera del cuerpo llevan un enchapado de caoba sobre un bloque macizo con cámaras de aire.

En cuanto a los accesorios, los resortes del sistema de vibrato provienen de las válvulas de una moto, la cenefa del cuerpo de bordes de estantes, y los marcadores de trastes de botones de madre perla. Los pickups son "Burns Tri-Sonic" bañados en resina epoxy (araldite) para prevenir acoples microfónicos.

Su Red Special acompañó a Brian durante todas las giras y es la guitarra que se escucha en todos los discos y vídeos de Queen, a excepción de los vídeos de "Crazy Little Thing Called Love" con una Fender Telecaster negra, y "Back Chat" donde se le ve usando una vieja Fender Telecaster perteneciente a la colección personal de Roger Taylor, y "Princes Of The Universe" en el cual usa una Washburn RR-V.

A finales de los 90, el luthier australiano Greg Fryer restauró la Red Special arreglando los pequeños y grandes problemas que tenía la guitarra a causa del desgaste, dejándola casi como nueva. También fabricó 3 copias de la misma (Brian las bautizó George, John y Paul), entregándole 2 a Brian y quedándose con una (Paul).

En 2004, el luthier inglés Andrew Guyton comenzó la fabricación de 50 copias de la Red Special. Cuarenta en rojo (por el 40º aniversario de la guitarra) y diez en verde (a Brian le gustaban mucho las réplicas de Guild hechas en ese color).

A principios de 2006, la guitarra fue nuevamente objeto de mejoras siendo instalado en ella un nuevo jack e incluso reemplazando el traste 0. El retrasteo completo del mástil fue sugerido para facilitar a Brian la ejecución (ya que, después de la gira de 2005, Brian sufrió de dolores en su mano izquierda), pero el guitarrista no quiso saber nada al respecto.

Vox AC30
La relación entre May y los amplificadores Vox-AC-30 viene de largo. Segun él, el romance comenzó cuando "a los 18 años me metí por las calles de Londres con mi guitarra a probar algunos amplificadores. La enchufé en un AC-30 y de repente estaba ahí, el sonido con el que siempre había soñado. Me sorprendieron su calidez y su sustain. Y saturaba de una manera muy suave. Más tarde me enteré de las razones: los AC-30 son amplificadores muy distintos respecto a los Marshall, por ejemplo. Son clase A, lo que significa que te dan una señal de alta calidad a niveles bajos, para después a saturar muy suavemente. Y así me enamore de ellos". Durante toda su carrera se lo asoció con estos amplificadores.

Actualmente el guitarrista usa el modelo AC30 TBX Blue Alnico Speaker Model 2 x 12". Estos equipos valvulares británicos son clase A. Tienen cuatro entradas divididas en tres canales -Vib/Trem, Brillant, Normal- de los cuales May usa siempre el canal "Normal" al máximo y con los controles de tono en 0, controlando el sonido desde su guitarra. En vivo, May usa por lo general 12 de estos equipos de 30 watts en cuatro grupos de a tres: con delay 1 & chorus, sonido normal sin efectos, con delay 2 & chorus.

Deacy Amp
Este equipo fue el responsable de la mayoría de los sonidos de May en estudio. Fue construido por John Deacon, bajista de Queen. Es transistorizado (transistores de germanio) con un tamaño de 12" x 6", y lleva un pequeño parlante que Deacon adaptó de un equipo de audio hi-fi de la época. May enchufaba su guitarra al Treble Booster y de ahí a este "Deacy Amp".

Puas
En vez de utilizar una púa plástica común, May usa monedas -un penique inglés- que es pequeño y con un borde dentado, porque cree que las púas plásticas son muy flexibles.

Treble Booster
Un ingrediente clave en el sonido de May es el booster de agudos (+30dB), que quita parte de las frecuencias graves de su sonido para permitirle aprovechar toda la distorsión natural valvular de sus equipos. Originalmente, May utilizaba un pedal Dallas Rangemaster que se perdió en los 70's ("Queen I", "A Night At The Opera").

Su padre le construyó después un reemplazo basado en el mismo circuito. Más tarde Peter Cornish, quien también le hizo la pedalera a May, produjo otra versión de este booster de agudos, el TB83 usado hasta "Back to the Light". Actualmente, el guitarrista usa el "Brian May Fryer Treble Booster" construído por Greg Fryer, quien también los hace comercialmente para el público en general.

Efectos
Brian May usó desde 1972 una pedalera que contenía dos switches para los dos ecos a cinta Echoplex, un pedal Foxx Phaser, un Treble Booster y un Pete Cornish Treble Boost doble custom con bypass switches.

En 1982, Pete Cornish le fabricó el sistema que May utilizó hasta que le fue robado, antes del Freddie Mercury Tribute Concert de Wembley. Este sistema constaba de un regulador de voltage y fuente de poder que le permitía al guitarrista utilizar un cable de 30 mts. de largo sin perdida de señal, y una unidad de ruteo que alimentaba a 14 Vox AC30: tres llevaban la señal de uno de los MXR Digital Delay y tres la segunda señal de otro de los delays MXR, cinco con la señal sin efecto, y tres más con la señal del Boss CE-1. En vez de encender y apagar los efectos, éstos estaban siempre encendidos y lo que May hacía era mutear los equipos según el sonido deseado.

La pedalera que operaba May llevaba dos switches para los delays MXR digitales, un pedal para regular la velocidad del Phaser Foxx en un chasis de Crybaby, dos Treble Booster, un chorus Boss CE-1, switches on/off para el Booster y el chorus, un afinador y un pedal controlador del Harmonizer Eventide que no iba al ampli si no al sistema de sonido de la banda.

Como solista, Brian May utilizó distintas variantes de su set-up. En principio, iba de su guitarra al "Fryer Treble Booster" y de ahí a un inalámbrico Samson. Este envía su señal a una interfase Rocktron, la cual la divide para ir a dos Rocktron Intellifex conectados a un delay Yamaha D5000 en estéreo, a un afinador Peterson Strobetuner y también directo a un equipo. Un Rocktron Patchmate es usado por May para controlar los programas mediante una pedalera Korg

A comienzos del nuevo siglo, May incluyó un wah wah Crybaby después del Treble Booster, pasando por el Rocktron Patchmate Midi Switcher que envía la señal al Rocktron Intellifex para efectos de chorus estéreo, a dos delays digitales Bel (800 y 1600 ms.) y a un afinador Peterson, todo gobernado por una pedalera Rocktron Midi Mate, siempre con la misma configuración de tres equipos.

Quizás el efecto más famoso usado por Brian May sea su delay para producir armonías en tiempo real. Originalmente lograba esto con delays a cinta, y actualmente el guitarrista utiliza delays digitales. Para lograr el efecto "May" hay que utilizar dos delays, uno seteado en 800 ms. y el otro en 1600 ms. Las tres señales (normal, delay 1 y delay 2) son enviadas a tres equipos (derecha - centro - izquierda) para prevenir cualquier intermodulación de las distorsiones.



Discografía

Con Queen
Queen (1973)
Queen II (1974)
Sheer Heart Attack (1974)
A Night at the Opera (1975)
A Day at the Races (1976)
News of the World (1977)
Jazz (1978)
Live Killers (1979)
The Game (1980)
Flash Gordon (1980)
Greatest Hits I (1981)
Hot Space (1982)
The Works (1984)
Live Magic (1986)
A Kind of Magic (1986)
The Miracle (1989)
At the Beeb (1989)
Innuendo (1991)
Greatest Hits II (1991)
Live at Wembley '86 (1992)
Classic Queen (1992)
Made in Heaven (1995)
Queen Rocks (1997)
Greatest Hits III (1999)
The Freddie Mercury Tribute Concert (2002)
Queen on Fire: Live at the Bowl (2004)
Stone Cold Classics (2006)
Queen Rock Montreal (2007)
The A-Z of Queen, Volume 1 (2007)
Absolute Greatest (2009)

En solitario
Star Fleet Project (Mini LP) (1983)
Back To The Light (1992)
Live At The Brixton Academy (1993)
Another World (1998)
Red Special (1998)

Bandas sonoras
Furia (2000)



Fuentes: taringa.net, Flickr, biografias.es, elsiglodetorreon.com.mx, reocities.com, guitarrabarata.com, historiasderock.es.tl, newsofquee.blogspot.com.es, guitarraonline.com.ar y Wikipedia


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En el puesto número 25


Tony Iommi


Tony Iommi es el guitarrista principal del grupo Black Sabbath y una de las mayores leyendas vivas del Rock. A Iommi se le debe todo: la evolución de mezclar el Blues, el Jazz y el Rock. Bajó tres semitonos, subió el volumen a niveles fuera de lo común, de una manera densa; lo transformó en Metal y sentó las bases del Stoner, del Doom, etc. Influenció a muchos y su grupo fue uno de los pilares y creadores de lo que se conoce como Heavy Metal.

Es el creador de los riffs más grandes de la historia: "Paranoid", "Iron Man", "Children Of The Grave", "Neon Knights", "Children Of The Sea", "The Mob Rules", entre un montón más. Genio a nivel macro, oscureció el Rock; si no fuese por él, todos tendríamos la cervical intacta.

Aunque los años pasen, el tipo todavía tira magia; caballero británico, siempre usando un abrigo largo de cuero y con sus Gibson SG. Es como un Don Quijote del Metal: alto, flaco, desgarbado y medio tieso; pero con un poderío impresionante en la guitarra.


Imagen


Frank Anthony Melby Iommi nació el 19 de Febrero de 1948 en Aston, Birmingham, Inglaterra. Procedente de una familia de origen italiano, desde pequeño sintió interés por el rock de su tiempo, ya que tenía una guitarra de juguete de Elvis Presley y pasaba horas escuchando los discos de The Shadows y de Buddy Holly.

Es a los 15 años cuando empieza a tocar en serio, después de haberse comprado una guitarra eléctrica de la marca Watkins; aprendió rápidamente a tocar sus discos favoritos, aunque progresivamente su sonido derivaría hacia otros lugares más ruidosos. El gusto de Iommi por la guitarra nació inspirado, sobre todo, en grupos de blues -es admirador de la velocidad de Alvin Lee- y de jazz.

Ya terminada la escuela, trabaja en diversos oficios insatisfactorios para él como mecánico de máquinas de oficina, vendedor, soldador, hasta que, motivado por comprar una mejor guitarra y mejorar su situación, entra a trabajar en una acería, en donde su herramienta de trabajo era una guillotina.

La carrera de Tony como guitarrista estuvo a punto de terminar prematuramente cuando sufrió un accidente horrible en el trabajo: mientras cortaba láminas de metal, ocurre un suceso tan inesperado como trágico, una mala maniobra provoca que la guillotina le corte las puntas de los dedos de la mano derecha.

"El accidente ocurrió en una acería, donde trabajaba. Una máquina me rebanó la primera falange del dedo mayor y anular de la mano derecha. En el hospital me decían que nunca más podría volver a tocar. Estaba devastado, pero no iba a aceptar eso. Fabriqué unas prótesis de plástico para suplir la falta y las uní con pegamento, aflojé la tensión de las cuerdas y así creé una forma diferente de tocar, un nuevo sonido".

Deprimido se convenció de que sus días como guitarrista habían terminado. Fue entonces cuando un amigo le habló del guitarrista Django Reinhardt, que con 12 años comenzó a tocar instrumentos de cuerda con una habilidad sorprendente, pero a los 18, un gran incendio que se propagó en su caravana le dejó serias quemaduras en la mano izquierda, ocasionando que perdiera la movilidad de dos de sus dedos. Sin embargo, eso no le impidió seguir adelante y convertirse en uno de los músicos más influyentes del jazz europeo. Esto inspiró a Iommi para seguir con la guitarra.

Iommi declaraba: "Las primeras semanas pensé que nunca llegaría a tocar bien la guitarra, pero en el hospital pudieron acoplarme durante un tiempo unas prótesis de plástico, de forma que pude seguir tocando. Fue muy duro, tuve que trabajar muchísimo y practicar seguramente más de lo que cualquier otro guitarrista ha practicado, pero afortunadamente conseguí recuperar la fe en mi".

Entre 1966 y 1967, Tony y Bill Ward crearon la banda The Rest, la que pronto pasó a llamarse Mythology. En otra parte del pueblo, una tal Ozzy (diminutivo de Osbourne) y su amigo de toda la vida Terrence Butler "Geezer", tenían su propia banda llamada Rare Breed, la cual no iba hacia ningún lado, por lo que Ozzy se marcha y decide publicar un anuncio en un periódico local.

Iommi un día ve el anuncio y pensó: "será el mismo Ozzy al cual golpeaba en el patio de la escuela?". Así que se dirigió a la dirección que aparecía publicada en el aviso y… sí, era el mismo Ozzy. Juntos decidieron crear una banda llamada The Polka Tulk Blues Company (nombre tomado de una compañía textil india), la cual estaba formada por: Ozzy Osbourne (cantante), Bill Ward (batería), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Jimmy Phillips (guitarra) y Alan «Aker» Clarke (saxo).

La música era un estilo de blues/jazz al cual agregaban una veta muy densa y pesada, pero a Phillips y a Clark no les agradaba esta veta dura y pesada y se marchan, tras esto Polka Tulk se convierte en Earth.

Earth tocaba versiones de Jimi Hendrix, Cream y Blue Cheer en clubes de Inglaterra, Dinamarca y Alemania, así como largas improvisaciones de blues. En diciembre de 1968, Iommi dejó abruptamente Earth para sustituir a Mick Abrahams en Jethro Tull. Aunque su temporada con esta banda sería corta, le dio tiempo a aparecer con ellos en el programa de televisión The Rolling Stones Rock and Roll Circus.

Insatisfecho con la dirección de Jethro Tull, Iommi regresó a Earth en enero de 1969. "Simplemente no estaba bien, así que me fui", dijo Iommi. "Al principio pensé que los Tull estaban bien, pero no fui para tener un líder en la banda, que era el modo de hacer de Ian Anderson. Cuando volví de los Tull, volví con una nueva actitud. Me enseñaron que para progresar tienes que trabajártelo".

Mientras tocaban en Inglaterra en 1969, la banda descubrió que los estaban confundiendo con otra banda llamada Earth, y decidieron cambiar su nombre otra vez. En un cine, en la acera de enfrente del local de ensayo de la banda, estaban poniendo una película de terror de 1963, dirigida por Mario Bava, con Boris Karloff como protagonista, llamada "I Tre Volti Della Paura". decidieron ponerse el nombre del título americano de la película, "Black Sabbath".

Con el nuevo nombre vendría un nuevo estilo musical que jamás se había visto ni oído, era como la oscuridad del rock. Por ello Iommi crea un nuevo estilo, el llamado heavy metal, con una singular forma de tocar la guitarra.

En el año 1970 crearían su primera producción a la que titularon "Black Sabbath" de paso que hacían más popular a la banda. Este álbum les dio un éxito que no esperaban y los convirtió en los más importante de aquellos años. Poco tiempo después graban su segundo disco llamado "Paranoid" y en 1971 "Master of Reality".





En 1972 sale "Black Sabbath Vol. 4" y para 1973, "Sabbath Bloody Sabbath", disco que fue aclamado por la crítica. En efecto, por primera vez en su carrera, la banda empezó a recibir críticas positivas de la prensa musical generalista. La revista Rolling Stone lo definió como "un asunto extraordinariamente pegadizo", y "nada menos que un completo éxito". Posteriores reseñas, como es el caso de la de Eduardo Rivadavia de Allmusic, mencionan el álbum como una "obra maestra, esencial para cualquier colección de heavy metal", que presenta "una recién hallada sensación de finura y madurez".

El álbum se convirtió en el quinto consecutivo del grupo en alcanzar el disco de platino en los Estados Unidos, llegando al número cuatro en las listas británicas y el once en las estadounidenses. La banda comenzó una gira mundial en enero de 1974 que culminó en el festival California Jam en Ontario ante 200.000 personas, junto a otras bandas como Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple, Earth, Wind & Fire y Eagles. Con estos éxitos lograron ser la banda más importante e influyente de su género.

Los años 70 llegaban a su fin y la fama alcanzada así como las frecuentes salidas, y el fuerte abuso de drogas del vocalista Ozzy Osbourne, llevaron a Iommi y sus compañeros a decidir su expulsión del grupo. "En ese momento, Ozzy había llegado a su fin", explicó Iommi. "Todos estábamos muy metidos en la droga, mucha cocaína, mucho de todo, y Ozzy se emborrachaba mucho en esa época. Se suponía que debíamos estar ensayando pero nadie hacía nada. Era como: "¿Ensayamos hoy? No, mejor mañana". Todo se puso tan mal que no hacíamos nada. Simplemente se esfumó".

Bill Ward, amigo íntimo de Osbourne, fue el elegido por Iommi para informarle sobre su despido. Ward declararía: "Espero haber sido profesional, de hecho puede que no lo fuera. Cuando estoy borracho soy horrible, soy horroroso. El alcohol fue definitivamente una de las cosas más perjudiciales para Black Sabbath. Estábamos destinados a destruirnos los unos a los otros. La banda era tóxica, muy tóxica". Así que en 1979, después de la salida de Ozzy, le darían a la banda un nuevo camino, tratando de regresar a la forma como fueron en un principio, con su característico toque de magia y oscuridad.

Sharon Arden, la hija del representante Don Arden y futura esposa de Ozzy Osbourne, propuso al antiguo vocalista de Rainbow, Ronnie James Dio como reemplazo de Ozzy en 1979. Dio se unió oficialmente en junio, y la banda comenzó a escribir su nuevo disco. A causa del diferente estilo vocal de Dio, el sonido de Black Sabbath cambió. "Eran totalmente diferentes", explica Iommi. "No sólo con respecto a la voz, sino a la actitud. Ozzy era un gran showman, pero cuando Dio llegó, era una actitud diferente, una voz diferente y una propuesta musical diferente, más allá de la voz. Dio cantaba a través del riff, mientras que Ozzy lo seguía, como en "Iron Man". Ronnie llegó y nos dio otro ángulo desde el cual componer".

En 1980 sale a la luz "Heaven And Hell". Más de una década después de su publicación, Allmusic dijo que el álbum era "una de las grabaciones con más calidad de Sabbath, la banda suena totalmente renacida y con nuevas energías". "Heaven And Hell" llegó al noveno puesto en el Reino Unido y al veintidós en Estados Unidos. El disco acabó vendiendo más de un millón de copias en Estados Unidos, y la banda se embarcó en una gira mundial, haciendo su primer concierto con Dio en Alemania el 17 de abril de 1980.

Durante la gira, la antigua discográfica de Black Sabbath en Inglaterra publicó, sin beneficio para el grupo, un disco en directo grabado hacía siete años, llamado "Live At Last", que alcanzó el quinto puesto en las listas británicas. Este álbum propició la reedición del sencillo "Paranoid", que alcanzó el top veinte.

La banda acabó la gira "Heaven And Hell" en febrero de 1981, y regresó al estudio para componer su siguiente obra. El segundo álbum de Black Sabbath en ser producido por Martin Birch y en tener como vocalista a Ronnie James Dio, "Mob Rules", salió al mercado en octubre de 1981, siendo bien recibido por el público, pero no tan bien por la crítica.

La revista Rolling Stone aseguró que "Mob Rules" presenta a la banda más torpe y flatulenta que nunca". Como con muchos trabajos anteriores de la banda, el tiempo ayudó a cambiar la perspectiva de la crítica. Una década después, Allmusic escribió sobre "Mob Rules" que era un "magnífico álbum". El álbum fue certificado disco de oro y alcanzó el top veinte en las listas británicas. La canción "The Mob Rules", grabada en la vieja mansión de John Lennon en Inglaterra, aparece en la película de animación "Heavy Metal", aunque es una versión alternativa, distinta de la versión original del álbum.

La banda, insatisfecha con la calidad de "Live At Last", decidió grabar otro álbum en directo, "Live Evil", durante la gira mundial de promoción de "Mob Rules" en ciudades como Dallas, San Antonio y Seattle en 1982. Durante el proceso de mezclado del álbum, Iommi y Butler tuvieron una discusión con Dio. Iommi y Butler acusaron al vocalista de colarse de noche en el estudio y subir el volumen de sus pistas vocales en la mezcla.

Además, Dio no estaba satisfecho con las fotografías que se habían tomado de él y que aparecían en el diseño del álbum. "Ronnie quería que su opinión pesara más", dijo Iommi. "Y Geezer se enfadó y ahí es donde todo comenzó a decaer. "Live Evil" es donde todo se vino abajo. Ronnie quería hacer más de lo suyo, y el ingeniero que estábamos usando en aquel momento no sabía qué hacer, porque Ronnie estaba diciendo que hiciera una cosa y nosotros otra. Al final del día dijimos: 'Ya está, la banda se acabó'". "Cuando llega el momento de la voz, nadie me dice qué hacer. ¡Nadie! Porque ellos no son tan buenos como yo, así que hago lo que quiero", explicó Dio. "Me negué a oír "Live Evil" porque había demasiados problemas. Si miras los créditos, las voces y la batería están apartadas en un lado. Abre el álbum y mira cuántas fotos hay de Tony y cuántas hay de mí y Vinny".

Ronnie James Dio dejó Black Sabbath en noviembre de 1982 para comenzar su propia banda, Dio, y se llevó al batería Vinny Apice con él. "Live Evil" vio la luz en enero de 1983, pero fue ensombrecido por "Speak Of The Devil" de Ozzy Osbourne, un álbum en directo certificado como disco de platino, que contiene sólo canciones de Black Sabbath, y que había sido publicado cinco meses antes.

En 1984, Tony Iommi (único miembro original restante), dejó a Black Sabbath aparte, para comenzar a trabajar en un álbum en solitario junto al teclista Geoff Nicholls. Mientras trabajaba en material nuevo, se le ofreció a la formación original de Black Sabbath un puesto en el concierto benéfico de Bob Geldof, "Live Aid"; la banda aceptó, tocando en el concierto que tuvo lugar en Filadelfia, el 13 de julio de 1985. El evento significó la primera reunión de la formación original de la banda desde 1978, en un concierto en el que también se reunieron The Who y Led Zeppelin.

De vuelta con su trabajo en solitario, Iommi contrató al bajista Dave Spitz y al batería Eric Singer, e inicialmente pretendió utilizar varios cantantes, entre ellos Rob Halford de Judas Priest, Glenn Hughes (ex bajista de Deep Purple y vocalista de Trapeze) y el ex Black Sabbath, Ronnie James Dio. "Íbamos a usar distintos vocalistas en el álbum, cantantes invitados, pero era muy difícil juntarlos y conseguir los permisos de sus respectivas compañías discográficas. Glenn Hughes vino para cantar en una de las pistas y decidimos usarlo para todo el álbum".

En 1992, junto a varios artistas destacados de la historia del rock, participó en el concierto tributo a Freddie Mercury, fallecido vocalista de Queen.

La formación original de Sabbath se reunió para giras muy exitosas a finales de los 90, creando nuevos fans, demasiado jóvenes para haber conocido la banda en su auge en los 70. Un premio Grammy hizo que siguiera la gira de reunión cuando la canción "Iron Man" ganó en la categoría de Mejor Actuación de Metal en 1999.

Algunos discos de Sabbath pueden ser considerados con Tony Iommi como "solista" ("Seventh Star" fue considerado como un álbum de Sabbath en su momento por Warner Bros por motivos comerciales, bajo el nombre "Black Sabbath featuring Tony Iommi"). Pero su primer disco real como solista fue en 2000 ("Iommi"). El disco de 10 canciones fue bien recibido por la prensa y el público.

Tony está trabajando actualmente en su programa de radio "Black Sunday" para la emisora Planet Rock del Reino Unido.

En 2011 formó, junto a Ian Gillan de Deep Purple, WhoCares, un supergrupo que además contó con la participación de numerosos músicos reconocidos como Jason Newsted (Ex-Metallica) vocalista, bajista/guitarrista de Newsted o Jon Lord (Ex-pianista y tecladista de Deep Purple). Todo el dinero recaudado por la banda fue destinado para reconstruir una escuela en Gyumri, Armenia, después de la destrucción de dicha ciudad en 1988.

En enero de 2012, le fue diagnosticado cáncer.


El padre del riff

Fue con el accidente de su mano como generó el sonido de la banda más influyente del heavy metal y con ello el de toda una corriente musical.

Y es que más allá de toda la parafernalia metalera y de todo el marketing alrededor de su compañero de banda, Ozzy Osbourne, Tony Iommi es una figura trascendente en la música; el padre del riff.

El sólo cimentó el sentido y la fuerza del metal. No existe ningún guitarrista del género que no haya abrevado en la música de Black Sabbath y por ende, en la inspiración y versatilidad de Iommi. No sólo es el único integrante que siempre ha estado (en ocasiones muy a su pesar) en Black Sabbath, sin importar si está Ozzy o Dio. Incluso detrás de las voces de Ray Guillen, Rob Halford, Tony Martin o Ian Gillan, Tony Iommi sabe lo que tiene que hacer: sonar su afilada guitarra.

Por algo la revista especializada Guitar World lo postuló como el guitarrista número 1 del globo, mientras que la Rolling Stone lo ubicó en el lugar 25. Es increíble la gran cantidad de riffs que Iommi ha escrito a lo largo de cuatro décadas, muchos de los cuales no volverán a escucharse, simplemente porque las alineaciones de los grupos no son compatibles. Durante años, Iommi deseaba firmar las portadas de los discos con su nombre y no con el de Black Sabbath –incluso llegó a acuñar el nombre de Heaven And Hell para continuar su carrera con Dio en la voz, Geezer Blutler en el bajo y Vinny Appice a la batería–, pero la presión de las discográficas pudo más que los deseos del guitarrista.





Hay poderosísimos materiales como "Dehumanizer" (1993) que contienen riffs que son verdaderos latigazos y que quizá nunca vayan a poder escucharse nuevamente en vivo. Como ejemplo, está la canción "Time Machine" en la versión de la película "Wayne’s World".

Otro ejemplo es "Peace Of Mind", que sólo aparece como bonus track en la edición de lujo del disco 13 y que es el resumen de las lecciones de Iommi; el sonido denso, lento y pesado, acompañado por pasajes veloces y riffs incesantes.

Hoy, Iommi sigue dando cátedra, no sólo como guitarrista, sino como ejemplo de la fuerza de un ser humano ante la adversidad, ya que actualmente libra una feroz batalla contra un linfoma que le fue detectado. Aunque ello no impidió que grabara el nuevo material con Geezer Butler y Ozzy Osbourne. "Estar con ellos ahora es mejor que hace cuarenta años", comentó el guitarrista que se toma unas semanas para su tratamiento, descansa diez días y regresa a los escenarios. Una verdadera proeza para alguien que está luchando contra el cáncer.



Discografía

En solitario
Seven Star (1986)
Iommi (2000)
The 1996 DEP Sessions (2004)
Fused (2005)

Con Black Sabbath
Black Sabbath (1970)
Paranoid (1970)
Master of Reality (1971)
Vol. 4 (1972)
Sabbath Bloody Sabbath (1973)
Sabotage (1975)
We Sold Our Soul For Rock'n' Roll (1975)
Technical Ecstasy (1976)
Never Say Die (1978)
Heaven And Hell (1980)
Live at Last (1980)
Mob Rules (1981)
Live Evil (1982)
Born Again (1983)
Seventh Star (1986)
The Eternal Idol (1987)
Headless Cross (1989)
TYR (1990)
Dehumanizer (1992)
Cross Purposes (1994)
Forbidden (1995)
Cross Purposes Live (1995)
Reunión (1997)
Reunión (1998) (En directo)
Past Lives (2002)
The Dio Years (2007)
Live at Hammersmith Odeón (2007)
The Devil you Know (2008)
13 (2013)

Con Heaven and Hell
Live from Radio City Music Hall (2007)
The Devil You Know (2009)
Neon Knights: 30 Years of Heaven & Hell (2010)

Como invitado
Varios Artistas - Heavy Metal Soundtrack (1981)
Varios Artistas - Rock Aid Armenia (1989)
Varios Artistas - Guitar Speak II (1990)
Queen & Varios Artistas - The Freddie Mercury Tribute Concert (1992)
Diamond Head - Death and Progress (1993)
Ozzy Osbourne - Live and Loud (1993)
Cathedral - The Carnival Bizarre (1995)
Varios Artistas - Twang! - A Tribute to Hank Marvin & The Shadows (1996)
Ozzy Osbourne - The Ozzman Cometh (1997)
Varios Artistas - Party at the Palace: The Queen’s Concerts, Buckingham Palace (2002)
Foo Fighters - The Missing Pieces - "Goodbye Lament" (2008)



Fuentes: fmrockandpop.com, Flickr, hombresrudos.com, taringa.net, biografias.es, powermetal.cl, grandes-guitarristas.blogspot.com.es, lapoplife.com y Wikipedia
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 24


Angus Young


Angus Young, más conocido por ser uno de los miembros fundadores y el principal guitarrista del grupo australiano AC/DC, aparte de ser el único miembro que ha permanecido en la banda desde su inicio junto con su hermano Malcolm.

El huracán escocés que utiliza el Blues y su legendaria guitarra Gibson SG de diferentes modelos (Standard, ’61 Reissue, Custom SG o Signature SG) con el famoso amplificador Marshall JTM 45, del 63, para aullar y cantar a los demonios y fantasmas, está considerado por muchos como uno de los mejores guitarristas de la historia.

También es conocido por sus salvajes y enérgicos movimientos en el escenario, y su peculiar uniforme de colegial.


Imagen


Angus McKinnon Young, nació el 31 de marzo de 1955 en Glasgow, Escocia y era el más joven de los ocho hijos de William y Margaret Young.

Glasgow, al principio de los años 60, era una ciudad industrial basta y abarrotada con una economía deficitaria que ofrecía pocas posibilidades a las familias de la clase obrera. Al mismo tiempo, los británicos iban a conocer duros tiempos económicos.

La explosión de la "postguerra" estaba todavía muy presente en Australia. Este subdesarrollado continente rebosaba de recursos naturales pero le faltaba población para explotarlos. El gobierno australiano animaba apasionadamente la inmigración de los británicos que tenían una vida precaria a viajar hacia el sur de las costas australianas para conseguir una vida mejor. Además ese mismo gobierno instauró un gran programa de inmigración que permitía, a los inmigrantes británicos que lo desearan, navegar hasta el sur de Australia pagando solamente 10 Libras por persona.

Así pues en 1963 William y Margaret, los padres de Angus, emigraron hacia Sydney, New South Wales, Australia, con él y con sus hermanos mayores Malcolm, George, y Alex, que se convirtieron en músicos, y con su hermana Margaret.

Desde pequeño siente fascinación por el Rock and Roll y el Rhythm and Blues. Angus y su manera de tocar están influenciadas por los venerados Jerry Reed (guitarrista de country sureño), Willie Dixon, Muddy Waters, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Yardbirds, The Who, The Kinks, Spencer Davis Group, Jimi Hendrix, ZZ Top, Freddie King, Keith Richards y especialmente Chuck Berry, del que más tarde adoptará el famoso paso del pato, como parte de su puesta en escena.

Hizo sus primeros pinitos musicales con un banjo; después comenzó a interesarse por la guitarra, haciendo uso de una Hofner que le regaló Malcolm y que anteriormente fue de su hermano George, que tocaba en el grupo Easybeats (bastante popular en Australia desde mediados de los años 60), quien enseñó algunos trucos a Malcolm pero Angus, que es autodidacta, aprendió a base de prueba y error.

A los 14 años y nueve meses (edad legal para poder abandonar el colegio) Angus dejó sus estudios en el Ashfield Boys High School, en 1970. Su padre quería que encontrase un trabajo ajeno a la música, a la que no consideraba como algo serio con lo que ganarse la vida, por lo que estuvo un tiempo trabajando como conserje y como impresor para una revista pornográfica "soft" llamada Ribald.

En la misma calle donde él residía había una tienda de música. Pasaba enfrente de ella todos los días. Y no, no vamos a contar la típica historia de "tarde o temprano esa maravilla que hay en el escaparate será mia" no, pero si es cierto que la primera SG de Angus se la compró de segunda mano, en esa misma tienda en 1970.

"Tenía una Gibson SG con la que tocaba hasta que la madera se estropeó, debido a todo el sudor y el agua que le entraba. Tenia todo el cuello torcido. La compré de segunda mano, se trataba de un modelo del 67. Tenía un cuello realmente delgado, muy liso, como un cuello personalizado. Era de color marrón oscuro". Angus Young, sobre su primera guitarra. Éste comentario demuestra que para ser grande no solo basta con tener talento. Hay que echarle ganas y tiempo. ¿El cuello de una Gibson destrozado por el sudor de la mano? Ahí hay muchas horas de Rock.

Sus primeros años en un grupo fueron en el de su hermano mayor Malcolm, entrando en los locales donde tocaban (todavía era menor) gracias a que el grupo decía que era enano; a pesar que Angus era muy joven todavía, ya era un músico de talento.

Antes de la formación de AC/DC, tocó con un grupo local llamado Kentuckee cuya formación era: Bob McGlynn (voz), Angus Young (guitarra), Jon Stevens (bajo) y Trevor James (batería). La banda se separó y más tarde se rehízo como Tantrum, con la siguiente alineación: Mark Sneddon (voz -guitarra), Angus Young (guitarra), Jon Stevens (bajo) y Trevor James (batería).

Cuando The Velvet Underground, el grupo de su hermano (no confundir con la banda neoyorquina Velvet Underground), se separaron en 1973, Malcolm estaba decidido a añadir a su grupo además de una guitarra eléctrica un sintetizador, pero después cambió de idea y se dio cuenta de que lo que necesitaba era un segundo guitarrista. Entonces le pidió a su hermano Angus que tocara en su grupo.

La visión que tenia Malcolm para su nuevo grupo era un estilo de "boogie" duro y tajante mezclado con la imagen de joven con pelo largo y botas de tacones compensados. Colin Burgess, ex-Master's Apprentices, empezó en el grupo como batería, ya que Malcolm sabia que tenía bastante experiencia tocando en numerosas bandas. Reclutó también al contrabajo Larry Van Kriedt y al cantante Dave Evans.

El grupo dio su primer concierto en un club llamado Chequers, en Sídney en el Año Nuevo de 1973. Más tarde firmaron para Albert Productions, subsidiaria de EMI en Australia y Nueva Zelanda.

El grupo de los hermanos Young se encuentra pronto haciendo conciertos por Sidney, con un repertorio lleno de versiones de Rolling Stones, Chuck Berry y Beatles, entre otros. El nombre de esta formación ya es AC/DC, al parecer se les ocurrió al ver escrito AC/DC en la parte posterior de la máquina de coser de su hermana Margaret. AC/DC es la abreviación en inglés de "corriente alterna/corriente continua" y los hermanos sintieron que ese nombre simbolizaba la energía y la potencia de las presentaciones de la banda, y el nombre les gustó.

Pero lo que no sabían los ingenuos hermanos Young es que también en los Estados Unidos, AC/DC tenía una doble interpretación ya que "Alternating Current/Direct Current" insinuaba bisexualidad. Desde entonces y durante unos cuantos años el grupo se empeñó muchísimo sobre el hecho que todos eran heterosexuales.

Angus y Malcolm buscaban una puesta en escena que impactara, junto con su música, al público. Su hermana sugirió a Angus que vistiese de escolar, con el uniforme que había usado años antes en su escuela, un toque que se complementa con su puesta en escena, salvaje y divertida, correteando por el escenario, subiendo a lomos del cantante o tirándose por el suelo entre espasmos.

Antes del cambio de imagen había probado tocando con un disfraz de Spiderman, otro de gorila, de El Zorro y una parodia de Superman, llamada Super-Ang, pero eran demasiado agobiantes para permanecer con ellos durante todo un concierto. De hecho, en sus primeros días, la mayoría de los miembros de la banda se vestían de forma glam, pero abandonaron ese estilo, cuando descubrieron que otro grupo, Skyhooks, hacía lo mismo en sus presentaciones.

También existe el rumor de que el uniforme de escolar se debe a que un profesor de la escuela le dijo al guitarrista que nunca llegaría a ser nada en la vida, y como respuesta a esto la clásica vestimenta. El tipo de garitos en los que tocaban, sumado a lo de la bisexualidad que significaban las palabras AC/DC y con el añadido del traje corto de Angus, les supuso alguna que otra bronca.

Al principio, la formación del grupo cambió a menudo: Colin Burgess fue el primer miembro despedido y varios bajistas y bateristas pasaron por la banda durante el siguiente año. Los hermanos tambien decidieron que Dave Evans no era un representante conveniente para el grupo, ya que les parecía más un glam rocker del estilo de Gary Glitter. En esa etapa, Evans fue sustituido de vez en cuando por el primer manager de la banda, Dennis Laughlin, quien era el cantante de Sherbet, antes de que Daryl Braithwaite se les uniese. Evans tenía problemas personales con Laughlin, lo que también contribuyó al rechazo de la banda hacia Evans. Mientras tanto, Ronald Belford «Bon» Scott, un cantante experimentado y amigo de George Young, mostró interés por cantar con ellos.

En septiembre de 1974, Bon Scott reemplazó a Dave Evans y, en noviembre de 1974, entran al estudio para grabar su primer disco "High Voltage"; para entonces, además de los Young, está en la banda Bon Scott como cantante, Peter Clack como batería y el bajo es tocado a veces por Malcolm, otras por George Young y en ocasiones por Rob Bailey.

El disco es publicado en febrero de 1975 y comienza a hacerles populares en el mercado australiano, donde consiguen colocarse bien alto en las listas de éxito. La grabación del disco duró diez días y está basado en canciones instrumentales escritas por los hermanos Young, con letras escritas por Scott.

Las ventas del LP funcionan bien, además de las del primer single del disco y de otro single que publican simultáneamente con el tema “High Voltage” no incluido en el álbum, a pesar del nombre.

Al cabo de unos pocos meses, la formación se estabilizó: Scott, los hermanos Young, el bajista Mark Evans y el baterista Phil Rudd. Más tarde, ese mismo año, editaron el sencillo "It's A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)", que se convirtió en su himno. Este tema se incluye en su segundo álbum, "T.N.T.", que se publicó solo en Australia y Nueva Zelanda. En el álbum aparece otra clásica canción, "High Voltage".





Durante el resto de la década de los setenta su popularidad va creciendo, con discos tan míticos como "Dirty Deeds Done Dirt Cheap" (1976), "Let there Be Rock" (1977), "Powerage" (1978), y el más popular de todos, "Highway To Hell" de 1979, que cierra una importantísima etapa en la carrera del grupo, con el trágico fallecimiento del cantante Bon Scott; como homenaje a él grabarán su siguiente disco "Back In Black". Brian Johnson es el nuevo cantante de AC/DC y entra con muy buen pie, pues el disco negro logra vender más de 50 millones de copias en todo el mundo, la banda es una máquina.

El fallecimiento de Scott les hizo dudar acerca de la continuidad del grupo, aunque los padres de este dieron su bendición para que prosiguiesen con su carrera; a pesar de todo, Angus recordaba la inquietud que les producía comenzar una nueva etapa; finalmente obtuvieron una acogida excelente, era el principio de una nueva década.

Un año después logran que el siguiente disco llegue al número uno de las listas americanas (sin llegar a tener el número de ventas tan grande de "Back In Black"), fue con el disco "For Those About To Rock We Salute You" en 1981, el cual les lleva a hacer giras apoteósicas por estadios de todo el mundo.

Posteriormente se autoproducen dos discos que no tienen mucha repercusión, "Flick Of The Switch" y "Fly On The Wall" intentando recuperar el sonido más crudo del grupo. Acaban la década remontando ventas en 1988 con "Blow Up Your Video", justo con la pareja original de productores, George Young y Harry Vanda.

Llegamos a los 90, aprovechando que Brian Johnson está pasando por un proceso de divorcio, Malcolm y Angus trabajan conjuntamente en las nuevas composiciones, que les devolverán a primera plana con el disco "The Razors Edge", especialmente con el tema "Thunderstruck". Emprenden una de sus giras más apoteósicas, de la cual realizan grabaciones que servirán para un posterior disco en directo.

En 1995 graban su siguiente álbum, "Ballbreaker", bajo la producción del célebre Rick Rubin, que dos años antes les había producido el tema "Big Gun" para la banda sonora de la película "El último héroe", con Arnold Schwarzenegger —que en el videoclip se transforma en Angus—.

Pasan otros cinco años hasta que en el año 2000 sacan el siguiente álbum, "Stiff Upper Lip"; tanto este como "Ballbreaker" son poco dados a sorpresas, discos de transición que les permiten seguir en contacto con el público y mantener la popularidad, que no es poco. Pasan a formar parte del Salón de la Fama del Rock and Roll en el año 2003.

El 24 de agosto de 2006, Young recibió el premio de la revista Kerrang! "Legend Award" del editor, Paul Brannigan. Brannigan nombró a AC/DC como "una de las más importantes e influyentes bandas de hard rock de la historia".

Tras un parón de ocho años llegan con un nuevo disco en el 2008, que de nuevo les sitúa en lo alto de las listas de ventas en varios países; este "Black Ice" se demoró, entre otras cosas, por el cambio de sello discográfico, finalmente publicado por Columbia.

El disco, de 55 minutos de duración, es el más largo que hayan publicado en su carrera, según Angus porque lo pasaban bien grabando en el estudio y la votación de los miembros del grupo les hizo incluir las 15 canciones, pese a que la idea original era incluir 11; el disco solamente pudo adquirirse en formato físico, ya que el grupo se negó a que fuese vendido en formato digital.

Gracias a la película "Ironman 2", donde aparecen temas clásicos del grupo, publicaron en el 2010 un recopilatorio con 15 de sus mejores canciones, el cual tuvo bastante buena acogida.

En 2012 sale "Live At River Plate", el último DVD en vivo de AC/DC, que documenta el "Black Ice World Tour". Este nuevo material contiene imágenes de los tres conciertos brindados en diciembre de 2009 en el Estadio Monumental en Buenos Aires. Cuenta con la dirección de David Mallet y Rocky Oldham como productor. Para la grabación se utilizaron 32 cámaras HD. La compañía On Sight fue la responsable de la filmación, y la producción por parte del laboratorio HD Serpent Productions.





En los conciertos, Angus siempre enseña sus calzoncillos en los que lleva la bandera del país en el que se encuentran, después de un breve strip tease cómico. Sus movimientos, a pesar de lo enérgicos que son, no afectan su talento con la guitarra y no han impedido que se convierta en uno de los mejores guitarristas de la historia.

El estilo energico de Angus Young con la guitarra ha influenciado a muchos guitarristas de Hard Rock. Su trabajo con AC/DC ha servido como influencia de grandes bandas como Guns N' Roses, Slayer, The Cult, Jackyl, Metallica, Def Leppard, Iron Maiden y también a artistas más recientes como Disturbed, Jet, Alter Bridge, Buckcherry, Airbourne, The Darkness (banda), Rob Tognoni, Wolfmother, y You Am I.

Angus desde muy jóven se empapó de los viejos ejemplares de la revista Downbeat de todos sus ídolos del Blues, de ahí el sonido siempre característico de AC/DC, recuperando el auténtico Rock & Roll, la energía primaria, la emoción y el vigor de antaño.

Angus Young es sinónimo de cuernos rojos, de volúmen ensordecedor, y de sudor mezclado con adrenalina disparada a través de su guitarra. Ha sido un viaje muy largo; durante los últimos años ha habido rumores de una larga enfermedad de Angus, pero en noviembre de 2012, durante los primeros conciertos de The Rolling Stones en Londres, todos salimos de dudas con un mensaje de Angus a sus Satánicas Majestades en un video antes de los conciertos.


Su equipo

La guitarra principal de Angus siempre ha sido una Gibson SG, originalmente una standard del año 70. A finales de esa década, el luthier John Diggins, que reparaba guitarras en un garaje de Birmingham bajo el nombre de Jaydee Custom Guitars, recibió una SG de Angus con el alma rota que se había intentado reparar sin éxito en Australia; al parecer, la guitarra estaba llena de problemas adicionales con varios componentes, al final lo único que quedó de la original fue la pala con el logo Gibson. Entre los componentes añadidos por John estaba un nuevo mástil, con los famosos grabados de un rayo.

No fue el único encargo de reparación que recibió por parte del equipo técnico de AC/DC, que solía llevarle varias de las SG de Young para realizar diferentes ajustes. De este modo surgió la idea de construir una guitarra personalizada para Angus, la cual estuvo preparada para la segunda edición de "Monsters of Rock" en 1981, gustó tanto esta a Young que realizó todo el concierto con ella.

Gibson fabricó posteriormente un modelo personalizado para él, con los rayos a lo largo del mástil, del mismo modo que posteriormente fabricó el modelo Angus Young.

Suele conectarse a un cabezal Marshall Super Lead Plexi de 100 W enchufado a una caja con 4x12 Celestion; en ocasiones, el amplificador elegido es el modelo Marshall JMP 2203, actualmente hace uso de amplis Wizard, construidos por Rick St. Pierre, que es el encargado de la amplificación de AC/DC.

No es usuario de efectos, generalmente entre su guitarra y su amplificador solo está el sistema inalámbrico SVDS (Schaffer-Vega Diversity System), que colorea algo el sonido, engordándolo y aplicando una compresión que es del gusto del guitarrista.


Os dejo el artículo completo que publicó Quico Alsedo en El Mundo, el 3 de abril de 2009 después del concierto en Madrid, al que tuve la suerte de ir

Se la chupo. Después de lo visto esta noche en Madrid, de semejante exhibición descomunal, de tan salvaje emoción, después de esa manera de electrocutar a 15.000 tíos en grupo, oye, hago una excepción y se la chupo sin problemas a Angus Young.

Que no, hombre, qué se la voy a chupar, era coña. Que paso de chupar penes, caramba. Pero tenía delante a una morenaca que se lo hacía fijo. Lo sé por sus movimientos pélvicos. Bueno, de hecho creo que el viejo Angus se la tiró en pleno concierto, el muy cochino. A 30 metros y sin tocarla. A ésa y a otras 4.000. Porque no nos engañemos: eso, en esencia, es el rock. Follar a través de una guitarra.

Fue, en verdad, la apoteosis. Beck dijo una vez que es imposible resistirse a las hamburguesas rock de AC/DC, y lo de anoche en el Palacio de los Deportes fue pantagruélico. Pero, por encima de la engrasadísima banda, del sonido perfecto, de tan chocarrera como entrañable imaginería -los cañones de Famobil, la campana como del 'Un, dos, tres'-, del redondo concepto de show, por encima de todo eso, un gigante con cara loco y fuego en las manos: Angus Young.

Debo confesar que me dio miedo. Cuando el tipo empezó a hacer esos solos estratosféricos, corriendo a la vez de un lado a otro como un energúmeno, poniendo esa cara de enajenado, esa jeta entre ET y Eduardo Punset, pensé: a este tío le va a dar algo. ¡Joder, que tiene 54 años!

Luego llega la siguiente canción, y el tío lo vuelve a hacer. Y otra. Y otra. ¡Y otra! Y no se trata (sólo) de atletismo y circo (que también: es un auténtico malabarista, le falta hacer el pino puente). Es que cada solo es más emocionante, más brutal, más terroso que el anterior. Más boogie, más sucio, más lascivo.

Y llega, antes de los bises, "Let there be rock". Y sucede algo que hay que ver para comprender. La banda alarga los acordes y Angus empieza a caminar por la pasarela. Él solo para 15.000 almas. Va como corriendo, pero a la vez le saca a la guitarra unos chillidos impresionantes, mágicos. Llega al final de la pasarela. Sigue taladrando.

Una plataforma, en el centro del gentío, le eleva unos metros sobre la multitud, que aúlla y aúlla. La banda sigue tocando, pero los 30.000 ojos están en Angus. Y Angus se contorsiona, se retuerce, está poseído, y de sus dedos sale un alocado e imparable torrente de energía. Como un ataque de epilepsia medio controlada.

De golpe y porrazo se tira al suelo de espaldas. Se da una costalada del carajo, pero no parece notarlo. Como un demente, mientras tiembla, empieza a dar vueltas sobre sí mismo, como las agujas de un reloj. Y el solo arrecia, y el griterío es ensordecedor (y ahí se ha tirado a unas cuantas el muy golfo, estoy seguro).

Y vuelve a cruzar la pasarela, y se sube detrás del escenario, y sigue con ese solo interminable que ya no es sino un río, una tromba inconcebible, y aunque parezca increíble no suena masturbatorio, sino que centrifuga el aire, lo electrifica como si fuera a caer la última tormenta sobre la Tierra.

Luego -la banda ya ha parado, pero ni sabemos cuándo- juega un rato con la multitud. Les hace gritar al ritmo de sus demoníacos riffs. Coge a 15.000 tíos como quien sujeta una naranja, y se los mete en un bolsillo. Es aterrador. Termina. Han sido 10 minutos. Como un concierto dentro del concierto. Un número de magia, de circo, de atletismo, de sexo, de arte. No se puede creer. Hay que verlo para creerlo.

Palabras como 'palurdo', 'paleto', 'cazurro' y demás se suelen adosar como guiño irónico, en las crónicas, al rock de AC/DC. Mea culpa: yo lo he hecho. Es esa altivez intelectual. Se supone que su música es para burros. Hace cinco horas, en vista de semejante espectáculo, me di cuenta de la verdad. Podrán ser unos paletos, ellos y sus fans. Podrán ser casi iguales el 80% de sus canciones -e igual de eficaces-. Pero a la propuesta de AC/DC le sobra inteligencia emocional. Tal vez la más útil de todas.

Y hasta aquí puedo leer. Tíos, no puedo con los huevos. He escrito 150 líneas para el papel, ahora esto y en cuatro horas en pie. Son las cinco de la mañana. Me piro a sobar. El post ha quedado deslavazado pero, la verdad, debo irme.

Y por cierto, lo de chupársela era coña, ¿eh? Qué coño lo voy a chupar yo nada al vejestorio ese...




Discografía

En estudio
High Voltage (1975) (Australia only)
T.N.T. (1975)
High Voltage (1976) (International version)
Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976)
Let There Be Rock (1977)
Powerage (1978)
Highway to Hell (1979)
Back in Black (1980)
For Those About to Rock We Salute You (1981)
Flick of the Switch (1983)
Fly on the Wall (1985)
Blow Up Your Video (1988)
The Razors Edge (1990)
Ballbreaker (1995)
Stiff Upper Lip (2000)
Black Ice (2008)
Iron Man 2 (2010)

En vivo
If You Want Blood (You've got it) (1978)
Live (1992)
Live: 2 CD Collector's Edition (1992)
Live from the Atlantic Studios (1997)
Let There Be Rock: The Movie (1997)
Live at River Plate (2012)



Fuentes: guitarrista.com, Flickr, guitarfiero.com, dirtyrock.eu, elmundo.es y Wikipedia


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En el puesto número 23


Buddy Guy


Buddy Guy es un guitarrista y vocalista de blues. Es aclamado por la crítica por ser un pionero del Chicago blues y un influyente músico para muchos artistas, como Eric Clapton, Jimi Hendrix o Stevie Ray Vaughan. Además es famoso por sus extraordinarias actuaciones, en las que toca su guitarra de formas poco convencionales o se pasea entre el público tocando solos.

Estamos ante el que es, tras la muerte de J. L . Hooker, el rey indiscutible del sonido Chicago. Ahí es nada. Inspirador para todos los que continúan el Blues en los terrenos del Rock, su sonido ha coqueteado sin problemas con el Boogie y el Rock. Y eso a pesar de tener un sonido que, quitando unos años y por cuestiones de explorar otros caminos, siempre se ha definido por una pureza bestial. Sus punteos son cortos y precisos, quizá no tan de hielo como los de Albert Collins, pero propios de un genio de la guitarra.


Imagen


George "Buddy" Guy nació en Lettsworth, Louisiana, el 30 de julio del 1936. La experiencia de escuchar a Lightnin' Slim desvaneció su idea de convertirse en jugador de béisbol para pasar a querer ser un bluesman. En su adolescencia aprendió las primeras nociones de guitarra en un arco de Diddley de dos cuerdas, de fabricación casera. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica Harmony, la cual décadas mas tarde donó al Salón de la Fama del Rock & Roll.

Sus inicios no fueron fáciles. Nótese que el planeta ya estaba poblado de monstruos: desde Muddy Waters hasta John Lee Hooker, pasando por B.B. King, Elmore James, Jimmy Reed, Bo Diddley, Son House, Otis Rush, Howlin’ Wolf, Willie Dixon y mas.

Hacia 1950 comenzó a tocar en bandas de Baton Rouge, capital de Louisiana, donde realizó sus primeros conciertos con la banda de "Big Poppa" John Tilley, en una época en la cual el nerviosismo lo inundaba de forma tal, que Buddy tenía que tomar pastillas para no quedarse paralizado sobre el escenario. Después de esa experiencia con Tilley pasó al grupo del armonicista Raful Neal, pero para entonces los nervios ya estaban controlados.

Pero… recordemos el viejo drama que se venía dando desde los años ’30. Los negros del económicamente deprimido Sur se mudaban hacia el industrial Chicago. Hacía frío, pero había pelas. Y claro, como era un ambiente industrial allí los emigrantes del Delta que llevaban su Blues lo electrificaron. Así nació el Blues de Chicago, y atraído por todo ello Buddy se marchó al frío un 25 de septiembre de 1957. No podía saber de aquellas que acabaría siendo su Rey.

Recién llegado Buddy comenzó a meterse en la escena del Blues. Dominaban Muddy Waters, Howlin' Wolf y compañía. Era como el verano del amor en California pero en versión Blues. Al principio no encontraba trabajo y lo pasó realmente mal.

Con tan solo 21 años, estaba a punto de llamar a su madre para pedirle dinero para el billete de autobús de vuelta a casa y, en esas que va a una competición de guitarristas organizada por Magic Sam y Otish Rush. Y esa noche… pasó algo: en aquel garito estas dos estrellas se quedaron tan impresionadas al escuchar a Buddy, que le consiguieron un contrato en su sello.

Tanto Otish como Magic estaban en una discográfica joven pero prometedora. Fundada en el 1956, Cobra Records estaba produciendo a una nueva generación de bluesman más vacilones, con un sonido más fresco y rebelde que se alejaba de la ortodoxia de la armonía y la muy contenida guitarra eléctrica de los que llegaron justo un poco antes a Chicago. Otish era su primera estrella, y después se arriesgaron con Magic Sam. Al poco tiempo Cobra cerró, pero la huella de producir un Blues que evolucionaba hacia un sonido más urbano y más rock aún perdura.

En 1958 Buddy Guy grabó tres sencillos para Artistic, un sello subsidiario de Cobra. Esos temas fueron "This Is The End" y "Try To Quit You Baby", los cuales mostraban cierta influencia del sonido de B.B. King, y "You Sure Can’t Do", un homenaje a Guitar Slim. Este trío de canciones fue producido por Willie Dixon.

Tras el cierre de Cobra en 1959, Buddy volvió a garitos y garitos. Otra vez sin sello; el sueño le duró poco y curiosamente, no firmó como propio ni como colaboración ningún disco. Vamos, que el contrato sí, pero materializarse no se materializó. Muddy Waters asiste a una de sus actuaciones, le convence y le invita a colaborar con él en Chess Records, a lo que Buddy acepta.

Al menos fue un paso. Sin embargó comenzó a trabajar sólo como músico de sesión para la Chess, con lo que aparece en los créditos de grabaciones de gente como Koko Taylor, Muddy Waters (lo acompaña en su famoso "Folk Singer"), Sonny Boy Williamson, Howlin' Wolf, Little Walter

Intentan producirlo en modalidad de singles a él solo; lo quieren meter en el Soul, en el R&B, en baladas de Jazz… pero no, ese no es el estilo de Guy. Él estaba destinado a innovar y romper moldes. Precisamente por eso Leonard Chess, el presidente de la discográfica, cuyos gustos eran muy tradicionales, tildaba la música de Guy de "ruidosa" y lo mantuvo relegado como músico de sesión; seguramente se estaría luego años arrepintiendo de no haberle dado carta blanca de creatividad para que explorara todo su potencial; aunque al menos fuera por tema comercial.

Total, Buddy en la Chess… se estanca hasta que en el 1965 conoce a un tipo que va a ser esencial en su carrera, y con el que va a grabar uno de los grandes discos de Blues de los ’60. Junior Wells, uno de los bluesman más representativos de la escena Chicago que pilla a Buddy por banda para tocar guitarra y ¡cantar! en el "Hoodoo Man Blues" del 1965, con la compañía Delmark.

Un discazo de blues eléctrico con el sabor de las mejores esencias grabado en un "directo de estudio" que le da una autenticidad y un sonido que ya quisiera Steve Albini para él. El disco se grabó en tan sólo unas horas a lo largo de dos días. Friendly Chap es el sobrenombre con el que Buddy aparece en el álbum (tenía todavía contrato con Chess), pero el sonido de su guitarra pronto llamó tanto la atención que su nombre salió a primera línea a raíz de esta grabación.

De tal que en 1967 se sucede otro disco, "Southside Blues Jam". El sonido de Buddy llamó la atención tanto para bien como para mal. Bien es cierto que la chavalada del rock y del blues más novedoso y urbano lo estaban idolatrando por ese sonido metálico, fuerte y algo más rockero y por sus actuaciones en directo, llegando a tocar con los dientes. Buddy tenía la valentía de evolucionar; de tal que los talibanes de turno comenzaban a echárselo encima.

Por fin en 1967 Chess le saca un disco...cuando ya había conseguido éxito con Junior Wells claro...que listos. Editan "I Left My Blues in San Francisco", y más importante aún, edita sus sencillos más recordados: "Let Me Love You Baby", "Stone Crazy", y "Leave My Girl Alone", que mostraron al gran público ese estilo agudo de interpretar la guitarra y de cantar, que posteriormente se convirtieron en formas características de lo que se conoce como el estilo West-Side en Chicago. Ya no quedaba duda de su poder musical.

Menos mal que dejó la Chess… Por cierto, esa cita que ponemos se la dedicamos a Leonard Chess: "hijo, tanto ojo para otras cosas y con este… con este no acertaste para nada. Lo pusiste a parir y luego se convirtió en una estrella…"

En 1968 Buddy Guy se retiró de Chess y pasó al sello Vanguard, donde grabó, ese mismo año, cuatro discos (parece ser que tenía muchas ganas de grabar): "Coming At You" y "Blues Today", "Hot And Cool" y "A Man And The Blues", en donde realizó una versión de la popular "Mary Had A Little Lamb" que más tarde interpretó Stevie Ray Vaughan, que está considerada su obra maestra.





En 1969 apareció junto a Eric Clapton, Jack Bruce, Buddy Miles, Led Zeppelin, Stephen Stills, Glenn Campbell , Roland Kirk y Jon Hiseman entre otros, en el "Supershow", unas actuaciones filmadas en una fábrica abandonada de Staines (Inglaterra). Pretendía ser una reunión de grandes músicos al estilo del "Super Session" de Al Kooper y Mike Bloomfield. Pero a finales de los 60, la estrella de Guy estaba en declive.

A finales de la década de los 60 Guy aún no gozaba de la fama y éxito que tenían los artistas a los que el había influenciado, como Jimi Hendrix o Eric Clapton por ejemplo. Guy se quedaba sin reconocimiento dentro del blues, se le considero una leyenda pero una olvidada, y sus siguientes discos con Vanguard, "This Is Buddy Guy" (1970) y "Hold That Plane!" (1972), no ofrecieron los resultados esperados. Años después, sería el mismísimo Clapton quien se encargó de posicionar su nombre en el gran mercado.

En esa misma época comenzó a afianzarse la amistad entre Guy y el armonicista Junior Wells, la cual se consolidó en el álbum "Buddy Guy And Junior Wells Play The Blues", publicado en 1972. Esta pareja recorrió el mundo del blues en los años 70, convirtiéndose en el dúo de mayor importancia dentro del blues contemporáneo.

Los años 70 fueron en los que menos discos lanzó en toda su carrera hasta el día de hoy; probo suerte en distintos sellos y participó en la octava edición del Montreux Jazz Festival en donde el audio del show quedó registrado en "Drinkin’ TNT ‘n’ Smokin’ Dynamite (live)" de 1982.

Aunque la reputación de Buddy Guy entre los dioses de la guitarra del blues-rock fue grande, de hecho todos ellos lo nombraron como la principal influencia de sus estilos, en la década de 1980 grabó muy pocos discos y así fue que él y Junior Wells decidieron abrir un par de locales para poder tocar. Se llamaron el Checker-board Lounge y el Legends, en Chicago claro. La apertura de los locales fue vital para llevar al guitarrista al primer plano de la música americana y mantenerlo como un nombre obligatorio más allá incluso de lo musical.

Eric Clapton fue uno de los que se acordó de Guy en 1990 y lo contrató para que formara parte del grupo con el que Eric realizó 42 conciertos en el Royal Albert Hall de Londres a lo largo de dos años. Un grandes éxitos de esos conciertos, "24 Nights", se publicó en 1991.

Ese mismo año, Guy firma un contrato de grabación con Silvertone Records y gana el reconocimiento que se merecía. Su primer álbum con el nuevo sello, "Damn Right, I've Got The Blues", fue un gran éxito y contaba con colaboraciones de Eric Clapton, Jeff Beck, Mark Knopfler y los Memphis Horns. El disco vendió lo suficiente como para ganar la condecoración de disco de oro de 1991. Es, además, uno de los lanzamientos claves en el blues del último cuarto de siglo. Recibió un Grammy al Mejor Album de Blues Contemporáneo y el tren comenzó a moverse, llenando conciertos y obteniendo cuanta mención fuera posible.

En 1993, Buddy Guy consigue otro Grammy con "Feels Like Rain"; menos artístico que "Damn Right I’ve Got The Blues" pero que tiene como valor la participación de artistas como el músico de country Travis Tritt, y la voz de Paul Rodgers. En 1994 apareció "Slipin’ In", que devolvió a Buddy a la dirección correcta, sin invitados y una preponderancia del blues que le da otro Grammy.

1998 vio llegar un álbum acústico al lado de su eterno compañero Junior Wells: "Last Time Around: Live at Legends" y en 2001, decidió ir al Mississippi para una grabación al estilo juke-joint blues y Country Hill Blues. El resultado fue "Sweet Tea", uno de sus mejores trabajos y a la vez, el más extraño de todo su catálogo por ese sonido entre grunge y blues.





Para el 2003 presentó "Blues Singer", disco completamente acústico, en donde el guitarrista rinde tributo a Son House, John Lee Hooker y Skip James, y premiado con un Grammy como mejor Disco de Blues Tradicional. En 2005 publica "Bring’em In", un regreso a sus primeros álbumes con Silvertone Records; una brillante producción llena de estrellas invitadas: Carlos Santana (guitarra), Tracy Chapman (voces), John Mayer (guitarra), Anthony Hamilton (voces), Robert Randolph (pedal steel), y Keith Richards (guitarra).

En 2008 llegó "Skin Deep" en el cual Buddy Guy está acompañado por artistas como Susan Tedeschi a la voz, Derek Trucks a la guitarra, Eric Clapton a la guitarra y voz, y Robert Randolph al steel guitar. Ese mismo año aparece como invitado especial en el concierto de los Rolling Stones filmado por Martin Scorsese, "Shine a Light". Al final de su participación Keith Richards le rinde honores regalándole su guitarra.

En 2010 presentó "Living Proof", trabajo por el que obtuvo nuevamente un premio Grammy en la categoría de Mejor Album de Blues Contemporáneo, completando así cinco gramófonos en su historia. "Rhythm & Blues" (2013), es su último trabajo hasta el momento

Los tiempos han cambiado y de esa época en la que el guitarrista tenía que rogar para que le hicieran un contrato decente de grabación ya solo queda el recuerdo pues ahora Guy se vanagloria de los incontables premios obtenidos y de ser considerado por muchos músicos, como el caso de Eric Clapton, como uno de los bluesman más influyentes de la historia.

La guitarra enérgica y una amplia capacidad histriónica sobre escenario han sido las características principales dentro del estilo de Buddy Guy. A eso se suma su voz, generalmente aguda, que juega de manera infinita con la guitarra. Ya ha pasado bastante tiempo, más de medio siglo, desde sus comienzos en la escena blues de Baton Rouge, en el estado de Luisiana.

En su recién publicada auto-biografía "When I Left Home", Buddy dice "el Blues esta en su peor momento comercial, ya nadie lo toca, ya no se escucha en ningún lado, a excepción de la radio satelital y el internet". Su miedo esta en que cuando muera todo por lo que ha luchado y vivido se vaya con él. Guy siempre ha contado historias reales y lo que dice en su libro es que lleva consigo la gran carga que le dejaron los grandes monstruos del blues para continuar lo que inicio Robert Johnson, en aquel viejo cruce de la carretera 61 de Mississippi, cuando le vendió su alma al diablo a cambio de ser el mejor guitarrista del mundo.

A todo esto Buddy Guy ya a comenzado a tomar precauciones, a su manera, para mantener el blues vivo. Buddy comenta que si la juventud de hoy no tiene una figura y un modelo ejemplar a quien seguir, jamás se interesaran en tocar y se dedicaran solamente a ser famosos y populares para el mercado. El elegido para continuar el camino es un joven prodigio de la guitarra llamado Quinn Sullivan quien a sus 14 años ya ha compartido escenario con la leyenda de la guitarra, el Rey del Blues: B.B. King. Buddy ha tomado como aprendiz al joven Sullivan para enseñarle todos los secretos que esconde una guitarra y las miles de historias que ha vivido en sus 50 años de carrera. Cada vez que Buddy realiza una entrevista siempre menciona y da crédito a viejos artistas no conocidos para que alguna alma atenta escuche el nombre y se decida a buscar su música.

Ha sido llamado 'el puente entre blues y rock and roll' y fue el enlace histórico entre los pioneros del blues eléctrico de Chicago como Muddy Waters y Howlin' Wolf y los más contemporáneos Eric Clapton, Jeff Beck, Hendrix, Jimmy Page y Stevie Ray Vaughan. Éste último dijo: "Sin Buddy Guy no existiría Stevie Ray. Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!".

También Clapton manifestó su pasión por su música: "Buddy Guy fue para mí lo que Elvis significó para otros". Eric, nada proclive a los halagos también llegó a afirmar: "Buddy Guy es sin ninguna duda el mejor guitarrista vivo. Su forma de tocar revolucionó el blues rock". Jimi Hendrix, cuyas acrobacias con la guitarra tocando por encima de la cabeza o con los dientes estaban inspiradas en Buddy que ya las practicaba años antes, dijo: "El paraíso es estar tumbado a los pies de Buddy Guy mientras lo escuchas tocar su guitarra". Todo un 'músico de músicos', al que actualmente se le puede ver casi cada noche en Chicago sentado junto a la barra del Legends, el mejor local de blues de la ciudad, que Buddy regenta con orgullo.



Discografía

Hoodoo Man Blues (1965) con Junior Wells band
Chicago/The Blues/Today! vol. 1 (1966) con Junior Wells band
It’s my Life, Baby! (1966) con Junior Wells band
I Left My Blues in San Francisco (1967)
A Man and the Blues (1968)
Coming At You (1968)
Blues Today (1968)
A Man and the Blues (1968)
Coming at You (1968)
Blues Today (1968)
This Is Buddy Guy (Live) (1968)
Hot and Cool (1969)
First Time I Met the Blues-Python (1969)
Buddy and the Juniors (1970)
South Side Blues Jam (1970) con Junior Wells and Otis Spann
In the Beginning (1971)
Play the Blues (1972) con Junior Wells
Hold That Plane! (1972)
I Was Walking Through the Woods (1974)
Berlin Festival - Guitar Workshop (1974)
Got to Use Your Head (1979)
The Dollar Done Fell (1980)
Buddy & Phil (1981)
Stone Crazy! (1981)
Going Back (1981) con Junior Wells
Drinkin’ TNT ’n’ Smokin’ Dynamite (live) (1982)
DJ Play My Blues (1982)
Buddy Guy (1983)
The Original Blues Brothers (live) (1983)
Ten Blue Fingers (1985)
Atlantic Blues: Chicago (1986)
Chess Masters (1987)
Live at the Checkerboard Lounge, Chicago-1979 (1988)
Breaking Out (1988)
I Ain’t Got No Money (1989)
Alone & Acoustic (1991)
Damn Right, I've Got the Blues (1991)
My Time After Awhile (1992)
The Very Best of Buddy Guy (1992)
The Complete Chess Studio Recordings (1992)
Live at Montreaux (1992) con Junior Wells
Stone Free: A Tribute to Jimi Hendrix (1993)
Feels Like Rain (1993)
Slippin' In (1994)
Live: The Real Deal (1996)
Buddy’s Blues (1997)
Buddy’s Blues 1978-1982: The Best of the (1998)
As Good as It Gets (1998)
Heavy Love (1998)
Last Time Around - Live at Legends (1998) con Junior Wells
This Is Buddy Guy (1998)
Blues Master (1998)
Buddy’s Baddest: The Best of Buddy Guy (1999)
The Complete Vanguard Recordings (2000)
Every Day I Have the Blues (2000) con Junior Wells
20th Century Masters: The Millennium: The Best of Buddy Guy (2001)
Sweet Tea (2001)
Double Dynamite (2001)
Blues Singer (2003)
Chicago Blues Festival 1964 (Live) (2003)
Jammin’ Blues Electric & Acoustic (2003)
Live at the Mystery Club (2003)
A Night of the Blues (2005) con Junior Wells
Bring 'Em In (2005)
Can't Quit the Blues: Box Set (2006)
Live: The Real Deal (2006) con G. E. Smith & The Saturday Night Live Band
Goin' Home: A Tribute to Fats Domino (2007) con Joss Stone and The Dirty Dozen Brass Band
Skin Deep (2008)
The Definitive Buddy Guy (2009)
Living Proof (2010)
Rhythm & Blues (2013)



Fuentes: efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, Flickr, ojosqueleenyoidosqueescuchan.blogspot.com.es, historiasdelblues.wordpress.com, 2120.cl, elautobusazul.blogspot.com.es, piraterockradioblog.wordpress.com y Wikipedia
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Oscar Cigarrón
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Oscar Cigarrón »

Vamos acercándonos!!! Genial Buddy Guy y el gran Angus!!! Que ganas de llegar al número 1... :nerv: :nerv: :nerv:
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

Oscar Cigarrón escribió:Vamos acercándonos!!! Que ganas de llegar al número 1... :nerv: :nerv: :nerv:


No te imaginas las que tengo yo :D-: :D-: :D-: Llevo 536 páginas en Word :^^!: :^^!: :^^!:
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Re: LOS 100 MEJORES GUITARRISTAS DE LA HISTORIA

Mensaje por Presidemente »

En el puesto número 22


Frank Zappa


Fue un compositor, guitarrista, productor discográfico y director de cine estadounidense. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso rock, jazz, blues, electrónica, música clásica y música concreta, entre otros. También trabajó como director de cine y de videoclips, y diseñó portadas de álbumes. Además, se encargó de la producción de los más de ochenta álbumes que grabó con The Mothers of Invention y en solitario.

Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda una carrera en 1997.


Imagen


Frank Zappa nació en Baltimore, Maryland, Estados Unidos, el 21 de diciembre de 1940, siendo sus padres Francis Zappa nacido en Partinico, Italia y Rose Marie Colimore de ascendencia italo-francesa. Fue el mayor de cuatro hermanos.

Teniendo en cuenta de que en Wikipedia en español podéis leer una biografía suya muy extensa, he decidido aprovechar el post para poner otros datos.


Su estilo

Frank Zappa empezó a tocar la guitarra con una finalidad muy concreta: quería tocar largos solos encima de sus discos de R&B. Fue un autodidacta; aprendió un montón de licks de blues de sus primeras influencias: Johnny Guitar Watson, Clarence "Gatemouth" Brown y, sobre todo, Guitar Slim. Aunque años después, Zappa recomendaba: "Si quieres aprender a tocar la guitarra, escucha a Wes Montgomery".

En los primeros álbumes de los Mothers, el estilo de Zappa permanece todavía muy vinculado a sus primeras influencias blues. Sus solos son, en esencia, pentatónicos. Su guitarra no ocupa todavía un puesto preponderante y su sonido es más o menos estándar. Parece ser que sus inquietudes como compositor y su faceta solista discurrían por senderos distintos. Poco a poco, empieza a aplicar sus criterios musicales sobre la guitarra; hasta llegar a las "esculturas aéreas" de los ochenta.

Zappa no se consideraba un virtuoso. Un virtuoso, según él, debe ser capaz de tocarlo todo, y el podía tocar lo que sabía (baste decir que Joe Pass se autodefinía de manera similar).

En cualquier caso, la realidad es que, como ya se ha dicho más arriba, nunca estudió guitarra; es más, ni siquiera praticaba -excepto durante las giras-. Es decir, que cuando tenía que tocar, tocaba y punto. Su técnica con la mano derecha era bastante extraña, y no muy "válida" desde el punto de vista ortodoxo (como él mismo decía). Utilizaba la púa de una manera muy particular, dándole al sonido gran cantidad de matices; sólo recurría a la técnica habitual de muñeca para los trémolos frenéticos, el resto era más bien juego de dedos en una combinación muy efectiva de frotamientos, pellizcos y barridos.

Con la mano izquierda era extremadamente preciso y controlado; sus bendings eran muy limpios y siempre afinados (algo que, según afirma Yngwie Malmsteem, no es tan habitual como solemos pensar). En determinados pasajes, lograba una fraseo muy peculiar, alterando la sincronía entre la mano derecha y la izquierda, pulsando la cuerda "en el momento equivocado" mientras marcaba pequeños grupos de notas sobre el mástil.

Mención aparte merece la mundialmente famosa técnica de "gaita búlgara", aprendida, según el propio Zappa, del batería Jim Gordon. En realidad, se trata de una especie de tapping en el que las cuerdas son percutidas por el canto de la púa. Este recurso puede escucharse en la parte final del solo de "Inca Roads" y en "St. Etienne" (entre otras), y resulta bastante espectacular; aunque se diría que más bien es así por la música implicada que por la técnica en sí misma que es muy similar al tapping.





En cuanto a la música contenida en los solos y en los temas especialmente escritos para guitarra, hay que tener en cuenta que son una prolongación del resto de su obra musical; hay muchos factores poco ususales que definen el estilo zappiano.

El ritmo, es tal vez, el más importante de ellos, y estaba siempre supeditado a la capacidad de los miembros de la sección rítmica para comprender y asimilar el juego polirrítmico. Según el propio Zappa, Vinnie Colaiutta fue el mejor en eso. Para Zappa, el sentido del "drama" era fundamental a la hora de desarrollar una composición o un solo; y parte del equilibrio de ese drama viene determinado por los eventos rítmicos.

Zappa tocaba un numero de figuras superior al que se presupone en un determinado compás, o alteraba, pensando "por su cuenta" en otro ritmo, la duración de las figuras adecuadas. También recurría a cuestiones más ortodoxas, como las hemiolas (dos compases de tres tiempos (como el compás de 3/4, por ejemplo) ejecutados como si fuesen tres compases de dos tiempos (como el de 2/4)), o los polirritmos "de manual"; pero siempre teniendo de presente que cada unidad de tiempo musical se puede subdividir como a uno le dé la gana.

Los aspectos armónicos y melódicos de los solos de Zappa, recogen en gran medida las influencias más primitivas de sus años de juventud. La orientación de muchas de sus improvisaciones es, esencialmente, pentatónica; cuando se ponía rockero, la mayor parte del material que tocaba estaba basado en la escala menor pentatónica, a la que incorporaba pasajes mixolidios.

El otro contexto habitual para los solos nace de la inquietud de crear atmósferas y reacciones concretas en quien escucha. Para esto, prefería que la sección rítmica se mantuviera en un mismo acorde durante toda la improvisación; o, en todo caso, en una progresión que incluyera el número mínimo de acordes para configurar un determinado "aroma" armónico. En estas situaciones, sus solos se basaban más bien en un pensamiento pseudomodal. Zappa sentía predilección por los modos lidio y menor armónico, aunque siempre condimentados con pasajes mixtos o incluso atonales; la verdad es que no pensaba en patrones, sino que le interesaba más saber qué determinado intervalo puede derivar en el efecto deseado después de tocar la nota que sea.


Sus guitarras

La primera guitarra que cayó en manos de Frank Zappa fue un instrumento acústico de caja comprado en una subasta por su hermano Bobby (un dólar y medio de aquellos años...); el joven Frank estaba bastante interesado en el R&B, y, considerando que los solos de guitarra no disfrutaban del espacio que merecían, decidió tocar sus propios solos encima de los discos.

Antes de comprarse una guitarra propia, en la época en que formaba parte de la banda local The Blackouts (1960), Zappa tocaba con una Fender Telecaster blanca que había alquilado: un instrumento de timbre muy clásico que no terminaba de hacerle mucha gracia; aunque se le pudo ver con otra Tele en algunos momentos de los primeros setenta.

Un año más tarde, en 1961, compró una Fender Jazzmaster; un modelo de cuerpo sólido y sonido clásico que utilizaría casi hasta el advenimiento de "Freak Out!".

En cualquier caso, la primera guitarra que aparece en la discografía oficial es una Gibson ES5-Switchmaster. Se trata de un modelo de caja, una guitarra de jazz; puede escucharse en los álbumes "Freak Out!" y "Absolutely Free". La verdad es que este instrumento no parecía adecuarse a sus necesidades, y pronto fue sustituido por otros modelos del mismo fabricante, destacando una Gibson Les Paul Gold Top y otra guitarra modificada -también con un cuerpo de Les Paul- de la que no he encontrado más datos. Zappa tocó estas guitarras durante varios años, manteniendo un sonido más o menos estándar.

Para el gran público, la aparición del Zappa guitarrista viene más o menos vinculada a la salida al mercado del álbum "Hot Rats", en el que asume el papel de maestro de ceremonias, dejando de lado a The Mothers Of Invention (en un proyecto muy distinto a "Lumpy Gravy"). Su solo en "Willie The Pimp" pasará a la historia (o no) por ese riff rotundo, la ejecución impecable y la capacidad de su autor para improvisar durante nueve minutos sin repetir ideas (y la certeza, por parte de quien escucha, de que podría seguir haciéndolo unas cuantas horas más).

Poco tiempo después, Zappa se dejaría seducir por la ligereza de la Gibson SG. Durante los primeros setenta, utiliza básicamente la SG negra que puede verse en la portada del "Roxy", aunque tenía más "ejemplares", entre los que se encontraba una de esas viejas guitarras con el golpeador "de espejo". La SG negra fue literalmente destruída, y Frank la sustituyó por una copia hecha a mano. Este instrumento carece del vibrato Bigsby (Zappa lo eliminó porque le resultaba casi imposible mantener la afinación) y cuenta con un traste extra. Esta guitarra, de timbre similar, puede escucharse en álbumes como "Zappa In New York" o "Sheik Yerbouty".

Por esta época, y a pesar de permanecer fiel a los chicos de Gibson (que nunca contactaron con él para ofrecerle sacar un modelo signature), Zappa ya poseía algún instrumento Fender, y hay alguna foto en la que aparece empuñando una Telecaster. También por estos años, hace modificaciones en una Stratocaster de color rojo que en algún momento perteneció a Jimi Hendrix; le cambia las pastillas y le coloca un mástil Performance, con las medidas y forma de los de sus SG. Zappa mantiene intactos el puente y el clavijero. Según el propio Zappa, esta guitarra era bastante propensa a generar demasiado feedback, por lo que la utilizó muy esporádicamente; puede escucharse en los solos de "Drowning Witch" y "Zoot Allures". Dweezil Zappa, su hijo, subastó esta guitarra no hace mucho; allá él con su conciencia...

A principios de los ochenta, la guitarra principal de Zappa es una Gibson Les Paul Custom roja con pastillas DiMarzio; aunque también tocó una Stratocaster con pastillas de la misma marca, puente Floyd Rose y un dispositivo especialmente diseñado para, entre otras cosas, evaluar la cantidad de feedback que se podía generar en una determinada sala, y así poder ajustar la ecualización para controlar este matiz con mayor eficacia.

Hasta estos años, Zappa solía montar en sus guitarras las pastillas de serie correspondientes, sin embargo, poco a poco fue tendiendo hacia sonidos más específicos, sustituyendo las originales por pastillas DiMarzio y, en ciertos casos bastante particulares (como los ruidosos modelos "mini" de Stratocaster y Les Paul), Seymour Duncan. Para las giras de 1984 y 1988, Zappa utilizó una Stratocaster amarilla, con las mismas especificaciones que en las anteriores.

Además de estos instrumentos, Zappa disponía de una serie de guitarras auxiliares que usaba muy de vez en cuando, como una Martin acústica, una Fender XII (aunque alguna vez dijo que odiaba las guitarras de doce cuerdas), un modelo personalizado sin trastes (Po-Jama People, San Ber´Dino) o una Black Widow.


La guitarra Frank Zappa® "Roxy" SG

Frank Zappa es reconocido como uno de los guitarristas más innovadores en la historia no solo por sus creaciones en el escenario sino en el estudio. Sus conciertos con la banda The Mothers of Invention en el Roxy Theatre de Hollywood desde diciembre de 1973 y los que le siguieron – capturados en el álbum "Roxy & Elsewhere" y posteriores lanzamientos en DVD – son constantemente exhibidos como el pináculo de su brillante talento.

La modificada SG Special que usó en esos shows es un instrumento icónico entre los seguidores de Zappa y ahora Gibson USA recrea esa legendaria SG con todos sus detalles para presentar la Frank Zappa® “Roxy” SG para quienes busquen un instrumento muy versátil, con gran tocabilidad y modificada al estilo vintage de las SG Standard.

El modelo original SG de Zappa es una guitarra de comienzos de los años sesenta, con un perfil delgado, rápido y un golpeador (pickguard) pequeño, propio de la época que incluía los micrófonos originales P-90.

Mientras que este instrumento interpreta todas las modificaciones de la guitarra original de Zappa, la Frank Zappa® “Roxy” SG representa perfectamente la re-edición vintage de esa SG, y cuenta también con un par de palancas mini-toggle para manejar los humbuckers y así llegar a esos tonos particulares y funk de Zappa, además de la Vibrola Maestro con un cordal "Lyre". Con un mástil y clavijero natural, cuidadosamente curado para que sea igual al color de la guitarra original, con un acabado "faded" en nitrocelulosa color Cherry, la Frank Zappa® “Roxy” SG tiene un sonido y un look distintivo y original.

Cuerpo y Mástil
La Frank Zappa® “Roxy” SG tiene la misma combinación de maderas que convirtió a la SG Standard en un instrumento legendario. El cuerpo está fabricado de solida caoba Grade-A y el cuerpo icónico de los dos cuernos reconocido mundialmente. El mástil moldeado en caoba Grade-A tiene el perfil original de los ’60s, preferido por Zappa, con medidas de 0.775” en el primer traste y 0.910” en el 12 para una velocidad suprema y que realmente la convierte en una guitarra muy cómoda. El diapasón es de palo de rosa Grade-A con incrustaciones perloides y 22 trastes, con las medidas exactas de los trastes jumbo de la original “Roxy” SG. Como la guitarra de Frank Zappa, el mástil es en caoba natural y el mástil es blanco.

Micrófonos y Electrónica
Las modificaciones electrónicas de la original SG “Roxy” fueron parte vital del "sabor" de la guitarra y Gibson USA ha replicado con gran precisión esa versatilidad en la Frank Zappa® “Roxy” SG. Así viene con dos micrófonos potenciados ’57 Classics con un bobinado que replica el mismo tono de esos humbuckers que Zappa agregó a su guitarra. Vienen conectados a un par de palancas mini-toggle debajo del golpeador (pickguard), para proveer y controlar esa combinación única de tonos que hizo tan particular que tiene el sello del sonido de Zappa. Los otros controles son una palanca selectora en tres posiciones y un control de volumen y tono para cada micrófono.

Hardware y plástico
El trémolo fue una parte clave del sonido de Frank Zappa y la Frank Zappa® “Roxy” SG viene con un Maestro-Style Vibrola con un cordal decorativo "Lyre" para que abras tus posibilidades sonoras y creativas. El puente Tune-o-matic ofrece una precisa afinación, mientras que el set de clavijas Grover™ - con el diseño redondo curvo - es muy eficiente y fiel al diseño de la guitarra original. Esta SG viene con el golpeador pequeño de los años 60 y las medidas de la guitarra son exactas a la original.

Frank Zappa® es una marca registrada por Zappa Family Trust.


Sus amplificadores

En un primer momento, el sonido de guitarra de Zappa era bastante estándar, para la grabación de "Freak Out!", su Switchmaster estuvo conectada a un Fender Deluxe. Pocos años más tarde (es obvio que esta situación, lo de tener un tono "normal", no podía durar mucho), empezará a explorar con mayor profusión las posibilidades "a ese lado" de la guitarra.

Zappa, como guitarrista, trabaja en dos medios radicalmente distintos para él: el directo y el estudio. La mayoría de los solos de su discografía proceden de tomas en directo. Según él mismo explicaba, le resultaba bastante complicado encontrar a las musas en el estudio; como solista, prefería grabar todo lo que tocaba sobre los escenarios y editar lo que tuviera algún tipo de interés musical.

Solía utilizar tres amplis simultáneamente. Enviaba la señal a cada uno de ellos por separado o a todos a la vez en función de lo que quisiera conseguir. Normalmente trabajaba con Marshall, Acoustic, Carvin y Orange. Las bocinas se orientaban hacía la parte posterior del escenario, y eran microfoneadas (no siempre, claro) con Sennheisers 421. Las salidas de los amplis se doblaban hacia un canal para las frecuencias bajas.

Empleando combinaciones mono y estéreo de los distintos amplis, era posible enfatizar muy diversos aspectos del sonido que salía de las pastillas, consiguiendo así pasar de un tono más o menos suave (o incluso cristalino, como puede comprobarse en los álbumes dedicados a la gira del 88), a la barbarie más absoluta, casi siempre protagonizada por cabezales Marshall.

Para el trabajo de estudio, Zappa solía utilizar también Marshall, aunque llegó a grabar algunas cosas con un "inofensivo" Pignose (Overnite Sensation). El trabajo de edición del material de estudio implicaba también la manipulación de las pistas de guitarra, así que, en el momento de grabar, se encargaba básicamente de obtener un tono de base con el que poder tocar. El hecho de conseguir un sonido "incontestable" no era tan importante como en directo, ya que luego podía editar las partes hasta la saciedad (cosa que hacía casi siempre).

Todo esto es orientativo, claro; porque luego hacía lo que le daba la gana, como tiene que ser.


Sus efectos

La verdad es que Frank Zappa no es uno de los guitarristas más proclives al uso indiscriminado de toda clase de efectos y cacharros. Gran parte del desarrollo de su sonido tenía lugar en los amplis y poco más (aparte claro, de la edición en el estudio). No obstante, en directo utilizaba delays digitales y, en ocasiones, un Mutron Bi-Phase y un Octave Divider. También echó mano ocasionalmente de un Big Muff de Electro-Harmonix.

Sin duda, el efecto más llamativo de cuantos utilizaba era el electro emancipador wagneriano, con el que empezó a experimentar en torno a 1976. Este efecto fue diseñado en exclusiva para Zappa por Bob Easton; el mayor interés que este aparato tenía para Zappa estribaba en la cantidad de armónicos que generaba (que podían ser eliminados arbitrariamente), produciendo así un sonido pastoso y muy fluído, aunque deformaba el tono y daba lugar a un sonido un tanto nasal y "raro", demasiado similar al de un órgano Farfisa.

En el propio instrumento, también había lugar para los cachivaches. Desde los primeros 80, Zappa hacía instalar en la mayoría de sus guitarras un dispositivo electrónico de preamp/eq con filtros paramétricos. De tal manera que, además de controlar el feedback, podía modificar el nivel de resonancia, independientemente de cuál fuera la ganancia original, pudiendo así "crear" un entorno "físico" artificial.

Además de esto, en la discografía zappiana hay alguna que otra incursión de otros efectos, como los octavadores o incluso un filtro de voltaje de un teclado Oberheim (Ship Ahoy). Pero, sin duda, el efecto más habitual en la obra guitarrística de Zappa es el wah-wah (Vox o Cry Baby). Zappa asegura que él compró su primer pedal antes de saber quién era Hendrix, y lo empleaba de manera un poco "distinta" al uso que se le presupone (saxos, etc.).

En cualquier caso, su fraseo con este efecto es, en opinión de muchos, mucho más interesante que el trabajo de otros guitarristas como Clapton o el ya mencionado Hendrix, que lo aplicaban de una manera más rítmica y mecánica. En el caso de Zappa, el wah-wah era más bien una especie de ecualizador adicional y un elemento "deformador del tono".


Sus cuerdas y púas

En cuanto a las cuerdas, Zappa usaba calibres muy ligeros (.008 o .009) y tocaba con la acción de la guitarra muy baja. Prefería Ernie Ball o Maxima. Usaba púas Gibson pequeñas y Fender Medium. Más tarde, pasó a usar púas de metal.


Solos gloriosos

Frank Zappa es el responsable de algunos de los momentos más gloriosos de la guitarra. Aquí va un listado con unos cuantos solos sin los cuales el concepto de guitarra solista es mucho más aburrido:

"Invocation And Ritual Dance Of The Young Pumpkin" - "Absolutely Free" (1967)

"Willie The Pimp" es, sin duda, uno de los temas más conocidos de la discografía de Zappa. Puedes escuchar este himno zappiano en el magnífico álbum "Hot Rats" (1969), considerado por muchos el germen del llamado jazz-rock; y por otros, el máximo exponente del llamado pop-rock. Yo, la verdad, no tengo ni la menor idea acerca de a qué género pertenece "Hot Rats"; no obstante, me quedo con la idea vertida por Mike Keneally en una entrevista que le hicieron en Guitar Player: "Frank Zappa es un género en sí mismo". El hecho es que la música contenida en "Hot Rats" es excepcional, y el solo de "Willie The Pim"p es una barbaridad.

Este solo en particular, pertenece a un etapa anterior a los experimentos más arriesgados de Zappa, que dan comienzo a mediados-finales de los setenta. Por lo tanto, el fraseo está más orientado hacia el blues y el rock al uso: las escalas pentatónicas mayor y menor protagonizan la mayor parte del solo, aunque intevienen de manera puntual -y afortunada- varios pasajes diatónicos, mezclándose con las ideas pentatónicas en intervalos poco usuales.

"Transylvania Boogie" - "Chunga´s Revenge" (1970)

"Dirty Love" - "Over-Nite Sensation" (1973)

"Montana" - "Over-Nite Sensation" (1973)

"Apostrophe" - "Apostrophe" (1974)

"Muffin Man" - "Bongo Fury" (1975)

"Inca Roads" - "One Size Fits All" (1975)

"Po-Jama People" - "One Size Fits All" (1975)

"Black Napkins" Este es uno de los solos de guitarra más bonitos que hay, y pertenece al álbum "Zoot Allures" (1976). Todo el solo está construído sobre una progresión de dos acordes: C#-7 (la tónica) y Dmaj7. Esto puede parecer un tanto extraño a simple vista, pero, en realidad, no lo es: un intervalo de segunda menor es siempre inestable, y tiende a resolver sobre la nota o acorde de origen, de la misma forma que un acorde de dominante tiende a resolver sobre un acorde de tónica a causa del intervalo de tritono entre su tercera y su séptima. Es decir, que esta progresión es muy correcta, y suena de *** madre.





"Zoot Allures" - "Zoot Allures" (1976)

"Watermelon In Easter Hay" - "Joe´s Garage" (1979) Esta pieza, una de las más celebradas composiciones de Frank Zappa, es una especie de viaje a la belleza, una pincelada de lirismo en la discografía de uno de los guitarristas considerados -erróneamene- como más "sucios".

"Filthy Habits" - "Sleep Dirt" (1979)

"Treacherous Cretins" Esta obra maestra forma parte del álbum "Shut Up´N Play Yer Guitar" (1981); en opinión de los entendidos, cualquiera que toque la guitarra y no tenga esta pequeña joya se está perdiendo una cantidad obscena de felicidad y conocimiento... bueno... y aunque no toque la guitarra, también. Este solo es uno de los más zappianos que podemos encontrar en toda su obra. Empezamos oyendo una misteriosa línea melódica basada en una progresión de dos acordes (D-7/A), y con esas voces celestiales que están flotando por ahí: empezamos a prepararnos para un proceso de introspección a través de esta hechizante introducción... ¿Qué puede pasar ahora?. Querido visitante, para el cerebro de Frank,la respuesta es felizmente obvia: ¡A tocar reggae!. Este planteamiento suena un poco demencial, pero el resultado es dulce. Así las cosas, entra en escena la SG de Zappa, con una melodía agresiva, cortante y, sobre todo, bonita. En resumen, que esta pieza es una especie de equilibrio obtenido a partir del caos, y viceversa; y esta es la naturaleza de la ciencia de Zappa... bueno, a lo mejor no. Limitémonos a escuhar.

"The Deathless Horsie" - "Shut Up´N Play Yer Guitar" (1981) Esto es un título y lo demás tonterías. Es uno de los más raros e hipnóticos engendros zappianos. El sonido de la Gibson de Zappa es tremendo, y el wah-wah parece estar todo el rato como chillando y dándole patadas a esa melodía tan desafiante. Y luego parece que todo va a explotar cuando salta de B menor pentatónico a A lidio (Eb menor), sin inmutarse la línea melódica principal.

"Pink Napkins" - "Shut Up´N Play Yer Guitar" (1981) Se trata de una versión de "Black Napkins", con un tono limpio y un flanger débil. El fraseo es brillante, ténue y suave. Es del tipo de tema que uno no quiere que se acabe nunca.

"Five-Five-FIVE" - "Shut Up ‘N Play Yer Guitar" (1981) Éste es un gran ejemplo del extraño -pero preciso- sentido del tiempo musical que tenía Zappa. Muy apropiado para tocar en plan heavy-metal.

"Punky´s Whips" - "Baby Snakes" (1983)

"St. Etienne" - "Jazz From Hell" (1986)

"Any Kind Of Pain" - "Broadway The Hard Way" (1988)


Algunas de sus frases

No será Wittgenstein, pero su pensamiento aplicado a nuestra época es sin duda contundente y cierto:

- "La política es el departamento de espectáculos de la industria"

- "El arte es hacer algo de la nada y... ¡Venderlo!"

- "Nunca me ha importado que 30 millones de personas piensen que estoy equivocado. El número de personas que pensaban que Hitler tenía razón no prueba que la tuviera. ¿Tengo acaso que estar necesariamente equivocado sólo por que unos pocos millones de personas piensen que no tengo razón?"

- "La estupidez tiene un cierto encanto del que la ignorancia...¡carece!"

- "Algunos científicos argumentan que, debido a su abundancia, el hidrógeno es el bloque básico con el que el Universo está construido. Estoy en desacuerdo. ¡Pienso que hay mucha más estupidez que hidrógeno, y que por lo tanto la estupidez es el bloque básico con el que el Universo está construido!"

- "La fama es como una mosca nadando en una copa de champagne llena de burbujas. Piensa que vive en el espectáculo sin darse cuenta que, en realidad... se está ahogando".

- "La televisión existe por que la gente ya no quiere hablar entre sí"

- "Escribir sobre música es como... bailar sobre arquitectura"

- "Sin música para decorarlo, el tiempo es sólo un puñado de aburridos plazos límite de producción o fechas en las cuales deben pagarse las cuentas".

- "Todo el mundo es idiota hasta que demuestre lo contrario".

- "Abandona la escuela antes de que se pudra tu mente por exponerla a nuestro mediocre sistema educativo.¡Olvídate del título y ve a una biblioteca y edúcate a ti mismo si tienes las pelotas bien puestas! Algunos de ustedes parecen robots plásticos a quienes le dicen que leer".

- "La religión es excelente para mantener callada a la gente común".

- "Lee el Kama Sutra ¿Cuánta gente murió por leer el Kama Sutra comparado con la Biblia? ¿Quien gana?"

- "La sociedad paga para tener un sistema educativo de mierda, porque mientras mas idiotas salgan, más fácil de venderles algo es, hacerlos dóciles consumidores, o empleaduchos. Graduados con sus títulos y nada en sus cabezas, que creen saber algo, pero no saben nada. ¿Qué música escuchan? Mis discos seguro que no".

- "Sin desviarse de la norma, el progreso es imposible".

- "Los niños son ingenuos, creen cualquier cosa. La escuela ya es suficiente, pero si encima lo acercas a una iglesia, lo estás metiendo en problemas".

- "El comunismo no funciona porque a la gente le encanta poseer porquerías".



Discografía

Con Mothers of Invention
Freak Out! (1966)
Absolutely Free (1967)
We're Only in It for the Money (1968)
Lumpy Gravy (1968)
Cruising with Ruben & the Jets (1968)
Uncle Meat (1969)
Hot Rats (1969)
Burnt Weeny Sandwich (1970)
Weasels Ripped My Flesh (1970)
Chunga's Revenge (1970)
Fillmore East (1971)
200 Motels (1971)
Just Another Band from L.A. (1972)
Waka/Jawaka (1972)
The Grand Wazoo (1972)
Over-Nite Sensation (1973)
Apostrophe (') (1974)
Roxy & Elsewhere (1974)
One Size Fits All (1975)
Bongo Fury (1975)
Zoot Allures (1976)
Läther (1978)
Zappa in New York (1978)
Studio Tan (1978)
Sleep Dirt (1979)
Sheik Yerbouti (1979)
Orchestral Favorites (1979)
Joe's Garage (1979)
Tinseltown Rebellion (1981)
Shut Up 'n Play Yer Guitar (1981)
You Are What You Is (1981)
Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch (1982)
The Man from Utopia (1983)
Baby Snakes (1983)
London Symphony Orchestra, Vol. 1 (1983)
Boulez Conducts Zappa: The Perfect Stranger (1984)
Them or Us (1984)
Thing-Fish (1984)
Francesco Zappa (1984)
Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention (1985)
Does Humor Belong in Music? (1986)
Jazz from Hell (1986)
London Symphony Orchestra, Vol. 2 (1987)
Guitar (1988)
Broadway the Hard Way (1988)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 1 (1988)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 2 (1988)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 3 (1989)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 4 (1991)
The Best Band You Never Heard in Your Life (1991)
Make a Jazz Noise Here (1991)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 5 (1992)
You Can't Do That on Stage Anymore, Vol. 6 (1992)
Playground Psychotics (1992)
Ahead of Their Time (1993)
The Yellow Shark (1993)
Civilization, Phaze III (1994)

Filmografía
200 Motels (1971) ........................ Actor/Director/Guionista/Productor/Editor
Baby Snakes (1977) ...................... Director/Guionista/productor
The Dub Room Special (1982) .......... Director/Guionista
Video from Hell (1987) .................. Director/Guionista
Does Humor Belong In Music? (1985) .. Director/Guionista
The Amazing Mr. Bickford (1987) ...... Director/Guionista/Productor
Uncle Meat (1987) ........................ Director/Guionista/Productor
The True Story of 200 Motels (1989) ... Director/Guionista
Peefeeyatko (1991) ....................... Productor




Fuentes: angelfire.com, Flickr, 2.gibson.com, idiota-internacional.blogspot.com.es y Wikipedia


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En el puesto número 21


Chet Atkins


Fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo —inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul— le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que llevó el gusto por la música country a admiradores de la música pop.


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Chester Burton Atkins nació el 20 de junio de 1924 en Luttrell, Tennessee a unos 20 kilómetros al noreste de Knoxville. Fue el menor de cuatro hermanos y se crió junto a su madre, tras el divorcio de sus padres, cuando Chet tenía seis años. Creció en un ambiente rural extremadamente pobre pero rodeado de influencias musicales. Su primera influencia fue su hermano mayor, Jim, un guitarrista muy exitoso que llegó a trabajar con el trío de Les Paul en Nueva York.

Su primer instrumento fue un ukelele de fabricación casera, pero a sugerencia de su hermano Lowell, cambió éste por el violín. Sin embargo, a los nueve años sintió un gran interés por aprender a tocar la que sería su compañera inseparable: la guitarra; por eso decidió cambiar una pistola de juguete por una Silvertone Sears, con la que comenzó a aprender rápidamente.

Cuando tenía diez años, se vio forzado a trasladarse a Georgia para vivir con su padre debido a una casi fatal condición asmática. Su padre era profesor de música y director de canto y cuentan, que cada vez que alguien llegaba a su casa a tocar la guitarra, el pequeño Chet se acercaba a pocos centímetros de ella para no perderse detalle.

Debido a su enfermedad tenía que dormir en un sillón especial que le facilitara la respiración durante el sueño. En esas noches, tocaba la guitarra hasta quedarse dormido abrazado a ella, una costumbre que le acompañaría toda la vida.

Además de la música clásica que conoció con su padre y el gospel que practicaban sus vecinos, Atkins recibió más influencias a través de la radio, donde escuchaba los temas de Merle Travis, cuyo estilo intentaba emular. Chet desconocía que Travis usaba sólo el pulgar y un dedo en su técnica de "fingerpicking", e influido por los métodos clásicos de su padre, aprendió a tocar con el pulgar y tres dedos, algo que se convertiría en su sonido de marca.

Ya en su etapa de la escuela era un guitarrista consumado. Solía practicar en los servicios del colegio debido a la buena acústica. Su primera guitarra tenía un clavo como cejilla y el mástil estaba tan curvado que sólo podía usar los tres o cuatro primeros trastes. Más tarde logró hacerse con una guitarra electroacústica y un amplificador, pero tenía que caminar varios kilómetros para encontrar una toma eléctrica, de la que -por supuesto- carecían en su casa.

En el momento en que dejó la escuela secundaria, en 1941, a la edad de 17 años, ya era un excelente guitarrista y tomó la decisión de hacer una carrera por sí mismo en la música. Después de dejar el colegio, en 1942 consiguió un trabajo tocando el violín y la guitarra en WNOX la radio de Knoxville, Tennessee, acompañando al cantante Bill Carlisle y al cómico Archie Campbell. En esa época, también se hizo miembro de la banda Dixieland Swingsters, un pequeño combo instrumental de swing.

En 1945, abandonó la WNOX y se fue a la radio WLW en Cincinnati, Ohio, donde Merle Travis anteriormente había trabajado. Después de unos meses se fue a Raleigh, Carolina del Norte, y trabajó con Johnnie & Jack antes de dirigirse a Richmond, Virginia, donde tocó en la banda de "Sunshine Sue" Workman.

En 1946 se incorporó a la banda de Red Foley e hizo su primera aparición en el Grand Ole Opry, un programa norteamericano de radio de música country, el más antiguo de Estados Unidos. Se retransmite en directo cada semana desde un teatro en Opryland, en Nashville, Tennessee.

Ese mismo año también publica un single en Bullet Records, "Guitar Blues", un tema bastante innovador en la época, ya que incluía un solo de clarinete; al piano le acompañaba Owen Bradley. Realizó una actuación en solitario en el Opry y seguidamente se mudó a Springfield (Missouri) a la KWTO-AM, donde, a pesar del apoyo de uno de los ejecutivos de la emisora, Ely E. Siman, Jr., mas conocido como Si Siman, fue despedido por "sonar poco country".

A través de Siman, Atkins entró en contacto con Steve Sholes, ejecutivo de la discográfica de música country RCA Víctor en Chicago. Sholes quedó muy impresionado por la guitarra de Chet y lo puso a trabajar de inmediato, y en 1947 grabó dos nuevos singles, "Canned Heat" y "Standing Room Only", que recibieron cierta atención. No obstante, sus discos no se vendían y en 1949 se unió a Mother Maybelle and The Carter Sisters.

Atkins, al mismo tiempo seguía grabando temas como "Money Marbles and Chalk", "Barber Shop Rag", "Telling My Troubles to My Old Guitar" y "Centipede Boogie" (1949); y "Main Street Breakdown", "Boogie Man Boogie", "One More Chance" y "Confusin" (1950).





Su presencia como artista en solitario siguió creciendo tras la publicación de dos álbumes en 1953, "Chet Atkins' Gallopin' Guitar" y "Stringin' Along With Chet Atkins", con temas como "Galloping On The Guitar", "Hangover Blues" o "Boogie Man Boogie", además de versiones de "The Third Man Theme", "St Louis Blues" y "Memphis Blues". Continuó tocando como músico de sesión para leyendas del country como Hank Williams, entre otros.

Sus acertados consejos y comentarios durante las grabaciones llevaron a que terminase ejerciendo de productor. En ese papel se especializó en grabaciones en las que prevalecían los arreglos de cuerda sobre los violines y steel guitars tradicionales, lo que acercó la música country a otras audiencias. Atkins poseía asimismo un extraordinario ojo para descubrir talentos, siendo descubridor de futuros artistas del country como Waylon Jennigs, Dolly Parton y Willie Nelson.

Su primer hit fue "Mr Sandman" (1954), una canción creada por Pat Ballard, donde demostró su talento interpretando melodías compuestas por otros, seguido de "Silver Bell" haciendo dúo con Hank Snow.





También comenzaron a aparecer sus primeras influencias musicales clásicas en el álbum "Three Dimensions" (1955), en el que además de versiones de canciones clásicas populares como "Blues In The Night" o "La Golondrina", Chet interpreta piezas de Chopin y Bach.

Chet tocó en la histórica canción de Elvis Presley, "Heartbreak Hotel" en su debut en RCA en 1956 y también son suyos los maravillosos trémolos de la guitarra en la canción de The Everly Brothers, "All I Have To Do Is Dream". Si una canción country había sido grabada en Nashville entre el periodo de mediados de los años 50 y mediados de los años 60, hay una buena probabilidad de que Chet Atkins tocara en ella o la produjera.

En 1957 Steve Sholes, gracias a su éxito con Elvis Presley, fue nombrado director de la producción pop de RCA. Este, a su vez, colocó a Chet Atkins al frente de su sucursal en Nashville. Aquí junto a Bob Henderson, Chet puso en práctica lo que ya estaba haciendo Owen Bradley en sus producciones: sustituir los violines y las steel guitars por coros o arreglos orquestales, afianzando el establecimiento del Nashville Sound.

Así, Atkins usó a los Jordanaires, un cuarteto vocal estadounidense, que se formó como un grupo de gospel en 1948.; y una sección de ritmo en éxitos como "Four Walls" y "He'll Have To Go" de Jim Reeves o "Blue Blue Day" y "Oh Lonesome Me" de Don Gibson. El raro fenómeno que suponía el que un tema de country apareciera en las listas pop, era cada vez más frecuente.

Chet también seguía grabando sus propios discos, generalmente versiones de pop y jazz. Grababa la sección rítmica en los estudios de RCA y luego, en casa, añadía las partes de solo de guitarra, repitiendolo las veces que fuera necesario hasta quedar satisfecho. Guitarristas de todos los estilos escuchaban con atención sus álbumes por sus innovadoras ideas musicales y en muchos casos ideas experimentales electrónicas.

Por este tiempo se le conoció como "Mister Guitar", lo que inspiró un álbum con el mismo nombre en 1959. En la grabación de "Mister Guitar" participó Bill Porter, el nuevo jefe de ingenieros de grabación de RCA, quien mejoró muchas de las instalaciones electrónicas del estudio y cambió el posicionamiento de los micros de forma que el sonido general se volvió más dinámico.

Tampoco los gustos musicales de Chet quedaron atrás y Atkins fue adaptándose a todos los nuevos estilos musicales. Cuando apareció su álbum "Chet Atkins Picks On The Beatles" en 1966, en la cubierta aparecían unas notas firmadas por George Harrison, uno de sus más fervientes fans, incluso hay una foto de Atkins llevando una "peluca Beatle" en la contraportada. Por estos años, Atkins ya había sido nombrado vicepresidente de RCA y tomó un riesgo considerable en plena época de lucha por los derechos sociales y disturbios raciales en Estados Unidos contratando al primer cantante country afroamericano, Charley Pride.

A lo largo de los años sesenta y setenta, fue nombrado "mejor guitarrista country del año" repetidas veces y fue merecedor de varios premios Grammy. Algunos de sus discos más populares los grabó junto a otras leyendas de la guitarra como Merle Travis en "The Atkins-Travis Travelin' Show" (1974) o con Les Paul en "Chester And Lester" (1976). Atkins explicaba lo que sentía con los dúos: "Tocar con otros guitarristas me inspira a tocar mejor de lo que lo haría normalmente, porque me vuelvo competitivo".

Aunque su leyenda estaba asegurada, los años ochenta trajeron cambios en la industria discográfica y en la música country. Atkins dejó RCA para firmar con Columbia y su música era más fácil de escuchar en las emisoras de new age, antes que en las de country. Dos colaboraciones con el guitarrista de rock Mark Knopfler le supusieron otros dos premios Grammy, "Cosmic Square Dance" (1985) y "Neck And Neck" (1990).

En los años noventa Atkins siguió grabando con guitarristas que habían aprendido escuchando sus discos. En los álbumes "Read My Licks" (1994) y "The Day Finger Pickers Took Over the World" (1997), Chet toca con guitarristas tan diversos como Knopfler, George Benson, Steve Wariner y el joven fenómeno australiano Tommy Emmanuel.

La cirugía que sufrió para extirpar un tumor cerebral benigno y un ligero ictus el año 1997, ralentizaron la producción de Chet, quien sin embargo permaneció activo. A pesar de ciertas limitaciones físicas practicaba diariamente y siguió trabajando en el estudio, y en 1998 produjo "Tribute To Tradition", una colección de canciones clásicas del country interpretadas por artistas contemporáneos del género como Dixie Chicks, Alison Kraus, Rick Trevino y Mary Chapin Carpenter, entre otros. Participó con su guitarra en uno de los temas, una versión de "Oh Lonesome Me", hit que fue nº1 en 1959 bajo su producción.

Atkins murió en su casa de Nashville en junio de 2001 a los 77 años, tras una larga enfermedad.

Sus amigos y fans siempre lo describen como un Chet amable, humilde y genuino - un verdadero "Country Gentleman".

El legado musical que dejó atrás es enorme. En su carrera como músico, Atkins vendió más de 75 millones de discos, y grabó más de 100 álbunes en solitario; ganó 14 Grammys y 9 premios a músico del año de la CMA (Country Music Association).

También participó en algunas de las composiciones más destacadas del siglo XX, como es el caso de la mencionada anteriormente "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley, además de contribuir notablemente a que se conozca a Nashville como la "Ciudad de la Música". Además, también fue una pieza fundamental en el éxito de los Everly Brothers, ya que grabó con ellos algunos de sus éxitos mas importantes como "Bye Bye Love", "Wake Up Little Susie" y "All I Have To Do Is Dream".

Chet Atkins fue la persona viva más joven en ingresar en al Country Music Hall Of Fame en 1973 y los estudios de Nashville que él contruyó, Studio B, fueron abiertos como museo. Además, desde 1997 está funcionando una fundación que lleva su nombre para ayudar a la educación musical de los más jóvenes en Nashville.

Su forma de tocar la guitarra influenció a algunos de los grandes del pop, desde Duanne Eddy, Jim Reeves y Eddie Cochrane a George Harrison, Paul McCartney y Mark Knopfler.

Las caracteristicas del estilo de Atkins provienen del ámbito que en gran medida él ayudo a crear: una pulcritud envidiable, melodías que se entrecruzan salpicadas de posiciones de acorde insospechadas, una fuerte dosis de imaginación y un sentimiento de sosiego general muy de la casa. Todos esos rasgos han servido como espejo para las nuevas generaciones de "fingerpickers", entre quienes es considerado unos de los puntales de la guitarra country. Imposible reunir en un espacio reducido todos los modelos de guitarra que ha tocado o bautizado, pues con él ha ido discurriendo la propia evolución de la guitarra.


Premios conseguidos

Country Music Association
1967 Instrumentista del Año
1968 Instrumentista del Año
1969 Instrumentista del Año
1981 Instrumentista del Año
1982 Instrumentista del Año
1983 Instrumentista del Año
1984 Instrumentista del Año
1985 Instrumentista del Año
1988 Instrumentista del Año

Country Music Hall de la Fama y Museo
Introducido en 1973

Premios Grammy
1971 Mejor Interpretación Instrumental Country con Jerry Reed - "Me and Jerry"
1972 Mejor Interpretación Instrumental Country - "Snowbird"
1975 Mejor Interpretación Instrumental Country con Merle Travis - "The Atkins-Travis Traveling Show"
1976 Mejor Interpretación Instrumental Country - "The Entertainer"
1977 Mejor Interpretación Instrumental Country con Les Paul - "Chester and Lester"
1982 Mejor Interpretación Instrumental Country - "Country After All These Years"
1986 Mejor Interpretación Instrumental Country con Mark Knopfler - "Cosmic Square Dance"
1991 Mejor Interpretación Instrumental Country con Mark Knopfler - "So Soft, Your Goodbye"
1991 Mejor Colaboración Vocal Country con Mark Knopfler - "Poor Boy Blues"
1993 Mejor Interpretación Instrumental Country con Jerry Reed - "Sneakin 'Around"
1993 Grammy Lifetime Achievement Award '
1994 Mejor Interpretación Instrumental Country con Asleep & The Wheel, E. Shamblin, J. Gimble, M. Stuart, Reuben Gosfield y Vince Gill - "Red Wing"
1995 Mejor Interpretación Instrumental Country - "Young Thing"
1997 Mejor Interpretación Instrumental Country - "Jam Man"

Rock and Roll Hall of Fame
Introducido en 2002



Discografía

Chet Atkins' Gallopin' Guitar (1952)
Stringin' Along With Chet Atkins (1953)
A Session with Chet Atkins (1954)
Chet Atkins in Three Dimensions (1955)
Finger Style Guitar (1956)
Chet Atkins at Home (1957)
Hi Fi in Focus (1957)
Chet Atkins in Hollywood (1959)
Hum & Strum Along with Chet Atkins (1959)
Mister Guitar (1959)
After the Riot at Newport (1960)
Teensville (1960)
The Other Chet Atkins (1960)
Chet Atkins' Workshop (1961)
The Most Popular Guitar (1961)
Christmas with Chet Atkins (1961)
Chet Atkins Plays Back Home Hymns (1962)
Caribbean Guitar (1962)
Down Home (1962)
Our Man in Nashville (1963)
Teen Scene 1963)
Travelin' (1963)
Guitar Country (1964)
Progressive Pickin' (1964)
My Favorite Guitars (1965)
More of That Guitar Country (1965)
Chet Atkins Picks on The Beatles (1966)
From Nashville With Love (1966)
Music From Nashville, My Home Town (1966)
It's a Guitar World (1967)
Picks the Best (1967)
Class Guitar (1967)
Hometown Guitar (1968)
Solid Gold (1968)
Solo Flights (1968)
Lover's Guitar (1969)
Solid Gold 69 (1969)
Yestergroovin' (1970)
Solid Gold 70 (1970)
Pickin' My Way (1970)
1971 For the Good Times (1971)
Picks on the Hits (1972)
Alone (1973)
Chet Atkins Picks on Jerry Reed (1974)
The Night Atlanta Burned (1975)
Chet Atkins Goes to the Movies (1975)
Teen Scene (1975)
Me and My Guitar (1977)
Country After All These Years (1981)
Work It out with Chet Atkins C.G.P. (1983)
East Tennessee Christmas (1983)
Stay Tuned (1985)
Peaked at #12 on Top Jazz Albums (1985)
Street Dreams (1986)
Sails (1987)
Chet Atkins, C.G.P. (1988)
Read My Licks (1994)
Almost Alone (1996)
Solo Sessions (2003)



Fuentes: guitarraonline.com.ar, zm.nu, Flickr, efemeridesdelamusica.blogspot.com.es, lasnoticiasmexico.com, mooib.com y Wikipedia
Última edición por Presidemente el Vie Oct 18, 2013 10:34 pm, editado 1 vez en total.
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)

Socio 104
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