El trabajo de guitarra de Harrison con los Beatles fue variado y flexible. Aunque no era rápido ni llamativo, su forma de tocar la guitarra solista era sólida y tipificaba el estilo más moderado de guitarra solista de principios de los años 60.
Su forma de tocar la guitarra rítmica fue innovadora, por ejemplo cuando usó una cejilla para acortar las cuerdas de una guitarra acústica, como en el álbum “Rubber Soul” (1965) y en "Here Comes the Sun", para crear un sonido brillante y dulce.
Eric Clapton sintió que Harrison era "claramente un innovador", ya que estaba "tomando ciertos elementos de R&B, rock y rockabilly y creando algo único".
El fundador de Rolling Stone, Jann Wenner, describió a Harrison como "un guitarrista que nunca fue llamativo pero que tenía un sentido melódico innato y elocuente. Tocó exquisitamente al servicio de la canción".
El estilo de tocar la guitarra de Chet Atkins y Carl Perkins influyó en Harrison, dando una sensación de música country a muchas de las grabaciones de los Beatles. Identificó a Chuck Berry como otra influencia temprana.
En 1961, los Beatles grabaron "Cry for a Shadow", un instrumental inspirado en el blues coescrito por Lennon y Harrison, a quienes se le atribuye la composición de la parte de guitarra principal de la canción, basándose en voces de acordes inusuales e imitando el estilo de otros grupos ingleses.
El uso liberal que hace Harrison de la escala diatónica en su forma de tocar la guitarra revela la influencia de Buddy Holly, y su interés en Berry lo inspiró a componer canciones basadas en la escala de blues incorporando un sentimiento rockabilly al estilo de Perkins.
Otra de las técnicas musicales de Harrison fue el uso de líneas de guitarra escritas en octavas, como en "I'll Be on My Way".
En 1964, había comenzado a desarrollar un estilo personal distintivo como guitarrista, escribiendo partes que presentaban el uso de tonos que no se resolvían, como los arpegios de acordes finales en "A Hard Day's Night". En esta y otras canciones de la época, utilizó una Rickenbacker 360/12, una guitarra eléctrica con doce cuerdas, las ocho graves están afinadas en pares, con una octava de diferencia, y las cuatro superiores están afinadas en pares al unísono.
Su uso de la Rickenbacker en “A Hard Day's Night” ayudó a popularizar el modelo, y el sonido tintineante se volvió tan prominente que Melody Maker lo denominó el "arma secreta" de los Beatles.
En 1965, Harrison usó un pedal de expresión para controlar el volumen de su guitarra en "I Need You", creando un efecto de flauta sincopado con la melodía resolviendo su disonancia a través de desplazamientos tonales.
Usó la misma técnica de aumento de volumen en "Yes It Is", aplicando lo que Everett describió como "articulación fantasmal" a los armónicos naturales de la canción.
En 1966, Harrison aportó ideas musicales innovadoras a “Revolver”. Tocó la guitarra al revés en la composición de Lennon "I'm Only Sleeping" y una contramelodía de guitarra en "And Your Bird Can Sing” que se movía en octavas paralelas por encima de los tiempos fuertes del bajo de McCartney.
Su forma de tocar la guitarra en "I Want to Tell You" ejemplificó la combinación de colores de acordes alterados con líneas cromáticas descendentes y su parte de guitarra para "Lucy in the Sky with Diamonds" de “Sgt Pepper” refleja la línea vocal de Lennon de la misma forma en que un intérprete de sarangi acompaña a un cantante de khyal en una canción devocional hindú .
Everett describió el solo de guitarra de Harrison de "Old Brown Shoe" como "punzante y muy claptonesco". Identificó dos de los motivos importantes de la composición : un tricordio de blues y una tríada disminuida con raíces en A y E.
Huntley llamó a la canción "un tema rockero candente con un feroz... solo". En opinión de Greene, la demostración de Harrison de "Old Brown Shoe" contiene "uno de los solos de guitarra solista más complejos de cualquier canción de los Beatles".
La actuación de Harrison en “Abbey Road”, y en particular en "Something", marcó un momento significativo en su desarrollo como guitarrista. El solo de guitarra de la canción muestra una variada gama de influencias, incorporando el estilo de guitarra de blues de Clapton y los estilos de las gamakas indias.
Según el autor y musicólogo Kenneth Womack : "Something serpentea hacia el más inolvidable de los solos de guitarra de Harrison... Una obra maestra en simplicidad, llega hasta lo sublime".
Después de que Delaney Bramlett lo inspirara a aprender a tocar la guitarra slide, Harrison comenzó a incorporarla en su trabajo solista, lo que le permitió imitar muchos instrumentos tradicionales indios, incluidos el sarangi y la dilruba.
Leng describió el solo de guitarra slide de Harrison en "How Do You Sleep?" como un punto de partida para "el dulce solista de Something", calificando su forma de tocar como "una de las mayores declaraciones de guitarra de Harrison". Lennon comentó: "Eso es lo mejor que ha tocado en su vida".
Una influencia hawaiana es notable en gran parte de la música de Harrison, desde su trabajo con guitarra slide en “Gone Troppo” (1982) hasta su interpretación televisada del estándar de Cab Calloway "Between the Devil and the Deep Blue Sea" con ukelele en 1992.
Lavezzoli describió el slide de Harrison en el instrumental ganador del Grammy "Marwa Blues" (2002) como una demostración de influencias hawaianas mientras comparaba la melodía con un sarod o veena indio, calificándolo como "otra demostración más del enfoque de slide único de Harrison".
Harrison era un admirador de George Formby y miembro de la Sociedad de Ukelele de Gran Bretaña, y tocó un solo de ukelele al estilo de Formby al final de "Free as a Bird".
Actuó en una convención de Formby en 1991 y se desempeñó como presidente honorario de la George Formby Appreciation Society.
Harrison tocó el bajo en algunas pistas, incluidas las canciones de los Beatles "She Said She Said", "Golden Slumbers", "Birthday" y "Honey Pie". También tocó el bajo en varias grabaciones en solitario, incluidas "Faster", "Wake Up My Love" y "Bye Bye Love".
Guitarras
Cuando Harrison se unió a los Quarrymen en 1958, su guitarra principal era una Höfner President Acoustic, que pronto cambió por una Höfner Club 40.
Su primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido fue una Jolana Futurama/Grazioso de fabricación checa.
Las guitarras que utilizó en las primeras grabaciones eran principalmente modelos Gretsch, tocadas a través de un amplificador Vox, incluida una Gretsch Duo Jet que compró de segunda mano en 1961 y con la que posó en la portada del álbum “Cloud Nine” (1987).
También compró una Gretsch Tennessean y una Gretsch Country Gentleman, que tocó en "She Loves You" y durante la aparición de los Beatles en 1964 en The Ed Sullivan Show.
En 1963, compró una Rickenbacker 425 Fireglo, y en 1964 adquirió una Rickenbacker 360/12, que fue la segunda de su tipo que se fabricó.
Harrison obtuvo su primera Fender Stratocaster en 1965 y la usó por primera vez durante la grabación de álbum “Help!” ese febrero; también la usó al grabar “Rubber Soul” ese mismo año, sobre todo en la canción "Nowhere Man".
A principios de 1966, Harrison y Lennon compraron cada uno Epiphone Casino, que utilizaron en “Revolver”. Harrison también usó una Gibson J-160E y una Gibson SG Standard mientras grababa el álbum.
Más tarde pintó su Stratocaster con un diseño psicodélico que incluía la palabra "Bebopalula" sobre el golpeador y el apodo de la guitarra, "Rocky", en el clavijero. Tocó esta guitarra en la película “Magical Mystery Tour” (1967) y durante toda su carrera en solitario.
En julio de 1968, Clapton le regaló una Gibson Les Paul que había sido despojada de su acabado original y teñida de rojo cereza, a la que Harrison apodó "Lucy”.
Por esta época, obtuvo una guitarra acústica Gibson Jumbo J-200, que posteriormente le dio a Dylan para que la usara en el Festival de la Isla de Wight de 1969.
A finales de 1968, Fender Musical Instruments Corporation le dio a Harrison un prototipo de Fender Telecaster Rosewood hecho a medida, hecho especialmente para él por Philip Kubicki.
En agosto de 2017, Fender lanzó una edición limitada George Harrison Rosewood Telecaster inspirada en una Telecaster que Roger Rossmeisl creó originalmente para Harrison.
Nota de Presidemente: Os dejo dos videos muy interesantes del canal de Youtube, Rock de Notas, donde dan un repaso a las guitarras que ha usado George Harrison con los Beatles
Reconocimiento
En junio de 1965, Harrison y los demás Beatles fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Recibieron sus insignias de manos de la Reina en una investidura en el Palacio de Buckingham el 26 de octubre.
En 1971, los Beatles recibieron un Premio de la Academia a la mejor banda sonora original por la película “Let It Be”.
El planeta menor 4149 Harrison, descubierto en 1984, lleva su nombre, al igual que una variedad de flor de dalia.
En diciembre de 1992, se convirtió en el primer ganador del premio Billboard Century, un honor otorgado a artistas musicales por trabajos importantes. El premio reconoció el "papel fundamental de Harrison en sentar las bases para el concepto moderno de la música mundial" y por haber "avanzado la comprensión de la sociedad sobre el poder espiritual y altruista de la música popular".
La revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 11 en su lista de los "100 mejores guitarristas de todos los tiempos".
También ocupa el puesto 65 en la lista de los "100 mejores compositores de todos los tiempos" de la misma revista.
El legado musical y la vida de George Harrison fueron el tema principal de la revista Time en su publicación del 10 de diciembre de 2001, marcando la primera portada dedicada a una persona o a un tema en especial tras los atentados del 11-S.
En 2002, en el primer aniversario de su muerte, se celebró el Concierto para George en el Royal Albert Hall. El evento fue organizado por su viuda, Olivia, y su hijo Dhani Harrison, mientras que la dirección musical recayó en manos de Eric Clapton.
El concierto comenzó con una sección de música india encabezada por Anoushka Shankar, hija de Ravi Shankar, al interpretar "Your Eyes".
Posteriormente, Anoushka y Jeff Lynne interpretaron "The Inner Light" para dejar paso a la composición de Ravi Shankar "Arpan" (que se puede traducir por "dar" y que según el músico indio definía el espíritu de Harrison), especialmente escrita para la ocasión.
Tras la sección de música india, tuvo lugar un interludio protagonizado por miembros de Monty Python, entre los que figuraban Michael Palin, Eric Idle, Terry Jones y Terry Gilliam, junto a Tom Hanks, cantando "Sit On My Face" y "The Lumberjack Song".
El resto del evento incluyó las composiciones de George Harrison interpretadas por artistas invitados, entre los que figuraban Paul McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Jeff Lynne, Tom Petty and the Heartbreakers, Billy Preston, Jools Holland, Albert Lee, Sam Brown, Gary Brooker, Joe Brown, Ray Cooper, Marc Mann, el hijo de Harrison Dhani así como muchos más que participaron en las grabaciones de los álbumes de Harrison a lo largo de los años. Nota de Presidemente: Os recomiendo ver el concierto entero, está en Youtube, menuda pedazo de banda que se juntó.
Las canciones interpretadas en el concierto proceden tanto de su etapa con The Beatles como de su carrera musical en solitario, generalmente respetando los arreglos originales de las canciones.
Algunos éxitos del concierto incluyen la versión de "Isn't It A Pity" interpretada por Clapton y Preston, "Photograph", cantada por Ringo, "Something", interpretada por McCartney con el ukelele al comienzo, y la reunión de McCartney, Starr y Clapton por primera vez desde su grabación en "While My Guitar Gently Weeps". Nota de Presidemente: El video de "While My Guitar Gently Weeps" de otro concierto homenaje a Harrison ya está en el post del nº 33, Prince.
Las ganancias del concierto se destinaron a la organización benéfica de que Harrison fundó en 1973, la Material World Charitable Foundation.
En 2004, Harrison fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama del Rock and Roll como solista por sus ex compañeros de banda Lynne y Petty, y en el Paseo de la Fama del Madison Square Garden en 2006.
El 14 de abril de 2009, la Cámara de Comercio de Hollywood otorgó a Harrison una estrella en el Paseo de la Fama frente al edificio Capitol Records. McCartney, Lynne y Petty estuvieron presentes cuando se dio a conocer la estrella.
La viuda de Harrison, Olivia, el actor Tom Hanks e Idle pronunciaron discursos en la ceremonia, y el hijo de Harrison, Dhani, pronunció el mantra Hare Krishna. Tras la ceremonia, EMI Records anunció la publicación de “Let It Roll: Songs by George Harrison”, un álbum recopilatorio de la carrera musical de Harrison.
En octubre de 2011 se estrenó una película documental titulada “George Harrison: Living in the Material World”, dirigida por Martin Scorsese. La película presenta entrevistas con Olivia y Dhani Harrison, Klaus Voormann, Terry Gilliam, Starr, Clapton, McCartney, Keltner y Astrid Kirchherr.
Harrison fue honrado póstumamente con el premio Grammy Lifetime Achievement Award de la Academia de la Grabación en los premios Grammy en febrero de 2015.
Un marcador de la Sociedad Histórica del Estado de Illinois en Benton, Illinois , conmemora la visita de Harrison a la ciudad en 1963 para ver a su hermana, lo que lo convirtió en el primer Beatle en visitar los Estados Unidos.
En 2016 se publicó “George Fest (A Night to Celebrate the Music of George Harrison)”, un álbum de versiones en directo grabadas en 2014 durante el concierto tributo organizado en el Fonda Theatre de Los Ángeles. El álbum contó con la participación de artistas como Brian Wilson, Al Jardine, Conan O'Brien o Dhani Harrison, hijo del músico.
En 2017, se inauguró una instalación mural en la ciudad de Harrison pintada por el artista John Cerney.
Se pueden encontrar estatuas de Harrison en todo el mundo, incluidas varias en su Liverpool natal y un busto en el jardín de esculturas Shadhinotar Shagram Triangle en Dhaka, Bangladesh, que conmemora las contribuciones de Harrison a la cultura bangladesí.
Discografía
Con The Beatles
Please Please Me (1963)
With The Beatles (1963)
A Hard Day´S Night (1964)
Beatles For Sale (1964)
Help (1965)
Rubber Soul (1965)
Revolver (1966)
White Album 2 (1966)
Magical Mistery Tour (1967)
Sgt. Pepper Lonely Heart's Club Band (1967)
Abbey Road (1969)
Yellow Submarine (1969)
Let It Be (1970)
1 (2000)
Let It Be... Naked (2003)
Love (2006)
En solitario
Wonderwall Music (1968)
Electronic Sound (1969)
All Things Must Pass (1970)
Living in the Material World (1973)
Dark Horse (1974)
Extra Texture (Read All About It) (1975)
Thirty Three & 1/3 (1976)
George Harrison (1979)
Somewhere in England (1981)
Gone Troppo (1982)
Cloud Nine (1987)
Brainwashed (2002)
Fuentes: multisononline.com, lahiguera.net, last.fm, biografiasyvidas.com, radionica.rocks, bentonil.com, Wikipedia y Flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Peter Dennis Blandford "Pete" Townshend es un guitarrista, productor musical, cantante, multiinstrumentista y compositor británico de rock.
Es cofundador, guitarrista, segundo vocalista y compositor principales de The Who, una de las bandas de rock más influyentes de las décadas de 1960 y 1970.
Según declaró Eddie Vedder, líder de Pearl Jam: "The Who es posiblemente el mejor grupo en directo".
Su estilo de interpretación agresivo y sus técnicas de composición poética, con The Who y en otros proyectos, le han valido elogios de la crítica.
Dentro de The Who, Townshend es el principal compositor y ha escrito más de cien canciones para un total de once discos de estudio del grupo, en su mayoría álbumes conceptuales y óperas rock como "Tommy" (1969), "Quadrophenia" (1973) y "Endless Wire" (2006).
Tras la primera disolución del grupo en 1983, publicó trabajos conceptuales en solitario como "Empty Glass" (1980), "White City: A Novel" (1986), "The Iron Man: The Musical by Pete Townshend" (1989) y "Psychoderelict" (1993), y emprendió otras actividades extramusicales como editor de Faber & Faber.
Aunque es conocido principalmente como guitarrista, Townshend también toca teclados, banjo, acordeón, armónica, ukelele, mandolina, violín, sintetizador, bajo y batería.
Es autodidacta en todos estos instrumentos y toca en sus propios álbumes en solitario, en varios álbumes de The Who y como colaborador invitado en una serie de grabaciones de otros artistas.
Townshend también ha contribuido y es autor de numerosos artículos de periódicos y revistas, reseñas de libros, ensayos, libros y guiones, y ha colaborado como letrista y compositor para muchos otros actos musicales.
Pete Townshend nació el 19 de mayo de 1945 en Chiswick, al oeste de Londres, en el Hospital Chiswick, en el seno de una familia dedicada a la música.
Su padre, Cliff Townshend, tocaba el saxofón alto con la banda de baile de la RAF The Squadronaires, y su madre Betty Dennis cantaba profesionalmente en las orquestas Sidney Torch y Les Douglass.
Los Townshend tuvieron un matrimonio volátil. Ambos bebían mucho y tenían un temperamento feroz. Cliff Townshend estaba a menudo lejos de su familia de gira con su banda mientras Betty tenía aventuras con otros hombres.
Los dos se separaron cuando Townshend era pequeño y lo enviaron a vivir con su abuela materna Emma Dennis, a quien Pete describió más tarde como "clínicamente loca".
"A los cinco años mis padres me abandonaron con mi abuela, una enferma que abusó de mí y permitió que viese escenas sexuales perjudiciales para mi edad y me dejó con personas pervertidas que me hirieron para el resto de mi vida. Me ha costado mucho sobreponerme a estos traumas, es una lucha permanente"
La separación de dos años terminó cuando Cliff y Betty compraron juntos una casa en Woodgrange Avenue, y el joven Pete se reunió felizmente con sus padres.
Su vecindario era un tercio polaco, y una devota familia judía en el piso de arriba compartía su vivienda con ellos y cocinaba con ellos; muchos de los amigos más cercanos de su padre eran judíos.
Townshend dice que no tuvo muchos amigos cuando era niño, por lo que pasó gran parte de su niñez leyendo novelas de aventuras como "Los viajes de Gulliver" y "La isla del tesoro".
Disfrutaba de las frecuentes excursiones de su familia a la costa y a la Isla de Man. Fue en uno de estos viajes en el verano de 1956 que vio repetidamente la película “Rock Around the Clock”, lo que despertó su fascinación por el rock and roll estadounidense.
Poco después, fue a ver a Bill Haley actuar en Londres, el primer concierto de Townshend. En ese momento, no se veía a sí mismo siguiendo una carrera como músico profesional; en cambio, quería convertirse en periodista.
Al aprobar el examen de once años o más, Townshend se matriculó en la escuela secundaria del condado de Acton. En el condado de Acton, fue acosado con frecuencia porque tenía una nariz grande, una experiencia que lo afectó profundamente.
Con doce años, su abuela le regaló su primera guitarra, que el propio Townshend describió como una "cosa barata española".
Aunque su padre le enseñó un par de acordes, fue en gran medida autodidacta en el instrumento y nunca aprendió a leer música.
Las primeras influencias musicales incluyeron a Link Wray, John Lee Hooker, Bo Diddley y Hank Marvin. Según Pete: “Luego escuché rhythm and blues y estaba todo perdido. El primer disco que recuerdo era “Green Onions” de Booker T. Nunca escuché mucho a Muddy Waters o gente así. Fue Steve Crooper quien me convenció de tocar la guitarra”.
Al carecer de las calificaciones necesarias para asistir a la universidad, Pete se enfrentó a la decisión de ir a la escuela de arte, a la escuela de música o conseguir un trabajo.
Finalmente eligió estudiar diseño gráfico en Ealing Art College, matriculándose en 1961. En Ealing, Townshend estudió junto al futuro guitarrista de los Rolling Stones, Ronnie Wood.
Después de haber tocado brevemente la guitarra, el primer instrumento real de Pete fue el banjo, que tocaba en un grupo de jazz tradicional del colegio llamado The Confederates, donde interpretaban música dixieland con Townshend al banjo y con John Entiwstle tocando la trompa.
Poco después, cuando John empezó a tocar el bajo, los dos amigos se unieron a otra banda de escolares, The Scorpions, con Pete a la guitarra.
Tocaron en el Congo Club, un club juvenil dirigido por la Iglesia Congregacional Acton, y versionaron a Acker Bilk, Kenny Ball y Lonnie Donegan. Sin embargo, ambos se vieron influenciados por la creciente popularidad del rock 'n' roll.
Pete y John asistieron a la escuela secundaria del condado de Acton, donde otro alumno, un poco mayor, Roger Daltrey, tenía una banda de skiffle y rock and roll llamada The Detours.
Roger invitó a John a unirse y unos seis meses después, el núcleo de The Who ya estaba formado cuando John convenció a Roger de que Pete debería unirse también.
La primera guitarra eléctrica de Townshend fue una Harmony Stratocruiser de una sola pastilla, pero cuando entró en The Detours, Daltrey le vendió una Epiphone maciza “con facilidades de pago”.
En los primeros días de The Detours, el repertorio de la banda consistía en instrumentales de The Shadows y The Ventures, así como versiones de pop y jazz tradicional.
Su formación se fusionó en torno a Roger Daltrey a la guitarra rítmica, Townshend a la guitarra principal, Entwistle al bajo, Doug Sandom a la batería y Colin Dawson como vocalista. Daltrey era considerado el líder del grupo y, según Townshend, "dirigía las cosas como él quería".
Dawson renunció en 1962 después de discutir demasiado con Daltrey, quien posteriormente pasó a ser vocalista principal y fue reemplazado por Keith Moon. Como resultado, Townshend, con el apoyo de Entwistle, se convirtió en el único guitarrista.
A través de la madre de Townshend, el grupo obtuvo un contrato de gestión con el promotor local Robert Druce, quien comenzó a contratar a la banda como telonera de bandas como Screaming Lord Sutch, Cliff Bennett and the Rebel Rousers, Shane Fenton and the Fentones, y Johnny Kidd and the Piratas.
En 1963, el padre de Townshend organizó una grabación amateur de "It Was You", la primera canción que escribió su hijo.
The Detours se enteraron de la existencia de un grupo del mismo nombre en febrero de 1964, lo que los obligó a cambiar su nombre. Al compañero de cuarto de Townshend, Richard Barnes, se le ocurrió The Who, y Daltrey decidió que era la mejor opción.
El grupo, compuesto por Townshend, Daltrey, Entwistle y Moon, se adaptó a la cultura mod por sugerencia del publicista Peter Meaden, quien también les convenció para cambiar de nombre y adoptar el de The High Numbers.
Bajo el nuevo nombre, el grupo grabó dos canciones, "I'm the Face" y "Zoot Suit", con tan escaso éxito que echaron a Meaden y firmaron con dos nuevos managers, Chris Stamp y Kit Lambert, quienes se habían unido con la intención de encontrar nuevos talentos y crear un documental sobre ellos.
La banda se angustiaba por un nombre que todos sentían que representaba mejor a la banda, y abandonó el nombre de High Numbers, volviendo a The Who.
Ellos aceptaron la imagen mod hasta cierto punto, combinándola con llamativos diseños “Op art”. Su música fuerte y de alta energía, muy influida por el R&B americano, reflejaba la frustración juvenil de su generación. Cuando cambió su nombre por el de The Who, la banda se había erigido en representante del movimiento mod.
Bajo el nuevo nombre de The Who, Pete pronto se encontró a la vanguardia del boom musical británico de los años sesenta.
El formato básico de guitarra, bajo y batería, sin demasiados solos, permitía a John Entwistle y Keith Moon mucha más libertad que la que habrían tenido con las restricciones de una sección rítmica convencional.
Como guitarrista y compositor de la banda, se convirtió en la fuerza impulsora detrás de uno de los trabajos más poderosos, inventivos y articulados del rock.
Con la ayuda de Lambert, The Who llamó la atención del productor discográfico estadounidense Shel Talmy, quien hizo que la banda firmara un contrato discográfico.
Townshend escribió una canción, "I Can't Explain", como un sonido similar deliberado de The Kinks, otro grupo producido por Talmy. Lanzado como sencillo en enero de 1965, fue el primer éxito de The Who, alcanzando el número ocho en las listas británicas.
Un sencillo de seguimiento "Anyway, Anyhow, Anywhere", acreditado tanto a Townshend como a Daltrey, también alcanzó el top 10 en el Reino Unido.
Sin embargo, fue el lanzamiento del tercer sencillo, "My Generation", lo que según el biógrafo de The Who, Mark Wilkerson, "consolidó su reputación como una banda dura que reflejaba los sentimientos de miles de personas enojadas fuera de los adolescentes en ese momento".
El sencillo escrito por Townshend alcanzó el número dos en las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el mayor éxito de The Who. La canción y su famosa frase "espero morir antes de envejecer" trataba "en gran medida de tratar de encontrar un lugar en la sociedad", afirmó Townshend en una entrevista con David Fricke.
Sus primeros éxitos tenían todos un estilo rudo y sin concesiones que contrastaba con el de otras bandas de la época pero que facilitaron la consolidación del grupo como un referente musical de la década de 1960 en el Reino Unido.
The Who fueron una de las primeras bandas que se situaron a caballo entre el pop y el rock duro, y se convirtieron en uno de los grupos más admirados e imitados de los sesenta.
Townshend canalizó su expresión personal a través del sonido general del grupo, de las canciones que escribía, de su guitarra rítmica y de su número visual en escena.
Esto le distinguía de sus contemporáneos. Jeff Beck y Eric Clapton, por ejemplo, eran guitarristas solistas, pero Townshend no. Frustrado porque no podía conseguir la clase de sonidos que sacaban Clapton y Beck, descubrió su propia solución.
Pete pasó toda la década de los sesenta y gran parte de los setenta concentrando sus energías creativas en The Who. En concierto fue reconocido como el guitarrista más visual de su generación y de las futuras, corriendo por el escenario, saltando en el aire y haciendo girar su brazo sobre las cuerdas en su estilo característico de "molino de viento".
Curiosamente, la inspiración para tan emblemático movimiento, consistente en balancear con violencia su brazo antes de rasguear las cuerdas con toda su energía, la tomó de los Rolling Stones.
Más concretamente de Keith Richards. En cierta ocasión de los inicios de The Who, Pete fue invitado a ver un concierto de sus satánicas majestades en Inglaterra entre bastidores. Ahí, desde uno de los costados, vio cómo Keith estiraba su brazo derecho en círculo e incluso tocaba un par de notas de esa manera.
Aquello le llamó poderosamente la atención, pero cuando unas semanas más tarde le preguntó al guitarrista de los Stones cómo lo hacía, este no entendía de qué le estaba hablando. Pete continuó: "Sí, ya sabes, ese movimiento tan genial que haces, como un molinillo", lo que colmó la paciencia del pirata del rock, que le espetó algo así como "soy Keith Richards, ¿de verdad crees que voy a hacer ballet?".
Desarrolló un estilo de guitarra único, un cruce entre ritmo y solista que variaba desde patrones de acordes furiosamente rasgueados y acordes potentes crujientes hasta escalas cromáticas y delicados toques con los dedos.
Para entonces, Townshend, inventor del “acorde de potencia” (o power chord) y pionero del uso del acople controlado, había desarrollado un estilo único de tocar. En escena lo combinaba con acrobacias, creando una sólida y potente base para el resto de la banda.
También fue uno de los primeros músicos conocidos por destruir instrumentos durante los conciertos, a menudo lanzando los fragmentos rotos de la guitarra contra los amplificadores.
La primera vez que rompió una guitarra tuvo lugar en junio de 1964, durante una actuación en Railway Tavern, Townshend rompió accidentalmente la parte superior de su guitarra al lanzarla accidentalmente contra el techo.
Cuando el público empezó a reírse, Townshend hizo pedazos el resto de la guitarra, cogió una de doce cuerdas y acabó con ella el concierto, como si nada hubiera sucedido. A la noche siguiente, el club estaba abarrotado. Desde entonces, la destrucción ritual del equipo se convirtió en una parte habitual durante los conciertos de The Who, en los que Keith Moon también solía destrozar su batería introduciendo pirotecnia en el bombo.
Townshend relacionó su actitud con las teorías del artista Gustav Metzger sobre el arte autodestructivo, que estudió en la escuela de arte, si bien en otra ocasión admitió que era un simple truco para dar personalidad al grupo y darle la publicidad que necesitaban para ser conocidos.
The Who comenzó su primera gira por Estados Unidos el 22 de marzo de 1967, y sus actuaciones, que incluían la destrucción de sus instrumentos, les permitieron obtener un gran número de seguidores en ese país.
Townshend empezó a destrozar las suites de su hotel, aunque no tanto como su compañero de banda Moon. También comenzó a experimentar con LSD, aunque dejó de tomar la droga después de recibir un potente golpe después del Festival Pop de Monterey el 18 de junio.
Su presentación en el festival, junto con el debut televisivo de la banda en tierras estadounidenses en el programa Smothers Brothers Comedy Hour, ayudaron al grupo a ganar un gran nivel de popularidad. En este último, la banda interpretó "My Generation", en donde Moon, cargó su bombo con explosivos que detonó al final de la canción.
La explosión, que causó que el pelo de Townshend comenzara a incendiarse, contribuyó a que el guitarrista padeciera de sordera parcial (lo que posteriormente se transformó en tinnitus) y que uno de los platillos de Moon le cortara el brazo. El canal de televisión VH1, colocó esta presentación en el número diez de su lista de los "Grandes Momentos del Rock and Roll en Televisión".
Durante ese verano, salieron de gira como teloneros de Herman's Hermits. En ese período se produjo un famoso incidente en el Holiday Inn de Flint, Míchigan, durante el cumpleaños de Keith Moon, lo que consolidó su reputación autodestructiva.
Moon detonó un cartucho de dinamita en el baño y posteriormente, se tiró montado en un Cadillac a la piscina del hotel. Si bien, el administrador toleraba los actos desenfrenados de la banda, siempre y cuando se le pagaran los daños, tras este incidente, The Who tuvieron prohibida la entrada en todos los hoteles Holiday Inn de por vida.
En 1968 la banda publicó "Magic Bus", uno de sus sencillos más importantes, convirtiéndose pieza fija en los conciertos del grupo por aquella época. Townshend, que había dejado las drogas y había comenzado a buscar un lado más espiritual en su vida, empezó a planificar su siguiente álbum.
El manager Kit Lambert persuadió a Townshend de que escribiera una pieza larga “para llenar espacio” cuando se quedaron cortos en diez minutos de material para su segundo álbum.
Aún convencido de que una canción pop no podía durar más de tres minutos, Townshend no supo que hacer. Entonces Lambert le sugirió que enlazara varias canciones cortas con un motivo general.
El resultado fue “Rael 1 & 2″, que apareció en su álbum “The Who Sell Out”, lanzado en diciembre. Un álbum conceptual pionero ideado por Townshend que criticaba el excesivo comercialismo y basado en la radio pirata, que había sido fundamental para aumentar la popularidad de The Who.
Incluía varios jingles humorísticos y anuncios simulados entre canciones, y el mayor sencillo de The Who en Estados Unidos, "I Can See for Miles". A pesar del éxito de "I Can See for Miles", que alcanzó el puesto número 9 en las listas estadounidenses, Townshend se sorprendió de que no fuera un éxito aún mayor, ya que la consideraba la mejor canción que había escrito hasta ese momento.
En 1968, Townshend se interesó en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú autoproclamado Avatar que enlazaba elementos de las escuelas vedanta y mística.
La influencia de Baba permitió a Townshend componer "Tommy", su primera ópera rock completa y uno de los trabajos mejor valorados del grupo por la prensa musical.
Tommy fue lanzado como álbum doble, destacando por poseer temáticas que se repetían a lo largo del disco, que le daban una unidad de sonido, que al mismo tiempo ayudaba a seguir la historia.
Este relata la vida de Tommy, un niño que presencia el asesinato de su padre (al que creían muerto en la II Guerra Mundial) por parte del amante de su madre. Estos lo obligan a borrar de su cabeza el incidente, cayendo en un estado de autismo, quedando sordo, ciego y mudo. Creció viajando a través de sus sueños y fantasías, desarrollando una habilidad increíble en el pinball,pero sin poder volver a la normalidad.
Cuando su madre decide romper el espejo en donde Tommy pasaba sus días observándose, este recupera las facultades perdidas, siendo todo un acontecimiento en la ciudad. Este milagro lo catapulta al nivel de mesías, organizando un campamento junto con sus seguidores, que posteriormente lo abandonarían por sus planteamientos un tanto demagogos y autoritarios.
El álbum explora temas que Townshend consideraba de actualidad a finales de la década de 1960, como la cultura de las drogas, la sexualidad y la naturaleza efímera de atención pública.
El álbum, que alcanzó el puesto dos en la lista de discos más vendidos del Reino Unido y el cuatro en la lista estadounidense Billboard 200, fue sujeto de varias adaptaciones orquestales, cinematográficas y musicales y lanzó a The Who al estrellato, originando efectivamente el concepto de ópera rock y llevando la música de la banda a una audiencia más amplia.
El primer sencillo del disco fue "Pinball Wizard", que alcanzó el Top 5 en las listas musicales inglesas. Fueron sencillos además "I'm Free" y "See Me, Feel Me", este último lanzado para capitalizar la aparición en el documental "Woodstock: 3 Days of Peace & Music".
En apoyo de "Tommy", The Who se lanzó a una gira que incluyó una aparición memorable en el Festival de Woodstock el 17 de agosto.
Mientras The Who tocaban, la líder de los Yippie, partido político antiautoritario, pro libertad de expresión y antimilitarista, altamente teatral, establecido en Estados Unidos de América en 1967, Abbie Hoffman, saltó al escenario para quejarse del arresto de John Sinclair.
Townshend rápidamente la sacó del escenario con su guitarra y gritó: "¡Vete a la mierda de mi puto escenario!".
La actuación en el Festival de Woodstock lanzó a la banda a la tradición de la música rock, aunque Townshend más tarde profesó su disgusto por la experiencia.
Townshend compuso la mayoría de las canciones de "Tommy" y fue la voz principal en algunas de las pistas, incluidas “1921” y “The Acid Queen”. El álbum fue la base para la película de 1975 “Tommy” y la producción teatral musical “The Who's Tommy”, que se estrenó en Broadway en 1993.
En 1970, The Who lanzaron “Live at Leeds”, que varios críticos musicales citan como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos.
Fue lanzado originalmente con 8 canciones, entre las cuales se incluía "Summertime Blues", cover de Eddie Cochran y único sencillo del álbum. En ediciones posteriores, se amplió el número de canciones, debido a limitaciones técnicas en la grabación original, que con el tiempo se remediaron.
Se añadieron la interpretación de los primeros sencillos de la banda, comentarios de los integrantes en el concierto y algunos temas de "Tommy", hasta la remasterización por completo de aquel disco en la presentación, que se incluye en la edición deluxe de 2001. La Universidad de Leeds fue parte de la gira de "Tommy", que no solo incluyó conciertos en teatros de ópera europeos, sino también, en el Metropolitan Opera House de Nueva York, siendo el primer espectáculo de rock en aquel recinto. En marzo, The Who publicó "The Seeker", que alcanzó el Top 20 en las listas del Reino Unido.
La banda también participó en el Festival de la Isla de Wight de 1970. Esa presentación fue editada en 1996 como un álbum doble, "Live at the Isle of Wight Festival 1970)".
Después del enorme interés que la banda generó tras el nuevo concepto de ópera rock plasmado en Tommy, las enseñanzas de Baba y su interés por la ciencia ficción motivaron a Townshend a componer “Lifehouse”, una nueva ópera destinada a suceder a “Tommy”
Townshend diseñó “Lifehouse” como un proyecto múltiple, con vistas a publicar un doble álbum, una adaptación cinematográfica y un concierto interactivo con el público, en el que exploró la idea de que la música era la base fundamental de la creación, y que cada ser humano tenía una única melodía que describe exclusivamente su existencia.
Acerca de este nuevo proyecto, Townshend declaró: "¿Cual puede ser el tema de esta nueva pieza, "The Life House"? Quería que fuera sobre música, sobre el futuro, sobre la esperanza, pero quería que estuviera anclado a la realidad, que tratara problemas reales. ¿Cómo crear un personaje sordo, ciego y mudo sin repetirme? Ya sé, vivirá en el futuro".
"Lo pondré en un traje espacial, rechazará vivir en la realidad, vivirá en un mundo imaginario, viciado. Tendrá una vida de trono, vivirá la vida que los cineastas, los mentirosos, los publicistas, los manipuladores políticos y los controladores quieran que viva. Será sordo, ciego y mudo a los recursos del espíritu, que le dan la libertad de unirse a los otros seres humanos, de integrarse con ellos y de tener una vida verdadera".
Para Chris Stamp, mánager de la banda, el concepto no era del todo fantástico, pero incentivó a Townshend en la producción del mismo, ya que las mismas interrogantes habían aparecido previa grabación de "Tommy".
Frank Dunlop, director artístico del teatro Young Vic, ofreció a Townshend el lugar para desarrollar el proyecto, debido a su excelente acústica y espacio. Pete quería trabajar este musical revolucionario como una forma de pregonar como vivir, enfocado principalmente a la juventud, para ello, era imprescindible la realización de un documental en conjunto al trabajo musical.
Sin embargo, el proyecto significó muchas interrogantes para el entorno de Townshend. Daltrey declaró: "Pete escribió una suerte de guion simplificado, que no tenía sentido, nadie entendía nada". Entwistle por su parte, dijo: "Se pensaba que ocuparíamos Young Vic y que el público viviese con nosotros. A decir verdad, no entendí. No funcionó porque la poca gente que venía volvía a casa para la hora del té. Fue un fracaso". Incluso, para el agente de prensa de la banda, Keith Altham, el concepto era irreconocible: "Tenía que hacer un esfuerzo para entender y para captar una idea tan compleja".
"Lifehouse" se estancó, no se trabajaba en las canciones ni en las historias, por lo que el productor Kit Lambert decidió trasladarse con la banda a Nueva York y grabar en la Record Plant, un estudio que incorporaba más innovaciones técnicas.
Sin embargo, la vida nocturna y el entorno desenfrenado de esta, detuvo aún más las posibilidades de que el proyecto funcionase. El grupo regresó a Inglaterra sin ningún avance, por lo que Glyn Johns recomendó detener el proyecto y grabar las canciones más destacadas de él. Fue así como en mayo de 1971 se comenzó a grabar "Who's Next".
Lanzado en 1971, "Who's Next" contenía nueve temas, incluyendo canciones como "Baba O'Riley", escrita como una oda de Townshend a sus dos héroes de la época, Meher Baba y el compositor Terry Riley y "Won't Get Fooled Again", que se destacaban por el uso de sintetizadores, que solían establecer ritmos repetitivos (o se usaban para diversos efectos, como en "Bargain" y "The Song Is Over", y que iban a ser uno de los aspectos más importantes de "Lifehouse".
El sonido es radicalmente distinto al de los discos anteriores de la banda: la voz de Daltrey había evolucionado y sonaba como un poderoso rugido, mientras que el sonido de la batería de Keith Moon había cambiado. Esto, sumado a los sintetizadores y la impecable producción, hicieron que "Who's Next" comenzara a ser considerado como uno de los primeros álbumes de arena rock, ya que era mucho más grandilocuente y ampuloso que sus antecesores.
Townshend siguió centrando su actividad como compositor en la creación de nuevas óperas.
Decidió que exploraría la subcultura mod y sus enfrentamientos con los rockeros a principios de la década de 1960 en el Reino Unido y dos años después, The Who publicó “Quadrophenia”, otra ópera rock que trata sobre un adolescente llamado Jimmy, un mod.
El título del mismo se refiere a un problema de identidad que tiene Jimmy en la historia: tiene cuatro personalidades distintas, cada una de las cuales representan a uno de los integrantes del grupo y son representadas en el álbum por medio de cuatro melodías que aparecen varias veces a lo largo del mismo. El álbum trata sobre la relación de Jimmy con sus padres, su exnovia, sus amigos y los conflictos entre mods y rockers de principios de los años 1960, en Brighton.
“Quadrophenia”, fue el único álbum de The Who escrito íntegramente por Townshend, y él también produjo el álbum debido al deterioro de las relaciones con Lambert.
El álbum siguió el estilo de su antecesor, con un rol aún mayor de sintetizadores además de un mayor uso de instrumentos de metal, lo que llevó a que sus detractores sostuvieran que era demasiado pretencioso y grandilocuente. Esto también causó que las presentaciones en vivo de la siguiente gira se complicaran, ya que la banda debía usar cintas pregrabadas, lo que en muchas ocasiones no funcionaba correctamente.
Las cintas funcionaron mal durante una actuación en Newcastle, lo que llevó a Townshend a arrastrar al técnico de sonido Bob Pridden al escenario, gritarle y patear todos los amplificadores, destruyendo parcialmente las cintas que funcionaban mal.
Antes de que esa gira comenzara, la esposa de Keith Moon lo dejó y se llevó con ella a su hija, lo que causó que Moon comenzara a consumir más bebidas alcohólicas. Por esta razón se desmayó durante un show en San Francisco, por lo que debió ser sustituido para el resto del mismo por Scott Halpin, un miembro de la audiencia.
Aunque el álbum obtuvo un notable éxito al alcanzar el segundo puesto tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, fue la base de un distanciamiento interno debido al creciente problema de alcoholismo de Townshend y al bajo rendimiento musical de Moon.
El 14 de abril de 1974, Townshend tocó su primer concierto en solitario, un evento benéfico para recaudar fondos para un centro comunitario de Londres.
Una versión cinematográfica de "Tommy" fue dirigida por Ken Russell y protagonizada por Roger Daltrey en el papel principal, Ann-Margret como su madre y Oliver Reed como su padrastro, con cameos de Tina Turner, Elton John, Eric Clapton y otros notables del rock; la película se estrenó el 18 de marzo de 1975.
Townshend fue nominado a un Premio de la Academia por la música y adaptación de la música de la película.
Los problemas de Townshend aumentaron: estaba cansado de tocar con la banda, comenzó a consumir alcohol más seguido, y sufrió un colapso nervioso, además de sentirse más viejo por cumplir 30 años. Esto llevó a que el siguiente álbum de la banda, "The Who By Numbers", fuese un álbum más depresivo y menos energético, que trataba sobre los problemas de Townshend.
“The Who by Numbers” salió en noviembre de ese año y alcanzó el puesto número 7 en el Reino Unido y 8 en los EE. UU. Presentaba canciones introspectivas, a menudo con una inclinación negativa. El álbum generó un sencillo exitoso, "Squeeze Box", que fue escrito después de que Townshend aprendiera a tocar el acordeón.
Durante la gira siguiente se le diagnosticó un caso de tinnitus (muchos especularon que había sido causado por los ruidosos conciertos del grupo, pero Townshend sostuvo que era por escuchar música con auriculares en un volumen demasiado alto), por lo que dejaron de tocar en 1976 por algún tiempo.
Un crítico consideró a “The Who by Numbers” como la "nota suicida" de Townshend.
Después de una gira de 1976, Townshend se tomó un descanso de un año de la banda para concentrarse en pasar tiempo con su familia.
La actividad de The Who tanto en el estudio de grabación como en directo disminuyó progresivamente desde mediados de la década de 1970 debido tanto a la incapacidad de Moon por soportar la carga de trabajo como al creciente interés de Townshend en emprender otros intereses no relacionados con la música.
En 1977, fundó Eel Pie Publishing, una editorial especializada en literatura infantil, libros de música y publicaciones relacionadas con Meher Baba, y abrió la librería Magic Bus en Londres.
Además, participó activamente en la elaboración del guion y de la banda sonora de las adaptaciones cinematográficas de “Tommy” y “Quadrophenia”.
En esa época, el grupo grabó un documental sobre su historia llamado "The Kids Are Alright", que incluía, entre otras cosas, imágenes de sus presentaciones en vivo.
El grupo regresó a los estudios en 1978, y grabó "Who Are You", el octavo álbum de estudio del grupo publicado por las compañías discográficas MCA y Polydor Records, un álbum más accesible y con un mayor uso de sintetizadores. El mismo incluía una canción de John Entwistle de una ópera rock que nunca fue completada.
El álbum supuso el fin de un largo periodo de tres años desde “The Who By Numbers”, el último álbum de estudio del grupo hasta ese entonces. Durante la época, los componentes del grupo comenzaron a emprender diversos proyectos en solitario, al mismo tiempo que Moon sufrió una fuerte dependencia del alcohol y de las drogas.
Ello llevó a un deterioro creciente de su salud que fue objeto de preocupación durante las sesiones de grabación, ya que solo logró llegar a las mismas durante las últimas semanas y se vio incapaz de tocar la batería en un compás de 6/8 durante la canción “Music Must Change”. Debido a eso, la pista de batería fue eliminada de la cinta maestra y sólo se añadieron unos toques de platillos.
Moon aparece en la portada sentado en una silla en la que se lee: "Not to be taken away" (en español: "No quitar"). Moon insistió en sentarse con el respaldo de la silla hacia delante con el fin de ocultar su distensión abdominal, producto del abuso de alcohol.
El 7 de septiembre de ese año (20 días después del lanzamiento del álbum), Keith Moon falleció mientras dormía, como consecuencia de una sobredosis de pastillas que se le habían recetado para controlar su alcoholismo.
En un comunicado posterior a su muerte, Townshend escribió: "Hemos perdido a nuestro cómico, nuestro melodrama supremo, el hombre, que además de ser el batería de rock más impredecible y espontáneo, se habría prendido fuego si creía que con eso haría reír al público o levantarles de sus asientos. Él nos condujo a momentos difíciles muchas veces, pero siempre tuvo nuestro amor. Le queremos y ahora se ha ido".
“Who Are You” vio la luz en un momento en que los dos campos predominantes del rock, el rock progresivo y el punk rock, mantenían marcados estilos diferentes.
Las composiciones de Pete Townshend fueron escritas como un intento de unir ambos estilos, con estructuras musicales complejas y un uso abundante de sintetizadores y de orquestación. Varias composiciones también representaron un nuevo intento de Townshend por retomar “Lifehouse”. Al igual que “Who's Next”, parte de las canciones estuvieron inspiradas en “Lifehouse”.
El álbum obtuvo un notable éxito comercial, al alcanzar el puesto dos en la lista estadounidense Billboard 200, solo por detrás de la banda sonora de “Grease”, y la posición cuatro en la lista de discos más vendidos del Reino Unido.
Además, fue certificado como doble disco de platino por la RIAA al superar los dos millones de copias vendidas en los Estados Unidos, y como disco de oro en el Reino Unido al vender más de 100 000 copias. El éxito de “Who Are You” generó expectación ante la perspectiva de una nueva gira de promoción del disco.
Apenas unos años después de la muerte de Moon, Townshend decidió continuar tocando con The Who y recomendó a Kenney Jones como sustituto en la batería.
El grupo también se amplió con la presencia del teclista John Bundrick, que había sido invitado a participar en la grabación de “Who Are You”, pero que no llegó a participar debido a una fractura de brazo que sufrió poco antes de comenzar las sesiones.
En los siguientes tres años, el grupo salió frecuentemente de gira y publicó dos álbumes, “Face Dances” (1980) e “It's Hard” (1982).
"Face Dances" dio lugar al sencillo "You Better You Bet", que alcanzó el puesto 19 en las listas de sencillos. A pesar de las mejorables ventas de ambos trabajos y de la reseña de cinco estrellas de la revista musical Rolling Stone para “It's Hard”, muchos seguidores no se encontraron receptivos con el nuevo sonido.
Aun así, "Athena" obtuvo un éxito menor en los Estados Unidos, mientras que "Eminence Front" también alcanzó las listas de éxitos y pasó a engrosar la lista de canciones favoritas del público. Poco después de la publicación de "It's Hard", The Who se embarcó en una gira de despedida, después de que Pete Townshend hiciera público su alcoholismo y su recuperación, así como su intención de convertir a The Who en una banda de estudio.
Después del último concierto en diciembre de 1982, Townshend pasó parte de 1983 intentando componer nuevo material para un trabajo de estudio de The Who, obligado por términos contractuales con Warner Bros. Records.
A pesar de todo, a finales de 1983, Townshend declaró que se sentía incapaz de generar nuevo material apropiado para The Who y publicó un comunicado en el que anunciaba su decisión de abandonar el grupo.
A partir de 1984, Townshend se embarcó en una carrera en solitario en la música y otros campos.
Aun así, el 13 de julio de 1985, los cuatro miembros de The Who, incluido Kenney Jones, reformaron el grupo para actuar en el concierto Live Aid, organizado por Bob Geldof. El grupo tocó "My Generation", "Pinball Wizard", "Love Reign O'er Me" y "Won't Get Fooled Again".
En 1988, The Who fue galardonado con el premio a toda la carrera musical por la Industria Fonográfica Británica en una ceremonia que supuso el último trabajo de Kenney Jones dentro del grupo.
En 1989, el grupo se embarcó en una gira aniversario de "The Kids Are Alright" que acabó conmemorando el álbum "Tommy" en dos conciertos: uno en Nueva York y otro en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles, con invitados especiales como Elton John, Phil Collins, Billy Idol, Patti LaBelle y Steve Winwood.
En 1990, The Who fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de la mano de U2, con Bono diciendo: "Más que cualquier otra banda, The Who son nuestro espejo".
En 1991, The Who grabó una versión de la canción de Elton John "Saturday Nights Alright for Fighting" para un álbum tributo.
En 1992 Roger Daltrey asiste y participa en el concierto en tributo a su amigo de toda la vida Freddie Mercury donde canta acompañado del guitarrista de Black SabbathTony Iommi, y los miembros restantes de QueenBrian May, Roger Taylor y John Deacon la canción "I Want It All". Esta participación fue muy aclamada ya que fue el primero en cantar esta canción en vivo y mostró una gran vocalización. El público no dejó de aclamarle cuando no paraba de dar vueltas al cable del micrófono.
En 1994, se produjeron varios rumores en torno a una gira conmemorativa del trigésimo aniversario de la formación de The Who que no llegaron a fraguar. Aun así, Roger Daltrey celebró su cincuenta cumpleaños con dos conciertos en el Carnegie Hall en los que fueron invitados John Entwistle y Pete Townshend, quienes aparecieron al final del concierto, junto a otros músicos, interpretando "Join Together". A finales de año, Daltrey salió de gira junto a John Entwistle y una orquesta.
Townshend fue solicitado para unirse a un macroconcierto en el Hyde Park de Londres. Townshend intentó interpretar "Quadrophenia" en una sola pieza acústica, usando partes de la película a través de pantallas.
Tras contactar con Entwistle y Daltrey, la idea sentó bases. La banda aumentó con las incorporaciones de Zak Starkey en la batería, John Douglas "Rabbit" Bundrick en los teclados y Simon Townshend y Geoff Whitehorn en la guitarra.
El concierto fue narrado por Phil Daniels en el papel de Jimmy. A pesar de ciertas dificultades técnicas, el evento cosechó un gran éxito al colgar el cartel de "lleno" durante seis noches en el Madison Square Garden de Nueva York, a pesar de que los conciertos no fueron acreditados al nombre de The Who.
Tras la recreación de "Quadrophenia", The Who volvieron a unirse en el verano de 1997 para una nueva gira. En un descanso temporal, Pete Townshend ofreció varios conciertos acústicos en solitario, John Entwistle reorganizó la banda The John Entwistle Band y Roger Daltrey salió de gira con la Orquesta Sinfónica de Londres, interpretando temas de The Who y clásicos del rock acompañado de orquestación.
A finales de 1999, The Who llevó a cabo siete conciertos destinados a recaudar fondos benéficos. Las canciones fueron extraídas en su mayoría de "Who's Next" y se incluyeron temas poco frecuentes en las listas de canciones habituales en los conciertos de The Who.
El primer concierto tuvo lugar el 29 de octubre de 1999 en el MGM Grand Garden de Las Vegas. A continuación, el grupo tocó en dos conciertos en el Annual Bridge School Benefit de Neil Young los días 30 y 31 de octubre. Los días 12 y 13 de noviembre tocaron en el House of the Blues de Chicago. El concierto del 29 de octubre en Las Vegas fue retransmitido por televisión e Internet y posteriormente publicado como DVD semioficial en The Vegas Job.
Actualmente The Who continúa a pesar de la muerte de dos de los miembros originales (Keith Moon en 1978 y John Entwistle en 2002). Muchos críticos de rock consideran a la banda como una de las mejores bandas en vivo desde la década de 1960 hasta la de 2000.
En 2000, Townshend completó la ópera rock “Lifehouse” con la publicación de la caja recopilatoria “Lifehouse Chronicles”, en la que incluyó demos del proyecto y un radioteatro sobre la obra emitida en la BBC Radio en diciembre de 1999.
Además, centró su actividad compositiva en The Who y salió de gira con el grupo de forma casi anual. A pesar de la muerte de John Entwistle el 27 de junio de 2002, Townshend aseguró la continuidad del grupo con Roger Daltrey y mantuvo la gira programada por los Estados Unidos entre agosto y septiembre.
Hasta el presente, Townshend ha participado en una serie de giras con los miembros supervivientes de The Who aclamadas por la crítica en el siglo XXI, incluidas actuaciones de gran prestigio en The Concert for New York City en 2001, una gira de 2002 que continuó a pesar de la muerte de Entwistle, Festival de la Isla de Wight de 2004, Live 8 en 2005 y el Festival de Glastonbury de 2007.
En febrero de 2006, se anunció una importante gira mundial de The Who para promocionar su primer álbum nuevo desde 1982.
El 25 de febrero de 2006, anunció la emisión de una mini ópera inspirada en la novela corta para junio de 2006. En octubre de 2006, The Who lanzó su primer álbum en 24 años, “Endless Wire”.
The Who actuó en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010, tocando un popurrí de canciones que incluían "Pinball Wizard", " Who Are You ", "Baba O'Riley" y "See Me Feel Me".
En 2012, The Who anunció que realizarían una gira con la ópera rock "Quadrophenia" .
The Who fueron los últimos artistas en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en Londres, interpretando un popurrí de "Baba O'Riley", "See Me, Feel Me" y "My Generation".
El 2 de septiembre de 2017 en Lenox, Massachusetts, Townshend se embarcó con su colega cantante y músico Billy Idol, el tenor Alfie Boe y una orquesta en una breve gira (de cinco fechas) por Estados Unidos, "Classic Quadrophenia", que finalizó el 16 de septiembre de 2017 en Los Ángeles, California.
El 22 de marzo de 2018, Townshend declaró que un nuevo álbum de The Who debería incluir canciones originales de Roger Daltrey y de él. Ese álbum, titulado simplemente “Who”, fue lanzado el 6 de diciembre de 2019. Fue el segundo álbum de la banda como dúo, y el primero en trece años.
Trabajo en Solitario
De forma paralela a su trabajo en The Who, y debido a su creciente interés en Baba, entre 1969 y 1971 Townshend, junto con otros devotos, grabó “Happy Birthday”, un álbum de estudio conceptual fruto de la colaboración de Pete con amigos como Ronnie Lane, publicado por Universal Spiritual League en febrero de 1970.
El álbum, del cual solo se imprimieron 2 500 copias en su edición original, fue publicado conmemorando el nacimiento de Meher Baba y fue el primero de una serie de tres discos tributo que Townshend dedicó a su mentor espiritual.
Otros dos discos dedicados a Meher Baba incluyeron “I Am” y “With Love”, posteriormente recopilados en el álbum “Jai Baba”.
Varias canciones de “Happy Birthday” y “I Am” aparecieron dos años después en el álbum de Townshend “Who Came First” de 1972. Tuvo un éxito moderado y contó con demostraciones de canciones de The Who, así como una muestra de su talento con la guitarra acústica.
Townshend hizo varias apariciones en solitario durante la década de 1970, dos de las cuales quedaron registradas: el Rainbow Concert de Eric Clapton en enero de 1973 (que Townshend organizó para revivir la carrera de Clapton después de la adicción a la heroína de este último) y los Conciertos para el Pueblo de Kampuchea, en diciembre de 1979.
Fueron cuatro noches de conciertos en Hammersmith Odeon para recaudar fondos para Camboya. El evento fue organizado por Paul McCartney y Kurt Waldheim (que entonces era Secretario General de la ONU ), y en él participaron artistas consagrados como McCartney, The Who y Queen, así como grupos más jóvenes de punk y new wave como The Clash y The Pretenders.
El vídeo comercial del concierto de Kampuchea muestra a los dos iconos del rock bailando a dúo y haciendo el payaso con las versiones de la megabanda Rockestra (más de 25 músicos tocando juntos) de "Lucille", "Let It Be" y "Rockestra Theme"; Townshend cierra la actuación con su característico salto con las piernas abiertas.
El concierto también fue grabado y lanzado como LP doble, cinta de cartucho de 8 pistas y cinta de casete en 1979.
Además de su trabajo con The Who, Townshend emprendió una carrera musical en solitario que comenzó con la publicación de “Rough Mix” (1977), una colaboración con el bajista de Faces y también devoto de Meher Baba, Ronnie Lane.
En 1979, Townshendprodujo e interpretó la guitarra en el novedoso sencillo "Peppermint Lump" de Angie en Stiff Records, con Angela Porter, de 11 años, como voz principal.
También colaboró con Paul McCartney en la grabación de “Rockestra Theme” y “So Glad To See You Here”, publicados en el álbum de Wings “Back to the Egg” (1979).
Un año después publicó “Empty Glass”, su primer álbum conceptual en solitario. Lanzado el 21 de abril de 1980 por Atco Records, alcanzó el puesto cinco en la lista estadounidense Billboard 200, su mejor posición para un trabajo solista y el puesto 57 en la lista de Rolling Stone de los 100 mejores de la década de 1980.
Una encuesta de Gibson lo calificó en el puesto número 5 entre "los mejores álbumes lanzados por un artista que anteriormente estuvo en una banda exitosa".
El álbum trata sobre problemas con los que Townshend estaba luchando en ese momento, incluido el alcoholismo, el abuso de drogas, problemas matrimoniales y amigos fallecidos, particularmente Keith Moon.
“Empty Glass” también contenía la canción de amor devocional "Let My Love Open the Door", que se convirtió en un éxito Top 10 (n.° 9) en los EE. UU., y los sencillos de modesto éxito "Rough Boys" (n.° 89) y "A Little Is Enough" (n.° 72).
En una entrevista con Murray Lerner sobre la película “The Who: Live at the Isle of Wight”, Townshend explicó el título del álbum: “Lo llamé “Empty Glass”, por esta idea de que cuando vas a la taberna – que es para Dios, ya sabes – y le pides Su amor – Él es el camarero, ya sabes – y te da una bebida, y qué lo que tienes que darle es un vaso vacío. Sabes que no tiene sentido entregarle tu corazón si ya está lleno; No tiene sentido acudir a Dios si tu corazón está lleno de Doris”.
El álbum fue escrito y grabado entre 1978 y 1980, cuando la actividad con The Who había comenzado a recuperarse y Townshend se vio obligado a escribir tanto para su proyecto en solitario como para su banda. Como resultado, “Empty Glass” fue considerado superior al posterior álbum de estudio de The Who, “Face Dances” (1981), y los críticos lo llamaron un álbum de The Who que nunca existió.
Roger Daltrey, comentó más tarde que se sentía decepcionado por Townshend y que muchas de las canciones del álbum habrían funcionado bien para The Who, entre ellas "Rough Boys" y "Empty Glass".
Townshend respondió diciendo que "Rough Boys" era la única canción que Daltrey hubiera querido que se aclarara (en términos del subtexto homoerótico de la canción ) y se atenuara si la cantara, anulando así su mensaje, mientras que "Empty Glass" se había grabado durante sesiones de “Who Are You” en 1978.
En la reedición de 1996 de ese álbum apareció una versión con Keith Moon a la batería y John Entwistle al bajo. Esta versión se destaca por los matices suicidas en la letra que se cambió para "Empty Glass": la línea "Matarnos unos a otros, luego saltamos de la cornisa" se convirtió en "Matarnos unos a otros clavando una cuña".
Townshend comenzó a escribir las canciones y a grabar demos de “Empty Glass” en el estudio de su casa de 24 pistas a finales de 1978, pero las sesiones de grabación del álbum no comenzarían hasta noviembre de 1979 en los Wessex Studios del norte de Londres, con el productor Chris Thomas a la cabeza y Bill Price como ingeniero.
Se realizaron grabaciones adicionales en AIR Studios en Oxford Street y en Eel Pie Studios de Townshend desde entonces hasta marzo de 1980. Townshend interpretó todas las partes de guitarra y sintetizador del álbum y contrató a varios músicos para establecer instrumentación adicional.
La formación del álbum incluía al teclista de gira de The Who, John Bundrick, al piano y órgano, Tony Butler al bajo, Simon Phillips, Kenney Jones, Mark Brzezicki y James Asher a la batería, Peter Hope-Evans a la armónica y Raphael Rudd, quien hizo el arreglo de trompeta en "Rough Boys".
A este lanzamiento le siguió en 1982 “All the Best Cowboys Have Chinese Eyes”, que incluía el popular tema de radio "Slit Skirts". Si bien no fue un gran éxito comercial, el destacado crítico musical Timothy Duggan lo calificó como "el trabajo más honesto e introspectivo de Townshend desde Quadrophenia".
Tras disolver The Who, Townshend volvería a experimentar con la ópera rock y formatos relacionados, lanzando varios álbumes basados en historias, entre ellos “White City: A Novel” (1985), un relato sobre la tensión urbana, la desesperación y la decadencia que alcanzó el puesto 26 en la lista Billboard 200.
La publicación de “White City” fue seguida de “The Iron Man: The Musical by Pete Townshend”, una adaptación de la fábula infantil homónima de Ted Hughes en la que participaron músicos como Roger Daltrey, John Lee Hooker y Nina Simone.
De forma paralela, creó el grupo Deep End con músicos como John "Rabbit" Bundrick, Simon Philips y Billy Nicholls. Solo realizaron tres conciertos y una sesión de programa de televisión para The Tube, para recaudar dinero para su organización benéfica Double-O, que apoya a los drogadictos. Estos conciertos benéficos se recopilaron en el álbum en directo “Deep End Live!” en 1986.
También publicó una trilogía de álbumes recopilatorios bajo el nombre de Scoop con demos de The Who, material en solitario y proyectos inéditos.
En 1993, publicó "Psychoderelict", su último trabajo en solitario hasta la fecha. El álbum incluye una nueva ópera protagonizada por Ray High, un músico alcohólico y en decadencia que Townshend volvió a utilizar años después en la novela “The Boy Who Heard Music”, predecesora de la miniópera “Wire & Glass”.
El álbum, considerado para una adaptación como musical de Broadway aún sin estrenar, obtuvo escasa repercusión comercial y solo alcanzó el puesto 118 en la lista Billboard 200.
El mismo año estrenó y dirigió junto a Des MacAnuff una adaptación para Broadway de “Tommy”. McAnuff y Townshend también coprodujeron el largometraje “The Iron Giant”, basado en el libro de Hughes.
En 2003, fue amonestado durante una investigación de la Policía británica contra la pornografía infantil. Tras una noticia que sugería que Townshend estaba entre los sujetos de la investigación, el músico emitió un comunicado en el que se defendió alegando que había accedido a una página web con contenidos pedófilos usando su tarjeta de crédito y pagando 7 dólares.
Townshend, que en años anteriores había publicado ensayos en su página web sobre la amplia disponibilidad de pornografía infantil en Internet, afirmó que había accedido al sitio con fines de investigación y que no había descargado ninguna imagen.
Tras cuatro meses de investigación policial, incluyendo exámenes forenses de sus ordenadores, se estableció que Townshend no estaba en posesión de ninguna imagen ilegal.
Ante esta situación, la policía decidió amonestarlo y le advirtió que "no es una defensa acceder a estas imágenes para investigación o por curiosidad". En un comunicado publicado por su abogado, Townshend escribió: “Acepto que me equivoqué al acceder a esta página, y si al hacerlo quebranté la Ley, acepto la amonestación que la Policía me ha dado”.
Nota de Presidemente: Seguirá la 2ª parte, hay tanta información de Townshend que no me cabía en este.
Fuentes: elmundo.es, cuerdadeguitarra.com, thewho.com, britannica.com, Wikipedia y flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Townshend nació diez días después de que la Alemania nazi se rindiera en la Segunda Guerra Mundial y creció a la sombra de la reconstrucción en Londres y sus alrededores.
Según Townshend, el trauma de la posguerra fue la fuerza impulsora detrás de la revolución de la música rock en el Reino Unido. "El trauma se transmite de generación en generación", afirmó, "sin saberlo, he heredado lo que vivió mi padre".
Townshend señala que crecer en este período produjo la narrativa que recorre su música de un niño perdido en el estrés y las presiones de la vida de posguerra.
En su autobiografía, escribió: “No estaba tratando de tocar música hermosa. Estaba confrontando a mi audiencia con el sonido horrible y visceral de lo que todos sabíamos que era el único absoluto de nuestra frágil existencia: un día un avión llevaría la bomba que nos destruiría a todos en un instante. Podría suceder en cualquier momento”.
Aunque creció en un hogar con músicos de jazz, Townshend absorbió muchas de sus ideas sobre temas de interpretación y música rock durante la escuela de arte.
Su compañero de cuarto en Ealing Art College, Tom Wright, tenía una gran colección de discos, y Townshend escuchaba a artistas de R&B y rock & roll como Howlin' Wolf, John Lee Hooker, Bo Diddley, Booker T. & the MGs, Little Walter y Chuck Berry.
También estuvo fuertemente influenciado por el violonchelista Malcolm Cecil, quien a menudo dañaba su violonchelo durante las actuaciones, junto con Gustav Metzger, pionero del arte autodestructivo.
A la luz de estas influencias, el smashing de guitarras se convirtió no sólo en una expresión de angustia juvenil, sino también en un medio para transmitir ideas a través de la interpretación musical. "Hemos propuesto un nuevo concepto", escribe. "La destrucción es arte cuando se le pone música".
Townshend también citó a Robbie Basho como una influencia significativa, diciendo: "He sido totalmente influenciado por él. Puedes escucharlo en mi trabajo".
Obra literaria
Aunque conocido por sus composiciones musicales y su maestría musical, Townshend ha estado ampliamente involucrado en el mundo literario durante más de tres décadas, escribiendo artículos para periódicos y revistas, reseñas de libros, ensayos, libros y guiones.
Un ejemplo temprano de la escritura de Townshend se produjo en agosto de 1970 con la primera de nueve entregas de "The Pete Townshend Page", una columna mensual escrita por él para el periódico musical británico Melody Maker.
La columna brindó la perspectiva de Townshend sobre una variedad de temas, como los medios de comunicación y el estado de las salas de conciertos y los sistemas de megafonía de EE. UU., además de brindar información valiosa sobre la mentalidad de Townshend durante la evolución de su proyecto “Lifehouse”.
También escribió tres ensayos importantes para la revista Rolling Stone, el primero de los cuales apareció en noviembre de 1970.
En “In Love With Meher Baba” describió las inclinaciones espirituales de Townshend. "Meaty, Beaty, Big and Bouncy", un relato paso a paso del álbum recopilatorio de The Who del mismo nombre siguió en diciembre de 1971. El tercer artículo, "The Punk Meets the Godmother", apareció en noviembre de 1977. También en 1977 abrió una librería llamada Magic Bus en Londres.
“The Story of Tommy”, un libro escrito por Townshend y su amigo de la escuela de arte Richard Barnes (ahora biógrafo oficial de The Who) sobre la escritura de la ópera rock de Townshend de 1969 y la realización de la película dirigida por Ken Russell de 1975 , fue publicado por Eel Pie el mismo año.
En julio de 1983, Townshend asumió un puesto como editor de adquisiciones para la editorial londinense Faber and Faber. Durante su estancia en Faber and Faber, editó la autobiografía del líder de The Animals, Eric Burdon, "Crosstown Traffic" de Charles Shaar Murray (que fue premiado), y “More Dark Than Shark” de Brian Eno y Russell Mills, y trabajó con Carlos, Príncipe de Gales por esa época, en un volumen de sus colección completa de discursos.
Dos años después de unirse a Faber and Faber, decidió publicar su propio libro. “Horse's Neck”, publicada en mayo de 1985, era una colección de cuentos que había escrito entre 1979 y 1984, abordando temas como la infancia, el estrellato y la espiritualidad.
Como resultado de su posición con Faber y Faber, Townshend desarrolló amistades con el autor ganador del premio Nobel de “El señor de las moscas”, Sir William Golding, y con el poeta británico laureado Ted Hughes.
En 1989, comenzó a trabajar en una novela titulada “Ray High & The Glass Household”, cuyo borrador fue enviado más tarde a su editor. Si bien la novela original permanece inédita, elementos de esta historia se utilizaron en el álbum en solitario de Townshend de 1993, “Psychoderelict”.
En 1993, escribió otro libro, “The Who's Tommy”, una crónica del desarrollo de la galardonada versión de Broadway de su ópera rock.
Ha escrito varios guiones a lo largo de su carrera, incluidos numerosos borradores de su esquivo proyecto “Lifehouse”, el último de los cuales, coescrito con el dramaturgo radiofónico Jeff Young, se publicó en 1999.
La apertura de su sitio web personal y su sitio comercial Eelpie.com, ambos en 2000, le dieron a Townshend otra salida para el trabajo literario. (Eelpie.com se cerró en 2010.)
Varios de sus ensayos se han publicado en línea, incluido "Meher Baba - The Silent Master: My Own Silence" en 2001, y "A Different Bomb", una crítica a la industria de la pornografía infantil, el año siguiente.
En septiembre de 2005, comenzó a publicar en línea una novela titulada “The Boy Who Heard Music” como telón de fondo de un musical del mismo nombre. Publicó un capítulo cada semana hasta que estuvo completo y la novela estuvo disponible para leer en su sitio web durante varios meses. Al igual que “Psychoderelict”, fue otra extrapolación de “Lifehouse” y “Ray High & The Glass Household”.
En 1997, firmó un contrato con la editorial Little, Brown and Company para escribir su autobiografía, supuestamente titulada “Pete Townshend: ¿Who He?”.
Los caprichos creativos y las maquinaciones conceptuales de Townshend han sido relatados por Larry David Smith en su libro “The Minstrel's Dilemma” (1999).
Después de un largo retraso, la autobiografía de Townshend, ahora titulada “Who I Am”, se publicó el 8 de octubre de 2012. El libro se ubicó entre los cinco primeros de la lista de los más vendidos del New York Times en octubre de 2012.
El 5 de marzo de 2019, Townshend anunció que su novela debut, titulada “The Age of Anxiety”, sería publicada el 5 de noviembre de 2019 por el sello Coronet de Hodder & Stoughton.
Townshend calificó la obra como una "meditación ampliada sobre el genio maníaco y el oscuro arte de la creatividad". La novela irá acompañada de una ópera, que se encuentra actualmente en desarrollo, seguida de una instalación artística.
Legado
Townshend es una de las figuras clave en el desarrollo de la retroalimentación en la guitarra de rock.
Cuando se le preguntó quién utilizó la retroalimentación por primera vez, el guitarrista de Deep Purple, Ritchie Blackmore, dijo: “Pete Townshend fue definitivamente el primero. Pero como no era tan buen guitarrista, solía simplemente tocar los acordes y dejar que la guitarra retrocediera. No empezó a juguetear con los diales del amplificador hasta mucho más tarde. Está sobrevalorado en Inglaterra, pero al mismo tiempo hay mucha gente como Jeff Beck y Hendrix que reciben crédito por las cosas que él empezó. Townshend fue el primero en romper su guitarra y fue el primero en hacer muchas cosas. También es muy bueno en su escena de acordes”.
De manera similar, cuando se le preguntó a Jimmy Page sobre el desarrollo de la retroalimentación de guitarra, dijo: “No sé quién realmente hizo comentarios primero; simplemente sucedió. No creo que nadie se lo haya robado conscientemente a nadie más. Simplemente estaba sucediendo. Pero Pete Townshend obviamente fue quien, a través de la música de su grupo, hizo del uso de la retroalimentación más su estilo, y por eso está relacionado con él. Mientras que los otros músicos como Jeff Beck y yo tocábamos más cosas de una sola nota que acordes”.
Muchos guitarristas de rock han citado a Townshend como una influencia, entre ellos Slash, Alex Lifeson y Steve Jones.
Equipo
Guitarras
En los primeros días de The Who, Townshend tocaba guitarras eléctricas semi-huecas de 6 y 12 cuerdas Rickenbacker (particularmente el modelo Rose-Morris importados del Reino Unido con orificios en forma de F especiales).
Sin embargo, a medida que la destrucción de instrumentos se volvía algo común en las presentaciones del grupo, comenzó a usar guitarras más resistentes y baratas, como las Fender Stratocaster, Fender Telecaster, y varios modelos Danelectro.
En la aparición de “Who's The Smothers Brothers Comedy Hour” en 1967, Townshend usó una guitarra Vox Cheetah, que solo usó para esa actuación; la guitarra fue destruida por la explosión la batería de Moon durante un concierto.
A finales de la década de 1960, Townshend comenzó a tocar casi exclusivamente modelos Gibson SG Special. Usó esta guitarra en los espectáculos de Woodstock y la Isla de Wight en 1969 y 1970, así como en la actuación en Live at Leeds en 1970.
En 1970, Gibson cambió el diseño de la SG Special que Townshend había estado usando anteriormente y comenzó a usar otras guitarras.
Durante gran parte de la década de 1970 utilizó una Gibson Les Paul Deluxe, algunas con sólo dos pastillas mini- humbucker y otras modificadas con una tercera pastilla en la "posición media" (una DiMarzio Superdistortion/Dual Sound).
Se le puede ver usando varias de estas guitarras en el documental “The Kids Are Alrigh”t , aunque en el estudio solía tocar una guitarra Gretsch 6120 del 59 (que le regaló Joe Walsh), sobre todo en los álbumes “Who's Next” y “Quadrofenia”.
Durante la década de 1980, utilizó principalmente modelos estilo Fender Telecaster construidos para él por Schecter y varios otros luthiers.
Desde finales de la década de 1980, Townshend ha utilizado la Fender Eric Clapton Signature Stratocaster, con pastillas Lace Sensor, tanto en el estudio como en las giras.
Algunas de sus guitarras Stratocaster cuentan con un sistema de captación piezoeléctrica Fishman PowerBridge para simular tonos de guitarra acústica. Este sistema piezoeléctrico está controlado por un control de volumen adicional detrás del puente de la guitarra.
Townshend también usó otras guitarras, incluyendo otros modelos de Gretsch, Gibson y Fender.
Hay varios modelos de guitarras de Pete Townshend de Gibson, como la Pete Townshend SG, Pete Townshend J-200, y tres Pete Townshend Les Paul Deluxes diferentes.
La SG era claramente marcada como un modelo de edición limitada de Pete Townshend e incluía una caja especial y un certificado de autenticidad firmado por Pete.
También ha habido una guitarra Rickenbacker de edición limitada exclusiva de Pete Townshend del modelo 1998, que fue su guitarra principal de 6 cuerdas en los primeros días de The Who.
La tirada contó con 250 guitarras que se fabricaron entre julio de 1987 y marzo de 1988 y, según el director ejecutivo de Rickenbacker, John Hall, toda la tirada se agotó antes de que se pudiera hacer publicidad seria.
También usó guitarras acústicas de Guild, Takamine y Gibson J-200.
También utilizó la Gibson ES-335 , una de las cuales donó al Hard Rock Café.
Townshend también utilizó muy brevemente una Gibson EDS-1275 de doble mástil a finales de 1967, y una Harmony Sovereign H1270 y una Fender Electric XII para las sesiones de estudio de "Tommy" para las partes de guitarra de 12 cuerdas.
También utilizó ocasionalmente Fender Jazzmasters en el escenario en 1967 y 1968 y en el estudio de "Tommy".
En la actualidad, Pete usa casi exclusivamente guitarras Fender Stratocaster modificadas como guitarras estéreo, con un preamplificador incorporado en la parte posterior de la guitarra para captar las señales acústicas de la guitarra y un botón de volumen individual para el preamplificador.
Siempre ha considerado sus instrumentos como meras herramientas del oficio y, en los últimos años, ha mantenido sus instrumentos más preciados lejos de los escenarios de conciertos.
Estos instrumentos incluyen algunas Rickenbackers antiguas y reeditadas, la Gretsch 6120, una Fender Telecaster original de 1952, reediciones de edición limitada para artistas de Gibson Custom Shop de los modelos 1, 3 y 9 de Les Paul DeLuxe de Townshend, así como su reedición SG Special exclusiva.
Amplificadores
En los primeros tiempos de la banda, John Entwistle había conseguido uno de los primeros bafles de altavoces de 4 X 12 que fabricó Marshall para guitarra-bajo.
Townshend se dio cuenta de que con ello lograba el doble de volumen y proyección que antes, y enseguida se compró uno, y luego otro, que montó encima del primero, creando así la primera “torre”.
Como el bafle superior estaba al nivel de los oídos, podía oirse con más claridad, y como los altavoces estaban alineados con las pastillas de la guitarra, le resultaba más fácil emplear acoples controlados. Al principio, utilizaba los bafles Marshall. Más adelante se decidió por un equipo similar, pero con amplificadores y bafles HiWatt. Para grabar, utiliza amplificadores compactos, como el Mesa Boogie.
A lo largo de los años, Townshend ha utilizado muchos tipos de amplificadores, incluidos Vox, Selmer, Fender y Marshall, y se ciñó al uso de amplificadores Hiwatt durante la mayor parte de cuatro décadas.
En la época de “Who's Next”, utilizó un amplificador Fender Bandmaster de tweed (que también le regaló Joe Walsh en 1970, que también utilizó para “Quadrophenia” y “The Who by Numbers”.
Mientras grababa “Face Dances” y el álbum colaborativo “Rough Mix”, utilizó un amplificador Peavey Vintage 4×10 en el estudio.
Desde 1989, su equipo constaba de cuatro pilas Fender Vibro-King y un cabezal Hiwatt que accionaba dos gabinetes de altavoces Hiwatt/Mesa Boogie de 2 × 12" hechos a medida.
Sin embargo, desde 2006, solo tiene tres pilas Vibro-King, una de las cuales es un backup.
Townshend ocupó un lugar destacado en el desarrollo de lo que se conoce ampliamente en los círculos del rock como la "pila Marshall". Encargó varios gabinetes de altavoces que contenían ocho altavoces de 12" en una carcasa de casi seis pies de altura con la mitad superior del gabinete ligeramente inclinada hacia arriba.
Eran demasiado pesados para moverlos con facilidad, por lo que Jim Marshall cortó el enorme gabinete de altavoces por la mitad. Por sugerencia de Townshend, cada gabinete contenía cuatro altavoces de 12 pulgadas. Uno de los gabinetes tenía la mitad del deflector del altavoz inclinado hacia arriba y Marshall hizo que estos dos gabinetes fueran apilables. Así nació la pila Marshall.
Teclados
Townshend tocó los teclados en varias canciones de The Who.
En “Who's Next”, comenzó a trabajar con sintetizadores analógicos, utilizando el modelo ARP 2600 que encontró por primera vez en la Universidad de Cambridge. Dijo esto sobre el instrumento: "Me gustan los sintetizadores porque traen a mis manos cosas que no están en mis manos: el sonido de una orquesta, trompas, cuerdas. Hay aparatos en los sintetizadores que permiten a uno convertirse en un virtuoso del teclado, puedes tocar algo lentamente y presionar un interruptor y lo reproduce al doble de velocidad, mientras que en la guitarra estás obligado a tocar lo más rápido que puedas y yo no toco rápido. Simplemente toco duro. Así que cuando tengo que tocar algo rápido, voy al sintetizador".
Los sintetizadores a los que Townshend se refería incluían el EMS VCS3 y el ARP 2600, algunos de los cuales modificaron un órgano Lowrey TBO Berkshire. Las fotografías actuales del estudio de su casa también muestran un ARP 2500.
Townshend apareció en materiales promocionales de ARP a principios de la década de 1970.
Desde finales de la década de 1980, Townshend ha utilizado predominantemente sistemas Synclavier Digital Audio para la composición de teclados, particularmente álbumes y proyectos en solitario.
Actualmente posee tres sistemas, un gran sistema Synclavier 9600 Tapeless Studio, originalmente instalado en su Oceanic Studio, luego transferido a una barcaza amarrada junto al estudio en el río Támesis, y actualmente ubicado en el estudio de su casa.
También utiliza un sistema Synclavier 3200 más pequeño adaptado especial que puede transportarse, lo que le permite seguir trabajando fuera de su estudio principal. Este sistema 3200 fue modificado para tener especificaciones similares a las del 9600, incluida la adición interna de voces FM, voces Poly estéreo y el gran teclado VPK.
Este es el único sistema Synclavier 3200 de esta especificación que existe, diseñado y construido a medida para Townshend por Steve Hills. El tercer sistema que posee Townshend es uno de los primeros sistemas Synclavier II jamás construidos cuyo teclado ORK (original más pequeño) se exhibe en la oficina central de su empresa junto con una Vespa rosa.
Colaboraciones
En 1968, Townshend ayudó a formar una banda llamada Thunderclap Newman formada por tres músicos que conocía: el pianista Andy Newman (un viejo amigo de la escuela de arte), el baterista John "Speedy" Keen, que había escrito "Armenia City in the Sky" para que The Who la grabara para su álbum de estudio de 1967 “The Who Sell Out” y el guitarrista adolescente Jimmy McCulloch, que más tarde se uniría a Wings.
Townshend produjo la banda y tocó el bajo en sus grabaciones bajo el seudónimo irónico de "Bijou Drains". Su primera grabación fue el sencillo "Something in the Air", que se convirtió en un éxito número uno en el Reino Unido y un éxito sustancial en otras partes del mundo. Tras este éxito, Townshend produjo su único álbum, “Hollywood Dream”.
En 1971, Townshend, junto con Keith Moon y Ronnie Lane, respaldaron a Mike Heron de Incredible String Band en una canción, "Warm Heart Pastry", del primer LP en solitario de Heron, “Smiling Men with Bad Reputations”. En las notas del álbum, aparecen como "Tommy and the Bijoux".
En 1984, Townshend contribuyó con la letra de la canción "I'm the Answer" del álbum debut en solitario de su hermano Simon, “Sweet Sound”.
Townshend comparte el crédito de composición de dos canciones, "Love on the Air" y "All Lovers Are Deranged", del álbum solista de 1984 del guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour, “About Face”.
Durante gran parte de 2005, Townshend grabó y actuó junto a su novia Rachel Fuller, una pianista y cantautora de formación clásica.
En 2006, Townshend abrió un sitio web para la implementación del método Lifehouse basado en su concepto “Lifehouse” de 1971. Este sitio web fue en colaboración con el compositor Lawrence Ball y el desarrollador de software David Snowden, con instrumentación de Steve Hills.
Los solicitantes en el sitio web podrían ingresar datos para componer un "retrato" musical que luego el equipo musical podría desarrollar en composiciones más grandes para un concierto o una serie de conciertos planificados.
Otras apariciones incluyen: “The Kids Are Alright” con The Who, rockumentary, dirigida por Jeff Stein (1979), "Because You're Young" con David Bowie en "Scary Monsters" (1980), coros en "Slave" con The Rolling Stones en “ Tattoo You” (1981), guitarra acústica en "Ball and Chain" con Elton John en “Jump Up!” (1982), coros en "I'm the Answer" con Simon Townshend en “Sweet Sound” (1983), "Lonely at the Top" y "Hard Woman" con Mick Jagger en “She's the Boss” (1985), guitarra en "Town of Plenty" con Elton John en “Reg Strikes Back” (1988), guitarra acústica con Prefab Sprout en "Hey Manhattan!" en “From Langley Park to Memphis” (1988), "Substitute" con Ramones en “Acid Eaters” (1993), "Joy" y "Gun" con Mick Jagger en “Goddess in the Doorway” (2001), "Slow Burn" con David Bowie en “Heathen” (2002), "Angry" y "Move Over Busker" en “Press to Play” de Paul McCartney (1986), "Travelator" con Jean-Michel Jarre en “Electronica 1: The Time Machine” (2015).
Premios
Premios BRIT 1983 - Premio a la trayectoria Premios Q 1991 – Premio al Mérito Premios Internacionales de Rock 1991 - Premio Leyenda Viviente Premio Tony 1993 – Mejor banda sonora original (música y letra) – "The Who's Tommy" (empate) Premios Grammy 1994 – Mejor Álbum de Espectáculo Musical (como compositor y letrista de "The Who's Tommy" ) Premios Q 1998 - Premio al compositor Premios Grammy 2001 - Premio a la trayectoria Premios Ivor Novello 2001 - Premio a la trayectoria Premio South Bank Show 2007 - Premio a la trayectoria Premios MOJO 2008 – Salón de la Fama Premios MOJO 2008 - Compositor clásico
Doctorado honorario de la Universidad de West London, 2010
Premio al Álbum Clásico por "Quadrophenia" de los premios Classic Rock Roll of Honor Awards en The Roundhouse , 9 de noviembre de 2011, Londres, Inglaterra Premios TEC 2013 – Premio Les Paul Premio Stevie Ray Vaughan 2015 Premio George e Ira Gershwin 2016 - Trayectoria musical.
Academia Estadounidense de Logros 2019 - Premio Placa de Oro. Townshend recibió su Placa de Oro junto con Roger Daltrey y fue presentada por el miembro del Consejo de Premios Peter Gabriel.
Otros honores vitalicios
1990 Salón de la Fama del Rock and Roll
2005 Salón de la Fama de la Música del Reino Unido Honores del Centro Kennedy 2008
“Who I am”, su autobiografía (Artículo de Darío Prieto en El Mundo)
El libro es la crónica de un hombre contradictorio, que rechazó la moda de la época de convertir las drogas en una forma de subversión, aunque luego cayese una y otra vez en la cocaína, el LSD y hasta la heroína. Un chico tímido y lleno de complejos, pero con delirios de grandeza. Un niño que sufrió abusos y que, ya anciano, fue acusado de posesión de pornografía infantil.
En “Who I am” (titulado como la última gran canción de su grupo), Townshend dota de argumentos lo que en muchas ocasiones fue infravalorado como consecuencias de una edad del pavo no superada. Es el caso de su costumbre de destrozar guitarras en sus actuaciones. Una seña de identidad que confirma que la mitología del rock se construye sobre casualidades.
Así relata cómo comenzó su relación física con la guitarra durante uno de los primeros conciertos: "La arrojo al aire con violencia y siento un estremecimiento repentino mientras el sonido se degrada de un rugido a un estertor: miro hacia arriba y veo el cuerpo fracturado de la guitarra, mientras la extraigo del agujero practicado en el techo bajo. En ese momento tomo una decisión repentina y, en un frenesí demente, vuelvo a arrojar una y otra vez la guitarra contra el techo. Lo que antes era una simple fractura, ahora es un astillado estropicio. Sostengo la guitarra ante el gentío con gesto triunfal. No la he machacado: la he esculpido para ellos".
"Algunas personas contemplaron la destrucción como un ardid publicitario, pero yo sabía que el mundo estaba cambiando y estábamos mandando un mensaje. La vieja manera, convencional, de hacer música ya nunca iba a ser la misma", se justifica el músico. Un signo de los tiempos: "Por primera vez en la historia una generación entera tenía la oportunidad económica y educacional de volverle la espalda a los trabajos alienantes, sin futuro, de sus padres, quienes, traumatizados por dos guerras mundiales, habían reaccionado amparándose bajo una conformidad protectora".
Bajo este auge de esperanza, "los Who salimos a manifestar el gozo y la rabia de una generación que luchaba por la vida y la libertad. Aquella había sido nuestra tarea. Y con ella cumplimos. Primero lo hicimos con singles pop, luego con exhibiciones más dramáticas y épicas".
"No estaba tratando de tocar una música que fuera hermosa", explica en otro momento Townshend, "sino que confrontaba a mi audiencia con el sonido visceral, atroz, de lo que sabía que era la única verdad absoluta de nuestra vulnerable existencia: un día un avión soltaría una bomba que nos iba a liquidar en un abrir y cerrar de ojos".
Townshend también relata su relación con otros músicos, aunque su relato es menos jugoso de lo que esperarían los idólatras de la mitología rock. El guitarrista habla de Jimi Hendrix ("Hasta cierto punto, las actuaciones de Jimi eran deudoras de las mías -el acople, la distorsión, la teatralidad escénica-"), con quien le unió una relación de amistad y admiración mutua. También aparece Keith Richards, de quien dice haber copiado su característico gesto del molinete a la guitarra mientras le veía calentar para un 'show'.
El guitarrista también relata sus años de excesos tóxicos. Así, durante una gira, su 'road manager' le retiró "efectivo para cocaína por valor de 40.000 dólares. Yo nunca llevaba droga en los vuelos, de modo que debí de tirar mucha. Qué pasa, era rico".
Moon, que falleció en 1978 tras una sobredosis de un medicamento para curar su alcoholismo, y Entwistle, muerto en 2002 a causa de la cocaína un día antes de comenzar la gira de regreso de The Who, le habían alertado del poder de los estupefacientes. Aun así, una noche "me lo estaba pasando de fábula... hasta que me desperté en un hospital de Chelsea con una inyección de adrenalina de 15 centímetros clavada en el pecho. Según parece, me habían encontrado inconsciente en los lavabos del garito con una sobredosis de cocaína. Estuve técnicamente muerto, pero afortunadamente me resucitaron a tiempo".
Otro tema en el que Townshend no se explaya en exceso es el de los abusos que sufrió de niño. Con seis años, su madre lo mandó a vivir con su excéntrica abuela Denny, "una bruja" de moral turbia: "Recuerdo grandes y llamativos coches con las ventanillas medio bajadas. Recuerdo también vagamente a un hombre al que tenía que llamar 'tío', que era sordo de un oído, y que a veces se quedaba a dormir en casa. Lucía un bigotito hitleriano". Todo aquel asunto le dejó "un poso de rabia y resentimiento".
"En 1982, mi terapeuta me instó a que intentara adentrarme más a fondo en el recuerdo mediante la redacción de aquellos intercambios matinales", evoca después. "Me puse a escribir, y a medida que empezaba a describir uno de los encuentros -el oficial de la Fuerza Aérea bajando la ventanilla, Denny que se acodaba-, recordé de pronto por vez primera que la puerta trasera del coche se abría. Empecé a temblar de manera incontrolable y ya no pude escribir más, ni recuerdo más. Mi memoria se bloqueó». Esta experiencia se tradujo en la letra de 'A quick one, while he's away', una extensa pieza que acabaría originando ''Tommy', la ópera rock sobre el niño ciego, sordo, mudo y víctima de abusos que acaba convirtiéndose en un mesías y en la que Townshend volcó muchas de sus vivencias.
Tampoco aclara en exceso el tema de su supuesta bisexualidad, aunque sí incluye una gráfica descripción de su admiración por Mick Jagger. "Es el único hombre al que de verdad quise follarme. Aquel día vestía esos pantalones holgados tipo pijama, sin calzoncillos; se echó hacia atrás un momento y no pude dejar de notar el bulto de la polla pegada al muslo, larga y rolliza. Mick estaba indudablemente bien dotado". En otro momento relata una noche que le acogió en su casa su amigo, el periodista Danny Fields: "Me desperté por la noche, como en trance, y con Danny manoseándome todo el cuerpo, pero no lo repelí. Gocé con lo que me hacía, pero no dejé que me follara".
En donde sí se explaya Townshend es en la parte donde cuenta su implicación en la 'Operación Ore' contra la pornografía infantil llevada a cabo en el Reino Unido en 2003. El músico se defiende explicando que tenía un proyecto de hacer algo sobre el tema: "Estaba preparado para hablar de lo impronunciable -pornografía infantil- desde la posición de alguien que había padecido abusos y sabía lo profundas que podían ser sus cicatrices".
“Su idea "consistía en publicar un artículo en mi portal que ilustrara que la banca 'on line', las empresas de navegadores y los pornógrafos eran cómplices al enriquecerse con imágenes perversas de niños sometidos a abuso. En una ocasión utilicé mi tarjeta de Barclays en una página en la que un botón anunciaba (estúpidamente) 'Presione aquí para pornografía infantil'. El importe era de siete dólares, e inmediatamente cancelé la operación".
Sin embargo, su nombre se hizo público y los tabloides y la opinión pública le condenaron, a pesar de que su caso se sobreseyó después. "Si en aquel momento hubiera tenido un arma me hubiera pegado un tiro", explica en las amargas páginas finales del libro.
Discografía
Con The Who
My Generation (1965)
A Quick One (1966)
The Who Sell Out (1967)
Tommy (1969)
Live at Leeds (1970)
Who's Next (1971)
Quadrophenia (1973)
Odds & Sods (1974)
The Who By Numbers (1975)
Who Are You (1978)
Face Dances (1980)
It's Hard (1982)
Endless Wire (2066)
Who (2019)
En solitario
Happy Birthday (1970)
I Am (1970)
Who Came First (1972)
Rough Mix (con Ronnie Lane) (1978)
Empty Glass (1980)
All the Best Cowboys Have Chinese Eyes (1982)
White City: A Novel (1985)
Deep End Live! (1986)
The Iron Man: The Musical by Pete Townshend (1989)
Psychoderelict (1993)
Lifehouse Chronicles (2000)
Fuentes: elmundo.es, cuerdadeguitarra.com, thewho.com, britannica.com, Wikipedia y flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
Duane Allman fue un famoso guitarrista de rock y blues estadounidense, conocido por sus trabajos con la guitarra slide. Importante guitarrista de sesión y miembro fundador de The Allman Brothers Band. También fue integrante del súper grupo Derek and the Dominos, a comienzos de los años 1970.
Allman es mejor recordado por su breve pero influyente permanencia en la banda y, en particular, por su expresiva forma de tocar la guitarra slide y sus inventivas habilidades de improvisación.
Duane, músico de sesión muy solicitado tanto antes como durante su permanencia en la banda, actuó con estrellas tan establecidas como King Curtis, Aretha Franklin, Herbie Mann, Wilson Pickett y Boz Scaggs. También contribuyó en gran medida al álbum de 1970 "Layla and Other Assorted Love Songs", de Derek and the Dominos.
Allman murió tras un accidente de motocicleta el 29 de octubre de 1971, a la edad de 24 años.
Su tono de guitarra (logrado con una Gibson Les Paul y dos amplificadores Marshall de bajo de 50 vatios ) fue nombrado uno de los mejores de todos los tiempos por Guitar Player.
Howard Duane Allman nació el 20 de noviembre de 1946 en Nashville, Tennessee. Era el hijo mayor de Willis Allman y Geraldine Allman (de soltera Robbins).
Su padre, en el momento de su muerte, era segundo teniente en servicio activo en el ejército de los Estados Unidos, habiendo servido como suboficial del ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Su hermano, Gregg, nació un año más tarde.
El 26 de diciembre de 1949, cuando la familia vivía cerca de Norfolk, Virginia, donde estaba destinado, Willis Allman fue asesinado. Para poder volver a capacitarse como contable, Geraldine "Mama A" Allman envió a Duane y a su hermano Gregg a la Academia Militar Castle Heights en Lebanon, Tennessee, lo que a ambos les desagradaba muchísimo.
En 1957, la familia se mudó a Daytona Beach, Florida, donde los dos asistieron a la escuela secundaria Seabreeze.
Los niños regresaron a Nashville para pasar los veranos con su abuela, y allí Gregg aprendió los conceptos básicos de la guitarra con un vecino.
En 1960, había ahorrado suficiente dinero para comprar su primera guitarra, una Teisco Silvertone de fabricación japonesa, mientras Duane adquiría una motocicleta Harley 165.
Duane le dijo en una entrevista a Tony Glover que “A principios de los años 60, Gregg se compró una guitarra y yo me compré una motocicleta Harley 165. La rompí y él aprendió a tocar. Él me enseñó y cambié las piezas destrozadas de la motocicleta por otra guitarra”.
Duane comenzó a interesarse por la guitarra y los hermanos a veces se peleaban por ella, hasta que Duane destrozó la motocicleta y la cambió por una Silvertone propia. Su madre finalmente le compró a una Gibson Les Paul Junior.
Comienza muy temprano a tocar la guitarra, a la vez que su hermano Gregg, y con los roles claramente diferenciados entre el guitarrista rítmico y solista, encargándose Duane de esta última especialidad.
También fue en Nashville donde los chicos se inspiraron musicalmente con un concierto de R&B en el que vieron actuar al guitarrista de blues BB King. Duane le dijo a Gregg: "Tenemos que hacer esto". Duane aprendió a tocar muy rápidamente y pronto se convirtió en el mejor guitarrista de los dos.
Sus inicios e influencias musicales estaban estrechamente conectadas con las canciones de The Beatles y, cómo no, por el Rock and Roll.
En 1961, Duane y Gregg tocaban en bailes de adolescentes en Daytona Beach (Florida), donde habían vivido desde 1959. Por esta época, Duane dejó la escuela para concentrarse en tocar la guitarra.
Estamos a principios de los años sesenta y la proliferación de grupos en su campo de acción en Daytona Beach, donde residían y tocaban les motiva para fundar su primer grupo, denominado The Allman Joys, con el que únicamente grabaron en 1966 su primer sencillo, -también llamado simple, corte o corte de difusión, es un disco fonográfico de corta duración con una o dos grabaciones en cada cara, los antiguos discos de vinilo venían en formato de 18 cm-, una nueva versión de "Spoonful" de Willie Dixon.
Después de que Gregg se graduase en Seabreeze High School en 1965, los Allman Joys salieron de gira, actuando por todo el sureste y, finalmente, se establecieron en Nashville.
Los Allman Joys se convirtieron en Hour Glass y se mudaron a Los Ángeles a principios de 1967.
Allí Hour Glass grabó dos álbumes para Liberty Records, “Hourglass” y “Power of Love”, ambos editados en 1968. El estilo era una mezcla de difícil equilibrio entre el country, el soul y el rock psicodélico, pero no tuvo el efecto deseado de aprobación del público.
Liberty intentó comercializarlos como una banda de pop, ignorando el deseo de la banda de tocar material más orientado al blues, lo que decepcionó a Duane y a Gregg que deciden disolver el grupo y volver a casa en Florida.
A su regreso a Florida, los dos tocaron en sesiones de demostración con 31st of February, un grupo de folk rock cuyo baterista era Butch Trucksy algo mas tarde Gregg regresó a California para cumplir con las obligaciones de Hour Glass, mientras que Duane se quedó en Florida durante meses, pero no consiguió formar otra banda.
Duane comenzó a aprender a tocar la guitarra slide el día de su cumpleaños en 1968. El slide es una técnica de guitarra también llamada "bottleneck", que consiste en tocar una nota, y luego deslizar el dedo a otro traste, hacia arriba o abajo del diapasón, lo que produce sonidos evocativos, llorosos, melancólicos o chillones.
El término slide se utiliza en referencia al gesto de deslizamiento sobre las cuerdas, mientras que bottleneck se refiere al material original utilizado en dichos deslices, que era el cuello de botellas de vidrio. El dedal metálico que utilizaba Duane era muy común en músicos hawaianos, de country o de blues y, normalmente, se inserta en el dedo anular de la mano izquierda, aunque primitivamente se usaban anillos, navajas o incluso el cuello de una botella.
Duane se estaba recuperando de una lesión en el codo izquierdo sufrida tras una caída de un caballo y Gregg le trajo, de regalo de cumpleaños, el álbum debut de Taj Mahal y un frasco de pastillas Coricidin.
Los dejó en el porche delantero y tocó el timbre, ya que Duane estaba enfadado con él por la lesión. "Aproximadamente dos horas después de que me fui, mi teléfono sonó", recordó Gregg. "¡Hermanito, hermanito, ven aquí ahora!”.
Duane había sacado las pastillas del frasco de Coricidin, había quitado la etiqueta y la estaba usando para tocar la canción del álbum "Statesboro Blues" (en la grabación, la guitarra slide la toca Jesse Ed Davis).
"Duane nunca antes había tocado slide", dijo Gregg más tarde, pero "simplemente lo cogió y comenzó a tocar. Era un talento natural". La canción se convirtió en parte del repertorio de Allman Brothers Band y la guitarra slide de Duane se volvió crucial para su sonido.
Debido a su uso del frasco de medicamento de principios de la década de 1970, que ya no se fabrica, las réplicas de frascos de Coricidin ahora son populares entre los guitarristas slide a quienes les gusta su sensación y sonido vidriosos.
La primera grabación importante de Duane como músico de sesión ocurrió a principios de 1966 en el RCA Studio "B" de Nashville, dos años antes de su famoso paso por los estudios FAME de Muscle Shoals.
El productor Tony Moon estaba grabando el primer álbum de The Vogues después de que su exitoso "5 O'Clock World" alcanzara el Top 5, que había sido grabado en ese mismo estudio. Contrató a Allman para tocar en varios cortes ya que quería un sonido más rockero.
Por aquel entonces, The Allman Joys eran la banda de la casa en The Briar Patch de Nashville. La interpretación de Allman en los dos álbumes Hour Glass y en una sesión a principios de 1968 en los estudios FAME de Muscle Shoals, Alabama, atrajo la atención de Rick Hall, propietario de FAME.
En noviembre de 1968 Hall compró el contrato de Allman por 10.000 dólares. Allman, cansado de las limitaciones del estudio, pudo tocar en su primer álbum como primer guitarra de las sesiones con Wilson Pickett.
El trabajo de Allman en ese álbum, “Hey Jude” (1968), le valió ser contratado como músico de sesión a tiempo completo en Muscle Shoals y atrajo la atención de otros músicos, sobre todo de Eric Clapton.
La interpretación de Allman impresionó al productor y ejecutivo de Atlantic Records, Jerry Wexler, cuando Hall se la puso por teléfono. Wexler inmediatamente compró el contrato de grabación de Allman a Hall y quiso utilizarlo en sesiones con artistas de Atlantic R&B.
Mientras estuvo en Muscle Shoals, Allman tocó en grabaciones de numerosos artistas, incluidos Clarence Carter, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Percy Sledge, Johnny Jenkins, Doris Duke y el flautista de jazz Herbie Mann.
Para sus primeras sesiones con Franklin, Allman viajó a Nueva York donde, en enero de 1969, fue como parte del público al Fillmore East para ver a Johnny Winter y le dijo al guitarrista de Muscle Shoals, Jimmy Johnson, que en un año estaría en ese escenario.
Ese diciembre, The Allman Brothers Band tocó en el Fillmore. Casualmente, las actuaciones de Fillmore East grabadas para el álbum de "Allman Brothers At Fillmore East" en marzo de 1971, a menudo son consideradas el punto culminante de la banda.
Esta intensa profesionalización de Duane en el estudio y práctica de la guitarra a fin de atender a los múltiples requerimientos de artistas, aumentó su prestigio dentro del gremio musical, llegando a trabajar con gente tan diversa y destacada como el cantante afroamericano de rhythm and blues y soul antes mencionado, Wilson Pickett (1941-2006), con el músico estadounidense de soul y jazz, King Curtis (1934-1971), con el cantante norteamericano de rock, Boz Scaggs (1944), o el cantante y guitarrista de blues, también estadounidense, Otis Rush (1935-2018).
A la par que cumplía con sus compromisos en el sello Atlantic también tuvo la oportunidad de trabajar con la cantautora neoyorkina Laura Nyro (1947-1997) y con la banda de rock y soul Delanie&Bonnie, por la que pasaron importantes músicos como Eric Clapton, el cantante, cantautor, compositor, pianista y guitarrista estadounidense Leon Russell (1942-2016), o su propio hermano Gregg Allman.
La carrera de Duane y de Gregg está a punto de sobresalir de forma sideral al comenzar a forjarse la banda de su vida: The Allman Brothers Band, cuya mayor aportación fue la creación del llamado rock sureño.
Para ello tuvo el patrocinio de nada menos que del manager Phil Walden (quien entre su cartera de clientes estaba el soulman Otis Redding), llegando incluso este apoyo económico a promover la creación de una compañía ad hoc para editar los discos de The Allman Brothers Band, el sello Capricorn Records (fundada en 1969 y activa hasta su disolución en 2002).
The Allman Brothers Band se convirtió en uno de los grupos de rock más influyentes de la década de 1970. George Kimball, escribiendo en Rolling Stone en 1971, describió al grupo como "la mejor banda de rock and roll que este país ha producido en los últimos cinco años".
Cuando se le preguntó cómo se formó la banda, Duane declaró: "Muy lentamente. Yo estaba en Muscle Shoals y fui a Jacksonville a tocar con Berry y Dickey. Jaimoe vino conmigo desde Muscle Shoals, él es originario de Macon. Gregg estaba en California y Butch en Jacksonville. Nos juntamos y estuvimos tocando durante un par de meses. Necesitábamos un cantante y Gregg era el tipo. Dos semanas después de que Gregg volviera de California fuimos a Nueva York y grabamos allí. Tocamos en directo antes de publicar nuestro primer álbum en noviembre de 1969”.
Después de meses de ensayar y actuar sin parar sin Gregg, incluidos espectáculos gratuitos en Central City Park en Macon y Piedmont Park en Atlanta, todo lo que necesitaban era un cantante/organista y Duane sabía a quién quería.
Cuando Gregg regresó de California, el grupo decidió el nombre de la banda y estaba listo para grabar. Su álbum debut, “The Allman Brothers Band”, fue grabado en Nueva York en septiembre de 1969 y lanzado unos meses después.
Uno de los aspectos más singulares de The Allman Brothers Band fue que pusieron siempre mucho más énfasis en sus conciertos en vivo que en los álbumes, ya que según el propio Duane Allman, los miembros de la banda no disfrutaban en el estudio, sobre todo si las sesiones de grabación se hacían demasiado largas, aunque les encantaba ensayar en su local y crear canciones allí.
En 1970, el veterano productor Tom Dowd estaba trabajando en el segundo álbum de los Allman Brothers, “Idlewild South”, cuando el estudio recibió una llamada telefónica diciendo que Eric Clapton traería a los Dominos a Miami para grabar. Al escuchar esto, dijo que le encantaría pasar y verlo, si Clapton lo aprobaba.
Más tarde, Allman llamó a Dowd para informarle que su banda estaba en la ciudad para realizar un concierto benéfico el 26 de agosto. Cuando Clapton se enteró de esto, insistió en ir a ver su espectáculo y dijo: "¿Te refieres a ese tipo que toca en la parte posterior de “Hey Jude” (de Wilson Pickett )?... Quiero verlo tocar ... vamos".
Los tramoyistas sentaron a Clapton y compañía frente a la barricada que separaba al público del escenario. Cuando se sentaron, Duane estaba tocando un solo. Cuando se dio la vuelta, abrió los ojos y vio a Clapton, se quedó helado. Dickey Betts, el otro guitarrista principal de los Allman, continuó donde lo dejó Duane, pero cuando siguió los ojos de Duane hacia Clapton, tuvo que darle la espalda para no quedarse helado.
Después del espectáculo, Duane le preguntó a Clapton si podía pasar por el estudio para ver algunas sesiones de grabación, pero Clapton lo invitó directamente y le dijo: "Trae tu guitarra; ¡tienes que tocar!".
Se quedaron despiertos toda la noche. Tom Dowd dijo que "estaban intercambiando licks, intercambiando guitarras, hablando de negocios e información y divirtiéndose, sin restricciones, solo admiración por la técnica y facilidad de cada uno".
Clapton escribió más adelante en su autobiografía que él y Duane fueron inseparables durante las sesiones en Florida; habló de él como el "hermano musical que nunca había tenido pero que deseaba tener".
Duane participó en la grabación de la mayoría de las pistas del álbum, “Layla and Other Assorted Love Songs”, contribuyendo con algunos de sus trabajos más conocidos, pero lo más memorable es su riff de guitarra atemporal y su interpretación de slides en la canción principal.
Durante una entrevista de diciembre de 1970 con Jon Tiven de New Haven Rock Press, Duane explicó cómo se involucró en el álbum: "Bueno, fui allí para verlos hacer ese disco porque estaba interesado en él, porque soy un admirador de Eric Clapton desde hace mucho, mucho tiempo. Siempre me ha gustado su forma de tocar, él me inspiró mucho y personalmente siempre me gustó su forma de tocar”.
"Pensé que tendría la oportunidad de conocerlo y ver cómo esto sucedía, ¿sabes? Así que fui. Entonces, cuando lo vi, actuó como si me conociera, como si yo fuera un viejo amigo, 'Oye hombre, ¿Cómo estás?'. Y él dijo: 'Mientras estés aquí, queremos que grabes este disco y lo hagas con nosotros, de todos modos, necesitamos más guitarristas'. Así lo hice, me sentí muy halagado y contento de poder hacerlo”.
Puede que Duane no se hubiera dado cuenta, pero Eric probablemente estaba aún más emocionado de tenerlo involucrado. Cuenta la leyenda que Clapton escuchó el solo de guitarra de Duane en la versión del soul man Wilson Pickett de “Hey Jude” de The Beatles en la radio de su coche: “Conduje a casa y llamé a Atlantic Records inmediatamente”, dijo Clapton. "Tenía que saber quién tocaba la guitarra y tenía que saberlo ya". Sigue siendo el solo de guitarra favorito de Clapton.
En una entrevista, Duane les dijo a los oyentes cómo saber quién tocaba qué: “Eric tocaba las partes de Fender y yo las de Gibson”. Continuó señalando con indiferencia que “Fender tenía un sonido más brillante, mientras que el Gibson producía más un chirrido a toda velocidad".
Sin embargo, nunca dejó la Allman Brothers Band, a pesar de que le ofrecieron un puesto permanente en los Dominos.
Duane nunca estuvo de gira con Derek and the Dominos, pero hizo al menos dos apariciones con ellos, el 1 de diciembre de 1970, en el Curtis Hixon Hall en Tampa, y al día siguiente en el Onondaga County War Memorial en Syracuse.
No está claro si también apareció con ellos el 20 de noviembre de 1970, en el Santa Monica Civic Auditorium, en Santa Mónica, California, cuando el guitarrista Delaney Bramlett actuó con la banda.
Su suerte comenzó a cambiar en el transcurso de 1971, cuando las ganancias promedio de la banda se duplicaron. "Nos dimos cuenta de que la audiencia era una gran parte de lo que hacíamos, que no podía duplicarse en un estudio. Finalmente se encendió una bombilla; necesitábamos hacer un álbum en vivo", dijo Gregg Allman.
The Allman Brothers Band era una de las favoritas del promotor Bill Graham lo que les sirvió para su aparición en marzo de 1971 en su Fillmore East.
En el concierto del Fillmore, se grabaron cintas para su tercer álbum, “The Allman Brothers Live At Fillmore East” durante tres noches (11, 12 y 13 de marzo de 1971) por lo que a la banda se le pagó 1.250 dólares por noche.
El álbum fue lanzado en julio de 1971 por Capricorn Records como un álbum doble, "al precio de un solo LP”.
Mientras que los álbumes anteriores de la banda habían tardado meses en llegar a las listas (a menudo cerca del final del top 200), el disco comenzó a subir en las listas después de cuestión de días. Alcanzó el puesto 13 en la lista Top Pop Albums de Billboard y fue certificado oro por la Recording Industry Association of America en octubre.
El álbum está considerado entre los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos, y en 2004 fue uno de los álbumes seleccionados para su preservación en la Biblioteca del Congreso, considerado "cultural, histórica o estéticamente importante" por el Registro Nacional de Grabaciones.
Mientras tanto, Duane continuó contribuyendo con trabajos de sesión en álbumes de otros artistas siempre que podía. Según “Skydog: The Duane Allman Story”, aparecía espontáneamente en las sesiones de grabación y contribuía a lo que se grabara ese día. Recibió pagos en efectivo, pero no créditos de grabación, lo que hizo prácticamente imposible compilar una discografía completa de sus obras.
Duane era bien conocido por sus solos de guitarra melódicos, extendidos y que llamaban la atención. Durante este período, dos de sus influencias declaradas fueron Miles Davis y John Coltrane. Dijo que había escuchado atentamente “Kind of Blue” de Davis durante dos años.
A medida que el característico sonido eléctrico de cuello de botella de Allman comenzó a madurar, evolucionó hasta convertirse en la voz musical de lo que se conocería como rock sureño, siendo adoptado por otros guitarristas de slide, incluido su compañero de banda Dickey Betts (después de la muerte de Duane), Derek Trucks, Gary Rossington de Lynyrd Skynyrd y Joe Walsh. Duane también le enseñó a un joven Don Felder la técnica del slide.
Aunque de repente eran muy ricos y exitosos, muchos miembros de la banda y su séquito ahora luchaban contra la adicción a la heroína. Duane, el bajista Berry Oakley y los roadies Robert Payne y Red Dog Campbell, ingresaron en el Hospital Linwood-Bryant para rehabilitación en octubre de 1971.
La mayor contribución de esta estupenda banda en la que Duane era pieza imprescindible fue la innovación de acertar en una mixtura de elementos propios de estilos musicales próximos, pero con características específicas muy acusadas, como son el blues, el bluegrass, el country e incluso el boogie (el boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable).
Solamente el bluegrass es ya un conglomerado de estilos e influencias musicales, se trata de un género que pertenece al conjunto de músicas tradicionales estadounidenses, que se originó en los años cuarenta del siglo XX en la zona de los Apalaches de Norteamérica, y consiste en una unión de diferentes músicas tradicionales del mundo (inglesa, irlandesa, escocesa y afroamericana) y de distintos tipos o géneros musicales como el jazz y el blues.
Apenas cuatro meses después de haber puesto en el mercado el primer álbum en vivo de la banda, esa mítica obra maestra a la que nos hemos referido llamada “At Fillmore East”, el 29 de octubre de 1971, mientras la banda estaba en un descanso de las giras y grabaciones, Duane Allman, “Skydog”, como le apodaban sus familiares y amigos más cercanos, conducía su motocicleta Harley-Davidson Sportster a alta velocidad en Hillcrest Avenue, en la parte oeste de Macon, Georgia.
Cuando se acercaba a Bartlett Street, un camión de carga que transportaba una pesada grúa de madera se detuvo repentinamente en la intersección entre ambas vías, obligándole a cambiar de dirección rápida y bruscamente.
A pesar de que intentó esquivarlo, Duane golpeó la parte trasera del camión y cayó aparatosamente de la motocicleta, que saltó por los aires y que a su vez cayó sobre él y se deslizó más de 20 metros con Duane atrapado debajo, aplastando sus órganos internos.
Estaba vivo y consciente cuando le llevaron a un hospital, pero a pesar del tratamiento médico urgente, murió horas después debido a las hemorragias internas masivas que le produjo el accidente.
El funeral de Duane se celebró el lunes 1 de noviembre de 1971 en Snow's Memorial Chapel en Macon, Georgia. En la capilla, repleta de familiares y amigos, asistieron muchos de los músicos que habían formado parte de su vida para llorar su muerte.
La banda, junto con otros, tocó varias canciones, concluyendo con una interpretación grupal del espiritual sureño "Will the Circle Be Unbroken", uno de los favoritos de la banda.
Artículo de Jon Landau "El líder de la banda Duane Allman muere en un accidente de motocicleta"
(publicado por primera vez en Rolling Stone, el 25 de noviembre de 1971, número 96)
"Duane estaba casado con su música, a decir verdad”, reflexionó un amigo cercano después de los ritos funerarios. “Sin embargo, supongo que morir tan joven fue casi inevitable. Tenía una vena salvaje e imprudente, y aparte de tocar su guitarra, se… aburría, supongo que se podría llamar así. Por ese motivo, corría entre muchas chicas y mucha droga mala en su época verde, y le encantaba fumar por las carreteras en motocicletas que eran demasiado rápidas para él. No se vive mucho si se vive... así de impulsivo. Duane era básicamente un buen chico de campo, pero también podía ser malo de vez en cuando. Demonios, yo también lo extrañaré. Sólo lamento que haya tenido que irse tan temprano. Le quedaba mucho por hacer.
Duane Allman , líder y fuerza impulsora detrás de Allman Brothers Band, murió el viernes 29 de octubre a causa de las heridas masivas recibidas en un accidente de motocicleta en Macon, Georgia. Tenía 24 años. Él y el resto de la banda se encontraban actualmente en medio de sus primeras vacaciones reales en más de dos años.
Duane había estado visitando la “Casa Grande” de la banda para desearle un feliz cumpleaños a Linda Oakley, esposa del bajista de la banda, Berry Oakley. Poco después de salir de casa, alrededor de las 17.45 horas, giró bruscamente para evitar un camión que circulaba en la misma dirección, pero que evidentemente no había visto a tiempo después de que giró hacia la calle.
La moto patinó y giró, atrapando a Allman mientras viajaba otros 50 pies. La novia de Duane, Dixie Meadows, y la hermana de Berry Oakley, Candy, lo habían estado siguiendo desde cierta distancia y no habían visto el accidente. Lo encontraron y se quedaron hasta que llegó una ambulancia.
Según los informes, dejó de respirar dos veces en la ambulancia, pero en cada ocasión fue reanimado mediante reanimación boca a boca. Murió después de tres horas de cirugía de emergencia en el Centro Médico Macon.
El Dr. Charles Burden, el cirujano tratante, dijo después que cualquiera de las lesiones sufridas (un tórax colapsado que provocó lesiones internas masivas, incluida la rotura de una arteria coronaria y un hígado gravemente dañado) probablemente habría causado la muerte, pero que la combinación de lesiones dejó muy pocas esperanzas desde el principio.
La noticia de la muerte de Duane dejó a sus amigos y familiares, y a la floreciente comunidad musical de Macon, en estado de shock. “La muerte de Duane Allman es una pérdida muy personal”, dijo Phil Walden, el manager de la banda, “no sólo por la música directa y sensata que creó, sino también por la cálida y sincera amistad que compartimos. Recordar a Duane es recordar su música, y eso es exactamente de lo que se trataba el hombre”.
Johnny Sandlin, joven director de A&R de Capricorn Records y miembro de uno de los primeros grupos de Duane, The Hourglass, dijo: "Más que nadie, Duane Allman fue responsable de la revolución musical en el Sur", refiriéndose a los cambios que había tenido Duane, "ayudó a atraer a muchos músicos del sur y la tremenda influencia que la banda ha tenido en toda la región".
La Sra. Geraldine Allman, la madre de Duane, voló inmediatamente desde Florida, donde todavía vive y donde Duane y su hermano menor Greg pasaron la mayor parte de su adolescencia. La esposa divorciada de Duane, Donna, y su hija, Galadriel, también estuvieron presentes en el funeral.
Los servicios se llevaron a cabo el lunes siguiente en la Capilla Conmemorativa de Macon. Asistieron cerca de 300 amigos, familiares y admiradores. El estuche de la guitarra de Duane estaba frente al ataúd adornado con flores y el equipo de la banda estaba instalado en la parte trasera.
A las 3 de la tarde, los miembros restantes del grupo, Greg, Berry Oakley, Dicky Betts, Jai Johanny Johnson, Butch Trucks y el amigo cercano de la banda, el arpista Thom Doucette, tomaron sus lugares. Comenzaron con el patrón familiar de una introducción al blues lento, y luego, detrás de sus gafas oscuras, Greg cantó: "El cielo está llorando, mira las lágrimas rodar por mis mejillas". Tocaron “Keys to the Highway”, que Duane había grabado con Eric Clapton en Layla, luego tocaron “Stormy Monday” y “Elizabeth Reed”.
Tocaron la música que habían estado haciendo durante el último año con Dicky tocando para Duane en los lugares donde normalmente se habría escuchado a Duane y con las personas que realmente conocían la música de Duane aportando de memoria las líneas faltantes de las armonías elaboradas durante mucho tiempo.
Los jóvenes asistentes comenzaron a aplaudir después de cada canción y a responder visiblemente a la música. Red Dog, el legendario road manager del grupo, alentó la receptividad, dejando claro que el tributo de la banda a Duane radicaba en interpretar su música para quienes más la amaban. Mientras algunos de los amigos musicales más cercanos de Duane se sentaban y miraban (incluían toda la sección rítmica de Muscle Shoals con la que había grabado muchos discos, Jimmy Johnson, David Hood, Roger Hawkins y Barry Beckett), otros se unieron a la banda en el escenario.
Mac Rebennack, que había volado desde Nueva York con el vicepresidente ejecutivo de Atlantic Records, Jerry Wexler, tocaba la guitarra y Bobby Caldwell, anteriormente con Johnny Winters, se unió a la batería. Delaney Bramlett gravitó gradualmente hacia el centro y guió a todos en un espeluznante “¿Se mantendrá el círculo intacto?”, en el que la gente aplaudía y lloraba al mismo tiempo. Luego, Delaney, solo, hizo un breve homenaje a Duane, cantando lo que dijo que era su canción favorita, "I Still Remember", y luego una que él y Duane solían tocar, "Come in My Kitchen".
Greg Allman luego cantó solo un par de canciones. La última la presentó como una de las favoritas de su hermano, una canción que escribió hace tres años y de la que dijo “nunca me gustó mucho pero se la voy a cantar”. Cuando terminó, se despejó la nave pero luego el grupo decidió regresar y hacer una última canción, la que habían estado usando para abrir su set durante el último año y medio: “Statesboro Blues”.
Cuando la banda terminó, Dicky Betts tomó la Les Paul Gibson que había estado tocando (era la guitarra de Duane), la colocó junto al estuche de la guitarra de Duane, frente al ataúd, y se fue.
Luego se presentó a Jerry Wexler para pronunciar el panegírico. Al leer una declaración escrita, con frecuencia se detenía para recuperarse y logró ofrecer un conmovedor homenaje a un amigo y músico a quien había utilizado por primera vez en una de sus sesiones hace tres años.
Algunas de sus declaraciones incluyeron: “Fue en el funeral de King Curtis cuando vi por última vez a Duane Allman, y Duane, con lágrimas en los ojos, me dijo que el aliento y los elogios de Curtis eran valiosos para él en la búsqueda de su música y su carrera. Ambos eran músicos talentosos y con una capacidad ilimitada para la improvisación verdaderamente melódica.
Ambos nacieron en el Sur y aprendieron su música de grandes músicos y cantantes de blues negros. Ambos estaban completamente dedicados a su música, y ambos eran intolerantes con las fallas y lo meritorio y nunca permitirían la incorporación del compromiso comercial a su música, ni por amor ni por dinero.
“…Recuerdo una mágica noche musical de verano cuando Duane y Delaney se sentaron en un patio al aire libre con vista al agua, ambos tocando guitarras acústicas lo más suavemente posible y ambos cantando: Blind Willie Johnson, Robert Johnson, Jimmy Rodgers y un inolvidable Canción de Jimmy Davis llamada 'Shackled and Chained'.
La música era increíblemente pura, completamente libre de afecto, y casi evitaba la personalidad, ya que cada uno de ellos se entregó a la inefable belleza de la música gospel, country y blues sureña como sólo los músicos sureños pueden hacerlo.
“…Aquellos de nosotros que tuvimos el privilegio de conocer a Duane lo recordaremos de todos los estudios, camerinos detrás del escenario, los Downtowners, los Holiday Inn, los Sheratons, las noches, relajándose después de las sesiones, el whisky y la charla musical, tocando. Los casetes hasta que la noche dio paso al amanecer, las comidas y los juegos en la piscina, y la pesca en Miami y Long Island, este joven que amamos tanto pero que no está perdido para nosotros, porque tenemos su música, y la música es imperecedero”.
El servicio terminó poco después del elogio y la banda tocó durante un rato después de que terminó. Más tarde, la banda y sus amigos regresaron a su Casa Grande mientras muchos de los invitados se unían a Phil Walden en su casa. El sepelio será en una fecha posterior.
Cuando Greg Allman actuó solo brevemente durante el funeral, tocó la guitarra antigua bellamente diseñada de Duane. Cuando terminó de cantar, bajó la cabeza, tocó nerviosamente la guitarra y dijo: “Esta es una guitarra muy antigua, una pieza muy hermosa. Fue hecho en 1920 y estoy muy orgulloso de tenerlo”. Luego, mirando a los invitados reunidos, añadió: "Y estoy muy orgulloso de que todos ustedes hayan venido".
Legado
Después del funeral de Allman y algunas semanas de luto, los cinco miembros supervivientes de Allman Brothers Band continuaron, reanudando las actuaciones en directo y terminando el trabajo de grabación interrumpido por la muerte de Duane.
Llamaron a su próximo álbum "Eat a Peach" por la respuesta de Duane a la pregunta de un entrevistador: "¿Cómo estás ayudando a la revolución?" y el respondió: "Estoy dando un golpe por la paz, y cada vez que estoy en Georgia como un melocotón por la paz. Pero no se puede ayudar a la revolución, porque simplemente hay evolución. Soy un jugador. Y los jugadores no te importa nada más que tocar...."
Publicado como álbum doble en febrero de 1972, contiene una cara de temas en vivo y de estudio con Duane, dos caras de "Mountain Jam", grabadas con Duane al mismo tiempo que "At Fillmore East" en marzo, y un lado de las pistas de los cinco miembros supervivientes de la banda.
El bajista de Allman Brothers Band, Berry Oakley, murió menos de 13 meses después, también a la edad de 24 años, en un accidente de motocicleta similar con un autobús urbano, a tres manzanas del lugar del accidente fatal de Duane. Oakley fue enterrado junto a Duane en el cementerio Rose Hill en Macon, Georgia.
La variedad del trabajo de sesión de Duane y la dirección de banda de The Allman Brothers Band se puede escuchar con buenos resultados en dos lanzamientos póstumos de Capricornio, "An Anthology" (1972) y "An Anthology Volume II" (1974). También hay varios lanzamientos de archivo de actuaciones en vivo de Allman Brothers Band de lo que la banda llama "la era de Duane".
Poco después de la muerte de Duane, Ronnie Van Zant de Lynyrd Skynyrd dedicó la canción "Free Bird" a su memoria. Van Zant a veces aludía a esto en los conciertos.
En la interpretación que la banda hizo en 1976 de "Free Bird" en Knebworth, Inglaterra, Van Zant le dijo al pianista Billy Powell : "Tócala para Duane Allman". La canción fue escrita mucho antes de que Duane muriera y no fue escrita pensando en él (Allen Collins escribió la canción después de que su entonces novia le hiciera la pregunta "si me voy de aquí mañana, ¿todavía te acordarías de mí?")
En 1998, la Legislatura del Estado de Georgia aprobó una resolución que designaba un tramo de la Carretera Estatal 19, Ruta 41 de los EE. UU., dentro de Macon, como Duane Allman Boulevard en su honor. La ruta, que pasa cerca del Museo The Allman Brothers Band (en "The Big House", donde una vez vivió la banda) y el restaurante H&H, donde los miembros de la banda solían cenar, cruza el puente Raymond Berry Oakley III.
El cantante de country Travis Tritt , en la canción "Put Some Drive in Your Country" de su álbum debut, canta "Ahora todavía amo el viejo country / No estoy tratando de dejarlo / Pero maldita sea, extraño a Duane Allman / Ojalá todavía estuviera por aquí".
"Skydog", una caja de siete CD que rastrea el virtuosismo de Duane en la guitarra, fue lanzado en 2013 con la ayuda de su hija, Galadrielle Allman. Una entrevista con ella el 16 de marzo en la edición de fin de semana de NPR del sábado realizada por Scott Simon dura más de ocho minutos, incluye muchos detalles y se destaca con clips de su interpretación, que incluyen enlaces a un archivo de audio preparado para la transmisión.
Duane Allman fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 como miembro de Allman Brothers Band.
Billy Gibbons de ZZ Top, dijo sobre Duane Allman a la revista Rolling Stone: “Duane comenzó a hacer cosas que nadie había hecho antes en el rock americano. Sencilla y simplemente, fue un músico impresionante, excepcional y singular que se fue demasiado pronto”.
Eric Clapton aseveró sobre él: “Era un guitarrista de un talento, una sensibilidad y una garra como ninguno de su generación tuvo en la América de los 70”.
Joe Bonamassa, en una entrevista en el proyecto radiofónico de Rockola FM allá por 2009, aseguró: “Ningún guitarrista ha sido ni será tan grande como Duane Allman en el rock sureño. Aprendo de él infinidad de cosas cada vez que escucho un disco de la Allman Brothers Band”.
En una entrevista en 2015, su hermano Gregg habló sobre el período que Duane estuvo en la banda y aseguro: “Fueron días muy felices. No teníamos mucho dinero. Bueno, Duane tenía algo más porque trabajaba mucho como músico de sesión, pero no éramos ricos. Y no nos importaba porque estábamos tocando nuestra música, vivíamos haciendo lo que nos gustaba y con el mero hecho de que durante un ensayo en el local surgiera una nueva canción, eso ya valía por todo. Cuando una nueva canción sale del cascarón, funciona y hace “clic”, hombre, eso es como un regalo el día de Navidad”.
Como músico, Duane Allman era un gato espiritual que, aunque se alimentaba del alcohol y las drogas, siempre estaba en contacto con el poder de la música.
Su trabajo de guitarra slide, siempre realizado con un frasco de pastillas de Coricidin y, a menudo, en afinación en Mi abierta, fue el resultado de innumerables horas de arduo trabajo. Su breve vida (ni siquiera llegó al club 27) estuvo repleta de actuaciones musicales icónicas, y poco antes de su muerte resumió su propio legado: “Desarrolla tu talento, hombre, y deja algo al mundo”, dijo Allman. “Los discos son realmente regalos de la gente. Pensar que un artista te amaría lo suficiente como para compartir su música con cualquiera es algo hermoso”.
Duane Allman estaba demasiado adelantado a su tiempo, y marcó esa actitud con un estilo de vida que simplemente no podía seguirle el ritmo. Pero su prematura desaparición no impidió que "Skydog" dejara un volumen de trabajo que aún sería recordado durante más de medio siglo.
Duane Allman tiene todo el mérito de ser considerado uno de los guitarristas más grandes y asombrosos que se ha visto en la historia del rock. También es uno de los guitarristas de slide más grande de todos los tiempos. La forma en que hizo que la guitarra sonara casi idéntica a la voz humana cuando movía ese slide arriba y abajo del mástil de la guitarra fue como presenciar otra personificación de Jimi Hendrix, la forma en que el instrumento era como una extensión anatómica de su corazón y su alma. Yendo aún más lejos que eso, la influencia, habilidad, diversidad y magnitud duradera de Duane Allman podría rivalizar incluso con la de Hendrix.
Para Héctor Muñoz de Radio Futuro Chile estos son los mejores solos de Duane
"Whipping Post" (en vivo Fillmore East)
La versión del álbum debut de The Allman Brothers Band es increíble, pero es su improvisación de "Fillmore East" la que merece todos los elogios. Duane Allman dispara con el blues rock más pesado que jamás haya aparecido en el escenario.
Cada componente lo convirtió en un intelectual del instrumento. Su velocidad, consistencia, conocimiento e imprevisibilidad hicieron que cada una de sus actuaciones en vivo fuera tan emocionante para sumergirse. Duane hace un gran trabajo creando tensión antes de que Greg regrese con el coro. Finalmente, Duane concluye toda la canción con un solo más suave que ayuda a los oyentes a recuperar el aliento después de veinte minutos de pura euforia del rock n ‘roll. Es la espontaneidad de guitarra de esta inmensidad lo que convierte a "Skydog" en uno de los gigantes de su oficio.
Blue Sky
"Eat a Peach" de 1972 fue el último álbum grabado en el que estuvo Duane Allman antes de su muerte; es lo que lo convierte en una pieza de la historia del rock clásico que es aún más especial. Ciertamente, "Blue Sky" es una belleza por derecho propio; siendo una canción que fue escrita y cantada por el guitarrista Dickey Betts.
Escribió esta maravillosa balada sobre el amor de su vida que fue apodada "Bluesky", y mostró tanto a él como a Duane en su momento más vulnerable y definitorio del alma; ambos están en su apogeo aquí. Pero es el solo de Duane en la marca de un minuto lo que debe ser honrado; es una valiosa pieza de brillantez instrumental.
Statesboro Blues (en vivo Fillmore East)
Esta fue la canción que abrió "Live at Fillmore East", y es espectacular; es todo lo que esperarías del calibre de una banda como The Allman Brothers Band. Lo intrigante de "Statesboro Blues" es que es una interpretación de la versión de Taj Mahal, que en sí misma era una versión del original de Blind Willie McTell.
Greg le había dado a Duane el registro de Taj Mahal que contenía su versión para su cumpleaños; también recibió un frasco de pastillas de Coricidin porque estaba enfermo. Así que Duane puso el disco, sacó las pastillas del frasco, lo usó como slide, comenzó a tocarlo y el resto fue historia.
Así es como Duane creó el estilo de blues de cuello de botella por el que se hizo famoso; por supuesto, su impecable tono de guitarra se sumaba a ello. Esos tres solos, el inicial, el segundo que comienza antes de los dos minutos y el final hacia el final, han tenido el mayor impacto en el blues rock.
Layla (Derek and the Dominos)
No podemos dejar de incluir "Layla". Es el tipo de canción que realmente resume la carrera de un músico; en este caso, es Eric Clapton. Pero no mucha gente se da cuenta de que Duane Allman entregó una gran cantidad de aportes artísticos durante la creación de la canción.
En primer lugar, ese riff icónico fue idea de Duane; tomó prestada una línea vocal de una canción de Albert King, "As the Years Go Passing By"; y la tradujo a la guitarra pero la tocó el doble de rápido. Luego está el solo de guitarra slide que cierra la primera mitad antes de la coda de piano.
Es uno de los mayores esfuerzos de Duane que tiende a ser pasado por alto por todos los demás aspectos de esta epopeya. Es todo un solo de guitarra vocal, en el sentido de que Duane mueve el slide más allá del traste 23 de la guitarra, creando estas notas que uno tendría dificultades para encontrar sin la ayuda de un slide. La forma en que trata el solo de guitarra como si fuera una persona real que acompaña al riff principal de la canción es lo que convirtió a Duane en el tesoro que era.
Mountain Jam (en vivo)
Este es un excelente ejemplo de las influyentes credenciales de improvisación de The Allman Brothers Band. Este corte de "Eat a Peach", que fue grabado durante su histórico show en Fillmore East, dura unos buenos cuarenta minutos; así es: tocaron una sola canción durante cuarenta minutos. Todo el mundo está en pleno apogeo aquí; cada miembro derrama cada gramo de su improvisación musical con absoluto cuidado y precisión. Pero por ahora, solo destacaremos a Duane, quien es la verdadera estrella. Primero, desata un solo en la marca de 2:42; este es un verdadero placer para los oídos.
Con su tono «ligero, pero no demasiado ligero», te lleva a través de una odisea de melodías de bienvenida, frases dominantes frigias y una bulliciosa diatriba de acentos de blues que literalmente suena como uno de esos cantantes de R&B de los años 50 y 60. Finalmente, regresa veintitrés minutos con el mejor slide de su vida. Cada sonoridad, vibrato, cambio de dirección en el diapasón y comprensión del ritmo y la sincronización demostraron que Duane podía convertir algo tan primitivo como el blues en una pintura de Picasso.
Why Does Love Got to be So Sad? (Derek and the Dominos)
Aquí hay otra grabación fantástica de Derek and the Dominos que ilumina a Duane; eso no quita el hecho de que Eric Clapton también es genial aquí, pero es solo que esta lista es sobre Duane. De todos modos, comparte tres solos de guitarra en esta pista; una breve durante la introducción, una segunda durante el descanso intermedio y una final para cerrar la canción.
Los tres son Duane por excelencia, con sus ejecuciones melódicas menores aterrorizando el paisaje enamorado del mensaje general de la melodía, pero es ese solo de guitarra final el que realmente lleva todo a un desenlace perfecto; especialmente esa bonita lamida durante los últimos treinta segundos.
You Don’t Love Me (en vivo Fillmore East)
Este corte en vivo que dura unos quince minutos, alberga algunos de los mejores momentos de Duane. Primero están sus solos de guitarra slide. El que llega a los dos minutos es una de las eufonías más violentas que jamás haya creado. El segundo ataca aproximadamente a las 6:45 minutos. A los siete minutos, todo el mundo desconecta.
Todo está en silencio. Luego, Duane comienza a gritar estas deliciosas escalas de blues empapadas del poder y la animosidad de Hendrix, pero con la competencia de Eric Clapton. Este gigantesco solo dura aproximadamente ocho minutos, y es sencillamente increíble.
Don’t Keep Me Wonderin
Apareciendo por primera vez en el disco de 1970, "Idlewild South", este impresionante número se interpretó en vivo durante el mayor espectáculo de su carrera: su concierto en Fillmore East. El trabajo de slide de Duane aquí es en su máxima expresión. No hace muchos tecnicismos; en cambio, golpea sin piedad estos dos solos de guitarra en el escenario con impunidad.
Equipo
Allman Joys, Hour Glass Fender Telecaster, modificada con un mástil de Stratocaster
Amplificador Marshall, con seis altavoces de 10 pulgadas y dos bocinas
Primeros trabajos de sesión Fender Stratocaster de 1954, utilizada en las sesiones de Muscle Shoals Sound Studio, ahora en el Hard Rock Cafe de Londres Dallas Arbiter Fuzz Face, con viejas pilas de 9 voltios para mejorar la distorsión Fender Twin Reverb con altavoces JBL Maestro Echoplex Fender Bassman de 1959
Allman Brothers Band, Layla, trabajo de sesión posterior 1961 Fender Stratocaster (para los primeros trabajos de sesión, coincidiendo con la formación de la Allman Brothers Band) 1958–1962 Gibson ES-345 de cuerpo semihueco (primer álbum) 1957 Gibson Les Paul Standard goldtop, nº de serie. 7 3312, cambiada el 16 de septiembre de 1970 por una: 1959 Gibson Les Paul Standard cherry sunburst, excepto las pastillas 1958 Gibson Les Paul Standard tobacco sunburst, adquirida en junio de 1971 1961 Gibson SG, utilizada para slide, regalada por Dickey Betts
Cabezal Marshall de 50 vatios, dos cajas Marshall 4x12 con altavoces JBL
Amplificador combinado Fender Champ (Layla)
Otros
Guitarra acústica Gibson L-00
Cuerdas Fender Rock N' Roll 150 (Hour Glass)
Frasco de medicina Coricidin (slide)
Discografía
The Allman Brothers Band
The Allman Brothers Band (1969)
Idlewild South (1970)
At Fillmore East (1971)
Eat a Peach (1972) en las pistas 4-9
Derek & the Dominos
Layla and Other Assorted Love Songs (1970) en las pistas 4–14
Fuentes: duaneallman.com, atlantico.net, loudersound.com, futuro.cl, rollingstone.com, Wikipedia y flickr
Y me pilla la noche, cantando en el metro
y no llega a una libra en total,
y deseando salir, tengo que entrar otra vez
porque un techo de estrellas no da calor (TOPO)
